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Es un tema que se ha tratado a lo largo de la historia del ser humano y que desde siempre ha tenido gran importancia teniendo en cuenta que: todos los seres humanos mueren y la vida contiene implícitamente a la muerte, ya que todo ser vivo en algún punto morirá. Esta ha sido representada en el mundo del arte desde cientos e incluso miles de siglos atrás. Es por ello que resulta muy interesante preguntarse de que manera estas imágenes artísticas y su narrativa frente a la muerte van cambiando de acuerdo al periodo y el contexto en que han sido creadas. Teniendo en cuenta que el final de la vida siempre ha sido un tema del cual ha surgido un interés particular y por lo tanto existen muchas evidencias de su representación en el arte a través de los siglos. En mi opinión es fascinante analizar todos los pensamientos e ideas característicos de las distintas épocas y civilizaciones que giran en torno al significado que se ha dado a la muerte.

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Ficha técnica

Artista: Desconocido

Título: Caza de ballenas

Técnica: Pintura

Dimensiones:

Fecha: 7000- 1500 a.C.

Estilo/ Corriente:

Genero: Rupestre

Lugar: El médano, Chile

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Ficha técnica

Artista:

Título: Estela de Naram-Sin

Técnica: bajorrelieve

Material: Piedra caliza

Dimensiones: Grosor: 27 cm; Altura: 200 cm; Ancho: 105 cm

Fecha: 2254-2218 a.C.

Estilo/ Corriente:

Genero:

Lugar: Museo de Louvre, Paris

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Ficha técnica

Artista: Desconocido

Título: Máscara funeraria dorada del rey Tutankamón

Técnica:

Material: Oro, lapislázuli, pasta de vidrio, obsidiana, turquesa

Dimensiones: Alto: 54 cm, Ancho: 39,3 cm

Fecha: 1327-1318 a.C.

Periodo: XVIII Dinastía, Reinado de Tutankamón

Estilo/ Corriente:

Genero:

Lugar: Museo Egipcio de el Cairo, Egipto

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Ficha técnica

Artista:

Título:

Técnica:

Material:

Dimensiones:

Fecha:

Estilo/ Corriente:

Genero:

Lugar:

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La máscara funeraria de Tutankamón es una obra de arte egipcio, fechada entre el 1327 y el 1318 a.C., en la XVIII Dinastía, es decir el Reinado de Tutankamón. Mide 54 cm de alto y 39,2 cm de ancho.

La mascara está hecha en oro, lapislázuli, pasta de vidrio, obsidiana y turquesa. En la actualidad se encuentra en el Museo Egipcio de el Cairo, pero fue encontrada sobre la momia de el faraón Tutankamón.

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Lápida de neomármol, de Egina o Salamina, 430-420 a.C.

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Ficha técnica

Artista: Desconocido (Posiblemente se formó en el taller del escultor Agorakritos y participó en la construcción del friso del Partenón)

Título: Estela funeraria de mármol de un joven, procedente de la isla de Egina o de la isla de Salamina.

Técnica: Escultura

Material: mármol pentélico

Dimensiones: Alto 105 cm., ancho 85 cm.

Fecha: 430 – 420 a.C.

Genero: Clásico

Lugar: Museo Arqueológico Nacional de Grecia, Atenas

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Ficha técnica

Artista: Desconocido

Título: Sarcófago de Alejandro

Técnica: Relieve

Material: Marmol

Dimensiones: mide 194 cm. de alto y 218 cm. de largo

Fecha: finales del siglo IV a.C

Genero: griego helénico

Lugar: Museo Arqueológico de Estambul.

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Ficha técnica

Artista: Desconocido

Título: Cabeza de mármol de una anciana

Técnica: Escultura

Material: Mármol

Dimensiones: 26 x 16,5 x 19,7 cm

Fecha: 40-20 a. C.

Estilo/ Corriente: Retratistica

Genero: Romano

Lugar: Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

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Ficha técnica

Artista: Desconocido

Título: Estatua de Marco Aurelio blindado

Técnica: Escultura y bajo relieve

Material: Mármol

Dimensiones: Altura: 224 cm; Ancho: 115 cm; Profundidad: 70 cm

Fecha: 75-100 d.C.

