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Emprise et soumission . Le regard clairvoyant de Christiane Singer.

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Regardez Emprise et soumission . Le regard clairvoyant de Christiane Singer. - Pierrette Thulliez sur Dailymotion

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Avec Seul ce qui brûle, adaptation du roman éponyme de Christiane Singer, Julie Delille nous plonge dans les affres d'une passion extrême, où l'homme se confond avec l'animal. Sombre, lent, traversé par une parole précise et élégante, ce théâtre se place hors de l'époque pour en dire l'étrange et la violence.

" La philosophie d'aujourd'hui veut nous persuader que nous sommes différents des bêtes. Je ne le crois pas un seul instant. J'ai hérité pour ma part de la prescience que je leur vois si souvent, de cet instinct qui anticipe cataclysmes et accalmies ". Prononcés par la comédienne Lyn Thibault dans Seul ce qui brûle, adaptation du roman éponyme de Christiane Singer, illustrent la parenté entre cette pièce et Je suis la bête, la deuxième création de Julie Delille à la tête de sa compagnie Les Trois Parques créée en 2015. Dans ce seul en scène, elle incarnait en effet elle-même une protagoniste davantage à son aise parmi les animaux que parmi les hommes : Méline, l'enfant sauvage imaginée par Anne Sibran dans un récit à la poésie singulière et trouée de silences. La continuité ne se limite pas au sujet : baignées dans une semi-pénombre, d'une lenteur qui fait peu de concessions à l'action, les deux pièces présentent une esthétique à rebours de toutes les modes. Un charme sombre, hors-lieu et hors-temps.

Bien qu'entièrement épistolaire, à la mode du XVIIIème siècle - avec un côté XVème, l'auteure s'étant inspirée d'un récit de l' Heptaméron de Marguerite de Navarre - jusque dans sa langue ciselée, précise et d'une distinction rare, délicieusement surannée dans sa manière de dire les sentiments, le roman de Christiane Singer porte une théâtralité que Julie Delille a su saisir. La situation d'ouverture, celle qui déclenche l'écriture de Sigismund, Seigneur d'Ehrenburg, n'est autre qu'une forme de représentation. Comme chaque soir depuis que, par jalousie, il a tué le page qu'il soupçonnait être l'amant de sa femme Albe, celle-ci est contrainte de se livrer au rituel sordide que lui impose son mari : tandis qu'il est caché à sa vue par un artifice de lumières, il la force à boire dans le crâne de son prétendu amant. Le rituel devient jeu dès lors qu'un visiteur fait intrusion dans le sombre quotidien du couple. Soit le Seigneur de Bernage, dont l'identité importe en vérité très peu : il est le témoin, le spectateur saisi, transformé sans doute, par ce qu'il voit, et qui change en retour cette réalité. À peine posé sur eux, son regard fait en effet renaître entre eux l'amour étouffé par la violence.

Ce qui se produit entre ces trois personnages, cette métamorphose réciproque, est la définition idéale du théâtre. Et tout ce qui précède, l'amour fou et la violence, sont ce qui y mène. Julie Delille choisit pourtant d'effacer au maximum la part théâtrale de cette histoire de mort et de renaissance. Ou plutôt, elle l'aborde à sa façon : par le détour, par l'obscurité qui permet à Lyn Thibault et à Laurent Desponds de s'aventurer dans toutes les strates du texte. Elles sont nombreuses. Les beautés et ravages de l'amour, le rapport à la nature très fort chez Albe, la liberté que cette même femme parvient à cultiver en dépit de la solitude absolue où la tient son époux depuis le meurtre... Dans la scénographie et les costumes de Chantal de la Coste, qui cosigne aussi l'adaptation du roman - elle était déjà de Je suis la bête, de même qu' Elsa Revol aux lumières qui inquiètent autant qu'elles enveloppent -, les deux comédiens se font présences dépassées par leurs propres gestes, et par leurs mots qu'ils déploient avec une facilité et une distance qui ne sont pas celles des vivants.

