# data[].attributes.attachment_link.title
Minute du spectateur - Rachid Ouramdane - Maison de la Danse Lyon

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La mythologie réunit les mythes d'un peuple ou d'une civilisation. Un mythe raconte une histoire, parfois très ancienne, qui a été inventée pour comprendre le monde. Et il existe autant de mythologies que de peuples ! Ces histoires donnent des explications sur la création de la Terre, l'apparition du premier humain, les relations entre les membres d'une famille... Et aussi sur l'origine des tempêtes, des saisons, du jour et de la nuit, de la mort, ou encore sur la vie des animaux sauvages. Ainsi, le soleil et la lune sont au cœur de nombreux récits chez les Celtes d'Irlande, les Aztèques du Mexique, les Incas du Pérou et les Egyptiens. Ces mythes font intervenir des éléments magiques, comme des divinités et des créatures surnaturelles ou monstrueuses.

Un peu comme les histoires grecques avec Zeus et les dieux de l'Olympe ?

C'est exactement cela. En Europe, la mythologie la plus connue vient de la Grèce antique. Dans l'Antiquité, les Grecs pensaient que le monde était dirigé par des divinités vivant sur l'Olympe, le plus haut sommet de la Grèce. Ces histoires incroyables sont parvenues jusqu'à nous à travers l'œuvre des poètes.

Homère nous raconte par exemple la guerre de Troie et le long voyage d' Ulysse. Tu connais ces récits car tu les étudies à l'école et qu'ils inspirent les scénarios de films et de BD que tu aimes découvrir.

Réalisateur : Jacques Azam

Producteur : Milan Presse, France Télévisions

Année de copyright : 2023

Année de production : 2023

Publié le 25/01/23

Modifié le 25/01/23

# data[].attributes.attachment_link.description
La mythologie réunit les mythes d'un peuple ou d'une civilisation. Un mythe raconte une histoire, parfois très ancienne, qui a été inventée pour comprendre le monde.

# data[].attributes.attachment_link.description
Tu as sans doute entendu parler de la Turquie. En février 2023, ce pays a subi un tremblement de terre faisant des dizaines de milliers de morts.…

# data[].attributes.attachment_link.description
Roi et reine d’Itaque, une île grecque, Ulysse et Pénélope coulent des jours heureux. Mais Ulysse part pour la guerre de Troie. Il…

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
P'tit cube regarde la pluie tomber, quand tout à coup, il s'arrête de pleuvoir. Le soleil est de retour. A l'idée de sortir de promener, P'tit cube a les yeux qui pétillent et envie de sauter partout. Il sautille de joie !

La joie, une émotion agréable

La joie est une émotion naturelle. Quand tu es joyeux, tu as envie de t'intéresser à tout ce que tu vois. Et même de crier fort tellement tu es content. Ton corps est envahi d'hormones qui à la fois réchauffent ton cœur et te donnent de l'énergie. Tu pourrais soulever des montagnes !

Dans ton cerveau, tout s'illumine, tu as des idées plein la tête. Quelle belle émotion !

La joie c'est une émotion qu'on partage. C'est très contagieux. Un rire communicatif en est le meilleur exemple ! La joie se trouve bien souvent dans des choses simples : le vol d'un oiseau, le goût d'un fruit, le dessin sur la buée d'une vitre. Garde précieusement ces moments heureux dans ta mémoire. Tu pourras t'en souvenir plus tard.

La joie a plusieurs intensités : du petit plaisir à l'exaltation !

À quoi sert la joie ?

La joie, c'est une émotion qui t'ouvre vers l'extérieur. Elle te donne envie de vivre ! Ressentir, partager et cultiver sa joie sont nécessaires pour te donner de l'enthousiasme, de la motivation et pour relever de nouveaux défis !

La joie est donc une émotion essentielle, autant que la peur, la tristesse, la colère, l'amour ou le dégoût.

Réalisateur : Benoît Leva

Nom de l'auteur : Benoît Leva, Violène Riefolo et Thomas Le Petit-corps

Producteur : Gedeon programmes et Réseau Canopé, avec la participation de France Télévisions et TV5MONDE

Année de copyright : 2021

Publié le 06/12/21

Modifié le 01/08/23

# data[].attributes.attachment_link.description
P'tit cube regarde la pluie tomber, quand tout à coup, il s'arrête de pleuvoir. Le soleil est de retour. A l'idée de so...

# data[].attributes.attachment_link.title
C'est quoi la 5ème république ? - 1 jour, 1 question

# data[].attributes.attachment_link.title
C'est quoi le fact-checking ? / Décodage - Info ou Mytho ?

# data[].attributes.headline
Sport au féminin, une course de longue haleine

# data[].attributes.subject
Sport au féminin, une course de longue haleine

# data[].attributes.attachment_link.description
Plusieurs millions de documents consultables et téléchargeables gratuitement : livres, manuscrits, cartes et plans, estampes, photographies, affiches, revues, fascicules de presse et journaux, enregistrements sonores, partitions

# data[].attributes.headline
Le corps comme outil pour la danse : Anne Teresa de Keersmaeker et son processus de création

# data[].attributes.subject
Le corps comme outil pour la danse : Anne Teresa de Keersmaeker et son processus de création

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le corps comme outil pour la danse

Pour Anne Teresa de Keersmaeker, " le corps est une maison dans laquelle on se lève tous les jours, il est universel malgré ses spécificités d'âge, de genre... Le corps offre d'infinies possibilités, on ne sait pas de quoi il est capable. Chaque jour, on y voit les marques du passage du temps et ses limites. Mais le corps est notre premier outil pour la danse, c'est une chose dans laquelle on se reconnaît. "

" C'est important de lier le texte à l'image que l'on voit, qui est une image créée par le plasticien Michel François, où l'on aperçoit comme une vague, sous laquelle danse un jeune homme. C'est comme une visualisation d'une tempête entre l'eau, le feu, le vent... Cette image résonnait très bien avec ce texte de Walter Benjamin : un ange avec les yeux grands ouverts qui, quelque part, traduit la perception du monde entre le passé et le présent. "

" Il existe un tableau de Klee qui s'intitule Angelus Novus. (...)
L'ange voudrait bien réveiller les morts et rassembler les vaincus.
Mais du paradis souffle une tempête qui s'est prise dans ses ailes, si forte que l'ange ne peut plus les refermer.
Cette tempête le pousse incessamment vers l'avenir auquel il tourne le dos, cependant que jusqu'au ciel devant lui s'accumulent les ruines.
Cette tempête est ce que nous appelons le progrès. "
Extrait du texte sur l'Angelus Novus de Paul Klee par Walter Benjamin

Anne Teresa de Keersmaeker : " Je crois qu'on n'a plus d'autre choix que de remettre en question la notion du progrès sur ce qu'il a fait à la nature, à l'humanité, à la vie sur Terre. Je trouve que le texte de Walter Benjamin traduit ça d'une façon très claire. "

Le processus de création part de l'étonnement

" Le point de départ de tout processus de création, c'est l'étonnement (' what if', et si ? et ' what if not', et si... non ?) Quelque part, c'est un travail d'imagination que je considère comme un exercice politique : on se rappelle du passé, on essaie d'être dans le moment et on imagine un autre état du monde, un autre chemin, une autre solution. Je crois qu'exprimer le désir d'un autre état du monde est un acte d'anarchie, c'est ne pas accepter les choses comme elles sont**. J'ai hérité ça de mon père plus que de ma mère : c'est faire l'exercice d'imaginer un autre monde et je crois que le plus douloureux, le plus inacceptable pour moi, c'est que plus que jamais on pense que la violence est une bonne solution pour résoudre les problèmes. "
Morceaux diffusés pendant l'émission :

La Grande prière de Georges Ivanovotch Gurdjieff et Thomas de Harmann, interprété par Alain Kremski

Steve REICH - Fase four movements

Walking Song que l'on retrouve dans son spectacle Exit Above :

Pour afficher ce contenu Youtube, vous devez accepter les cookies Publicité.

Ces cookies permettent à nos partenaires de vous proposer des publicités et des contenus personnalisés en fonction de votre navigation, de votre profil et de vos centres d'intérêt.

Gérer mes choix J'autorise
Dates de la tournée, EXIT ABOVE, d'après La Tempête :

25-31.10.2023 EXIT ABOVE - AFTER THE TEMPEST / D'APRÈS LA TEMPÊTE / NAAR DE STORM Théâtre de la Ville - Sarah Bernhardt, Festival d'Automne à Paris - Paris, France

07-08.11.2023 Tanzhaus nrw - Düsseldorf, Germany

10.11.2023 De Werf - Aalst, Belgium

24-26.11.2023 Opera Gent, VIERNULVIER - Ghent, Belgium

29.11-02.12.2023 De Singel - Antwerp, Belgium

06.03.2024 TR25 Schouwburg, Theater Rotterdam - Rotterdam, The Netherlands

15.03.2024 Le Cratère | Scène nationale d'Ales - Alès, France

19.03.2024 Grand Théâtre, Scène Nationale Albi-Tarn - Albi, France

22-23.03.2024 Le Parvis - Tarbes, France

26.03.2024 Scène nationale Grand Narbonne - Narbonne, France

27.03.2024 Cultuurcentrum Hasselt - Hasselt, Belgium

05-06.04.2024 Opéra de Lille - Lille, France

26-27.04.2024 Teatro Central - Sevilla, Spain

19.05.2024 Teatros del Canal - Madrid, Spain

Programmation musicale :

CHRISTINE AND THE QUEENS , Aimer, puis vivre

James BLAKE, Loading

# data[].attributes.attachment_link.title
Anne Teresa De Keersmaeker : "il faut faire un pari sur la beauté"

# data[].attributes.attachment_link.description
Figure majeure de la danse contemporaine, la chorégraphe et danseuse Anne Teresa De Keersmaeker signe " EXIT ABOVE - d'après la tempête " sur scène du 25 au 31 octobre au Théâtre de la Ville (Salle Sarah Bernhardt).

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le mot jongleur vient du latin joculator qui veut dire plaisantin.

Il est difficile de donner une définition au jonglage car avec l'évolution de la jonglerie, la définition évolue aussi.

Si l'on regarde dans un dictionnaire (petit robert de 1987 par exemple) on trouve :

_Lancer en l'air plusieurs boules ou autres objets qu'on reçoit et relance alternativement en entrecroisant leur trajectoires.

Un jongleur du nom de Charlie Dancey définit ce terme d'une autre manière. Il disait qu'il fallait :

_utiliser plus de balles que de mains

_avoir toujours une balle en l'air

_ne jamais avoir plus d'un objet dans les mains.

De nos jours nous pouvons dire : intégration de toutes les manipulations et déplacements d'objet avec son corps en vu de créer un effet artistique, peu importe le nombre d'objets, les parties du corps utilisées.

Les premières traces de jonglerie on été retrouvées dans un tombeau à Beni Hassan en Égypte. C'est une fresque datée de 2000 av JC représentant des femmes en train de jongler. Des statues de jongleurs ont été retrouvées chez les Aztèques.

Dans les pays d'Orient les prêtres et les chamanes utilisaient le jonglage pour écarter les dangers, explorer l'inconnu ou encore prédire l'avenir mais malheureusement très peu de trace écrite on été retrouvées.

En 800 av JC, le jonglage arrive en Chine. C'est à partir de là que l'on trouve les 1er noms de jongleur (même si en réalité ce sont des guerriers)

_Lan Zi qui aurait jonglé avec 7 épées,

_Yi Liao qui jonglait avec des balles pour arrêter certains conflits,

_Xiong Yiliao qui aurait jonglé à 9 balles pendant une bataille.

Malheureusement personne ne sait si ce sont des faits réels ou bien des légendes.

Le jonglage est une pratique très valorisante mais perd de sa valeur à partir des années 400.

Puis en 1100, le jongleur prend un nouveau rôle. Il devient artiste itinérant. Travaillant surtout dans les rues, foires, marchés ... Il est alors appelé saltimbanque. Les plus connus d'entre-eux se retrouvent dans des palais ou cours seigneuriales. Eux sont appelés bouffons. Les trois bouffons les plus connus étaient:

_ Triboulet, bouffon de Louis XII et François I

_ Brusquet, bouffon de François I

_ Taillefer bouffon de Guillaume le Conquérant

A partir de 1200 les jongleurs ne sont plus que dans la rue car les bouffons sont remplaçés par les ménestrels .

Il faut attendre 1800 pour que le jonglage évolue de nouveau grâce à l'apparition des cirques en dur. C'est le nouvel age d'or du jonglage. Cela permit à certains jongleurs de se faire connaître comme Enrico Rastelie qui fut l'un des 1er à jongler à 10 balles ou Francis Brunn qui fit de même mais avec 10 anneaux.

Cette période se fini après la 2ème guerre mondiale. Les jongleurs font le choix de limiter l'effort physique pour l'artistique et ce démocratisent chez Mr et Mme tout le monde grâce au temps libre créé par les congés payés ou jours de repos obligatoire ...

La dernière grande évolution date de 1980. C'est a partir de cette date que le jonglage se mélange avec le théâtre, la danse, le mime, ou encore l'humour.

De nos jours, le jonglage n'a plus qu'une seule limite. C'est la créativité du jongleur.

# data[].attributes.attachment_link.description
Le mot jongleur vient du latin joculator qui veut dire plaisantin. Il est difficile de donner une définition au jonglage car avec l'évolution de la jonglerie, la définition évolue aussi. Si l'on regarde dans un dictionnaire (petit robert de 1987 par exemple) on trouve : _Lancer en l'air plusieurs boules ou autres objets qu'on reçoit et relance alternativement en entrecroisant leur trajectoires.

# data[].attributes.headline
 Les objets de la jonglerie et leur histoire

# data[].attributes.subject
 Les objets de la jonglerie et leur histoire

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les Massues

Les massues sont avec les balles, l'emblème du jongleur. Loin de provenir des quilles de bowling, elles ne sont apparues qu'à la fin du XIXe siècle. En 1885, Dewitt Cook est le premier à utiliser les joris, massues de musculation indiennes comme instrument de jonglerie. En 1895 avec Edward Van Wyck, apparaissent les premiers fabricants de massues destinées à être jonglées. Parmi les matériaux utilisés figurent entre autres le bois, le métal, le liège, la fibre de verre, le plastique, le cuir, la laine et le papier maché. D'abord pleines et très lourdes, les massues ont été tour à tour creusées, décomposées, moulées en une pièce, en plusieurs, épurées jusqu'au squelette, à manche court ou long, fines ou énormes, trouées, concaves, convexes, plates, hexagonales, enflammées, lumineuses (déjà en 1912 !) et programmables. Loin d'avoir tout exploré, les jongleurs et fabricants trouvent encore aujourd'hui de nouvelles formes et idées.

Les Balles

Les balles sont l'objet de jonglerie le plus répandu dans le monde. Des balles existent dans la nature, ou sont fabriquées facilement. Dans l'Antiquité et jusqu'au XXème siècle, les jongleurs utilisent des pierres, des fruits, noix, pommes, oranges etc.., et fabriquent aussi leurs balles en billes de bois, avec de l'osier en Indonésie, ou à base d'argile, de papier en Egypte ancienne, de fil en Chine et au Japon, ou de cuir en Europe, voire même une balle de verre comme le clame le romain Tagatus Ursus (54-117). Avec la découverte du caoutchouc et du plastique, de nouvelles balles apparaissent, se multiplient et sont produites en masse. A présent, toutes les couleurs, les tailles sont disponibles, balles creuses, à grain, de scène, avec du silicone liquide, lumineuses, rebondissantes ou non et même télécommandées, les jongleurs n'ont que l'embarras du choix.

Les anneaux

Les anneaux de jonglerie actuels ne sont apparus qu'à la fin du XIXème siècle. Avant cette date, on jongle avec des assiettes, ou des cerceaux. Les assiettes sont d'abord en porcelaine, puis en bois, voire en papier maché. Les cerceaux sont dérivées des jantes de vélo et sont roulés au sol ou jetés en l'air. La première trace officielle est un livre de 1904, " The Art of Modern Juggling " par Anglo. Plus faciles à jongler, notamment pour le nombre, et facilement transportables, les anneaux sont rapidement adoptés par les jongleurs. Il faut attendre les années 80 pour qu'apparaissent les premiers anneaux en plastique qui n'ont pas beaucoup évolué depuis lors. Longtemps cantonnés au HoulaHoop, ce n'est que récemment que les cerceaux sont jonglés à nouveau.

Le Bâton du Diable

L'origine du bâton du diable est incertaine. D'une mise en place très simple, il suffit de 3 bâtons, le bâton du diable a peut-être été pratiqué depuis des centaines d'années. Le nom néanmoins, à l'origine chinois et signifiant bâton fleur, provient des missionnaires occidentaux qui pensaient que la seule explication plausible était l'utilisation de magie pour manipuler ce bâton. Karl Rappo est le premier artiste européen connu au bâton du diable. Objet peu connu par le grand public, de grands jongleurs l'ont pourtant pratiqué comme Rastelli.

Le Diabolo

On trouve des traces du diabolo il y a 2000 ans dans la Grèce antique et en Chine, mais on ne sait pas quelle est son origine. De tout temps très populaire en Chine, il devient une véritable mode sous le nom de "jeu du diable" au début du XIXe siècle en France et en Angleterre. Un diabolo est à l'époque en bois, avec de temps en temps des parties en métal. Au début du XXe siècle, Gustave Philippart réinvente le diabolo en le modernisant et Charles Fry lui donne son nom actuel. La folie reprend en Europe et Mac Sovereign est le roi du diabolo sur scène. En 1950 avec l'arrivée du caoutchouc, le diabolo ne casse plus et est formé de deux coupoles souples montées sur un axe métallique. C'est à l'époque un jeu pour les enfants un peu désuet. Ce n'est que dans les années 1980 que le diabolo réapparaît sur scène dans les cirques. Depuis, le niveau technique explose et il devient normal de voir des jongleurs avec 3 diabolos simultanément.

# data[].attributes.attachment_link.title
Jonglerie et Jonglages - Les objets de la jonglerie et leur histoire

# data[].attributes.attachment_link.description
Les massues sont avec les balles, l'emblème du jongleur. Loin de provenir des quilles de bowling, elles ne sont apparues qu'à la fin du XIXe siècle. En 1885, Dewitt Cook est le premier à utiliser les joris, massues de musculation indiennes comme instrument de jonglerie.

# data[].attributes.headline
L'indépendance de la Guinée-Conakry expliquée par Histoire Crépues

# data[].attributes.subject
L'indépendance de la Guinée-Conakry expliquée par Histoire Crépues

# data[].attributes.attachment_link.title
Le 2 octobre on fête l' #indépendance de la #Guinée ! #histoire #colonial #colonisation #france

# data[].attributes.attachment_link.title
LES BOLOSS des belles lettres : L'Odyssée #BDBL

# data[].attributes.headline
Où sont les femmes dans les métiers scientifiques ?

# data[].attributes.subject
Où sont les femmes dans les métiers scientifiques ?

# data[].attributes.attachment_link.title
Où sont les femmes dans les métiers scientifiques ?

# data[].attributes.headline
Immersion dans le Roller Derby, sport de contact aux valeurs féministes

# data[].attributes.subject
Immersion dans le Roller Derby, sport de contact aux valeurs féministes

# data[].attributes.attachment_link.title
REPORTAGE. Immersion dans le Roller Derby, sport de contact aux valeurs féministes

# data[].attributes.headline
William Shakespeare, auteur et dramaturge anglais

# data[].attributes.subject
William Shakespeare, auteur et dramaturge anglais

# data[].attributes.attachment_link.title
William Shakespeare, auteur et dramaturge anglais

# data[].attributes.attachment_link.description
Une œuvre qui fait aujourd’hui figure de monument littéraire. Biographie.Qui est William Shakespeare ?William Shakespeare est un dr…

# data[].attributes.headline
Beaucoup de bruit pour rien en 2 minutes

# data[].attributes.subject
Beaucoup de bruit pour rien en 2 minutes

# data[].attributes.attachment_link.title
La minute Culture N°3: Beaucoup de bruit pour rien

# data[].attributes.headline
Traitement des données : c'est quoi le BIG DATA ?

# data[].attributes.subject
Traitement des données : c'est quoi le BIG DATA ?

# data[].attributes.attachment_link.title
Big data : données, données, donnez-moi ! - #DATAGUEULE 15

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Passionnée d'écriture et de partage, en 10 ans, j'ai écrit 9 guides touristiques et historiques sur la ville d'Istanbul en parallèle de ma carrière de digitale marketeuse. Je suis toujours à l'affût de deux choses : un bon plan et une bonne histoire à raconter ! IG : @ blogistanbul

# data[].attributes.attachment_link.title
15 Traditions de Mariage Turc à Connaître - Le Blog d'Istanbul

# data[].attributes.attachment_link.description
Avec Le Blog d'Istanbul, voyagez à Istanbul en toute simplicité !

# data[].attributes.headline
De la fin de l’Empire ottoman à la Turquie contemporaine

# data[].attributes.subject
De la fin de l’Empire ottoman à la Turquie contemporaine

# data[].attributes.attachment_link.title
De la fin de l’Empire ottoman à la Turquie contemporaine

# data[].attributes.attachment_link.description
Originaires d’Asie, les Turcs pénètrent en Anatolie et remportent en 1071 une victoire contre les Byzantins. Ils fondent plusieurs petite…

# data[].attributes.attachment_link.description
Scribd est le plus grand site social de lecture et publication au monde.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Une partie de la compagnie du Circus Baobab lors de son spectacle " Yé ! ", au Cratère d'Alès en 2022. METLILI.NET

Sous un grand soleil de janvier, les treize acrobates du Circus Baobab courent et s'étirent avant de s'élever en pyramides devant le Palais du Pharo de Marseille. Amara Camara le contorsionniste se tient à l'écart, le corps ondulant sur le bitume. Bonnet en laine, short jaune fluo, sweat à capuche rouge vif et baskets à la mode, ils ressemblent à tous les jeunes de leur époque mondialisée. Seul le chant entonné joyeusement pendant l'échauffement, " Giyaratemady " ( " comment gravir la montagne ") en langue soussou, rappelle leur Guinée natale et sa capitale, Conakry.

Les artistes, âgés de 18 ans à 32 ans, vivent et s'entraînent à Marseille depuis le début de la tournée du spectacle Yé !en France au printemps 2022. Partout où ils se produisent, l'ambiance est électrique. Portés acrobatiques les propulsant dans les airs, pyramides humaines vertigineuses, corps-à-corps et contorsions s'enchaînent sur un rythme frénétique. Les acrobates se livrent à des rixes autour de bouteilles d'eau en plastique qui les laissent exsangues. Si les tableaux ont des airs d'apocalypse, la mise en scène deYann Ecauvreest épurée.

" "Yé !" cela veut dire l'eau en soussou. C'est en parlant tous ensemble avec Yann que nous avons trouvé le thème. La Guinée est le château d'eau de l'Afrique de l'Ouest, mais nous manquons cruellement d'eau à Conakry ", explique avec une certaine gravité Fodé Kaba Sylla, 27 ans, le danseur de breakdance de la troupe.

L'eau, c'est aussi ce qui relie les acrobates au bord de mer, à ces plages de Matam, à Conakry, qui sont " le seul endroit où on peut s'entraîner sans se faire mal ", raconte Bangaly Sylla, 22 ans. Le danseur y a fait ses premières figures " à l'âge de 7 ans avec les grands frères ". " Je rêvais d'être acrobate, dit-il les yeux brillants, mais mes parents ne voulaient pas, ils voulaient que j'étudie. Pour eux, il n'y avait pas d'avenir dans le cirque. "

" Radicalement nouveau "

Plus jeunes, tous, comme lui, ont dû ruser, écumer les plages de la péninsule avant de bénéficier des entraînements dispensés par les anciens de la troupe dans des hangars désaffectés, des maisons de quartier ou au Centre des arts acrobatiques Keïta-Fodéba, à Conakry. Ils y ont appris les acrobaties, la voltige et les contorsions, avec pour seul objectif de vivre de leur passion.

