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Las cosas que surgen
espontaniedad
accion reaccion
Lo que no esta planeado

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Levalet sale a la calle con las pupilas bien abiertas, dejando que la arquitectura urbana le inspire. Para él la calle es el lienzo donde pintar su obra -en su caso, pegar- y la mejor oficina del mundo

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Javier Pérez, es capaz de trascender el objeto común, como si una nueva imagen emergiera de pronto de él "para cambiar su significado", ayudado por unos pocos trazos. A veces la ilustración se simplifica al máximo. Se trata de terminar lo que empezó el objeto y con dos toques de lápiz un clip se convierte en trompeta o una grapadora en Alien.

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https://www.canon.es/pro/stories/flour-dance-photography/

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"¡No lo intentes en casa!", advierte el embajador de Canon Sascha Hüttenhain al describir el proceso que sigue para fotografiar sus increíbles imágenes a alta velocidad de bailarines envueltos en nubes de polvo. Uno de los elementos principales de las sesiones de fotos como estas es unos 15 kg de harina, que sus ayudantes colocan en un recogedor y lanzan al modelo desde cualquier ángulo.

Sascha es conocido por su estilo refinado y minimalista en trabajos de danza, retratos, moda y publicidad para clientes nacionales e internacionales, realizados tanto en exteriores como en sus estudios fotográficos de Fráncfort y Siegen (Alemania). Sin embargo, es en sus imágenes artísticas de bailarines donde confluyen esa excelencia técnica y creatividad.

"La parte más complicada es saber el momento oportuno en el que soltar el obturador mientras el bailarín baila desenfrenadamente", comenta Sascha. "Esto solo se aprende con la experiencia. Pero naturalmente, una cámara con un sistema de enfoque automático rápido y fiable también sirve de ayuda". Esta es la razón por la que utiliza principalmente la EOS-1D X Mark III, la cámara de acción estrella de Canon. Además, por esta misma razón, ha vuelto a utilizar la EOS R6 de Canon, que cuenta con una velocidad de enfoque automático de 0,05 segundos, en su último proyecto para fotografiar a un bailarín de breakdance.

En este artículo, Sascha nos habla de sus técnicas creativas para la fotografía de danza, incluida la iluminación que utiliza para fotografiar bailarines y nubes de harina en movimiento en un fondo oscuro.

Utiliza luces con una salida rápida
Sascha no dispone de una opción de iluminación estándar para sus fotografías de danza, prefiere decidir su aspecto "espontáneamente, cuando veo al sujeto y la ropa que lleva". Utiliza luces de estudio en lugar de Speedlites porque tienen mayor resolución y una gama más amplia de modificadores de luz, lo que le ofrece más opciones creativas.

"Para los disparos a alta velocidad realizados en el estudio, lo más importante es que las luces incorporen un flash de corta duración", comenta. "La velocidad de sincronización del flash de la cámara no desempeña un papel importante en este tipo de trabajo. Por lo general, siempre utilizo una velocidad de obturación de entre 1/60 y 1/250 segundos. Dicho esto, también tengo imágenes en mi cartera en las que el obturador ha estado abierto durante varios segundos antes de que se activara el flash para registrar una mezcla de desenfoque y nitidez. Incluso en ese momento, también es importante utilizar luces con una corta duración de salida, ya que permite congelar el movimiento del bailarín mientras salta y realiza otros movimientos rápidos".

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Intenta ser espontáneo
"Cuando empecé, adquirí experiencia haciendo fotos en obras de teatro", comenta Sascha. "Aunque era algo increíble, nunca llegué a opinar sobre el proceso, la escena, la pose o la iluminación. Por esta razón, decidí invitar a los bailarines a mi estudio porque allí podía poner en práctica mis propias ideas de la mejor manera posible".

"Hasta el momento, sigo planificando y preparando cada sesión, sobre todo en lo que respecta al vestuario y al estilismo. Una sesión de fotos supone un esfuerzo conjunto entre el modelo y el fotógrafo. A mí me gusta que los bailarines tengan su espacio para que puedan desarrollar sus propias ideas. Además, siempre se producen situaciones espontáneas y fortuitas durante la sesión que hay que aprovechar".

Revisa y consulta
Para que el bailarín participe en el proceso creativo, Sascha suele conectar de forma inalámbrica la cámara que utiliza a un ordenador portátil desde el que todos los participantes de la sesión pueden ver rápidamente una vista previa en formato JPEG de sus imágenes. "Lo hago tanto si estoy trabajando en un estudio como en el exterior, ya que los demás pueden evaluar las imágenes mientras yo fotografío, además de pensar diferentes formas de mejorarlas. Esto agiliza el flujo de trabajo y aumenta la motivación de todos los participantes. Una pantalla más grande permite perfeccionar los pequeños detalles que pueden hacer que una imagen sea mejor o peor y ayuda a evitar cualquier error".

