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Pissenlits.
Installation interactive.
Ensemble de 9 pissenlits en réaction au souffle du spectateur.

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1925·1991
Sculpteur, peintre, dessinateur
(Suisse)
Nouveau réalisme

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1928·2007
Artiste minimaliste et conceptuel
(américain)

"Je désirais créer une œuvre d'art qui soit aussi bidimensionnelle que possible : il paraît plus naturel de travailler à même le mur plutôt que de prendre un accessoire, de le travailler, puis de l'accrocher au mur"

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Vera Molnar est une artiste numérique hongroise. Sa pratique pouvant être assimilé au courant de l'abstraction géométrique, elle travaille surtout les lignes, les carrés, le blanc, le noir, les bleus car la simplicité de ses formes l'émeu encore et toujours, dit-elle.
Elle fait surgir l'imprévu et la liberté imaginaire grâce à une serie de transformations de formes dignes de l'expérimentation scientifique. En témoigne les nombreuses versions de Sainte-Victoire issu d'un art algorithmique.

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•Jean Tinguely et Niki de Saint Phalle
•Centre Georges-Pompidou
•1983

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Vera Molnar donne une règle d’activation : le preneur en charge de l’œuvre s’engage à interchanger régulièrement la disposition des toiles en colonne. Ce qui donne la possibilité d’aboutir à 216 compositions différentes de la Sainte-Victoire :

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Olympe de Gouges.
Installation.
1989.

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1924· ~
précurseuse de l'art numérique et de l'art algorithmique
(hongroise)

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•Dimension Sonore
•Dimension d'instant présent
•Essence de la ligne et de la lettre

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《Rectangles et Carrés noirs》

•Juin 1995
•Peinture de dispersion
•Composition de carrés et de rectangles crée en appliquant des bandes blanches horizontales et verticales à un champ noir profond

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•aout 2001
•peinture acrylique
•courbes parallèles
•conçu pour la Lever House à NYC
•Rupture profonde avec ses premiers dessins

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SOLOMON LEWITT

Wall drawing 792 est une oeuvre bidimiensionnelle abstraite, conçue en Juin 1995 par l'artiste Solomon LeWitt, dit "Sol" LeWitt.
Cette oeuvre faites à la peinture de dispersion, est une composition de carrés et de rectangles crée en appliquant des bandes blanches horizontales et verticales à un champ noir profond.
Le dessin mural a d'ailleurs pour sous-titre "rectangles et carrés noirs". Ce qui permet au travail d'être traduit et interprété pour s'adapter à différents paramètres structurels.
Nous étudierons en quoi cette oeuvre est représentative de l'intérêt que porte Sol LeWitt pour l'art. Pour cela nous aborderons dans une première partie Solomon LeWitt et son rapport à l'art. Puis nous étudierons les caractéristiques de l'oeuvre en écho à cette première partie.

Premièrement, intéressons-nous à Solomon LeWitt et son rapport à l'art.
Sol LeWitt est un artiste de la fin du 20e et début du 21e siècle, considéré comme le principal représentant de l'art conceptuel. Après la guerre de la Corée, LeWitt devient graphiste pour l'architecte Pei et c'est à ce moment là qu'il se familiarise avec la géométrie. L'artiste a toujours eu un grand intérêt pour le mouvement De Stijl et le Bauhaus allemand. Ce dernier est un courant artistique concernant l'architecture et le design. Tout au long de sa carrière LeWitt a exploré les formes géométriques, en particulier le carré et le cube. Son intérêt pour ces formes simples est lié à son étude sur le constructivisme russe.
Lors des années 60, l'artiste commence à peindre sur des murs gigantesques. Ce qui donne naissance à ses "Wall Drawings", dont son premier crée à la Paula Cooper Gallery. Ceux-ci marquent une évolution décisive dans l'histoire du dessin et de l'art, notamment par l'impact de son travail in situ. Son travail est d'ailleurs considéré comme un point de pivot entre art conceptuel et art minimal.

