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Celui qui a deux âmes | Court-métrage | César 2017 | @ARTE Cinema

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Retrouvez en vidéo les différents projets de landart de l'artiste SAYPE.

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Hokusai Katsushika (葛飾 北斎, Katsushika Hokusai?, 1760-1849), connu plus simplement sous le nom de Hokusai (北斎), ou de son surnom de " Vieux Fou de la peinture ", est un peintre, dessinateur spécialiste de l'ukiyo-e, graveur et auteur d'écrits populaires japonais. Son œuvre influença de nombreux artistes européens, en particulier Gauguin, Van Gogh et Claude Monet, voire le mouvement artistique appelé japonisme. Il signa parfois ses travaux, à partir de 1800, par la formule Gakyōjin, " le Fou de dessin ". Il est parfois vu comme le père du manga, mot qu'il a inventé et qui signifie à peu près " esquisse spontanée "

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Hokusai Katsushika (葛飾 北斎, Katsushika Hokusai?, 1760-1849), connu plus simplement sous le nom de Hokusai (北斎), ou de son surnom de " Vieux Fou de la peinture ", est un peintre, dessinateur spécialiste de l'ukiyo-e, graveur et auteur d'écrits populaires japonais.

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Hokusai Katsushika (葛飾 北斎, Katsushika Hokusai?, 1760-1849), connu plus simplement sous le nom de Hokusai (北斎), ou de son surnom de " Vieux Fou de la peinture ", est un peintre, dessinateur spécialiste de l'ukiyo-e, graveur et auteur d'écrits populaires japonais. Son œuvre influença de nombreux artistes européens, en particulier Gauguin, Van Gogh et Claude Monet, voire le mouvement artistique appelé japonisme. Il signa parfois ses travaux, à partir de 1800, par la formule Gakyōjin, " le Fou de dessin ". Il est parfois vu comme le père du manga, mot qu'il a inventé et qui signifie à peu près " esquisse spontanée "

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Hokusai Katsushika (葛飾 北斎, Katsushika Hokusai?, 1760-1849), connu plus simplement sous le nom de Hokusai (北斎), ou de son surnom de " Vieux Fou de la peinture ", est un peintre, dessinateur spécialiste de l'ukiyo-e, graveur et auteur d'écrits populaires japonais.

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Tout comprendre aux NFT, ces jetons virtuels qui chamboulent le marché de l'art

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Un collage de l'artiste américain Beeple a été vendu jeudi 69,3 millions de dollars par la maison d'enchères Christie's, un record pour une œuvre entièrement numérique, nouveau signe d'une révolution en cours sur ce marché longtemps confidentiel.

Everyday:theFirst5.000Days, assemblage de dessins et animations réalisés quotidiennement durant 5.000 jours d'affilée, situe Mike Winkelmann ( le vrai nom de Beeple) , parmi les trois artistes les plus chers du monde de leur vivant, tous supports confondus.

S'il n'avait encore vendu aucune œuvre il y a six mois, l'artiste américain incarne désormais la fièvre des collectionneurs numériques, qui déversent des milliards sur un marché en pleine explosion.

Un projet atypique de long terme

Ce père de famille de Charleston, en Caroline du Sud, avoue que tout cela lui donne un peu "le tournis". Fin février, une autre de ses œuvres, Crossroads, s'était revendue 6,6 millions de dollars (dont Beeple a touché 10%) sur la plateforme Nifty Gateway, spécialisée dans les œuvres virtuelles. Et une animation qu'il avait lui-même vendue fin octobre 2020, pour un dollar symbolique, a récemment été acquise pour 150 000 dollars.

L'artiste Beeple le 24 février 2021 à Charleston aux Etats-Unis (SCOTT WINKELMANN / SCOTT WINKELMANN )

L'œuvre proposée chez Christie's s'appuie sur un projet atypique de long terme, celui de réaliser, chaque jour, une œuvre, sans interruption, pour progresser en dessin et graphisme. Concepteur de sites internet lassé par son emploi, Mike Winkelmann s'est lancé en mai 2007 dans Everyday et en est désormais à 5.062 jours consécutifs. The First 5.000 days réunit, sous forme numérique, ses 5 000 premiers dessins et animations.

