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La recensione è un testo che analizza ed esprime giudizi su avvenimenti culturali (film, romanzi, libri, dischi, spettacoli teatrali, mostre di pittura...).
La recensione presenta dimensioni contenute, uno stile discorsivo e non troppo specialistico affinché il testo possa essere compreso da un lettore non esperto. Lo scopo di chi scrive non è soltanto quello di fornire informazioni al lettore su un avvenimento culturale, ma anche quello di spingerlo a condividere il suo punto di vista sull’evento.

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Il testo di solito è suddiviso in tre sezioni:

1) introduzione

2) interpretazione

3) valutazione.

Le illustrazioni, a volte inserite nel testo, rendono più accattivante la presentazione dell’opera e richiamano l’interesse del lettore.

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1.1 Notizie e informazioni sull’autore, sull’opera, sul contesto. Se si tratta della recensione di un film, occorre indicare i dati seguenti: il titolo, anche in lingua originale, l’anno di uscita, il nome e il cognome del regista e degli interpreti, la società e/o Paese di produzione, l’uso del colore o del b/n, la durata, il genere. Per esempio (si osservi anche il sistema di punteggiatura e il corsivo per i titoli): Prova a prendermi (Catch me if you can) di Steven Spielberg, con Tom Hanks, Leonardo Di Caprio; Usa 2002; Colore, 141’. Avventura.
Per la recensione di un libro si indicheranno: il nome e il cognome dell’autore, il titolo (ed eventuale sottotitolo), la casa editrice, la città, l’anno di edizione, il numero di pagine, il prezzo di vendita. Per esempio: Niccolò Ammaniti, Io non ho paura, Einaudi, Torino 2001, pp. 220, € 9,50.

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1.2 Analisi tematica e formale. Si specifica ciò di cui parla il testo e come esso ne parla (se si tratta di un film, si valuteranno la trama, i temi affrontati, il montaggio delle scene, i dialoghi, il modo di recitare degli attori; se si tratta di un romanzo si porrà attenzione alla trama, ai temi trattati, allo stile dell’autore), tralasciando indicazioni puntuali (come finisce il film, il romanzo, la commedia…) per sollecitare il lettore alla visione dello spettacolo o all’acquisto del libro.

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Si fornisce una visione soggettiva e critica del messaggio globale dell’opera, collocandola anche nella produzione generale del regista o dello scrittore.

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Si esprime un giudizio personale e critico sulla validità dell’opera e sui suoi elementi (originale, raffinato, difficile), basandosi sui propri gusti ma anche su argomenti oggettivi e convincenti.

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Recensione del film "Il Signore degli Anelli- La Trilogia"

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Eccomi qui a parlarvi di quello che, per me, è un vero capolavoro: la trilogia cinematografica de "Il Signore degli anelli".

Diviso in tre parti, "La compagnia dell'anello", "Le due Torri"e "Il ritorno del re", il romanzo di Tolkien ha avuto nella sua trasposizione cinematografica un momento di vero fulgore e la sua realizzazione è stato un vero atto d'amore del regista Peter Jackson, profondo amante di Tolkien. I tre film vennero girati contemporaneamente, in diversi set sparsi per la Nuova Zelanda e sono caratterizzati da un ampio utilizzo di effetti speciali assolutamente innovativi e di modellini e diorama, sviluppati interamente dalla Weta Digital e dalla Weta Workshop, società cinematografiche fondate da Peter Jackson stesso. La grafica computerizzata, in particolare, è stata molto usata, sia nelle piccole ambientazioni (ad esempio la creazione del personaggio di Gollum, interamente in CG e che risulta un ottimo primo esperimento di questo tipo) che nelle scene delle grandi battaglie, per quali sono state programmate migliaia di comparse digitali, in modo tale che avessero una discreta autosufficienza di movimento ed azione. Non starò qui a riportarvi la trama dell'opera per cui vi rimando QUI, all'articolo che abbiamo dedicato alla trilogia letteraria, ma daremo un rapido sguardo agli oscar vinti , ben 22, prima di descrivervi quali sensazioni hanno accompagnato la visione di questi film, visti prima al cinema, poi in dvd e, infine , in versione extended.

Alcuni fan hanno criticato questi film poiché contengono delle alterazioni della storia originale e, a detta di questi, hanno un tono un po' diverso dalla narrazione del romanzo e dalla visione originale di Tolkien; è comunque riconosciuto dai più alla produzione di aver raggiunto grandissimi risultati. Restare completamente fedeli al romanzo avrebbe reso impossibile un buon risultato cinematografico.

"La compagnia dell'anello" Il primo capitolo della saga ha vinto 4 Oscar su 13 Nomination e il premio BAFTA al miglior film del 2002.

Questi gli Oscar: Oscar per la miglior fotografia Oscar per il miglior trucco (a Peter Owen) Oscar per la miglior colonna sonora originale Oscar per i migliori effetti speciali

Voce fuori campo [Galadriel]: I amar prestar aen. Il mondo è cambiato. Han mathon ne nen. Lo sento nell'acqua. Han mathon ne chae. Lo sento nella terra. A han noston ned 'wilith. Lo avverto nell'aria. Molto di ciò che era, si è perduto perché ora non vive nessuno che lo ricorda. Tutto ebbe inizio con la forgiatura dei grandi Anelli. Tre furono dati agli elfi, gli esseri immortali più saggi e leali di tutti. Sette ai re dei nani, grandi minatori e costruttori di città nelle montagne. E nove, nove Anelli furono dati alla razza degli uomini che, più di qualunque cosa, desiderano il potere. Perché in questi anelli erano sigillati la forza e la volontà di governare tutte le razze. Ma tutti loro furono ingannati, perché venne creato un altro anello. Nella terra di Mordor, tra le fiamme del Monte Fato, Sauron, l'Oscuro Signore, forgiò in segreto un Anello sovrano, per controllare tutti gli altri e in questo anello riversò la sua crudeltà, la sua malvagità e la sua volontà di dominare ogni forma di vita: un Anello per domarli tutti. Uno a uno i paesi liberi delle Terre di Mezzo caddero sotto il potere dell'Anello, ma alcuni opposero resistenza. Un'Ultima Alleanza di uomini ed elfi marciò contro le armate di Mordor e sui pendii del Monte Fato combatté per la libertà della Terra di Mezzo. La vittoria era vicina, ma il potere dell'Anello non poteva essere sopraffatto. Fu in quel momento, quando ogni speranza era svanita che Isildur, figlio del Re, afferrò la spada di suo padre... Sauron, il nemico dei popoli liberi della Terra di Mezzo, venne sconfitto. L'anello passò a Isildur che ebbe quest'unica possibilità di distruggere il male per sempre, ma il cuore degli uomini si corrompe facilmente e l'Anello del Potere ha una volontà sua. Esso condusse Isildur alla morte e alcune cose che non avrebbero dovuto essere dimenticate andarono perdute. La storia divenne leggenda, la leggenda divenne mito. E per 2500 anni dell'anello si perse ogni conoscenza finché, quando si presentò l'occasione, esso irretì un nuovo portatore. Gollum: Il mio Tessoro! L'Anello pervenne alla creatura Gollum che lo portò nei profondi cunicoli delle Montagne Nebbiose e lì l'Anello lo consumò. Gollum: È venuto da me, è mio! È la mia gioia... è mio, il mio Tessoro!

