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En 2015 se cumplen 120 años de la invención del cine. Este video es un homenaje al nacimiento de la "fábrica de los sueños".

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On the 28th of December, 2015, it will be 120 years since the Lumiérè brothers screened first commercial film images. So, we can say that that occasion was the beginning of movie theaters, the birth of the most emblematic location for all of us who love cinema.

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En 1903 Edwin S. Porter rodó Asalto y Robo de un Tren. En 12 planos y 10 minutos narra una historia completa.

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Asalto y robo de un tren - The Great Train Robbery ( 1903 )

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S.M. Eisenstein: Sus aportaciones al lenguaje cinematográfico, sobre todo en lo referente al montaje, son fundamentales.

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Carteles de los principales films de Eisenstein

Valor Social y Político de su obra

La obra de Sergei M. Eisenstein (1898-1948) va ligada a los diferentes conflictos bélicos y revolucionarios que marcaron su biografía. Así se define toda su obra, enmarcada entre el resurgimiento obrero narrado en La huelga (1924), su primera obra, y la agitada vida del zar Iván IV, narrada en las dos partes de Iván el Terrible (, 1943-1945).

Entre ambas obras Eisenstein realizó El acorazado Potemkin (1925), (1927) -ambas sobre los conflictos revolucionarios rusos-, La línea general ( Generalnaïa Linïa, 1929) -rebautizada como Lo viejo y lo nuevo -, sobre las ventajas de la colectivización agraria, ( Da zdravstvuyet Meksika! , 1931), obra inacabada sobre la revolución mexicana y Alexander Nevski ( Aleksandr Nevskiy , 1938), una epopeya sobre el príncipe ruso que se opuso a la invasión de las tropas teutonas en el siglo XIII, pero además dejó algunos proyectos inconclusos como La pradera de Bejín.

El componente político de sus películas, realizadas para la propaganda oficial, demuestra la importancia que concedieron al cine, por primera vez en la historia, los mandatarios de un régimen. En una época en la que la mayor parte de la población era analfabeta, las autoridades soviéticas querían difundir una filmografía nacional que generase una conciencia colectiva acorde con sus planteamientos. Una circunstancia inherente al cine desde sus inicios y que jamás abandonaría ya.

Fotgramas de ¡Qué viva México!

Valor Cinematográfico de su obra

La obra de Eisenstein es esencial por sus inimitables aportaciones al lenguaje, especialmente las derivadas de su peculiar uso del montaje. Eisenstein, planteó las combinaciones de planos como conflictos que generasen respuestas emocionales en el espectador (montaje de choque). Una vez conseguido el choque emocional, se producía la sensibilización hacia el problema tratado. Es lo que bautizó con el nombre de "montaje de atracciones", y que puso en práctica desde su primera obra, . Al final de la película, en la que los huelguistas son reprimidos por las fuerzas zaristas, Eisenstein introdujo los planos de unas reses sacrificadas en el matadero. Con esta metáfora visual, que no guarda ninguna relación con el universo ficcional de la película, Eisenstein rompía la narración para establecer una comparación entre los huelguistas y las vacas: todos son víctimas inocentes de una masacre.

Fotogramas de Acorazado Potemkin, Octubre y La línea general

Al año siguiente, en El acorazado Potemkin , Eisenstein volvía a retratar una rebelión popular, en este caso la llevada a cabo por los marineros de un acorazado contra su oficialidad. En su escena más famosa, la de la escalinata de Odesa, el director soviético volvió a hacer gala de una maestría única en el empleo del montaje. La secuencia narra el abatimiento a tiros de los habitantes de Odesa, en su intento de subir las escaleras que dan acceso al palacio gubernamental. Los 170 planos de la secuencia la alargan hasta seis minutos, dilatando el tiempo real de la escena, y demostrando hábilmente la capacidad del montaje para crear el tiempo cinematográfico. La película, que contiene también empleos muy sutiles en la combinación de planos, dio a conocer a su autor en todo el mundo, aunque fue prohibida en muchos países por su contenido revolucionario.

En Eisenstein recuperó lo más experimental de su repertorio narrativo: montaje de atracciones, inversiones del tiempo, angulaciones forzadas.... La película, basada en el relato Diez días que conmovieron al mundo del norteamericano John Reed, rememora los acontecimientos revolucionarios de 1917. En una secuencia de la película, que narra el ascenso de Kerenski al poder, Eisenstein vuelve a romper la narración, comparando al gobernante con Napoleón y con un pavo real, y sugiere, a base de sutiles combinaciones de planos, la incapacidad para gobernar del dirigente socialrevolucionario.