Entre le monologue de l'homme et celui de la femme, un long silence nous permet d'observer dans tous ses détails l'étrange dedans-dehors où évoluent ses acteurs, et la tapisserie tantôt opaque tantôt translucide qui fait de chaque apparition/disparition de Lyn Thibault une sorte d'épiphanie. À ce moment-là, c'est toute la vision du théâtre de Julie Delille qui apparaît avec clarté. C'est sa manière de faire un monde avec peu, en excluant tout ce dont le théâtre n'a pas besoin pour exister. C'est son rapport essentiel au silence, qui fait penser à Claude Régy sans chercher à l'imiter, présent jusque dans les moments où la parole s'emballe, semble ne plus vouloir s'arrêter. Dans la pénombre de Seul ce qui brûle, il y a un théâtre puissant qui donne raison à Christiane Singer lorsqu'elle dit en préambule de son livre : " Rien ne m'apparaît plus apte à nous refléter l'irréalité de nos systèmes de pensée contemporains que l'exploration d'autres espaces humains d'égale chimère et d'égale fureur ".
Anaïs Heluin - www.sceneweb.fr
Seul ce qui brûle
Mise en scène : Julie Delille
D'après le roman de Christiane Singer publié en 2006 aux éditions Albin Michel
Avec : Laurent Desponds et Lyn Thibault Assistante à la mise en scène : Alix Fournier-Pittaluga Adaptation : Chantal de la Coste, Julie Delille Scénographie, costumes : Chantal de la Coste Création lumière : Elsa Revol Création sonore : Julien Lepreux Régie générale : Antonin Chaumet Décor Ateliers de construction : maisondelaculture de Bourges Administration : Cécile Pennetier Graphisme : David Morel à l'Huissier
Production : Théâtre des trois Parques
Coproduction : La maisondelaculture de Bourges, Scène nationale / Équinoxe, Scène nationale de Châteauroux / Théâtre de l'Union, Centre dramatique national du Limousin / Gallia Théâtre - Saintes / Théâtre de Chartres / festival Printemps des Comédiens - Montpellier / Centre dramatique national d'Orléans - Centre-Val de Loire.

Avec le soutien du Théâtre du Bois de l'Aune - Aix-en-Provence / de l'Abbaye de Noirlac - Centre Culturel de Rencontre / du CENTQUATRE-Paris.
Le Théâtre des trois Parques est soutenu par la DRAC Centre-Val deLoire, la région Centre-Val de Loire, le département du Cher et la commune de Montlouis, en Berry.
Julie Delille est depuis septembre 2019 artiste associée à La maisondelaculture de Bourges, Scène nationale. Elle est également artiste coopératrice du Théâtre de l'Union, Centre dramatique national du Limousin pour la saison 2020-2021.
Durée : 1h30 Vu au Centre Dramatique National d'Orléans Théâtre de l'Union / Centre Dramatique National de Limoges Les 15 et 16 décembre 2020 Equinoxe / Scène nationale de Chateauroux 6 et 7 janvier 2021 Théâtre Olympia / Centre Dramatique National de Tours Du 19 au 21 janvier 2021 Printemps des Comédiens - Montpellier

Reports sur saison 2021/22 Théâtre du Bois de l'Aune, Aix-en-Provence Théâtre d'Angoulême / Scène nationale Théâtre de Chartres

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/ critique / Seul ce qui brûle : le royaume incandescent Julie Delille

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Avec Seul ce qui brûle, adaptation du roman éponyme de Christiane Singer, Julie Delille nous plonge dans les affres d'une passion extrême, où l'homme se confond avec l'animal. Sombre, lent, traversé par une parole précise et élégante, ce théâtre se place hors de l'époque pour en dire l'étrange et la violence.

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Teaser du spectacle

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Seul ce qui brûle - Théâtre des trois Parques - création 6 octobre 2020

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Seul ce qui brûle, création le 6 octobre 2020. 
Théâtre des trois Parques mise en scène Julie Delille d'après le roman de Christiane Singer (Albin Michel, 2006)
avec Laurent Desponds et Lyn Thibault
adaptation Chantal de la Coste et Julie Delille
scènographie et costumes Chantal de la Coste création lumière Elsa Revol création sonore Julien Lepreux assistanat mise en scène Alix Fournier-Pittaluga 
www.theatredestroisparques.com

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critique de Seul ce qui brûle - Médiapart

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critique de Seul ce qui brûle - Médiapart

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On avait découvert Julie Delille avec un spectacle sombre, inquiétant, surprenant, bref : inoubliable, Je suis la bête (lire ici) d'après le magnifique livre éponyme d'Anne Sibran. Voici qu'elle nous revient avec un autre spectacle, lui aussi, prenant et envoûtant : Seul ce qui brûle d'après le non moins magnifique livre éponyme de Christiane Singer, librement inspiré d'une brève nouvelle de l' Heptaméron de Marguerite de Navarre. Deux textes puissants, hors mode, hors tout, et deux versions ou plutôt visions ou encore transfigurations scéniques puisant dans l'essence même du théâtre : une lumière qui vibre dans la nuit, des mots qui déchirent le silence, un corps qui advient comme une apparition.

