# data[].attributes.body
40000-2000 A.C

El arte prehistórico es un fenómeno artístico de alcance geográfico global y una amplitud temporal suficiente como para afectar a las épocas más diversas. El concepto es mucho más extenso que el fenómeno rupestre cuaternario, principalmente circunscrito a Europa occidental, y comprende además las manifestaciones del llamado arte paleolítico.

Aunque cronológicamente, Europa debería ocupar el primer lugar, y a pesar de que muchas de las expresiones artísticas prehistóricas son relativamente recientes en algunas zonas del globo, donde han sobrevivido pueblos primitivos, la exposición se realizará siguiendo el orden alfabético. Aunque ello derive en un problema adicional: ¿es lícito comparar manifestaciones tan lejanas en el espacio y en el tiempo? En este sentido, la confrontación de equivalencias culturales, obviando los particularismos empíricos, permite obtener generalizaciones.

Con base en ello, se puede apreciar que, en las artes plásticas y visuales de los pueblos primitivos, el realismo es algo excepcional, frente al simbolismo, la abstracción, la estilización y el esquematismo, que parecen una constante mundial.

Otra posible generalización es que casi todo el arte rupestre holoceno se desarrolla en el exterior, a lo sumo, en abrigos rocosos, desfiladeros y covachas poco profundas.

En tercer lugar, el megalitismo y la construcción de túmulos, en relación al culto a los muertos, o la necesidad de desarrollar una arquitectura defensiva, a menudo con construcciones ciclópeas (cuya motivación, excede, con mucho, a las necesidades militares), también son constantes del arte prehistórico mundial.

Por último, está el hecho de que, a pesar del innegable significado religioso del arte prehistórico, este no solo se asocia al mundo funerario o mitológico, sino que los temas abarcan todas las facetas de la vida social de los humanos (caza, guerra, trabajos, ceremonias, jerarquías, sexo, familia, incluso, diversión...) y, sobre todo, a medida que las sociedades humanas evolucionan, la glorificación del poder y de los poderosos.

# data[].attributes.body
El arte paleolítico nace en el Paleolítico superior, aproximadamente hacia el año 40 000 a. C., cuando los seres humanos modernos poblaban prácticamente todo el globo terráqueo. Sin embargo, sus manifestaciones fundamentales, por no decir casi las únicas, parecen reducirse a Europa, al sur del límite que marcarían los hielos durante la glaciación de Würm. Es más, el arte mural de las cuevas (llamado arte parietal) se concentra muy intensamente en ciertas regiones francesas y españolas, te aunque ocasionalmente puede aparecer en Portugal, Italia, Europa Oriental y poco más. No se ha averiguado el motivo que explique por qué no se han hallado restos de arte paleolítico parietal en el resto del mundo.
La función del arte paleolítico es totalmente desconocida. Al principio se pensó que estas obras de arte se hacían solo por motivos estéticos (para adornar: el arte por el arte), y aunque nadie niega que los artistas paleolíticos debieron sentir satisfacción por la belleza de estas representaciones, esto sería secundario, y sin duda este arte era de carácter mágico o religioso. No se pueden hacer más precisiones; como mucho, se pueden formular varias teorías, pero sin pruebas sólidas: el totemismo, el animal-totém, el chamanismo, la fecundidad y magia propiciatoria, dualismo de la naturaleza y subolismo

# data[].attributes.body
Al terminar el Paleolítico Superior también desaparecieron con él sus espléndidas manifestaciones artísticas, apareciendo otras nuevas, influenciadas, inevitablemente, por los cambiantes factores climáticos y los nuevos hábitos socio-económicos. El problema de este nuevo arte postpaleolítico es que resulta muy difícil de datar y los investigadores no se ponen de acuerdo acerca de su periodización. Unos opinan que representaciones como las del arte naturalista levantino son ya del Neolítico inicial, otros que es anterior. De cualquier manera el arte no desapareció y lo seguimos encontrando en abrigos rocosos (arte parietal) y en objetos personales (arte mueble).
El arte se volvió conceptual y racionalista, basado en lo geométrico y lo abstracto.1​ La cultura aziliense de la cornisa cantábrica y del Pirineo francés nos ha deparado abundantes cantos rodados decorados con seriaciones de bandas, puntos, ramiformes, etc., de carácter abstracto, y a los que se les otorga un significado mágico/simbólico. La cultura natufiense destaca, entre otras cosas, por sus características representaciones de animales en morteros de mano, mangos de hoz o cuchillos, o sea, por su arte mueble.
En Sierra Morena (Andalucía) se han encontrado figuras antropomórficas y teriomórficas (especialmente de cabras montesas y ciervos) muy esquematizadas, junto a signos del tipo de círculos, puntos, soles, ondulaciones. Otras representaciones importantes se han descubierto en Alpera (Albacete), Cogul (Lérida), Barranco de los Gascones (Teruel), Villar del Humo (Cuenca) o Barranco de Gazulla (Castellón).

# data[].attributes.body
El arte neolítico ('arte en la nueva edad de piedra') —por contraposición al Paleolítico ('antigua edad de piedra')— que se produjo en uno de los períodos en que se considera dividida la Edad de Piedra.
El término neolítico fue acuñado por John Lubbock en su obra de 1865 que lleva por título Prehistoric Times. La palabra proviene del griego νέος, néos: ‘nuevo’; λίθος, líthos: ‘piedra’. Inicialmente se le dio este nombre en razón de los hallazgos de herramientas de piedra pulimentada que parecían acompañar al desarrollo y expansión de la agricultura. Hoy día se define el Neolítico precisamente en razón del conocimiento e uso de la agricultura o de la ganadería. Normalmente, pero no necesariamente.