E con queste parole inizia la proiezione del primo dei tre film, immergendoci subito nella stessa atmosfera che caratterizza il libro. L'amore del regista per il libro traspare nella poesia che si legge attraverso le immagini, sia attraverso gli sforzi che sono stati chiaramente fatti per rimanere il più possibile fedele alla trama originale e alle ambientazioni descritte da Tolkien.

La scelta degli interpreti è stata particolarmente felice: Ian Holm nella parte di Bilbo sembra nato per recitare questo ruolo, Elijah Wood è un Frodo ingenuo ma convinto del suo ruolo, Ian McKellen rende il personaggio del mago Gandalf con maestria , eccezionale Christopher Lee nei panni di Saruman il traditore, ottimi l'elfo Legolas (Orlando Bloom) e il nano Gimli (John Rhys Davies), così come azzecatissimi sono gli interpreti degli umani Aragorn (Viggo Mortensen e Boromir (Sean Bean, "Ronin") due lati della stessa medaglia.

Anche le scelte più difficili, quelle riguardanti le attrici sono state felici. Sia Liv Tyler che Cate Blanchett forniscono una grande prova , velata da quella malinconia così ben delineata nel libro.

Ma Jackson dà il meglio di sé nella ricostruzione degli ambienti. La serena "Contea", il paese degli hobbit, le eteree e slanciate città degli elfi, la terribile ed agghiacciante Moria, la miniera all'interno di una gigantesca montagna: il regista riesce a trasmettere allo spettatore la giusta

atmosfera e il legame con i personaggi che abitano quei luoghi fantastici. Il libro riprende tutti gli aspetti dei rapporti umani : la brama per il potere, la debolezza dell'uomo, l'invidia ma anche l'amicizia, la solidarietà, l'eroismo: tutti concetti che il regista ha ben presenti e che rappresenta alternando momenti esaltanti e commoventi, drammatici e appassionanti.

Ma il film è anche, e soprattutto, una meravigliosa favola. Fughe spericolate e combattimenti all'ultimo sangue, momenti di paura, pause piene di sentimenti e di riflessione, si susseguono rendendo la visione del film sempre interessante nonostante le due ore e 45 minuti della sua durata dove l'uso degli effetti speciali è gestito alla perfezione. Fra le scene più esaltanti la fuga dalla miriade di orchi delle caverne ed il combattimento di Gandalf contro il terrificante Balrog, sequenze da antologia. Tu non puoi passare! E ora passiamo al secondo capitolo...
Le due torri
Le aspettative sono state ampiamente soddisfatte e premiate con due Oscar: Oscar al miglior montaggio sonoro (Ethan Van der Ryn e Michael Hopkins) Oscar per i migliori effetti speciali (Jim Ryegel, Joe Letteri, Randall William Cook, Alex Funke).

"Le due torri" è grandioso, emozionante, appassionante e commovente. Perché "Le due torri" è la grande battaglia sotto le mura di Rohan, la lotta interiore di Frodo con il pesante fardello che porta al collo, l'amore impossibile tra Aragorn e Arwen, il ritorno di Gandalf dalle tenebre dell'inferno, la furia degli Ent contro la violenza devastatrice di Saruman e dei suoi orchetti. Ma "Le due torri" è soprattutto l'avvento di Gollum, personaggio centrale dell'opera di Tolkien, più di Gandalf o di Aragorn, forse più dello stesso Frodo. Totalmente asservito al potere dell'Anello, piegato nella mente ma anche nel fisico, Gollum è subdolo e sincero, amico e nemico, ispira odio e pietà. E tutto ciò, è stato perfettamente rappresentato utilizzando il sistema digitale che dà vita all'immagine di Gollum.

Gollum si muove sulla scena come un consumato attore tanto che è difficile credere che sia solo frutto della tecnologia di un computer (anche se le movenze sono quelle dell'attore Andy Serkis catturate e poi scansionate) e mostra una gamma di espressioni estremamente realistiche.

Anche i personaggi che incontriamo per la prima volta sono veramente ben caratterizzati. Tra di essi spiccano la viscida doppiezza di Vermilinguo (Brad Dourif ), la nobile rigidezza di Re Theoden (Bernard Hill ), il dissidio interiore di Eowyn, la nipote di Re Theoden (Miranda Otto) le giovanili intemperanze di Faramir, (David Wenham) il fratello di Boromir morto alla fine del primo film. Ma tutti i personaggi dell'opera, soprattutto nella lunghissime sequenze della battaglia al fosso di Helm, concorrono meravigliosamente a rendere il senso dell'opera di Tolkien. Ma ora ecco l'atto finale...
Il ritorno del re
Capitolo finale, celebra con i suoi 11 Oscar i successi di questa opera: Oscar al miglior film (Barrie M. Osborne, Peter Jackson e Fran Walsh) Oscar al miglior regista (Peter Jackson) Oscar alla migliore sceneggiatura non originale (Philippa Boyens, Peter Jackson & Fran Walsh) Oscar per il miglior montaggio (Jamie Selkirk) Oscar per la migliore scenografia (Grant Major, Dan Hennah, Alan Lee) Oscar per i migliori costumi (Ngila Dickson) Oscar al miglior trucco (Peter King & Richard Taylor) Oscar alla migliore colonna sonora (Howard Shore) Oscar per la migliore canzone (Fran Walsh, Howard Shore e la rockstar Annie Lennox) Oscar al miglior sonoro (Christopher Boyes, Michael Semanick, Michael Hedges, Hammond Peek) Oscar per i migliori effetti speciali (Jim Ryegel, Joe Letteri, Randall William Cook, Alex Funke)

Se nel primo episodio della trilogia protagonista era la "Compagnia" intesa come unione di razze diverse, volta a sconfiggere il male e, se nel secondo, il ruolo centrale era quello di Gollum/Smeagol, l'uomo animale dalla doppia personalità, nel terzo episodio è impossibile individuare un personaggio o un evento che rappresenti il film.

