# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Humaines jusqu'au bout des ongles, les créatures miniatures ou géantes créées par l'artiste australien sont d'un réalisme sidérant. A découvrir à la Fondation Cartier, à Paris, jusqu'au 29 septembre.

Temps de lecture : 6 min

Un autoportrait de l'artiste, "Mask II", 2001. Matériaux divers. Anthony d'Offay, Londres. (RON MUECK / PHOTO COURTESY ANTHONY D'OFFAY, LONDRES)

A ce jour, Ron Mueck n'a réalisé, au total, que 38 sculptures. C'est peu. Et pourtant, l'artiste crée l'événement partout où il expose. Son dernier accrochage en date, au Museo de Arte Contemporaneo de Monterrey, au Mexique, en 2011, a attiré plus de 416 000 visiteurs ! Jusqu'au 29 septembre, c'est à la Fondation Cartier, à Paris, qu'il est invité. Au programme, seulement neuf œuvres, mais jamais vues en France (trois ont été créées spécialement pour l'expo) et qui atteignent parfois des tailles colossales.

Né à Melbourne, en Australie, en 1958, Ron Mueck est un sculpteur plutôt atypique. Autodidacte, il n'a pas fait d'école d'art, mais a d'abord travaillé comme décorateur de vitrine, et a perfectionné sa technique en créant des poupées pour la publicité, le cinéma ou la télé (notamment au "Muppet Show"). C'est le réalisme troublant de ses mannequins qui amène le monde de l'art contemporain à s'intéresser à lui. Son perfectionnisme en fait aujourd'hui l'un des porte-drapeaux du courant "hyperréaliste", avec l'Américain Duane Hanson, mort en 1996, et le Britannique Jamie Salmon. Mais comment Ron Mueck réussit-il à créer ces copies presque conformes d'êtres humains ? Et pourquoi ses sculptures fascinent-elles autant ?

Prendre son temps

Ron Mueck travaille dans un petit atelier du nord de Londres, en compagnie de deux assistantes. Et le moins que l'on puisse dire, c'est que le processus est plutôt lent ! Le sculpteur puise son inspiration dans des livres d'art, mais également dans des magazines, ou s'appuie sur une personne qu'il a remarquée dans la rue (il photographie parfois les passants). Suit un croquis au crayon ou au stylo-bille pour préciser son idée, l'attitude de son personnage. Puis le sculpteur fabrique une petite maquette de quelques centimètres de haut en cire ou en argile. Cette étape lui permet d'affiner la pose et de vérifier la stabilité. Il crée ensuite sa sculpture à l'échelle, en argile, comme vous pouvez le voir dans cet extrait d'un documentaire réalisé par le photographe Gautier Deblonde, qui suit Ron Mueck depuis plusieurs années.

La silhouette en argile est modelée très minutieusement : l'artiste reproduit fidèlement les rides, les plis du corps, la surface de l'épiderme... C'est cette base qui va servir pour créer un moule dans lequel il coule de la résine ou de la plasticine, des matériaux plus durs que l'argile, qu'il va pouvoir continuer à travailler. Mais une fois cette base terminée, il reste encore de longs mois de fabrication.

Comme on le voit ici, Ron Mueck doit encore maquiller son personnage, ajouter des globes oculaires dont les iris seront peints, parfois sculpter des chaussures (en reproduisant l'effet du cuir patiné), fabriquer des vêtements (T-shirt, pantalon) et des bijoux (des montres, par exemple) à l'échelle... L'artiste est suffisamment perfectionniste pour modeler des parties du corps pourtant dissimulées par les vêtements ! Pourquoi chercher une telle ressemblance avec des modèles vivants ? La réponse est immédiate quand on se trouve face aux œuvres : le réalisme est tel que nous éprouvons de l'empathie pour ces alter ego de résine.

Magnifier le banal

Femme couchée dans son lit, vieilles dames discutant, chauve bedonnant boudant dans un coin... Les personnages et les attitudes reproduites par Ron Mueck sont très banales. Mais ils ne sont jamais représentés à taille réelle. Sa dormeuse est gargantuesque, ses vieilles, lilliputiennes, et son chauve est haut de deux mètres en position assise. Le premier effet de ce jeu d'échelle est d'attirer notre attention sur des figures qui pourraient passer pour parfaitement banales. Souvent, aussi, ses œuvres jouent sur des paradoxes : plus la sculpture est grande, plus elle exprime la fragilité ; plus elle est petite, plus elle exprime la force.

C'est le cas avec cette minuscule femme nue, qui ploie sous son fardeau... une "mère courage" menue qui semble pourtant nous dominer. Tout tient au dynamisme de la posture, à l'éclair de vie dans ses yeux, son sourire qui semble nous défier. Remarquez que son anatomie n'est pas celle d'un mannequin de magazine, il s'agit d'un corps "vrai", aux chairs un peu trop blanches et qui boudine dans le dos. Ron Mueck n'idéalise jamais ses modèles, ce qui en fait, aussi, nos semblables. On est loin, très loin de la sculpture classique, géométrique, équilibrée, qui cherche à incarner un idéal de beauté.

De même, ses corps de vieillards accusent le poids de l'âge, comme on peut le voir sur ce buste (la sculpture finale, Old couple, un couple de vieillards allongé sous un parasol, est présentée pour la première fois à la Fondation Cartier). Ron Mueck sculpte tous les âges de la vie, du vieillard cerné de rides au nouveau-né tout juste sorti du ventre de sa mère. Au final, on est moins touché par la performance illusionniste que par l'émotion à échelle humaine qu'exprime l'artiste.

Aussi réalistes que soient ses œuvres, Ron Mueck tente surtout d'exprimer une sensation. Quand il réalise Dead Dad, une sculpture de 1m10 qui reprend les traits de son père, on a le sentiment que le défunt est déjà loin de nous, qu'il quitte le monde des vivants.

Savoir créer le mystère

Ce que nous montre Ron Mueck, ce sont des instants figés, des histoires sans début, ni fin, des "films à image unique", comme l'écrit le critique américain Robert Storr. Et si le sculpteur ne donne jamais d'explication sur ce qu'il crée... cela ne signifie pas que son art n'en a pas.