El estilo del neolítico, abierto a las sensaciones y a la experiencia, se transforma en una intención artística geométricamente estilizada, cerrada a la riqueza de la realidad empírica. En lugar de las minuciosas representaciones fieles a la naturaleza, plenas de cariño y paciencia para los detalles del modelo correspondiente, encontramos por todas partes signos ideográficos, esquemáticos y convencionales, que indican más que reproducen el objeto. El arte neolítico tiende ahora a fijar la idea, el concepto, la sustancia de las cosas, es decir a crear símbolos en lugar de imágenes.

(más específicamente en la Edad de los Metales), se conservan grandes monumentos megalíticos, entre ellos:

Los menhires: monolitos verticales ocasionalmente antropomorfos , para marcar territorio.

Los dolmenes: sepulturas construidas con dos o más piedras verticales cubiertas por una losa horizontal.

Los crómlechs: conjuntos de menhires de forma circular , observatorios astronómicos vinculados al culto del sol. El más famoso se encuentra en Inglaterra

# data[].attributes.body
(5300 A.C - 476 D.C)

Arte antiguo o Arte de la Antigüedad es el arte de la Edad Antigua. La historia del arte antiguo es la división de la historia del arte que se centra en su estudio e interpretación formal, técnica, estructural, e ideológica (iconográfica, iconológica) y en su explicación histórica; aunque la arqueología es la ciencia histórica cuyo objeto es la cultura material de la que las obras de arte son la manifestación más valiosa, y es la encargada de su descubrimiento y análisis contextual.

Su delimitación cronológica va desde el comienzo de la Historia (aproximadamente el IV milenio a. C. en Próximo Oriente y Egipto) hasta la caída del Imperio romano de Occidente (siglo V). La extensión geográfica del desarrollo de las primeras civilizaciones –definidas por la aparición de la escritura y el poder político y religioso– impone dónde pueden localizarse (civilizaciones mediterráneas, de la India, de Extremo Oriente, de América Precolombina y del resto de Europa y de África) y cuándo puede hablarse en cada una de un periodo histórico (Historia) o de un periodo prehistórico (Prehistoria), que determinaría que su producción artística fuese objeto de la historia del arte prehistórico; aunque realmente la metodología para su estudio es en gran parte común, hay una diferencia fundamental, y es la posibilidad de utilizar las fuentes escritas para los periodos históricos. Este recurso es insustituible, puesto que no sólo permite la identificación en su caso de los autores o patrocinadores de la obra artística y reconstruir el contexto en el que se produjo, sino que posibilita la interpretación del Arte en su relación con la producción intelectual en otros ámbitos del pensamiento, sobre todo la religión y la filosofía. De esta manera se puede efectuar una lectura del arte que lo entienda a través la visión del mundo (Weltanschauung) o ideología dominante en épocas y lugares tan lejanos a nosotros como las civilizaciones de la Edad Antigua, y del que el Arte es la plasmación material y visual.

Al contrario que la civilización occidental, las civilizaciones africanas, extremo-orientales y americanas no experimentaron la marcada discontinuidad que el arte occidental presenta entre el arte antiguo y el arte medieval; con lo que este último concepto no suele aplicarse a estas civilizaciones.

También existe un concepto comercial y coleccionista del Arte antiguo, entendido como antigüedades; es decir, como el término usado para englobar todo tipo de objetos artísticos que no se consideran Arte moderno, pertenezcan a la Edad Antigua o a periodos posteriores (arte medieval, arte de la Edad Moderna e incluso buena parte del arte contemporáneo si este no se entiende sólo como el más actual sino como todo el arte de la Edad Contemporánea -desde mediados del siglo XVIII-).

# data[].attributes.body
Una de las características del Antiguo Egipto es su singular arte, con obras monumentales que generalmente tenían carácter simbólico, funerario o religioso.

Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente utilizable en la arquitectura, escultura, pintura y joyería egipcias, siendo muchas de sus realizaciones auténticas obras de arte y no simples trabajos de artesanía.

Gracias al seco clima de Egipto y a quedar cubiertas por las arenas del desierto (o enterradas por sus propietarios, para gozar de ellas en la "otra vida") nos han llegado en aceptable estado de conservación multitud de auténticas obras de arte, a pesar de la utilización de los monumentos como canteras, las guerras o los innumerables saqueos de tumbas y templos.
Las expresiones artísticas egipcias más antiguas se clasifican en las siguientes etapas: Periodo Neolítico (5300-4000 a. C.), periodo Badariense (4400-4000 a. C.), Nagada I - Amratiense (4000-3500 a. C.), Nagada II - Gerzeense (3500-3200 a. C.) y Nagada III (3200-3000 a. C.)

En estos periodos predomina la pintura decorativa (en cerámicas) o simbólica (en tumbas) y pequeños objetos de carácter utilitario y mágico. Destacan las vasijas de piedra, las "mazas" y "paletas" votivas, como la de Narmer.
Asombra la perfección, delicadeza y monumentalidad del arte egipcio, con un estilo único y característico que surgió durante las primeras dinastías y permanece "casi" inalterado en cuatro milenios de la nueva cultura.

# data[].attributes.body
El arte mesopotámico es una división cronológica y geográfica de la historia del arte que trata de Mesopotamia durante la edad Antigua. Hace referencia a las expresiones artísticas de las culturas que nacieron en las riberas de los ríos Tigris y Éufrates. Desde el Neolítico (hacia el VI milenio a. C.) hasta la caída de Babilonia ante los persas en el año 539 a. C.

Entre ambas fechas se desarrollaron las civilizaciones sumeria, acadia, babilonia (o caldea), casita, hurrita (Mittani) y asiria (arte asirio).