Une coupelle d'eau

La compagnie de Julie Delille, le Théâtre des trois Parques, est implantée dans un petit village du Cher où elle habite, Montlouis. " Nous imaginons, au milieu de ces vastes étendues rurales, un théâtre-abri ", écrit-elle. Le nom de la compagnie n'est pas un gadget, c'est un engagement. Les trois divinités poétiques sont les garantes d'un théâtre qui met " le sensible et l'émotion " au cœur de " la recherche ". Comme pour Je suis la bête, Julie Delille fait tandem avec Chantal de la Coste qui signe les costumes, la scénographie et cosigne avec Julie Delille l'adaptation. Une belle complicité.

Le théâtre de Julie Delille naît de la nuit. Celle, profonde, de l'inconscient, des rêves, celle de désirs enfouis, celle de la sauvagerie indomptable des corps et des sentiments, celle du théâtre. Après les forêts humides, les pierres épaisses du château de Sigismund, seigneur d'Ehrenburg, nous voici plongés dans un temps ancien, immémorial, comme sorti des contes et légendes de France, de Flandres ou de Westphalie.

Faisant halte dans un château avec une compagnie de chasse, il la voit. Elle porte une coupelle d'eau à son chien en prenant garde de ne pas en verser une goutte. " La grâce meurtrière de son avancée, petit pas après petit pas, et sa cascade de cheveux mordorés à peine retenue d'une cordelière de soie me tinrent pétrifié. Je n'avais jamais rien vu de ma vie d'aussi beau ni d'aussi terrifiant que cette apparition ", dit Sigismund (interprété avec force et fêlures par Laurent Desponds). C'est le même mot (" Ce fut comme une apparition ") qui vient sous la plume de Flaubert quand Frédéric voit pour la première fois Madame Arnoux aux premières pages de L'Education sentimentale. Elle, c'est Albe (la fragilité faite force de l'actrice Lynn Thibault), elle a treize ans, Sigismund en a trente-cinq. Il l'épouse, elle l'avait entraperçu, elle savait que ce serait lui, " je reconnus celui que je n'avais jamais vu ".

Les années passent (maladie, fausse couche, mauvaises affaires), la passion appelle bientôt le poison de la jalousie. " Oserai-je dire jusqu'où me poussait ma folie ? J'étais comme jaloux de moi-même - de cet homme maussade dans les bras duquel elle se jetait si innocemment ", dit Sigismund. Alors, un jour où sa jeune épouse s'amuse avec un très jeune page et qu'il les voit rouler sur un lit, c'en est trop, il poignarde le page, séquestre Albe dans sa chambre, la prive de la lumière du jour, lui fait raser la tête par un barbier. Chaque soir, à l'heure du dîner, disposant les lumières en sorte qu'elle ne le voit pas, Sigismund la regarde, l'oblige à boire de l'eau dans la coupe que forme le crane du page serti d'argent, métamorphose cruelle de la coupelle qu'elle apportait à son chien le premier jour où il la vit.

Un soir, un ami de Sigismund, le seigneur de Bernage, alors qu'il est de passage, est témoin de cette scène du bol-crâne qui le saisit. Le lendemain, avant de prendre congé, il demande à présenter ses hommages à l'épouse séquestrée, dit à cette dernière qu'il la tient " pour la plus malheureuse des femmes ". Elle pleure, puis parle. Sigismund voyant sa " détresse d'amour " est anéanti. L'ami lui demande de pardonner. Le couple se retrouve, leurs corps se mêlent à nouveau. Albe veillera sur les derniers instants de son époux, enceinte d'un quatrième enfant.

Des lettres adressées

Christiane Singer a construit habilement son récit par des lettres, mode chère au XVIII e siècle dont elle aime également la langue soignée. D'abord, une longue lettre de Sigismund au seigneur de Bernage, puis une lettre de son épouse au même destinataire (suivies d'autres, plus courtes pour conclure). Cette construction du récit se traduit dans le spectacle par un renversant renversement de lumière. Sigismund (qui a parlé) et Albe (qui va parler), dans leur enfermement respectif, nous regardent nimbés de pénombre. Alors la lumière de la salle se rallume, non pas pleinement, mais à peine, le public est saisi, comme interdit, troublé, puis, au comble de l'incertitude, la lumière de la salle baisse et Albe parle.