Aujourd'hui, le Circus Baobab, en plus d'être une compagnie, se voit comme un cirque social. " Nous sommes un outil d'inclusion sociale, nous cherchons des fonds pour créer une école du cirque à Conakry ", explique avec fierté Bangaly Sylla, emmitouflé dans sa parka. Nos petits frères là-bas ont eux aussi droit de vivre leur rêve. " Et il précise dans un sourire éclatant : " On se connaît tous, on est une grande famille. "

La compagnie itinérante est née en 1998 à Conakry, autour d'un projet un peu fou. A l'époque, le cinéaste français Laurent Chevallier rêve de filmer une troupe de cirque itinérante en Guinéeoùil a déjà tourné plusieurs films (le beau documentaire Djembefola sur le retour au pays du percussionniste Mamady Keïta et L'Enfant noir). Son complice, le directeur national de la culture Baïlo Telivel Diallo souhaite renouveler le patrimoine culturel guinéen. " Le projet était révolutionnaire, comme les Ballets africains de Guinée créés par Ahmed Sekou Touré l'avaient été en 1958, se souvient-il. Les arts traditionnels du pays allaient rencontrer les techniques du cirque occidental et créer quelque chose de radicalement nouveau. "

Un troisième larron viendra donner toute sa dimension novatrice et poétique à l'aventure : Pierrot Bidon, le fondateur subversif de la compagnie française Archaos qui a révolutionné le cirque contemporain. Arrivé à Conakry, le circassien est fasciné par les acrobaties au sol des jeunes Guinéens, qui virevoltent sur le sable avec pour uniques accessoires de vieux pneus de voitures. " Alors que j'avais en tête de filmer une simple troupe de cirque ou de théâtre de rue, Pierrot Bidon imagine autre chose. Il rêve de faire voler les acrobates ", se remémore avec émerveillement le cinéaste Laurent Chevallier.

Saltos et flip-flap

L'aventure humaine et artistique se met en marche. Des formateurs, des voltigeurs arrivent de France et rencontrent les plus grands artistes guinéens. Dans une salle en ruines et au parquet défoncé, attenante au Stade du 28-Septembre, une cinquantaine de jeunes sélectionnés découvrent les possibilités infinies des trampolines, des tapis de réception, des trapèzes fixes et volants, du mât chinois, des sangles et du jonglage.

Otto Fodé Camara, aujourd'hui acrobate trapéziste installé à Marseille, est repéré grâce à ses saltos avant et ses flip-flap tendus. Il se souvient avec émotion : " J'étais très timide, l'acrobatie était mon seul moyen d'expression. A 15 ans, je n'avais connu que le sable, la rue et l'école coranique. Tout était nouveau, effrayant et magique à la fois. " En quelques mois, les acrobates habitués aux sables s'élèvent dans les airs.

La tournée et le tournage du film sont mémorables. En mars 2000, le baobab conçu de toutes pièces avec ses douze branches en teck, tracté sur un semi-remorque, le camion-bus jaune et ses artistes s'élancent dans une tournée qui les mènera des hauts plateaux du Fouta-Djalon jusqu'aux confins de la Guinée forestière.

Les spectacles sont gratuits. Des foules se pressent dans les stades pour découvrir La légende du singe tambourinaire, l'histoire du roi qui a volé aux chimpanzés de la forêt leur tambour. Eberlués, les spectateurs veulent toucher ces hommes déguisés en singes qui volent, de branche en branche, à 15 mètres du sol, dans un baobab reconstitué.

La compagnie Circus Baobab s'entraîne dans les rue de Marseille, le 25 janvier 2023. LAETITIA FERNANDEZ

" Alertées par les radios rurales, 52 000 personnes s'étaient déplacées à N'Zérékoré. Cela m'a rapidement dépassé ", raconte Laurent Chevallier, entouré de ses souvenirs dans sa maison de Montreuil. " Et puis, une fois le tournage terminé, il fallait faire vivre le projet au-delà du film. Ces jeunes mobilisés pendant deux ans devaient continuer à se professionnaliser ". Isabelle Sage, ancienne complice de Pierrot Bidon au sein d'Archaos, et Morry Diallo, le constructeur du baobab, structurent alors le projet. Les nouveaux talents se forment au Centre des arts acrobatiques de Guinée.

" Le froid qui s'infiltre partout "

En 2001, la troupe s'envole avec le baobab. L'hiver. Paris. Le choc. Otto Fodé Camara l'acrobate est encore tout jeune. Il a à peine 18 ans, se confronte au " froid qui s'infiltre partout ". Aujourd'hui encore,il se rappelle " ses doigts gelés qui peinent à agripper le trapèze, ses pieds nus qui se raidissent sur scène ", mais aussi " son étonnement devant tous ces gens qui se déplaçaient les voir malgré le froid, la joie sur les visages ".

Les artistes alternent tournées à l'étranger et retours au pays, où ils initient les plus jeunes et retrouvent leurs familles. Les spectacles s'enchaînent, Les Tambours Sauteurs en 2004, puis Nimba. Mais l'énergie folle des débuts s'essouffle, certains artistes sont tentés par d'autres aventures, les difficultés s'amoncellent. En 2009, l'aventure prend fin. La famille se disperse, en Guinée, en Afrique et dans le monde.

" Je suis celui qui a réveillé le Circus Baobab ", s'enorgueillit aujourd'hui Kerfalla Bakala Camara et nouveau directeur du cirque. " A 14 ans, j'étais le plus jeune aux débuts du Circus Baobab, j'étais percussionniste. C'était ma famille. Il fallait le faire renaître. " Celui qui connaît toutes les compagnies et les écoles balbutiantes à Conakry se pose en rassembleur. En 2021, avec l'aval des fondateurs du cirque, Laurent Chevallier, Isabelle Sage et Morry Diallo, tous " heureux " que l'aventure continue, il reprend officiellement le nom du Circus Baobab pour sa compagnie Terya Circus (créée en 2008 avec des anciens du cirque). La légende peut renaître.

Bangaly Sylla, jeune danseur de 22 ans de la compagnie Circus Baobab, à Marseille, le 25 janvier 2023. LAETITIA FERNANDEZ

" On a de la chance, on représente les couleurs de la Guinée et de l'Afrique dans le monde, se félicitent les acrobates de Yé !. Le cirque, c'est notre vie, notre plus grande fierté. On a gagné le respect de nos parents, eux qui ne voulaient pas qu'on entre dans le cirque. "

Deux jeunes femmes, font aujourd'hui partie de la troupe, Aïcha Keïta, 26 ans, et M'mahawa Sylla, 25 ans. Le caractère forgé dans un milieu d'hommes, les deux cousines parlent peu mais évoquent un itinéraire souvent contrarié pour les jeunes filles désireuses d'embrasser la carrière de circassienne : " C hez nous, la tradition veut encore que les filles restent à la maison pour aider les mamans ou ensuite à être de bonnes mères et épouses. " Le prochain spectacle Yongoyély, " l'exciseuse " en langue soussou, est déjà en préparation avec une dizaine de jeunes filles à Conakry. La création est prévue pour fin 2024.

Yé !, spectacle de la compagnie Circus Baobab, les 10 et 11 février à la Biennale internationale des arts du cirque de Marseille. Et du 14 avril au 10 juin à La Scala, à Paris.

Réutiliser ce contenu

# data[].attributes.attachment_link.title
Circus Baobab, le réveil de la légende guinéenne

# data[].attributes.attachment_link.description
Pionnière en Afrique subsaharienne, la compagnie circassienne créée en 1998 à Conakry, est de retour en France avec le spectacle " Yé ! ".

# data[].attributes.headline
Petite chronologie de l'histoire de la danse

# data[].attributes.subject
Petite chronologie de l'histoire de la danse

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
1909

L'américaine Isadora Duncan s'installe à Paris, danse des récitals pieds nus, en tunique légère, dans la nature, met la danse au service de l'expressivité et s'inspire de la mythologie grecque. Sa danse est qualifiée de danse libre.

1909-1929 Les Ballets russes

Les Ballets russes de Serge de Diaghilev est une compagnie itinérante au sein de laquelle collaborent étroitement peintres, musiciens, chorégraphes et danseurs.

L'après-midi d'un faune d'après un poème de Stéphane Mallarmé, Vaslav Nijinski (chorégraphe), Claude Debussy ( musique), 1912.

Le sacre du printemps, Vaslav Nijinski (chorégraphe), Igor Stravinsky, ( musique), 1913.

1913

L'allemand et austro-hongrois Rudolf Laban fonde son école à Ascona au sein de la communauté utopique de Monte Verità (Suisse). Il y poursuit ses recherches sur l'autonomie expressive du geste et les danses chorales. Il appartient au mouvement de la danse dite d'expression (Ausdruckstanz). Il publie son système de notation du mouvement dit cinétographie en 1928.

Voir + :
Les écritures du mouvement
Notation Benesh
Écrire le mouvement (Webdoc)

1914

Hexentanz (La danse de la sorcière) de l'allemande de Mary Wigman, proche de l'avant-garde expressionniste, élève et collaboratrice de Rudolf Laban. Elle prône la subjectivité, la manifestation de l'émotion intime et de l'énergie intérieure.

1917

Parade, "ballet réaliste" par Jean Cocteau (livret), Léonide Massine (chorégraphe), Eric Satie (musique), Pablo Picasso (décor). Créé par les Ballets russes de Serge de Diaghilev au Théâtre du Châtelet.

1925

La Revue nègre avec Joséphine Baker, danseuse et chanteuse française d'origine américaine, devenue figure de proue de l'esthétique du cabaret et de la musique jazz

ANNÉES 30

Age d'or de la comédie musicale hollywoodienne avec les compositions géométriques de masse de Busby Berkeley et les succès de Fred Astaire.

1930

Lamentation de l'américaine Martha Graham, l'une des représentantes de la modern dance américaine : une danse engagée, intuitive, émotionnelle et symbolique.

1935

George Balanchine introduit la danse classique aux États-Unis, invité pour y fonder le futur New York City Ballet.

1943

Tropical Revue de Katherine Dunham, pionnière de la danse noire. Elle lutte contre la ségrégation, s'intéresse aux rituels dansés caribéens et africains, crée la première compagnie afro-américaine et forme Alvin Ailey.

1949

Carmen de Roland Petit, triomphe immédiat, révèle Renée Jeanmaire dite " Zizi ", tous deux issus de l'école de danse de l'Opéra de Paris. La chorégraphie introduit des positions en dedans révolutionnaires.

1953

Merce Cunningham créé sa compagnie avec le compositeur John Cage. Il rejette la frontalité et l'expression, emploie l'aléatoire et les gestes quotidiens, autonomise la danse vis à vis de la musique, danse dans ou en-dehors des théâtres (Happenings) et se réfère à Marcel Duchamp.

Summerspace (1958), Biped créée avec le logiciel de composition assistée par ordinateur Lifeforms (1999)

1955

Jacqueline Robinson fonde l'Atelier de la danse à Paris et Françoise et Dominique Dupuy les Ballets modernes de Paris. Ils forment de nombreux danseurs

1957

Création à Broadway de la comédie musicale West Side Story par Jerome Robbins, adaptée au cinéma en 1961.

1962

Le Judson Dance Theater ( fondé entre autres par Steve Paxton, Trisha Brown, Yvonne Rainer, David Gordon, Lucinda Childs, Meredith Monk, Deborah Hay, Simone Forti etc.) fait sa première présentation dans l'église Judson à New York.

La danse est dépourvue d'effet spectaculaire, le spectacle rejoint le studio et les lieux extérieurs. Ils développent le contact-improvisation.

1967

Messe pour le temps présent de Maurice Béjart, cérémonie en neuf épisodes, est une méditation sur des données essentielles de la vie comme sur des préoccupations d'actualité.

1978

Café Müller de Pina Bausch dont le genre allie danse et théâtre.

1980

Hommage à la Argentina, solo chorégraphié par Tatsumi Hijikata et dansé par Kazuo Ôno, est présenté en France, provoquant la stupeur et révélant le butô au public occidental japonais, un genre de danse contemporaine apparu au japon au début des années 60, rejetant la danse moderne, prenant pour moteur de création la violence et l'érotisme, en réaction à la démocratie et la morale.

A PARTIR DES ANNÉES 80

La nouvelle danse française se déploie, une danse d'auteur allant de pair avec la création du statut " Centre chorégraphique national " sous le ministère de Jack Lang.

Liens :
Philippe Jamet
Dominique Boivin
Angelin Preljocaj et la danse contemporaine
Josef Nadj

1981

May B de Maguy Marin

1984

Déserts d'amour de Dominique Bagouet (1951-1992)

1992

Cérémonie d'ouverture et de clôture des J.O. d'Albertville par Philippe Decouflé

1994

Projet de la matière d'Odile Duboc (1941-2010)

# data[].attributes.attachment_link.description
Découvrez les repères chronologiques en danse, rédigés par Enora Rivière, danseuse et chercheuse en danse. Une exploration de la danse à travers artistes, œuvres et mouvements emblématiques. Une chronologie simple, accessible et riche d'exemples qui pe...

# data[].attributes.attachment_link.title
Pau : Le cirque moderne de la compagnie XY au Foirail

# data[].attributes.headline
Le cirque contemporain, qu'est-ce que c'est ?

# data[].attributes.subject
Le cirque contemporain, qu'est-ce que c'est ?

# data[].attributes.attachment_link.description
1. En ce qui concerne les formes et les formats, on relèvera les tendances dominantes suivantes : les spectacles pluridisciplinaires sont l'exception et non plus la règle, chacun des " arts du cirque ", y compris les plus spécifiques (corde lisse, diabolo, BMX, roue Cyr, etc.)

# data[].attributes.attachment_link.title
Le cirque nouvelle génération | ARTE Family

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Mae Carol Jemison est une astronaute et ingénieure américaine qui depuis toute petite rêvait d'aller dans l'espace. Lorsque l'équipe de l'Apollo 11 pose le pied sur la Lune, elle s'agace de voir qu'il n'y a que des hommes. Va-t-elle réussir à changer la donne ? Réponse dans son portrait minute.

Qui est Mae Carol Jemison ?

Elle se passionne vite pour les sciences et décide d'en faire l'objet de ses études. Mae Carol Jemison doit alors faire face au racisme et au sexisme lorsqu'elle étudie à l'université de Standford. Mais elle ne se laisse pas décourager et elle obtient un diplôme d'ingénieur en génie chimique, puis en médecine. Elle intègre la NASA en 1987, et en 1992, elle est la première femme noire à partir dans l'espace, à bord de la navette spatiale Endeavour. Pour lui rendre hommage, elle emporte avec elle une photo de Bessie Coleman, la première femme noire à obtenir un brevet de pilote. A l'époque, les femmes noires étaient si peu représentées dans l'univers des sciences qu'il fallait bien qu'elles se soutiennent.

Producteur : Ligue de l'enseignement du Bas-Rhin

Publié le 10/06/21

Modifié le 21/02/23

# data[].attributes.attachment_link.description
Mae Carol Jemison est une astronaute et ingénieure américaine qui depuis toute petite rêvait d'aller dans l'espace. Lorsque l'équipe de l'Apollo 11 pose le pied sur

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Cette française fait partie des cinq nouveaux astronautes, trois hommes et deux femmes, choisis par l'agence spatiale européenne. Il y a 13 ans, le précédent recrutement avait désigné un autre français, Thomas Pesquet. Sophie Adenot, elle, devient la deuxième femme française astronaute. Elle succède à Claudie Haigneré qui a volé dans l'espace il y a plus de 20 ans.

Mais comment est-on choisi comme astronaute ?

Tout d'abord il faut être européen et avoir posé sa candidature, ensuite la sélection dure 18 mois. Au départ, il y avait plus de 22 000 candidats ! Ils ont tous passé beaucoup de tests, des évaluations psychologiques, physiques et médicales. Car un astronaute doit avoir une santé de fer et doit être très solide dans sa tête pour affronter le danger et le stress.

À 40 ans, Sophie Adenot est ingénieure en aéronautique et lieutenante-colonelle de l'armée de l'air où elle pilote des hélicoptères. Astronaute devient donc son nouveau métier, qu'elle va apprendre pendant 3 ans dans une école en Allemagne. Elle va étudier la mécanique, l'informatique, la technologie... et elle sera entraînée pour aller dans l'espace. Puis elle fera des missions dans la Station spatiale internationale et, plus tard, elle sera peut-être la première Française à poser le pied sur la Lune !

Réalisateur : Jacques Azam

Producteur : Milan Presse, France Télévisions

Année de copyright : 2022

Publié le 02/01/23

Modifié le 05/01/23

# data[].attributes.attachment_link.description
Cette française fait partie des cinq nouveaux astronautes, trois hommes et deux femmes, choisis par l'agence spatiale européenne. Il y a 13 ans, le précédent recrute

# data[].attributes.headline
Est-ce que beaucoup de femmes sont allées dans l'espace ?

# data[].attributes.subject
Est-ce que beaucoup de femmes sont allées dans l'espace ?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Des femmes dans l'espace ? Tu ne parles pas sérieusement ! Au début de la conquête spatiale, dans les années 1960, l'espace est le domaine réservé des hommes. Pourtant, les choses avaient bien commencé. 16 juin 1963. Pour la première fois, une femme part dans l'espace, deux ans seulement après Youri Gagarine, le premier homme.

Comment s'appelle la première femme a avoir été dans l'espace ?

Elle s'appelle Valentina Terechkova, elle est russe et elle n'a que 26 ans. Et après ? Rien, pendant presque 20 ans !

Les Russes voulaient simplement être les premiers à envoyer une femme dans l'espace. Aujourd'hui, sur 545 astronautes à avoir conquis les étoiles, 60 seulement sont des femmes. La plupart sont américaines. En France, tu as peut-être déjà entendu parler de Claudie Haigneré ? Elle est partie deux fois, en 1996 et en 2001.

Mais, pourquoi les femmes sont-elles si peu nombreuses ?

Parce qu'elles n'osent pas ! Comme si le métier d'astronaute n'était pas fait pour elles ! Pourtant, elles sont capables de remplir les mêmes missions que les hommes : certaines ont déjà été pilotes, commandantes, ou ont effectué des sorties dans l'espace. Plus besoin d'être pilote pour candidater ! Aujourd'hui, le recrutement est ouvert à de nombreuses professions : chercheur, astrophysicien, ingénieur, ou plongeur. Car dans l'espace, tous les talents sont bons pour réussir une mission, qu'on soit une fille ou un garçon !

Réalisateur : Jacques Azam

Producteur : Milan Presse, France Télévisions

Année de copyright : 2016

Année de diffusion : 2016

Publié le 19/10/16

Modifié le 25/08/23

# data[].attributes.attachment_link.title
Est-ce que beaucoup de femmes sont allées dans l'espace ?

# data[].attributes.attachment_link.description
Des femmes dans l'espace ? Tu ne parles pas sérieusement ! Au début de la conquête spatiale, dans les années 1960, l'espace est le domaine réservé des hommes. Pourta

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Depuis 2021, l'inflation, c'est-à-dire la hausse générale des prix, s'emballe. Cette hausse impacte concrètement la vie des Français et occupe toutes les conversations. Mais c'est quoi exactement l'inflation ?

Comment calculer le taux d'inflation ?

L'inflation est mesurée par l'INSEE, l'Institut national de la statistique et des études économiques. Chaque mois, il relève plus de 200 000 prix différents, représentatifs de ce que les gens consomment. Certains augmentent, d'autres diminuent. On calcule l'évolution moyenne des prix en répondant à la question : " Si les Français veulent acheter exactement les mêmes choses que l'an dernier, combien cela leur coûte-t-il en plus ? ". L'augmentation, mesurée en pourcentage, c'est l'inflation.

Quelles sont les causes de l'inflation ?

Pour causer une forte inflation, il faut un élément déclencheur :

la création de monnaie : parfois, c'est le gouvernement d'un pays qui veut dépenser beaucoup plus qu'il ne gagne. Il va donc créer de la monnaie pour financer ses dépenses supplémentaires. Et comme il y a beaucoup plus d'argent en circulation mais pas plus de choses à acheter, les prix se mettent à grimper. On parle alors d'inflation par la demande.

la hausse de produits-clés : le déclencheur de l'inflation peut être une très forte hausse de prix de certains produits qui sont consommés de manière importante. C'est par exemple le cas de l'énergie ou de certains produits alimentaires. Si ces produits sont utilisés par beaucoup de secteurs d'activité, leurs coûts de production augmentent et cela se répercute dans d'autres prix. On appelle cela l'inflation par les coûts.

L'inflation depuis 2021

L'inflation qui a débuté à l'été 2021 est un mélange de ces 2 explications :

d'un côté, les gouvernements du monde entier ont beaucoup dépensé pour aider les entreprises qui ne pouvaient plus produire pendant le COVID. Mais lorsque l'activité a repris, les entreprises ont eu du mal à suivre la demande, ce qui a entraîné une hausse des prix.

d'un autre côté, la guerre entre la Russie et l'Ukraine, débutée en février 2022, a fait exploser les prix de nombreuses matières premières, de l'énergie et des produits alimentaires.

Comment lutter contre l'inflation ?

Pour lutter contre l'inflation, plusieurs solutions sont entre les mains des gouvernements. Dans la zone euro, la solution choisie est de monter les taux d'intérêts. Lorsque les taux sont plus élevés, emprunter de l'argent devient plus coûteux : les familles vont réduire leur consommation, les entreprises vont moins investir. Les entreprises doivent cesser d'augmenter leurs prix faute de clients, elles réduisent leurs embauches, conduisant les salariés à moins demander d'augmentation. L'économie ralentit et donc, l'inflation ralentit également.

Mais si les prix cessent d'augmenter, ils ne reviennent jamais à leur niveau de départ. Il faudra donc s'habituer à des prix durablement plus élevés. Pour les ménages les plus fragiles, dont les revenus n'augmentent pas, cela peut vouloir dire sombrer dans la pauvreté.

Réalisateur : Maxime Chappet

Auteur : Alexandre Delaigue

Producteur : France Télévisions, Corner Prod

Année de copyright : 2023

Année de production : 2023

Publié le 23/11/23

Modifié le 05/12/23

# data[].attributes.attachment_link.description
Depuis 2021, l'inflation, c'est-à-dire la hausse générale des prix, s'emballe. Cette hausse impacte concrètement la vie des Français et occupe toutes les conversatio

# data[].attributes.attachment_link.description
Le cirque, c’est une longue histoire ! Il y a 3 500 ans, des Grecs téméraires proposaient déjà des num&eacut…

# data[].attributes.headline
Pourquoi avons-nous besoin de l'immigration ?

# data[].attributes.subject
Pourquoi avons-nous besoin de l'immigration ?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Dès la seconde moitié du XIX e siècle, la France accueille une immigration de masse pour répondre au ralentissement de la croissance démographique et à la pénurie de main-d'œuvre. Des ouvriers et saisonniers agricoles viennent alors en renfort de toute l' Europe : Belgique, Suisse, Allemagne, Italie et Espagne, pour travailler dans l'agriculture et l'industrie.

La France est une terre d'immigration

Pendant la Première Guerre mondiale, la France fait venir un très grand nombre de travailleurs étrangers européens, mais aussi des habitants des colonies et des Chinois.

Dans l'entre-deux-guerres, des Italiens continuent d'arriver, suivis de Polonais.

Après la Seconde Guerre mondiale, de nombreux Espagnols et Portugais sont incités à venir travailler dans les champs, le bâtiment ou en tant que domestiques. Pour reconstruire la France, on fait aussi appel à des ouvriers yougoslaves ou en provenance du Maghreb.

La restriction de l'immigration

Jusque-là peu régulée, l'immigration est peu à peu restreinte à partir des années 1970. En 1974, l'Etat vote l'arrêt de l' immigration de travail pour résorber le chômage et incite les étrangers à rentrer chez eux. Cependant, l'immigration n'a jamais été stoppée car elle est nécessaire.

L'utilité de l'immigration

C'est un soutien démographique. La population française vieillit. En 2022, le taux de fécondité est tombé à 1,8 enfant par femme. Or, pour que la population se renouvelle, il doit être de 2,1 enfants par femme.