Face contre terre, ce "masque" est-il celui d'un vivant qui se repose ou d'un mort dont l'âge est trahi par les quelques cheveux blancs au niveau des tempes ? Difficile à dire. Ce qui est sûr, c'est que ce visage hors normes (il mesure plus d'un mètre de long) est en fait un autoportrait faussement orgueilleux de l'artiste. Il y a un peu de vanité à se représenter aussi démesurément grand, d'autant que Ron Mueck a expliqué s'être inspiré des statues de l'île de Pâques ... qui étaient sans doute des objets de culte. Mais il y a surtout beaucoup d'ironie à se montrer dans une posture franchement peu flatteuse, toutes rides dehors.

Et que dire de ce baigneur qu'il faut imaginer accroché au mur ? On peut y voir un vacancier se balançant mollement sur l'eau... ou une allusion irrévérencieuse au Christ, bras écartés. Au spectateur de se faire sa propre opinion.
Informations pratiques
Tous les jours de 11 heures à 20 heures (sauf lundi) et de 11 heures à 22 heures le mardi.
Tarifs :9,50 euros (plein tarif), 6,50 euros (tarif réduit).

# data[].attributes.attachment_link.title
Comment Ron Mueck donne vie à la sculpture

# data[].attributes.attachment_link.description
Humaines jusqu'au bout des ongles, les créatures miniatures ou géantes créées par l'artiste australien sont d'un réalisme sidérant. A découvrir à la Fondation Cartier, à Paris, jusqu'au 29 septembre.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Qui est Frida Kahlo ?

Frida Kahlo est une peintre née le 6 juillet 1907 à Mexico. Sa vie entière ne fut que souffrances. Ce destin décida de sa vocation de peintre et lui fournit, dans le même temps, le sujet de nombre de ses tableaux.

L'accident

À 6 ans, elle contracte la poliomyélite, une maladie qui déforme le corps définitivement.
Sa jambe droite atrophiée - son pied ne grandira jamais - et sa colonne vertébrale la rendent boiteuse.

Le 17 septembre 1925, elle est victime d'un terrible accident. Le bus qui la ramène du lycée percute un tramway. Plusieurs morts sont à déplorer. Elle est, pour sa part, grièvement blessée : abdomen perforé, jambe fracturée, bassin, côtes et colonne vertébrale brisés. Immobilisée sur un lit d'hôpital durant de très longs mois, ses proches, pour la distraire, lui offrent du matériel de peinture. Un miroir est suspendu au-dessus de son lit. Elle devient alors son propre modèle. La pratique de l'autoportrait l'accompagnera toute sa vie. Contrainte de porter des corsets et de subir de nombreuses opérations chirurgicales, elle est alitée très souvent et peint donc beaucoup.

Une vie d'artiste

Son charme, son charisme et sa beauté ne sont pas entamés par sa condition physique. En 1929, elle épouse Diego Rivera, artiste mexicain déjà reconnu pour ses grandes peintures murales, de 21 ans son aîné. Ils décident de partir s'installer à San Fransisco, mais elle finit par se sentir mal aux États-Unis. À la fois communiste et fière d'appartenir à la nation mexicaine, elle ne se fait pas à la culture américaine. Ils retournent au Mexique en 1933. Frida ne peut avoir d'enfant, ce qui lui causera une peine immense.

Trotski, André Breton... Beaucoup d'intellectuels sont hébergés par le couple à la Casa azul, la maison dans laquelle Frida est née et où elle va mourir. Auprès d'André Breton, elle se défend d'être surréaliste. Elle lui explique qu'elle ne peint pas ses rêves mais sa réalité.

En 1938, sa première exposition à New York est un succès. Son exposition à Paris l'année suivante lui laisse en revanche un souvenir amer. Elle déteste la ville, le milieu intellectuel français, et plusieurs de ses tableaux ne sont pas accrochés par le galeriste, qui les trouve trop crus.

Autoportrait avec couronne d'épines et colibri
Iconographie
Sa vie personnelle est très chahutée. Elle divorce de Diego puis se remarie avec lui l'année suivante. C'est à cette époque qu'elle peint Autoportrait avec couronne d'épines et colibri. Ici, elle ne se représente pas handicapée mais si la nature qu'il l'entoure donne au tableau une allure décorative, il suffit d'observer le regard de Frida, l'oiseau pendu et le sang qui dégouline le long de son cou, pour que, par contraste, toute la mélancolie du modèle nous émeuve.

Les opérations de la colonne vertébrale continuent, encore et encore, lui infligeant des mois entiers de douleur et de nombreuses cicatrices.

Sa première exposition monographique est organisée au Mexique en 1953. Elle est obligée d'être transportée sur son lit jusqu'à la galerie pour le vernissage. La même année, on lui ampute la jambe droite. Elle plonge dans une grave dépression.

Le 13 juillet 1954, épuisée, elle meurt d'une pneumonie, à seulement 47 ans. On retrouvera dans son journal ces mots : " J'espère bien ne jamais revenir. " Selon ses dernières volontés, elle est incinérée, afin de ne pas être enterrée couchée, position dans laquelle elle a souffert toute sa vie.

Réalisateur : Valentine Dubois

Nom de l'auteur : Mark Molk

Producteur : Corner Prod, France Télévisions

Année de copyright : 2017

Année de production : 2017

Publié le 17/05/18

Modifié le 02/03/23

# data[].attributes.attachment_link.description
Qui est Frida Kahlo ?Frida Kahlo est une peintre née le 6 juillet 1907 à Mexico. Sa vie entière ne fut que souffrances. Ce destin décida de sa vocation de peintre et

# data[].attributes.attachment_link.title
Oncle Rudi [85] " Œuvres " Gerhard Richter

# data[].attributes.headline
Ron Mueck - Still Life: Ron Mueck at Work - 2013

# data[].attributes.subject
Ron Mueck - Still Life: Ron Mueck at Work - 2013

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Fondation Cartier pour l'art contemporain

# data[].attributes.attachment_link.title
Ron Mueck - Still Life: Ron Mueck at Work - 2013

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Photographie noire blanc sur papier, 24x30,50 cm. "... ce que je nomme mon autoportrait, est composé de milliers de jours de travail. Chacun d'eux correspond au nombre et au moment précis où je me suis arrêté de peindre après une séance de travail. "

# data[].attributes.attachment_link.title
Roman Opałka - Site Officiel - Autoportraits

# data[].attributes.attachment_link.description
Roman Opalka Site Officiel Je compte de manière continue de 1 à l'infini sur des toiles de mêmes dimensions, à la main, au pinceau et à la peinture blanche, sur un fond uni recevant pour chaque tableau environ 1% de blanc supplémentaire.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Otto Dix Peintre et graveur allemand, Otto Dix est l'un des fondateurs de la Nouvelle Objectivité, mouvement multidisciplinaire qui tient à représenter le réel sans fard " entre jugement et constat ". Il peint " La Guerre " entre 1928 et 1931. Ses oeuvres sont déclarées " dégénérées " par les nazis. Réalisation : Jacques Vichet (France, 2019)

# data[].attributes.attachment_link.title
Les maîtres de la peinture moderne - Otto Dix

# data[].attributes.attachment_link.description
Peintre et graveur allemand, Otto Dix est l'un des fondateurs de la Nouvelle Objectivité, mouvement multidisciplinaire qui tient à représenter le réel sans fard " entre jugement et constat ". Il peint " La Guerre " entre 1928 et 1931. Ses oeuvres sont déclarées " dégénérées " par les nazis.