Genero: Romano imperial

Lugar: Museo de Louvre, Paris

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Ficha técnica

Artista: Desconocido

Título: Urna

Técnica: tallado, bajorrelieve (escultura) y grabado

Material: mármol

Dimensiones: Altura: 39,5 cm; Ancho: 38 cm; Profundidad: 30 cm

Fecha: 75-100 d.C.

Genero: Romano imperial

Lugar: Museo de Louvre, Paris

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La Estela funeraria de mármol de un joven, procedente de la isla de Egina o de la isla de Salamina, es un objeto artístico de la Grecia Clásica fechada entre el 430 y el 320 a.C. Esta escultura está hecha en mármol pentélico y mide 105 cm de alto y 85 cm de ancho. En la actualidad, se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Grecia en Atenas.

Por su parte, la Estatua de Marco Aurelio blindado pertenece al periodo imperial romano y está fechada entre el 75 y el 100 d.C. Está hecha de mármol y mide 224 cm de alto y 115 cm de ancho. En el presente, se encuentra en el museo de Louvre en Paris.

Estas dos obras comparten ciertas características como su materialidad o la búsqueda de la perfección anatómica de la escultura. Así mismo, ambas representan la figura de un hombre. Sin embargo, en la estela funeraria este se evidencia con vestiduras normales para los hombres de la época. Mientras que, en la Estatua de Marco Aurelio la vestimenta da cuenta de la importancia que tenía el personaje al ser el emperador.

En cuanto a la utilidad de la obra y su relación con la muerte, la primera se creó para representar la figura de un hombre muerto con el fin de ponerla en su lapida. La segunda para ser expuesta, con el fin de que se recordara la grandeza e importancia de este personaje, incluso cuando ya no esté con vida.

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Ficha técnica

Artista: Desconocido

Título: Detalle del cubículo de los cinco santos

Técnica: Fresco

Material: Pintura

Dimensiones:

Fecha: 300 d.C.

Estilo/ Corriente:

Genero: paleocristiano

Lugar: Catacumba de San Calixto en Roma

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Ficha técnica

Artista: Desconocido

Título: Mosaico de la Virgen María

Técnica: Mosaico

Material: Oro, azulejos

Dimensiones:

Fecha: 500-600 d.C.

Estilo/ Corriente:

Genero: Bizantino

Lugar: Santa Sofía, Estambul, Turquía

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Ficha técnica

Artista: Desconocido

Título: Códice de Metz

Técnica: Manuscrito

Material: Pergamino

Dimensiones: 30 x 24 cm

Fecha: 814 d.C.

Estilo/ Corriente:

Genero:

Lugar: Biblioteca nacional de España

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El mosaico de la Virgen María es un mosaico hecho de oro, piedras preciosas y azulejos, fechado entre el 500 y el 600 d.C, en el periodo bizantino. Esta obra se encuentra desde su creación y hasta la actualidad en la iglesia de Santa Sofía, en Estambul, Turquía.

En el se encuentra la Virgen con una vestimenta oscura, sentada en un trono sin respaldo. También, con sus pies apoyados en un pedestal, adornado con piedras preciosas. En el regazo de María se encuentra el Niño Jesús, quien da la bendición con su mano derecha y con su otra mano sostiene un pergamino.

En el costado izquierdo se representa la figura de Constantino usando traje ceremonial y presentándole un modelo de la ciudad de Constantinopla a la Virgen. A su lado hay una inscripción que dice "Gran emperador Constantino de los Santos". Por su parte, el costado derecho contiene la figura de Justiniano quien ofrece un modelo de la Iglesia de Santa Sofía.

En cuanto a las características intrínsecas de la obra, se puede ver que todos los personajes tienen una aureola en su cabeza lo que hace referencia a la idea de la época de que los emperadores eran figuras casi divinas. Debido a la posición de las figuras y a las ofrendas que los emperadores le presentan a la Virgen, se evidencia la representación de la supremacía de la religión sobre todo lo terrenal, que debe rendir pleitesía. Además, por su ubicación es posible identificar que este mosaico servía como ventana de acceso al mundo espiritual al cuál se llegaba luego de la muerte. De alguna forma, las iglesias y los mosaicos presentes en ellas daban una idea de lo que era la vida eterna luego de la muerte, de acuerdo a la religión.