Potremmo individuarlo in Frodo, ormai arrivato alle pendici del monte Fato per distruggere l'anello di cui ormai è quasi schiavo; o forse potremmo indicarlo in Sam, il fido servitore e amico, il portatore del portatore dell'anello, autentico eroe popolare; o potrebbe essere Aragorn, l'uomo che finalmente si fa re, per la battaglia conclusiva.

Tutti, invece, sono funzionali per la coralità del romanzo nessuno escluso: da Gandalf il bianco, mago e attento politico, a Pipino con la sua impertinenza da bambino curioso, da Re Theoden affranto dai rimorsi, alla bionda nipote Eowyn, donna guerriera, dal re degli elfi Elrond, che cede alle debolezze sentimentali della figlia Arwen ricostruendo la spada spezzata, a Legolas sempre più funambolico e a Gimli il nano che fa del buon umore la sua arma migliore.
Recensione a cura di:
Ancora una volta fantastici sono gli effetti speciali, realistici ed impressionanti, e le scene di massa come la grande battaglia sotto le mura di Gondor, la città bianca. Ma Jackson non è solo un sapiente utilizzatore delle risorse che la Weta - la casa produttrice degli effetti speciali - gli ha messo a disposizione. L'ottima sceneggiatura gli permette di girare scene che rimangono nella memoria, come la scena dei ripetuti segnali di fuoco sulle montagne, o la sequenza della cattura di Frodo da parte di Shelob, il ragno gigante, o il discorso di Aragorn alle truppe schierate. Perfette, anche in questo episodio, sono le maschere dei mostri, fra le quali spicca quella di uno dei capitani degli orchi che molto ricorda lo straziato profilo di "The Elephant man". Il film inizia con la storia di come l'umano Smeagol divenne il mostro Gollum a causa del ritrovamento dell'anello e finisce con la partenza degli Elfi e il ritorno delle razze alle loro terre. L'amore e il bene trionfano anche nella Terra di Mezzo.

Editing a cura di :

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Recensione Film- Il Signore degli Anelli "la Trilogia"

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Eccomi qui a parlarvi di quello che, per me, è un vero capolavoro: la trilogia cinematografica de "Il Signore degli anelli". Diviso in tre parti, "La compagnia dell'anello", "Le due Torri"e "Il ritorno del re", il romanzo di Tolkien ha avuto nella sua trasposizione cinematografica un momento di vero fulgore e la sua realizzazione è stato un vero atto d'amore del regista Peter Jackson, profondo amante di Tolkien.

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Recensione del libro "I promessi Sposi" di Alessandro Manzoni.

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Titolo: I Promessi Sposi
Autore: Alessandro Manzoni
Pubblicato: 2005 da Bur
Genere: Romanzo Storico Collana: I libri dello spirito cristiano
Formato: Brossura Pagine: 812
Le opinioni su Goodreads
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Romanzo storico per antonomasia, il primo della letteratura italiana, si impone nel panorama europeo e diventa subito un capolavoro: la più famosa opera di Alessandro Manzoni, in quattro redazioni dal 1819 al 1840 . La vicenda si snoda in 38 capitoli ed è ambientata a Licate, paesino in provincia di Lecco. Qui abitano Renzo e Lucia, i promessi sposi, al cui matrimonio si oppone don Rodrigo, per un capriccio e una scommessa fatta col cugino don Attilio.

Voto del recensore:

I Promessi Sposi si apre il 7 novembre del 1628 e abbraccia circa due anni della storia italiana sotto la dominazione spagnola, mentre impazzano carestia e peste. Aiutante degli sposi è padre Cristoforo, del convento di Pescarenico. Personaggi di spicco sono: Geltrude, la Monaca di Monza, che ospiterà nel suo monastero Lucia; l'Innominato, che farà rapire Lucia e si convertirà al cospetto del Cardinale Federico Borromeo; il conte Attilio, cugino di don Rodrigo, ribelle e provocatore; l'avvocato Azzecarbugli, presso cui si recherà Renzo in cerca di giustizia, trovando invece un uomo colluso con potere dei signorotti; Agnese, madre di Lucia, donna buona ma poco avveduta, cattiva consigliera; don Abbondio, che, spinto dai bravi, si rifiuta celebrare le nozze; Perpetua (nomen omen) che vive con don Abbondio, donna pettegola e paesana; donna Prassede, conformista e piena di pregiudizi, che ospiterà Lucia, dopo la conversione dell'Innominato, don Ferrante, noto per la sua biblioteca e alcuni altri di minor spicco, anch'essi però finemente caratterizzati.

La storia, dopo un plot molto articolato, con analessi, celeberrime digressioni dell'autore, si conclude col matrimonio dei due, mentre la maggioranza dei personaggi muore di peste, tra cui anche padre Cristoforo (il Bene) e don Rodrigo ( il Male).

Il romanzo I Promessi Sposi è una sorta di manifesto letterario della cultura romantica europea, perché in esso ritroviamo tutte le peculiarità di questo movimento letterario: religione, nazionalismo, folckore, pubblico borghese, amore, cuore,indagine psicologica, lotta tra il Bene e il Male, provvidenzialismo filosofico...Celebri sono le sue descrizioni geografiche: del lago di Como, che fa da incipit al romanzo, del percorso a piedi di padre Cristoforo da Pescarenico a Licate, con una natura autunnale che riflette lo stato pensoso del frate, la Via Caldone Olate. In queste si esprime tutto il sentimento romantico dell'autore, che pone l'elemento Natura al centro della sua riflessione, una Natura buona, purtroppo sconvolta dalla cattiveria degli uomini, una Natura romanticamente specchio del sentire dei personaggi, mentre don Abbondio, uomo vile e insensibile, non entra in sintonia con essa, dimostrando così la sua grettezza d'animo.