Pas de dialogue donc. Mais deux récits qui se répondent. Autant la douleur alourdit le corps de l'homme, autant celui de son épouse, plus jeune, semble s'alléger dans l'épreuve qui lui est infligée et qui la grandit. Aucun dialogue donc, mais des frôlements, des regards voilés de larmes retenues, tout un jeu d'apparitions, disparitions orchestré par le magnifique travail de la lumière (Elsa Revol), le bouleversant lamento du son (Julien Lepreux) et l'imposant grand rideau tissé entre les pans duquel Albe, encore et encore, apparaît.
Seul ce qui brûle, Le roman de Christiane Singer, paru chez Albin Michel, est disponible en Livre de poche. création à la Maison de la Culture, scène nationale de Bourges, où Julie Delille est artiste associée, jusqu'au 8 oct, puis tournée :
Théâtre du Bois de l'Aune, Aix en Provence les 4 et 5 nov ; Théâtre de l'Union / CDN de Limoges, les 17 et 18 nov ; Scène nationale d'Angoulême, les 20 et 21 nov ; Gallia Théâtre de Saintes le 26 nov ; CDN d'Orléans du 1er au 4 déc ; Théâtre de Chartres , le 8 déc ; Equinoxe - Scène nationale de Châteauroux les 6 et 7 janv ; Théâtre Olympia / CDN de Tours du 19 au 21 ; Printemps des Comédiens, Montpellier en juin 2021.
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Julie Delille: ce fut comme une apparition

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Après l'extraordinaire " Je suis la bête ", Julie Delille signe " Seul ce qui brûle " adapté du roman incandescent au titre éponyme de Christiane Singer. Un théâtre magnifiquement à contre-courant : lent, sombre, envoûtant, hors temps, creusant ce lit du théâtre qu'est l'apparition d'un être face à un autre qui le fascine.

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Site internet du Théâtre des trois Parques

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Site internet du Théâtre des trois Parques

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Theatre des trois parques * comédienne * Julie Delille * Anne Sibran * je suis la bête * Nous c'est le silence qui raconte, les hommes il leur faut une voix...

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Nous recevons pour cette émission Anne-Camille Charliat, docteure en philosophie avec une thèse consacrée à la couleur et la lumière, et qui a publié des entretiens avec Soulages sous le titre de L'intériorité dans la peinture, aux éditions Hermann (2019).

Soulages, c'est ce peintre qui a opéré une révolution de notre regard sur une couleur dont il est devenu, aujourd'hui, indissociable : le noir. L'artiste n'a cessé d'exploiter et d'explorer cet objet chromatique unique et mystérieux, en variant matériaux, techniques, lumières, ou encore la disposition spatiale des oeuvres.

Ce qui est tout à fait unique dans la peinture de Pierre Soulages, c'est qu'il appréhende la lumière à travers le noir. Le noir est son instrument et la lumière est son matériau. La lumière comme matériau pictural, c'est tout à fait paradoxal et en même temps riche de possibilités [...]. Il appréhende le noir comme un noir fécondant, qui tout d'un coup fait voir, un noir matériel, qui fait naître la visibilité. (Anne-Camille Charliat)

Voyage métaphysique dans le néant, là où toute possibilité de voir semble abolie, la peinture de Soulages emmène le spectateur de l'autre côté du noir, comme Lewis Carroll emmenait Alice et son lecteur de l'autre côté du miroir. Derrière le noir, au-delà du noir, c'est là qu'est " l'outre-noir ", cet espace délimité par Soulages hors des territoires traditionnels du visible.

La naissance de l'outre-noir, c'est 1979. Avant, il utilise bien sûr le noir, mais plutôt comme une couleur de contraste, puisqu'il y a du bleu, du rouge dans ses peintures. Et, à partir de 1979, il recouvre entièrement ses toiles d'un unique pigment, le noir, qui n'est pas traité, en revanche, de manière monochrome. Pierre Encrevé caractérisait ce noir comme pigment monopigmentaire, mais pas monochrome [...]. Monopigmentaire à variations chromatiques : monopigmentaire au sens où il n'y a qu'un seul pigment, mais qui est révélateur de couleurs, de couleurs qui sont les effets de la lumière, en interaction avec ce noir qui est travaillé tout en textures. Il y a des opacités, des transparences... (Anne-Camille Charliat)

Anne-Camille Charliat nous aide à y voir plus clair dans les théories de l'artiste et dans cette terra incognita et oscura qu'est sa peinture.

Lui-même dit que le noir est une couleur violente, qui incite à l'intériorisation. C'est la couleur la plus riche de possibles, une couleur intense, qui se rapporte à nos origines. (Anne-Camille Charliat)

L'autre grand artiste du noir que nous nous proposons d'évoquer dans cette émission est le peintre Mark Rothko.

Imprégnée de religiosité et de philosophie, sa peinture aura notamment eu pour but d'explorer la vie intérieure, à travers ces grands quadrilatères de peinture devenus sa signature visuelle. A côté des couleurs éclatantes d'une partie de son oeuvre, influencée par Matisse mais aussi par le concept nitzschéen de clarté, Rothko a également exploité la couleur noire. L'artiste, assombrissant progressivement sa palette au cours de sa carrière, semblait cheminer vers une luminosité du noir : à la rencontre, peut-être consciente, de Pierre Soulages.