Dans cette deuxième partie nous étudierons en quoi le Wall Drawing 792 est représentatif de l'intérêt artistique de Sol LeWitt.
Premièrement, cette oeuvre est représentative de l'univers de Sol LeWitt par sa composition géométrique. En effet, elle consiste en différentes combinaisons de rectangles, principalement orientés verticalement. Le motif de grille irrégulier, donne un effet de décalage. On peut de ce fait en tant que spectateur, comparer cette "grille" au modèl graphique de la bande-dessinée. Cette composition se présente comme un mur de brique, ce qui nous renvoit au domaine de la construction et de l'architecture, donc au Bauhaus allemand. Ceci souligne son intérêt pour les intersections entre l'art et l'architecture. L'oeuvre nous rappelle également les abstractions géométriques dépouillés des peintures suprématistes des carrés noirs de Malevich ou encore les compositions de Mondrian. Le Wall Drawing témoigne aussi de son intérêt pour le constructivisme puisque, celui-ci est concentré sur la composition géométrique et non figurative.
De plus, la simplicité de l'oeuvre à de même une valeur représentative de sa carrière. En effet, tout d'abord car le Wall Drawing est proche du minimalisme par ses formes simples. Ce qui justifie le fait que LeWitt soit considéré comme un artiste conceptuel et minimaliste.
En outre, on retrouve à nouveau son intérêt pour l'architecture car l'oeuvre est uniquement composé de formes simples : des quadrilatères positionnés comme s'ils étaient "empilés", comme une sorte de jeu pour enfant. Le contraste puissant entre le noir et le blanc donne un effet d'optique qui anime l'oeuvre de la vibration subtile des lignes, à la cadence soutenue d'aplats noirs et blancs à l'acrylique.
Enfin, le principal caractère de cette oeuvre qui témoigne de sa manière de travailler est le processus de création.
En effet, ses oeuvres sont crées à partir d'instructions et de digrammes stricts, traduisant des processus mentaux de la part de l'artiste. Il a donc crée un système de certificat d'authenticité pour ses Wall Drawings car comme LeWitt a dit : "une fois que l'idée de l'oeuvre est définie dans l'esprit de l'artiste et la forme finale est decidée, les choses doivent suivre leurs cours".L'artiste disait qu' il " parait plus naturel de travailler à même le mur plutôt que de prendre  1 accessoire, de le travailler, puis de l'accrocher au mur. " Son travail monumental rappelle de ce fait les traditions des fresques de la renaissance italienne.
Ses Wall Drawings ont une dimension éphémère car l'oeuvre existe le temps de l'exposition et est ensuite détruite

Pour terminer,  ce Wall Drawing est donc représentatif de nombreux intérêt que porte LeWitt pour l'art. Son étude sur le constructivisme avec l'aspect géométrique. Son intérêt pour le mouvement De Stijl et le courant Bauhaus avec ses formes simples comme le carré et son goût pour l'architecture. On peut mettre e lien son travail à celui de Vera Molnar car on retrouve ce " 1% de hasard " étant donné qu'il peut y  avoir des conséquences  que l'artiste ne peut imaginer.

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•mai 1970
•crayon noir
•lignes verticales, non droites, couvrant uniformement le mur

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•juillet 1976
•lignes de crayon blanc et grille de craton noir sur mur noir
•appartient à une série de dessins 1973-1976
•grille de 6 pouces

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peinture de dispersion : mélange d'un liquide avec un solide dispersé sous la forme de fines particules

De Stijl : mouvement artistique des Pays-Bas ( art abstrait/couleur et forme pure )

Bauhaus : courant artistique concernant l'architecture et le design

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Brain.
2010.
plexiglas, metal

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Série Organs.
2010.

La ligne subtile entre l'échec et le succès, le chaos et l'ordre, est ce qui m'intéresse beaucoup.