C'est un soutien économique. En travaillant et en consommant sur le sol français, les immigrés cotisent, payent des taxes et des impôts. Ils soutiennent ainsi l'économie française. Pour le PNUD, le Programme des Nations unies pour le développement, quand le nombre d'immigrés augmente d'1 %, le PIB du pays où ils s'installent augmente également d'1 %.

C'est un soutien à l'emploi. Les populations étrangères comblent par ailleurs le manque de main-d'œuvre dans certains secteurs. D'après le ministère du Travail, elles occupent aujourd'hui 4 emplois sur 10 dans les services à la personne, 1 sur 3 dans le BTP ou dans la sécurité, et 2 sur 10 dans l'hôtellerie-restauration.

Le durcissement des conditions d'immigration

Malgré cet apport, des lois se multiplient depuis plus de 40 ans pour durcir les conditions d'entrée et d'installation sur le territoire national. Objectif : maîtriser les flux migratoires et favoriser une immigration dite " choisie ", c'est-à-dire réservée aux personnes en mesure d'exercer des métiers en tension, ou ayant des talents particuliers. Et certaines lois visent à réduire l'obtention du droit d'asile.

30 textes ont été votés par des gouvernements de droite comme de gauche depuis les années 1980. Soit 1 tous les 17 mois !

La France est ainsi moins accueillante et attractive que ses voisins européens, confrontés eux aussi au vieillissement de leur population. En France, le nombre d'immigrés a progressé de 36 % entre 2000 et 2020, contre 75 % en Allemagne, 121 % dans les pays nordiques et 181 % en Europe du Sud.

Réalisateur : Maxime Chappet

Nom de l'auteur : Delphine Tayac

Producteur : France Télévisions, Corner Prod

Année de copyright : 2024

Année de production : 2024

Publié le 12/01/24

Modifié le 12/01/24

# data[].attributes.attachment_link.title
Pourquoi avons-nous besoin de l'immigration ?

# data[].attributes.attachment_link.description
Dès la seconde moitié du XIXe siècle, la France accueille une immigration de masse pour répondre au ralentissement de la croissance démographique et à la pénurie de

# data[].attributes.headline
Pourquoi entend-on parler des migrants de manière négative ?

# data[].attributes.subject
Pourquoi entend-on parler des migrants de manière négative ?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Nous avons demandé l'avis de Marie-Rose Moro, psychiatre et Professeure des Universités.

La question des migrations est considérée comme une question ancienne car les migrations existent depuis toujours, on a changé d'endroits pour mille et une raisons.

Comment le migrant est-il perçu ?

Le migrant, c'est l'autre, l'autre qui me ressemble. Il vient d'ailleurs, il a sa propre histoire, peut-être parle-t-il ma langue, il peut avoir une autre religion, une autre couleur de peau.

Cette différence, on va chercher à l'interpréter de manière discriminante en faisant une hiérarchie, comme par exemple parler telle langue c'est mieux que telle autre, ou bien avoir telle religion c'est mieux que telle autre...

C'est à partir de cette interprétation sur la différence que des théories seront élaborées sur le pourquoi on est différent.

C'est en fonction de nos difficultés, de choses difficiles pour nous que nait un autre mécanisme d'interprétation qui est une sorte de mécanisme de sacrifice " c'est l'autre qui est responsable de mon malheur, c'est parce que l'autre vient chez moi que moi j'ai moins de bien être ou moins de facilités ".

Pourquoi ce côté négatif lorsque l'on parle des migrants ?

Cette deuxième partie de l'interprétation fait naître un " bouc émissaire ", un ennemi dès le moment où on commence à dire que " ça c'est mieux que ça ", cette différence va amener une hiérarchie qui peut créer du négatif, de la haine, et cet enchainement nous fait écarter de celui qui pourtant nous ressemble mais qui a une petite différence.

Les enfants auront ce même type d'interprétation qui va de la même façon créer un danger d'erreur de jugement et pourra déplacer finalement des questions qu'on peut avoir sur soi, sur la manière de vivre ensemble, de les déplacer en nous disant " c'est l'autre qui nous empêche d'être le même, d'être entre nous ".

Des études réalisées montrent que plus ces différences sont petites aussi bien d'un point de vue psychologique que sociologique, plus elles sont minimes, et plus elles prennent une importance incroyable.

La somme de toutes ces différences va devenir quelque chose qui fait notre valeur identitaire, ce qui nous fait réagir de la sorte : " ça c'est moi, et les autres ils sont différents, ils appartiennent à un autre monde ".

Tout cela rompt la relation, la rencontre, et menace au fond l'expression de la diversité humaine.

Réalisateur : mStream

Producteur : Res Publica; European Migration Law

Année de production : 2019

Publié le 12/10/20

Modifié le 28/12/22

# data[].attributes.attachment_link.title
Pourquoi entend-on parler des migrants de manière négative ?

# data[].attributes.attachment_link.description
Nous avons demandé l'avis de Marie-Rose Moro, psychiatre et Professeure des Universités.La question des migrations est considér&...

# data[].attributes.attachment_link.description
C'est une personne qui migre, qui quitte son pays d'origine pour aller vivre dans un autre pays. Parfois, c'est un choix, mais d&rs...

# data[].attributes.attachment_link.description
A cause de la guerre, Deliar Zeynal 11 ans, a dû fuir la Syrie avec sa famille. En août 2013, ils s'installent alors dans un camp de r&eacu...

# data[].attributes.headline
La jungle de Calais : quelles conditions de vie ?

# data[].attributes.subject
La jungle de Calais : quelles conditions de vie ?

# data[].attributes.attachment_link.title
Calais : quelles conditions pour les personnes migrantes ? - La Cimade

# data[].attributes.attachment_link.description
Depuis 30 ans, la ville de Calais s’est vue zone de transit pour les personnes en situation d’immigration, donnant lieu à ce que l’on appelle communément la Jungle de Calais. Si la traversée de la Manche n’est pas sans risque, un bon nombre de personnes migrantes veulent toujours rejoindre le Royaume-Uni, dans l’espoir d’une vie nouvelle. Plusieurs années après le démantèlement du campement, qu’est-il advenu de ces milliers de personnes ? La Cimade, association militante en faveur des personnes réfugiées et migrantes, vous éclaire sur le sujet.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Contexte historique

Contrairement à la "grande dépression" de la fin du XIXe siècle ou à la crise des années trente, le ralentissement de la croissance qui survient en France au milieu des années 1970 n'entraîne aucune baisse des prix et s'accompagne au contraire d'une inflation particulièrement forte. Dès 1974, la hausse des prix fait apparaître une inflation à deux chiffres, dépassant le seuil critique des 10 % par an, ce qui place la France dans le groupe de tête des pays fortement inflationnistes.

Cette accélération de l'inflation provient de plusieurs facteurs. La hausse brutale du coût des matières premières, suite au choc pétrolier de 1973, accélère une inflation qui n'avait jamais totalement disparu depuis la fin de la guerre. Mais la hausse des salaires (les salaires nominaux augmentent de 20 % en 1974 et de 16 % en 1975) et des charges sociales ont également joué un rôle important, en augmentant la pression sur les coûts de production. Malgré la crise et le chômage, le mouvement des salaires réels continue de s'exercer à la hausse, ce qui bouleverse les règles de la courbe de Phillips selon lesquelles le bond du chômage aurait dû susciter à terme le repli des salaires et de l'inflation. La volonté des entreprises de maintenir un certain niveau de profit, malgré une baisse de la production, favorise aussi la hausse des prix. Enfin, le poids économique de l'Etat et l'accroissement des dépenses budgétaires apparaissent également sources de déséquilibres inflationnistes.

Cette accélération de l'inflation exerce des effets très négatifs sur l'ensemble de l'économie. Elle fragilise la France au sein du commerce mondial et creuse le déficit de la balance extérieur. Elle entraîne également une hausse importante des taux d'intérêts. Or, des taux d'intérêts élevés renchérissent le crédit, détournent les capitaux de l'investissement au profit de la spéculation, ce qui freine l'activité économique. Les spécificités de la crise des années 1970, avec notamment le phénomène de la stagflation (inflation et ralentissement de la croissance vont de pair) bouleversent donc les schémas économiques classiques, ce qui rend illusoire toute politique de "stop and go" pour lutter contre la crise. C'est ce que démontrera notamment l'échec de la politique économique pratiquée par le gouvernement Chirac entre 1974 et 1976.

Après la mise en place par Jean-Pierre Fourcade d'un plan d'assainissement de l'économie en 1974 (augmentation des impôts et économies budgétaires), le gouvernement tente en 1975 de relancer l'activité économique par un "plan de soutien à l'économie". Mais si cette alternance de "stop and go" avait pu avoir des effets positifs au cours des années soixante, notamment lors des périodes de "surchauffe économique", elle allait s'avérer incapable d'enrayer en 1975-1976 la progression du chômage et de l'inflation.

Éclairage média

A l'aide de courbes statistiques et de schémas, le journaliste auteur du reportage cherche à expliquer les origines et les conséquences d'un phénomène particulièrement complexe, l'inflation. Il attire notamment l'attention des téléspectateurs sur les origines structurelles de l'inflation en France (le poids des salaires et leur maintien à un niveau élevé malgré la crise) ainsi que sur les conséquences négatives de l'inflation sur le commerce extérieur et le cercle vicieux qui s'ensuit (baisse des exportations, donc baisse de la production intérieure et hausse du chômage).

# data[].attributes.attachment_link.title
Une manifestation importante de la crise des années 1970 : l'inflation - Lumni | Enseignement

# data[].attributes.attachment_link.description
Malgré les efforts du ministre de l'Economie Jean-Pierre Fourcade pour enrayer l'inflation, le phénomène reste préoccupant et ne cesse de progresser. Ses conséquences sont désastreuses sur l'ensemble de l'économie française.

# data[].attributes.attachment_link.title
Valéry Giscard d'Estaing, un président réformateur

# data[].attributes.attachment_link.description
Né le 2 février 1926, à Coblence en Allemagne, Valéry Giscard d'Estaing a 18 ans, lorsqu'il participe...

# data[].attributes.attachment_link.title
Les présidents et les Premiers ministres de la Ve République

# data[].attributes.attachment_link.description
Charles de Gaulle (1959-1969)Portrait de M. Charles de GaullePhoto : Jean-Marie Marcel© La Documentation française Premiers min…

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le 17 octobre 1973, les pays arabes exportateurs de pétrole, réunis au Koweït, décident, à la stupéfaction générale, d'augmenter brutalement le prix du baril et de ralentir leur extraction. En Occident, cette décision fait l'effet d'une bombe.

Pétrole : pourquoi le prix du baril augmente-t-il en 1973 ?

A l'aube des années 1970, l'Occident est complètement dépendant du pétrole. Voitures, avions, textile, plastiques : le pétrole est partout. Abondant et peu cher, il irrigue la société de consommation et abreuve la soif effrénée de croissance des pays occidentaux. Mais en 1971, la production de pétrole américaine commence à décliner. Les Etats-Unis, jusqu'alors premiers producteurs de pétrole mondiaux, sont contraints de se tourner vers l' OPEP (l'Organisation des pays exportateurs de pétrole) qui détient les deux tiers des réserves de la planète. L'Europe, quant à elle, importe 60% de sa consommation. Les pays pétroliers commencent à vouloir revaloriser cet or noir vendu si bon marché : une hausse des prix s'amorce et un bras de fer commence. En 1973, les Etats-Unis soutiennent Israël dans la guerre du Kippour qui oppose l'Etat hébreu à ses voisins arabes.

Le 17 octobre, les pays arabes producteurs de pétrole décident de trois mesures essentielles pour peser sur le conflit :

une augmentation de 70 % du prix du baril,

une réduction de 5 % par mois de leur production,

un embargo sur les livraisons vers les États-Unis et les Pays-Bas, qui arment Israël.

Cinq mois plus tard, le 18 mars 1974, l'embargo est levé. Mais le rapport de force entre pays exportateurs et pays importateurs de pétrole est à jamais inversé : l'ère de l'énergie bon marché est révolue.

Conséquences du choc pétrolier en Europe

En quelques mois, le cours du pétrole flambe et le prix du baril est multiplié par quatre. En France, en Italie ou aux Pays-Bas, les files d'attente s'allongent devant les stations-service tandis que les bicyclettes connaissent une nouvelle jeunesse. Face au risque de pénurie, les gouvernements s'organisent avec un seul mot d'ordre : faire des économies d'énergie. Limitation de vitesse, réduction du chauffage, diminution du trafic aérien, extinction des vitrines et des programmes TV la nuit... Tous les secteurs industriels dépendants du pétrole sont bientôt touchés. Le coût de la vie explose, l'inflation s'envole, les usines ferment, l'Europe découvre le chômage de masse et les petits commerçants font la grève... L'heure de l'abondance est belle et bien terminée, c'est la fin des Trente Glorieuses. Le gouvernement français met en place un vaste programme nucléaire pour limiter sa dépendance énergétique et sauver la croissance du pays. Ailleurs, les politiques énergétiques varient : l'Allemagne revient au charbon tandis que le Royaume-Uni se dirige vers le gaz. Les compagnies américaines qui peuvent augmenter leurs prix et financer ainsi l'exploration de nouveaux gisements sont les grandes gagnantes de ce choc pétrolier. Mais déjà, des voix s'élèvent pour alerter l'opinion sur la question de l'écologie.

Question énergétique et prise de conscience écologique

Dès mars 1972, un scientifique américain, Dennis Meadows, alerte sur :

C'est le rapport Meadows.
Trois mois plus tard, se tient à Stockholm le Sommet de la Terre. Organisé par l'ONU, il soulève pour la première fois formellement la question du changement climatique. En 1974, l'agronome français René Dumont est le premier candidat écologiste à une élection présidentielle. Il n'obtient que 1,32% des suffrages. En 1979, un deuxième choc pétrolier vient bouleverser l'équilibre mondial et accentuer les effets de celui de 1973. L'âge du pétrole n'est pas terminé et la dépendance à l'or noir n'est pas encore réellement remise en question...

👉 Découvre tous les épisodes de La grande explication.

Réalisateur : Flore-Anne d'Arcimoles

Nom de l'auteur : Flore-Anne d'Arcimoles

Producteur : INA avec la participation de France Télévisions et TV5Monde

Année de copyright : 2023

Année de production : 2023

Publié le 04/09/23

Modifié le 04/09/23

# data[].attributes.attachment_link.description
Le 17 octobre 1973, les pays arabes exportateurs de pétrole, réunis au Koweït, décident, à la stupéfaction générale, d'augmenter brutalement le prix du baril et de r

# data[].attributes.attachment_link.title
C’est quoi une "fake news" ? Les clés du Numérique

# data[].attributes.attachment_link.title
Information vs communication - Thomas Sotto / Hugo décrypte - La collab' de l'info

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les mutilations génitales féminines et l'excision sont des pratiques dangereuses aux conséquences dramatiques sur la santé des jeunes filles et femmes. Elles sont considérées comme une violation des droits des filles à la santé, à leur bien-être et à leur autonomie. C'est pourquoi l'UNICEF, en tant que garant des droits fondamentaux des enfants et des adolescentes, travaille à l'éradication de ces pratiques néfastes depuis longtemps, et partout dans le monde.
Il est des pratiques sociales qui méritent de disparaître. Les mutilations génitales féminines, parmi lesquelles on classe l'excision, sont de celles-là. Ces interventions, le plus souvent pratiquées sur des jeunes filles entre leur enfance et l'âge de 14 ans, consistent à enlever totalement ou partiellement les organes génitaux externes pour des raisons autres que thérapeutiques : sexuelle, sociale, religieuse...

Toutes les formes d'excision sont préjudiciables à la santé des femmes : ces gestes comportent des risques immédiats (douleurs, hémorragies) qui peuvent causer un état de choc et entraîner le décès. Mais des complications peuvent aussi survenir ensuite, infections, incontinences, avec des conséquences en termes d'abandon scolaire, puis des risques à l'accouchement, pouvant entraîner la mort de la mère et de l'enfant.

La France, pionnière dans la prise en charge des femmes excisées

Selon l'UNICEF, au moins 200 millions de filles et de femmes ont été victimes de mutilations sexuelles et 30 millions de filles risquent d'en être au cours des dix prochaines années. Bien que la majorité d'entre elles vivent dans 30 pays d'Afrique et du Moyen-Orient, on estime que 5% de ces femmes mutilées vivent en Europe, dont environ 53 000 femmes résidant en France d'après les estimations.

Les mutilations génitales féminines sont donc aussi une problématique majeure qui concerne la France et dont le gouvernement en a fait une question de santé publique depuis 2005. La France est pionnière dans la prise en charge des femmes excisées, elle a été le premier pays à rembourser les frais chirurgicaux de réparation. Forte du soutien des pouvoirs publics, Paris s'impose même comme la scène de la mobilisation internationale contre l'excision.

L'UNICEF, un acteur historique contre l'excision

En matière de lutte contre l'excision et les mutilations génitales sexuelles, l'UNICEF est un acteur historique qui met à profit son expertise pour l'ensemble des acteurs mobilisés dans ce combat collectif, pouvoirs publics comme professionnels de santé et associations.

L'UNICEF est par ailleurs à l'origine de l'inscription du 6 février comme la Journée internationale de tolérance zéro pour les mutilations génitales féminines. Une occasion importante de sensibiliser et alerter le grand public sur ces pratiques dangereuses et leurs graves conséquences.

L'action de l'UNICEF contre les mutilations génitales féminines

Le travail de l'UNICEF, en matière de lutte contre les mutilations génitales féminines, comporte deux niveaux :

La sensibilisation de la population pour faire changer les mentalités et habitudes, grâce à des programmes de terrain

Le plaidoyer auprès des instances officielles pour faire changer les lois et les structures

Parmi les activités menées par l'UNICEF et ses partenaires, on peut noter :

La formation des agents sociaux, des psychologues et de villageois sur l'identification et la prise en charge des cas de violences

Le renforcement de la participation des enfants à l'école afin qu'ils deviennent des membres actifs de la prévention des violences

Le développement d'un partenariat avec les autorités religieuses musulmanes et chrétiennes pour promouvoir les pratiques non violentes à l'encontre des enfants

Le lancement d'une campagne média publique sur la promotion de comportements protecteurs et non violents.

L'UNICEF travaille avec les autorités des 30 pays dans lesquels les mutilations génitales constituent un véritable danger pour les filles, afin de bannir définitivement ces pratiques douloureuses et traumatisantes. L'éducation joue aussi un rôle très important. La baisse des mutilations sexuelles étant proportionnelle au niveau de scolarisation des mamans.

L'UNICEF s'est fixé pour but de mettre fin à l'excision d'ici à 2030. Un objectif ambitieux qui pourra être atteint grâce à tous, y compris en France.

Les souffrances endurées par des femmes excisées
Écoutez les témoignages de femmes blessées, et d'anciennes exciseuses en Côte d'Ivoire.
Le traumatisme est réel, l'excision provoque de graves conséquences à la fois physiques et psychologiques chez les femmes qui les subissent.

# data[].attributes.attachment_link.title
Excision et mutilations génitales féminines | UNICEF France

# data[].attributes.attachment_link.description
Les mutilations génitales féminines et l'excision sont des pratiques dangereuses aux conséquences dramatiques sur la santé des jeunes filles et femmes. Elles sont considérées comme une violation des droits des filles à la santé, à leur bien-être et à leur autonomie.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les actes de violence à l'égard des femmes sont de natures très diverses, pouvant aller du harcèlement verbal et d'autres formes de maltraitance psychologique, aux violences physiques ou sexuelles quotidiennes. Au bout de cette spirale de violence, on trouve la forme la plus extrême : le féminicide, c'est-à-dire le meurtre d'une femme.
Tuer des femmes parce que ce sont des femmes

Le mot " féminicide " est né de la fusion de " Fémini- " comme dans " féminin ", et de " -cide " comme dans " homicide ", " infanticide " ou " génocide ", et désigne donc un meurtre de femme. Ce terme est relativement récent. Utilisé dans les années 1970, il a surtout été popularisé par deux féministes, Jill Radford et Diana Russell, qui ont publié en 1992 le livre Femicide, The Politics of Woman Killing (en français : " L'aspect politique du meurtre des femmes ").

Mais pourquoi parler de féminicide et pas d'homicide, terme générique qui désigne le meurtre d'une personne humaine ? La notion d'homicide ne dit rien des rapports homme/femme, tout comme les notions de " crime conjugal " ou " violence conjugale ". Or l'idée derrière le fait de parler de féminicide, c'est justement de mettre en lumière une réalité : dans une société misogyne, où les violences masculines contre les femmes sont répandues et banalisées, certains hommes tuent des femmes en raison de leur genre. Diana Russell donne la définition suivante de féminicide : il s'agit du " meurtre d'une femme parce qu'elle est une femme ".

Quels sont les différents types de féminicide ?

L'OMS distingue quatre cas de féminicide :

Le féminicide " intime ", commis par le conjoint, actuel ou ancien de la victime. Selon ONU Femmes, 81 000 femmes et filles ont été tuées dans le monde en 2020, dont environ 47 000 (58 %) par un partenaire intime ou un membre de leur famille, ce qui équivaut à une femme ou une fille tuée toutes les 11 minutes au sein même de leur foyer.

Les crimes " d'honneur " : lorsqu'une femme, accusée d'avoir transgressé des lois morales ou des traditions, est tuée par un membre de la famille ou du clan (homme ou femme) pour protéger la réputation de la famille. Par exemple, si elle a commis un adultère, eu des relations sexuelles ou une grossesse hors mariage et parfois même lorsqu'elle a elle-même été victime d'un viol. Ces crimes ont lieu principalement dans certaines régions du Moyen-Orient et d'Asie du Sud.

Le féminicide lié à la dot, en particulier dans certaines régions de l'Inde, et implique des jeunes mariées qui sont assassinées par des membres de leur belle-famille pour des conflits liés à la dot, par exemple pour avoir apporté une dot insuffisante à la famille du marié.

Le féminicide non intime, qui est commis par une personne qui n'est pas en relation intime avec la victime. Il s'agit de meurtres systématiques de femmes, impliquant ou non des agressions sexuelles. Les exemples les plus fréquemment cités sont les centaines de femmes tuées durant de nombreuses années à Ciudad Juarez, au Mexique, ou la tuerie antiféministe à l'Ecole polytechnique de Montréal en 1989.

Quelle reconnaissance juridique des féminicides dans le monde ?

C'est en Amérique latine qu'a été adopté le premier texte contraignant sur la violence contre les femmes : la convention de Belem do Para, en 1994. Depuis 2007, 18 pays du continent ont introduit le féminicide dans leur code pénal. Parmi eux : le Mexique, le Costa Rica, la Bolivie, le Guatemala, le Chili, le Nicaragua...

En revanche, en Europe, le mouvement reste plus limité : en 2004, l'Espagne a adopté une loi renforçant les sanctions contre les violences faites aux femmes et l'Italie a voté une loi visant à lutter contre le féminicide en 2013.

Que dit la loi française sur les féminicides ?

La loi française ne reconnaît pour l'instant pas le terme de féminicide. L'article 132-80 de notre Code pénal définit comme circonstance aggravante d'un meurtre le lien entre la victime et le meurtrier (ou la meurtrière) et les peines sont plus lourdes lorsque que le meurtre est commis par un-e conjoint-e, partenaire ou ex, peu importe le sexe de l'auteur-e du crime et les relations d'emprise et pouvoir existantes. Mais le droit ignore encore pour le moment les rapports de domination entre hommes et femmes et ne prend pas en compte la portée sexiste des meurtres de femmes.

Des associations féministes militent pour que ce phénomène soit reconnu comme un " fait de société ", c'est le cas de Osez le féminisme ! En effet, de nombreux meurtres de femmes sont encore qualifiés de " crimes passionnels " et catégorisés comme des faits divers.

# data[].attributes.attachment_link.description
Les actes de violence à l'égard des femmes sont de natures très diverses, pouvant aller du harcèlement verbal et d'autres formes de maltraitance psychologique, aux violences physiques ou sexuelles quotidiennes. Au bout de cette spirale de violence, on trouve la forme la plus extrême : le féminicide, c'est-à-dire le meurtre d'une femme.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
1. Trouble à l'ordre du public

Un peu de tendresse bordel de merde /Ha ! Ha !

