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Biografía de la obra:

Nombre del edificio: Museos del Vaticano

Autor: Domenico Fontana, Fernando Rossellino, Alessandro Dori, Michelangelo Simonetti, Raffaele Stern, Luca Beltrami.

Estilo: Renacentista y barroco

Fecha: nace en 1503 con las obras privadas de Julio II, se reorganiza posteriormente.

Aspecto Formal:

Identificar el tipo de construcción (para que fue hecha): religiosa

Elementos sustentantes y sustentados:

Sustentantes son: Columnas y muros

Sustentados son: cúpula, bóveda, arcos

Ornamentación: cuenta con diversas obras como ornamentación, que se pueden encontrar tanto en la construcción como tal, como en las obras expuestas en los museos. Un ejemplo de esta es la obra “Ariadna dormida” la cual ornamenta una de las fuentes o los Pavos Reales, ornamento del “Cántaro”

Iluminación: los museos del vaticano cuentan con gran cantidad de ventanas, vitrales y tragaluces de vidrio en los techos y cúpulas, los cuales permiten la entrada de una luz natural clara que permite la apreciación de las múltiples obras de arte que se encuentran en cada  rincón de los museos del vaticano, adicional a esto, recientemente fue renovada la iluminación interna con 2.400 bombillas led, 600 por cada sala, la cual añade valor a las restauraciones llevadas a cabo en los últimos año

Espacio y su relación con la estructura: Este conjunto museístico se compone de diferentes edificios de museos temáticos, edificios pontificios, galerías, monumentos y jardines, los cuales se encuentran ubicados en Ciudad del Vaticano, cuentan con más de 70.000 objetos expuestos en una extensión de aproximadamente 42.000 metros. A este conjunto de edificios pertenece la biblioteca Vaticana, una de las más grandes e importantes del mundo.

Elementos expresivos

Lo Estilístico

Renacimiento: movimiento cultura que se desarrolló en Europa entre el siglo XIV y XVI. Se caracteriza por representar un momento de ruptura crucial en la arquitectura, buscando inspiración en el arte clásico pero innovando en la construcción y los materiales, marcando su estilo personal en las obras, considerándose artistas multidisciplinares y humanistas. La idea es el progreso del hombre, en las esferas científica, espiritual y social, centrando al hombre como individuo más que como Creación.

Barroco: procede al renacimiento, se genera en Roma y se extiende al resto de Europa durante el siglo XVII y se extiende hasta mediados del XVIII, su característica principal fue utilizar composiciones basadas en puntos, curvas, elipses, espirales y figuras policéntricas que se intersecaban entre sí. Se valieron de la pintura, escultura y estucados para crear un conjunto. Los edificios barrocos se construían para glorificar el poder absoluto de los primero reyes católicos de la historia

Contexto Histórico:
Los museos del vaticano nacen en 1503 con las obras privadas de Julio II que al ser electo papa traslada su colección al Patio Octogonal. Entre las primeras obras se encontraban “el Apolo de Belvedere”, “la Venere Felice”, “la Ariadna Dormida” entre otros. Con los años se fueron construyendo nuevos edificios con galerías y corredores para unir las salas. En 1740, se reorganizaron las salas de los museos Sacro y Profano y el Gabinete de las Máscaras, en 1837 se inaugura el Museo Gregoriano Etrusco y luego el Gregoriano Egipcio. Décadas más tarde se fundaron algunos otros y los existentes tuvieron renovaciones y reorganizaciones

Concepto personal:
El Vaticano además de ser una de las principales atracciones turísticas de Europa, se ha convertido en uno de los centros históricos más importantes del mundo, por albergar bajo su cuidado la gran cantidad de obras tangibles e intangibles que hacen parte del pasado humano e indudablemente han pasado a ser parte de la historia universal. Su belleza, conservación, colores envolventes y majestuosidad convierten a los Museos del Vaticano en uno de esos destinos imperdibles para curiosos, viajeros, feligreses, historiadores y, en general, para toda persona que quiera quedar anonadada frente a obras de arte de los artistas más representativos de la historia. En particular, consideramos que siempre va a ser poco lo que se logra abarcar de este lugar, por la cantidad y calidad de lo que alberga, pero su relevancia es clara y su belleza indiscutible.

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"La Pietá" Tomada de: https://historia-arte.com/obras/la-piedad

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Biografía de la obra:

Título: La Pietá, más conocida como La Piedad del Vaticano

Autor: Miguel Ángel Buonarroti (6 de marzo de 1475 -18 de febrero de 1564)

Pequeña biografía: fue un maestro renacentista que se desempeñó en diversos campos, sin embargo, él se consideró principalmente un escultor. Desarrolló su labor artística entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.

Estilo: renacentista

Fecha: 1498 – 1499 (finales del quattrocento e inicios del cinquecento)

Aspecto Formal:

Tipo de escultura: es un bulto redondo, es decir, se puede observar desde todos los ángulos, aunque se prefiere desde el punto de vista frontal. Se basa en un triángulo equilátero sobre una base elíptica.

Técnica: talla en un bloque de mármol único.