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Univers de particules d'eau.
2018

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Le motif de cette montagne occupe chez Vera Molnar une place singulière. On peut inclure ici la notion de " l'hommage et petit dommage " car cette série fut en fait un hommage à Cezanne.

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Le travail de Vera Molnar n'est pas plus compatible avec mon approche artistique habituelle que ça. Pourtant, ces 9 panneaux qui révèlent un jeu entre 3 états, soit: le plein, le trait et le point qui témoignent de la physionomie de cette montagne, m'ont paru très intéréssant.

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Selon Vera Molnar, l'asymétrie de cette éruption rocheuse est l'incarnation d'un désordre naturel, qu'elle veut rationaliser. Elle exprime d'ailleurs cette expression de rationalisation dans la courbe de Gauss (système de représentation de complexité).
Le but de cette série est de démontrer la beauté de la preuve naturelle de cette courbe.

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" J'aime combiner des choses contradictoires."
-V.M.

Si j'ai fais le choix de porter toute mon attention uniquement sur ses Sainte-Victoire, c'est justement en lien avec cette citation car s'il y a une raison pour laquelle je m'intéresse à ses travaux, c'est ses permanentes contradictions. Parmis ces oeuvres ci-dessus, on relève l'agencement entre ordre et désordre, notament avec Sainte-Victoire Online où se mêlel'horizontal et le vertical ce qui crée une illusion d'optique faisant apparaitre les bordures de la montagne.
On a également la notion de programmation et d'aléatoire que l'on retrouve dans toute la série: bien que ses oeuvres soient crée à partir d'un programme algorithmique, l'aléatoire trouve sa place parmis ces Sainte-Victoire interchangeables.
Comme dernière contradiction je citerais celle de la répétition et de la variation. On les retrouvent dans les Sainte-Victoire interchangeables par la variations des couleurs et du graphisme : plein, traits, points, mais l'on a pourtant des répétitions du fait que ce soit une série, mais aussi le fait qu'il y ai justement que 3 états pour 9 panneaux.

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Série de photographie Zoom ×10.
→ Voir d'un autre regard les détails communs

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IA flow machines
laboratoire SonyCSL.
https://youtu.be/LSHZ_b05W7o

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Teo Tronico.
Matteo Suzzi.
Robot-pianiste.
https://youtu.be/LzYr-Im4QQA

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Mortimer.
Louis McCallum.
Robot-batteur.

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Quatre cadre peinture, sur une même toile. Peinture issue de quatre photographies floutées, représentatives d'une vue défaillante.

Acrylique, Gouache.
4 × (11 cm × 16 cm).

Le monde perçue d'une autre façon que la tienne ( ou pas, si t'es myope ).

Nouveau point dans ma pratique : Personnalisation et travail sur la toile en elle-même.

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Depuis la fin des années 1980, le numérique a définitivement transformé nos vies. L'impact des technologies du numérique sur la création artistique est immense. Non seulement car des disciplines classiques ont été profondément transformées, mais aussi car cela donne naissance à de nouvelles formes d'Art qui suscite un grand nombre de questionnements. Nous pouvons voir cela par exemple avec le collectif international d'Art TEAM LAB, le collectif OBVIOUS ou encore Bret et Couchot, parmi de nombreux autres artistes et collectifs d'artistes.
Les robots et logiciels sont capables de produire des formes d'art qui peuvent être comparées à celles de l'Homme. Mais est-ce qu'on peut pour autant considérer les logiciels et les robots comme des artistes, et leurs œuvres comme des œuvres d'art ?
Un robot pourrait-il créer une sculpture, une peinture, sans l'intervention de l'être humain ? C'est ce que nous verrons en montrant dans un premier temps qu'il semble que certaines œuvres soient basées sur l'interaction humaine, ce sans quoi elles perdraient tout leur intérêt. Pourtant parmi elles, certaines sont proches d'une haute technologie ce qui leur permettent d'acquérir la capacité d'improviser. De plus, certaines œuvres ne créent pas à proprement parlé un visuel mais créer le doute et invitent le spectateur à se poser des questions.