Nei capp. XI- XII viene presentata Milano nel momento del tumulto del popolo che si solleva contro i fornai; in questo contesto arriva il contadinotto Renzo, che rimane coinvolto inconsapevolmente nella rivolta fino a rischiare la prigione:"Renzo rimase stupefatto e edificato della buona maniera de' cittadini verso la gente di campagna; e non sapeva ch'era un giorno fuor dell'ordinario, un giorno in cui le cappe s'inchinavano ai farsetti. Fece la strada che gli era stata insegnata, e si trovò a porta orientale. Non bisogna però che, a questo nome, il lettore si lasci correre alla fantasia l'immagini che ora vi sono associate. Quando Renzo entrò per quella porta, la strada al di fuori non andava diritta che per tutta la lunghezza del lazzeretto; poi scorreva serpeggiante e stretta, tra due siepi. La porta consisteva in due pilastri, con sopra una tettoia, per riparare i battenti, e da una parte, una casuccia per i gabellini. I bastioni scendevano in pendìo irregolare, e il terreno era una superficie aspra e inuguale di rottami e di cocci buttati là a caso. La strada che s'apriva dinanzi a chi entrava per quella porta, non si paragonerebbe male a quella che ora si presenta a chi entri da porta Tosa. Un fossatello le scorreva nel mezzo, fino a poca distanza dalla porta, e la divideva così in due stradette tortuose, ricoperte di polvere o di fango, secondo la stagione. Al punto dov'era, e dov'è tuttora quella viuzza chiamata di Borghetto, il fossatello si perdeva in una fogna. Lì c'era una colonna, con sopra una croce, detta di san Dionigi: a destra e a sinistra, erano orti cinti di siepe e, ad intervalli, casucce, abitate per lo più da lavandai. Renzo entra, passa; nessuno de' gabellini gli bada: cosa che gli parve strana, giacché, da que' pochi del suo paese che potevan vantarsi d'essere stati a Milano, aveva sentito raccontar cose grosse de' frugamenti e dell'interrogazioni a cui venivan sottoposti quelli che arrivavan dalla campagna. La strada era deserta, dimodoché, se non avesse sentito un ronzìo lontano che indicava un gran movimento, gli sarebbe parso d'entrare in una città disabitata. Andando avanti, senza saper cosa si pensare, vide per terra certe strisce bianche e soffici, come di neve; ma neve non poteva essere; che non viene a strisce, né, per il solito, in quella stagione. Si chinò sur una di quelle, guardò, toccò, e trovò ch'era farina. "Grand'abbondanza", disse tra sé, "ci dev'essere in Milano, se straziano in questa maniera la grazia di Dio. Ci davan poi ad intendere che la carestia è per tutto. Ecco come fanno, per tener quieta la povera gente di campagna". Ma, dopo pochi altri passi, arrivato a fianco della colonna, vide, appiè di quella, qualcosa di più strano; vide sugli scalini del piedestallo certe cose sparse, che certamente non eran ciottoli, e se fossero state sul banco d'un fornaio, non si sarebbe esitato un momento a chiamarli pani. Ma Renzo non ardiva creder così presto a' suoi occhi; perché, diamine! non era luogo da pani quello. "Vediamo un po' che affare è questo", disse ancora tra sé; andò verso la colonna, si chinò, ne raccolse uno: era veramente un pan tondo, bianchissimo, di quelli che Renzo non era solito mangiarne che nelle solennità. - È pane davvero! - disse ad alta voce; tanta era la sua maraviglia: - così lo seminano in questo paese? in quest'anno? e non si scomodano neppure per raccoglierlo, quando cade? Che sia il paese di cuccagna questo? - Dopo dieci miglia di strada, all'aria fresca della mattina, quel pane, insieme con la maraviglia, gli risvegliò l'appetito. "Lo piglio?" deliberava tra sé: "poh! l'hanno lasciato qui alla discrezion de' cani; tant'è che ne goda anche un cristiano. Alla fine, se comparisce il padrone, glielo pagherò".

Ben caratterizzati i protagonisti: Lucia, donna devota con poche idee ma chiare, Renzo, baldanzoso ventenne giovinotto, pieno di entusiasmi giovanili, ma un po' ingenuotto, subirà una profonda trasformazione interiore a contatto con eventi più grandi di lui. Padre Cristoforo, che porta tutti i segni del suo travaglio interiore, l'Innominato con la sua conversione nella celebre notte. Geltrude, un caso di monacazione forzata, con tutta la sofferenza connessa. Fortissimo è l'amor di patria e la denuncia sociale in un' opera di alto impegno civile e morale di un autore che, pur permeato dal pessimismo storico, si rifugia in una Fede profondissima: il Male domina la Storia, ma ad esso si può contrapporre quel po' di Bene che possiamo, se riponiamo fiducia in Dio e nella Provvidenza, che guida le vicenda umane garantendo un lieto fine al romanzo.

Docente di latino e greco, collabora con l'UNIPG. Scrittrice, recensionista e critico letterario, pensa che "la bellezza salverà il mondo".

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Recensione di I Promessi Sposi di Alessandro Manzoni

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Titolo: I Promessi Sposi Autore: Alessandro Manzoni Pubblicato: 2005 da Bur Genere: Romanzo Storico Collana: I libri dello spirito cristiano Formato: Brossura Pagine: 812 Le opinioni su Goodreads Acquistalo al prezzo più basso Acquista l'eBook al prezzo più basso Romanzo storico per antonomasia, il primo della letteratura italiana, si impone nel panorama europeo e diventa subito un capolavoro: la più famosa opera di Alessandro Manzoni, in quattro redazioni dal 1819 al 1840 .

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Recensione della mostra "Bernini" a Roma, Galleria Borghese

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Recensione della mostra 'Bernini' a Roma, Galleria Borghese, dal 1° novembre 2017 al 20 febbraio 2018.