Elementos expresivos:

Textura: el modelado y la textura es lisa y dura, especialmente en las áreas de la piel, y un poco más rugosa y aristada en los pliegues haciendo que la luz resbale y brille o cree claro-oscuro

Composición: la composición está basada en un triángulo equilátero sobre una base elíptica, lo que brinda simetría, equilibrio y estabilidad a la pieza.

Proporción: si bien las proporciones de los cuerpos eran anatómicamente correctas en si mismas, el cuerpo de María es mucho más grande que el de Jesús, lo cual los historiadores atribuyen a que Miguel Ángel quiso representar a la virgen sosteniendo a quien veía como su hijo de brazos.

Color: monocroma, con el color propio del mármol.

Expresión: si bien la composición comunica estabilidad y reposo, también muestra un profundo dramatismo que está implícito en el cuerpo inerte de Jesús y la expresión de resignación de María

Elementos pictóricos: aspectos propios de la pintura que se aprecian en las esculturas, generalmente relieves). los relieves que se dan en los pliegues hacen que la luz resbale y brille o cree claro-oscuro en esas profundas aberturas

Iluminación: Miguel Ángel era conocido por su capacidad de jugar con las luces y las sombras y esta obra no fue la excepción, como se ve en los pliegues de los paños de la Virgen, en los que casi se hace deslizar la luz. Actualmente la obra cuenta con sistema de iluminación LED de última generación que resalta su atractivo.

Función y significado: el cardenal de Saint Denis, Jean Bilhères de Lagraulas, embajador del monarca francés ante la Santa Sede, encargo al joven Miguel Ángel hacer una piedad de bulto redondo, que, al concluirse, sería ubicada en San Pedro. El objetivo de esta era representar la escena clásica de arte religioso, la cual Miguel Ángel realizo de una manera diferente a la tradicional, pues en vez de mostrar una virgen demacrada por el tiempo y sumida en la tristeza, retrato una María joven y serena, que nos hablan del concepto de belleza idealizada del renacimiento y de la eterna pureza de la virgen.

Lo estilístico: su estilo es renacentista, lo cual se evidencia desde el tipo de escultura y el material elegido, pues la elección de un material natural como el mármol muestra las tendencias naturalistas, hasta en la influencia de la filosofía neoplatónica y de la estética clásica de la antigüedad grecorromana, al hacer que la Virgen y Jesucristo expresen serenidad y ausencia del dolor.

Contexto Histórico: la obra fue ejecutada a finales del quattrocento e inicios del cinquecento, época dorada del renacimiento, del cual Miguel Ángel fue uno de sus mayores representantes. Esta fue una de las primeras obras que el maestro elaboro por su cuenta, a la joven edad de 24 años y en ella mostró su manejo de temas renacentistas, como el humanismo y el naturalismo.

Concepto personal: nos parece que esta escultura es una pieza histórica invaluable, porque además de haber sido hecha por uno de los mayores eruditos renacentistas, es una de las primeras piezas del artista, la cual muestra su manejo de las temáticas del renacimiento, además de que sirve de punto comparativo para evaluar el cambio de la obra de Miguel Ángel a lo largo de su vida, ya que este replicaría la escena en múltiples trabajos a lo largo de su obra, siendo el último de estos la Piedad Rondanini, que dejó inacabada al morir, y cuyo patetismo anticipa el barroco.

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"La Creación de Adán" Tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/La_creaci%C3%B3n_de_Ad%C3%A1n

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Biografía de la obra:

Nombre o título: La Creación de Adán

Autor: Miguel Ángel Buonarroti (6 de marzo de 1475 -18 de febrero de 1564)

Estilo: renacentista

Fecha: 1510 (cinquecento)

Aspecto Formal:

Tipo de obra: figurativa

Género de la pintura: religioso

Técnica: fresco

Tema: trata un tema altamente representado en el arte religioso que es el de la génesis, pero lo hace lo hace de un de una manera única e a e innovadora

Elementos expresivos:

Textura: Efectos visuales de superficie. En esta pieza hay una perfecta captación tridimensional que se logra con intrincados puntos de fuga

Composición: a la derecha se observa Dios, representado como un hombre mayor, que desciende del cielo en un manto rojo acompañado de querubines y con su brazo alrededor de una figura femenina, que parece ser Eva esperando que le sea dado su lugar en la tierra. A la izquierda se encuentra Adán, quien está extendiendo su brazo para recibir la chispa de vida del dedo de Dios.

Símbolos objetuales: un símbolo importante es el manto en el que desciende Dios, que muchos han comparado con una figura de un cerebro y otros con la de un útero, lo que es posible teniendo en cuento los estudios anatómicos de Miguel Ángel

Proporción y posturas de los personajes: las figuras de Dios y de Adán tienen posturas y proporciones similares, lo que representa que Dios creó al hombre a su imagen y semejanza

Colores: en la obra hay un predomino de tonos fríos (azules, verdes, violetas) ayudar a dar la sensación de distanciación de los objetos.