A partir de estas películas, Eisenstein recuperó un pulso narrativo más convencional, aunque todas sus obras siguen mostrando su original capacidad narrativa. Capacidad que se hace extensible al empleo de la composición en el plano, de los encuadres, la iluminación, e incluso en la utilización del color y del sonido, con el que pudo experimentar sus teorías de contrapunto sonoro en sus últimos filmes.

Eisenstein es uno de los pocos directores en la historia del cine que, partiendo de la influencia que recibió de las películas de Griffith, fue capaz de plantear un lenguaje alternativo al del cine americano, una propuesta más compleja e intelectual. Definió cinco tipos diferentes de montaje (métrico, rítmico, tonal, sobretonal e intelectual) y propuso combinaciones de planos basadas en los ideogramas chinos, es decir la suma de dos planos no relacionados crean una metáfora o concepto nuevo.

La complejidad de su planteamiento dio como resultado filmes no siempre de fácil comprensión para el espectador medio, que difícilmente podía asumir toda la riqueza narrativa de sus propuestas. Se puede observar un ejemplo acudiendo a las explicaciones del propio Eisenstein, sobre la secuencia citada anteriormente de :

"Vamos a examinar la ascensión de Kerenski al poder y la dictadura tras la sublevación de julio de 1917. Los subtítulos indicando sus sucesivos nombramientos ("Dictador", "Generalísimo", "Ministro del ejército y de la marina", etc...), dan una nota cómica, intercalados con los cinco o seis planos de Kerenski subiendo las escaleras del Palacio de Invierno, todos exactamente de la misma duración. Aquí se plantea un conflicto entre la hueca adulación de las denominaciones y el paso monótono con que el personaje sube por unas escaleras siempre iguales. Consecuencia intelectual: ridículo de la absoluta nulidad de Kerenski. Se crea un contrapunto entre la expresión literal y casi estadística de una idea, y la representación visual de una determinada persona, incapaz de cumplir obligaciones que aumentan sin cesar. La incongruencia de estos dos factores da lugar a una decisión puramente intelectual por parte del espectador, a expensas de esa persona determinada".

Son planteamientos difíciles de asumir en su totalidad por el público menos formado, especialmente si se compara con el realismo intuitivo de las propuestas de Griffith, que comprendemos mejor al haberlas asumido el cine comercial americano. Con todo, Eisenstein es uno de los directores más influyentes de la historia del cine, y muchas de sus propuestas han penetrado profundamente en el cine y ha inspirado a los grandes creadores posteriores. Pero, además, fue un excelente dibujante (sus miles de dibujos aún no han sido publicados en su totalidad), y un prolífico escritor y teórico. Hombre de enorme cultura y múltiples intereses, publicó tratados sobre temas tan dispares como las matemáticas chinas, la literatura francesa o la danza rusa.

Fotogramas de Iván el terrible

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Carteles de los principales films de Eisenstein Valor Social y Político de su obra La obra de Sergei M. Eisenstein (1898-1948) va ligada a los diferentes conflictos bélicos y revolucionarios que marcaron su biografía.

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Hotel Eléctrico (1905) del español Segundo de Chomón es una obra maestra del cine mudo.

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El hotel electrico Segundo de Chomon, 1905

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D.W. Griffith pretendía contar historias con imágenes como los grandes novelistas a los que conocía bien. Así creó el lenguaje cinematográfico.

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D.W. Griffith con Fairbanks, Pickford y Chaplin

Cuando David Wark Griffith (1875-1948) comenzó su producción de películas, el cine se encontra dando aún sus primeros pasos. Apenas habían transcurrido veinte años desde que los hermanos Lumière estrenaran su Tren llegando a la estación en el salón Indien de París. Y aunque las salas de exhibición se nutrían de un elevado número de pequeñas producciones, el cine no pasaba de ser considerado una atracción menor, un divertimento sin más valor en sí mismo. El reto entonces era proporcionarle una dimensión artística y comercial que pudiese ponerle al mismo nivel que otros espectáculos de la época. Griffith es el artífice en la consecución de estos objetivos.

Comenzó como actor en compañías de teatro e hizo sus pinitos como escritor antes de llegar al cine. Conoce bien el melodrama teatral y las novelas victorianas (Dickens) y naturalistas (Zola, Tolstoi) así como los recursos y trucos del teatro itinerante. Entre 1908 y 1912 rodó casi quinientas películas para la Biograph.

David Wark Griffith

En esas primeras obras se aprecia parte de estas innovaciones narrativas:

Los argumentos repiten el esquema de una familia burguesa amenazada por un peligro que acaba superándose para restablecer el orden.

Hace uso ya con cierto criterio de recursos como el flash-back y el acercamiento del punto de vista de la cámara a la acción (planos medios y primeros planos).