Pendant 14 ans, il a accumulé près de deux millions d'abonnés sur Instagram et collaboré avec de grandes marques ou des musiciens célèbres, attirés par son univers graphique, sans pour autant vendre aucune œuvre à son nom. Mais en quelques jours, une nouvelle technologie l'a placé en orbite, pour en faire l'un des artistes les plus en vogue du monde. Elle permet de commercialiser des œuvres, et à peu près tout ce qui est imaginable sur internet sous la forme de "NFT", pour "non-fungible token", ou jeton non fongible. Cette appellation, née en 2017, recouvre tout objet virtuel à l'identité, l'authenticité et la traçabilité en théorie incontestable et inviolable, grâce à la technologie dite de la "blockchain", utilisée pour les cryptomonnaies telles le bitcoin.

"Ça fait 20 ans que j'essaye de convaincre les gens qu'un fichier numérique peut être considéré comme de l'art"

"Je crée de l'art numérique depuis un moment maintenant", explique Mike Winkelmann "mais ce truc de NFT, c'est nouveau pour moi. (...) J'avais l'impression que ça sortait de nulle part." "C'est comme si, tout d'un coup, y avait le moyen parfait pour vendre les œuvres que je fais depuis une décennie", s'émerveille-t-il.

"Ce n'est que lorsqu'il s'est mis aux NFT, en octobre, qu'il a pu entrer sur le marché et vendre son art comme le fait un peintre ou un sculpteur", explique Noah Davis, expert de Christie's. "Ça fait 20 ans que j'essaye de convaincre les gens qu'un fichier numérique peut être considéré comme de l'art", explique Steven Sacks, propriétaire de la galerie new-yorkaise bitforms. Jusqu'ici, "nous avions vendu beaucoup d'œuvres mais à une toute petite communauté de gens dans le monde de l'art." "Maintenant", dit-il, "vous avez des millions de gens qui considèrent ça comme un support légitime."

Pour autant, s'il dit respecter le travail de Beeple qui, "à la différence de beaucoup de gens sur ces plateformes (de vente NFT), a construit une œuvre", le galeriste voit surtout dans la folie du moment de la spéculation. "L'aspect artistique est superficiel" pour beaucoup de ces collectionneurs, regrette-t-il. "L'important pour eux, c'est la rareté."

"Il y aura probablement une bulle", estime Mike Winkelmann, qui compare le phénomène à la bulle internet des années 2000. Beeple songe déjà à des expositions physiques après la pandémie, et plus généralement, à donner à certains de ses travaux une incarnation matérielle.

Quant aux Everydays, la gloire et la fortune n'y font rien, "je ne peux pas m'arrêter". "Personne ne l'a fait aussi longtemps." Chaque création quotidienne "n'a pas besoin d'être un chef-d'œuvre", plaide-t-il. Il faut "ôter la pression de créer de l'art et faire de tout ça quelque chose d'amusant".

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L'artiste Beeple vend une œuvre numérique 69,3 millions de dollars chez Christie's, un record

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Après deux semaines d'enchères en ligne chez Christie's, son "Everyday : the First 5.000 days" a été adjugé 69,3 millions de dollars. Ce qui l'a propulsé dans la catégorie des artistes les plus chers de leur vivant, derrière David Hockney ou Jeff Koons. C'était la première fois que la maison proposait une pièce 100% virtuelle.

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Beeple, Everydays: The First 5000 days (détail), 2021, 21,069 x 21,069 pixels.

© Christie's Images Ltd 2021

1. La fongibilité
Un NFT, acronyme de non fungible token, est un jeton numérique, ou un " token ", c'est-à-dire un fichier numérique - tweet, clip vidéo, musique, œuvre d'art numérique - doté d'une certaine valeur d'usage, historique ou récréative. Jack Dorsey, le fondateur de Twitter, a ainsi vendu son premier tweet sous forme de NFT. Les œuvres d'art NFT ne sont donc qu'une catégorie de NFT. Ce jeton a pour particularité d'être non fongible : sa nature, ses caractéristiques propres le rendent unique si bien qu'il ne peut être remplacé ou substitué par un autre jeton. A contrario, un jeton est dit fongible lorsque celui-ci peut être remplacé par un équivalent de même nature. Par exemple, les cryptomonnaies sont des jetons fongibles, de la même manière, un billet de 10 euros vaut n'importe quel autre billet de 10 euros.