Expresión: Símbolos gestuales (reposo, movimiento, ritmo, dramatismo, tensión etc.) La pintura da la sensación de movimiento en elementos como las telas y el cabello y barba de Dios. Si bien los personajes centrales tienen una expresión serena, la escena tiene implícito un dramatismo característico de la obra de Miguel Ángel y que es de esperar de una pieza que represente un momento tan intenso como la creación

Función y significado, porque y para qué se hizo la obra: en 1508 el Papa Julio II encargó a Miguel Ángel que pintase la bóveda de la capilla Sixtina. Si bien muchas grandes artistas de la época plasmaron su retrato al interior de la capilla, la bóveda encargada a Bounarrotti representaba un verdadero retro, ya que es una estructura de 40 metros de largo por 13 de ancho, en la que Miguel Ángel plasmo escenas bíblicas

Lo Estilístico: si bien este fresco trata una temática religiosa, lo hace desde un punto de vista liberal para la época, ya que por sus mismas virtudes renacentistas como la idealización del cuerpo humano resulto un tanto escandaloso en su momento. Además, la proporcionalidad de los cuerpos y la relación del manto con diferentes órganos muestra un gran racionalismo de parte del artista, siendo este otro principio renacentista.

Contexto Histórico: esta obra fue realizada durante la época dorada del renacimiento y por uno de sus principales exponentes, como mencionamos anteriormente. Esta, junto a los otros frescos de la capilla Sixtina, permitieron mostrar la versatilidad del artista, quien era reconocido principalmente por su escultura, mostrando así que era un verdadero polymath como un buen hombre renacentista debía ser.

Concepto personal: consideramos que esta pieza es clave dentro de la obra del artista, no solo porque mostro al mundo que podía extender su arte más allá de la escultura, pero también porque la técnica de fresco representa un verdadero desafió técnico, ya que, a diferencia del óleo, cuando se pinta en fresco no se puede realizar correcciones. También nos parece importante resaltar la valentía del artista para abordar la obra de una manera tan liberal para su época

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Los Museos del Vaticano son una red conformada por más de 10 espacios históricos y artísticos entre museos capillas, salones, jardines y una gran biblioteca, donde desde 1506 se coleccionan por parte de los sumos pontífices, miles de cuadros, frescos, tapices, antigüedades, libros y esculturas, esto lo convierte el terreno de menos de media hectárea con la mayor concentración de arte en el mundo. Visitar esta red de museos, se convierte en una visita obligatoria para los visitantes de la Santa Sede, y para quienes aún no tenemos la oportunidad de quedar anonadados frente a paredes que parecen no tener fin y esculturas que podrían cobrar vida en cualquier momento con la perfección de sus detalles, por ahora, podemos disfrutar de visitas virtuales cortas.

En esta ocasión visitaremos de forma virtual la entrada de la Capilla Sixtina y la Sala Alejandrina, poder conocer este y muchos otros museos de forma virtual es una gran oportunidad y nos encantó el recorrido corto que realizamos por esta salas, cada pared, baldosa y cada rincón se convierten en un espacio de arte, lograr estas hazañas arquitectónicas y artísticas y aún más, lograr conservarlas después de tanto tiempo en las condiciones en las que se encuentran es un reconocimiento importante que hacer. Frente a lo que podemos apreciar, quedamos sin palabras, no sabíamos que detalle mirar, nos tardamos mucho porque parábamos en cada tramo que recorríamos perdidas en los detalles.

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“Características y principales construcciones de la arquitectura del barroco”. Fecha de publicación: 21/11/2012. Autoría del artículo: Equipo de redactores de Arkiplus.com. Consultado el 16/11/2020, desde la url: https://www.arkiplus.com/caracteristicas-y-principales-construcciones-de-la-arquitectura-del-barroco/

“El Vaticano: arte y arquitectura”. Fecha de publicación: 13/05/2019. Autoría del artículo: Equipo de redactores de Arkiplus.com. Consultado el 16/11/2020, desde la url: https://www.arkiplus.com/el-vaticano-arte-y-arquitectura/

“Museos Vaticanos” Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Museos_Vaticanos

“Estilo renacentista”. Fecha de publicación: 20/05/2018. Autoría del artículo: Equipo de redactores de Arkiplus.com. Consultado el 16/11/2020, desde la url: https://www.arkiplus.com/estilo-renacentista/

“Arquitectura del renacimiento” Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_del_Renacimiento

“Arquitectura del Barroco” Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_del_Barroco

La Piedad (Piedad del Vaticano) de Miguel Ángel. URL: https://www.culturagenial.com/es/escultura-piedad-de-miguel-angel/
Miguel Ángel: La grandiosidad de un artista en busca de la perfección. España: 50Minutos.es. 2017. p. 20

Miguel Ángel, una interpretación psicoanalítica. URL: https://www.cristinadaneripsicoanalista.com/miguel-angel-una-interpretacion-psicoanalitica/

Musei Vaticani. URL: http://www.museivaticani.va/content/museivaticani/en/collezioni/Emusei/tour-virtuali-elenco.html

Visita virtual: http://m.museivaticani.va/content/museivaticani-mobile/en.html