Un peu de tendresse bordel de merde semble implorer cette jeune femme, frappée par son désir inassouvi, face à l'homme, insensible, qui dédaigne son besoin d'étreinte. C'est aussi le titre du spectacle de Dave Saint Pierre, enfant terrible de la danse québécoise, dans lequel il met à nu, au propre comme au figuré, les comportements amoureux et les exigences affectives. Pour ce faire, il n'hésite par à outrepasser les conventions établies. Au risque d'être censuré ou poursuivi pour atteinte à la pudeur. En atteste la séquence inaugurale. A peine assis, le public voit débarouler vers lui, sur lui, un bataillon de danseurs, revêtus en tout et pour tout d'une perruque blonde. Malmener le spectateur, le déranger de son assise confortable et susciter sa participation, c'est ce à quoi joue avec arrogance la maîtresse de cérémonie, par ses commentaires aux traductions cocasses.

Drôle ? On n'en dirait pas tant de ces plaisanteries ou de ces bons mots fumeux qu'enchaînent en s'esclaffant les sept interprètes de Ha !Ha !. Car l'hilarité devient abjecte quand elle habille l'indifférence, quand elle esquive la gravité du monde. Dans cette pièce, Maguy Marin renonce aux composantes chorégraphiques pour mieux s'en prendre à cette société du divertissement qui consomme plus qu'elle n'agit, qui se distrait au lieu de s'impliquer. Ici, rien d'amusant : c'est la conscience citoyenne du spectateur qui est interpelée. Et si, dans ce défilé de rigolades frivoles pointait la menace inquiétante du totalitarisme ?

2. La danse comme critique sociale
Le regard de l'autruche /Waxtaan
L'oppression, la violence ne sont pas le seul fait des dictatures. En proie à une guerre civile, opposant l'armée régulière aux guérillas, la Colombie vit dans un climat de tension et de peur qui pèse sur la population. Tino Fernández a voulu en témoigner, avec sa compagnie l'Explose. Dans Le regard de l'autruche ( La Mirada del Avestruz), il convoque des images fortes qui ravivent le souvenir d'une pièce de Pina Bausch, "Café Muller". Ici, le chorégraphe développe une danse effrénée, travaillée par l'épuisement et la résistance. Palpations humiliantes, bâillonnements étouffants, poursuites harcelantes : le corps lutte, éprouve. Il cherche ses disparus, symbolisés par les paires de chaussures dispersées sur la scène. Il laboure de son poids la terre, dans laquelle, à force de s'entre-déchirer, les chairs meurtries finissent par s'effondrer.

C'est le registre de la satire qu'empruntent Germaine et Patrick Acogny pour fustiger les dirigeants du continent africain. Dans cette première séquence de Waxtaan, les danseurs parodient les politiciens, les puissants dont les grands discours, avec force gestes, n'ont d'autre écho que le silence de l'inaction - Waxtaan, en wolof, signifie " palabres". Gare à la contestation : seuls les muets tiendront place à la table des négociations !

Cette scène n'est pas sans rappeler "La Table verte", de Kurt Jooss, créée en 1932. Le chorégraphe allemand y dénonçait la puissance destructrice de la guerre et son absurdité. Le premier tableau s'organisait autour d'une table verte, métaphore du billard, autour de laquelle décideurs, financiers, hommes de pouvoir, préoccupés par leurs seuls intérêts, mettaient en jeu la paix du monde. Cette œuvre, étonnamment prémonitoire, est considérée comme l'un des premiers grands ballets politiques.

La seconde séquence de Waxtaan traite des stéréotypes dans lesquels le spectateur occidental enferme bien souvent le danseur africain, réduit à l'image du bon sauvage ayant le rythme dans la peau. Mais elle laisse aussi entrevoir une perspective plus intéressante. Prisonnier d'un regard bordé d'œillères, le pantin reprend les fils de son destin et compose à sa guise une identité qui s'accommode d'emprunts extérieurs mais reste enracinée dans un héritage culturel d'une formidable richesse.

3. Dénoncer l'ostracisme et l'impérialisme
Daddy, I've seen this piece.../Tempus Fugit
Les clichés sur l'Afrique, c'est l'un des thèmes de prédilection de la sud-africaine Robyn Orlin. Tout comme celui de la discrimination raciale, sur lequel se fonda le régime de l'Apartheid. Dans "Daddy, I've seen this piece six times and I still don't know why they are hurting each other" (l'artiste affectionne les titres à rallonge), la danse classique, qui s'est exportée dans le monde entier, est désignée comme emblème de la suprématie blanche. Conséquence : pour prétendre figurer dans l'incontournable Lac des Cygnes, la danseuse n'a d'autre choix que de dissimuler sa couleur d'origine. Mais en fin de compte, en voulant se blanchir, ne se roule-t-elle pas elle-même dans la farine ? Et c'est par le rouge, celui du sang versé par les opposants à la ségrégation, que le contraste citoyen, entre Blancs et Noirs, prendra fin.

Surnommée dans son pays " l'irritation permanente ", Robyn Orlin ne se contente pas d'un propos univoque. D'ailleurs, pour ce spectacle, elle a conçu un dispositif permettant de multiples points de vue : captation vidéo surplombant la scène, elle-même constituée d'un praticable autour duquel spectateurs comme interprètes peuvent circuler et se faire une libre opinion.

Une société multicolore, multiculturelle, sans accrocs ni travers ? Ce pari utopique semble loin d'être gagné ! Voilà ce que met en scène Sidi Larbi Cherkaoui, chorégraphe belge d'origine marocaine, dans sa pièce Tempus Fugit. Dans cette chorale cosmopolite, ralliée autour d'un chant en apparence fédérateur, celui du "Temps des cerises", une voix paternaliste vient rompre l'unisson. Le sentiment de supériorité, qui sous-tendit l'impérialisme colonial, remonte immanquablement à la surface. Et l'ancien colon réinvestit la mission civilisatrice qu'il s'était attribué, pour indiquer, d'un ton professoral, la seule manière acceptable de prononcer, celle qui lui appartient ! Du paternalisme à la xénophobie, nous dit le chorégraphe, il n'y a souvent qu'un pas, que le personnage ne tarde pas à franchir.

4. Corps à corps avec la réalité

" Mon histoire est en partie celle de l'exploitation ", tonne Bill T. Jones. " Sur scène, mon érotisme, ma sensualité s'accompagnent souvent d'une colère sauvage et d'une rage belliqueuse ". Noir, homosexuel et séropositif, le chorégraphe sait ce que sont l'exclusion et la mise au ban. Dans ses pièces aux charges militantes, il témoigne de sa condition et porte la voix de ceux que la vie a laissé de côté. Still/Here a été conçu à partir de témoignages de malades du sida, que l'artiste a recueilli à l'occasion d'ateliers de " paroles et de mouvement " menés, par lui-même, dans des hôpitaux. Comment continuer à vivre normalement quand on se sait condamné ? Comment affronter l'idée d'une mort programmée ? Autant de questions exorcisées par cette pièce, qui mêle danse, vidéo et texte. Ici, la chorégraphie évoque la solitude de celui qui se sait atteint, son état qui oscille entre abattement et combativité, entre chute et rebond. Elle parle de l'inquiétude du corps contaminé, porteur d'une différence, et qui, malgré sa rage de vaincre, est menacé de raideur. Par la succession de duos, elle célèbre aussi le soutien, le partage, la chaleur humaine.

Créée en 1994, alors que le sida ravageait les milieux de la danse, Still/Here bouleversa le public de la Biennale de la danse de Lyon. En revanche, la pièce déclencha une vive polémique aux Etats-Unis où la presse la taxa de " Victim art ", forçant le spectateur à la compassion.

La chair humaine : sujet sensible dont s'est emparé Lia Rodrigues dans Incarnat. La chorégraphe brésilienne qui, dans les années 1980, fut danseuse chez Maguy Marin, choisit d'en montrer la souffrance, dans sa réalité sanguinolente. Son questionnement initial porte sur la subjectivité de la douleur, sur le degré de sensibilité dont fait preuve un individu lorsqu'il est affecté par un drame, une plaie. Sur son degré d'empathie lorsque d'autres sont blessés, ou touchés dans leur âme.

Le caractère saisissant de cette scène tient autant à sa crudité qu'à son ambivalence. Deux lectures, au moins, sont possibles. Le corps martyrisé, torturé et jeté telle une ordure par les bourreaux qui l'ont dépouillé de son humanité. Mais aussi le corps enfanté, attiré par le jour et qui pour le voir, doit subir l'épreuve de la naissance. Secouru, soigné, l'être blessé retrouve enfin le calme.

L'idée clôturant cette séquence participe d'une conception citoyenne dont Lia Rodrigues, en tant qu'artiste chorégraphique, ne veut se départir. Preuve en est : son engagement auprès des populations défavorisées du Brésil. Installée au cœur de la favela de Maré, sa compagnie mène en parallèle un travail de création et des actions pédagogiques pour contrer la violence. " Je conçois l'art comme un instrument de connaissance, dit-elle, et la connaissance est le premier pas qui conduit au changement ".

# data[].attributes.attachment_link.description
Dans tous les arts et ici spécialement en danse, l'artiste crée parfois pour défendre une cause, dénoncer un fait, troubler, choquer. Voici un panorama de quelques créations chorégraphiques " engagées ".

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pour une recherche avancée, ajoutez : avant votre recherche.
Vous pouvez utiliser les opérateurs suivants :

ET && pour afficher les résultats contenant tous les mots.

OU || pour afficher les résultats contenant au moins l'un des mo.

Exemple :merzouki !hiphop

À propos de la recherche

La Minute du Spectateur

La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre.

Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.
© Maison de la Danse de Lyon

Rizzo, Christian

Né en 1965 à Cannes, Christian Rizzo fait ses débuts artistiques à Toulouse où il monte un groupe de rock et crée une marque de vêtements, avant de se former aux arts plastiques à la villa Arson à Nice et de bifurquer vers la danse de façon inattendue.

Dans les années 1990, il est interprète auprès de nombreux chorégraphes contemporains, signant aussi parfois des bandes sons ou la création des costumes. Ainsi, on a pu le voir chez Mathilde Monnier, Hervé Robbe, Mark Tompkins, Georges Appaix puis rejoindre d'autres démarches artistiques auprès de Vera Mantero, Catherine Contour, Emmanuelle Huynh, Rachid Ouramdane.

En 1996, il fonde l'association fragile et présente différentes performances, objets dansants et pièces solos ou groupes en alternance avec d'autres projets ou commandes pour l'opéra, la mode et les arts plastiques. Depuis, plus d'une trentaine de productions ont vu le jour, sans compter les activités pédagogiques.

Christian Rizzo enseigne régulièrement dans des écoles d'art en France et à l'étranger, ainsi que dans des structures dédiées à la danse contemporaine.

Au 1er janvier 2015, Christian Rizzo prend la direction du Centre chorégraphique national de Montpellier. Désormais intitulé ICI (Institut Chorégraphique International), le CCN propose une vision transversale de la création, de la formation, de l'éducation artistique et de l'ouverture aux publics. Prenant support sur les pratiques et les territoires, le projet est avant tout un espace prospectif qui prend à bras le corps, l'invitation d'artistes, l'écriture du geste chorégraphique et les manifestations de son partage.

Source : Site internet de l'ICI, CCN de Montpellier

En savoir plus :
http://ici-ccn.com/ http://www.lassociationfragile.com/

Plasson, Fabien

Fabien Plasson est réalisateur, principalement dans le domaine du spectacle vivant (danse, musique, etc.).

C'est au cours de sa formation à l'École Nationale Supérieur des Beaux-Arts de Lyon qu'il intègre en 1995 que Fabien découvre l'art vidéo. Il se forme alors auprès de divers artistes vidéastes (Joël Bartoloméo, Pascal Nottoli, Eric Duyckaerts, etc).
Son approche s'inscrit d'abord dans une recherche plastique avec la création d'installations et d'objets filmiques.

En 2001, il rejoint l'équipe de la Maison de la Danse de Lyon et s'occupe durant 10 ans de la programmation du Vidéo-Bar Ginger&Fred. Il découvre alors l'univers chorégraphique et les enjeux de la vidéo pour la diffusion et la transmission de la danse aux côtés de Charles Picq alors vidéaste et directeur du service vidéo de la Maison de la Danse.

En parallèle, il continue son activité de création plastique, réalise des vidéos de concerts, de pièces de théâtre et crée également des décors vidéos pour le spectacle vivant.

Aujourd'hui, Fabien Plasson est réalisateur vidéo au Pôle Image de la Maison de la Danse de Lyon et pour Numeridanse.tv, vidéothèque internationale de danse en ligne.

Source : Maison de la Danse, Fabien Plasson

Nos suggestions de videos

Nos suggestions de themas

En naviguant sur ce site, vous reconnaissez et acceptez l'usage de cookies pour faciliter votre navigation.
Vous pouvez bloquez ces cookies en modifiant vos paramètres de sécurités de votre navigateur ou en cliquant sur ce lien. J'accepte En savoir plus

# data[].attributes.attachment_link.title
La Minute du spectateur (2018) : Christian Rizzo

# data[].attributes.attachment_link.description
La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre. Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La danse contemporaine s'est développée en Europe surtout dans les années 1970, sous plusieurs influences, notamment la " Nouvelle Danse française". Ce courant voulait se détacher de la danse moderne américaine, et de l'influence de l'Opéra de Paris sur la scène artistique française. En Allemagne, on peut notamment citer Pina Bausch et son travail sur la danse-théâtre, ou encore Mary Wigman, pionnière dans la danse expressionniste. La danse contemporaine en Europe reste actuellement une scène riche avec une multitude d'artistes d'horizons variés.

Vêpres dansés et interprété par James Carlès, accompagné par Emmanuel Pi Djob à la création du projet au centre culturel Altigone à Saint-Orens ( banlieue de Toulouse). La respiration, concept fondamental dans la danse contemporaine, est le point de départ de la création de ce solo. Par ailleurs, James Carlès est créateur comme Ohad Naharin d'une méthode aux solutions adaptées pour danseurs blessés ou physiquement limités (le R.E.S.E.T©).

La JC Danse©, issue du R.E.S.E.T©, crées par James Carlès, permet d'écouter son corps, et sa respiration, afin de mieux saisir les bienfaits de la fluidité, de la musicalité, du geste, de l'expression, de la créativité...
La JC Danse© est une des rares technique trans-culturelle créée en Europe.

Pedro Pauwels est un danseur contemporain belge. Dans cet extrait, il réinterpréte à l'occasion du Festival Danses et Continents noirs de 2013, une pièce de Mary Wigman de 1914 : " La Danse de la Sorcière ". Cette danse avait à l'époque pour propos de rompre avec le classique, en montrant des mouvements brusques fait par des corps courbés et tourmentés.

Carolyn Carlson, née en 1943 aux Etats-Unis, devient dans le courant des années 1970 une figure de la Nouvelle Danse française. Elle crée en 2014 sa propre compagnie en France. Dans ce solo qu'elle a écrit pour James Carlès, elle suit les élèments fondamentaux du concept d' Alwin Nikolais : " le motion ", auquel elle ajoute sa dimension poétique et spirituelle.

Les danses contemporaines états-uniennes se sont développées autour de figures fortes et immuables, ayant contribué durablement à constituer des socles artistiques, sur lesquels d'autres vont s'appuyer afin de créer eux-même leur propre univers, d'apporter au public leur énergie. Des danseurs comme Merce Cunningham, Lester Horton, José Limon, Katherine Dunham ou Pearl Primus, par exemple, ont laissé une empreinte telle que leurs techniques et leurs apports sont encore étudiés aujourd'hui, à l'occasion de cours, de masterclasses, ou dans des structures comme The Cunnigham Dance Foundation, ou encore Los Angeles Dance Project. Les œuvres de ces artistes sont encore jouées, réinterprétées par les nouvelles générations. Les inspirations états-uniennes sont multiples.

James Carlès et Robert Swinston, deux chorégraphes aux inspirations et pratiques différentes, se rejoignent autour d'un événement commun, le festival Danses et Continents Noirs à Toulouse, rendant hommage à Merce Cunningham. Robert Swinston, aujourd'hui directeur artistique du CDN, a travaillé auprès de Merce Cunnigham, Martha Graham, le danseur mexicain José Arcadio Limon ou encore au ballet de l'Opéra de Paris.

Il s'agit d'un cours donné par Marcus Jarrell Willis, ancien membre de la compagnie Alvin Ailey, durant un stage international au Centre chorégraphique James Carlès. M.J Willis s'est formé auprès du Alvin Ailey danse Theatre. Il explore maintenant les pratiques chorégraphiques et va transmettre son savoir dans des masterclasses à travers le monde.

Ici, Georgey Souchette interprète en solo " Mourner's Bench " de Talley Beatty, transmis par James Carlès et la compagnie américaine Philadanco. Talley Beatty est considéré encore aujourd'hui comme l'un des meilleurs chorégraphes américains. Il a étudié auprès de Martha Graham et Katherine Dunham. La pièce " Mourner's Bench " raconte l'histoire dramatique de l'influence du Ku Klux Klan sur une communauté rurale multi-ethnique du sud des Etats-Unis.

Aujourd'hui, les danses contemporaines africaines occupent une place primordiale dans les théâtres et festivals de danse en Europe et partout dans le monde. On peut voir des inspirations, des démarches, des thématiques communes, sans pour autant ranger les artistes cités précédemment sous une même optique. Les pratiques restent diverses, mais la mémoire de la fin de la traite négrière, la décolonisation, les mouvements entre deux continents, le rapport à la musique, aux traditions, au théâtre agissent comme autant de motifs permettant d' unir les méthodes et les visions artistiques. Les artistes évoqués précédemment, ont contribué à ce que la journaliste Isabelle Danto appelle une " révolution chorégraphique " partie d'Afrique.

Germaine Acogny est une danseuse franco-sénégalaise, pratiquant les danses africaines contemporaines. Elle a exercé son art d'abord au Sénégal, puis en Belgique et en France par exemple. Proche de Maurice Béjart, elle crée en 2004 un centre international de danses, contemporaines et traditionnelles à Toubab Dialo : L'École des Sables.

Le coupé-décalé est une danse et un style de musique né à Paris, Londres, Milan, Genève etc. et en Côte d'Ivoire au début des années 2000, insistant beaucoup sur le rythme et les percussions, avec des sonorités africaines. Le style s'est développé à Paris, majoritairement dans les boîtes de nuit. On peut notamment citer Douk Saga, DJ Arafat, ou encore Serge Beynaud comme têtes connues du coupé-décalé.

La création chorégraphique dans les Caraïbes a ses propres codes, sa propre diversité, qui s'est récemment, du fait de l'évolution, connectée avec les mouvances artistiques venues d'Europe et des États-Unis. En Guadeloupe, le Centre de la Danse et des études chorégraphiques créé par Léna Blou après ses études en métropole tend à devenir un pôle majeur de l'art chorégraphique caribéen. On peut aussi parler de la compagnie de danse contemporaine martiniquaise de Christiane Emmanuel. Le Centre chorégraphique et la compagnie James Carlès Danse&co ont eu notamment l'occasion de travailler avec Léna Blou, lors de stages internationaux et de festivals de danse.

Léna Blou est une danseuse, chorégraphe, historienne, et créatrice de la danse Gwoka. Après des années de recherche, elle fait émerger une danse contemporaine caribéenne : le Techni'Ka, offrant au danseur une exploration corporelle et musicale. Une approche des " États de corps " aux possibilités multiples...

" La singularité du festival, c'est de croiser les écritures, et surtout de croiser la recherche, la pensée, que le corps soit pensé, [comme] un outil à la compréhension du monde... ".

Léna Blou à propos du Festival Danses et Continents noirs

" Qu'est-ce que la danse " contemporaine guadeloupéenne " ? Est-ce une danse qui a subi l'influence de la danse contemporaine française, donc qui pourrait être limitative, ou est-ce une danse guadeloupéenne d'aujourd'hui, donc caribéenne, donc multiculturelle, donc pleine d'un enrichissement qui permet l'ouverture sur l'expression, la communication, l'échange ? "

Fred Lasserre, entretien avec Stéphanie Bérard pour Africulture.

Les danses contemporaines israéliennes sont aux portes du contemporain, de la modern dance et du style gaga. En ce moment, la scène israélienne rayonne à l'international, d'abord grâce à Ohad Naharin, et maintenant avec les spectacles d' Hofesh Shechter, formé au sein de la compagnie Batsheva. On peut par exemple évoquer la représentation chorégraphique " Show ", mélangeant danse contemporaine, transe urbaine et électro, interprétée par huit jeunes danseurs sous la direction d'Hofesh Shechter. On remarque que les thématiques abordées dans les pièces israéliennes traitent souvent soit de faits historiques tragiques, soit de thèmes de la vie quotidienne.

Echad mi Yodea est une pièce chorégraphique et chantée traditionnelle juive. Le ton et la forme sont censés être drôles et humoristiques, comme d'importantes leçons à donner aux enfants. Ohad Naharin s'est réapproprié la pièce, afin de la produire et de la rejouer sur scène. Ici, c'est le Junior Ballet Toulouse-Occitanie, dirigé par James Carlès, qui reprend la pièce.

Political Mother est une pièce contemporaine créée et chorégraphiée par Hofesh Shechter. C'est un travail artistique qui vise à questionner, à réfléchir sur l'endoctrinement politique et le totalitarisme. La dimension électrique, rock, de la musique permet d'exprimer la puissance de la danse de Shechter. La Formation Professionnelle du Centre chorégraphique James Carlès a travaillé sur cette pièce au cours de l'année 2016-2017.

On retiendra Tatsumi Hijikata et Kazuo ōno comme principaux fondateurs de cette pratique chorégraphique. Le Butō est trempé dans le bouddhisme et le shintoïsme, mais aussi inspiré des courants artistiques européens comme l'expressionnisme allemand ou le surréalisme. Le Butō a été porté par des artistes comme Akaji Maro, directeur de la troupe Dairakudakan, ou encore Yoko Ashikawa, danseuse dans la troupe de Tatsumi Hijikata.

"Pour moi, la recherche de la danse butô se développe et s'approfondit dans une exploration de soi, de son existence, de la vie humaine, en relation avec les autres, le quotidien, la société, la nature et l'univers...avec en parallèle, une étude constante de son propre corps qui est unique. Le corps, matière de la danse, est là comme une pierre posée sur la terre par hasard."
Maki Watanabe, danseuse et chorégraphe Butô

Ces danses apparaissent dans les années 1970 d'abord à New York. Elles vont insister sur l'importance de la singularité et de la communauté, et revêtir un message politique, notamment concernant le racisme et la violence sociale. Son influence est remarquable dans les danses contemporaines, avec notamment le renouvellement sur la question de l'engagement du corps, de la performance. On trouve cela avec l 'afro beat ( nouvelles formes apparues vers 2010 : kuduro, azonto, ndombolo, etc.) qui insiste sur l'adresse au public, l'exploration du geste, du pas (stepping) et du mouvement.

Le nombre de danseurs contemporains pratiquant les danses urbaines entérine la réalité de l'hybridation dont sont porteurs les jeunes danseurs. C'est le moteur du développement de la création contemporaine.

Dans cette conférence dansée, Olivier Lefrançois mélange explication factuelles, historiques, et pratiques. On le voit mettre en application les faits qu'il relate. Ici, la pratique scénique fait également preuve de diversité en tant que telle, en mélangeant la conférence, la chorégraphie, le récit et l'humour. Dans cette représentation, l'artiste nous exprime son amour des danses contemporaines, du hip-hop.

Cet entretien avec James Carlès, prévu pour le format vidéo, parle du développement et du partage des danses noires. L'introduction, ainsi que d'autres passages, forment une démonstration de ce panel de danses qui appartiennent à des histoires sociales et politiques différentes.

Brissy Akezizi est un danseur, interprète, aussi chorégraphe et créateur du Dancehall coupé-décalé. Influencé par les danses traditionnelles africaines et afro-urbaines (hip-hop, dancehall, Azonto, danses contemporaines...). Professeur régulier au Centre chorégraphique James Carlès, il donne ici un cours à l'occasion d'un stage international.