# data[].attributes.headline
CultureQuèsaco« The Frame », Frida Kahlo

# data[].attributes.subject
CultureQuèsaco« The Frame », Frida Kahlo

# data[].attributes.attachment_link.title
TV5MONDE Revoir : revoir émissions et programmes gratuitement en replay

# data[].attributes.attachment_link.description
Vous avez manqué une émission de TV5MONDE ? Tous les programmes disponibles en replay gratuitement sur la chaîne de rattrapage officielle de TV5MONDE.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Tout au long d'une carrière de près de soixante-dix ans, Louise Bourgeois a créé un corpus d'œuvres riche et toujours innovateur, en côtoyant certains des principaux mouvements d'avant-garde du XXe siècle, comme le surréalisme, l'expressionnisme abstrait et le post-minimalisme, sans renoncer à sa propre vision créative. Bien que la peinture, le dessin, la gravure et la performance aient aussi leur place dans l'œuvre de Bourgeois, l'artiste est surtout connue pour ses sculptures, qu'elles soient intimes ou monumentales, dans lesquelles elle emploie diverses matières comme le bois, le bronze, le latex, le marbre et le tissu. Son œuvre est très personnelle, avec de fréquentes références à une enfance douloureuse marquée par un père infidèle et une mère affectueuse mais complice de la situation, et en même temps universelle, puisqu'elle affronte le défi aigre-doux d'être un humain.

Maman, de près de 9 mètres de hauteur, est l'une des sculptures les plus ambitieuses de Bourgeois ; elle appartient à une série qui s'inspire de l'araignée, un motif qui apparut pour la première fois dans plusieurs dessins réalisés par l'artiste dans les années 1940 et qui occupa une place centrale dans son œuvre dans les années 1990. Les araignées, que Bourgeois présente comme un hommage à sa mère, qui était tisseuse, mettent en évidence la duplicité de la maternité : la mère est à la fois protectrice et déprédatrice. L'araignée utilise la soie pour fabriquer le cocon mais aussi pour capturer sa proie ; la maternité incarne ainsi force et fragilité. Ces ambigüités se reflètent avec intensité dans cette Maman gigantesque, abominablement soutenue par des pattes évoquant des arcs gothiques et fonctionnant en même temps comme une cage, un terrier protégeant un sac rempli d'œufs adhérant dangereusement à son abdomen. L'araignée provoque peur et panique mais sa hauteur imposante, en équilibre surprenant sur des pattes légères, transmet une vulnérabilité presque émouvante.

# data[].attributes.attachment_link.description
L'ouvre Maman de l'artiste Louise Bourgeois de la Collection du Guggenheim Bilbao Museoa.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La Colonne Brisée

Le 17 Septembre 1925, une jeune fille mexicaine âgée de 17 ans appelé Frida Kahlo a été la victime d'un terrible accident de bus. Elle n'a pas été tuée, mais le choc violent eu de terribles séquelles, lui cassant la colonne vertébrale, les côtes, le bassin et la jambe droite. Il a également endommagé son utérus, lui faisant perdre la possibilité de donner un jour naissance à un enfant.

" La colonne brisée" ( Huile sur panneau 40x34 cm de 1944, conservé au musée de Mexico) est un témoignage impitoyable de la souffrance qui à accompagné Frida tout au long de sa vie. L' artiste elle-même s'est représenté dans un paysage hostile et infertile comme elle: Le ciel couvert et la terre aride et désertique parsemée de crevasses reprennent le motif de la blessure. En effet, sa poitrine nue symbole de féminité malgré tout est enserrée dans un corset orthopédique en métal est traversée d'une violente déchirure dans toute la longueur de son buste. Elle nous permet d'observer ce qui ressemble à une colonne de pierre antique de style ionique (colonne qui, dans l' Antiquité, soutenait les monuments, si elle se cassait, les bâtiments tombaient également) -cassées en plusieurs pièces- remplaçant sa colonne vertébrale. Celle-ci symbolise les conséquences du terrible accident de bus ainsi que la grande fragilité qui en découle.

De plus comme vous pouvez le remarquer, plusieurs endroits du tissu de sa robe et de sa peau sont également transpercés par une multitudes de clous placés exactement aux endroits ou la souffrance de Frida est la plus exacerbée s (colonne vertébrale / jambe droite / seins / bras). Les autres clous situés au niveau de son visage sont eux là pour figurer la douleur mentale de l'artiste. En outre, Frida Kahlo a exagéré sa "laideur", en accentuant la pilosité de ses sourcils et celle de sa bouche. L'artiste ne montre aucune pitié pour elle-même comme souvent dans ses auto-portraits mais pour autant ils peuvent être considérés aux premiers abords comme paisibles, alors que la plupart du temps ce sont de terribles gémissements intérieurs. D'ailleurs nous pouvons voir de nombreuses larmes coulées sur son visage, Frida souffre que son corps soit devenu une véritable prison et l'empêche pleinement de vivre sa vie de femme.

Frida Kahlo présente donc dans ce tableau une véritable mise à nu de ses souffrances et de ses sentiments. Elle dévoile les blessures de son corps en même temps qu'elle dévoile celles de son âme. " Je ne suis pas malade. Je suis brisée. Mais je me sens heureuse de continuer à vivre, tant qu'il me sera possible de peindre". Frida Kahlo.