Tras milenios entre el predominio de la Baja Mesopotamia y la Alta Mesopotamia, la región, al formarse el imperio persa, se incorporó a una dimensión espacial de orden muy superior, que el imperio de Alejandro Magno y el helenismo conectaron con la época romana (arte persa, arte helenístico). Incluso en la época anterior a los persas, el arte mesopotámico tuvo varias vías de contacto, a través de la guerra, la diplomacia y el comercio a larga distancia, con el de las demás civilizaciones del Antiguo Oriente Próximo (arte de la civilización hitita y otras del Asia Menor; arte fenicio, del antiguo Israel y de otras civilizaciones del Levante mediterráneo; y el arte egipcio), e incluso con el arte de la India y del Asia central.
La incorporación por difusión cultural o el desarrollo endógeno de múltiples materiales y técnicas artísticas y artesanales fue parejo tanto a los avances tecnológicos (desarrollo de hornos cada vez más eficaces, del torno de alfarero, de la cerámica vidriada o de la metalurgia) como sociales y culturales (nacimiento de la ciudad, de la escritura, de las religiones institucionalizadas y del Estado —lo que se denomina sociedad compleja o civilización—).

# data[].attributes.body
Arte minoico o cretense es el arte de la civilización minoica o cretense, una civilización prehelénica que se desarrolló en la isla de Creta entre el III milenio a. C. y el II milenio a. C.

La mayor colección de arte minoico está en el Museo Arqueológico de Heraclión, cerca de Cnosos en la costa norte de Creta. El arte minoico, con otros restos de la cultura material, especialmente la secuencia de estilos cerámicos, ha permitido a los arqueólogos definir las tres fases de la civilización minoica: minoico antiguo, minoico medio y minoico reciente.

Puesto que la madera y los textiles han desaparecido, los más importantes supervivientes del arte minoico son la cerámica como vasijas, copas o ánforas con motivos marinos: peces,pulpos, algas, caracoles; la arquitectura palacial con sus frescos, incluyendo los paisajes, petroglifos; y los elaborados sellos de piedra tallados.

# data[].attributes.body
El arte medieval es una etapa de la historia del arte que cubre un prolongado período para una enorme extensión espacial.
​ La Edad Media -del siglo V al siglo XV- supone más de mil años de arte en Europa, el Oriente Medio y África del Norte. Incluye distintos períodos, cuya valoración estética, sujeta a cambiantes criterios, ha venido emitiendo distintas denominaciones calificativas, que llegan a etiquetar a algunos como "edades oscuras" y a otros como "renacimientos"; incluye a su vez muy diferentes movimientos artísticos con distinta difusión geográfica, desde los llamados "estilos internacionales" hasta las artes nacionales, regionales y locales; en definitiva, una enorme diversidad en las obras de arte (pertenecientes a los más diversos géneros) y en los propios artistas (que en la Alta Edad Media permanecían en el anonimato de una condición artesanal de poco prestigio social, como los demás oficios establecidos en régimen gremial, mientras que en los últimos siglos de la Baja Edad Media, sobre todo en el siglo XV, alcanzarán la consideración de cultivadores de las bellas artes, aumentando en consideración social y preparación intelectual).

# data[].attributes.body
Las obras medievales surgieron en un contexto en el que no existía el concepto de arte ni el de la belleza como su objetivo, ni siquiera el concepto mismo de artista o de  bellas artes (sino el de artes mecánicas, diferenciadas de las liberales). El objeto artístico medieval tenía, en el seno de la sociedad en que era producido, un carácter básicamente funcional. Para el medievelista francés Georges Duby, la obra de arte medieval cumplía fundamentalmente tres cometidos:²​

Ser una ofrenda a Dios, a los santos y o a los difuntos, con el fin de obtener su gracia, su indulgencia, etc. Es por ello que el hombre medieval (incluso aquellos, como San Francisco de Asís, que promovían la pobreza) no dudaba de la legitimidad de la riqueza de los adornos de las iglesias, monasterios u otros lugares de culto, puesto que esta riqueza era vista como una ofrenda necesaria a Dios, para la cual eran necesarios los mejores materiales y las mejores técnicas.

Ser intermediaria entre el mundo sobrenatural y el humano, haciendo visible en este las realidades divinas, según la máxima paulina per visibilia ad invisibilia (a través de lo visible hacia lo invisible). Se suele atribuir a las imágenes medievales una función pedagógica: explicar los dogmas de la fe cristiana y la historia sagrada a los iletrados (el catecismo de piedra), si bien no todos los expertos están de acuerdo sobre este punto.³​

Ser una afirmación de poder: por un lado, del poder de Dios y de la Iglesia (el poder religioso); por otro, del poder político (emperadores, reyes, y las mismas instituciones eclesiásticas). A finales de la Edad Media van surgiendo en otros agentes sociales los medios suficientes para encargar obras de arte (la burguesía).

# data[].attributes.headline
Movimientos artísticos y periodos principales

# data[].attributes.subject
Movimientos artísticos y periodos principales

# data[].attributes.body
Alta Edad Media

El arte paleocristiano es en realidad un arte de la Edad Antigua, puesto que cubre el período desde el siglo III (antes de este no han sobrevivido muestras de arte cristiano), hasta la caída del Imperio de Occidente (siglo V). Durante este período las obras de arte cristianas adoptaron las distintas técnicas artísticas romanas de arquitectura, pintura, mosaico, talla y trabajo de los metales.