2. La blockchain
Ce jeton non fongible est associé à un certificat d'authenticité, semblable à un titre de propriété numérique, théoriquement inviolable grâce à la blockchain dans laquelle il est répertorié. Semblable à une vaste base de données publique, la blockchain est une technologie de stockage et de transmission d'informations, transparente et sécurisée, fonctionnant sans organe central de contrôle, c'est-à-dire sans intermédiaire. Elle permet à l'auteur du NFT d'encoder lui-même les caractéristiques propres à sa création, la rendant de facto unique. Les informations contenues dans cette " chaîne de blocs " - transactions, titres de propriété, signature, contrats - sont autant d'éléments protégés par des procédés cryptographiques qui rendent le jeton infalsifiable. L'auteur du NFT a, par exemple, la capacité d'encrypter les modalités et le montant des royalties qu'il souhaite toucher chaque fois que son œuvre est revendue. Une révolution pour le droit de suite.

3. La cryptomonnaie
Non fongibles, les NFT s'achètent au moyen de monnaies numériques, à l'instar de la très populaire " ethereum " (ether) ou du " word assets exchange " (wax) - mais pas ou peu avec du " bitcoin " - sur des plateformes digitales globales telles que MetaMask, CryptoSlam, Super Rare ou OpenSea. Il est donc nécessaire au préalable de passer par une plateforme d'échange acceptant le dollar ou l'euro pour acheter ces cryptomonnaies. Des plateformes comme Nifty Gateway, spécialisée dans l'art numérique, donnent toutefois la possibilité à leurs utilisateurs de régler leurs transactions en dollars. À ce jour, il n'existe aucune plateforme permettant d'acheter directement des NFT en euros.

4. Un paradigme nouveau
La frénésie récente autour des NFT et de l'art cryptographique traduit un paradigme nouveau dans la manière de consommer l'art, de le collectionner avec de potentiels acquéreurs prêts, parfois, à dépenser des millions pour ce qui n'est finalement qu'un lien vers un fichier jpeg, qu'une URL. Car lorsque l'acheteur se porte acquéreur d'un NFT, il n'achète pas l'œuvre mais bien une reproduction de celle-ci, laquelle est située dans la blockchain. N'étant pas détenteur de l'œuvre, il n'en possède pas plus les droits patrimoniaux qui s'y rattachent. Toute idée d'exploitation à des fins commerciales est donc vaine. De même, chacun est libre de se rendre sur le site Web de la plateforme mettant en vente le NFT afin de le contempler et, le cas échant, de copier l'image pour le plaisir.

5. Une bulle spéculative ?
Faut-il finalement considérer les NFT comme le nouvel eldorado des collectionneurs ou ne sont-ils qu'une bulle spéculative de plus ? Le profil et les intérêts financiers de l'adjudicataire du collage numérique vendu 69 millions de dollars [58,5 M€) donnent un début de réponse. Jeune investisseur en cryptomonnaies ayant fait de l'art cryptographique son fonds de commerce, Vignesh Sundaresan, alias Metakovan, est le fondateur de l'un des principaux fonds d'investissement en matière de NFT, Metapurse. En décembre dernier, la société a ainsi acquis pour un montant de 2,2 millions de dollars (1,8 M€) vingt œuvres digitales de Beeple, avant d'en diviser la propriété en jetons numériques, et d'en vendre une partie quelques jours seulement avant la clôture des enchères en ligne chez Christie's, soit lorsque le jeu de l'offre et de la demande était à son climax.

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Comprendre les NFT - Le Journal des Arts - n° 564

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1. La fongibilité Un NFT, acronyme de non fungible token, est un jeton numérique, ou un " token ", c'est-à-dire un fichier numérique - tweet, clip vidéo, musique, œuvre d'art numérique - doté d'une certaine valeur d'usage, historique ou récréative. Jack Dorsey, le fondateur de Twitter, a ainsi vendu son premier tweet sous forme de NFT.

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EVERYDAYS: THE FIRST 5000 DAYS, 2011.
USD 69,346,250

Beeple (b. 1981)
EVERYDAYS: THE FIRST 5000 DAYS
token ID: 40913
wallet address: 0xc6b0562605D35eE710138402B878ffe6F2E23807
smart contract address: 0x2a46f2ffd99e19a89476e2f62270e0a35bbf0756
non-fungible token (jpg)
21,069 x 21,069 pixels (319,168,313 bytes)
Minted on 16 February 2021. This work is unique.

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In May 2007, the digital artist known as Beeple set out to create and post a new work of art online every day. He hasn't missed a day since, creating a new digital picture every day for 5,000 days straight. Individually known as , collectively, the pieces form the core of EVERYDAYS: THE FIRST 5000 DAYS, one of the most unique bodies of work to emerge in the history of digital art.