Utiliza la iluminación con fines dramáticos,panorámicas, Travellings,decorados naturales, fundidos, apertura y cierre de objetivo, ,sobreimpresiones, variadas formas de Raccord a través de objetos, miradas y gestos, con la colaboración inestimable de su operador de cámaraBilly Bitzer.

Los (recortes en negro dentro del plano) y los desenfoques creativos.

El uso intencional de la profundidad de campo.

Y la técnica del montaje paralelo, con la que hace coincidir dos acciones en pantalla, alternando a través del montaje de planos de cada una de ellas, hasta que finalmente ambas acciones confluyan en una acción única (generalmente el rescate de alguna víctima inocente). Consiguió tal perfeccionamiento en esta técnica que a partir de entoncés este tipo de montajes pasaron a conocerse como "salvamento en el último instante de Griffith" (Griffith´s Last Minute Rescue).

Griffith rodando y fotograma del El nacimiento de una nación

En 1915 dirigió El nacimiento de una nación ( The Birth of the Nation) considerada como el despegue del cine con relación al teatro filmado, debido fundamentalmente a que:

En ella Griffith consigue sistematizar y dar coherencia a todos los elementos narrativos que antes se habían utilizado de forma más o menos ocasional.

Construye un lenguaje propio, sólido y eficaz.

Fija unas convenciones que la gramática fílmica no perderá ya nunca.

Además, la película -que trata de la relación entre dos familias rivales en la Guerra de Secesión americana- sitúa al cine dentro del aparato industrial, por el alto presupuesto con el que contó el film (115.000 dólares de la época que sirvieron, entre otras cosas, para mover a más de 15.000 personas), por la insólita duración del film para la época (2 horas y 45 minutos) y porque su estreno llevó aparejado un espectacular éxito de público, aunque también fue causa de escándalos y críticas por su sesgo racista.

Un año más tarde dirigió Intolerancia () en la que colaboraron von Stroheim, Browning, Fleming...) donde tiró la casa por la ventana elevando el presupuesto a la increíble cantidad de dos millones de dólares (de 1916), que invirtió en colosales decorados y en la contratación de miles de extras. El argumento, basado en la intolerancia de la que ha hecho gala la humanidad a lo largo de los tiempos, se estructuró en cuatro episodios que recreaban distintas épocas y geografías. Para aglutinar la disparidad histórica de los cuatro episodios, Griffith introdujo un motivo poético que evocaba unos versos de Walt Whitman, "Endlessly rocks the Cradle/Uniter of here and hereafter".

Sin embargo, Intolerancia resultó un enorme fracaso comercial. Ni el público ni la crítica (salvo los directores rusos, a los que la película influyó notablemente algún tiempo después) se mostraron dispuestos a asumir con naturalidad los entresijos simbólicos de la nueva propuesta de Griffith. Visto desde hoy, sin embargo, el film reúne de nuevo lo mejor de su repertorio narrativo, con una eficacia tan contundente, sino más, que la mostrada en El nacimiento de una nación .

Griffith, como muchos otros directores, se lanzó a la aventura de crear sus propias productoras. Así, en 1915, participó junto a Ince y Sennett en la Triangle Pictures, que tuvo una vida muy corta.

Poco despues, en 1919, Griffith fundó junto a Douglas Fairbanks, Mary Pickford y Charles Chaplin, la productora United Artists (con lo que reivindicaba el status del director como estrella).

Fotogramas de Intolerancia y Lirios rotos

Sus siguientes largometrajes -entre los que destaca Lirios rotos ( Broken Blossoms, 1919)- tendrán cada vez menos éxito. En 1930 rodó su primer film sonoro, Abraham Lincoln ( D. W. Griffith's 'Abraham Lincoln). Totalmente arruinado, sus bienes fueron subastados en 1935 y sólo él mismo pujó por los derechos de sus películas.

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D.W. Griffith con Fairbanks, Pickford y Chaplin Cuando David Wark Griffith (1875-1948) comenzó su producción de películas, el cine se encontra dando aún sus primeros pasos. Apenas habían transcurrido veinte años desde que los hermanos Lumière estrenaran su Tren llegando a la estación en el salón Indien de París.

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El Cine mudo: era considerado el séptimo arte sus estrellas eran admiradas por millones de seguidores en el mundo. No era necesario doblar ni subtitular las películas. Terminó en 1927.

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Mientras el cine americano se decantaba por las incipientes grandes producciones históricas, románticas o aventureras y la comedia, en Europa , el cine se torna más realista y con un contenido más social.

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El cine se basa en principios físicos y biológicos de la visión humana.