Lorsque Rothko reçoit la commande de quatorze toiles pour une chapelle à Houston, il rompt entièrement avec sa pratique, avec sa palette classique pour des teintes plutôt sombres : du rouge, du brun, du bordeau. On est très très proche du noir, et il cherche à exploiter le pouvoir réfléchissant et proprement lumineux du noir. (Anne-Camille Charliat)

La fin de notre émission sera consacrée à la chronique du jour. Alexis Brocas, romancier, critique et directeur-adjoint au nouveau magazine Lire-Magazine littéraire nous y parle des "mythologies des épidémies", une enquête qu'il a rédigée pour ce même magazine.

MUSIQUE GÉNÉRIQUE (début) : Panama, de The Avener (Capitol)

MUSIQUE GÉNÉRIQUE (fin) : Nuit noire, de Chloé (Lumière noire)

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Vers la luminosité du noir (Rothko et Soulages) - Ép. 3/4 - Le Noir est une couleur

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Qu'y a-t-il au-delà du noir ? Le noir est-il la limite extrême du visible ? Du cheminement philosophique de Mark Rothko en direction d'une luminosité du noir, à l'" outre-noir " de Pierre Soulages, notre émission emprunte à deux artistes majeurs leurs regards sur cette couleur énigmati[...]

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Émission France Culture

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Avec : Eric Dussert, critique littéraire et essayiste, auteur de Cachées par la forêt : 138 femmes de lettres oubliées (Table ronde, 2018) et Frédéric Maget, président de la Société des amis de Colette et directeur du Festival international des écrits de femmes

À 15 h 30 : la chronique de Chantal Bigot, de la librairie "Les Amazones", spécialiste des écrits de femmes

À 15 h 55 : Jacques Bonnaffé termine cette semaine par la lecture d'un texte de Tonino Guerra, entre prose et poésie, tiré de son ouvrage Il pleut sur le déluge.

MUSIQUE GÉNÉRIQUE : Panama, de The Avener (Capitol) fin : Dwaal, de Holy Stays (Something in Construction)

MUSIQUE CHRONIQUE : Self portrait de Chilly Gonzales (Gentle threat)

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Avec : Eric Dussert, critique littéraire et essayiste, auteur de Cachées par la forêt : 138 femmes de lettres oubliées (Table ronde, 2018) et Frédéric Maget, président de la Société des amis de Colette et directeur du Festival international des écrits de femmes À 15 h 30 : la chronique de Chantal Bigot, de la librairie "Les Amazones", spécialiste des écrits de femmes À 15 h 55 : Jacques Bonnaffé termine cette semaine par la lecture d'un texte de Tonino Guerra, entre prose et poésie, tiré de son ouvrage Il pleut sur le déluge.

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Émission France Culture

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Force d'un prénom et pouvoir du nom. Marie de France et Christine de Pizan, aujourd'hui amour courtois lais et ballades, deux voix féminines de la poésie médiévale.

L'une poétesse du tournant du 15ème siècle, première femme dit-on à avoir vécu de sa plume, et sa plume fut prolixe et volontaire, vers, prose, lais, rondeaux, mais aussi textes politiques, philosophiques, un traité militaire, une presque autobiographie, une apologie des femmes, une participation centrale et vigoureuse à la fameuse querelle du Roman de la Rose et des ballades, dont les Cent Ballades d'Amant et de Dame écrits en 1406 qui reparaissent dans une édition bilingue présentée par Jacqueline Cerquiglini-Toulet.

L'autre Marie de France, poétesse à la biographie et géographie plus flottante mais qui laissa dans le dernier tiers du XIIème siècle, c'est-à-dire aux tout débuts de la littérature en langue d'oil ses 12 très fameux lais, entre merveilleux et effets de réel empruntés aux légendes Bretonne et dont Viviane Griveau-Genest examine les ressorts littéraires sous le signe du raffinement dans un essai paru aux Presses Universitaires de Rouen et du Havre.

Avec Jacqueline Cerquiglini-Toulet, Professeure de Littérature française médiévale à la Sorbonne (Paris IV), membre de l'Institut universitaire de France, pour Cent ballades d'amant et de dame de Christine de Pizan (Poésie Gallimard).

et Viviane Griveau- Genest, Chargée de cours à l'université Sorbonne Nouvelle et à l'École polytechnique pour Ecriture du raffinement. L'esthétique des lais de Marie de France (Presses Universitaires de Rouen et du Havre. )

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Force d'un prénom et pouvoir du nom. Marie de France et Christine de Pizan, aujourd'hui amour courtois lais et ballades, deux voix féminines de la poésie médiévale.