El arte bizantino, desarrollado en el Imperio romano de Oriente (con centro en Constantinopla), aunque muy influyente en Occidente. La época de mayor esplendor correspondió al reinado de Justiniano I (527-565), cuando se construyó Santa Sofía. Durante el período de iconoclasia (730-843) la mayor parte del arte figurativo fue destruido; tan sólo han sobrevivido algunos ejemplos, destacadamente los mosaicos de Rávena y los iconos monasterio de Santa Catalina del Monte Sinaí. Después de la reanudación de producción de iconos la tradición bizantina continuó con relativamente pocos cambios, a pesar de (o precisamente debido a) la lenta disminución del Imperio hasta 1453. Las sucesivas destrucciones debidas a los cruzados y a los turcos ha limitado la conservación de uno de los artes más refinados de la Edad Media en términos de calidad de material y habilidad. El estilo bizantino se prolongó en el arte ruso.

El arte islámico durante la Edad Media, además de la producción arquitectónica (las demás artes plásticas tienen un desarrollo menor al no permitirse la representación de figuras -aniconismo-) cubre una amplia variedad de artesanías incluyendo manuscritos ilustrados, textil, cerámica, trabajo en metales y cristal. Son la muestra de la cultura material islámica en el Próximo Oriente, España (arte de Al-Andalus), y África del Norte. Puede deslindarse una temprana etapa formativa (600-900) y el desarrollo de estilos regionales del siglo X en adelante.

El arte prerrománico cubre el periodo del siglo V al siglo X en Europa Occidental. Las influencias clásicas y las germánicas son activamente absorbidas y se desarrollan las formas y motivos que más tarde constituyen el arte románico. Se divide en distintos estilos locales:

El arte del período de las migraciones es el de los pueblos germánicos y eslavos, de la Europa del Norte y del Este durante las invasiones bárbaras o Período de Migración de Pueblos (aproximadamente 300-900), incluyendo también el período temprano del arte Hiberno-Sajón en Gran Bretaña e Irlanda. Esta influencia actuó recíprocamente con el arte cristiano, así como los llamados "estilo animal"​ y "estilo polícromo" (del que se derivan el arte merovingio y el godo).⁶​

Distintos estilos locales desarrollados a partir del establecimiento de reinos germánicos en:

Italia, con escasos monumentos ostrogodos (Tumba de Teodorico) y la más decisiva presencia del arte bizantino.

España, principalmente el arte visigodo, el arte asturiano y el arte mozárabe o Arte de repoblación.

Francia y las zonas centrales del Imperio carolingio desarrollan el arte carolingio a partir del reinado de Carlomagno (finales del siglo VIII).

Alemania, el arte otoniano, desde mediados del siglo X a mediados del XI.

Irlanda (donde no llegaron a establecerse reinos germánicos) y Gran Bretaña (donde sí), habitadas desde la antigüedad por pueblos de origen celta, cuyas producciones de la época pueden denominarse arte celta medieval; desde aproximadamente el siglo V -retirada romana-, a aproximadamente la introducción del arte románico en el siglo XII -con la conquista normanda-. Del siglo V al VII se produce principalmente una continuación de la Edad Antigua: la cultura material de la Edad de hierro tardía (cultura de La Tène) con algunas modificaciones romanas; mientras que en los siglos VII y VIII se realizó una fusión con las tradiciones germánicas por el contacto con los anglosajones (estilo hiberno-Sajón o arte insular); y finalmente algunas inspiraciones vikingas.

# data[].attributes.body
Arte de la Edad Moderna es el período o subdivisión temporal de la historia del arte que corresponde a la Edad Moderna. No se ha de confundir con el concepto de arte moderno, que no es cronológico sino estético, y que corresponde a determinadas manifestaciones del arte contemporáneo.

El período cronológico de la Edad Moderna corresponde con los siglos XV al XVIII (con distintos hitos iniciales y finales, como la imprenta o el descubrimiento de América, y las revoluciones francesa o industrial), y significó históricamente en Europa la conformación y posterior crisis del Antiguo Régimen (concepto que incluye la transición del feudalismo al capitalismo, una sociedad estamental y preindustrial y una monarquía autoritaria o absoluta desafiada por las primeras revoluciones burguesas). Desde la era de los descubrimientos los cambios históricos se aceleraron, con el surgimiento del estado moderno, la economía-mundo y la revolución científica; en el marco del inicio de una decisiva expansión europea a través de la economía, la sociedad, la política, la técnica, la guerra, la religión y la cultura. Durante ese periodo, los europeos se extendieron fundamentalmente por América y los espacios oceánicos. Con el tiempo, ya al final del periodo, estos procesos terminaron por hacer dominante la civilización occidental sobre el resto de las civilizaciones del mundo, y con ello determinaron la imposición de los modelos propios del arte occidental, concretamente del arte europeo occidental, que desde el Renacimiento italiano se identificó con un ideal estético formado a partir de la reelaboración de los elementos recuperados del arte clásico greco-romano, aunque sometidos a una sucesión pendular de estilos (renacimiento, manierismo, barroco, rococó, neoclasicismo, prerromanticismo) que, bien optaban por una mayor libertad artística o bien por un mayor sometimiento a las reglas del arte institucionalizadas en el denominado arte académico. La función social del artista comenzó a superar la del mero artesano para convertirse en una personalidad individualista, que destacaba en la corte, o en una figura de éxito en el mercado libre de arte. Al igual que en los demás ámbitos de la cultura, la modernidad aplicada al arte significó una progresiva secularización o emancipación de lo religioso que llegó a su punto culminante con la Ilustración; aunque el arte religioso continuó siendo uno de los más encargados, si no el que más, ya no dispuso de la abrumadora presencia que había tenido en el arte medieval.

No obstante, durante todo el periodo de la Edad Moderna las principales civilizaciones del mundo se mantuvieron poco influidas, o incluso casi del todo ajenas a los cambios experimentados por las sociedades y el arte europeos, manteniendo esencialmente los rasgos culturales y artísticos propios (arte de la India, arte de China, arte de Japón, arte africano).