Consumers of internet culture will already be familiar with the prolific digital output of graphic designer and motion artist Mike Winkelmann, better known as Beeple. The South Carolina-based artist's visionary, and often irreverent, digital pictures launched his meteoric rise to the top of the digital art world. He's attracted 1.8 million followers on Instagram and high-profile collaborations with global brands ranging from Louis Vuitton to Nike, as well as performing artists from Katy Perry to Childish Gambino.

In EVERYDAYS: THE FIRST 5000 DAYS, the artist has stitched together recurring themes and color schemes to create an aesthetic whole. Organized in loose chronological order, zooming in on individual pieces reveals abstract, fantastical, grotesque, and absurd pictures, alongside current events and deeply personal moments. Society's obsession with and fear of technology; the desire for and resentment of wealth; and America's recent political turbulence appear frequently throughout the work.

The notable difference between the pictures from Day 1 (1 May 2007) and Day 5,000 (7 January 2021) reveals Beeple's immense evolution as an artist. At the project's inception, EVERYDAYS consisted of basic drawings. Once Beeple started working in 3D, they took on abstract themes, color, form and repetition. In the last five years, however, his digital pictures have became increasingly timely, often reacting to current events.

"I almost look at it now like I'm a political cartoonist," Beeple explains. "Except instead of doing sketches, I'm using the most advanced 3D tools to make comments on current events, almost in real-time."

A selection of EVERYDAYS
8-Nov-16 WOW.
7-Jan-17 FULL CIRCLE
31-Jan-18 COMFORT ZONE
11-Jan-19 START AGAIN
21-Jan-19 INFINITY AND BEYOND
17-Sep-19 TOTAL ALIGNMENT
7-Oct-20 MIKE PENCE: LORD OF THE FLIES
11-Oct-20 VIBE CITY
26-Dec-20 SPACE EXPLORATION
7-Jan-21 DAY 5000

EVERYDAYS: THE FIRST 5000 DAYS runs exclusively online from 25 February to 11 March. Bidding will open at $100.

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Beeple (b. 1981)EVERYDAYS: THE FIRST 5000 DAYStoken ID: 40913wallet address: 0xc6b0562605D35eE710138402B878ffe6F2E23807smart contract address: 0x2a46f2ffd99e19a89476e2f62270e0a35bbf0756non-fungible token (jpg)21,069 x 21,069 pixels (319,168,313 bytes)Minted on 16 February 2021. This work is unique.Please note that if a bid is placed on this lot within the final one minute of the closing time indicated in the countdown clock, one additional minute will be added to the designated closing time.

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Le Mensuel #9 | Regards sur Matisse | Centre Pompidou

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Visite exclusive de l'exposition Matisse | Centre Pompidou

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Découvrez l'offre VOD-DVD de la boutique ARTE

Ce soir-là, les maisons prendront feu. Les hommes et les femmes se mettront à trembler. Les enfants se rassembleront en hordes hurlantes, dansant seuls parmi les cendres, rappelant à eux les ours sauvages. Car le cri d'un seul suffira à tous les réveiller ! En compétition nationale au festival de Clermont-Ferrand 2020.

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Ce soir-là, les maisons prendront feu. Les hommes et les femmes se mettront à trembler. Les enfants se rassembleront en hordes hurlantes, dansant seuls parmi les cendres, rappelant à eux les ours sauvages. Car le cri d'un seul suffira à tous les réveiller ! En compétition nationale au festival de Clermont-Ferrand 2020.

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de Jean-Claude Rozec (2010 - 9’)

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Cul de bouteille est un film qui épouse le point de vue de son personnage principal, Arnaud, un petit garçon constamment tiraillé entre le rêve et la réalité. Ses chimères, à la fois fruits de son imagination et symptômes de sa myopie, prennent pied dans la banalité du quotidien: un portemanteau cache un troll, un instituteur dissimule un cyclope monstrueux, une flaque d'eau abrite une licorne...
Ces rêveries s'inspirent de moments que nous avons tous vécu, quand, par ennui ou inattention, nous fixons un objet jusqu'à y deviner une autre forme : une tache sur le sol, un motif sur une tapisserie etc. Pour matérialiser ce genre d'illusion, le film utilise le procédé des images doubles, ou images instables. Popularisé par des artistes comme Salvatore Dali ou Octavio Ocampo, ce jeu visuel permet de faire coexister deux représentations dans une seule image. L'une ou l'autre apparait selon le point de vue que l'on porte sur le dessin,