Desata tu creatividad con la harina
Hacer fotos a alta velocidad de bailarines que bailan entre nubes de harina es una tarea bastante compleja por lo que, como es lógico, es importante reservar un espacio suficientemente amplio para la sesión. "Suelo realizar estos proyectos en una sala, pero sea cual sea el lugar que elijas, debe ser espacioso y estar bien ventilado", comenta Sascha.

Cómo funciona el enfoque automático inteligente

Descubre cómo el sistema inteligente de enfoque automático de la EOS R5, EOS R6 y EOS-1D X Mark III de Canon "hace que sea prácticamente imposible dejar escapar una toma".

En lugar de lanzar puñados de harina él mismo, Sascha deja que lo hagan sus ayudantes o el propio bailarín. "Como puedes imaginar, si quieres conseguir una fotografía increíble es fundamental que tengas una coordinación y sincronización precisas. La cantidad de harina y la distancia desde donde se tira suelen determinar si las partículas grandes o pequeñas son visibles, además de desempeñar un papel importante en la forma y textura de las nubes".

"En cuanto a la iluminación de este tipo de imágenes, utilizo luces estroboscópicas en cajas de luz de tiras de 30 x 180 cm, situadas a la izquierda y derecha del sujeto. Si iluminas la escena desde arriba, también puedes conseguir imágenes increíbles. Utilizo un ajuste de potencia de nivel medio en las luces para poder realizar una secuencia de disparos a 16 fps con mi EOS-1D X Mark III de Canon".

Las lámparas calientes y las nubes de polvo de harina no se mezclan bien, por lo que Sascha recomienda cubrir las luces y las baterías para protegerlas. "Es importante que te tomes un descanso después de una hora aproximadamente para que el polvo se asiente y la concentración en la sala no sea demasiado excesiva".

Aprende la rutina
Congelar los movimientos de ballet con el flash es bastante complicado, pero aún lo es más mantener enfocada la variada gama de movimientos que realiza un bailarín callejero o de breakdance, por no hablar de encuadrar y capturar el momento perfecto. Sascha cree que entender correctamente los "ritmos" rutinarios es fundamental para planificar las posiciones de la cámara y la iluminación.

"Tanto los bailarines de ballet como los de breakdance se mueven muy deprisa, por lo que es importante que el bailarín te guíe por sus movimientos antes de hacer la foto, ya que esto te permitirá ajustar la cámara y prepararte para la acción. Para la foto del bailarín de breakdance, sabía que colocar la cámara muy abajo era importante, porque de esta manera el bailarín tendría mayor presencia en la imagen que si se hiciera desde un ángulo más alto. También utilicé una longitud focal corta de 24 mm para asegurarme de que había suficiente espacio en el encuadre".

Fotografiar a un bailarín de breakdance en plena acción requiere el uso de un sistema de enfoque automático que permita seguirle el ritmo. Sascha afirma que el rápido sistema Dual Pixel CMOS AF de la EOS R6 de Canon es "perfecto" para este tipo de situaciones. "Utilicé el Servo AF de la cámara y activé el AF de seguimiento de los ojos y la cara. De hecho, se quedó bloqueado durante todo el proceso. Funcionó a la perfección, incluso durante los movimientos y giros rápidos. Los disparos en serie a alta velocidad de hasta 20 fps de la EOS R6 también fueron ideales para la imagen del bailarín de breakdance".

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"¡No lo intentes en casa!", advierte el embajador de Canon Sascha Hüttenhain al describir el proceso que sigue para fotografiar sus increíbles imágenes a alta velocidad de bailarines envueltos en nubes de polvo. Uno de los elementos principales de las sesiones de fotos como estas es unos 15 kg de harina, que sus ayudantes colocan en un recogedor y lanzan al modelo desde cualquier ángulo.

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Ida Skivenes, que bajo el nombre de Ida Frosk ha conseguido un gran número de seguidores gracias a su talento para reinventar los platos. Esta noruega empezó creando composiciones con su comida como hobby, pero ahora se ha emprendido en un carrera dedicada por completo a la creación artística. Sus dibujos hechos con alimentos vegetarianos (que se come después de fotografiar) son tan simpáticos como apetecibles, consiguiendo animar nuestras cocinas (y estómagos) con un poco de imaginación y buen humor.

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Kerstin Hiestermann es una artista alemana, que bajo el pseudónimo de Spielkkind desarrolla una fantástica carrera como diseñadora gráfica. En su cuenta de Instagram comparte su trabajo: en la misma línea que Javier Pérez Estrella, un objeto cualquiera, una imaginación desbordante y unos pocos trazos son suficientes para crear dibujos tan simpáticos como bonitos que reúnen sencillez y talento y sacan una sonrisa a quien los ve.

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Terry Border es un escultor y fotógrafo estadounidense que recrea escenas completas mediante objetos, comida, dibujos y alambre que después retrata y comparte en su página web. Su proyecto, que se llama Bent Objects, se caracteriza por su ácido sentido del humor y su capacidad de dar una nueva perspectiva a las cosas que vemos a diario. Todas las viñetas que construye son tan visualmente impactantes como divertidas, demostrando un gran talento no solo para dar un giro a las cosas en apariencia más ordinarias, sino para unir varias ramas artísticas diferentes en una única obra.