La civilización islámica, definida por su posición geoestratégica intermedia, y principal competidora histórica de la civilización cristiana occidental, a la que disputó secularmente el espacio mediterráneo y balcánico, desarrolló distintas modalidades locales de arte islámico en las que pueden verse influencias tanto del arte occidental como del de las civilizaciones orientales.

Para el caso del arte americano, la colonización europea supuso, especialmente para zonas como México y Perú, la formación de un arte colonial con algunas características sincréticas.

# data[].attributes.body
Recimiento: es una época de gran esplendor cultural en Europa, donde la religión dejó paso a una concepción más científica del hombre y el universo, surgiendo el humanismo. Los nuevos descubrimientos geográficos hicieron que la civilización europea se expandiese por todos los continentes, y la invención de la imprenta supuso una mayor universalización de la cultura. El arte se inspira en el arte clásico grecorromano, por lo que se habla de “renacimiento” artístico tras el oscurantismo medieval. Inspirado en la naturaleza, surgen nuevos modelos de representación, como el uso de la perspectiva. Manierismo: representa una evolución de las formas renacentistas. El manierismo abandonó la naturaleza como fuente de inspiración para buscar un tono más emotivo y expresivo, cobrando importancia la interpretación subjetiva que el artista hace de la obra de arte.
Barroco: es una época de grandes disputas en el terreno político y religioso, surge una división entre los países católicos contrarreformistas (en los que se afianza el estado absolutista) y los países protestantes (de signo más parlamentario). El arte se vuelve más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas, con gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. La arquitectura, bajo unas líneas clásicas, asume unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración. En la pintura se desarrollaron dos tendencias contrapuestas: el naturalismo, basado en la estricta realidad natural, con gusto por el claroscuro –el llamado “tenebrismo”–, donde cabe citar a Caravaggio y Georges de La Tour; y el clasicismo, que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado.
Rococó: desarrollado en el siglo XVIII, supone la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia.
Neoclasicismo: el auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del barroco y rococó, identificados con la aristocracia. Arte en la Edad Contemporánea (1800-Actualidad) Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos –impulso iniciado con la Revolución francesa–; y, en lo económico, por la Revolución industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan.

# data[].attributes.headline
Artistas representativos de la edad moderna

# data[].attributes.subject
Artistas representativos de la edad moderna

# data[].attributes.body
Bramante (1444-1514) El arquitecto italiano, que diseño la Basílica de San Pedro del Vaticano, elevó como nadie la arquitectura a las cimas del arte. Aunque era también pintor, sus diseños arquitectónicos fueron tan innovadores que eclipsaron cualquier otra habilidad que tuviera. Un busto de Bramante se puede contemplar en los jardines de la Villa Medici en Roma, realizado en 1849 por Ascanio Perucchinni . El magnífico secundario Harry Andrews es Bramante en el film dedicado a Miguel Ángel "El tormento y el éxtasis".
Leonardo da Vinci (1452-1519) Pintor, escultor, botánico, poeta, inventor, y tantas cosas más. Leonardo es el genio de genios. Inmenso. Irrepetible. Surgido de la Edad Media, su luz dio pasó a la Edad Moderna, al menos en el arte. De él se ha dicho de todo, hasta que "La Gioconda" es su autorretrato. Pero de Leonardo más que hablar, hay que ver sus obras, o leer sobre sus ideas. El más conocido de sus autorretratos es el conservado en la Biblioteca de Turín (Italia), fechado en 1512, y que por tanto refleja a un Leonardo de 60 años. El cine y la televisión no han encontrado sin embargo la gran obra que le haga justicia, e incluso algunas recientes producciones televisivas lo han convertido en una figura casi bufonesca. En 1971 se realizó una serie combinando la dramatización con el documental que se acercaba a la vida del genial artista, "La vida de Leonardo da Vinci"; en ella, Phillippe Leroy interpreta a un convincente Leonardo.