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La Vocation de Saint Matthieu, Le Caravage, 1600.

Analyse de l'œuvre

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Le ténébrisme (en italien, tenebroso) est un style de peinture d'art où la lumière directe, sans diffusion, produit des effets de lumière contrastés avec les zones non éclairées qui dominent et servent de fond. Ainsi, les volumes se détachent en pleine lumière sur les ténèbres qui les environnent.

Le ténébrisme est l'une des caractéristiques du caravagisme mais cette pratique, comme la lumière naturelle directe et tout comme la peinture à la chandelle, était déjà employée dans la peinture italienne et en Europe du Nord avant Caravage[1] . Le succès que Le Caravage a obtenu après la réalisation de l'ensemble des peintures de Saint-Louis-des-Français (1599-1600) et le prix atteint, de son vivant, par ses tableaux, ont entrainé un usage massif de procédés, dont le ténébrisme, observable dans ses tableaux, a suscité un engouement chez de très nombreux peintres, dont ceux que l'on appelle les caravagesques.

Principes

Tintoret, L'Adoration des mages (détail), huile sur toile, vers 1582, Scuola Grande di San Rocco, Venise.

Le terme est habituellement appliqué aux artistes à partir du XVII e siècle, bien que le Tintoret, Jacopo Bassano et El Greco soient considérés comme ténébristes alors qu'ils pratiquent en général le clair-obscur. Mais certaines de leurs peintures correspondent à la pratique du ténébrisme. El Greco a ainsi peint Garçon allumant une chandelle, ou soufflant sur un tison ( Muchacho encendiendo una candela, ou El soplón, 1570-1572, Museo Nazionale Di Capodimonte, Naples) qui relève pleinement du ténébrisme.

Cet art est parfois qualifié de vulgaire car il emprunte ses sujets à la vie quotidienne et la lumière surgissant des ténèbres comme instrument de spiritualité qui s'affirme dans cette époque de la Contre-Réforme.

Parmi les ténébristes les plus connus, si on peut placer Le Caravage, généralement vu comme celui qui a rendu courant ce genre (dont le style encore plus précis est nommé caravagisme), il faut lui rendre ses suiveurs italiens et hollandais (l' école d'Utrecht), et en particulier Francisco Ribalta, Jusepe de Ribera et leurs suiveurs espagnols. Il est parfois appliqué à Georges de La Tour, qui a peint beaucoup de scènes éclairées par seulement une bougie, également à Rembrandt et à Zurbarán.

Il faut distinguer dans le ténébrisme le courant esthétique du mode d'expression qui s'en inspire : ainsi le terme n'est pas souvent employé pour Adam Elsheimer, bien qu'il ait été un innovateur important dans les scènes nocturnes de peinture éclairées seulement dans certaines zones qui sont toujours pleines de détail et d'intérêt. Des compositions postérieures et semblables ont été peintes par Eugène Delacroix, Joseph Wright of Derby et d'autres artistes du mouvement romantique, mais le terme est rarement employé pour caractériser leur travail en général.

La différence entre le ténébrisme et le clair-obscur a peut-être été exprimée au mieux par Rudolf Wittkower :

" Avec les isolats de lumière de Caravaggio, elle ne crée ni l'espace ni l'atmosphère. L'obscurité dans ses images est quelque chose de négatif, l'obscurité est où la lumière n'est pas, et c'est pour cette raison que la lumière se heurte sur ses figures et objets comme sur les formes pleines et impénétrables et ne les dissout pas, comme cela se produit dans le travail du Titien, du Tintoret et de Rembrandt. "

Notes et références

↑ Catherine Puglisi 2007, p. 374. Et elle poursuit ainsi : " ... pour exprimer la divinité la lumière directe était tantôt utilisée seule [...] tantôt combinée à la lumière artificielle... " La vie terrestre étant considérée dans la culture de la Contre-Réforme comme plongée dans des Ténèbres, la chapelle Cerasi, à S. Maria del Popolo, à Rome où Caravage réalisa l'une de ses premières œuvres ténébristes, avec la Conversion de saint Paul (v. 1604), porte ainsi sur le tombeau du défunt l'inscription : " POST TENEBRAS SPERO LUCEM " (" Après les ténèbres, j'espère la Lumière ").

Voir aussi

Bibliographie

Catherine Puglisi, Caravage, Paris, Phaidon, , 448 p. (ISBN 978-0-7148-9995-4 ) . Première édition (en) 1998.