Ces nouvelles pratiques scéniques foisonnent mais elles sont pour la très grande majorité issues des communautés afro-descendantes, partout dans le monde. La particularité aujourd'hui est que le courant dominant n'est plus états-uniens, mais africain et caribéen, ou aussi européen. En effet, beaucoup de danses urbaines afro-descendantes, depuis les années 2000 viennent des capitales européennes ( Paris, Londres, Lisbonne, Barcelone, Madrid, Berlin...) Leur force joue sur l'appropriation de l 'espace public et la création de codes propres, véhiculés de manière virale par la jeunesse, à travers les réseaux sociaux.

L'influence du Jazz se retrouve dans la musique moderne, le cinéma, les arts plastiques ou la littérature. Nombre d'artistes de la jeune danse Française, venaient, sans le dire, d'une formation en Jazz. C'est encore le cas.

Les danses jazz se divisent en trois grandes groupes. Les danses sociales ou vernaculaires, les danses de divertissement et les danses de " concert ". Les lieux de jonctions des danses jazz de concert et plusieurs courants de la danse moderne-contemporaine sont nombreux, car ils partagent les même socle de référence esthétique, et socio politique, avec un phénomène d'hybridation forte et assumée chez les acteurs des danses jazz.

Quelques noms d'auteurs de la danse Jazz de concert: Jack Cole, Matt Mattox, Luigi, Réné Deshauteurs, Rick Odums, Géraldine Armstong.

La compagnie James Carlès Danse & Co, comme la compagnie Alvin Ailey est une compagnie répertoire. Soucieux d'une reconnaissance élargie du patrimoine chorégraphique du XXéme siècle. Elle reconstruit avec les auteurs ou ayant droits des œuvres de référence pour l'histoire de la danse. Ici, Oh Lord est une création de la chorégraphe Géraldine Armstrong. Cette chorégraphe est influencée à la fois par la technique de son maître Mat Mattox et le chorégraphe Alvin Ailey, qui inscrit sa démarche dans l'expérience culturelle et spirituelle des afro-descendants.

A travers ce parcours thématique, nous avons proposé une photographie de la circulation des danses dans le monde, pour montrer l'importance et les formes que peut prendre et que permet la diversité dans le cadre des danses contemporaines. Les réalisations des artistes du Centre chorégraphique et de la Compagnie James Carlès ont placé cette notion de diversité au cœur de leurs pratiques et de leur philosophie artistique.

Il apparaît capital de diversifier les médias, les esthétiques, afin de faire interagir les sens et les symboliques. Le mélange et la diversité semblent aux origines de la danse contemporaine, tout en étant un puissant vecteur d'énergie créatrice.
Par tous les moyens, dansons ensemble !

Votre avis nous intéresse

# data[].attributes.attachment_link.title
Les racines de la diversité en danse contemporaine

# data[].attributes.attachment_link.description
La danse contemporaine désigne des courants artistiques succédant à la danse moderne. Mais il est difficile de cerner précisément cette expression, tant elle inclus différentes pratiques et esthétiques. Aujourd'hui, le mot " contemporain " intègre des danses actuelles, urbaines, théâtrales, de différentes origines géographiques ou "culturelles". Une exposition signée James Carlès Danse &Co.

# data[].attributes.attachment_link.title
Minute du spectateur - Angelin Preljocaj - Maison de la Danse Lyon

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Il existe plusieurs types de migration :

- La migration forcée où les migrants sont soumis à un risque pour leur vie, les contraignant à quitter leur pays. Les conflits sont à la source de ces migrations. Ils bénéficient du statut de "réfugié" et sont protégés par la Convention de Genève de 1951. Ce statut n'est attribué qu'à un tiers des demandeurs d'asile. Les personnes ni expulsables, ni régularisables sont dans une situation de non-droit et ne sont pas concernées par ce statut. Actuellement, il y a 40 millions de personnes ayant le statut de réfugié.

- Les déplacés environnementaux ne bénéficient pas non plus de ce statut. Selon le GIEC, ils seraient 40 millions dans les pays du Sud. Ce sont principalement des déplacés internes qui ont des difficultés pour s'installer dans un pays du Nord. Le droit d'asile ne s'applique pas pour eux, car il renvoie à la notion de persécution. La Convention de Genève ne reconnaît pas leur statut. L'initiative Nansen vise à trouver un consensus sur les principes et les fondamentaux pour protéger ces personnes.

- Les apatrides sont 13 millions et présents principalement au Myanmar et au Bangladesh. Pour des raisons politiques et ethniques, ils sont rejetés par l'État.

Actuellement, il y a quatre grandes régions migratoires dans le monde qui recueillent la plupart des flux migratoires : l'Amérique du Nord-l'Amérique du Sud, l'Europe, les pays du Golfe et la Russie. Certaines zones migratoires sont passées du statut de pays d'accueil à un statut de pays de départ. En Europe du Sud et en Europe de l'Est, une chaîne migratoire s'est installée d'est en ouest. Les travailleurs polonais vont chercher un emploi en Allemagne, au Royaume-Uni ou en Irlande. Les Ukrainiens et les Biélorusses se rendent en Pologne. En Roumanie, il y a un exode des professions liées à la santé (médecin, infirmier, garde de personnes âgées) vers l'Europe de l'Ouest. Le Mexique, le Maroc et la Turquie sont devenus des pays de transit et d'accueil pour les migrants d'Afrique subsaharienne, du Proche et du Moyen-Orient.

Différents enjeux sont à l'origine de ces migrations :

Les enjeux démographiques, avec deux populations qui s'opposent, riche et vieillissante d'un côté ; pauvre, jeune et disponible de l'autre.

Les enjeux énergétiques avec l'exploitation des ressources naturelles (pétrole, métaux...) sur les continents les plus dotés, en Afrique par exemple.

Les enjeux politiques, dont les impacts économiques et sociaux peuvent entraîner des crises migratoires.

Les enjeux environnementaux, dans lesquels se conjuguent différents ressorts climatiques (désertification, catastrophes naturelles...) qui peuvent induire des déplacements de population importants.

" Depuis qu'il y a des frontières, les hommes les franchissent pour visiter les pays étrangers, mais aussi pour y vivre et y travailler... L'histoire nous enseigne que les migrations améliorent le sort de ceux qui s'exilent mais font aussi avancer l'humanité tout entière...Tant qu'il y aura des nations, il y aura des migrants. Qu'on le veuille ou non, les migrations continueront, car elles font partie de la vie. Il ne s'agit donc pas de les empêcher, mais de mieux les gérer et de faire en sorte que toutes les parties coopèrent davantage et comprennent mieux le phénomène. Les migrations ne sont pas un jeu à somme nulle. C'est un jeu où il pourrait n'y avoir que des gagnants " Kofi Annan

Rencontre enregistrée en février 2022

Avec : Armando Cote, psychologue clinicien et psychanalyste au centre Primo Lévi

Delphine Rouilleault, directrice générale de France Terre d'Asile

Catherine Wihtol de Wenden, directrice de recherche au CNRS, politologue

Marie-Caroline Saglio-Yatzimirsky, anthropologue à l'Institut national des langues et civilisations orientales (Inalco) et psychologue clinicienne à l'hôpital Avicenne

# data[].attributes.attachment_link.description
Le XXIe siècle est un contexte politique difficile pour la migration. Les parcours migratoires sont de plus en plus nombreux et complexes du fait de la mondialisation des flux. Sur quels enjeux se basent-ils ?

# data[].attributes.attachment_link.description
On dit que le swing rend heureux ! l'histoire des danses swing. https://www.lesfousduswing.fr/swing-history

# data[].attributes.attachment_link.title
La fabuleuse histoire du Brexit en 3 minutes

# data[].attributes.headline
Femmes et sport : Histoire d'une exclusion institutionnelle et culturelle

# data[].attributes.subject
Femmes et sport : Histoire d'une exclusion institutionnelle et culturelle

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
lvsl.fr - Tout reconstruire, tout réinventer

# data[].attributes.attachment_link.title
Femmes et sport : Histoire d'une exclusion institutionnelle et culturelle

# data[].attributes.attachment_link.description
Si l'Histoire du sport s'étend sur plus de trois millénaires, les femmes n'en font pourtant réellement partie que depuis moins d'un siècle. Souvent associée aux droits civiques, utilisée à des fins militaires, la pratique sportive a toujours, depuis la Grèce Antique, été développée, encadrée et légitimée par et pour les hommes.

# data[].attributes.attachment_link.description
L’Asie mineure antique est une région géographique située dans la partie sud-ouest de l’Asie et comprenant la majeure partie de la Turquie actuelle. La plus ancienne référence à la région provient de…

# data[].attributes.headline
BEAUCOUP DE BRUIT POUR RIEN / Shakespeare - Maïa Sandoz et Paul Moulin (traduit en LSF)

# data[].attributes.subject
BEAUCOUP DE BRUIT POUR RIEN / Shakespeare - Maïa Sandoz et Paul Moulin (traduit en LSF)

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Scène nationale de l'Essonne Agora-Desnos

# data[].attributes.attachment_link.title
BEAUCOUP DE BRUIT POUR RIEN / Shakespeare - Maïa Sandoz et Paul Moulin (traduit en LSF)

# data[].attributes.headline
William Shakespeare, l'indémodable modernité d'un génie

# data[].attributes.subject
William Shakespeare, l'indémodable modernité d'un génie

# data[].attributes.body
William Shakespeare, l'indémodable modernité d'un génie

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Sur scène comme à l'écran, William Shakespeare est sur tous les fronts ! La dramaturgie était au sommet de son art de son vivant. Aujourd'hui encore, il est pour beaucoup une source d'inspiration. Ses successeurs Charles Dickens, John Keats, Walter Scott ou encore Thomas Hardy se sont tous rendus dans le village natal de l'auteur en pèlerinage, sur les traces du dramaturge.

Reportage : N. Lemarignier / D. Dahan / J. Pires

Des sujets intemporels

"Roméo et Juliette", écrit en 1597, conte la célèbre histoire de deux amants dont la haine et la rivalité des familles respectives vont détruire l'union jusqu'à la destruction. Un roman traversant les esprits depuis des décennies, où les émotions tiennent les rôles principaux sur fond de romance.

En 1996, le cinéaste Baz Luhrmann se réapproprie l'oeuvre shakespearienne. Le film, intitulé "Roméo + Juliet", a pour tête d'affiche Leonardo Dicaprio et se déroule dans les années 90. Une version modernisée, prouvant l'intemporalité des sujets abordés par l'auteur. De même pour "West Side Story", réalisé par Jerome Robbins et Robert Wise en 1961. Cette fois-ci, l'amour passionnel de Natalie Wood pour Richard Boymer se tient dans le New-York des années 60. Même trame narrative, même passion charnelle et destructive.

De l'amour vient la tragédie, un autre thème phare de William Shakespeare. Cette dernière est d'ordre politique dans "Richard III" ou encore "Macbeth", récemment adapté au cinéma avec Michael Fassbender et Marion Cotillard dans les rôles-titres.

Un auteur indémodable

William Shakespeare continue d'inspirer les jeunes générations. Visionnaire, il ne cesse de séduire les jeunes metteurs en scène : "Tous les êtres humains se retrouvent dans ses oeuvres. Il sait écrire ce que l'âme a de plus beau et d'intelligent comme de plus laid et bête", explique Thomas Jolly, directeur artistique de "La Piccola Familia". Entre trahisons, jalousies, manipulations et appétit de puissance, Shakespeare parvient à dresser le portrait de l'humanité dans toute sa beauté et sa vulgarité.

La légende Shakespeare

La ville natale de l'auteur, Stratford-upon-Avon, a récemment fêté le 400e anniversaire de sa mort. Sur place, il est possible de visiter la maison d'enfance du dramaturge ainsi que le Shakespeare Center où une exposition lui est dédiée. En 2016, un autre lieu devrait également ouvrir au public : l'école de l'écrivain. Cette dernière est encore utilisée aujourd'hui par l'établissement voisin, l'école King Edward VI. Après avoir monté les escaliers comme l'a fait Shakespeare lorsqu'il était enfant, les visiteurs pourront s'asseoir en classe pour assister à une leçon.

Dans le village natal de William Shakespeare, on célèbre les 400 ans de l'auteur (France3/Culturebox)

# data[].attributes.attachment_link.title
William Shakespeare, l'indémodable modernité d'un génie

# data[].attributes.attachment_link.description
William Shakespeare, mort il y a 400 ans, continue de traverser le temps. Le prince Charles récite ses répliques à la Cour d'Angleterre et Hollywood se l'arrache ! Pourquoi l'oeuvre du dramaturge est-elle toujours aussi moderne ? Dans ses écrits, Shakespeare s'attachait à des thèmes intemporels : l'amour, la gloire et la beauté.

# data[].attributes.headline
Les "Mercury 13" : 13 femmes pilotes américaines qui rêvaient d'aller dans l'espace

# data[].attributes.subject
Les "Mercury 13" : 13 femmes pilotes américaines qui rêvaient d'aller dans l'espace

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La première Américaine s'est envolée pour l'espace en 1983. Il s'agissait de Sally Ride. Avant elle, deux femmes étaient allées dans l'espace, dont la Russe Valentina Tereshkova dès 1963. Pourtant, dans les années 1960, un groupe de 13 femmes américaines était déjà volontaire pour monter à bord des engins spatiaux. Ces pilotes aguerries ont participé à une expérimentation menée par Randy Lovelace, le médecin de la Nasa chargé de tester les capacités physiques et psychiques des astronautes de "Mercury 7". Ce programme privé, organisé indépendamment de la Nasa dans les locaux du Docteur Lovelace au Nouveau-Mexique, avait pour but d'évaluer les capacités de ces femmes à devenir astronaute. Ce groupe de femmes, surnommé des décennies plus tard les "Mercury 13" ont pour cela passé les mêmes tests que les hommes, avec parfois plus de succès. Mais malgré leur détermination, elles n'ont jamais accompli leur rêve. Sauf une, bientôt : Wally Funk, qui à 82 ans doit enfin décoller vers les étoiles ce 20 juillet dans une fusée Blue Origin avec le milliardaire Jeff Bezos.

Un programme lancé en dehors de la Nasa

Au début des années 1960, William Randy Lovelace, médecin et chef des sciences de la vie à la NASA, est chargé de recruter les astronautes du programme Mercury 7 dont Alan Shepard et John Glenn. Ces hommes passent une série de tests et d'examens, parfois éprouvants physiquement. Et Randy Lovelace s'interroge : comment des femmes, parmi les meilleures pilotes américaines, réagiraient à de tels tests ? Généralement plus petites et plus légères que les hommes, elles seraient des candidates idéales pour partir dans l'espace, notamment en raison de l'exiguïté des vaisseaux. C'est ainsi que démarre cette expérimentation, qui n'avait rien de secrète précise Margaret Weitekamp, directrice du département Histoire de l'espace au Musée national de l'Air et de l'Espace de la Smithsonian Institution et autrice de "Right stuff, wrong sex : America's firts women in space programm".

En effet, dans son édition du 29 août 1960, le magazine américain Life consacrait un article à Jerrie Cobb, la première de toutes les femmes de "Mercury 13" à avoir effectué les tests. L'article évoque "un programme officieux financé et mené par la Fondation Lovelace à Albuquerque, au Nouveau-Mexique" dont le secret a été dévoilé lors du salon international de l'espace à Stockholm.

Randy Lovelace a rapporté que les capacités de Jerrie Cobb à résister aux contraintes de l'espace sont comparables à celles des hommes. (...) Les femmes astronautes auraient même certains avantages : elles ont une masse corporelle plus faible, utilisent bien moins d'oxygène et ont besoin de moins de nourriture (...) Avec des résultats si favorables, il semble inévitable que les vols spatiaux habités seront à l'avenir mixtes.
Extrait de l'édition du 29 août 1960 du magazine Life

Après la parution de cet article, Wally Funk, âgée d'une vingtaine d'années à peine mais déjà aviatrice professionnelle, demande à prendre part à ces essais. "Certaines femmes ont été recrutées pour le programme et d'autres se sont portées volontaires une fois qu'elles en ont entendu parler, détaille Margaret Weitekamp. Wally Funk était très jeune à cette époque, et n'aurait peut-être pas attiré l'attention des organisateurs qui recherchaient des pilotes avec une solide expérience. Malgré son jeune âge, Wally Funk avait déjà suffisamment d'heures de vol pour faire partie des volontaires aux tests."

Dans une interview télévisée diffusée en 1963, Jerrie Cobb raconte avoir été contactée en 1959 par le Dr Lovelace et le général Don Flickienger, qui a également supervisé ce programme pour des femmes astronautes. "Ils rentraient d'une réunion scientifique à Moscou où ils avaient entendu dire que les Russes allaient former des femmes cosmonautes. Ils pensaient qu'il fallait faire quelque chose et m'ont demandé si je serai la première femme à passer les tests d'astronaute, je n'ai pas hésité une seconde", témoigne Jerrie Cobb.

Pour afficher ce contenu Youtube, vous devez accepter les cookies Publicité.

Ces cookies permettent à nos partenaires de vous proposer des publicités et des contenus personnalisés en fonction de votre navigation, de votre profil et de vos centres d'intérêt.

Gérer mes choix J'autorise

C'est ainsi qu'a été lancé ce programme, communément appelé Mercury 13. Toutefois, Margaret Weitekamp précise ne jamais utiliser l'expression "Mercury 13" pour qualifier cette expérimentation car "inventée par un producteur de télévision dans les années 1990. C'est donc inexact et historiquement trompeur" car la NASA n'avait rien à voir avec ce programme.

Au total, "25 des meilleures pilotes ont été invitées à passer les tests, 19 ont accepté et 13 les ont passés", raconte Martha Ackmann, journaliste et autrice de "The Mercury 13 : the untold story of thirteen american women and the dream of space flight". Ces 13 femmes pilotes étaient : Jerrie Cobb, Irene Leverton, Mrtyle K Cagle, Janey Hart, Gene Nora Stumboug, Jerri Sloan, Rhean Hurrle, Sarah Gorelick, B Steadman, Jan Dietrich, Marion Dietrich, Jean Hixson et Wally Funk, la plus jeune d'entre elles.

Trois phases de tests prévues

Une partie de l'expérimentation se déroule au sein de la clinique privée de Randy Lovelace à Albuquerque, au Nouveau-Mexique. Il y a trois phases, pour un total de 75 tests d'après le magazine Life en 1960. La première phase consiste en des tests physiques durant une semaine. La deuxième permet de déterminer l'aptitude psychologique, elle dure quelques jours à Oklahoma City. Lors de la troisième phase, les participantes doivent passer des tests de simulation de vols spatiaux, dans la base aéronavale de Pensacola, en Floride.

Ces tests sont les mêmes que ceux réalisés par les hommes de Mercury 7. Et certains sont plutôt étranges, détaille Martha Ackmann.

Avaler un mètre de tuyau en caoutchouc pour déterminer la composition gastrique, pédaler sur un vélo à très forte résistance jusqu'à l'épuisement humain... À ce sujet, Wally Funk raconte souvent avoir battu John Glenn à l'épreuve du vélo. Ce n'est pas tout à fait vrai. Wally Funk avait demandé quelle était la plus longue durée atteinte pour ce test. La réponse était 10 minutes. Donc elle a pédalé 11 minutes avant de s'écrouler au sol car elle était allée bien au-delà de l'épuisement. Mais d'autres données étaient aussi analysées et sur celles-ci, Wally Funk n'a pas été la meilleure. Mais cela prouvait sa détermination, son courage et sa persévérance.
Martha Ackmann, autrice de "The Mercury 13 : the untold story of thirteen american women and the dream of space flight"

L'une des épreuves où les femmes ont mieux réussi que les hommes est celle qui s'apparentait à l'apesanteur. Il s'agissait d'être enfermé dans un réservoir d'eau où la température de l'eau était exactement la même que celle du corps, si bien qu'il était impossible de faire la différence entre son corps et l'eau. Sans lumière, sans son, sans odeur, cela plongeait le participant dans un isolement sensoriel. L'objectif était de mesurer combien de temps les participants étaient capables de rester ainsi et s'ils n'étaient pas victimes d'hallucinations. Wally Funk est restée plus de dix heures dans ce réservoir d'eau, bien plus que les hommes qui en sont sortis au bout de trois heures.

Seule Jerrie Cobb termine l'expérimentation

Une seule femme a effectué les trois phases de tests, Jerrie Cobb, exactement les mêmes que ceux passés par les hommes de Mercury. "C'était la meilleure pilote américaine", commente Martha Ackmann. C'est d'ailleurs sa réussite qui a encouragé le docteur Lovelace à poursuivre l'expérimentation avec d'autres femmes pilotes. Mais seules Wally Funk et Rhea Woltman Hurrle ont pu aller jusqu'à la deuxième phase de tests, à savoir les tests psychologiques. Pour les autres pilotes, l'expérimentation s'arrête là. "Toutes les autres s'apprêtaient à passer les deux prochaines phases lorsqu'elles ont reçu un télégramme de Randy Lovelace", commente Martha Ackmann. Il y expliquait que les autorités militaires demandaient l'autorisation de la NASA pour que les femmes utilisent les équipements militaires de Pensacola.

La NASA voyait ces essais comme une expérimentation indépendante et n'a pas voulu que les femmes la poursuivent. Elle craignait que cela fasse exploser le programme spatial américain. Que se passerait-il si une femme était blessée ou tuée ? Quelles seraient les conséquences pour le programme spatial ? Ce programme expérimental s'est donc arrêté. La question scientifique : "Les femmes peuvent-elles voler dans l'espace ?" s'est alors transformée en question politique.
Martha Ackmann

Pour Margaret Weitekamp, la directrice du département Histoire de l'espace au Musée national de l'Air et de l'Espace de la Smithsonian Institution, l'objectif de la NASA à l'époque était de prouver que l'humain pouvait aller dans l'espace et une fois qu'il a été établi que les hommes s'en chargeraient, il n'était pas nécessaire d'inclure les femmes. Pour éviter que les femmes risquent leur vie dans l'espace, les astronautes de la NASA étaient recrutés parmi les pilotes d'essai et les officiers militaires qui pouvaient prendre ce type de risque.

La NASA n'a jamais envisagé sérieusement à l'époque le recrutement de femmes. La spéculation disant que les femmes s'adapteraient mieux dans l'environnement d'un vol spatial venait de la communauté scientifique qui cherchait à savoir si les femmes pouvaient avoir des avantages physiques par rapport aux hommes dans l'espace. (...) C'était une société très sexiste. Les femmes ne pouvaient facilement hypothéquer leur maison ou faire un emprunt pour une voiture sans la cosignature d'un père ou d'un frère. Les petites annonces des journaux listaient des emplois pour femmes ou hommes. On est avant la deuxième vague du féminisme aux États-Unis qui a soulevé ce genre d'inégalités.
Margaret Weitekamp

"C'était un monde d'hommes où les femmes n'avaient pas leur place" abonde Philippe Varnoteaux, docteur en histoire et spécialiste des débuts du spatial en France. "La NASA voulait des pilotes d'essai et cela n'existait pas chez les femmes. Certaines étaient pilotes mais dans le civil. C'était la raison officielle derrière laquelle s'est retranchée la NASA à l'époque" ajoute-t-il.

En mai 1961, dans une très courte brève, le journal Paris Presse écrivait : "Pas de femmes astronautes aux USA. 'Il n'y a pas de femmes astronautes à l'entraînement aux États-Unis. Nous ne recherchons pas d'équipages spatiaux féminins.' Un porte-parole de la NASA a ainsi démenti hier les informations d'une chaîne de télévision américaine."

Les femmes pilotes devant le Congrès américain

Face au refus de la NASA, les "Mercury 13" décident de ne pas en rester là. Jerrie Cobb et Janey Hart, qui était la femme d'un sénateur du Michigan, écrivent au président Kennedy et rencontrent le vice-président Johnson. Elles témoignent finalement devant le Congrès en juillet 1962, défendant le programme lancé par Randy Lovelace, comme le relate le documentaire "Mercury 13", de David Sington et Heather Walsh.