Rafael (1483-1520) Otro de los grandes maestros italianos del Renacimiento. A pesar de morir sin llegar a cumplir los 30 años, Rafael se convirtió en uno de los grandes pintores de la Historia. Con los frescos de las estancias vaticanas, entre los que destaca "La escuela de Atenas", se consagra como uno de los grandes maestros de su época. En la Galeria de los Uffizzi en Florencia (Italia) se conserva un autorretrato suyo pintado en torno a 1506  a la edad de 23 años, en él cual ya podemos admirar la habilidad y garra del joven artista. La película "El tormento y el éxtasis" cuenta con una breve aparición del artista, interpretado por Tomas Milian.
Miguel Ángel (1474-1564) El genial artista italiano, que destacó en arquitectura, pintura y escultura. Se convirtió en uno de los tres grandes pilares del Renacimiento italiano, junto con Leonardo y Rafael. Sus esculturas como "La piedad" del Vaticano, o las pinturas de la Capilla Sixtina son por sí solas suficientes para darle fama universal. El rostro de Miguel Ángel pintado por Marcello Venusti en torno a 1535, muestra la fiereza de carácter del irreductible artista. En "El tormento y el éxtasis" (1965) se plasma la difícil relación entre el Papa Julio II y el irascible pintor, magistralmente interpretado por Charlton Heston.
Brueghel (1525-1569) Pieter Brueghel el viejo comienza una saga de pintores de los Países Bajos, que dominará el panorama artístico de su país con una pintura muy particular. Detallista hasta la exageración, sus primeros cuadros están llenos de vida y animación, reflejando como nadie las costumbres y usos de una época. Su obra "El pintor y el aficionado" viene considerándose el único autorretrato del artista. Datado en torno a 1565, el dibujo se puede contemplar en La Albertina de Viena (Austria). "El molino y la cruz"(2011) extraña película con un cuadro de Brueghel como protagonista, concretamente el titulado "Camino del Calvario", tiene a Rutger Hauer en el papel del pintor.
Cellini (1500-1571) Benvenuto Cellini magnífico escultor y orfebre italiano es otro de los grandes nombres del arte renacentista. La vida de Cellini fue tan agitada como su carácter, líos de faldas, pendencias, asesinatos, pero también heroísmo, pues participó en la defensa de Roma, y mató de un arcabuzazo al Condestable de Borbón. Su "Perseo" se cuenta entre las mejores esculturas de la historia. El Ponte Vecchio de Florencia luce un busto en homenaje al artista, realizado en 1901 por R. Romanelli.  La película "El magnífico aventurero"(1963) relata lo más azaroso de su vida, y en ella el actor Brett Halsey es un desbocado Cellini.
Caravaggio (1571-1610) El pintor italiano es considerado el primer gran exponente de un nuevo arte: El Barroco. Para muchos es el maestro del claroscuro. Sus cuadros reflejan su inquieto espíritu, luces y sombras se combinan creando unas escenas donde la vida y la muerte se dan la mano. De Michelangelo Merisi da Caravaggio se ha dicho que era un alma atormentada. Su truculenta vida, le llevó al exilio, y a sufrir varios intentos de asesinato. Una de sus "simpáticas ideas" era realizarse autorretratos como decapitado, así la cabeza de Goliat que sujeta David, del cuadro de 1599 del Museo del Prado (Madrid), se supone que es el pintor.  En la serie "Caravaggio"(2007), Alessio Boni es el pintor.
El Greco (1541-1614) Doménikos Theotokópoulos, conocido por haber nacido en la isla griega de Creta como El Greco, se afincó en Toledo con 36 años, y renovó por completo la pintura española, creando un original estilo que hace las obras de este pintor totalmente únicas."El caballero de la mano en el pecho" o "El entierro del conde de Orgaz", son dos de sus pinturas universalmente reconocidas. Su tendencia a alargar las figuras ha generado diversas hipótesis en torno a la razón para ello, pero en cualquier caso no parece que fuera un problema de la vista como algunos llegaron a afirmar. El retrato de un caballero anciano de 1604 exhibido en el Metropolitano de Nueva York, se viene considerando un autorretrato del pintor. En el 2007 se filmo una biografía parcial del artista griego "El Greco" con Nick Ashdon en el papel protagonista.
Velazquez (1599-1660) Diego Velázquez es el gran pintor español del Barroco, y uno de los más grandes pinceles de la historia del arte. "Las Meninas" La venus del espejo", y tantos otros cuadros lo convierten en una figura irrepetible. Es en "Las Meninas" donde podemos ver su autorretrato. Pintado en 1656 este original retrato de la familia de Felipe IV con el pintor colándose por un lateral, se conserva en el Museo del Prado. A pesar de la importancia del personaje, el cine apenas nos ha ofrecido una visión del pintor. La divertida serie "El Ministerio del Tiempo"(2015), tiene entre sus personajes recurrentes un Velázquez desenfadado interpretado por Julián Villagrán.
Rembrandt (1606-1669) El pintor holandés representa como nadie la edad de oro del arte en su país. Sus cotizadas pinturas no impidieron que el pintor, que vivía siempre por encima de sus posibilidades, se enfrentara en ocasiones con la miseria y la bancarrota. La pintura barroca de Rembrandt dejó para el arte, obras tan admiradas como "La ronda de noche". El magnífico autorretrato de 1659 se encuentra en la National Gallery of Art de Washington. El cine sí ha dedicado films al pintor y grabador de Holanda, pero sin duda en la memoria queda la interpretación de Charles Laughton  en "Rembrandt" (1936).
Vermeer ( 1632-1675) El pintor holandés formó parte junto con Rembrandt de esa edad de oro en la pintura barroca de los Países Bajos. Artista que trabajaba por encargo, se conservan relativamente pocos cuadros de él, casi todos de temática histórico y costumbristas, siendo estos últimos los más valorados. El único autorretrato que se exhibe del pintor es de 1665, y se encuentra en la Galería de Arte de Dresde (Alemania), aunque no está confirmado que sea realmente el artista.  Colin Firth es el pintor obsesionado por su modelo en "La joven de la perla"(2003), y está bastante más serio que en el cuadro.
Hogarth (1697-1764) William Hogarth fue un pintor e ilustrador británico, que cosechó grandes éxitos con sus pinturas satíricas con un estilo que será el antecedente de los cómics. La historia y la política son sus temas favoritas, pero no se corta a la hora de parodiar incluso a otros artistas y sus cuadros. Su autorretrato con perrito, considerado modelo del estilo Rococó, es de 1745, y se puede admirar en la Tate Gallery de Londres. La interesante película "A Harlot´s Progress"(2006), que analiza la relación del pintor con la prostituta que sirvió de inspiración para una serie de cuadros, tiene a Toby Jones como Hogarth.
Gainsborough (1727-1788) Paisajista y retratista inglés, que con su trazo amable y sencillo, inicía toda una escuela en Inglaterra. En sus exposiciones seleccionaba cuadros de clientes conocidos como reclamo para llamar la atención, y conseguir nuevos encargos. Su autorretrato de 1759 se encuentra en la Galería Nacional de Retratos de Londres.  La comedia "La bribona" (1945) tiene a Cecil Kellaway como el pintor.

# data[].attributes.body
Las muy ricas horas del Duque de Berry (francés: Les Très Riches Heures du Duc de Berry o Les Très Riches Heures) es un libro de horas profusamente iluminado, escrito en latín, realizado por el taller de los hermanos Herman, Paul y Johan Limbourg hacia 1410, por encargo del duque Juan I de Berry. Se conserva en el Museo Condé en Chantilly, Francia, en el inventario Ms.