# data[].attributes.attachment_link.title
Autoportrait Frida Kahlo (La colonne brisée)

# data[].attributes.attachment_link.description
Le 17 Septembre 1925, une jeune fille mexicaine âgée de 17 ans appelé Frida Kahlo a été la victime d'un terrible accident de bus. Elle n'a pas été tuée, mais le choc violent eu de terribles séquelles, lui cassant la colonne vertébrale, les côtes, le bassin et la jambe droite.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pionnier du mouvement "underground", son Œuvre est reconnaissable entre mille grâce à un graphisme franc, des thématiques sociales fortes et un intérêt scientifique certain pour le corps et sa composition. Retour sur les 10 œuvres les plus mémorables de l'ère Basquiat !

Par Cécile Martet | 09 août 2023

La mort dans l'âme

Né en 1960 d'une mère porto-ricaine et d'un père haïtien, Jean-Michel Basquiat grandit à Brooklyn et est très vite immergé dans le monde des Arts. Sa mère l'encourage dans cette voie et l'embarque régulièrement dans des visites au musée. Avant même d'avoir 10 ans, le petit Basquiat se fascine pour l'anatomie.

Ses premières réalisations démontrent un intérêt assez étonnant d'un jeune homme pour la mort, un élément central de son travail. On devine très rapidement la violence du trait qui prend forme chez le jeune prodige. Les couleurs sont vives, pourtant rattrapées par des fonds sombres et moroses.

1. "Dusthead", 1982

L'envers des corps

Intrigué par la mort mais passionné par les corps, Jean-Michel Basquiat reçoit de sa mère le prestigieux manuel médical "Grey's Anatomy". Alors qu'il n'a que 7 ans, il se fait renverser par une voiture en pleine rue. S'enchaînent de longues journées passées à l'hôpital avec, comme moyen d'occupation, ce précieux cadeau offert par sa mère. Aussi douloureuse soit-elle, cette expérience va le mener sur une étude plus complète des corps.

Outre la finalité de la vie, c'est bien l'analyse plus scientifique et rigoureuse qui anime l'artiste. Il joue souvent avec cette dichotomie entre le dedans et le dehors, nous présentant à la fois l'extérieur d'un visage ravagé et l'intérieur d'un crâne, la dureté des os et l'apparence squelettique. Ici, et contrairement à "Dusthead", les fonds sont colorés dans des teintes bleues singulières à Basquiat et toute la noirceur réside essentiellement dans les figures semi-vivantes.

2. "Untitled Skull", 1981

3. "Untitled Skull", 1982

Cette toile de 1,83 m sur 1,73 m a atteint un record d'enchères en 2017 à Sotheby's New York. Adjugée à 110,5 millions de dollars après plus de dix minutes, l'œuvre avait d'abord été fixée à 57 millions de dollars !

Messager de la communauté noire

La culture africaine est l'une des thématiques récurrentes et prépondérantes chez Basquiat. De culture afro-américaine, il puisse dans ses origines pour insuffler à certaines de ses toiles un caractère souvent dénonciateur et politique. En plus de prôner avec fierté son identité créole, il met aussi en lumière des figures noires historiques et légendaires, comme Cassius Clay (alias Mohamed Ali), boxeur noir américain exceptionnel qui a largement inspiré le jeune artiste. C'est aussi Sugar Ray Robinson ou encore Malcolm X que Basquiat dépeint dans ses toiles. Des personnages invincibles pour lui qu'il arbore d'une couronne pour les sanctifier, ce qui deviendra sans nul doute sa marque de fabrique.

Basquiat ne cessera jamais de dénoncer l'oppression exercée à l'encontre de la communauté noire. Témoin de racisme ambiant, il parvient à ressortir plus fort de cette lutte et c'est précisément son succès fulgurant qui démontre à quel point son art a marqué et marquera encore longtemps les esprits. Des héros noirs, qu'ils soient sportifs, musiciens ou citoyens, qu'ils hissent au rang de géants inspirants et inspirés.

4. "Irony of a Negro Policeman", 1981

5. "Untitled (boxer)", 1982

6. "Hollywood Africans", 1983

7. "In Italian", 1983

8. "King Alphonso", 1983

Avec Warhol, une collaboration extraordinaire

On ne pourrait parler de Jean-Michel Basquiat sans avoir un mot pour son grand ami de toujours et mentor, Andy Warhol. Une amitié détonante et une rencontre artistique au sommet entre ces deux figures qui laissent derrière elles une centaine d'œuvres réalisées à quatre mains. L'un et l'autre s'inspirent dans leurs travaux respectifs. Un duo pas commun puisque ce sont deux mondes et deux styles que tout oppose, c'est là que naît toute l'originalité de leur collaboration.

Seulement leur amitié est vivement critiquée et Warhol est même accusé de se servir du jeune Basquiat pour sa propre notoriété. Une amitié sincère qui finit par voler en éclats. Warhol disparaît en 1987 des suites d'une crise cardiaque ce qui affecte profondément Basquiat qui décède, un an plus tard et à 27 ans, d'une overdose. Sa dernière année est marquée par une peinture plus noire, mélancolique et un recours à des techniques et styles jusqu'ici inexpérimentés.

9. "Win $ 1'000'000", 1984

10. "Riding with Death", 1988

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
basquiat
new york
street art
graffiti
art urbain
metro
art de rue
graphisme
underground
américain

# data[].attributes.attachment_link.description
Aussi exceptionnelle que brève, la carrière de Basquiat ne ressemble à aucune autre... Voici les 10 œuvres les plus mémorables du pionnier de l'Undergroud.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Otto Dix (né à Untermhaus près de Gera le 2 décembre 1891, mort près de Constance, à Singen, en 1969) est un peintre allemand de La Nouvelle Objectivité et del'Expressionnisme. Il est issu d'un milieu ouvrier (son père Franz travaillait dans une mine de fer), mais reçoit une éducation artistique par sa mère qui s'intéressait à la musique et à la peinture. Otto Dix traverse la première partie du XXéme siècle avec des oeuvres où sourd une violente critique sociale, reflet de cette période de turbulences.

De 1905 à 1909, Otto Dix prend des cours à Gera, mais ses professeurs considèrent qu'il n'a pas d'avenir dans le milieu de la peinture. Otto Dix est admis en 1910 à l'Ecole des Arts décoratifs de Dresde (Hochschule für Bildende Künste), un des centres de l'expressionnisme germanique, grâce à une bourse d'étude fournie par le Prince de Reuss. Ses premières oeuvres de portraitiste sontimpressionnistes mais son style et sa vie vont changer avec le début de la Première Guerre mondiale, pendant laquelle il sert comme soldat volontaire et reçoit la Croix d'argent.