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Víctor Nunes es un artista brasileño con el poder de reinventar todo lo que ve (comida, objetos, incluso desechos) en arte a través de sus dibujos. La imaginación de este artista transforma envoltorios de caramelo o palomitas de maíz en rostros, animales u objetos completamente distintos , gracias a unos sencillos trazos de lápiz con los que compone escenas realmente curiosas y divertidas.

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Este artista se inspira en las marcas que su taza de café dejaba sobre los folios en blanco. Reinventando estos círculos, el estadounidense los convirtió en las ruedas de motos, coches, y bicicletas, en el objetivo de una cámara, en marcos para pequeñas escenas… Solo con un lápiz y estos cercos parduscos, es capaz de crear imágenes muy cuidadas que después fotografía con la misma elegancia.

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La actriz Marlène Dietrich agrede al fotógrafo Francis Apesteguy en 1975. La escena la captó el paparazzi Cécile Angeli

https://www.20minutos.es/noticia/2070507/0/paparazzi/exposicion/pompidou-metz/

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su primera creación vinculada a la práctica sensorial, la percepción, en línea con el arte procesual.

https://www.esbaluard.org/actividad/eulalia-valldosera/

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Artista que desarrolló un estilo documental muy propio, directo e incluso visceral. Es recordada por algo es por sus fotos de personas al margen de la sociedad como artistas de circo, prostitutas o personas transgénero... que miran directamente a cámara, constituyendo unos retratos íntimos, intensos y, muchas veces, inquietantes. Muestra una parte de lo cotidiano a lo que quiza no estamos acostubrados

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VOKA es un pintor plástico y creador del “Realismo Espontáneo” (Spontaneous Realism), que viene a ser una corriente pictórica que se caracteriza por la forma inmediata y espontánea en su realización, maestro de la pintura acrílica, llenas de mucha expresión, donde el color alegre y fuerte, la forma y los pigmentos son su mayor significado.

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Un grupo de Flickr llamado ‘The Art of 3D Print Failure’ reúne a un grupo de artistas que recopilan peculiares figuras. Si no fuera por sus extraños gustos seguramente habrían acabado en la basura. Entre su selección puedes encontrar desde moldes incompletos a simples filamentos que forman una maraña de espaguetis plastificados.

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Las creaciones englobadas bajo este término se basan en el azar e incluso en su parte más negativa: los errores. Concretamente, los fallos informáticos que se producen a la hora de procesar una fotografía.

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Milk Drop Coronet, Harold Edgerton, 1957

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Milk Drop Coronet, Harold Edgerton, 1957

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El profesor Edgerton comenzó una serie de experimentos en su laboratorio del MIT, inventando una cámara que fotografiara un momento fugaz en la oscuridad.

Combinando una iluminación estroboscópica de alta tecnología y un obturador de cámara que permitiera al fotógrafo capturar un momento invisible a simple vista. Junto a su cámara, colocó un cuentagotas de leche junto a un temporizador.

Su fotografía en stop-motion fue capaz de congelar el impacto de una gota de leche sobre una mesa y cimentó la importancia de la fotografía en el mundo del avance de la comprensión humana de nuestro mundo físico.

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Bello Horizonte de Escazú alberga un rincón muy particular, en el que conviven diferentes especies de aves: pelícanos, colibríes, pingüinos; un sitio donde los cardúmenes y las tortugas dialogan en verdes escenarios con armadillos, osos hormigueros, elefantes, antílopes y hasta con las serpientes, todos acompañados por el armonioso canto de aves que se posan en los árboles que crecen alrededor.
Estos animales forman parte de la creación artística del escultor costarricense José Sancho, que, tras sus 45 años de trayectoria, acumula en su haber cerca de mil piezas escultóricas hechas en madera, piedra, mármol, granito o hierro; muchas de las cuales hoy deslumbran con su belleza en el jardín escultórico que bordea su morada-taller.
No hay un proceso racional, sino que esto surge espontáneo, indómito y primitivo de las propias entrañas.

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El fotoperiodista Eddie Adams, ganador del Premio Pulitzer, estaba en las calles de Saigón el 1 de febrero de 1968 fotografiando la devastación de la guerra.

Creyendo que estaba presenciando una ejecución rutinaria de un prisionero. Miró a través del visor de su cámara, para capturar la escena. Pero lo que captó fue el asesinato casual del prisionero.

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En esta, una de sus fotos más icónicas, Henri Cartier-Bresson captó una escena a través de una valla detrás de la estación de tren de Saint-Lazare en París.

Esta imagen se convirtió en el ejemplo perfecto de lo que Cartier-Bresson denominaba «El instante decisivo».

El fotógrafo francés es considerado a menudo el padre del fotoperiodismo moderno. Acuñó el término «El Instante Decisivo» para referirse a un momento en el que el fotógrafo capta un segundo fugaz, inmortalizándolo en el tiempo. (acción-reacción)

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La imagen de Capa de un miliciano español siendo fusilado fue tomada sin que él mirara por su visor.