l'interprétation que l'on donne à une ligne ou une masse... Une astuce visuelle toute désignée pour retranscrire l'imaginaire ludique et inventif d'un petit garçon !
Afin de renforcer l'efficacité de ce procédé, Cul de bouteille est tourné en noir et blanc. En effet, à la manière d'un filtre, l'absence de couleurs épure l'image et les compositions, permettant une meilleure correspondance entre les éléments ainsi qu'une plus grande lisibilité dans les transitions imaginaire/réalité.
Du point de vue graphique, l'esthétique du film s'oriente vers un mélange d'aquarelles et d'infographie, avec beaucoup de textures et de matières. Cet entrelacement est particulièrement poussé lors des séquences oniriques. Les créatures fantastiques que voit Arnaud ont des traits variables et mouvants, elles semblent susceptibles de disparaître à tout instant, et les différents éléments de l'arrière-plan, baignés dans un léger flou, se meuvent lentement, donnant l'impression d'une image en constante évolution.
Naturellement, la mise en scène reflète le point de vue du personnage principal : plongées et contre-plongées aiguës, perspectives accentuées, cadrages décentrés plaçant le plus souvent l'enfant dans la partie inférieure de l'image... Autant d'effets cherchant à traduire le sentiment de vulnérabilité que ressent Arnaud face à la réalité. De la même manière, la caméra devient très mobile lorsqu'elle se plie à la curiosité et à la fantaisie de l'enfant, dont le regard débusque instantanément l'élément insolite caché dans le décor pour en faire surgir une forme extraordinaire.

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Cul de bouteille est un film qui épouse le point de vue de son personnage principal, Arnaud, un petit garçon constamment tiraillé entre le rêve et la réalité.

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1. Coup de jus pour la Fée Électricité

Le décor se reconnaît au premier coup d'œil : la grande fresque de La Fée Électricité (1937) du peintre Raoul Dufy, déployée en arc de cercle au Musée d'art moderne de Paris, est un écrin de choix pour la compagnie Massala. Créée en 2010 par le chorégraphe Fouad Boussouf, celle-ci revendique un melting-pot de références au hip-hop, à la danse contemporaine, aux danses folkloriques marocaines et au nouveau cirque. Pour sa pièce Näss (" les gens " en arabe), le chorégraphe réunit huit danseurs aux gestes larges et aux pas sonores, qui dansent en cercle, en duo ou en trio, et s'enrobent, s'aveuglant presque, dans le tissu de leur t-shirt. Électrisant !

2. Au Louvre-Lens, un huis-clos d'ombres et de lumières

L'exposition " Soleils noirs ", consacrée à la couleur noire dans l'histoire de l'art, s'est confinée comme tout le monde en novembre. C'est dans ce cadre endormi, aux statues et aux tableaux recouverts de grands draps, qu'évoluent quatre danseurs selon une chorégraphie signée Sylvain Groud, directeur du Ballet du Nord. Une invitation du festival La beauté du geste, qui se découvre en ligne en attendant son édition physique en mars, et qui donne lieu à un court-métrage subtil réalisé par Léonard Barbier-Hourdin. Où les corps se nimbent de lumières colorées, qui passent du rouge au vert et du bleu au violet... Et démontrent avec éloquence les mille et une nuances du noir.

À lire aussi : Pourquoi les artistes sont obsédés par le noir

3. Castagnettes au musée du Prado

Les Ménines (1656) de Velázquez, entre autres chefs-d'œuvre, regardent derrière leurs vernis centenaires les danseurs de flamenco célébrer la Journée mondiale du Tourisme, le 27 septembre dernier. Un prétexte un chouïa commercial, qui invite surtout à faire l'éloge de l'art comme " lien qui dépasse les frontières ". Et quelle merveille ! Sept personnalités emblématiques du flamenco contemporain en condensent les possibles en une poignée de minutes, à la danse, au chant et aux castagnettes - avec un panache très queer pour certains. Un projet qui fait l'éloge du collectif aussi bien que des singularités, d'une très grande précision technique.

4. Inoubliable Lil Buck

En 2016, Lil Buck arpentait les couloirs et salles de la fondation Vuitton - et notre cœur chavirait. Il vibre encore aujourd'hui devant cette démarche souple et fluide comme un filet d'eau, qui se faufile dans l'architecture éclatante de Frank Gehry. Une prouesse qui défie les lois de la gravité, et fait dialoguer hip-hop et toiles grandioses. Signées Matisse et Picasso, celles-ci font partie de la collection Sergueï Chtchoukine, dont l'exposition reste dans les mémoires comme le plus grand succès de la fondation. Une conversation à bien des égards exceptionnelle.