Sono passati quattrocento anni esatti da quando un appena diciannovenne Gian Lorenzo Bernini (Napoli, 1598 - Roma, 1680) consegnò, al cardinal Maffeo Barberini, il futuro papa Urbano VIII, il San Sebastiano oggi al Thyssen-Bornemisza di Madrid: tanto giovane era l'artista, che fu il padre a dover riscuotere il pagamento. "A dì 29 dicembre scudi cinquanta moneta buoni al sudetto [Pietro Bernini] pagati per prezzo di una statua di marmo bianco di un san Bastiano": così recita, in maniera inequivocabile, il documento rinvenuto nel 1998 che ha permesso di datare l'opera in seguito finita in Spagna, nonché di confermarne senza dubbio alcuno la committenza barberiniana. È invece trascorso un ventennio dal giorno d'inizio estate in cui il luogo che accoglie la più alta e densa concentrazione mondiale d'opere berniniane, ovvero la Galleria Borghese di Roma, riaprì i battenti dopo un lungo restauro che per sedici anni l'aveva tenuto chiuso. Naturale, dunque, attendersi che questo doppio anniversario venisse celebrato nella maniera più acconcia: una grande mostra su Bernini, che giunge nelle sale della Galleria Borghese vent'anni dopo la mostra sul Bernini giovane allora organizzata al fine di festeggiare la riapertura di quella che fu un tempo la residenza del cardinal Scipione Borghese.

Una mostra su Bernini è probabilmente l'unica che abbia senso allestire nei pressoché intatti locali della Borghese, che negli ultimi anni ci ha peraltro abituati ad azioni alquanto arrischiate, tra sussiegose esibizioni d'abiti di stilisti à la page, improbabili confronti tra artisti antichi e artisti moderni, esposizioni di singoli capolavori, straordinari ma lontanissimi per ambiente storico e culturale dal contesto della storica dimora romana. Certo: il problema di qualunque mostra allestita nella Galleria (un problema dal quale anche le mostre più necessarie e scientificamente fondate non sono esenti) è rappresentato dalla difficoltà di far coesistere le ragioni pratiche e logistiche d'una mostra con gli ambienti storici della Galleria dacché, da una parte, ogni operazione provvisoria finirebbe con l'alterare il delicato equilibrio storico-artistico della Borghese, e dall'altra l'esposizione, al fine d'esser la meno possibile invasiva nei confronti della Galleria stessa, potrebbe esser costretta a rinunciare alla coerenza del proprio percorso. Diverso, almeno per certi aspetti, il discorso per una mostra dedicata a Bernini: gran parte del materiale su cui impostare il discorso è già presente nella Galleria, tanto che le immagini più spettacolari diffuse per presentare l'evento al pubblico, altro non sono che le immagini dei più significativi capolavori della collezione permanente. E ci saremmo invero stupiti del contrario.

Eppure, anche la mostra Bernini (questo il laconico titolo, forse giustificato dal fatto che, dinnanzi a un nome simile, non occorre aggiungere altro) presenta quei limiti coi quali ogni rassegna allestita alla Galleria Borghese deve necessariamente misurarsi. S'aggiunga poi la perplessità suscitata da alcuni passaggi, dei quali si dirà meglio nel prosieguo del presente contributo, e s'arriverà alla conclusione che, forse, presentare al pubblico una straordinaria ed eccezionale parata di capolavori come quella abilmente e intelligentemente raccolta grazie al lavoro dei curatori Andrea Bacchi e Anna Coliva, non è condizione sufficiente per lasciar uscire il visitatore con qualche dubbio di troppo sull'efficacia e la coerenza della rassegna. Se volessimo utilizzare un superlativo tanto elementare quanto efficace, potremmo definir la mostra "bellissima": ci sono quasi tutti i capolavori amovibili del grande artista che inaugurò la stagione barocca, e merito ulteriore dei curatori è stato quello d'estendere gli argomenti della mostra a includere degli approfondimenti sul padre di Gian Lorenzo, Pietro Bernini (Sesto Fiorentino, 1562 - Roma, 1629), la cui fortuna critica parrebbe essere in costante ascesa. Tuttavia, per quanto la mole di capidopera abbia mosso tutti noi a espressioni di gioioso stupore, è necessario domandarsi se le emozioni che indubbiamente si provano di fronte a opere simili riescano a emendare le tortuosità d'un percorso talvolta poco soddisfacente.

L'esposizione prende il via dal salone con gli affreschi di Mariano Rossi, all'interno del quale è stata allestita una grande sezione sulla primissima attività di Gian Lorenzo: nella fattispecie, questa parte della rassegna intende illustrare l'apprendistato col padre Pietro, esponendo diverse delle sculture che padre e figlio realizzarono assieme, benché non manchino lavori eseguiti da Pietro solo. Si comincia col Satiro a cavallo di una pantera, una scultura da giardino in marmo che fu commissionata all'artista dalla famiglia Corsi di Firenze, e che finì poi sul mercato antiquario (oggi è conservata a Berlino): il movimento a spirale di questo gruppo, che doveva adornare una fontana, è ancora legato a schemi manieristi cui anche il giovane Gian Lorenzo, nelle imprese realizzate assieme al padre, non può in alcun modo sottrarsi. Ne è un chiaro esempio un'opera sarcastica e divertente come il Fauno molestato dai putti (imperdibile il dettaglio del putto che infastidisce il satiro facendogli la linguaccia), la cui assegnazione alla mano di Pietro e Gian Lorenzo Bernini fu merito di Federico Zeri, dopo che, in asta, era passata dapprima come anonima scultura della seconda metà del Cinquecento, quindi come opera ottocentesca. Complicato lavoro che trasuda virtuosismo da ogni suo singolo brano (stupefacente l'alternarsi di pieni e vuoti che quasi disorienta l'osservatore) e anch'esso, come il Satiro a cavallo di una pantera, pensato per esser visto da ogni angolazione possibile, presenta non poche difficoltà nell'individuazione delle mani dei due artisti, argomento sul quale s'è a lungo dibattuto senza però arrivare a conclusioni definitive: la scultura, debitrice tanto nei confronti della tradizione antica quanto del classicismo carraccesco, dimostra un'invenzione ancora legata a stilemi tardocinquecenteschi, ma al contempo manifesta una straordinaria vitalità che sarà propria delle sculture di Gian Lorenzo e che, assieme ad altri particolari (i pannelli in sala ci invitano a osservare la resa del tronco e delle epidermidi, per esempio, ma si potrebbero aggiungere anche il movimento degli arti e le diagonali su cui è impostata la composizione), tradisce la presenza dello scultore, che all'epoca aveva attorno ai diciassette anni.