Esta imagen, tomada sosteniendo su cámara por encima de su cabeza mientras estaba en las trincheras, llevó la fotografía de guerra a un nivel diferente. Poco después, los periodistas empezaron a integrarse formalmente en las unidades del ejército al darse cuenta de su importancia para captar y documentar los horrores de la guerra.

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Myoung Ho Lee es un fotógrafo coreano que en su obra “Tree” retrata árboles en su entorno simplemente poniéndoles un lienzo blanco detrás. Con esto consigue darles una individualidad y personalidad a cada árbol que de otra forma nos pasaría desapercibida a quienes no sabemos de botánica. No hay dos árboles iguales.
Trabaja des de la espontaneidad, ya que ve un arbol que le gusta y hace una intervención en el.

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La obra de Jason Decaires depende de la colaboración con la naturaleza. Pero además, tiene una importante función de conservación y protección del fondo marino. Hace esculturas que instala en el fondo del mar hechas con hormigón con ph neutro que favorece que los corales crezcan en ellas, incrementando la biomasa marina y la reproducción de especies.
Esto hace que las esculturas tomen vida propia y que sea impredecible saber cómo irán evolucionando. Por tanto la obra no solo la hace el artista, sino que también depende de la espontaneidad de la naturaleza.

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Cj Hendry  · Test de Rorschach · Pintora

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Cj Hendry  · Test de Rorschach · Pintora

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https://mymodernmet.com/es/dibujos-test-rorschach-cj-hendry/

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A primera vista, las piezas de Cj Hendry parecen enormes manchas de pintura al óleo. Sin embargo, en realidad son dibujos hechos con lápices de colores. La talentosa artista ha dibujado estas salpicaduras de pintura por varios años , pero su proyecto más reciente-titulada Rorschach -añade una capa psicológica a su trajo.

La colorida serie se basa en pruebas hechas con salpicaduras de tinta (también conocidas como test de Rorschach). Si no conoces estas pruebas, son un método de evaluación psicológica mediante el cual se analizan las percepciones que los sujetos tienen de estas manchas de tinta. En el caso del trabajo de Hendry, es posible que veas mariposas, flores o tal vez solo pintura embarrada. Más allá de lo que veas, el trabajo de Hendry alienta a los espectadores a detenerse y mirar más de cerca. Cada uno de estos trabajos a gran escala comparte nombre con un thriller psicológico; por ejemplo, una mancha de pintura amarilla, púrpura y azul se llama Shutter Island (La isla siniestra), mientras que otra lleva el nombre de la película Black Swan (El cisne negro).

Si estás en Nueva York, puedes ver estos extraordinarios dibujos en persona en la exposición individual que Hendry tendrá en Brooklyn hasta el 21 de abril de 2019.

Las piezas de la artista Cj Hendry parecen manchas de pintura, pero en realidad están hechos con lápices de colores.

Su proyecto más reciente, Rorschach, se inspira en el famoso test psicológico.

¿Qué ves en las "manchas de pintura"?

My Modern Met obtuvo permiso de Cj Hendry para reproducir estas imágenes.

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Los mejores lápices de colores para principiantes y artistas profesionales Dibujos hiperrealistas muestran cómo el cambio climático ha transformado el paisaje ártico Estas pinturas hiperrealistas de alfombras esconden figuras misteriosas debajo de ellas

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Estas gigantes manchas de pintura en realidad son dibujos a lápiz

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A primera vista, las piezas de Cj Hendry parecen enormes manchas de pintura al óleo. Sin embargo, en realidad son dibujos hechos con lápices de colores. La talentosa artista ha dibujado estas salpicaduras de pintura por varios años , pero su proyecto más reciente-titulada Rorschach -añade una capa psicológica a su trajo.

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Se trata de la exhibición “Extractos de habitar y una casa”, a cargo de la artista Ximena Aguilar.

La exposición se compone de collages en 2D y en 3D, utilizando además la técnica de moldeado en yeso.

Algunas de las piezas exhibidas son de uso cotidiano del hogar, como vasos, tenedores, platos. En la muestra se descontextualizan, provocando una reflexión sobre la vida diaria.

https://sanjosevolando.com/eventos/2019/7/11/la-cotidianidad-se-refleja-desde-el-arte-contemporneo

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https://www.laverdad.es/ababol/arte/envidia-fotografos-20181208011050-ntvo.html

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Andy Goldsworthy es un escultor escocés que lleva desde los años setenta haciendo sus obras con materiales naturales como hojas, ramas, hielo, piedras o nieve. Una vez realizadas luz del sol, el viento, las mareas o simplemente el paso del tiempo terminan devolviéndolas a la tierra. Después de horas de trabajo montando cada obra, desaparecerán en poco y eso es parte del proceso y de la obra en sí. Por eso, su trabajo sólo podemos conocerlo a través de fotografías o vídeos o alguna de las exposiciones que hace usando siempre los mismos materiales.