Pour afficher ce contenu Youtube, vous devez accepter les cookies Publicité.

Ces cookies permettent à nos partenaires de vous proposer des publicités et des contenus personnalisés en fonction de votre navigation, de votre profil et de vos centres d'intérêt.

Gérer mes choix J'autorise

Je crois profondément que les femmes doivent jouer un rôle dans la recherche spatiale. En réalité, il m'est inconcevable de penser que le monde spatial soit résumé aux hommes, à la manière d'un club privé.
Janey Hart devant le Congrès, extrait du documentaire "Mercury 13"

Nous les femmes pilotes désirant participer à l'exploration spatiale, ne cherchons pas à alimenter une guerre des sexes. Nous demandons simplement une place dans l'avenir spatial de notre nation, sans discrimination. Nous demandons en tant que citoyennes à participer avec sérieux et sincérité à l'Histoire d'aujourd'hui, comme les femmes l'ont fait dans le passé. Aucune nation n'a encore envoyé des femmes dans l'espace. Nous mettons à votre service 13 femmes pilotes volontaires.
Jerrie Cobb devant le Congrès, extrait du documentaire "Mercury 13"

L'astronaute John Glenn qui, quelques mois plus tôt, avait été le premier Américain à voler en orbite, affirme lui que les femmes ne sont pas qualifiées pour devenir astronautes. Tous les astronautes sont à l'époque pilotes d'essai et détenteur d'un diplôme d'ingénieur, des formations dans lesquelles les femmes ne sont pas admises. Un courrier du vice-président Johnson clôt définitivement le chapitre. Il y écrit à la toute fin : "Arrêtons cela maintenant."

Malgré leurs efforts, ces femmes n'ont jamais pu partir dans l'espace. Wally Funk a par exemple, de sa propre initiative, effectué le test de la centrifugeuse ou des tests de haute-altitude. "Elle était déterminée et créative pour trouver le moyen d'être prête si jamais l'expérimentation devait reprendre, raconte Martha Ackmann. Il a fallu attendre les mouvements des droits civiques et de libération des femmes pour permettre aux femmes de devenir astronautes."

"Ces tests n'ont jamais fait la différence, souligne Margaret Weitekamp. C'est assez révélateur de l'histoire des femmes, les progrès se font par à-coups avec des avancées et des reculs. Dans la littérature médicale, la réalisation de ces tests a permis de prendre en compte le corps des femmes. Mais il n'y a pas eu d'effets ensuite."

D'ailleurs, lorsque la Nasa a recruté des femmes pour qu'elles deviennent astronautes dans les années 1970, des nouveaux tests ont été mis en place.

Valentina Tereshkova, une femme russe dans l'espace pour la première fois

Dans la course à la conquête spatiale que se menaient à l'époque les États-Unis et l'URSS, les Soviétiques n'ont pas hésité à envoyer une femme dans l'espace dès 1963. Valentina Tereshkova a donc été la première femme à effectuer un vol spatial. Ce qu'a déploré Jerrie Cobb qui en 1963 déclare être "extrêmement déçue" après avoir averti à de multiples reprises de ce qu'il se passerait si les États-Unis ne commençaient pas à mettre en place un programme pour des femmes astronautes. "La seule chose que nous pouvons faire à présent est d'être les deuxièmes", a-t-elle regretté...

C'est le temps des premières. C'est-à-dire celui qui réalise un coup dans n'importe quel domaine de l'astronautique, que ce soit envoyer le premier homme dans l'espace, la première sonde vers la Lune, marque un point idéologique sur son adversaire. La question d'envoyer une femme s'est donc posée. Mais Korolev, qui était le maître d'œuvre du spatial soviétique, ne voulait pas de femme cosmonaute. Cela a donc été une décision politique, prise par Khrouchtchev. Il y avait là aussi une résistance des mentalités. La deuxième Russe à partir dans l'espace ne le fera qu'en 1982. Donc les mentalités machistes, sexistes ont perduré jusqu'au début des années 1980.
Philippe Varnoteaux, historien et spécialiste des débuts de la conquête spatiale

Les Mercury 13 au lancement d'Eileen Collins

Par la suite, des femmes ont régulièrement tenté d'être recrutées par la NASA. Le directeur des opérations du projet spatial Mercury, Walter C. Williams, cité dans Le Monde en avril 1963, exclut toute admission de femmes alors que le recrutement d'un troisième groupe d'astronautes est prévu quelques mois plus tard. En juillet 1963, Jerrie Cobb et deux autres femmes (leur nom n'est pas précisé) ont postulé parmi 271 candidats pour rejoindre le Centre d'entraînement spatial de Houston. Finalement, 71 pilotes militaires ont été sélectionnés pour éventuellement effectuer des vols spatiaux, tous des hommes. Un article du journal Combat le 6 avril 1966 fait mention de "six femmes [qui] ont présenté leur candidature mais on n'y a pas donné suite car aucune d'elles ne répondait aux exigences minimum", sans plus de précision.

Pendant des années, Jerrie Cobb a tenté de relancer le projet de tests pour des femmes astronautes, sans succès. Il faudra attendre près de vingt ans, en 1978, pour que la Nasa ouvre finalement son programme spatial aux femmes. La première Américaine à partir dans l'espace sera alors Sally Ride, en 1983, vingt-trois ans après les premiers tests effectués sur Jerrie Cobb.

D'ailleurs, si la Nasa avait enfin évolué pour laisser entrer des femmes dans son corps d'astronautes, les mentalités n'avaient pas tant évolué non plus. L'historien Philippe Varnoteaux rappelle ainsi que Sally Ride était lesbienne mais ne l'avait pas annoncé. "Elle l'a caché, elle s'est même mariée à un homme pour pouvoir voler. Si la NASA avait découvert son homosexualité, elle n'aurait certainement jamais volé. Cela a pris du temps pour faire évoluer les mentalités", conclut-il.

La première femme à piloter une navette spatiale sera Eileen Collins, en 1995. En hommage, Eileen Collins, pilote devenue astronaute, avait invité les Mercury 13 au décollage de sa fusée en 1995. Tout un symbole pour ces pionnières. Qui d'ailleurs "faisaient toujours du lobbying pour partir dans l'espace", se souvient Martha Ackmann. Elles ont écrit une lettre à la NASA leur demandant de prendre en considération la demande de Jerrie Cobb à partir dans l'espace ! C'était après que John Glenn décolle une nouvelle fois pour l'espace, à 78 ans. Evidemment, leur demande n'a pas été suivie."

Wally Funk dans l'espace, 60 ans plus tard

Un autre symbole se joue ce 20 juillet 2021 avec le départ de Wally Funk dans l'espace. L'aviatrice aujourd'hui âgée de 82 ans et aux 19 600 heures de vol, doit décoller à bord de la fusée New Shepard de Blue Origin, la société de tourisme spatial de Jeff Bezos. Dans une vidéo publiée sur les réseaux sociaux par Blue Origin, Wally Funk raconte à quel point elle est impatiente et heureuse de ce vol. Durant sa carrière, elle a appris à plus de 3 000 personnes à voler et dit avoir postulé à la NASA quatre fois.

Pour afficher ce contenu Youtube, vous devez accepter les cookies Publicité.

Ces cookies permettent à nos partenaires de vous proposer des publicités et des contenus personnalisés en fonction de votre navigation, de votre profil et de vos centres d'intérêt.

Gérer mes choix J'autorise

Personne ne voulait de moi mais je ne pensais pas que je ne pourrai jamais aller là-haut. Dans ma vie, j'ai toujours franchi les obstacles. Ils m'ont dit 'Wally tu es une fille, tu ne peux pas faire cela.' J'ai répondu 'Devinez quoi ?' Peu importe ce que tu es, tu peux toujours le faire si tu veux le faire ! Et j'aime faire des choses que personne n'a jamais faites.
Wally Funk, dans la vidéo publiée par Blue Origin

Wally Funk aura enfin sa première : en s'envolant dans l'espace, elle sera la première personne aussi âgée à dépasser la ligne de Karman, la frontière de l'espace.

Et la France dans tout cela

"La France a créé le CNES en décembre 1961 pour se mettre en place au printemps 1962, commente Philippe Vernoteaux. Il y a une ébauche de politique spatiale qui a commencé deux ans auparavant à travers le comité des recherches spatiales mais il n'est aucunement question d'évoquer le vol d'un Français ou d'une Française car il n'y a pas les moyens pour. Il faudra donc attendre encore quelques années..."

Et même plusieurs décennies pour qu'une Française parte dans l'espace car ce n'est qu'en 1996 que Claudie Haigneré (à l'époque André-Deshays) devient la première Française et Européenne à partir dans l'espace. À ce jour, elle reste la seule Française à y être allée.

# data[].attributes.attachment_link.title
Les "Mercury 13" : 13 femmes pilotes américaines qui rêvaient de voler dans l'espace

# data[].attributes.attachment_link.description
Dans les années 1960, 13 femmes pilotes ont passé des tests conçus par le médecin de la NASA Randy Lovelace dans l'espoir de devenir astronautes. Ce programme indépendant de la NASA n'a pas pu aller au bout. Wally Funk, qui s'envolera à 82 ans dans l'espace ce 20 juillet, était l'une d'entre elles.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
ROLLER DERBY
De manière plus ou moins consciente, le sport véhicule des comportements sexistes et, plus largement, exclut parfois des personnes (transphobie, homophobie, racisme...).
Ceci n'est pas anodin et résulte d'une histoire colonialiste, patriarcale et bourgeoise qu'il est important de connaître pour bien comprendre en quoi le roller derby est un sport " à part ". Le roller-derby est une proposition de pratique sportive plus en adéquation avec la penséeféministe queer et intersectionnelle.
Le roller derby est un sport de contact sur patins à roulettes où deux équipes composées de 15 joueureuses,avec des blaz et des numéros qu'ielles ont choisis, s'affrontent sur une piste plate et ovale appelée un track.
C'est deux périodes de 30 minutes de jeu, découpées en jams de 2 minutes où se rencontrent 4 bloqueureuses et 1 jammeureuse de chaque équipe. Le but étant que la personne qui porte l'étoile sur son casque marque des points en dépassant physiquement ses adversaires. Les bloqueuses empêchent la jammeuse adverse de passer en utilisant leur propre corps comme bouclier. Pas de ballon mais de la stratégie positionnelle, des coups, mais beaucoup de bienveillance aussi : tous les coups sont loin d'être permis ! Protections obligatoires ! L'idée n'est pas de blesser l'autre !

Le derby c'est aussi tes potes (à qui tu fais confiance les yeux fermés),
C'est des leggings à paillettes, des collants filés, des maquillages qui font peur et des
coups de marqueurs mélangés à la sueur.
C'est des surnoms provoc' fun ou débiles.
C'est des événement collectifs annoncés avec des affiches cools et des jeux de mots.
C'est des chorégraphies pour présenter toutes les " MC " de ta team.
C'est de la musique pendant les matchs.
C'est l'occaz de te vider la tête quand tout te soule dans ta vie
C'est les aprèms bière au skate park
C'est l'odeur de tes protec's qui puent et celles de tes coéquipier.e.s dans les vestiaires.
C'est les pyramides humaines pendant les afters
C'est les aventures amoureuses et coup de cœur du wkd ou de la vie entière.
C'est des chevilles qui craquent, des ligaments qui claquent
C'est pouvoir voyager partout et contacter l'équipe sur place pour toujours être
accueilli.e à bras ouverts.
C'est les ami.e.s dans les gradins qui chantent Brithney Spears pour t'encourager.
C'est des courbatures aux abdos, pas parce que t'as pris des coups mais car t'as trop
rigolé
C'est faire des roller-booms avec les copines et danser sur Gala.
C'est s'échauffer avant un match, déguisé.e.s avec des robes léopards ou des corsets
et ne plus pouvoir bouger.
C'est de l'adrénaline, des câlins, des coups, de la sueur, de la joie, des larmes,
des amitiés...
Le derby c'est aussi, celleux qui sont bénévoles et aident sur les évènements, c'est
celleux qui arbitrent sur patins ou sans patin, c'est des coachs, des line-ups, c'est
celleux qui mettent du scotch sur le sol ou celleux qui servent les gâteaux à prix
libre pendant la mi-temps... Si tu détestes le patin à roulettes, que t'es blessé.e, que
t'attend un bébé, ou juste pas du tout fan d'efforts physiques :
vtu es quand même bienvenu.e et peut quand même faire partie de l'aventure !
Le DErBY
C'esT La ViE !!!
Celle qui nous fait du bien et qu'on s'autorise à avoir...

Quand tu tapes " sport " sur internet dans un moteur de recherche, les images qui apparaissent sont en majorité des hommes-cis de 25 ans, très musclés,en plein effort physique à s'en faire péter la carotide. Cette image de perfectioncorporelle peut d'emblée rebuter toutes les personnes qui n'ont pas ce physique, et ça en fait du monde ! Il faut donc rajouter " féminin " à sport pour avoir des femmes, " handi " pour avoir des personnes en fauteuil... car la norme c'est l'homme-cis, blanc et valide. (hommecis : qui se reconnait dans le genre qui lui a été assigné à la naissance)
Et lorsqu'il est question de " sport féminin " dans les médias, en général on a le droit à des commentaires sur la tenue et les caractères physiques des joueuses : " Belle performance, en plus d'être jolie ! " " On dirait un homme tellement elle est musclée " " Elle pourrait sourire, ça lui
couterait pas plus cher ! " " Quoi ?! Elle porte un voile sur le terrain de foot ? ".

Le sport est aujourd'hui encore un lieu de démonstration physique. Il alimente une pensée binaire en séparant dès leur plus jeune âge les garçons et les filles dans leurs pratiques sportives : à l'école, les petits garçons vont courir un tour de plus au cross que les filles car ils sont censés être meilleurs... les barèmes de notation sont différents selon ton sexe pour ainsi creuser très tôt les différences
physiques (musculature, pilosité...). Les sports " de filles " (danse/ équitation...) contre les sports de mecs... Et si jamais ces règles ne sont pas respectées, les filles deviennent péjorativement des " gar-
çons manqués " et les garçons, de " fillettes " ou de " tapettes ". Les femmes qui pratiquent le sport de haut niveau sont parfois obligées de subir l'humiliant test biologique de féminité face à des persformances ou un physique trop douteux pour prouver qu'elles ne sont ni des hommes ni des " monstres " malgrè leur haut niveau. Les sports qui ne demandent pas de démonstration mus-
culaire, comme le tir, ne sont pas pour autant pratiqués en compétition en mixité car il serait bien sûr trop honteux pour un homme de se faire battre par une femme .

En 2018, on compte plus de 2000 ligues de Roller Derby dans le monde. Né aux Etats-Unis dans les années 30, le roller derby était avant tout une course sur patins à roulettes. Sa forme actuelle prend réellement son envol au début des années 2000 lorsque les Riot Grrrls et les féministes américaines se le réapproprient. Au Texas, un collectif féministe, les Bad Girl Good Woman Productions,
crée alors la version moderne du roller derby. Le roller derby se structure, des regroupements d'équipes, appelés " leagues ", sont créés au sein d'un même club. Ce collectif de meufs est à l'origine des règles actuelles du roller derby et de la Women Flat Track Derby Association
(WFTDA), devenue le principal organe international du roller derby dont la devise est : " par les joueuses, pour les joueuses ". Son histoire est donc féministe !
En France, les premiers clubs voient le jour en 2009. Aujourd'hui, il est pratiqué en très grande majorité par des femmes, meufs, gouines, trans, personne non binaire, peu importe leur âge (après
16ans en France), leur taille, leur poids, leur expérience sportive, leur religion, leurs papiers, leur origine sociale (même si l'achat de matos, malgré les réseaux devente d'occas et certaines action de solidarité ou de prêt, peut freiner)...
La WFTDA propose plusieurs places aux hommes cis, en tant que bénévoles, par exemple en tant que coachs ou arbitres, avec ou sans patins. La seule place qui leur est refusée au sein de la WFTDA
est celle de compétiteur. Pour la compétition, les équipes de joueurs masculins peuvent rejoindre la MRDA, ou Men's Roller Derby Association. La non-mixité, lorsqu'elle est choisie, a été et demeure un outil d'aménagement d'espaces libres au cœur d'une société encore très sexiste. Certaines équipes
font le choix de la non-mixité totale dans l'association.
" Le roller Derby doit être un espace " safe " pour les femmes et minorités de genre, un espace où elles peuvent occuper des postes à responsabilités, s'affirmer et prendre les décisions qui les
concernent pour faire évoluer leur sport. Dans le reste de la société, le phénomène du " plafond de verre " fait que le pouvoir est très majoritairement attribué aux hommes, même quand les organisations comptent une majorité de femmes. Cela se retrouve dans tous les domaines : entreprises, institutions, associations... Ainsi que l'immense majorité des fédérations sportives. Dès qu'il existe un lieu de pouvoir concret, ce sont des hommes qui y accèdent. Les mécanismes qui rendent cela possible sont souvent inconscients et sont le fruit d'une société sexiste. Il est difficile de ne pas reproduire des schémas sociaux, culturels, politiques lorsque ce sont les seuls que l'on connaît. C'est pour cela que l'existence d'une fédération à mixité limitée permet aux joueuses de conserver le contrôle de leur sport sans craindre que " naturellement " (ou plutôt "à cause des représentations sociales") au bout de quelques années, la direction soit assurée par un groupe
d'hommes qui décideront pour elles de la manière dont doit évoluer leur sport. Aujourd'hui le roller derby a - parce qu'il a su les créer - de multiples espaces dans lesquels les femmes sont libres de
s'épanouir sans soumission à divers diktats, dans un monde où les schémas sociaux et culturels reposent encore sur le patriarcat. Le roller derby renvoie une autre image des femmes aux femmes les premières, donnant à beaucoup d'entre nous le courage de mieux nous affirmer dans notre vie quotidienne. Nous défendons ce sport dans le progrès qu'il représente à donner de la place aux femmes et aux minorités invisibles. Le roller derby est ainsi le seul exemple de sport collectif, de
contact, où les femmes sont majoritaires, et, surtout, où la gouvernance est assurée par les joueuses
elles-mêmes, selon des principes démocratiques. " Extrait d'une lettre ouverte écrite par le groupe " féministes en patins "

Le roller derby est une réponse au sexisme dans le sport mais ce n'est pas non plus LA réponse, il y a encore plein de choses à travailler dans cette pratique, car le sport évolue, les gen.tes qui le pratiquent sont de plus en plus nombreux-nombreuses et le(s) féminisme(s) avance(nt) aussi. Attention, loin de nous l'idée de faire l'éloge de la bonne santé physique, de culpabiliser les personnes qui ne se retrouvent pas dans une pratique sportive, les gens qui détestent le sport ou qui ne peuvent pas le pratiquer comme elleux le souhaiteraient. Le roller derby est un outil d'émancipation dans lequel nous nous retrouvons mais surtout pas une leçon de morale ou un guide de bonnes pratiques du " bien-être " !

Depuis 2017, dans le règlement officiel du roller derby en France, publié par La commission dédiée au
sein de la FFRS (Fédération Française de roller-skate), figure un chapitre concernant le genre, apporté
par le groupe de travail Inclusion et Diversité, autorisant les personnes transgenres et intersexuées à
intégrer les équipes masculines ou féminines selon leurs identités ressenties et non en fonction de leur
état civil.

Plus qu'un sport, c'est un engagement politique quotidien : beaucoup d'équipes de roller participent aux manifestations féministes, à la gay-pride. Certaines organisent des collectes pour les femmes en difficulté financière, d'autres font des spots, des affiches contre les violences faites aux femmes....

LE DIY (Do It Yourself). Le roller derby est un sport où les ligues sont quasiment autogérées. Du jamais vu dans d'autres sports. La plupart des joueureuses sont également arbitres, et gèrent l'association sportive et la préparation des matchs à domicile et à l'extérieur de A à Z. Les membres ne consomment plus simplement leur sport, ielles en sont les actrices principales. Certaines équipes vont plus loin et pratiquent l'auto-coaching, chacune peut préparer et proposer des entrainement à son équipe. Cela casse le rapport hiérarchique et infantilisant prof/élève.

" Après il y a des personnes qui préfèrent des vêtements plus sobres, plus confortables, en fait c'est toujours le même combat : chacunE porte ce qu'ielle veut, l'important c'est de se sentir bien et personne n'a à juger. "

" Il existe des bootcamps, qui sont des weekends où les joueuses de différentes ligues se rencontrent
pour échanger sur des techniques. La transparence des stratégies entre différentes équipes et la
réflexion collective permet d'aller plus loin dans son jeu. Cela décale le rapport de compétition entre
les différentes équipes qui vont, lors d'un weekend, s'entrainer, manger, dormir et boire une verre
ensemble. "

La promotion d'un sport respectueux et non viriliste : le Roller Derby est le sport où l'arbitre est respecté.e, contrairement à de nombreux sports où l'arbitre est souvent insulté.e et pointé.e du doigt. Dans le cas contraire, les joueureuses peuvent être exclues et supporters-trices expulsé-e-s. Les comportements anti-sportifs et abusifs sont bannis sur et à l'extérieur du track pour permettre à chaque match de se dérouler dans un cadre safe et agréable pour tout le monde.

" Des bâtons dans les roues, on en a !...On vous y refourgue toujours des gymnases dans des endroits improbables, genre au fond de l'Ardèche, que quand t'y vas, t'as l'impression de partir en vacances, 1h30 de route en zigzag plus tard, tu crois que tu vas te poser dans ton mobil home au camping et boire une bière, mais non, tu dois t'ECHAUFFER. M'enfin y'a des équipes qui ont même pas de salle alors on va pas se plaindre, elles sont obligées de s'entrainer sur des parkings ! Et big up à toutes les équipes qui ont galéré/qui galèrent avec des municipalités pas enjaillées par des meufs en patins à roulettes (ça laisse des traaaaaces vos freins). "

" Au roller derby, je suis ce qu'on appelle une fresh meat, c'est-à-dire une recrue récente qui apprend
avec hardiesse à maitriser progressivement les mille et une règles subtiles du RD ainsi que, pour ma
part, les rudiments du patinage et ce, malgré mon graaand âââge et ma trajectoire de sportive du
" même pas dimanche ". Bah oui, parce qu'au roller derby, y'a pas de standard physique à respecter
pour être " admissible ", faut juste embrasser les valeurs de cette pratique hors du commun.
Le jour du recrutement, pas besoin d'être une étoile naissante pour avoir ta place dans l'équipe. "

" En Angleterre illes ont banni.e.s des mecs cis qui avaient été accusés d'agression, bim deux ans hors Derbyavec nécessité de prouver le chemin parcouru s'ils veulent revenir. C'est pas beau ça ?! Hors système juridique anglais. Bon en France on n'en est pas là mais c'est encourageant je trouve. "

Les boissons " énergétiques " : Mélangez du curcuma, du gingembre râpé, de la cannelle et du citron dans la boisson de votre choix (tisane, thé, eau gazeuse !) Agrémentez de miel ou de sirop d'agave, voire de sucre pour le goût, et laissez reposer depuis la veille, c'est mieux ! ça donne grave la pêche !

" Je pense que nous, en tous cas ma tenue, est pas de l'ordre du déguisement, aussi maquillée, pailletée, flippante, dégenrée, explosive qu'elle peut l'être. Soft aussi d'ailleurs, elles sont toujours revendicatives. Parce que nos tenues sont politiques, même si elles apparaissent comme des costumes ou des accoutrements marrants/jolis. Les paillettes c'est pas juste pour faire joli, juste un truc du samedi. Elles sont présentes dans nos manifs & nos soirées, et elles montrent qu'on brille toujours malgré tout ce qu'on se prends dans la gueule, qu'on existe même si on fait tout pour nous en empêcher. "

Lors de la Coupe du monde de RD en février 2018, une équipe composée de joueuses des quatre coins du monde à vue le jour : la Team indigenous. La volonté de toutes les joueuses était de défendre haut et fort leur appartenance à des cultures autochtones. Elles voulaient le temps du championnat, attirer l'attention du public sur la condition des femmes indigènes dans le monde. Lors de sa présentation, les membres de la Team Indigenous ont lu un texte leur rendant hommage : " Des milliers de femmes indigènes sont portées disparues et retrouvées assassinées sur nos terres ancestrales. (...) Nous patinons aujourd'hui en l'honneur de toutes ces femmes qui n'ont jamais trouvé ce sport révolutionnaire puissant, car leur vie a été écourtée. Nous patinons pour amener plus de femmes autochtones à ce sport, pour offrir un espace de solidarité, de force et d'amour ".