Les effets traumatisants de la guerre sur Dix se traduisent sous une forme expressionniste. Il y tient un journal graphique pour dessiner ce qu'il voit et ce qu'il ressent, près de six cents pièces dessinées avec les moyens du bord, du fond de la tranchée. Il est gravement blessé plusieurs fois sur le terrain et l'horreur de la guerre l'affectera et le traumatisera profondément comme en témoignent nombre de ses travaux. Il produit une série de tableaux mordants jusqu'à l'absurde. Avec son ami George Grosz, il fonde le mouvement Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité). Il exprime à travers ses oeuvres sa perception du sexe et du côté sombre de la vie, en particulier la guerre, s'inspirant d'images durement réalistes. En 1923, la toile La Tranchée, décrivant les corps démembrés et décomposés des soldats, provoque une telle fureur du public qu'elle doit être cachée par le Wallraf-Richartz Museum derrière un rideau.

Dix est particulièrement déçu par l'attitude des gens vis-à-vis des blessés, comme le reflète son tableau Le Marchand d'allumettes ( 1920), La rue de Prague ( 1920), et le triptyque Metropolis ( 1928), scènes où l'on voit des soldats et leurs moignons ignorés par une foule berlinoise en pleine décadence. Il ne cesse d'explorer les côtés les plus sombres de la vie au travers d'images de violence, de mort et de prostitution, juxtaposées à la quête effrénée du plaisir de cette Allemagne qu'il considère moralement défaillante. La montée du nazisme oblige Otto Dix à quitter son poste de professeur à l'Académie de Dresde acquis en 1927, étant considéré comme un artiste dégénéré, (en 1937, ses oeuvres sont dites " dégénérées" par les nazis). 260 de ses peintures sont retirées des musées et une partie est brûlée, d'autres sont exposées lors de l'exposition nazie " art dégénéré".

Dix est persécuté par les nazis à l'instar d'autres artistes comme Kandinsky ou Max Beckman. Il est arrêté en 1938 et enfermé pendant deux semaines par la Gestapo pour complot contre Hitler, puis il est relâché en 1939. Capturé par les troupes françaises lors de la Seconde Guerre mondiale, il ne rentre à Dresde qu'en 1946. Après la guerre, Dix affirme son style, très graphique et mouvementé, agressif et relevé par une palette de couleurs acides et froides, qui lui permet de décrire son époque avec une grande cruauté. La peinture d'Otto Dix porte une confrontation radicale de tous les éléments contradictoires qui traversèrent la société allemande dans la première moitié du siècle, emportant dans leur tourmente les dernières hypocrisies d'une humanité que deux guerres épouvantables ont défigurée sans retour.

Traumatisé par les deux guerres, Otto Dix s'éteint à Singen le 25 juillet 1969 à l'âge de 78 ans victime d'un infarctus, laissant derrière lui un lourd témoignage des horreurs humaines . Otto Dix fait partie des grands artistes allemands dont la place dans l'art du XXe siècle est aujourd'hui largement connue et reconnue.

" La peinture n'est pas un soulagement. La raison pour laquelle je peins est le désir de créer. Je dois le faire ! J'ai vu ça, je peux encore m'en souvenir, je dois le peindre." Otto Dix.

Source: Wikipedia.

# data[].attributes.attachment_link.title
Biographie du peintre célèbre Otto Dix. Bio de l'artiste Dix...

# data[].attributes.attachment_link.description
Otto Dix (né à Untermhaus près de Gera le 2 décembre 1891, mort près de Constance, à Singen, en 1969) est un peintre allemand de La Nouvelle Objectivité et del'Expressionnisme . Il est issu d'un milieu ouvrier (son père Franz travaillait dans une mine de fer), mais reçoit une éducation artistique par sa mère qui s'intéressait à la musique et à la peinture.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Série d'autoportraits numérotés - Détails 2075998, 2081397, 2083115, 4368225, 4513817, 4826550, 5135439 et 5341636

L' œuvre de Roman Opalka matérialise le temps qui passe. À la fin de chaque séance de travail (ou il inscrit la progression numérique élémentaire de 1 à l'infini sur des toiles de même dimension), Opałka se prend en photo sur fond blanc selon le même protocole: Cadre serré, éclairage lumineux et régulier, fond blanc, chemise blanche, cheveux qui blanchissent et autres signes de vieillesse, il vient peu à peu se fondre dans le fond, y disparaître. Le fait que ses toiles et ses photographies soient en noir et blanc et systématiquement réalisés dans les mêmes conditions enlève tout détail superflu, toute anecdote! Reproduisant toujours le même cadrage, la même lumière, le même point de vue frontal, le même processus... Renouvelant sans cesse le même dispositif, Opalka fait de sa vie une œuvre. Les autoportraits d'Opalka, présentés comme des photos d'identité frontales, avec ce regard fixé sur l'objectif et sur le spectateur, semblent défier le temps. Le dialogue permanent avec le temps qui passe, la progression de l'usure, la vieillesse est un face à face avec la mort incontournable. Et oui! Bien au-delà de l'appareil photo, et bien au-delà encore du spectateur, c'est la mort elle-même qu'Opalka sonde froidement du regard, dignement, crânement oserait-on dire, avec la pleine conscience qu'elle finira bien par le rattraper. Les autoportraits du peintre enregistrent donc l'écoulement inexorable du temps: " ce que je nomme mon autoportrait, est composé de milliers de jours de travail. Chacun d'eux correspond au nombre et au moment précis où je me suis arrêté de peindre après une séance de travail". Chaque nouveau portrait est une trace de sa présence encore vivante à un moment donné. De 1965 à 2011, l'artiste atteignit le nombre de 5.607.249, et réalisa des milliers de portraits, aujourd'hui célèbres en raison de sa démarche plutôt extrême, répétitive et rigoureuse. Dans le milieu artistique, son obstination est reconnue comme une forme de courage.

" On peut comparer ma vie à une performance semblable à toutes les vies actives, à tous les défis possibles, ceux d'un océanographe ou d'un alpiniste ou encore à la manière d'un artiste donnant, au cours d'une soirée, un happening de quelques heures, avec la différence qu'ici il s'agit de la durée d'une vie". Roman Opalka.