Parimenti frutto della collaborazione tra Bernini senior e Bernini iunior è il ciclo delle stagioni Aldobrandini, realizzato attorno al 1620, almeno secondo la non recentissima ipotesi di Andrea Bacchi che, pur senza l'approvazione unanime della critica a causa dei riferimenti troppo vaghi del documento, ha voluto collegare le opere a un pagamento corrisposto nel 1622 da Leone Strozzi, esponente della nota famiglia fiorentina, che risulterebbe così essere il committente. Questione comunque di pochi anni, dal momento che, prima del rinvenimento della nota, la critica era solita datare all'incirca al 1615 le Stagioni Aldobrandini, anch'esse sorprendenti per la vivacità e l'originalità di alcune invenzioni: il visitatore non potrà cancellare il ricordo dell' Inverno, avvolto in un pesante mantello di montone e col capo coperto da un ampio copricapo, al punto che riusciamo a scorgere della figura soltanto gli occhi. Un "pastore della campagna romana", come l'aveva ribattezzato Federico Zeri, "a mezza via tra il burino e i prigioni con berretto frigio dell'arco di Settimio Severo": è opera da ascrivere a Pietro Bernini. Se l' Estate, goffa e pesante, è la meno riuscita delle quattro sculture che compongono la serie, altrettanto non si può dire della Primavera e dell' Autunno, entrambe opere che gli studiosi hanno ritenuto eseguite a quattro mani (e fu ancora Zeri a lanciare per primo questa proposta): straordinario il bouquet che la Primavera tiene in mano e i cui fiori scendono a ornare il toro ai suoi piedi, ardita la posa dell' Autunno, col braccio che sorregge un inverosimile festone che diventa una sorta di pergolato che fa quasi sembrare il personaggio una sorta di stravagante architettura e ci porta a tentare paragoni con il Fauno del Metropolitan. Questo primo confronto tra Pietro e Gian Lorenzo è uno dei principali motivi d'interesse della mostra: il pubblico ha l'opportunità di seguire il giovane Gian Lorenzo nelle sue prime opere assieme al padre, riesce a individuare con certa facilità i motivi che ne identificano le rispettive personalità, e con la continuazione del percorso ha modo di vedere, con opere disposte entro una buona e graduale progressione, il modo in cui il figlio riuscirà a superare il padre. E per gli studiosi, la possibilità d'operare confronti diretti tra opere altrimenti conservate in musei lontani tra loro.

Stride invece la presenza, in questa prima sezione, della Verità svelata, opera della maturità di Gian Lorenzo per l'occasione spostata di qualche sala, e soprattutto della Santa Bibiana, che oltre a esser fuori dai confini cronologici della sezione (è infatti opera della metà degli anni Venti, e forse si trova nel primo salone, assieme alla Verità, perché i locali della Borghese non avrebbero permesso soluzioni diverse) si trova anche fuori contesto, poiché la scultura è conservata nella chiesa di Santa Bibiana a Roma, che dista tre chilometri dalla Galleria Borghese e che rappresenta il luogo per il quale l'opera fu concepita: si potrà poi giustificare la presenza in mostra per via del recente restauro cui l'opera è stata sottoposta (stante l'ormai consolidata usanza d'avviare importanti campagne di restauro in prossimità di mostre), e di sicuro l'importanza dell'evento viene accresciuto dalla possibilità d'ospitare la prima opera pubblica eseguita da Gian Lorenzo Bernini, con la quale si registra un notevole cambio di registro stilistico, improntato sulla resa dei sentimenti e su quei panneggi mossi e quasi vibranti che diverranno una costante dell'arte berniniana, ma forse la mostra non avrebbe risentito d'una presenza della Santa Bibiana all'interno della sua chiesa. È sempre questione di sottili equilibrî.

Nella Sala del Sileno, quella che abitualmente ospita le opere di Caravaggio, il pubblico incontrerà altre notevoli e fondamentali opere giovanili di Bernini: una di queste è proprio quel San Sebastiano di cui si diceva in apertura, colto nell'atto d'abbandonarsi, col suo corpo così finemente modellato, al deliquio provocato dalle frecce che, stando alle agiografie, non lo uccideranno, ma si limiteranno a ferirlo. In mostra l'opera viene presentata come la "prima statua compiutamente barocca della storia dell'arte", affermazione di certo non incontrovertibile, dacché altri studiosi hanno spesso dimostrato sentimenti differenti (per esempio, qualche anno fa Francesco Petrucci, uno degli autori dei saggi in catalogo, attribuiva il primato al San Longino della basilica di San Pietro): ad ogni modo, il San Sebastiano è opera in cui s'apprezza la già trovata autonomia dai modelli paterni, con l'intensità di quel molle abbandono e con la delicatezza del modellato (quasi correggesco o baroccesco, come hanno sottolineato diversi studiosi) che riescono a superare definitivamente la lezione di Pietro. Il ricorso a una scultura caratterizzata da quel forte impatto emozionale che sarà tipico del barocco è ormai pieno nell' Anima beata e soprattutto nell' Anima dannata, con il volto di quest'ultima sconvolto da un urlo più belluino che umano: un'opera che va oltre il mero coinvolgimento del senso della vista (sembra quasi di udirlo, quel grido straziante), che Bernini probabilmente modellò ponendosi di fronte a uno specchio a mimare l'espressione del suo terribile personaggio, e che Cesare Brandi suggeriva d'accostare alle sperimentazioni naturalistiche di Caravaggio (come la Medusa oggi agli Uffizi, che poté costituire un precedente per l' Anima dannata).

Con la Sala Egizia si torna a indagare il rapporto tra Pietro e Gian Lorenzo con il Putto sopra a un drago, che arriva dal Getty Museum di Los Angeles, e soprattutto con la celeberrima Capra Amaltea, la scultura che raffigura il mitologico animale che allattò Zeus sul monte Ida: nel percorso della mostra viene assegnata a un giovanissimo Gian Lorenzo, con datazione anteriore al 1615, ma il visitatore è comunque informato dei dubbî sull'attribuzione della scultura a causa della difficoltà di conciliazione con le altre opere giovanili dell'artista. La scheda di catalogo redatta da Stefano Pierguidi illustra con maggior dovizia come "il carattere quasi sgrammaticato di certi passaggi della Capra, in particolare i capelli dei due putti, si spiegherebbe con l'inesperienza del giovanissimo Gian Lorenzo, magari davvero lasciato completamente da solo dal padre Pietro a maneggiare quel pezzo che doveva mostrarne a Scipione [Borghese] il genio precocissimo". Se dunque molti hanno accolto l'ipotesi di un'opera riferibile alla mano d'un Gian Lorenzo bambino e databile al 1609 circa, Andrea Bacchi s'è addirittura spinto ad avanzare perplessità sull'autografia del gruppo, tanto più che in antico la Capra figurava come scultura anonima: questa incertezza non è stata tuttavia sufficiente a impedire che la Capra non figurasse, in mostra, con l'ormai consueta attribuzione a Gian Lorenzo.