(en) Rudolf Wittkower, Art and Architecture in Italy, 1600-1750, 1958, 3e édition 1973, Penguin, traduction française (de la 4e éd. anglaise) par Claude F. Fritsch, Hazan, 1991 : Art et architecture en Italie (ISBN 2-85025-239-5 ).

Articles connexes

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Le Luminisme

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Célèbre en son temps, Georges de La Tour (1593-1652) tomba dans l'oubli pendant près de deux siècles et demi. Retour sur 6 œuvres phares d'un des artistes les plus mystérieux du XVIIe siècle.

Oublié pendant près de trois siècles, La Tour fut redécouvert grâce aux travaux de l'historien Fraçois-Georges Pariset, qui lui consacra une thèse en 1947, mais il subsiste encore, sur son œuvre et sur sa vie, des zones d'ombre. S'il reste l'un des artistes les plus mystérieux du XVIIe siècle, il n'en occupe pas moins une place de choix aux côtés des grands peintres comme Nicolas Poussin, Claude Gellée ou les frères Le Nain. Proche des caravagesques par ses sujets, Georges de La Tour a peint des toiles religieuses et des scènes de genre.

1- Job raillé par sa femme

C'est le premier tableau de Georges de La Tour entré dans une collection publique lorraine. II se trouvait en 1820 dans la collection du peintre Martin-Nicolas Krantz, originaire de Nancy. Achété en 1825 par le duc de Choiseul, it fut offert au musée d'Epinal en 1829 comme œuvre de " l'école italienne ". Rapproché en 1900 du Nouveau-Né conservé à Rennes, il put être attribué à La Tour dans les années 1920. La certitude unanime de la critique se trouva renforcée par la signature "...De La Tour fecit. ", découverte lors de la restauration de 1972. Le tableau est malheureusement assez usé. Le sujet est rare et difficile : homme riche et pieux, intègre et droit, Job est soudain frappé d'une série de calamités plus terribles les unes que les autres, et qui le mettent à l'épreuve. Ce sujet est, dans l'œuvre connu de La Tour, le seul qui soit emprunté à l'Ancien Testament. II est traité différemment de l'iconographie habituelle, l'artiste mettant en avant ici la vertu de la patience. En illustrant le Livre de Job, qui a suscité maints commentaires et représentations diverses, La Tour témoigne d'une culture biblique très avertie.

2- La Diseuse de bonne aventure

L'anecdote du jeune homme de bonne famille berné par des bohémiennes fut traitée avec prédilection par les peintres caravagesques. Vouet, Valentin, Manfredi, Caravage lui-même, ont tiré parti de l'exotisme des " Égyptiennes ", du riche arrière-plan imaginaire lié à la prédiction, à la fortune et au destin. La Tour campe ici cinq protagonistes - le jeune homme, la vieille bohémienne et ses trois complices - dans une composition aux fortes articulations géométriques, qui commandent le jeu des regards et des mains. Il faut restituer par la pensée la composition originale - le tableau a été notablement rogné à gauche -, dont l'axe de symétrie passait par l'œil gauche du jeune homme. Dans son étude sur " les sujets picaresques dans l'œuvre de La Tour ", écrite à l'occasion des expositions de Washing¬ton et de Fort Worth, Gail Feigenbaum a pu établir que les Nouvelles exemplaires de Cervantès entretiennent avec le tableau un lien direct. Dans La Gitanilla intervient une jeune bohémienne, Preciosa - une enfant volée - dont le teint délicat ne fut en rien altéré par le soleil et le vent. L'histoire de " la belle Égyptienne ", dont un gentilhomme tombe amoureux, fut popularisée du vivant de Georges de La Tour par des pièces de théâtre. Ainsi le tableau s'éclaire-t-il autrement. Les auteurs espagnols étaient lus et appréciés en Lorraine. La Tour les lisait-il dans le texte, comme son compatriote Callot ?

3- Le Tricheur

Le theme du jeu - et du tricheur au jeu - est, avec celui de " la diseuse de bonne aventure ", l'un de ceux sur lequel les caravagesques s'arrêtèrent le plus volontiers. II est parfois associé au sujet évangélique de l'Enfant prodigue, qui permet de figurer librement de pittoresques figures de maquerelles et de ruffians. On connaît deux versions du Tricheur, celle-ci et le Tricheur à I'as de trèfle de Fort Worth (Kimbell Art Museum). Découvert en 1926, acheté par le musée du Louvre en 1972, ce tableau capital a permis de reconstituer l'œuvre " diurne " de La Tour. Les analyses scientifiques ainsi que les radiographies des pigments et des couches picturales, effectuées en 1993, ont mis en évidence les techniques de préparation utilisées par Georges de La Tour pour le fond de la toile. Ces études de laboratoire ont permis de comparer les deux versions et situer le tableau du Louvre vers 1630, époque où l'évolution technique du peintre de Luneville le conduit vers des œuvres nocturnes, peintes sur des couches de préparation de plus en plus sombres.