5. Le Palais de Tokyo est en feu

Dans le sombre déroulé de l'année 2020, un rendez-vous a su remotiver les troupes et attirer à lui tous les regards : l'exposition des étudiants de l'école Kourtrajmé au Palais de Tokyo. Orchestré par la chorégraphe " Kourtrajmeuf " Carmel Loanga, ce clip d'une dizaine de minutes en restitue avec verve toute la saveur. D'abord avec une introduction à la manière de La Haine, le film réalisé par Mathieu Kassovitz en 1995, qui a servi de point de départ aux œuvres, puis en suivant les danseurs dans une furieuse transe collective, qui convie le hip-hop au sein des différentes installations - offrant ainsi l'occasion de revivre en mouvement cet accrochage fort en émotions.

À lire aussi : Les élèves de JR et Ladj Ly mettent la fièvre au Palais de Tokyo

6. Une liane et Jean Tinguely

En 2018, le MAMAC de Nice commande à la compagnie Antipodes une performance pour les salles de ses collections permanentes, notamment pour interagir avec les sculptures Meta Matics (1959) de Jean Tinguely. En résulte Animale, une création pour une seule interprète, Malou Bonvissuto, chorégraphiée par Lisie Philip et mise en musique par Laurent Tamagno. Souple et rapide, la danseuse se fait tantôt jaguar tantôt chat, vive et brutale, s'ouvrant parfois comme une fleur, ou vibrant comme une feuille dans le vent. Un superbe court-métrage signé Raphaël Thiers.

7. Étreintes fragiles au Victoria and Albert Museum

Duo d'artistes fondé en 2017, Fubunation réussit avec Ruins un tour de force d'une beauté folle. Rhys Dennis et Waddah Sinada déambulent avec grâce dans les espaces du V&A, s'étreignent, évoluent côte à côte, se répondent dans leurs gestes... Au fil de leurs pas étudiés, les danseurs formulent une réflexion sur l'amour, l'échange, la vulnérabilité, le conflit. Mais aussi sur la place des hommes de la diaspora africaine au sein d'un espace emblématique de la culture occidentale, en se frayant un chemin tout en élégance à travers les œuvres patrimoniales.

8. L'histoire d'une immigrante

An Immigrant's Story n'aurait pu avoir de spectateurs en décembre 2020. Le projet s'est transformé, et est devenu La Visite, un court-métrage réalisé avec Tommy Pascal, dans le décor historiquement chargé du Palais de la Porte Dorée, actuel musée national de l'histoire de l'immigration. Wanjiru Kamuyu dialogue en solo avec le Forum, dont le décor entendait lors de sa création en 1931 montrer l'apport de la France aux pays colonisés. Elle évoque son propre rapport à l'immigration, du Kenya aux États-Unis d'abord, en France ensuite. Une création troublante à retrouver en ligne à l'occasion de la quatrième édition du festival L'envers du décor.

À lire aussi : 5 fabuleux concerts au musée à voir en streaming

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Danser au musée ! 8 instants de grâce en vidéos

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Le décor se reconnaît au premier coup d'œil : la grande fresque de La Fée Électricité (1937) du peintre Raoul Dufy, déployée en arc de cercle au Musée d'art moderne de Paris, est un écrin de choix pour la compagnie Massala.

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2014-2018

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Durant toute la durée du chantier et jusqu'à l'ouverture publique de la Fondation, l'immeuble du 9 rue du Plâtre fait l'objet d'une enquête sur sa propre mutation. Ainsi, l'architecture en devenir est mesurée au fil des mois à travers la rencontre in situ de réalisateurs et performeurs.

Mutant Stage s'inscrit dans le programme de préfiguration Lafayette Anticipations, plus que jamais ouvert aux scènes émergentes de la performance et de la danse contemporaine. Chaque tournage est l'occasion d'une rencontre différente initiée par la Fondation et Same Art, pour la mise en mouvement des corps et de la matière.

Mutant Stage vibre donc à l'intérieur du bâtiment et au-delà, dans le cœur de la ville. Le titre du projet est inspiré d'une expression de Rem Koolhaas qui traduit à la fois l'essence d'une architecture performative et l'engagement de l'institution en faveur de l'hybridation des arts et de la vie.

Chaque film de la collection, façonné par le vocabulaire visuel de la danse, du cinéma et de l'architecture, est un objet unique et multiple à la fois. Ainsi le 9 rue du Plâtre demeure un lieu d'invitation et d'expérimentation, un immeuble en marche.