Quanto alla sezione sui restauri, occorre segnalare la presenza dell' Ermafrodito, che torna a Roma proprio nella sala in cui si trovava prima d'esser venduto agli occupanti francesi che lo portarono poi a Parigi (è oggi conservato al Louvre): il soffice materasso in marmo bianco di Carrara, donato all'antica scultura risalente al secondo secolo dopo Cristo, è opera del giovane Bernini (risale al 1620), che con tale inserto compì certo un'operazione ardita, ma seppe aumentare la grande sensualità che caratterizza la scultura. Superata la Sala dell'Ermafrodito, ci si può gettare in quel tripudio berniniano che sono le sale in cui sono conservati i gruppi borghesiani, icastiche icone dell'indiscutibile genio berniniano: in rapida successione, l' Enea e Anchise, il Ratto di Proserpina, l' Apollo e Dafne, il David. L' Enea e Anchise (1618-1619) è opera che palesa suggestioni raffaellesche (il riferimento è alla Stanza dell'Incendio di Borgo, ma torna anche un certo legame coi modi del padre nel movimento a spirale dei protagonisti) e che viene posta in un suggestivo dialogo con la Fuga di Enea da Troia di Federico Barocci, solitamente esposta in pinacoteca: primo dei gruppi scultorei commissionati a un Bernini allora ventenne dal cardinale Scipione Borghese, sarà seguito a stretto giro dal Ratto di Proserpina (1621-1622), ancora memore di virtuosismi manieristi, opera davanti alla quale si perde la cognizione del tempo, e scultura che lascia sempre sbalorditi, ogni volta che la si ammira, per la morbidezza del marmo che si fa carne viva e pulsante. Si giunge poi alla sala dove troviamo l' Apollo e Dafne (1622-1625), opera in cui la teatralità barocca giunge alle sue forme più alte e dove il dramma, al pari del Ratto di Proserpina, tocca la sua acme più emozionante, e s'arriva infine al David (1623-1624), diversissimo da tutti quelli che l'avevano preceduto in quanto colto in un attimo, in una frazione di secondo, nella tensione d'un momento preciso. E alla fine del percorso, le due opere di Pietro che incontriamo nella Sala della Paolina, l' Andromeda e la Virtù che sottomette il vizio, totalmente fuori posto a meno che non si voglia compiere un percorso forzato tra le sale, faticano non poco a tenere il passo.

Le scale che conducono al piano superiore, quello della pinacoteca, ci consentono di riorganizzare le idee e di prepararci alla sfilata di busti e di dipinti che troviamo nella Loggia di Lanfranco. Difficile dar conto di tutta la poderosa serie di ritratti che i curatori hanno, con gran merito, portato alla Galleria Borghese, ma è possibile partire da un'interessante osservazione di Francesco Petrucci nel suo saggio a catalogo. Lo studioso, in particolare, suggerisce di suddividere in tre grandi gruppi i ritratti di Gian Lorenzo Bernini: "una prima tipologia corrisponde ai busti giovanili, ove prevale una preoccupazione per la verosimiglianza e la conformità al naturale; una seconda è incentrata sulla ricerca di istantaneità e di turbamento emozionale; una terza persegue una dimensione extratemporale di superiore dignità del soggetto, approdando alla cosiddetta 'maniera grande'". Alla prima fattispecie si può far appartenere il Busto di Antonio Cepparelli (1622-1623), nel quale un Bernini ventiquattrenne si preoccupa di rendere il suo soggetto nel modo più possibile aderente alla realtà. Alla seconda ascriviamo invece una delle più emozionanti opere della mostra, il Ritratto di Costanza Bonarelli (1635 circa): la giovane, nata Piccolomini, aveva sposato lo scultore lucchese Matteo Bonarelli, ma era diventata amante di Gian Lorenzo e al contempo di suo fratello Luigi, situazione che comportò un'accesa lite tra i due e che finì per degenerare in modo violento (Bernini ordinò a un suo servitore di sfregiare la povera Costanza). Tuttavia, quando ancora le cose tra i due amanti filavano per il verso giusto, Gian Lorenzo raffigurò Costanza in uno dei ritratti più sensuali di tutta la storia dell'arte: la ragazza è visibilmente emozionata, i capelli spettinati, la camicia generosamente aperta, quasi che la giovane si stia appena rivestendo dopo un incontro amoroso. Un ritratto vivo, colmo d'una passione sincera e diretta, che rappresenta uno degli apici dell'intera produzione berniniana. Infine, nel terzo gruppo possiamo inserire il busto del cardinale Richelieu (1640-1641) che, eseguito a partire da un dipinto, mostra quel carattere solenne tipico della ritrattistica più tarda di Bernini. Accanto ai busti è poi esposta una serie di dipinti di Bernini, su alcuni dei quali però la critica è in disaccordo nel riconoscere la paternità al grande artista.