4- La Madeleine pénitente

Le thème du repentir de Marie-Madeleine a fasciné La Tour. II s'accordait aussi au climat spirituel d'une époque qui fut celle des grandes conversions. L'existence de séductrice de Madeleine, son repentir, ses larmes sur les pieds de Jésus qu'elle essuya de ses longs cheveux, sa présence au pied de Ia Croix, sa pénitence dans la grotte de Ia Sainte-Baume, la désignent comme le modèle de l'amour absolu. Les Madeleine de La Tour sont des jeunes femmes qui ont les cheveux sombres et lisses des " bohémiennes ". Elles font le geste pensif de Ia Mélancolie, touchent de la paume le crâne, fixent du regard la flamme d'une chandelle ou d'une lampe huile. Le crucifix, la discipline, les livres composent tout le décor de leur sainte solitude. La Tour a accordé une attention particulière aux sources d'éclairage, et même aux aspects techniques du luminaire. C'est ici une veilleuse contenant de l'huile où baigne une mèche enduite de cire, retenue par un délicat dispositif métallique. La flamme qui monte et charbonne, au point de se terminer en deux filets de fumée, est associée dans la littérature dévote du XVIIe siècle à l'espérance, à l'élan de l'âme vers le divin.

5- Le Nouveau-Né

Le tableau de Rennes est le plus célèbre, le plus admiré de l'œuvre de La Tour. Il n'a cessé d'inspirer les écrivains et les peintres. Hippolyte Taine lui consacre une longue description dans ses Carnets de voyage (1863), un demi-siècle avant son attribution à Georges de La Tour : " Rien ne peut exprimer ce profond sommeil absorbant, comme celui dont il dormait, le pauvre, huit jours auparavant dans le ventre de sa mère ; le front sans cheveux, les yeux sans cils, la lèvre inférieure rabaissée, le nez et la bouche ouverts, simples trous pour respirer l'air, la peau unie, luisante, que l'air a touchée encore à peine. tout l'engloutissement primitif dans la vie végétative. La lèvre supérieure est retroussée; il est tout entier à respirer. Le petit corps est collé et serré dans ses langes blancs, raides comme dans une gaine de momie. Impossible de rendre mieux la profonde torpeur primitive, l'âme encore ensevelie. (...) Le sujet n'est rien ; comment l'artiste a-t-il saisi, de quelles prises, avec quelle profondeur a-t-il compris la réalité physique colorée et vivante ? Plus un homme est un peintre, plus il est incessamment et éternellement occupé de faire vrai. "

6- Apparition de l'ange à saint Joseph

Saint Joseph est tombé de sommeil sur son livre. II a oublié de ce fait d'utiliser les mouchettes posées sur le chandelier, qui, à l'évidence, ont une signification symbolique : renoncement, consentement à l'épreuve nécessaire. Ainsi, cet objet discret joue-t-il son rôle dans un tableau qui manifeste, avec une extraordinaire poésie, une donnée invisible, un épisode de la vie de l'âme. La Tour emploie la chandelle, cachée presque entièrement par la manche du gracieux messager, pour créer une atmosphère de mystère, d'intimité et de méditation. Seuls le visage de l'ange, pétri d'innocence enfantine, et l'écharpe de dentelle précieuse nouée à sa taille, semblent illuminés par la flamme. Ou bien est-ce ce visage céleste qui est lui-même source de lumière ?

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Georges de La Tour en 6 chefs-d'œuvre | Connaissance des Arts

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Célèbre en son temps, Georges de La Tour (1593-1652) tomba dans l'oubli pendant près de deux siècles et demi. Retour sur 6 œuvres phares d'un des artistes les plus mystérieux du XVIIe siècle.

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article sur les répétitions du spectacle en février 2020 à la maison de la culture de Bourges

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l'Autoportrait, Rembrandt, 1628

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L'Autoportrait de 1628 par Rembrandt : focus sur un chef-d'oeuvre | Connaissance des Arts

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Le Rijksmuseum d'Amsterdam possède la plus grande collection de tableaux de Rembrandt au monde, Entre autres chefs-d'œuvre à découvrir en ses murs, ce fascinant autoportrait réalisé à l'huile sur bois alors que l'artiste n'a que 21 ou 22 ans.