Dans l'ère du Numérique, certains travaux d'artistes ont la spécificité d'être basé essentiellement sur l'interaction avec le spectateur. Autrement dit, sans interaction l'œuvre perd de son sens. Prenons l'exemple d'une œuvre réalisée par le collectif international d'art Team Lab : Étant une installation réalisée en 2018, « Univers de Particules d'Eau » est une œuvre numérique tridimensionnelle en constante évolution car elle interagit avec les mouvements du visiteur. D'ailleurs le flux de la cascade influence les autres œuvres. A priori, tout est programmé mais comme l'œuvre est interactive, on peut mettre en lien ce concept avec la notion du "1 % de Hasard". De même que l'œuvre des artistes Michel Bret et Edmond Couchot réalisée en 2005. « Pissenlits » fut présenté à l'exposition Artistes&Robots en 2018. Cette œuvre prend vie grâce au souffle réel des spectateurs, qui deviennent acteur. Là encore la notion du "1 % de Hasard" est omniprésente car chaque expérience est unique et finalement sans ce souffle réel, l'aspect interactif serait inexistant et l'image virtuel serait figée. En parlant d'image, nous pouvons citer l'artiste Nam June Paik avec son installation «Olympe de Gouges » réalisée en 1989. Cette œuvre fait partit de la famille-robot destiné à l'exposition pour le bicentenaire de la Révolution Française. Il crée des personnages à partir de postes télévisés, empilées de façon à former une silhouette. Sur chaque écran, des images défilent et le regard se perd dans la succession des détails que l'œil ne peut isoler ou arrêter.

En revanche, certaines oeuvres d'art sont proche de la haute technologie ce qui leur permet d'acquerir des capacités d'improvisations par exemple. Nous pouvons citer l'ingénieur Matteo Suzzi et son robot-pianiste virtuose «TeoTronico» qui est capable de joué des morceaux de musique en autonomie. Ce robot fut réalisé dans le but de mettre l'accent sur l'importance de la créativité et des émotions, par opposition à l'exactitude des exécutions du robot. D'ailleurs «Nos vies sont de plus en plus envahies par la technologie, et il est important de ne pas perdre notre identité et la conscience de nos émotions.» explique-t-il .  De plus, le développeur Louis McCallum a lui aussi réalisé un robot musicien en 2018. Le robot-batteur «Mortimer» est capable d'improviser à la batterie sur de l'électro. L'intelligence artificielle de ce robot est programmée pour analyser l'intensité du jeu sur un clavier, la durée d'une note, ce qui permet au robot de jouer en harmonie avec l'Homme. En parlant d'intelligence Artificielle, au sein du laboratoire de recherche Sony CSL à été réalisé l'IA «Flow Machines», un projet qui a duré 4 ans. L'IA est capable de composer des morceaux musicaux s'inspirant par exemple du style musical des Beatles comme on peut l'entendre dans son morceau  «Daddy's car».

Nous avons d'autres oeuvres qui ont des objectifs psychiques vis-a-vis du spectateur, elles ne crée pas un visuel à proprement parlé mais provoque des questionnements et crée le doute chez les spectateurs de sortes qu'ils soient mené à réfléchir.
Nous pouvons faire référence à Pascal Haudressy, artiste multimédia, auteur de «Brain» faisant parti de sa série «Organs». Cette oeuvre tridimensionnelle réalisée en 2009 et composée de vidéo, d'écran, de plexiglas, représente un cerveau humain. Il se sert d’un programme informatique pour réaliser ces images détournée par lui même en introduisant des défaillances électroniques et des bugs, forçant l’ordinateur à recalculer sans cesse les coordonnées de chaque pixels.
Par ses oeuvres il invite à questionner le devenir de humanité à l'ère du numérique.
De plus, depuis plus d'un an, Pierre Fautrel, Hugo Caselles-Dupré et Gauthier Vernier, apprennent à des réseaux de neurones artificiels à générer des portraits classiques. Leur toile «Edmond de Belamy» porte un renouveau dans l'art entre créativité humaine et intelligence artificielle. Toile réalisée par des algorithmes et signée par une formule mathématique. Leur création, sorte de collaboration entre l’humain et l’intelligence artificielle, marque une césure dans l’histoire de l’art.