" Chez nous, on fait des débriefs collectifs et individuels. Après chaque entrainement et match on
échange sur comment on a vécu l'entrainement, ce qu'on ressent, on se motive ensemble, on analyse
notre jeu collectif, on se félicite, on se remet en question, on parle organisation d'événements, on com
munique quoi. La COMUNICATION dans le derby c'est primordial, il faut appendre à se dire les choses
mêmes difficiles "

" Un empouvoirement de ma condition forcée de femme (aux yeux de la société), autrement dit renforcer mon auto-conviction que les meufs savent aussi bien faire que les mecs.
et abattre tous les clichés de merde sur la féminité.... mais aussi la force de la "sororité", l'entre soi (mixité choisie) qui me faitdes vacances par rapport au reste du temps/monde ! "

" En tout cas au niveau sensation, tu prends cher : les coups, les chutes pour l'adrénaline, le cardio pour l'endurance, mais surtout la cohésion, le lien avec tes coéquipières, la confiance absolue que tu places sur " ta ligne ". Ces moments de communion qui donnent tout son sens à ce sport de brutes au grand cœur. Parce qu'au-delà du côté sportif, du dépassement de soi, de la performance, le roller derby c'est surtout une grande histoire d'amitié et de fous rires inégalables. Un sentiment d'appartenance à un collectif, à un groupe, à une bande de meufs trop chouettes. "

" Lors des matchs, on se regroupe au vestiaire, on se change, on se maquille, on se fait des signes de guerre, les " old " (anciennes joueuses toutes cassées de partout) se font des straps ou se massent à la gaulthérie. A ce stade on est encore bien détendues, pour la plupart, ça se marre, ça s'équipe avec le sourire : " tu peux me faire mes numéros sur le bras ? " ," qui a un marqueur ??? ", " une croix sur le front steuplé ! "

LE ROLLER-DERBY NE DEVIENDRA JAMAIS UN SPORT MAINSTREAM COMME LES AUTRES !
extrait de la brochure " NOTRE SPORT SERA FÉMINISTE OU NE SERA PAS ", sortie prévue printemps 2019,
lien du texte original : https://laure.tujoues.fr/wp-content/uploads/2019/03/internet.pdf
contact : odesespoir@riseup.net

# data[].attributes.attachment_link.title
ROLLER DERBY De manière plus ou moins consciente,

# data[].attributes.attachment_link.description
MIA vous propose un texte sur le roller derby repris sur le site laure.tujoues.fr

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Il y a tout juste un an, dans une tribune destinée à l'actrice Adèle Haenel, la romancière Virginie Despentes écrit " Je te female gaze "...

DU MALE GAZE AU FEMALE GAZE

Le female gaze ou regard féminin fait écho au concept théorisé par la critique de cinéma américaine Laura Mulvey, en 1975 dans son article Plaisir Visuel et Cinéma Narratif sur le male gaze (regard masculin). Elle explique que dans la plupart des films, les femmes apparaissent comme des choses regardées par des hommes. Elle distingue trois types de regards : celui de la caméra, celui des personnages et celui du spectateur, et démontre qu'à chaque fois, la vision subjective de l'homme est privilégiée.

Mais pour le regard féminin de quoi s'agit-il ? Même s'il prend en considération les trois mêmes points de vue, il n'est pas l'inversion du male gaze. Il ne s'agit pas pour les femmes cinéastes d'objectifier et fétichiser les corps masculins, mais il se réfère à la perspective d'apporter au film, un point de vue différent d'une vision masculine sur le même sujet. Il s'agit bien de tout réinventer : la manière de filmer, de raconter des histoires, de les évaluer en terme critique...

ANALYSE DU FEMALE GAZE À L'ÉCRAN PAR IRIS BREY

Dans son essai Le regard féminin, une révolution à l'écran, l'universitaire et critique Iris Brey, à travers une analyse rigoureuse, ressuscite des films mettant en scène un regard féminin qui ont été " oubliés " par l'historiographie et relégués " à une culture souterraine invisible. " Virginia Woolf le soulignait déjà elle aussi en 1929 dans Une chambre à soi où elle analyse avec ironie les causes du silence littéraire des femmes pendant de nombreuses décennies.

Comment le reconnaître ?

Iris Brey explique en quoi le female gaze permet de ressentir à l'écran l'expérience féminine dans sa pluralité. Elle propose " une grille de lecture en six points pour caractériser le female gaze " :

" Il faut narrativement que :

le personnage principal s'identifie en tant que femme ;

l'histoire soit racontée de son point de vue ;

son histoire remette en question l'ordre patriarcal ;

Il faut d'un point de vue formel que :

grâce à la mise en scène, le spectateur ou la spectatrice ressente l'expérience féminine ;

si les corps sont érotisés, le geste doit être conscientisé ;

le plaisir des spectateurs ou spectatrices ne découle pas d'une pulsion scopique (prendre du plaisir en regardant une personne en l'objectivant, comme un voyeur) "

DÉCOLONISER NOTRE IMAGINAIRE

Dans une approche " phénoménologique et féministe ", Iris Brey invite à continuer cette découverte dans les films, pas seulement pour rendre justice à trop de femmes cinéastes broyées par la domination masculine, mais surtout pour lutter contre les clichés sexistes et la culture du viol. Elle propose de nourrir notre rapport au monde et à nous-mêmes, en éprouvant dans les films une subjectivité et une capacité d'agir au féminin. " Le female gaze existe depuis le début du 7 art. Il suffit de jeter un coup d'œil aux films d'Alice Guy, Germaine Dulac, Ida Lupino, Maya Deren, Chantal Akerman... (...) Laura Mulvey expliquait que le male gaze venait de l'inconscient du patriarcat. " Créer un point de vue féminin, reviendrait donc à une exploration formelle, qui cherche à renouveler une grammaire cinématographique en (ré)inventant des codes visuels pour susciter plaisir, désir et même amour.

" C'est ce que font à mon sens les grandes œuvres du female gaze. Au lieu de nous abandonner, de nous renvoyer à notre solitude, elles nous saluent. Elles nous considèrent. Le déchirement à l'idée de quitter ces héroïnes demeure, mais on les laisse partir. Il n'y a pas de rapt. Elles sont autonomes. Elles sont libres. Reste la joie du souvenir, de savoir qu'elles vivent maintenant dans notre imaginaire. Marianne et Héloïse, Fleabag, Ada, June, Chris, Simone, Wonder Woman, Michèle, Thelma et Louise, Thérèse et Carol, (...) et toutes les autres, nous disent : " Nous sommes sous vos yeux. " Il était temps de redresser nos regards. "
Pour aller plus loin

Iris Brey, Le regard féminin, une révolution à l'écran, L'Olivier, 2020

Les mettent en avant chaque année l'expériences de réalisatrices.

: podcast féministe animé par Lauren Bastide qui interviewe des femmes artistes, intellectuelles ou politiques pour parler de leur enfance, de leur parcours professionnel, de leur création et de féminisme.

Female gaze, ce que vivent les femmes , podcast Les couilles sur la table #57

Male gaze, ce que voient les hommes , podcast Les couilles sur la table #56

# data[].attributes.attachment_link.title
C'EST QUOI le " FEMALE GAZE " sur les femmes au cinéma ? - Acap - pôle régional image

# data[].attributes.attachment_link.description
Avec le mouvement #MeToo, le terme de " female gaze " s'est mis à circuler... On a commencé à s'interroger sur la différence entre la manière de filmer les corps de femmes et ceux des hommes, en d'autres termes sur les représentations de genre.

# data[].attributes.headline
La minute du spectateur - Hofesh Shechter

# data[].attributes.subject
La minute du spectateur - Hofesh Shechter

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pour une recherche avancée, ajoutez : avant votre recherche.
Vous pouvez utiliser les opérateurs suivants :

ET && pour afficher les résultats contenant tous les mots.

OU || pour afficher les résultats contenant au moins l'un des mo.

Exemple :merzouki !hiphop

À propos de la recherche

La Minute du Spectateur

La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre.

Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.
© Maison de la Danse de Lyon

Shechter, Hofesh

Le chorégraphe Hofesh Shechter OBE est reconnu comme l'un des artistes les plus passionnants à travailler sur scène aujourd'hui, réputé pour composer des partitions musicales atmosphériques qui accompagnent la physicalité unique de son mouvement. Il est directeur artistique de la Hofesh Shechter Company, basée au Royaume-Uni, créée en 2008. La société réside à Brighton Dome et Shechter est un artiste associé de Sadler's Wells.

Le répertoire de Hofesh Shechter pour la compagnie comprend Uprising (2006), In your rooms (2007), The Art of Not Looking Back (2009), Political Mother (2010), Political Mother: The Choreographer's Cut (2011), Sun (2013), barbarians (2015), Grand Finale (2017), SHOW (2018) et POLIICAL MOTHER UNPLUGGED (2020). Grand Finale a été nominé pour un Olivier Award de la meilleure nouvelle production de danse.
Shechter a également mis en scène et chorégraphié des œuvres pour des compagnies de danse internationales de premier plan, notamment l'Alvin Ailey American Dance Theatre, le Batsheva Ensemble, la Candoco Dance Company, le Cedar Lake Contemporary Ballet, le Nederlands Dans Theater 1, le Ballet de l'Opéra de Paris, le Royal Ballet et le Royal Ballet Flanders.
Il a chorégraphié pour le théâtre, la télévision et l'opéra, notamment au Metropolitan Opera (New York) pour Two Boys de Nico Mulhy, le Royal Court pour Motortown et The Arsonists, le National Theatre pour Saint Joan et pour la série Channel 4 Skins. Dans le cadre de #HOFEST, un festival de 4 semaines célébrant le travail de Shechter dans 4 lieux emblématiques de Londres, il a co-réalisé Orphée et Eurydice de Gluck avec John Fulljames au Royal Opera House. En 2016, il a reçu une nomination aux Tony Awards pour sa chorégraphie pour la reprise à Broadway de Fiddler on the Roof.

En 2018, Hofesh Shechter a reçu un OBE honorifique pour "Services to Dance" et le premier film de danse de la compagnie, Hofesh Shechter's Clowns, a été diffusé par la BBC.
En 2020, Hofesh Shechter Company a été nommée lauréate du Fedora - VAN CLEEF & ARPELS Prize for Ballet pour LIGHT: Bach Dances, en collaboration avec le Royal Danish Opera et co-dirigé par Hofesh Shechter et John Fulljames.

La nouvelle création de Hofesh Shechter, Double Murder, sera créée en 2021.

Sources : Site de la Hofesh Shechter Company

En savoir plus : hofesh.co.uk

Plasson, Fabien

Fabien Plasson est réalisateur, principalement dans le domaine du spectacle vivant (danse, musique, etc.).

C'est au cours de sa formation à l'École Nationale Supérieur des Beaux-Arts de Lyon qu'il intègre en 1995 que Fabien découvre l'art vidéo. Il se forme alors auprès de divers artistes vidéastes (Joël Bartoloméo, Pascal Nottoli, Eric Duyckaerts, etc).
Son approche s'inscrit d'abord dans une recherche plastique avec la création d'installations et d'objets filmiques.

En 2001, il rejoint l'équipe de la Maison de la Danse de Lyon et s'occupe durant 10 ans de la programmation du Vidéo-Bar Ginger&Fred. Il découvre alors l'univers chorégraphique et les enjeux de la vidéo pour la diffusion et la transmission de la danse aux côtés de Charles Picq alors vidéaste et directeur du service vidéo de la Maison de la Danse.

En parallèle, il continue son activité de création plastique, réalise des vidéos de concerts, de pièces de théâtre et crée également des décors vidéos pour le spectacle vivant.

Aujourd'hui, Fabien Plasson est réalisateur vidéo au Pôle Image de la Maison de la Danse de Lyon et pour Numeridanse.tv, vidéothèque internationale de danse en ligne.

Source : Maison de la Danse, Fabien Plasson

Nos suggestions de videos

Nos suggestions de themas

En naviguant sur ce site, vous reconnaissez et acceptez l'usage de cookies pour faciliter votre navigation.
Vous pouvez bloquez ces cookies en modifiant vos paramètres de sécurités de votre navigateur ou en cliquant sur ce lien. J'accepte En savoir plus

# data[].attributes.attachment_link.title
La Minute du spectateur (2022) : Hofesh Shechter

# data[].attributes.attachment_link.description
La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre. Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.

# data[].attributes.headline
Retour sur la naissance de Marius, racontée par Marcel Pagnol

# data[].attributes.subject
Retour sur la naissance de Marius, racontée par Marcel Pagnol

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
En 1956, l'émission "La parole est à la nuit" propose aux auditeurs de la Chaîne Parisienne une rencontre avec Marcel Pagnol agrémentée d'extraits de la trilogie, Marius, Fanny et César, et de Topaze.

Le succès international de "Marius", une surprise pour son créateur Marcel Pagnol

Marcel Pagnol parle de la probable origine espagnole de son nom et évoque la personnalité très sévère et stricte de son père, instituteur, dont il s'était inspiré pour écrire Topaze. Pour lui, un auteur "n'invente rien", il fusionne plusieurs personnes réelles dans un personnage. "Je ne sais pas comment se fait ce mécanisme, je sais qu'il se fait", confie-t-il.

Une rencontre durant laquelle Marcel Pagnol raconte aussi la surprise que fut le succès national et international rencontré par Marius, joué pendant des années à Paris, lui qui avait créé ce personnage pour le public marseillais spécifiquement. En tant qu'auteur dramatique venu au cinéma parlant, il compare les deux arts en réaffirmant qu'il n'existe pas selon lui de différence de nature essentielle entre l'art dramatique et le cinéma. Seuls les moyens diffèrent.

Dans cette archive on peut aussi y entendre l'extrait surprenant de l'opérette Fanny créée par Joshua Logan en 1954 à Broadway où elle rencontra un grand succès.

Retrouvez l'ensemble de "Au commencement de Pagnol était le verbe", un programme d'archives proposé par Albane Penaranda.

Par Luc Bérimont

Avec Marcel Pagnol (écrivain, dramaturge, cinéaste, producteur) interrogé par Jacques Bureau

Avec des extraits de films de Marcel Pagnol

Réalisation Bernard Gandrey-Réty

La parole est à la nuit - Marcel Pagnol (1ère diffusion : 07/01/1956 Chaîne Parisienne)

Edition web : Documentation de Radio France

Archive Ina

# data[].attributes.attachment_link.title
Marcel Pagnol : "J'ai écrit la pièce "Marius" pour me reposer et m'amuser"

# data[].attributes.attachment_link.description
En 1956, l'écrivain et réalisateur Marcel Pagnol aborde sa vie, son œuvre théâtrale, ses films et les liens qu'il voit entre le cinéma et le théâtre, lui qui est passé avec succès de l'écriture dramatique à l'écriture cinématographique.

# data[].attributes.headline
L'histoire de la trilogie marseillaise de Pagnol

# data[].attributes.subject
L'histoire de la trilogie marseillaise de Pagnol

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
" Le film parlant doit réinventer le théâtre ". A la fin des années 20, lorsque Marcel Pagnol prononce cette prophétie, il ne recueille que le mépris et la méfiance du sérail. A l'époque les avant-gardes et les critiques artistiques dénonçaient déjà les dérives du " boulevard " et l'influence néfaste du théâtre sur le cinéma. Pourtant, certains - dont Pagnol - voient très vite ce que le parlant peut apporter au septième art. Au printemps 1930, sur les conseils de l'acteur Pierre Blanchar, le dramaturge s'est rendu à Londres pour voir le film Broadway Melody. Il comprend immédiatement la révolution en marche et s'enthousiasme pour ce nouveau procédé qu'il trouve " beaucoup plus commode, beaucoup plus riche que le théâtre ". Entre 1931 et 1936, il va se plonger dans un projet de trilogie adaptée de ses pièces de théâtre. S'il ne met pas directement en scène les deux premiers films (Alexandre Korda se charge de Marius, Marc Allégret de Fanny), il est bien le véritable architecte de ce que l'on va appeler la Trilogie marseillaise et qui va changer la face du cinéma français.

Marius (1931)

Marcel Pagnol écrit la pièce originale en 1929. Créée au théâtre du Gymnase, c'est un tel succès que le cinéma cherche tout de suite à s'en emparer. Robert T. Kane, directeur de la Paramount France, propose à Pagnol de l'adapter pour le cinéma... parlant. Il aura carte blanche pour le casting, le scénario et un droit de regard sur les principaux choix artistiques. Kane lui offre de réaliser le film, mais l'écrivain ne se sent pas encore prêt : s'il assiste à tout le tournage et questionne les équipes techniques de la Paramount, il préfère qu'un cinéaste expérimenté soit derrière la caméra. C'est Alexandre Korda qui est désigné pour diriger le film. Leur entente est idyllique. Korda enseigne à Pagnol tous les secrets de la réalisation et en retour écoute attentivement l'auteur lui parler de l'importance des dialogues et de la manière de diriger ses acteurs. Le film met en scène la relation entre Marius (Pierre Fresnay), jeune homme épris de liberté et attiré par la mer, et son père César (Raimu). Korda et Pagnol développe le potentiel cinématographique de la pièce (faisant souffler l'air du large sur les parties de carte et les conversations de bistrot) et prouvent que le cinéma parlant n'est pas forcément du " théâtre en conserve ". Sorti en octobre 1931, le film fut un triomphe public et critique.

Fanny (1932)

La pièce Fanny est montée en décembre 1931, dans la foulée du succès de Marius. Et c'est un nouveau triomphe. Après la galerie de portraits de Marius, cette suite fait basculer l'univers de Pagnol dans le mélodrame : au début, César contemple l'horizon et la mer qui lui a pris son fils, Marius. Fanny (Orane Demazis), la fiancée délaissée de ce dernier, attend un enfant au grand désespoir de sa famille... Pour monter ce film, Pagnol qui veut son indépendance quitte la Paramount (à qui il reprochait d'avoir massacré Topaze avec Fernandel) et monte sa maison de production pour financer Fanny en toute indépendance. C'est lui qui va choisir Marc Allégret pour réaliser ce deuxième film. Allégret vient de diriger par deux fois Raimu au cinéma : Pagnol admire le cinéma d'Allégret, et il sait surtout qu'être respecté par l'acteur tyrannique sera un atout appréciable sur le tournage. Le résultat est un sans-faute : Allégret choisit de filmer certaines scènes en extérieur (la partie de pétanque) et les personnages gagnent en épaisseur.

César (1936)

En 1934, Pagnol achète un terrain dans le sud, il fait construire ses propres laboratoires et inaugure son studio : depuis quelques mois, il est passé à la réalisation et multiplie les tournages. César, dernier opus de la trilogie, est son sixième film. Il invente des personnages, crée du rythme et surtout pratique un cinéma tellurique, qui " vit " en extérieur et qui " parle " en direct. " Le cinéma réclame la vie " disait Pagnol et la vie, le réel, c'est la parole. Audacieusement, Pagnol situe le film vingt ans après Fanny, afin de raconter le destin du fils de Fanny et Marius devenu adulte. Le temps passé est ici un temps perdu, c'est celui qui a séparé le beau Marius et la petite Fanny. Mais la beauté de ce troisième volet c'est de montrer l'idéalisme de Pagnol pour qui le cinéma est le lieu de tous les possibles. " I l n'y a rien d'irréparable " proclame Fanny. Et c'est la morale de cette trilogie...

Si Pagnol n'avait jamais imaginé écrire une trilogie et si trois réalisateurs se sont succédés derrière la caméra, on est frappé par l'unité de ces trois films. Elle tient à l'univers de l'auteur, aux personnages qui prennent vie (joués le plus souvent par les mêmes acteurs) mais surtout à la vision de Pagnol. L'écrivain-réalisateur a compris dès Marius les possibilités du parlant. Le réalisme de ses décors et de ses acteurs, la vérité de ses situations et la franchise avec laquelle Pagnol dépeint les us et coutumes de Marseille, font que cette " trilogie " a parfois été vue comme l'annonce du néo-réalisme italien. Ce qui est certain, c'est que les films ont su s'affranchir du genre " théâtre filmé " pour devenir de vrais prototypes cinéma, vivants et truculents. D'ailleurs, leur héritage s'est répandu sur toute la planète, jusqu'à nos jours. Au Japon, Marius fut l'objet de trois remakes ; en 1954, la comédie musicale de Broadway Fanny adaptera l'ensemble de la " trilogie marseillaise " - avant d'être portée au cinéma en 1961, sans numéros musicaux mais avec Maurice Chevalier. De nos jours, en France, après son remake de La fille du puisatier en 2011, Daniel Auteuil tourna ses versions de Marius et Fanny en 2013 et 2015. On attend toujours son César pour achever la trilogie, mais c'est bien la preuve que l'héritage de Pagnol est toujours vivant et actuel.

# data[].attributes.attachment_link.title
L'histoire de la trilogie marseillaise de Marcel Pagnol

# data[].attributes.attachment_link.description
" Retour sur la naissance de Marius, Fanny et César, trois films ressortis au cinéma, en versions restaurées, ce mercredi 10 juillet. Retrouvez l'ensemble des actualités sur le cinéma publiées par le CNC : décryptages, métiers, entretiens, portraits, chiffres clés, sorties en salles.

# data[].attributes.headline
Mouvement du quotidien : la danse marchée

# data[].attributes.subject
Mouvement du quotidien : la danse marchée

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Œuvre musicale où la marche dansée prend vie au rythme du blues, "Exit Above" de la célèbre chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker, interprète ce mouvement pratiqué au quotidien au Théâtre de la Ville après un passage remarqué au Festival d'Avignon.

Temps de lecture : 2 min

Les danseurs de la compagnie de la chorégraphe et danseuse Anne Teresa De Keersmaeker, "Rosas", lors du spectacle "Exit Above" au 77e Festival d'Avignon. (CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE)

Sur le sol de la scène, de grandes lignes géométriques bleues, mauves, vertes ou jaunes se croisent et forment des triangles et des arcs de cercle dans un grand gribouillis. Après une présentation à succès au Festival d'Avignon 2023, la chorégraphe Anna Teresa De Keersmaeker poursuit la tournée de son spectacle Exit Above au Théâtre de la Ville du 25 au 31 octobre.

Marcher, la liberté

Trois danseurs font leur entrée depuis une porte en fond de scène. Un extrait de Sur le concept d'histoire de Walter Benjamin est récité, alors qu'un danseur se lance dans un solo au milieu de la scène qui laisse la pleine expression à ses bras, mélange de danse contemporaine et de voguing. Il est accompagné par une guitare acoustique aux notes délicates. "Je pars marcher et moi, oh moi, j'avance." La scène plonge dans le noir. Une bâche en plastique transparent d'une grande légèreté s'envole. La scène est irréelle, extraterrestre. Cette matière fluide comme du plasma ou de l'eau, danse au-dessus du performeur sous une lumière incandescente, au rythme du vent.

Une danseuse de la compagnie de la chorégraphe et danseuse Anne Teresa De Keersmaeker, "Rosas", lors du spectacle "Exit Above" au 77e Festival d'Avignon. (CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE)

Des silhouettes, qui observaient la scène dans le noir comme des fantômes, font leur entrée en marchant à l'unisson. "Je mets mon pied gauche devant mon pied droit, devant mon pied gauche et j'avance." Le groupe de 13 danseurs multiplie les allers-retours comme des mannequins, et pose au bout du catwalk les yeux fixés vers le public. Anne Teresa De Keersmaeker joue sur les silences mais aussi sur les lignes des corps et celles laissées à même le sol. Les danseurs foulent ainsi celles qui sont tracées sur scène, comme s'ils en étaient les auteurs. Cependant, les moments de marche continuent au risque de devenir répétitifs, longs et ennuyeux. Les passages en musique sont entraînants et laissent éclater la liberté des danseurs qui lâchent prise. Ils laissent la musique parcourir leur corps sans retenue comme des toupies lâchées à toute allure dans des jupons légers aux inspirations futuristes.