# data[].attributes.body
El nacimiento de Venus (en italiano, La Nascita di Venere) es un cuadro realizado por el pintor renacentista Sandro Botticelli, una de las obras cumbre del maestro florentino y del Quattrocento italiano. Está ejecutado al temple sobre lienzo y mide 278,5 cm de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería Uffizi, en Florencia, donde está expuesto en la sala 10-14, llamada «de Botticelli» (Inv. 1890 n. 878).

# data[].attributes.body
Arte contemporáneo se denomina el conjunto de manifestaciones artísticas surgidas a partir del siglo XX.

Como tal, el concepto de arte contemporáneo es relativo a cada época. Esto significa que el arte que se produce en cualquier periodo histórico siempre será contemporáneo para sus coetáneos. Contemporáneo fue el arte de Leonardo da Vinci para quienes vivieron en el siglo XVI.

No obstante, existen tres criterios que se usan para determinar el momento a partir del cual podemos denominar como contemporáneas las expresiones artísticas de nuestra época que son arte y edad contemporánea; arte contemporáneo y vanguardismo, y arte contemporáneo y posmodernidad.

# data[].attributes.body
Arquitectura del siglo XX:
la arquitectura se basa en una concepción más racional del espacio, estructurado de forma más depurada y funcional, con especial atención a las nuevas tecnologías y a su ubicación medioambiental. La principal tendencia artística ha sido el racionalismo, representado fundamentalmente por la Escuela de la Bauhaus.
Fauvismo:
primer movimiento vanguardista del siglo XX que supuso una experimentación en el terreno del color, que es concebido de modo subjetivo y personal, aplicándole valores emotivos y expresivos a los objetos. Destacan Henri Matisse, Albert Marquet, Raoul Dufy, André Derain y Maurice de Vlaminck.
expresionismo:
defiende un arte más personal e intuitivo, donde predomina la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–, reflejando en sus obras una temática personal e intimista con gusto por lo fantástico, deformando la realidad para acentuar el carácter expresivo de la obra. Con precedentes en las figuras de Edvard Munch y James Ensor, se formó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil Nolde) y Der Blaue Reiter (Vasili Kandinski, Franz Marc, August Macke, Paul Klee), destacando igualmente Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Amedeo Modigliani, Marc Chagall, etc.

Cubismo:
este movimiento se basó en la deformación de la realidad mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista, organizando el espacio en función de una trama geométrica, con visión simultánea de los objetos, una gama de colores fríos y apagados, y una nueva concepción de la obra de arte, con la introducción del collage. La figura principal de este movimiento fue Pablo Picasso, junto a Georges Braque, Juan Gris y Fernand Léger, así como Alexander Archipenko, Pablo Gargallo y Julio González en escultura. Una derivación del cubismo fue el orfismo de Robert Delaunay.
Futurismo:
movimiento italiano que exaltó los valores del progreso técnico e industrial del siglo XX, destacando aspectos de la realidad como el movimiento, la velocidad y la simultaneidad de la acción. Destacan en pintura Giacomo Balla y Gino Severini, y Umberto Boccioni en escultura.
Dadaísmo:
movimiento de reacción a los desastres de la guerra. El dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte, que pierde cualquier componente basado en la lógica y la razón, reivindicando la duda, el azar, lo absurdo de la existencia. Esto se traduce en un lenguaje subversivo, donde se cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte, experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición, como el collage, el fotomontaje y los ready-made. Destacan Hans Arp, Francis Picabia, Kurt Schwitters y Marcel Duchamp
Surrealismo:
puso especial énfasis en la imaginación, la fantasía, el mundo de los sueños, con una fuerte influencia del psicoanálisis  , como se percibe en su concepto de “escritura automática”, por la que intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional, mostrar la pureza del inconsciente. La pintura surrealista se movió entre la figuración (Salvador Dalí, Paul Delvaux, René Magritte, Max Ernst) y la abstracción (Joan Miró, André Masson, Yves Tanguy). En escultura destacan Henry Moore, Constantin Brancusi, Alberto Giacometti y Alexander Calder. Arte abstracto:
cuestionado el concepto de realidad por las nuevas teorías científicas, y con el surgimiento de nuevas tecnologías como la fotografía y el cine, que ya se encargan de plasmar la realidad, se produce la génesis del arte.
el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos. El arte pierde todo aspecto real y de imitación de la naturaleza para centrarse en la simple expresividad del artista, en formas y colores que carecen de cualquier componente referencial. Iniciado por Kandinski, fue desarrollado por el movimiento neoplasticista (De Stijl), con figuras como Piet Mondrian y Theo van Doesburg.
Constructivismo:
surgido en la Rusia revolucionaria, es un estilo comprometido políticamente que pretende a través del arte realizar una transformación de la sociedad, mediante una reflexión sobre las formas puras artísticas concebidas desde aspectos como el espacio y el tiempo, que generan una serie de obras de estilo abstracto, con tendencia a la geometrización. Destacan Vladímir Tatlin, Lissitzky, Anton Pevsner y Naum Gabo. Una variante fue el suprematismo de Kasimir Malevich.
Informalismo:
conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista, renunciando a cualquier aspecto racional del arte (estructura, composición, aplicación preconcebida del color). Incluye diversas corrientes como el tachismo, el art brut y la pintura matérica. Destacan Georges Mathieu, Hans Hartung, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Antoni Tàpies, Lucio Fontana, Antonio Saura, Manolo Millares, etc. En escultura cabe citar a Jorge Oteiza, Pablo Serrano y Eduardo Chillida. En Estados Unidos se desarrolló el expresionismo abstracto, caracterizado por la utilización de la técnica del dripping, el chorreado de pintura sobre la tela, sobre la que intervenía el artista con diversos utensilios o con su propio cuerpo. Entre sus miembros figuran Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline y Willem de Kooning.