Pour conclure, les logiciels et robots ne peuvent être reconnu à par entière comme étant artiste car pour la technologie, il n'y a rien d'intentionel, elle éxécute. Elle ne peut pas être une unité libre et en totale autonomie. Malgré leur spécificités, l'Homme reste entièrement nécessaire pour la réalisation. Premièrement car sans l'Homme, les robots et logiciels n'existerait pas. Puis les oeuvres sont créer justement dans le but d'intéragir avec l'Homme, qu'elles soient intéractive ou robot-pianiste, un lien entre la technologie et l'Homme se tisse peu importe l'oeuvre. Sans cette présence humaine l'oeuvre ne peut être réalisée et ne peut réaliser à son tour.

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•2017
•impression sérigraphique sur toile
•40×40 cm

# data[].attributes.body
•2018
•150×50cm
•impression pigmentaire

# data[].attributes.body
•2018
•150×50 cm
•Impression pigmentaire

(bordeline:limite)

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1959

# data[].attributes.body
1959

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• Artiste d'avant-garde rebel.
• Rencontre en 1956 avec Niki de Saint Phalle
• 《La technique n'est rien, elle s'apprend. Le rêve est tout 》
• Les Nouveaux Réaliste
• Niki rêvait de "faire saigner la peinture" durant la période de la guerre d'Algérie. Elle tirait sur la société et ses injustices.
• Baluba ( à propos de l'Afrique )
• Soisy-sur-école
• lettre-dessin : longue correspondance
• 《des machines qui ne servent à rien》
=> 15'30

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Il serait souhaitable d'avis plus de référence sur le corpus élargi Léa

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Robot Art: Harvey Moon's Drawing Machines

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http://www.exporevue.com/magazine/fr/sandison_baronian.html

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Chaque support a ses propres caractéristiques et avantages, et le choix dépendra généralement du style de peinture, de la technique utilisée et des préférences personnelles de l'artiste.

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Michael Hansmeyer: Une colonne en carton avec 16 millions de facettes - Journal du Design

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Michael Hansmeyer: Une colonne en carton avec 16 millions de facettes. Michael Hansmeyer basé à Zurich est un architecte informatique qui utilise

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O'Black (Atelier Clandestin) 2004-2005

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L'œuvre

concept.resource

À propos de l'œuvre

Malachi Farrell (1970 - )

O'Black (Atelier clandestin)

2004 - 2005

31 distributeurs d'air comprimé 1 machine à fumée 250/350kg de tissu et vêtements inifugés transfos ampli 2 tableaux de bord 1 lecteur MP3 1 copie CD de sauvegarde câblage et tuyau pvc

Cette Installation a été crée à la Tôlerie (Clermont-Ferrand) en collaboration avec l'association In Extenso et le Centre Georges Pompidou où elle a été présentée, par la suite, lors de l'exposition Dyonisiac. Illustration sonore : Bernard Papritz

Dans une pièce obscure dont le sol est jonché de tissus et de vêtements, du mobilier et des objets sont installés de façon à reconstituer un atelier de couture : 5 chaises plastiques, 5 machines à coudre, 6 ampoules, 10 trétaux en bois avec 5 planches en bois, 1 ceinture en cuir sur structure en aluminiun avec 2 étuis à pistolet, 2 pistolets en plastique, 1 bureau en tôle d'acier plié monté sur palette en bois, 2 sifflets sur 1 pied en acier, 1 halogène sur pied, 3 nanomètres, rails en acier, 1 pompe à eau, 1 bac en plastique