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en sus obras todo es casualidad, destino, aparente caos y una estructura de pensamiento super-compleja. “Mis pinturas son formas de llegar a una declaración”, decía.

https://www.clarin.com/sociedad/jackson-pollock-pintor-obra-arte_0_SypDldhvQe.html

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El rostro de Cristo, pintura del barroco tardío de Elías García, quedó con cabellera de mono, boca difuminada y nariz torcida, resultado de una "restauración" que le causó grandes daños.

https://www.dw.com/es/obras-de-arte-echadas-a-perder/g-53917909

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La exhibición se enfoca a la relación entre el cuerpo, el movimiento y el sentido del mismo, así como la relación entre la gente y lo que les rodea.

https://www.paredro.com/juegos-de-luz-y-sombras-conforman-exposicion-de-olafur-eliasson-en-el-mflv/

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Bal comenzó esta serie, llamada Shadowology (“Sombralogía”), en mayo de 2016, cuando el artista trabajaba en un guión cinematográfico. Mientras estaba sentado en su escritorio, notó que la sombra de una taza de té parecía un pequeño elefante, así que completó la imagen con su pluma.

https://mymodernmet.com/es/arte-con-sombras-vincent-bal/

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Hacer sombras con las manos -conocidas como "sombras chinas" en algunas regiones- es un pasatiempo infantil que la mayoría de nosotros recuerda con cariño, pero el cineasta y artista belga Vincent Bal convierte estos juegos de sombras en arte. Sus divertidas ilustraciones combinan las sombras proyectadas por objetos cotidianos con dibujos hechos a mano alzada para darle vida a un grupo de personajes singulares.

Bal comenzó esta serie, llamada Shadowology ("Sombralogía"), en mayo de 2016, cuando el artista trabajaba en un guión cinematográfico. Mientras estaba sentado en su escritorio, notó que la sombra de una taza de té parecía un pequeño elefante, así que completó la imagen con su pluma. Después, le tomó una foto a su dibujo y la publicó en Instagram. La reacción de sus seguidores fue tan positiva que se puso una meta: hacer un nuevo dibujo con sombras cada día, y ha cumplido su promesa.

Desde entonces, Bal ha conseguido más de 600,000 seguidores en Instagram, y es fácil ver por qué: sus creativos dibujos con sombras hacen sonreír a cualquiera. Cada pieza muestra las sorprendentes escenas que pueden producirse con un objeto sencillo e iluminación ingeniosa. En una imagen, la sombra de una llave es reimaginada como los audífonos de un DJ, y en otra, un par de tijeras crean la sombra perfecta para un vaquero a punto de disparar. Otros objetos, como un vaso texturizado, crean la ilusión de una piscina iluminada por el sol.

Bal se encuentra trabajando en una película para Shadowology, en la que incorporará sus famosos dibujos. Mientras tanto, puedes ver más de sus dibujos en Instagram, y también puedes adquirir algunas impresiones de sus trabajo en Etsy. Además, Bal publicó un libro con sus ilustraciones, el cual puedes encontrar en Amazon.

Vincent Bal convierte la sombra de los objetos en divertidos personajes.

Se basa en objetos cotidianos para crear lineas y formas.

Este imaginativo artista complementa los personajes con elementos ingeniosos.

¡Estas ilustraciones seguro te harán sonreír!
Vincent Bal: Sitio web | Facebook | Instagram | Twitter | YouTube | Etsy
My Modern Met obtuvo permiso de Vincent Bal para reproducir estas imágenes.

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Encantadoras ilustraciones celebran los momentos alegres y sencillos de la vida cotidiana Estas brillantes ilustraciones sobre la sociedad contemporánea te harán replantearte la vida Artista se inspira en objetos cotidianos para crear espectaculares diseños de naves espaciales

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Arte con sombras: Objetos comunes se convierte en divertidos personajes

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Hacer sombras con las manos -conocidas como "sombras chinas" en algunas regiones- es un pasatiempo infantil que la mayoría de nosotros recuerda con cariño, pero el cineasta y artista belga Vincent Bal convierte estos juegos de sombras en arte.

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cuando accidentalmente derramó café sobre algunos papeles. En lugar de tirarlos a la basura, el ilustrador comenzó a dibujar encima de las salpicaduras ya secas, llenando las formas y líneas faltantes para crear su primer monstruo de café
https://mymodernmet.com/es/monstruos-cafe-stefan-kuhnigk/

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https://www.youtube.com/watch?v=jRIUu0nxqkc

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Dame Jocelyn Barbara Hepworth · Escultora

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Dame Jocelyn Barbara Hepworth · Escultora

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Algo que caracterizó su obra fue su uso de la técnica de tallado directo, un método en el que el proceso depende más de las cualidades de las materias primas que del modelo preconcebido del artista acerca de cómo será su obra. Por eso, en su obra lo que prima es la espontaneidad y la búsqueda de la belleza en elementos de la naturaleza, principalmente en la madera y la piedra.

https://www.lanacion.com.ar/cultura/barbara-hepworth-poder-lo-espontaneo-escultura-nid2430530/

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Para Ivan, el arte pleno es aquél que se logra al margen de la intención discursiva, cuando el hacer de las manos sobre el material sucede sin la mediación de un concepto. Así, sus piezas emergen de la autonomía de los procesos y de la materia en la libertad de su esencia. El resultado es espontáneo, fluye, como la plática del artista.