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Ficha técnica

Artista: Anónimo

Título: Frontal del altar de Durro

Técnica: Pintura

Material: Tabla

Dimensiones: 98 x 129,3 x 6,5 cm

Fecha: Mediados del siglo XII

Estilo/ Corriente: Románico

Lugar: Museo Nacional de Arte de Cataluña, España

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Ficha técnica

Artista: Giunta Pisano

Título: Crucifix

Técnica: Tempera/pintura

Material: Madera

Dimensiones: 316 x 285 cm

Fecha: 1240s d.C.

Estilo/ Corriente: Gótico

Genero:

Lugar:

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El frontal del altar de Durro es una pintura en tabla de mediados del siglo XII. Esta obra del periodo románico mide 98cm de alto, 129,3cm de largo y 6,5cm de ancho y se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña en España.

Por su parte, el crucifix de Giunta Pisano es una pintura datada en 1240 d.C. Su técnica es la tempera en madera y pertenece al periodo Gótico. Sus dimensiones son de 316cm de alto y 285cm de largo.

Estas dos obras comparten ciertas características como la temática religiosa de ambas y la idea del sufrimiento como amor tan propia del cristianismo. En este caso ese sufrimiento representado como la muerte, por un lado de San Quirce y Santa Julita siendo torturados hasta morir y por el otro de Jesús en el momento en que es crucificado.

Aun así, las obras difieren en el estilo ya que el crucifico está representado de una forma mucho más realista y con un estudio más detallado de la anatomía, las sombras y las poses, mientras que el altar de Durro representa los personajes de una manera mucho menos realista y en segunda dimensión ya que no da la sensación de tener volumen.

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Ficha técnica

Artista: Giovanni Bellini

Título: Crucifixión

Técnica: Tempera (¿y óleo?)

Material: Tabla

Dimensiones: 54,5x30cm

Fecha: 1465 d.C. – 1470 d.C.

Estilo/ Corriente: Renacimiento

Genero: Pintura italiana

Lugar: Fundación Museos Cívicos de Venecia

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Ficha técnica

Artista: Lucas Cranach el Viejo

Título: Crucifixión

Técnica: Óleo

Material: Madera

Dimensiones: ancho 46,5 x alto 67 cm

Fecha: 1506-1520

Estilo/ Corriente: Renacimiento

Genero: Nórdico

Lugar: Museo de Arte de Statens

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Ficha técnica

Artista: Miguel Ángel y Giulio Bonasone

Título: Crucifixion con dos angeles

Técnica: Grabado y aguafuerte

Material: Papel

Dimensiones: (30,6 x 19,6 cm)

Fecha: 1540

Estilo/ Corriente: Renacimiento del siglo XVI

Lugar: The Metropolitan Museum of Art

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Crucifixion with Two Angels - The Metropolitan Museum of Art

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La crucifixión de Bellini es una pintura en tabla datada entre 1465 d.C. – 1470 d.C. Pertenece a la época del renacentismo italiano y se encuentra en la Fundación de Museos Cívicos de Venecia. Mide 54,5cm de alto y 30cm de ancho y está hecho de tempera y probablemente óleo.

En esta pintura se representa en primer plano a Jesús con piel pálida en el momento de la crucificción, junto con la Virgen María a la izquierda y San Juan bautista a la derecha. Al fondo se encuentra un extenso paisaje con querubines que lloran la muerte del hijo de Dios. Además, se muestra un lago con un puente de madera, una cantera, algunas casas y algunas figuras.

En las expresiones de la Virgen y el Santo se ve el extremo dolor y sufrimiento. Además, la pequeña herida que tiene Jesús al costado señala que este ya ha muerto. Así mismo es importante resaltar el contraste entre el fondo tranquilo e incluso bello con el tema central de la obra representado en el primer plano que es la muerte de Jesús en la cruz.