Achat, 2006

Numéro d'inventaire : AM 2006-14

En savoir plus

Extrait du catalogue Collection art contemporain - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Sophie Duplaix, Paris, Centre Pompidou, 2007

La pratique énergique de Malachi Farrell s'affirme comme une critique des systèmes sociaux, politiques et économiques qui régissent le monde actuel. L'artiste emploie des matériaux et des objets le plus souvent récupérés, qu'il mêle à des dispositifs technologiques pointus relevant de l'informatique, de l'électronique et de la mécanique, ainsi qu'à des images et des slogans issus des médias ou du registre militaire. Le robot, utilisé comme figure de l'antagonisme homme/société, devient l'acteur principal de petites saynètes où il apparaît à la fois victime et bourreau, prenant le spectateu...

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Autres reproductions de l'œuvre

Malachi Farrell (1970 - )

O'Black (Atelier clandestin)

2004 - 2005

31 distributeurs d'air comprimé 1 machine à fumée 250/350kg de tissu et vêtements inifugés transfos ampli 2 tableaux de bord 1 lecteur MP3 1 copie CD de sauvegarde câblage et tuyau pvc

Cette Installation a été crée à la Tôlerie (Clermont-Ferrand) en collaboration avec l'association In Extenso et le Centre Georges Pompidou où elle a été présentée, par la suite, lors de l'exposition Dyonisiac. Illustration sonore : Bernard Papritz

Dans une pièce obscure dont le sol est jonché de tissus et de vêtements, du mobilier et des objets sont installés de façon à reconstituer un atelier de couture : 5 chaises plastiques, 5 machines à coudre, 6 ampoules, 10 trétaux en bois avec 5 planches en bois, 1 ceinture en cuir sur structure en aluminiun avec 2 étuis à pistolet, 2 pistolets en plastique, 1 bureau en tôle d'acier plié monté sur palette en bois, 2 sifflets sur 1 pied en acier, 1 halogène sur pied, 3 nanomètres, rails en acier, 1 pompe à eau, 1 bac en plastique

Achat, 2006

Numéro d'inventaire : AM 2006-14

Extrait du catalogue Collection art contemporain - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Sophie Duplaix, Paris, Centre Pompidou, 2007

La pratique énergique de Malachi Farrell s'affirme comme une critique des systèmes sociaux, politiques et économiques qui régissent le monde actuel. L'artiste emploie des matériaux et des objets le plus souvent récupérés, qu'il mêle à des dispositifs technologiques pointus relevant de l'informatique, de l'électronique et de la mécanique, ainsi qu'à des images et des slogans issus des médias ou du registre militaire. Le robot, utilisé comme figure de l'antagonisme homme/société, devient l'acteur principal de petites saynètes où il apparaît à la fois victime et bourreau, prenant le spectateu...

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O'Black (Atelier clandestin) | Centre Pompidou

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L'œuvre concept.resource Malachi Farrell (1970 - ) O'Black (Atelier clandestin) 2004 - 2005 31 distributeurs d'air comprimé 1 machine à fumée 250/350kg de tissu et vêtements inifugés transfos ampli 2 tableaux de bord 1 lecteur MP3 1 copie CD de sauvegarde câblage et tuyau pvc Cette Installation a été crée à la Tôlerie (Clermont-Ferrand) en collaboration avec l'association In Extenso et le Centre Georges Pompidou où elle a été présentée, par la suite, lors de l'exposition Dyonisiac.

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http://duzhenjun.com/text/du-zhenjun-dominique-moulon/

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webdeisgn : Hélène C propulsé by Worldpress. Tout le contenu © 2021 by DU ZHEN-JUN 杜震君

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peinture numérique d'après photographie

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peinture numérique d'après photographie

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VERY VERY GOOD JOB LÉA!!!
Corpus dense et pertinent.
Une bonne approche de la question.
Tu es outillée pour l'épreuve!

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Vraiment intéressant ces expérimentations.
J'ai hâte d'en parler et de voir comment tu envisages de les exposer en partie ou en totalité.