Voir tous les films

Commissariat et production : Dimitri Chamblas & Amélie Coster

Amélie Coster est curatrice et productrice. Elle a travaillé au Festival d'Avignon et au Parc de La Villette, puis avec les artistes Boris Charmatz et Philippe Quesne, avant de créer sa propre structure pour initier, concevoir et produire des projets au croisement des arts visuels et des arts vivants. Elle collabore notamment avec Xavier Veilhan, Gisèle Vienne ou Benjamin Millepied et avec des partenaires privés ou publics comme Lafayette Anticipations, le groupe Crèche de France, La Villette, l'Opéra national de Paris ou encore le Fonds Hélène et Édouard Leclerc pour la Culture, pour lequel elle est commissaire associée, avec Dimitri Chamblas, de l'exposition 3e scène en 2016. Elle prépare actuellement une exposition sur l'acte de danser pour le Mucem (Marseille) et co-écrit une série documentaire sur des chorégraphes internationaux.

Dimitri Chamblas se forme à la danse à l'école de l'Opéra de Paris puis au Conservatoire national supérieur de Lyon. Il danse ensuite avec de nombreux chorégraphes, parmi lesquels Emmanuelle Huynh, Boris Charmatz, Le Ballet Atlantique Régine Chopinot, Mathilde Monnier. Il collabore avec des créateurs tels que Jean-Paul Gaultier, Andy Goldsworthy, Jean le Gac ou le compositeur Heiner Goebbels. En 1992, il cofonde avec le chorégraphe Boris Charmatz l'association Edna. Leur duo À bras-le-corps a été présenté dans le monde entier et est entré au répertoire de l'Opéra national de Paris au printemps 2017. Il participe en 2011 à l'élaboration du Los Angeles Dance Project sur l'invitation de Benjamin Millepied. Directeur artistique de la 3e Scène - Opéra national de Paris en 2015/2016, il crée cette plateforme numérique dédiée à la création et commande des œuvres à des artistes tels que Alex Prager, Glen Keane, Mathieu Amalric, Xavier Veilhan, Bret Easton Ellis, Julien Prévieux, William Forsythe, Rubber Legz, United Visual Artists ou encore Bertrand Bonello. En 2016, il lance le Studio Dimitri Chamblas, structure qui accueille tous ses projets et collaborations, notamment un duo avec la danseuse étoile Marie-Agnès Gillot, sa participation à la pièce de Boris Charmatz 10 000 gestes pour la Volksbühne de Berlin, ou encore une création avec l'architecte François Perrin pour la Biennale Performa de New York. Depuis juillet 2017, il est Directeur de la danse à l'Université CalArts de Los Angeles.

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Mutant Stage est une série de courts métrages chorégraphiques produits par Lafayette Anticipations - Fondation d'entreprise Galeries Lafayette dans le cadre des travaux de réhabilitation de son bâtiment (2014 - 2018). Le commissariat et la production des films ont été confiés à Amélie Coster et Dimitri Chamblas.

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Celui qui mangea un œil de poisson - Alice Saey & Ruben van Asselt 2014

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Librement inspiré du scénario de Ramon Gomez de la Serna, 1928
Réalisation: Alice Saey
Son: Ruben van Asselt
2014
HEAR Strasbourg 2014

Prix Arte Creative (Festival .Mov 2015)

MECAL 2015, Barcelona (SP)
TRICKY WOMEN 2015, Vienna (AT)
Festival .Mov 2015, Mulhouse (FR)
Taille un Short 2015, Paris (FR)
NEU / NOW 2015, Amsterdam (NL)
DOK Leipzig 2015 (DE)
Animated Dreams 2015, Tallin (EE)
Festival National du Film d'Animation BRUZ 2015 (FR)

# data[].attributes.body
… est une graphiste et réalisatrice de films d'animation originaire de Paris. Elle sort diplômée des Arts Décoratifs de Strasbourg en 2014. Son film de fin d'études Celui qui mangea un œil de poisson reçoit le prix Arte Creative au Festival .mov de Mulhouse en 2015. Elle intègre plusieurs studios de design graphique à Rotterdam et elle y installe son atelier. Elle réalise deux clips pour des groupes hollandais récompensés dans des festivals internationaux.

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Mark Lotterman -- Happy -- clip animé -- Alice Saey

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'Staging Silence (3)' is the third and final installment in a series of autonomous art films, all realised according to the same principles. In the three films, two pairs of anonymous hands construct and deconstruct fictional interiors and landscapes on a mini film set of just three square meters in size.