La tempête

Les danses du spectacle laissent exprimer des émotions de la vie quotidienne, souvent refoulées à cause des mœurs ou des convenances en société. Dans Exit Above, ces sentiments sont dévorants, incontrôlables. La fureur s'empare du spectacle. C'est la tempête. "Vengeance ! Marchons ! Cherchons, brûlons, incendions, tuons, égorgeons !" La lumière devient rouge, des flammes apparaissent furtivement dans le noir. Des duels effrénés ont lieu. Et après la tempête vient irrémédiablement le calme.

Les morceaux de musique chantés par Meskerem Mees, une compositrice et interprète d'origine éthiopienne à la voix d'or, sont si clairs et justes qu'on croirait une bande enregistrée. " Il y a dans la danse le désir de dépasser la gravité, de transformer la marche en course, non sans l'espoir de s'envoler", racontait Anne Teresa De Keersmaeker dans un entretien donné au Festival d'Avignon en janvier. Une envolée entre danse et musique qui promet de séduire un public déjà conquis.
"Exit Above" du 25 au 31 octobre au Théâtre de la Ville - Sarah Bernhardt, pour le Festival d'Automne à Paris

# data[].attributes.attachment_link.title
Anne Teresa De Keersmaeker défie la gravité avec une danse marchée dans "Exit Above" au Théâtre de la Ville

# data[].attributes.attachment_link.description
Œuvre musicale où la marche dansée prend vie au rythme du blues, "Exit Above" de la célèbre chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker, interprète ce mouvement pratiqué au quotidien au Théâtre de la Ville après un passage remarqué au Festival d'Avignon.

# data[].attributes.headline
La minute du spectateur - Anne Teresa De Keersmaeker 

# data[].attributes.subject
La minute du spectateur - Anne Teresa De Keersmaeker 

# data[].attributes.attachment_link.title
Minute du spectateur - Anne Teresa De Keersmaeker - Maison de la Danse Lyon

# data[].attributes.headline
Entrez dans l'univers de Dario Fo et Franca Rame

# data[].attributes.subject
Entrez dans l'univers de Dario Fo et Franca Rame

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Cela remonte à assez loin. J'assistais à un spectacle, il y a quelques années à Istanbul, dans lequel a soudain jailli un groupe d'hommes se livrant à une sorte de danse traditionnelle, complètement effrénée, avant de disparaître aussitôt. Je suis resté bouche bée, dans un état émotionnel intense qui n'a rien à voir avec les émotions que je ressens habituellement au théâtre. Il s'agissait d'une sensation beaucoup plus brute, archaïque. Celle-ci s'est très vite évaporée, mais je porte encore le souvenir de cet état, qui ressurgit régulièrement dans des situations du quotidien. Je l'ai depuis inventé, surinventé. Cela a créé quelque chose en moi, une petite faille, qui se rouvre désormais souvent. Je me retrouve dans des situations comme des mariages où des groupes d'hommes se mettent à danser et je me dis : "C'est exactement ça!" De fil en aiguille, j'ai eu envie de questionner cette sensation : qu'a pu provoquer en moi cette puissance masculine de groupe, que je n'aime pourtant pas spécialement sur un plateau. Sur scène, je n'aime pas montrer des corps glorieux, je préfère les corps abandonnés, fragiles, se fragilisant. Je me suis retrouvé face à un paradoxe et, par conséquent, avec l'embryon d'un projet. Pour moi, chaque projet commence par un paradoxe.
Votre dernière pièce était un solo pour un danseur turc, Kerem Gelebek. Existe-t-il un lien entre les deux spectacles?
Cet événement à Istanbul a constitué un starter, qui a réveillé autre chose. Le fait que cela se soit déroulé à Istanbul n'est pas anodin. Il s'agit d'une destination qui m'attirait beaucoup, où j'aurais sans doute pu vivre comme j'ai vécu à Lisbonne, il y a vingt ans. Cela m'a plongé dans un questionnement sur le souvenir et l'ailleurs et, bien malgré moi, sur la Méditerranée, qui fait écho à mon histoire personnelle, puisque j'ai une famille italo-espagnole née au Maroc. Cette histoire intime n'a jamais été un thème, mais elle ressurgit régulièrement : peut-être suis-je en train de chercher, de reconstituer un territoire qui serait le mien, alors même que je ne le connais pas. Si je crée des spectacles, c'est que je me cherche un territoire. Afin d'amorcer le travail sur la pièce, je suis parti avec Kerem Gelebek à Istanbul. Nous avons observé des danses traditionnelles, de clans, nous les avons expérimentées. J'ai très envie de réfléchir à des motifs dansés et j'ai demandé à Kerem d'être le réceptacle de cette banque de données que nous avons constituée, qu'il soit le porteur d'une matrice à donner aux autres. Je tenais à ce que tous les interprètes commencent la création avec un bagage commun, ce que je fais rarement. Bien que nous ayons effectué ce temps de recherche ensemble, Kerem aura le même statut que les autres interprètes sur le plateau.
Qui sont les interprètes de D'après une histoire vraie?
Pour cette pièce, je souhaitais travailler avec des gens que je ne connaissais pas. C'est la raison pour laquelle j'ai organisé des auditions. Je voulais vraiment changer mes habitudes, rencontrer de nouveaux interprètes. Depuis Le Bénéfice du doute et le solo pour Kerem, Sakinan Göze Çop Batar, je me méfie des habitudes. J'ai le sentiment que, désormais, les choses sont devant moi. La majorité des danseurs de D'après une histoire vraie, sont originaires de pays du pourtour méditerranéen. Il n'y a que des hommes, choisis au regard de petites choses. Je suis très parieur. J'aime beaucoup travailler avec des gens que je n'ai jamais vu danser ; cela me permet de ne pas avoir de projection sur eux. Dans l'annonce de l'audition, j'avais simplement mentionné que la pratique de danses folkloriques était bienvenue.
Quelle place donnez-vous à la musique dans cette création?
Mon folklore à moi, c'est le rock. Pendant les répétitions, nous parlons beaucoup de rock, du tribal rock, du headbanging, cette danse qui repose sur de violents mouvements de tête telle qu'on peut la voir dans les concerts de hard rock. Les huit danseurs sont accompagnés sur scène par deux batteurs, Didier Ambact et King Q4, qui parlent la même langue musicale que moi. Nous avons, par exemple, évoqué ensemble un groupe de rock expérimental, les Swans, qui avaient deux batteurs. La question de la transe m'intéresse beaucoup, dans sa dimension rock, mais aussi son traitement par la musique sérielle. La musique du spectacle est en train de s'écrire, elle procède d'inspirations qui pourraient être antagonistes, telles que "Steve Reich fait du dub" ou "Un groupe de hardcore fait de la musique liturgique". Je suis à ce croisement-là. Derrière la question folklorique, ce sont les constances entre toutes les danses qui m'intéressent. Pour des danses minimales sur du djembé, on parle de danse folklorique, alors que par exemple, sur du Steve Reich, elles pourraient être associées à de la danse postmoderne américaine. Le cadre, le point de vue, donnent ou non de la validité aux formes et les rangent dans des catégories telles que "populaires" ou "avant-gardistes". La question de ces catégories m'agace beaucoup. Je trouve intéressant, dans ce projet, de complètement et constamment déplacer le cadre, le curseur. Musicalement, j'ai toujours travaillé avec des choses très populaires. Il n'y a rien d'avant-gardiste ou d'élitiste à montrer un corps fragile qui se bat simplement avec l'espace pour tenir debout.
La danse semble très présente lorsque vous évoquez la pièce...
C'est en effet une pièce dansée. Depuis Le Bénéfice du doute, où les objets étaient relégués en hauteur pour dégager le plateau, la danse est l'enjeu central de mon travail. Cette fois, il est fort possible qu'il n'y ait aucun décor, mis à part les deux batteurs face à face. Je ne pars qu'avec des corps et des principes chorégraphiques. J'ai envie d'une danse tellurique, qui creuse le sol en même temps qu'elle cherche l'élévation. Une double spirale qui monte et descend, qui creuse et s'élève. Une danse qui tente de résoudre la question de la gravité, de la chute, non pas en se battant contre, mais en l'acceptant. La question de l'être ensemble est centrale. Les danses à partir desquelles nous avons travaillé sont empruntées au populaire, au sens où elles sont partagées, appropriées par tous. Elles sont avant tout le socle pour une écriture abstraite. La virtuosité ou la performance ne m'intéressent pas : il ne s'agit pas d'éblouir avec des danses du ventre ou de derviches tourneurs. Ce que je cherche avant tout, c'est créer du lien. Je vois des rondes, des choses très tenues, main dans la main, pour avancer. Le Bénéfice du doute s'achevait sur une danse folklorique interprétée sur une musique techno assez dure. De nombreux spectateurs y ont vu une danse de leur pays : les Bretons de la danse bretonne, les Basques de la danse basque, les Grecs un sirtaki délirant. Il y a toujours dans ces danses des mouvements, extrêmement archaïques, qui réunissent à coup sûr : taper des pieds, lever les bras en l'air, joindre les mains, tourner. L'écriture appartient à une culture, mais le mouvement non. Peut-on inventer une danse folklorique qui ne revendique aucune culture précise, qui ne peut exister que sur un plateau? Je crois que ce sont là les questions importantes que je me pose actuellement.
La Méditerranée est au coeur de nombreux enjeux géopolitiques et de l'actualité. Cela traverse-t-il votre pièce?
J'en suis conscient, je m'interroge beaucoup sur les révolutions arabes, sur les rapports entre l'Europe et la Méditerranée, mais cela n'a rien à voir avec cette pièce. Celle-ci répond à un désir, à ce que j'ai envie d'expérimenter aujourd'hui : tout simplement ces huit hommes, les deux batteurs et moi qui les réunis. Comme souvent, je pense que le résultat de ce travail sera un solo incarné par huit personnes. Je cherche avec eux ma propre façon de dire "je". Je travaille comme on écrit un journal, au fur et à mesure. Ce qui fait acte et sens, ce n'est pas tellement ce qui est écrit chaque jour, mais l'ensemble. Je sens que je vais trouver avec eux les vraies raisons de mon excitation dans ce projet.

# data[].attributes.attachment_link.title
Entretien avec Christian Rizzo - D’après une histoire vraie - Christian Rizzo, - 4 Christian Rizzo,

# data[].attributes.attachment_link.description
@thnet entretien, christian, rizzo, histoire, vraie, theatre, contemporain, net, culture, théâtre, spectacle, planches, scène, art, dramatique, comédie, tragédie, vaudeville, lieu, cadre, arène, boulevard, compagnie, auteur, éditeur, édition, actualité, date, représentation, pièce, oeuvre

# data[].attributes.headline
Immersion au coeur de l'univers de la compagnie Gandini Juggling

# data[].attributes.subject
Immersion au coeur de l'univers de la compagnie Gandini Juggling

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Quand la caméra filme une femme comme un objet sexuel, on parle de male gaze. Mais ça marche aussi pour les mangas, les séries, les jeux vidéo, la publicité... En quoi et pourquoi c'est un problème ? Stéréotypes de genre, normes patriarcales, on t'explique tout ça.
Male gaze, de quoi on parle ?

On peut dire que ce qui caractérise une création (visuelle ou pas), c'est de proposer un regard sur le monde. Mais, il se trouve que ce regard est bien souvent posé sur des femmes par des hommes hétérosexuels ... et c'est loin d'être neutre ! Ce regard masculin, présent dans l'industrie cinématographique, peut limiter la représentation des femmes à des rôles passifs ou sexualisés.

C'est ce qu'on appelle le male gaze ou " regard masculin " en français, et il est partout : dans les tableaux, les photographies, dans la littérature, et bien sûr dans les séries et les films. On a toutes et tous en tête le langoureux mouvement de caméra, qui balaie un personnage féminin des pieds à la tête pour faire admirer la plastique de l'actrice. Ou encore les formes généreuses et le micro short de Lara Croft dans Tomb Raider ou les bottes et le maillot de bain sans bretelle de Wonder Woman, qui n'ont pas grand-chose à voir avec ses super pouvoirs. On imaginerait mal Superman dans un costume aussi échancré... Il est essentiel de déconstruire le "male gaze" pour une meilleure représentation des femmes dans les médias et une société plus égalitaire.

Un vieux concept ancré dans l'industrie cinématographique

Le concept du male gaze a été théorisé dans l'essai Plaisir visuel et cinéma narratif en 1975 par Laura Mulvey, une réalisatrice britannique et militante féministe du Women's Mouvement. Elle adorait les films américains en noir et blanc avec Marilyn Monroe, Marlène Dietrich et Humphrey Bogart. Dans ces films, une chose est claire : l'homme regarde, la femme est regardée.

Le mouvement de la caméra guide le regard des spectateurs et spectatrices pour leur montrer des personnages masculins qui agissent et sont au centre de l'intrigue, et des personnages féminins qui sont des objets de désir, qui subissent les choses sans avoir réellement leur mot à dire. Ce concept a influencé les critiques féministes du cinéma. Il est utilisé aujourd'hui pour analyser (et critiquer !) la culture visuelle, les mangas, la publicité, etc. Il permet de déconstruire les codes patriarcaux et de proposer une représentation plus juste et plus inclusive des femmes.

Le problème ? La banalisation du sexisme et de la sexualisation de la femme à l'écran

En questionnant le "male gaze", nous remettons en cause les normes patriarcales qui façonnent nos sociétés et les représentations genrées dans l'industrie cinématographique. Prendre conscience du male gaze, et l'interroger, ça revient à réfléchir aux représentations culturelles qui nous entourent. Car un des problèmes avec le male gaze, ce n'est pas tant qu'il existe mais c'est surtout qu' il est omniprésent. On ne le retrouve pas que dans les grosses productions américaines, mais un peu partout dans le monde.

Bollywood a une longue histoire de glorification de ses héros masculins (qui frôlent souvent la masculinité toxique, comme cela a pu être reproché aux personnages de Kabir Singh) tout en reléguant les personnages féminins à des rôles de second plan uniquement destinés à alimenter l'intrigue amoureuse. De nombreux films s'attachent à donner le ton des formes de masculinité jugées " acceptables " dans la société et de celles qui sont méprisées. En déconstruisant les stéréotypes de genre et en exigeant des personnages féminins complexes et multidimensionnels, nous pouvons contribuer à l'émergence d'une culture visuelle plus inclusive et égalitaire.

Dans beaucoup de cas, le male gaze participe aussi à la banalisation des violences faites aux femmes et glamourise des comportements masculins qui sont en réalité des comportements de prédateur. De nombreuses histoires d'amour dans la culture visuelle sont construites sur un modèle qui ne s'attarde pas vraiment sur la notion de consentement. Dans Stars War, Han Solo (Harrison Ford) fait, à neuf reprises, des avances très directes à la princesse Leia (Carrie Fisher), avant de l'embrasser de force.

L'émergence du female gaze

Une façon de lutter contre le male gaze c'est aussi que plus de femmes puissent réaliser des films, et ainsi proposer un autre regard sur le monde et sur leurs personnages. Ça s'appelle le female gaze, et ça existe. Ce regard féminin, porté par des réalisatrices et des créatrices, vise à déconstruire ces codes patriarcaux et à offrir une représentation plus complexe et subjective des femmes à l'écran. Il ne s'agit pas simplement d'inverser les stéréotypes de genre et de reproduire les mêmes schémas avec un regard féminin. Le "female gaze" permet de donner aux femmes une voix et une agence dans l'histoire, de les montrer comme des sujets à part entière, dotés de désirs, de motivations et de complexités psychologiques. Tout comme les hommes finalement !

Il y a de nombreux exemples à travers le monde, que ce soit le film récent " Annie colère " sur le droit à l'avortement en France, ou encore à Bollywood. En Inde, des films réalisés par des femmes comme English Vinglish (2012), Margarita with a Straw (2014), Angry Indian Goddesses (2015), Nil Battey Sannata (2015), Lipstick Under My Burkha (2016), et d'autres ont connu un vaste succès commercial ces dernières années, et ont été appréciés pour leur approche sensible et créative. Petit plus : les protagonistes passent toutes le test de Bechdel, choisissant de se concentrer sur des questions qui ont un impact sur leur vie et l'améliorent, au lieu de centrer leurs conversations sur le sexe opposé.

Un autre exemple, cette fois dans le cinéma libanais et égyptien, est le film Dunia (2006), dans lequel la réalisatrice libanaise Jocelyne Saab crée une image novatrice de la danseuse orientale comme sujet de désir s'écartant du modèle fantasmé vu et revu dans de nombreux films auparavant. Elle retire le voyeurisme masculin et réussit à représenter un corps féminin sexuel mais non sexualisé. Cet exemple met en lumière la capacité du cinéma à déconstruire le regard masculin traditionnellement porté sur le corps féminin, offrant ainsi une représentation alternative qui échappe à l'objectification et à la sexualisation habituelle que tu peux voir à la télé, dans tes séries ou encore sur les réseaux sociaux.

Côté photographie, de nombreuses femmes artistes africaines ont émergé depuis les années 1990, telles que Yto Barrada, Jodi Bieber, Zanele Muholi, Lebohang Kganye, Grace Ndiritu, Nontsikelolo "Lolo" Veleko, Sue Williamson et Mimi Cherono Ng'ok. Explorant un large éventail de sujets, qui vont des questions de féminisme, d'homosexualité et de genre à l'histoire, la migration, la mémoire et la perte, nombre des œuvres réalisées par ces artistes remettent en question les conceptions conventionnelles de la représentation photographique des femmes africaines. Leurs œuvres questionnent les normes patriarcales et les codes visuels hérités du colonialisme. Elles proposent une nouvelle perspective sur l'identité féminine africaine. En s'appropriant le regard et la narration, ces femmes photographes africaines contribuent à une meilleure représentation d'elles-mêmes et de leurs communautés.

# data[].attributes.attachment_link.title
Le male gaze, c'est quoi ? On t'explique tout : définition et enjeux. | Tilt

# data[].attributes.attachment_link.description
Quand la caméra filme une femme comme un objet sexuel, on parle de male gaze. Mais ça marche aussi pour les mangas, les séries, les jeux vidéo, la publicité... En quoi et pourquoi c'est un problème ? Stéréotypes de genre, normes patriarcales, on t'explique tout ça. Male gaze, de quoi on parle ?

# data[].attributes.headline
Le phénomène mystérieux des murmurations

# data[].attributes.subject
Le phénomène mystérieux des murmurations

# data[].attributes.body
Murmuration: phénomène de rassemblement qui se produit lorsque plusieurs centaines, voire plusieurs milliers d'individus forment un incroyable nuage opaque dans le ciel

# data[].attributes.attachment_link.title
Möbius - Compagnie XY, Rachid Ouramdane // la Scène nationale d'Orléans

# data[].attributes.headline
Les Héroïdes, lettres et plaintes amoureuses dans la langue d'Ovide...

# data[].attributes.subject
Les Héroïdes, lettres et plaintes amoureuses dans la langue d'Ovide...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Oeuvre de jeunesse, , ou Heroidum Epistulae, se composent de quinze lettres dont l'authenticité est attestée et de six autres qui posent problème aux spécialistes du grand poète latin Ovide (43 av. J.-C. - 17 ou 18 ap. J.-C.) Il faut dire qu'elles furent écrites des années plus tard et certaines sont attribuées à des hommes - or, l'Héroïde est censée être une lettre d'une héroïne mythologique se plaignant de l'absence ou de l'indifférence de l'être aimé. Il n'en reste pas moins que toutes ces épistules ovidiennes ont en commun d'évoquer l'amour malheureux, le sentiment de solitude et d'abandon. Dans sa traduction (Babel / Actes Sud, 2022), Danièle Robert s'est efforcée de rendre cette note tragique en donnant voix aux "femmes délaissées, trahies, abandonnées, toutes victimes de l'inconstance masculine, (qui) passent de la soumission à la révolte, des menaces aux supplications".
Une émission en partenariat avec La Croix L'Hebdo
Retrouvez la rubrique "Un poème pour la route" de Stéphane Bataillon chaque vendredi dans La Croix L'Hebdo et sur https://poesie.blogs.la-croix.com/

# data[].attributes.attachment_link.description
Pénélope à Ulysse, Briséis à Achille, Phèdre à Hippolyte, Didon à Enée, Ariane à Thésée, aujourd'hui lettres et plaintes amoureuses dans la langue d'Ovide...

# data[].attributes.headline
Les grandes réformes durant le mandat de Valéry Giscard d'Estaing

# data[].attributes.subject
Les grandes réformes durant le mandat de Valéry Giscard d'Estaing

# data[].attributes.attachment_link.title
Les grandes réformes que la France doit au président Valéry Giscard d'Estaing

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les artistes coréens gagnent de plus en plus le devant de la scène internationale, confirmant la vitalité créative du pays. C'est notamment le cas d'Ambiguous Dance Company, fondée par Boram Kim, qui présente depuis 2010 Body Concert, à Séoul tout d'abord puis dans le monde entier, sans que le succès de cette pièce ne se démente. Entre farce et clins d'œil, cette pièce jubilatoire pour sept danseurs propose d'abolir les frontières entre les genres chorégraphiques. Empruntant aussi bien au ballet classique, au hip hop, à la danse contemporaine ou aux raves techno, Body Concert invite à une relecture de l'histoire chorégraphique sans se prendre au sérieux mais sans rien céder non plus à la qualité de l'interprétation. Avec un vrai sens du show et une énergie folle, cette compagnie sait faire preuve de pédagogie et ravir aussi bien les amateurs éclairés que le grand public. Un spectacle qui rappelle que la danse est une fête !

# data[].attributes.attachment_link.description
Les artistes coréens gagnent de plus en plus le devant de la scène internationale, confirmant la vitalité créative du pays. C'est notamment le cas d'Ambiguous Dance Company, fondée par Boram Kim, qui présente depuis 2010 Body Concert, à Séoul tout d'abord puis dans le monde entier, sans que le succès de cette pièce ne se démente.

# data[].attributes.headline
Dossier de présentation de "Rencontre avec Michel B."

# data[].attributes.subject
Dossier de présentation de "Rencontre avec Michel B."

# data[].attributes.attachment_link.title
dossier artistique STARTING-BLOCK - dec 2023_compressed

# data[].attributes.attachment_link.title
Body Concert_Ambiguous Dance Company_Dossier 2023 VF

# data[].attributes.headline
Dossier de présentation de Entre Chiens et Louves

# data[].attributes.subject
Dossier de présentation de Entre Chiens et Louves

# data[].attributes.attachment_link.title
Cirque Le Roux - Entre chiens et louves - Dossier de présentation

# data[].attributes.headline
Dossier pédagogique de Corps Sonores (Juniors)

# data[].attributes.subject
Dossier pédagogique de Corps Sonores (Juniors)

# data[].attributes.attachment_link.title
Corps Sonores Juniors dossier pédagogique

# data[].attributes.headline
Dossier pédagogique de La Fabuleuse histoire de BasarKus

# data[].attributes.subject
Dossier pédagogique de La Fabuleuse histoire de BasarKus

# data[].attributes.headline
Dossier pédagogique du spectacle Les Héroïdes

# data[].attributes.subject
Dossier pédagogique du spectacle Les Héroïdes

# data[].attributes.attachment_link.title
les-héroïdes dossier pédagogique équinoxe 

# data[].attributes.headline
Dossier artistique de Géologie d'une fable

# data[].attributes.subject
Dossier artistique de Géologie d'une fable

# data[].attributes.headline
Dossier artistique de la saga théâtrale Huit Rois (Nos présidents) !

# data[].attributes.subject
Dossier artistique de la saga théâtrale Huit Rois (Nos présidents) !

# data[].attributes.headline
Dossier artistique de Beaucoup de Bruit pour Rien

# data[].attributes.subject
Dossier artistique de Beaucoup de Bruit pour Rien