# data[].attributes.attachment_link.description
L' œuvre de Roman Opalka matérialise le temps qui passe. À la fin de chaque séance de travail (ou il inscrit la progression numérique élémentaire de 1 à l'infini sur des toiles de même dimension), Opałka se prend en photo sur fond blanc selon le même protocole: Cadre serré, éclairage lumineux et régulier, fond blanc, chemise blanche, cheveux qui blanchissent et autres signes de vieillesse, il vient peu à peu se fondre dans le fond, y disparaître.

# data[].attributes.attachment_link.description
Ernest Pignon-Ernest est niçois, il vit et travaille à Paris. Depuis presque cinquante ans il appose des images sur les murs des cités.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le [mac] musée d'art contemporain et sa bibliothèque, le centre de documentation Ernst Goldschmidt, sont fermés pour bénéficier de travaux de rénovation.

Musée d'art contemporain [mac]

Jean-Michel Basquiat 1960, New York (États-Unis) - 1988, New York

Technique mixte sur toile, 208 x 173 cm. Achat à la galerie Daniel Templon, Paris, en 1986.

Enfant de la classe moyenne, Jean-Michel Basquiat est très tôt encouragé par ses parents à cultiver sa fibre artistique. Il acquiert une visibilité sur la scène new-yorkaise fin 1978 à la faveur d'une interview du magazine Village Voice, dans un contexte où le tag et le graffiti deviennent un phénomène urbain et avec eux le Hip-hop, porté par la jeunesse issue de l'immigration afro-latine (le père de Jean-Michel Basquiat est originaire d'Haïti et sa mère de Porto Rico).
Apprécié pour l'esprit incisif et la qualité picturale des graffitis qu'il signe alors SAMO, il est invité à participer en 1980 à la manifestation collective Time Square Show où il se distingue. Il se lie d'amitié avec Andy Warhol avec lequel il réalisera plusieurs toiles entre 1983 et 1985.
La fulgurante reconnaissance de Basquiat coïncide avec l'émergence de mouvements qui prennent le contre-pied de l'art minimal et conceptuel sous le nom de Bad painting aux Etats-Unis et de Figuration libre en France. Maîtrisant différents niveaux de langages au propre comme au figuré, il opère une synthèse entre l'expression codée des gangs new yorkais et les souvenirs de ses visites de musées.

King of the Zulus est tout d'abord le titre d'un morceau de Louis Amstrong. S'il pointe un ailleurs exotique, son primitivisme est moins l'expression d'un hypothétique subconscient africain que l'écho contemporain de la " Nation Zulu ", branche non violente du Hip-hop qui prend racine à New York. Peintre de la mégalopole, Basquiat transpose au tableau la technique instrumentale de l'échantillonnage, combinant des fragments de mots, d'images et de symboles comme autant de samples visuels. Le recours à la photocopie couleur - procédé alors nouveau - lui permet d'opérer des reprises de dessins antérieurs et d'inscriptions empruntées à différents champs du savoir qu'il encolle sur la toile et incorpore à la peinture. Ce réseau de signes éclectiques et de motifs récurrents constitue le fond d'où se détache la figure humaine, thème central dans son œuvre, indissociable pour lui de l'environnement social et culturel. Cette contiguïté qui s'opère sur un mode compulsif, incite à appréhender King of the Zulus comme l'écorché d'une conscience confrontée aux incessantes stimulations urbaines et fascinée par la toute puissance de l'information.

© B.Chipault-R.Soligny - ©The estate of Jean-Michel Basquiat/Adagp, Paris

# data[].attributes.attachment_link.description
Technique mixte sur toile, 208 x 173 cm. Achat à la galerie Daniel Templon, Paris, en 1986. Enfant de la classe moyenne, Jean-Michel Basquiat est très tôt encouragé par ses parents à cultiver sa fibre artistique.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Peintre important des années 80 et figure emblématique de la figuration libre, Jean-Michel Basquiat a tout pour devenir un mythe : premier artiste noir américain à bénéficier d'une reconnaissance internationale, il connaît une carrière fulgurante, consume sa vie et meurt prématurément à l'âge de 27 ans ( en 1988 à New-York) d'une overdose comme Brian Jones, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Kurt Cobain... Né d'une mère portoricaine et d'un père haïtien, Basquiat montre dès le plus jeune âge une réelle aptitude artistique. Sa mère, sensible à l'art, l'emmène fréquemment visiter le MOMA, (le Metropolitan Museum of Art) et l'encourage à développer ses talents artistiques.

Basquiat se fait connaître dans le milieu de l'underground par ses graffitis et ses tags (à la fois humoristiques et énigmatiques), sur les murs de Soho et du métro new-yorkais, qu'il signe sous le pseudonyme SAMO (Same Old Shit). Ami et collaborateur d' ( ils travaillent ensemble à partir de 1984), il devient rapidement l'un des artistes les plus en vue. Le corps humain inspirera énormément l'artiste dans son oeuvre, à l'âge de 7 ans, il a été hospitalisé suite à un accident de voiture (sa mère pour passer le temps lui a offert un livre d'anatomie intitulé Gray's Anatomy qui influencera Basquiat par la suite), ce qui lui laissera un profond traumatisme. La mort est omniprésente dans son oeuvre ( des têtes de morts, des flammes, des totems vaudous...), comme un présage.

Son style est très original, nerveux, violent et énergique, dans ses peintures on sent également les inspirations de ses origines haïtiennes et portoricaines. Peintre-poète, il réalise de vastes collages où les images, les signes, les poèmes et les mots-concepts peuplent ses tableaux. Sur la toile (" préparée" par endroits par l'application de photocopies en couleurs), mais aussi sur des supports moins traditionnels arrachés à l'espace urbain (des barrières), s'inscrivent des figures sombres et grotesques, des mots ou des formules, des signes plus ou moins déchiffrables, entrecoupés de couleurs stridentes. Des citations extraites des médias s'y laissent lire, de même çà et là apparaissent des fragments autobiographiques (la couronne de Samo) et des éléments empruntés au culte vaudou (affirmation de sa " négritude").

Les graffitis de Jean Michel Basquiat expriment la révolte constitutive d'une identité et d'une culture multi-ethnique, il peint l'histoire du peuple noir, le jazz et les jazzmen qu'il vénère. Il dénonce tous les symboles de la société de consommation américaine, la pauvreté urbaine et la médiatisation exacerbée. Il peint aussi des éléments tirés de sa vie dans la rue (des voitures, bâtiments, policiers, des jeux d'enfants, des graffitis...). La question du racisme le hante depuis son plus jeune âge. Une majorité de ses toiles évoque la difficulté d'être noir. Sa créolité qu'il porte en lui trouve difficilement sa place dans un monde à majorité de blanc.