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/915778/conoce-las-esculturas-de-ivan-kurov-que-exploran-la-naturaleza-y-transformacion-del-espacio

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Mediante la escultura y el dibujo, Ivan Kurov (Ciudad de México, 1982) explora la naturaleza y la transformación, en sus definiciones más amplias. Si en la primera estudia las propiedades químicas del material y la física del objeto, sus cuadros
enmarcan la confrontación entre el paisaje orgánico y la intervención de la arquitectura humana. Para Ivan, el arte pleno es aquél que se logra al margen de la intención discursiva, cuando el hacer de las manos sobre el material sucede sin la mediación de un concepto. Así, sus piezas emergen de la autonomía de los procesos y de la materia en la libertad de su esencia. El resultado es espontáneo, fluye, como la plática del artista.

Él se autodenomina marginal -haciendo referencia al art brut- por mantenerse fuera de la escena actual. Lejano de la vorágine comercial y las convenciones, se identifica más con lo outsider. Así lo hizo desde el principio. Tras sus estudios en el CEDART Diego Rivera, Kurov hizo la licenciatura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda", precisamente durante el periodo de cambio de la carrera de Artes Plásticas a la de Artes Visuales. Aunque las tendencias tecnológicas y conceptuales tomaron mayor fuerza en el plan de estudios, Iván se ancló a la formación práctica de línea más tradicional.

Sobre su trayectoria, es posible señalar tres fases creativas. Primero, una bajo la influencia de José Luis Sánchez Rull, quien fue su profesor y de quien legó un estilo recargado y violento que se expresó en dibujos narrativos de gran escala. Luego, la que él llama su etapa apropiacionista, en la que, emancipado del maestro, se acerca de propia mano a autores como Antoni Tàpies y William Hogarth, para conjuntar la mixtura técnica de uno con el sentimiento crítico del otro y llegar a un carácter estético propio.
Ivan Kurov ha sido becario del FONCA y ha continuado su formación en la Casa del Lago y el Centro Multimedia del CENART. Su obra ha estado en exposiciones colectivas dentro y fuera de México: "Polifonía sondable", Casa de cultura de Oaxaca (2004), "Inter-Méx", Perú (2005), Encuentro Nacional de Arte Joven (2007), "Gallery not gallery", edificio Basurto (2009) y en las galerías Distrito 14 (2010), La Brújula (2016) y Marte 221 (2018). Y, de manera individual, ha presentado "Reconstrucción del complejo A", Casa de cultura de Pachuca, Hidalgo (2009), "Outsider City", Distrito 14 (2013) y "Ciudades Imaginarias", Embajada de España en México (2014). Además de que dibujos suyos fueron publicados en los libros Round de Sombra de Abraham Cruzvillegas y Rock, mi religión de Dan Graham.
Actualmente, Ivan Kurov se ha volcado a la escultura y el trabajo bidimensional de representación abstracta. "Lo explícito acorrala", piensa, por lo que en sus dibujos priman formas -quizá sólo impresiones- que sugieren volcanes, árboles y estructuras-raíces, en un ritmo escheriano de fractales sin matemáticas de fondo. Prefiere trabajar con pluma fuente, pues así logra un trazo continuo que da rienda suelta a la voluntad de los materiales. "La pintura con pincel se siente interrumpida", dice mientras pone el disco Statea de Murcof y Vanessa Wagner. En su camino, el artista ha generado un proceso que combina la superposición de elementos y la intervención de todos los planos del soporte.

Mientras que su estilo pictórico se expresa en cuadros de vinil recortado sobre papel con veladuras en óleo, pintura -sobre y debajo- planchas de acrílico y monocromáticos mapamundis ficticios; el moldeado de sus piezas responde a las ideas del arte povera: recuperación, ensamblaje y resignificación de objetos naturales y cotidianos. Además del juego con lo opaco y las transparencias, la cromática de su obra suele discurrir del ocre al negro y de éste al blanco, pero cuando se lanza sobre los
colores prefiere la intensidad que alcanza la tinta serigráfica. En estos casos las brochas y espátulas en sus trazos recuerdan a German Venegas.

De texturas orgánicas y detalladas, las esculturas de Kurov podrían hablar de aldeas de un mundo distópico, casi primitivo; de un futuro truncado en derrumbes y raíces expuestas. Sin embargo, él explica sus piezas como el resultado de la experimentación constructiva en otra escala, del juego con el espacio, con la naturaleza y la reacción espontánea de la cerámica, la porcelana y el barro. Y, bajo este mismo entendido, es que Ivan convierte también la luz y la sombra en
materiales de la composición.