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EL ojo humano presenta un fenmeno muy interesante, el de la persistencia. Si en un instante se coloca un objeto frente a los ojos y despus de cierto intervalo se retira de repente, el ojo tiene la sensacin de seguir viendo el objeto durante un tiempo muy corto, aun cuando ste ya no se encuentre frente al ojo; es decir, la visin del objeto persiste.

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Antecedentes del cine: Juguetes ópticos.

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En 1894 W.Dickson sincronizó el fonógrafo y el kinetoscopio, dos inventos de Edison. La sincronización completa no se logró hasta 1927 en la película The Jazz Singer.

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La película sonora experimental de William Dickson, en la que él mismo intervenía interpretando a un violinista, es un pequeño cortometraje de unos 17 segundos, en el que se sincroniza el fonógrafo con el quinetoscopio, ambos inventados por Thomas Edison, para lograr una filmación con sonido sincronizado, la primera de la historia de la cinematografía.

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Primera película musical (1924) rodada en EE UU y conservada en la biblioteca del Congreso de Washington. La actriz es la española Conchita Piquer, entonces estrella de Broadway. La sincronización ya estaba conseguida, pero hasta 1927 no se presentó en público una película sonora.

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Primera pelicula cantada en español. Conchita Piquer (1923)

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El 28 de diciembre de 1895 los hermanos Lumière presentaron su invento, el CINEMATÓGRAFO, con una proyección pública en el Salon Indien du Grand Café de Paris. El cine tal como lo conocemos estaba inventado

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Employees Leaving the Lumière Factory - La Sortie des usines Lumière à Lyon

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Workers Leaving The Lumière Factory in Lyon (also known as La Sortie des usines Lumière à Lyon (original title), Employees Leaving the Lumière Factory and Exiting the Factory (US titles) is an 1895 French short black-and-white silent documentary film directed and produced by Louis Lumière.

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PHOTOPEACH: Sencilla herramienta 2.0 para contar brevemente una historia con imágenes y textos. Puedes hacer el esbozo de una película con ella.

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Automatically make your own free slide show in seconds. Upload photos, pick music, add captions in the show, and more!

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Cine y Literatura: Felipe Oyarzo de la Universidad católica de Chile habla de la relación entre literatura y destacadas películas.

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Un breve documental acerca de la influencia y presencia de la literatura en el Cine. Trabajo propuesto por la profesora Maili Ow (PUC) y realizado por Felipe Oyarzo para la gran celebración del día del libro en Santiago de Chile.

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En 1894 Tomas Alva Edison patentó el KINETOSCOPIO que disputa a los Lumère y su CINEMATÓGRAFO la paternidad de El Cine.

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Pere Gimferrer: Cine y Literatura.

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Desde la Grecia clásica se conoce la cámara oscura. Hoy puedes verla en funcionamiento en Cádiz (Torre Tavira).

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La Cámara Oscura produce una imagen sobre una pantalla blanca curva horizontal, a modo de mesa, situada en el centro de una habitación totalmente oscurecida, pintada de negro.

La imagen proyectada es en color, muy luminosa y refleja lo que está teniendo lugar, en el exterior de la torre, en ese mismo instante (imágenes reales y en movimiento).

A causa de la larga distancia focal de las lentes principales, el resultado es un magnífico efecto óptico que hace que los objetos situados a mucha distancia parezcan bastante cercanos.

La pantalla sube y baja para poder enfocar las diferentes distancias. Las imágenes en la Cámara Oscura pueden girar hacia adelante y hacia atrás para visualizar las distintas partes del paisaje. Se puede ver por encima del horizonte a cierta distancia o por debajo de él para examinar detalles.

Las lentes principales de este instrumento óptico tienen un objetivo plano astronómico que se puede fabricar con un rango desde 4" (10,16 cm) a 12" (30,48 cm) de diámetro y con radios focales diseñados especialmente para cada edificio en particular.

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La Cámara Oscura produce una imagen sobre una pantalla blanca curva horizontal, a modo de mesa, situada en el centro de una habitación totalmente oscurecida, pintada de negro. La imagen proyectada es en color, muy luminosa y refleja lo que está teniendo lugar, en el exterior de la torre, en ese mismo instante (imágenes reales y en movimiento).

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Puedes visitar la cámara oscura de Cádiz o la que hay en el alcázar de Jerez. Mejor, hazte una ¿Te animas? Si sigues las instrucciones de Claudia y Lucía.

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Hoy en día vemos cámaras por todas partes, pero no siempre existieron. Sin embargo, tampoco son tan nuevas como pensamos... hace siglos que existen unos artilugios que funcionan de manera muy similar a las cámaras y que trataban de imitar la óptica de nuestros ojos. Hablamos de las cámaras oscuras.