La peinture de Basquiat se réfère autant à l'art primitiviste, à ou à qu'à la grande tradition américaine, de Rauschenberg à Cy Twombly. Jean-Michel Basquiat marquera par son style le renouveau de la scène artistique new-yorkaise des années 80. En moins de dix ans, il a peint plus de 900 tableaux, dont de nombreux grands formats et réalisé plus de 1 250 dessins. Jean-Michel Basquiat est donc entré et passé dans l'histoire de l'art comme un météore. La fureur de vivre et la fureur de peindre.

" Je n'écoute pas les critiques d'art. Je ne connais personne qui ait besoin d'un critique pour trouver ce qu'est l'art." Jean-Michel Basquiat.

Source: Pagesperso-orange.Source: Wikipedia.

# data[].attributes.attachment_link.title
Biographie du peintre célèbre Jean-Michel Basquiat. Bio de l'artiste Jean-Michel Basquiat...

# data[].attributes.attachment_link.description
Peintre important des années 80 et figure emblématique de la figuration libre, Jean-Michel Basquiat a tout pour devenir un mythe : premier artiste noir américain à bénéficier d'une reconnaissance internationale, il connaît une carrière fulgurante, consume sa vie et meurt prématurément à l'âge de 27 ans ( en 1988 à New-York) d'une overdose comme Brian Jones, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Kurt Cobain...

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Maman (1997-1999)

Cette oeuvre clé dans l' maternelle, à la fois castratrice et protectrice, une figure ambivalente. Une tisseuse par nature, telle que l'était sa mère, qui retissait des tapisseries anciennes dans son atelier de restauration. La sculpture haute de neuf mètres, faite de bronze et d'acier inoxydable cache entre ses huit pattes anguleuses une résille de métal contenant des blocs de marbre blanc pour nous rappeler sa oeuvre de Louise Bourgeois symbolise la figure figure maternelle.

Les " Araignées-Maman", démesurées, témoignent de l'attachement à la mère, célèbrent le lent tissage et la patiente activité réparatrice. Louise Bourgeois y personnifie sa propre mère et voit en elles des protectrices bienfaisantes, jouant sur l'ambiguïté d'une telle idée dans notre inconscient collectif et dans la culture occidentale en général. Le monstre de Louise Bourgeois, n'est donc pas un monstre simplement terrifiant qui renvoie aux connotations du monstre classique, c'est un monstre qui se faufile entre les aspects les plus rassurants et familiers de la figure maternelle, qui dévoile une double nature. Un monstre issue de la destruction et reconstruction constante de l'artiste, un monstre jouant avec le passé, la mémoire : un monstre féminin. Leur finesse sculpturale alliée à la monumentalité en souligne tout autant le caractère prédateur et menaçant.

" L'araignée énorme que réalise depuis 1994 sous différentes formes et mises en scène, reste une figure ambivalente de la mère. Si pour l'artiste elle est bénéfique, elle n'ignore pas qu'elle peut assumer le rôle d'un objet phobique et devenir métaphore de la femme qui attend dans sa toile les victimes masculines prises au piège pour les dévorer. Le thème mythologique des Trois Parques qui filent le destin, ou d'Arachné, jeune fille grecque experte en l'art du tissage et transformée par Athéna qui en est jalouse en araignée, se rattachent au caractère symbolique de la représentation de l'insecte. Bourgeois en donne plusieurs versions dont certaines terrifiantes."

" L'ami (l'araignée-pourquoi l'araignée?) parce que mon meilleur ami c'était ma mère et elle était réfléchie, intelligente, patiente, apaisante, raisonnable, délicate, subtile, indispensable, propre, et utile comme une araignée. Elle savait aussi se défendre, et me défendre moi, en refusant de répondre à de'stupides' embarrassantes et indiscrètes questions personnelles. Je ne me fatiguerai jamais de la représenter. Je veux: manger, dormir, discuter, blesser, détruire... -Pourquoi? -Mes raisons n'appartiennent qu'à moi."

La série des araignées débuta dans les années 1990 pour aboutir à Crouching Spider (accroupie) en 2003, sans doute moins menaçante à cause de sa dimension réduite, mais toujours aussi troublante. Elle fut exposée dans le hall du centre Pompidou à Paris en 2008 à l'occasion de la grande rétrospective consacrée à l'artiste. Depuis, cette sculpture est régulièrement prêtée à divers musées internationaux (à Saint-Petersbourg en Russie, Belgique, Ottawa au Canada, à Tokyo, Copenhague, Denver, Kansas City, San Francisco, New-York et Londres) en préambule d'une exposition d'art contemporain.

# data[].attributes.attachment_link.title
Analyse d'oeuvre de la sculptrice française Louise Bourgeois, Maman (?)

# data[].attributes.attachment_link.description
Cette oeuvre clé dans l' maternelle, à la fois castratrice et protectrice, une figure ambivalente. Une tisseuse par nature, telle que l'était sa mère, qui retissait des tapisseries anciennes dans son atelier de restauration.

# data[].attributes.attachment_link.title
Gerhard Richter : Oncle Rudi (1965) - Centre Pompidou

# data[].attributes.attachment_link.description
Informations pratiques Plan interactif Visites guidées Enfants et familles Groupes scolaires Accessibilité Devenir adhérent Podcasts

# data[].attributes.attachment_link.title
L'art hyperréaliste de Ron Mueck, promesse d'une exposition à succès

# data[].attributes.attachment_link.description
L'artiste australien Ron Mueck, et ses sculptures hyperréalistes sont de retour à la Fondation Cartier à Paris, cinq après une première exposition. En maniant silicone et résine polyester, parfois de vrais cheveux, celui que l'on surnomme le pape de l'hypérralisme atteint un degré de perfection qui fascine un large public Près de 80 000 visiteurs se sont déjà pressés dans la capitale pour admirer ses œuvres, toujours plus grandes ou plus petites que la réalité, pour mieux surprendre.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Biographie Peintre Analyse : Histoire de l'Art