Pararse frente a uno de sus dibujos a gran escala, es como quedar frente a una pantalla donde se transmite un sueño. Uno propio, no de el artista. Sus trazos largos presentan un mundo interior tan abierto que bien puede ser el de cada espectador. Un paisaje en llamas que arde bajo el incendio propio, esa catástrofe que todos llevamos dentro. Aunque explícitamente la figura humana no está representada en sus piezas, el carácter introspectivo de ellas habla de la relación del hombre con el mundo, de la presencia y afectación que cada individuo imprime sobre el entorno natural. Y es ahí donde radica su fuerza.

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Conoce las esculturas de Ivan Kurov que exploran la naturaleza y transformación del espacio

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Mediante la escultura y el dibujo, Ivan Kurov (Ciudad de México, 1982) explora la naturaleza y la transformación, en sus definiciones más amplias. Si en la primera estudia las propiedades químicas del material y la física del objeto, sus cuadrosenmarcan la confrontación entre el paisaje orgánico y la intervención de la arquitectura humana.

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Henri Cartier-Bresson captó una escena a través de una valla detrás de la estación de tren de Saint-Lazare en París.

Esta imagen se convirtió en el ejemplo perfecto de lo que Cartier-Bresson denominaba «El instante decisivo».

El fotógrafo francés es considerado a menudo el padre del fotoperiodismo moderno. Acuñó el término «El Instante Decisivo» para referirse a un momento en el que el fotógrafo capta un segundo fugaz, inmortalizándolo en el tiempo.

https://fototrending.com/fotos-famosas/

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Lo que empezó siendo un documento sobre el rescate de una mujer joven y un niño pronto dio un giro cuando la escalera de incendios se derrumbó.

La pareja empezó a caer y él siguió fotografiando mientras caían. Los captó nadando por el aire. Forman sólo bajó su cámara y se giró en el último momento cuando se dio cuenta de que lo que estaba presenciando era una mujer cayendo en picado hacia su muerte.

https://fototrending.com/fotos-famosas/

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fotógrafa que nunca ejerció de tal. Pasó décadas capturando imágenes sin ser conocida, mientras trabajaba como niñera, y su talento sólo se reconoció a posteriori, cuando se descubrieron sus negativos en una subasta y se dio a conocer la calidad de su trabajo fotográfico.

https://www.xatakafoto.com/fotografos/fotografos-de-calle-i-13-grandes-clasicos-que-deberias-conocer

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“el momento decisivo”
Henri fue un experto en capturar ese momento único, esa fracción de segundo en el que los diferentes elementos de la imagen comunican algo casi mágico, aunque siempre comprometido con la realidad y también, en algunos momentos, con una importante faceta surrealista.

https://www.xatakafoto.com/fotografos/fotografos-de-calle-i-13-grandes-clasicos-que-deberias-conocer

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Lo relevante de una fotografía, para él, es sacar a la luz la vida que hay detrás de cada uno de esos elementos urbanos.
https://graffica.info/marcin-baran-fotografia-urbana/

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Práctica el arte de acción, una disciplina basada en el impacto y el desconcierto.

"Poses" es una acción que critica lo absurdo y artificial del mundo del glamour que nos vende la moda, en concreto a la imagen distorsionada que difunden de la mujer a través de poses en las que parecen muertas, locas o enfermas.

Utilizando las posturas imposibles de las editoriales de moda, un grupo de mujeres reales traslada estas poses a escenas cotidianas: la cola de un museo, el supermercado o un semáforo, provocando la reacción de preocupación de los espectadores.

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Su trabajo apela a la formación de nuevas subjetividades y modos de existencia a través del estudio volumétrico y del comportamiento de diversos materiales para tratar de deconstruir y construir ensamblajes distintos en sus componentes y relaciones.
La escultura es también un lugar donde sucede algo, un momento de suspensión como una zona iridiscente, cambiante, a la vez elusiva y brillante.

https://www.anamasprojects.com/es/artists/lucia-c-pino/

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Principal referente del Land Art, Richard Long, plantea si el arte puede ser una experiencia más que un producto.

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Además, Kaprow dice que los happenings eran “eventos que, sencillamente, ocurren”. No había un inicio, nudo o desenlace estructurado; y no había distinción o jerarquía entre el artista y el espectador. Era la reacción del espectador la que definía la pieza del arte, haciendo de cada happening una experiencia única que no puede ser replicada”.

https://www.moma.org/collection/terms/happenings

https://es.wikipedia.org/wiki/Allan_Kaprow

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Purifoy estuvo profundamente influenciado por la Rebelión de Watts de 1965. Después del evento, el artista recogió escombros carbonizados de las calles y los ensambló en una serie de esculturas. Con sus objetos desechados fácilmente identificables, sugiere una pregunta central en la práctica de Purifoy: “¿Cómo vinculas el proceso artístico con la existencia?”.

https://www.moma.org/collection/works/273613?sov_referrer=art_term&art_term_slug=assemblage

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Las imágenes de Kline a menudo sugieren gestos amplios, confiados y rápidamente ejecutados que reflejan los impulsos espontáneos del artista. De hecho, muchos lienzos reproducen un dibujo a una escala mucho mayor, fusionando lo improvisado y lo deliberado, la miniatura y lo monumental.