This film takes the viewer on a visual journey through depopulated, enigmatic and often melancholic, but nonetheless playful, small-scaled places, which are built up and taken down before the eye of the camera.

The two pairs of anonymous hands, like a double Deus ex Machina of sorts, decide on the life and death, growth and blossoming or decay of the places that are conjured up. The landscapes and interiors are teaming with cultural and subcultural references, including historical as well as current themes that refer to the way in which man - both in his dealings with architecture and with nature - 'humanises' the open space in an attempt to create meaning, identity and a logical interaction with time. For the first time in the series, this film also includes clear references to the life-size sculptures and immersive installations of Op de Beeck's oeuvre.

Op de Beeck's film is accompanied by a score inspired by the images, composed and performed by composer-musician Scanner (uk).

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'Staging Silence (3)' is the third and final installment in a series of autonomous art films, all realised according to the same principles. In the three films, two pairs of anonymous hands construct and deconstruct fictional interiors and landscapes on a mini film set of just three square meters in size.

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Le film d’animation Night Time (extended) est un film sombre et énigmatique sans texte, basé sur une grande série d’aquarelles monumentales monochromes progressivement réalisées par Op de Beeck sur les cinq dernières années, au fil de ses autres projets pluridisciplinaires. Toutes les aquarelles ont été peintes par l’artiste de nuit, dans un état total de solitude et de concentration. Cette atmosphère nocturne est une présence tangible dans les paysages métropolitains, au sein des images de nature, de bâtiments, d’intérieurs et de personnages auxquels l’artiste donne vie dans le film. Night Time (extended) est conçu comme un rêve mystérieux et troublant, dans lequel les proportions, les perspectives et les environnements sont fictifs tout en étant universaux.

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'Night Time' is an animated film, monochromatic, full of shadows, with no text, based on a series of large black and white watercolours. The nocturnal is a palpable presence in the natural and urban landscapes, the buildings, interiors and characters that bring the film to tenebrous life.
'Night Time' is conceived as a mysterious dream in which proportions, perspectives and environments are all fictitious. Intimate close-ups segue into panoramic images and vive versa, each image manifests a meticulously crafted construction. The film has a restful rhythm, but is also latent with the dissipation typical of the hours of darkness.
Classic and distinctly contemporary subjects follow one another: the dream, the sleep, the underworld, the exploding postmodern metropolis, sexuality, tattoo culture, refined traditions of dress, rituals, ageing, partying, death... The film is a mix of both the highly cultivated and the raw subcultural.
'Night Time' is a slow, perception-oriented film. Looking between the lines of the image there's much to discover about the night and its hidden life.

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'Night Time' is an animated film, monochromatic, full of shadows, with no text, based on a series of large black and white watercolours. The nocturnal is a palpable presence in the natural and urban landscapes, the buildings, interiors and characters that bring the film to tenebrous life.'Night Time' is conceived as a mysterious dream in which proportions, perspectives and environments are all fictitious.

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Gymnastique - L'art de transformer la merde en or - Regarder le documentaire complet | ARTE

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S'inspirant des ready-mades de Marcel Duchamp, l'artiste italien Piero Manzoni, pionnier de l'art conceptuel, propose dans les années soixante de vendre des boites de conserves contenant... du caca ! Mais au-delà de la provoc, une question se pose: qu'achète t-on au fond quand on achète de la merde d'artiste en boîte?

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Découvrez l'offre VOD-DVD de la boutique ARTE

Il y a ceux qui peignent sur des toiles, ceux qui peignent sur les murs et il y a Saype. Adepte du land art, c'est dans la nature, à même l'herbe ou la roche que ce trentenaire réalise ses gigantesques fresques. Grâce à une peinture 100% biodégradable, ses personnages livrent un message éphémère empreint d'humanisme et d'écologie.

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Film d'animation français réalisé par François Alaux, Hervé de Crécy et Ludovic Houplain, 2009
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Logorama - Oscar Winning Animation by H5 - Alaux, de Crécy, Houplain - France

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S. est une petite fille turque âgée de huit ans, dotée d'une imagination débordante, qui aime la nature et les animaux. Depuis une chambre d'hôpital, elle se remémore les jours heureux passés dans le village de ses grands-parents pendant les vacances, mais des souvenirs sombres et terrifiants surgissent et prennent sens peu à peu.

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Pépé le morse - Regarder le film complet | ARTE

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