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ernest Pignon-Ernest est un artiste plasticien autodidacte né en 1942 à Nice, il choisit le lieu de ses interventions urbaines en marchant, en s'imprégnant des sons, des odeurs, de tout ce qu'un lieu dégorge de sensations. Puis, il dessine sur papier journal (œuvres originales ou sérigraphies si la nécessité de reproduction se fait sentir) au fusain ou à la pierre noire des personnages Taille 1 (échelle humaine). Il vient ensuite appliquer, coller, fondre son travail (utilisation des aspérités, des creux, des bosses, ...) sur un mur, une cabine téléphonique, un espace choisi. Il place son travail la nuit de préférence, ce qui renforce l'effet d'apparition le jour suivant. Il ne signe pas son travail, ses oeuvres disparaîssent avec le temps, les intempéries et les arrachages éventuels. " Les lieux sont mes matériaux essentiels, j'essaie d'en comprendre, d'en saisir à la fois tout ce qui s'y voit : l'espace, la lumière, les couleurs et, simultanément, tout ce qui ne se voit pas ou ne se voit plus : l'histoire, les souvenirs enfouis. À partir de cela, j'élabore des images, elles sont ainsi comme nées des lieux dans lesquels je vais les inscrire. [...] Cette insertion vise à la fois à faire du lieu un "espace plastique" et à en travailler la mémoire, en révéler, perturber, exacerber la symbolique. [...] Je ne fais pas des œuvres en situation, j'essaie de faire œuvre des situations. " Ernest Pignon-Ernest.

Dans les années soixante-dix, il réalise des séries très politiques dont le message est explicitement annoncé par les titres : La Commune, 1971 ; Les Hommes bloqués, 1972 ; Jumelage Nice-Le Cap, 1974 ; Sur l'avortement, les Immigrés, 1975 ; Expulsions, 1979. A partir de 1980, il fait référence à l' histoire de l'art avec Pasolini ( 1980), Rubens, les Musiciens ( 1982), puis réalise les interventions napolitaines. " Naples, écrit-il, est une ville de presque trois mille ans où les mythologies se superposent : grecque, romaine, chrétienne. Mais c'est aussi une ville contemporaine, exacerbée par les problèmes fonciers, la drogue, le chômage, la Camorra. Quelles images inscrire dans cette ville où se croisent en permanence la lumière et les ténèbres ? J'ai d'abord pensé au thème de la mort avec la violence, les tremblements de terre. J'ai commencé à travailler à partir d'images d'actualité, des victimes de la Camorra, mais ça ne fonctionnait pas. J'ai alors pensé à la représentation du corps dans la peinture, à des pietà, mais des pietà de civilisations différentes puisqu'on trouve, à Naples, des murs qui ont quinze siècles d'histoire accumulés. J'ai collé certains de mes dessins sur la cathédrale de Naples, le jour de Pâques. On m'a dit que j'étais fou, mais ils sont quand même restés huit mois..."

Il exécute également entre 1982 et 1984, un ensemble de sculptures, les Arbrorigènes : Il réalise des moulages de corps auxquels il injecte des cellules végétales, puis les personnages sont installés dans des arbres, in situ, dans les Landes, au jardin des Plantes à Paris... Ils sont peu à peu recouverts de végétation.

En quoi ces sculptures sont-elles vivantes ?

" Comme les plantes, comme les feuilles, ces sculptures sont des accumulations de cellules végétales mises en forme : il leur faut du soleil, il leur faut de l'eau, sinon elles meurent, elles se dessèchent se décomposent. Elles assimilent la lumière du soleil, la transforme en glucose, en vie ; elles fixent le gaz carbonique et produisent de l'oxygène, elles respirent la nuit. C'est du végétal à forme humaine, traversé par le phénomène de la photosynthèse. Nous les avons conservées plusieurs mois dans la serre du Centre d'Etudes nucléaires de Cadarache. Claude Gudin craignait que la production de chaleur lors de la fabrication ait fragilisé les cellules. Il les a donc en partie réensemencées par injections. Il estimait à environ un milliard le nombre de cellules dans chaque personnage. Il ne s'agit pas d'une "enveloppe" plastique remplie de cellules, ni même d'une éponge qui en serait imprégnée. Les cellules de micro-algues sont immobilisées au niveau moléculaire dans le polymère. Découvertes par le professeur Lewin de l'université de San Diego en Californie, elles ont pour nom Porphyridium cruentum et Chlamydomonas mexicana. Le laboratoire de biotechnologie solaire du C.E.N. de Cadarache les a "cultivées" et spécialement multipliées pour notre projet."

Où et comment avez-vous intégré ces sculptures dans l'environnement ?

" Une fois résolus les problèmes techniques posés par la réalisation de ces formes, il a fallu s'attaquer à celui de leur intégration dans la nature. La première installation s'est faite dans les Landes. Je les avais réparties sur environ trois cents mètres. On les découvrait en marchant, à travers un parcours proche de ce que je fais avec mes images dans les villes. La seconde fois, je les ai installées au Jardin des Plantes, à Paris. Si à propos de ces Arbrorigènes on a pu parler de recherche plastique sculpturale, celle-ci n'est évidemment pas dans la forme des personnages mais plutôt dans leur intégration à la nature. Il s'agissait de créer des rythmes, des vides, des pleins, de façon à ce que leur découverte et le décalage trouble qu'elles provoquent fassent de l'espace végétal un espace poétique et plastique."

Que sont devenus ces Arbrorigènes aujourd'hui ?

" Plusieurs sont morts à Venise durant la Biennale de 1986. Je les avais installés à vingt mètres de haut. Ils n'ont pu être assez arrosés et se sont décomposés. Il en reste trois au musée Picasso d'Antibes sur la terrasse, une dizaine au Centre européen d'Action artistique contemporaine dans le parc de Pourtalès à Strasbourg, deux au Jardin des Plantes à Paris, quelques-uns en pension chez des amis..."

Ernest Pignon-Ernest n'a jamais compris l'art, son art, que comme un engagement total : politique, poétique, plastique. C'est une figure de l'art engagé en France depuis les années 1970, il aime questionner, prendre position et produire des images chocs.

Entretien (extrait) de Ernest Pignon-Ernest, éditions Herscher, Paris, 1990.

# data[].attributes.attachment_link.title
Biographie du peintre célèbre Ernest Pignon-Ernest. Bio de l'artiste Ernest Pignon-Ernest...

# data[].attributes.attachment_link.description
Ernest Pignon-Ernest est un artiste plasticien autodidacte né en 1942 à Nice, il choisit le lieu de ses interventions urbaines en marchant, en s'imprégnant des sons, des odeurs, de tout ce qu'un lieu dégorge de sensations.