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Ficha técnica

Artista: Artemisia Gentileschi

Título:Judit decapitando a Holofernes (Giuditta che decapita Oloferne)

Técnica: Óleo sobre lienzo

Material: Lienzo

Dimensiones: 146,5x108cm

Fecha: 1620 c.

Estilo/ Corriente: Barroco

Genero:

Lugar: Galería Uffizi, Florencia,  Italia

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Ficha técnica

Artista: Anne-Louis Girodet de Roucy-Trioson

Título: Burial of Atala

Técnica: Óleo en lienzo

Material: Lienzo

Dimensiones: 54.6 × 62.2 cm

Fecha: después de 1808

Estilo/ Corriente: Neoclásico

Genero: Pintura

Lugar: The J. Paul Getty Museum, Los Angeles

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Ficha técnica

Artista:Théodore Géricault

Título: Estudio de dos cabezas cortadas

Técnica: Óleo sobre lienzo

Material: Lienzo

Dimensiones: 60 x 48 cm

Fecha: 1819

Estilo/ Corriente: Pintura romantica

Genero: Naturaleza muerta

Lugar: Musée des beaux-arts de Rouen

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Judit decapitando a Holofernes es una pintura realizada en la técnica de óleo sobre lienzo datada en el año 1620 d.C. Está obra de Artemisia Gentileschi pertenece al periodo del barroco, mide 146,5 cm de alto por 108cm de largo y se encuentra en la Galería Uffizi en Florencia,  Italia.

Por otro lado, el estudio de dos cabezas cortadas de Théodore Géricault es un óleo sobre lienzo datado de 1819 d.C. La pintura de corriente romántica mide 60cm de largo y 48cm de alto y es una naturaleza muerta ubicada en el Musée des beaux-arts de Rouen.

Las obras se asemejan en las tonalidades opacas y la temática de la muerte y la decapitacion siendo una de ellas la representación de el momento en que decapitan a Holofernes y la otra dos cabezas decapitadas

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Ficha técnica

Artista: Antonio Gisbert

Título: Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga

Técnica: Óleo

Material: Lienzo

Dimensiones: 392,5 x 602,5 cm

Fecha: 1888

Estilo/ Corriente: Realismo

Lugar: Museo del Prado, Madrid, España

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Ficha técnica

Artista: Claude Monet

Título: La pie

Técnica: Óleo

Material: Tela

Dimensiones: Altura 89,0; L. 130,0 cm.
con marco H. 120,5; L. 164 cm.

Fecha: Entre 1868 y 1869

Estilo/ Corriente: Impresionismo

Genero: Paisaje

Lugar: Museo de Orsay, Paris, Francia

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Ficha técnica

Artista: Pablo Picasso

Título: Masacre en corea

Técnica: Óleo

Material: Tela

Dimensiones: 110 x 210 cm

Fecha: 1951

Estilo/ Corriente: Cubismo

Lugar: Musée national Picasso-Paris

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Masacre en Corea es una pintura realizada en la técnica de óleo sobre tela datada en el año 1951 d.C. Esta obra de Pablo Picasso pertenece a la vanguardia del cubismo, mide 110cm de alto y 210cm de largo y se encuentra en el Museo Picasso de París, Francia.

Al fondo de esta obra se representa un paisaje desolado en el que se divisan escombros de edificios. En primer plano se pueden ver seis soldados que se disponen a fusilar a un grupo de mujeres y niños. Los militares usan trajes que asemejan a los de un robot, mientras que las victimas aparecen desnudas y con gestos de lamento y preocupación por lo que está a punto de suceder. Solo hay un menor que al no entender la situación está jugando en el suelo.

La obra es una denuncia por las matanzas civiles que se llevaron a cabo durante la guerra de Corea por parte del ejercito estadounidense. La temática de la obra tiene una relación directa con la muerte ya que el artista critica la gran cantidad de muertes injustas que se dieron durante el periodo de la guerra fría, crítica que realiza mediante la representación del momento previo al fusilamiento y muerte de civiles.