Le ultime due sale sono quelle che forse meglio ci rendono consci di tutta l'inadeguatezza della Galleria Borghese come sede di mostre temporanee. La Sala di Elena e Paride ospita i bozzetti e i modelli della Fontana dei Fiumi, unica sezione dedicata alle grandi opere pubbliche dell'artista: le opere sono state posizionate al centro esatto della sala, col risultato che i preziosi modelli finiscono per disturbare la visione dei capolavori presenti nell'ambiente, primo tra tutti la mai troppo lodata Caccia di Diana del Domenichino. E lo stesso vale per la Sala di Psiche, dove l' Amor sacro e Amor profano di Tiziano è quasi ridotto a quinta dell'allestimento che fa conoscere al pubblico l'ultimo Bernini. Sono quattro le opere esposte in questa sala: i due crocifissi, quello dell'Escorial (1654-1657) e quello in bronzo della Art Gallery of Ontario di Toronto (1659 circa), e i due busti del Salvator Mundi, quello di San Sebastiano fuori le mura e quello di Norfolk (1679). Questo doppio confronto, al netto dello stridore con il contesto che lo ospita, è di sicuro uno dei punti più alti della mostra: dal confronto tra i due crocifissi esce nettamente vincitore quello dell'Escorial, un conclamato autografo berniniano, al confronto di quello di Toronto che invece evidenzia un modellato decisamente più debole, tanto da aver condotto alcuni storici dell'arte a dubitare dell'autografia berniniana. Le mostre, del resto, servono anche a mettere in scena confronti simili onde offrire agli studiosi contributi per provare a chiarire questioni particolarmente spinose: e spinosissima è quella che riguarda il Salvator Mundi, dal momento che le fonti parlano d'un Salvatore che lo scultore donò alla regina Cristina di Svezia, e si è a lungo ritenuto che tale opera fosse il busto di Norfolk. La scoperta, nel 2001, del busto di San Sebastiano, ha avuto l'effetto di dividere la critica tra quanti sostengono la paternità totalmente berniniana del Salvatore di Norfolk, e quanti invece affermano il contrario: la mostra sembra dar credito alla teoria della paternità berniniana del busto romano, ponendo invece un punto interrogativo accanto a quello inglese.

Ripercorrendo a ritroso le sale della pinacoteca, si può terminare il discorso con la Sala di Ercole, dove trovano spazio numerosi bozzetti per illustrare al visitatore il "mestiere dello scultore": modelli in cartapesta, in cera, in bronzo, in terracotta e in legno erano fondamentali per fissare un'idea e per avere un quadro chiaro degli aspetti tecnici da affrontare durante l'esecuzione dell'opera finita. "Quello che contava al di sopra di tutto", scrive Maria Giulia Barberini nel suo saggio dedicato proprio al mestiere dello scultore, "era il concetto, l'intuizione, l'idea illuminante. Un concetto che pone la 'totalità e integralità' della produzione di Bernini nel pieno sviluppo dell'immaginazione risolta in forme derivate dalla tradizione per raggiungere innovazioni fantastiche, o anche propriamente tecniche, il cui obiettivo era comunque l'unità delle arti visive". Tra i modelli che troviamo nella sala figura anche quello, in terracotta, per il San Longino, la prima opera colossale di Gian Lorenzo Bernini, che risultò dall'assemblaggio di quattro diversi blocchi di marmo, uniti per mezzo di perni: il modello proveniente dal Museo di Roma, coi suoi tagli netti all'altezza delle giunture, mostra le porzioni da unire così come Bernini le aveva immaginate.

La mostra si muove quindi tra alti (i capolavori, alcuni approfondimenti tematici come quello sulla produzione giovanile e sul mestiere dello scultore, i busti, i confronti dell'ultima sala) e bassi (le interferenze con le opere della collezione permanente, la sezione sulla pittura, lo stacco troppo netto tra le sale del pianterreno e quelle della pinacoteca, i passaggi poco coerenti del percorso, dovuti alla conformazione della Galleria): tuttavia, è anche vero che ripercorrere la carriera di Bernini avendo a disposizione il patrimonio della Galleria Borghese è occasione davvero oltremodo interessante, specie se il percorso può contare su molti dei lavori fondamentali per comprendere la poetica dell'eccelso scultore che inaugurò la stagione del barocco, del grande virtuoso che ha contribuito a definire per sempre il profilo di Roma, dell'illustre scultore che Maffeo Barberini definì "uomo raro, ingegno sublime, e nato per disposizione divina, e per gloria di Roma a portar luce al secolo".

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Ho visitato per l'ennesima volta la Galleria Borghese a Dicembre, per vedere la mostra su Bernini, consapevole che molte opere erano gia' in loco. Ma sono rimasto soddisfatto della mostra all' infuori del prezzo del biglietto troppo caro. Trovo la recensione molto esaustiva e rispondente al mio giudizio critico, che e' solo quello di un appassionato d'arte.

Gracias por su extensa información sobre la fascinante colección de esculturas realizadas por Bernini.

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GRAZIE...

grazie .alcuna altra.statua. questa e sempre .meravigliosa .ma solo questa .grazie

Sono incuriosita, andrò a vederla, grazie per la spiegazione

Grazie a lei del commento!

Carlos Escanfella

Recensione acuta e completa ??"

Ho prenotato la mia visita per la prossima settimana...dopo aver letto la vostra accurata recensione sarà certamente più piacevole e consapevole!

Grazie ci fa molto piacere!

Vista....tutto meravigliiso

sicuramente l'arte piu da una decorazione e un divertimento ..l'arte e' la forza sottile che inforza d'andare avanti , l'energia dei colori e disegni che ispira la gioia e la soddisfazione

Vista...bellissima... andate subito a vederla!!!!

Questa mostra per voi é incredibile. Bernini, padre e figlio in confronti...

Si puo ammirare la prima opera publica di Gian Lorenzo col 17 anni! San Bastiano in marmo. Questo é un doppio aniversario del restauro della galleria Borghese. Antiquitá versus modernitá. Dobbiamo rinunciare a la coerenza. Questo material giá presente nella Gallería. Bellissima mostra ! La pelle di Gian Lorenzo, la straordinaria vitalitá, sono incredibile! Il figlio riuscirá a sperare il padrre. Sentimenti, panneggi mossi e quuasi vibranti, che meraviglia! Io sono pazza col Santa Bibiana, barocca, sensa parole! Come sempre, Federico, tuo lavoro, superbe! Grazie per tantto!
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La mostra di Bernini alla Galleria Borghese di Roma, tra alti e bassi

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Recensione della mostra 'Bernini' a Roma, Galleria Borghese, dal 1° novembre 2017 al 20 febbraio 2018. Sono passati quattrocento anni esatti da quando un appena diciannovenne Gian Lorenzo Bernini (Napoli, 1598 - Roma, 1680) consegnò, al cardinal Maffeo Barberini, il futuro papa Urbano VIII, il San Sebastiano oggi al Thyssen-Bornemisza di Madrid: tanto giovane era l'artista, che fu il padre a dover riscuotere il pagamento.

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Video-recensione del film"Caravaggio-Anima e Sangue"

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Video Recensione “Caravaggio L'Anima e il Sangue”

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