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"Me gusta mucho pasear y encontrar cosas en las calles y en los edificios, entrar en la vida cotidiana", declaró Campano. "Tomar notas es como hacer fotos. Después viene un tiempo de recapacitar sobre las imágenes y encontrar muchas sorpresas".

https://elpais.com/diario/2004/05/28/cultura/1085695209_850215.html

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Tiene que haber un impulso inicial, que puede ser una imagen, una frase, y tiene que ser sufiviente como para acabar el primer dibujo. Luego el objetivo es que en la actividad física de dibujar, nacen nuevas ideas y nuevas posibilidaded que comienzan a guiar la obra.
https://www.tate.org.uk/art/artworks/kentridge-casspirs-full-of-love-p11838
https://www.cccb.org/es/exposiciones/ficha/william-kentridge/232743
https://www.tate.org.uk/art/artists/william-kentridge-2680
https://www.tate.org.uk/art/artists/william-kentridge-2680/william-kentridge-art-must-defend-uncertain

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Tony piensa su trabajo a partir del material y de la infinidad de psoibilidades que este le ofrece. No se trata de pensar la forma y luego el material, sino de explorar este material que llega al estudio y comenzar a trabajar a partir de él, viendo sus posibilidades. Quizás una pieza le puede durar 2 o 3 años en finalizarla, pero se trata de ir viendo lo que hace con cada composición.
https://youtu.be/Y9cS3hPpCco

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Rupture No.1: blowtorching the bitten peach

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Heather Phillipson describe sus creaciones como cosas que no són solo lo que ves, sino que tienen la habilidad de ser lo que quieras. Ella trabaja sin tener un punto de comienzo o de final, va trabajando transformando las cosas que se encuentra.

https://www.tate.org.uk/art/art-terms/i/installation-art/heather-phillipson

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Joseph Beuys - Andy Warhol - Kaii Higashiyama

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Joseph Beuys - Andy Warhol - Kaii Higashiyama

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En mitad de la Guerra Fría, un FAX con el signo de la paz hizo un viaje alrededor del mundo, utilizando la tecnología de telecomunicaciones moderna en ese momento, el Fax. Joseph Beuys hizo su parte en su estudio de Düsseldorf y envió este fax a Andy Warhol en Nueva York. Después de la aportación de Warhol, el fax fue enviado a Tokio al artista Kaii Higashiyama. El resultado con dibujos de los tres participantes, aparentemente en forma de un tríptico digital, finalmente se recibió en el Museum Moderner Kunst, el Palais-Liechtenstein de Viena. El trayecto intercontinental de la transmisión duró un total de 32 minutos. Numerosos invitados fueron testigos de esta acción con el título: „Global-Art-Fusion“.

https://andrechahil.com/vienna-1985-fax-art-phenomenon-beuys-warhol-and-higashiyama-send-a-signal-to-the-cold-war/

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La artista está presente es una de sus acciones más populares. Se inauguró el 14 de marzo de 2010 en el MoMA de Nueva York y, en ella, Abramovic permaneció 736 horas y 30 minutos sentada inmóvil frente a una mesa. Los espectadores eran invitados, por turno, a sentarse enfrente y mirarse a los ojos, en silencio, arrancando lágrimas, sonrisas o nada.

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Kandinsky, entre muchas otras obras y mejor conocido por su papel en la Bauhaus, pintada de manera espontanea en sus improvisaciones, donde expresava sus emociones.

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Melissa Mccracken pinta lo que escucha. Gracias a su sinestesia, produce diversas obras pictóricas basandose únicamente en la cacnión que sea, y los colores que visualiza al oirla.

https://www.vice.com/es/article/pag7w7/esta-artista-con-sinestesia-ve-colores-en-la-musica-y-pinta-tus-canciones-favoritas

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Me dirigí a Instagram para ver la ciudad a través de los ojos de otros. Me sorprendió la forma en que capturaron Nueva York y sentí que tenía que usar la fotografía como una forma de expresarme y mostrar a la gente cómo ver Nueva York a través de mis ojos. Colin Ridgway retrata la cotidianidad desde el lugar que para él lo representa, Nueva York, siendo capaz al mismo tiempo de reflejar lo que este espacio representa también para muchas otras personas.

https://mymodernmet.com/es/colin-ridgway-fotografia-callejera-nueva-york/

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Ray's a laugh
Richard Billingham retrata su cotidianidad mostrando la realidad que vive desde la intimidad de su circulo familiar.
Sus fotografias muestran escenas cotidianas que refelejan la crudeza de su situación familiar que, pese a ser realmente dura, enfoca a las personas que salen desde un punto realmente cercano, más allá de la situación en la que se encuentran.