Pop-art:
surgió en Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto, englobando una serie de autores que vuelven a la figuración, con un marcado componente de inspiración popular, tomando imágenes del mundo de la publicidad y de los medios de comunicación de masas. Con un precedente en el llamado New Dada (Robert Rauschenberg, Jasper Johns), destacaron en el pop-art Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wessel-mann, James Rosenquist, Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton y, en escultura, Claes Oldenburg.
Nuevo realismo:
movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad circundante, del consumismo y la sociedad industrial, del que extraen –al contrario que en el pop-art– su aspecto más desagradable, con especial  predilección por los materiales detríticos. Sus representantes fueron Arman, César Baldaccini, Yves Klein, Jean Tinguely, Piero Manzoni, etc
arte cinético:
también llamado op-art (arte óptico), es un estilo que pone énfasis en el aspecto visual del arte, especialmente en los efectos ópticos, que son producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas, imágenes persistentes, efecto de moiré), bien mediante el movimiento o los juegos de luces. Destacan Victor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Yaacov Agam, Julio Le Parc, Eusebio Sempere, etc.
Arte de acción:
son diversas tendencias basadas en el acto de la creación artística, donde lo importante no es la obra en sí, sino el proceso creador, en el que además del artista interviene a menudo el público, con un gran componente de improvisación. Engloba diversas manifestaciones artísticas como el happening, la performance, el environment, la instalación, etc. Entre sus figuras destacan Joseph Beuys, Allan Kaprow, Wolf Vostell, Yoko Ono, Nam June Paik, etc.
Minimalismo:
con un antecedente en la Nueva abstracción (o Abstracción postpictórica), el minimalismo fue una corriente que supuso un proceso de desmaterialización que desembocaría en el arte conceptual. Son obras de carácter abstracto, de acusada simplicidad, reducidas a un mínimo motivo, depurado al planteamiento inicial del autor, la base sobre la que habría desarrollado la idea que, sin embargo, queda plasmada en su fase inicial. Destacaron los pintores Robert Mangold y Robert Ryman, y los escultores Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd y Sol LeWitt. Hiperrealismo:
como reacción al minimalismo surgió esta nueva corriente figurativa, caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la realidad, que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con un aspecto casi fotográfico. Destacan Chuck Close, Richard Estes, Antonio López García y, en escultura, George Segal, famoso por sus figuras humanas en yeso.
Arte conceptual:
tras el despojamiento material del minimalismo, el arte conceptual renuncia al sustrato material para centrarse en el proceso mental de la creación artística, afirmando que el arte está en la idea, no en el objeto. Incluye diversas tendencias: el arte conceptual lingüístico, el más purista de la conceptualidad, centrado en la relación arte-lenguaje (Joseph Kosuth); el arte povera, centrado en las instalaciones, generalmente de materiales detríticos (Mario Merz, Jannis Kounellis); el body-art, con el cuerpo humano como soporte; el land-art, que utiliza la naturaleza como soporte, con un marcado componente efímero; el bio-art, que usa técnicas biológicas, etc.
Arte posmoderno:
por oposición al denominado arte moderno, es el arte propio de la posmodernidad. Asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista posmoderno, en cambio, es autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer una labor social. Destacan artistas individuales como Jeff Koons, David Salle, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Julian Schnabel, Miquel Barceló, etc.; o también diversos movimientos como la transvanguardia italiana, el neoexpresionismo alemán, el neomanierismo, la figuración libre, etc.

# data[].attributes.body
Gerhard Richter

Nacido en 1932 en Dresden, Alemania, Gerhard Richter es uno de los artistas contemporáneos más cotizados del mundo. En 2012, una de sus obras fue vendida por 34,2 millones de dólares, un récord que batió el año siguiente con un precio superior a los 37 millones de dólares.

El pintor alemán es reconocido en el mundo de la pintura desde los años 80. Su estilo bastante abstracto, a veces deja espacio para temas figurativos. Aprendió a pintar en la Academia de Bellas Artes de Dresde, donde desarrolló este talento para el arte abstracto antes de comenzar las exposiciones. Más tarde enseñó arte en varias escuelas de todo el mundo.

Yan Pei Ming

Nacido en 1960 en Shanghái, Yan Pei-Ming es un pintor chino, proveniente de clase trabajadora. A la edad de 20 años, dejó China en medio de la Revolución Cultural para establecerse en Francia. Toma clases en la Escuela de Bellas Artes de Dijon y luego en el Instituto de Estudios Avanzados en Artes Visuales de París.

Hoy nacionalizado francés, Yan Pei-Ming vive entre Dijon y París. En un momento de su vida, tuvo el honor de residir en la Villa Médici de Roma para desarrollar su estilo artístico.

Hoy en día, el artista es conocido por trabajar en grandes lienzos para representar retratos. Pintó a Barack Obama, una de sus obras más famosas. Muchos de sus temas están relacionados con la actualidad, y especialmente con la guerra.

Yue Minjun

Yue Minjun nació en 1962 en China. Estudió pintura en la Universidad de Hebei antes de comenzar a dibujar retratos de sus compañeros de trabajo a principios de la década de los 80.

Actualmente, Yue Minjun vive en Beijing, pinta lienzos que son reconocidos internacionalmente y forma parte del movimiento del «realismo cínico». Sus pinturas son reconocibles gracias a las sonrisas inquietantes que a veces reproduce. La risa es el tema principal de sus obras, que denuncian la estandarización de la sociedad china. Gran pintor contemporáneo, también es uno de los artistas más jóvenes y reconocidos.

Martial Raysse

Nacido en los Alpes Marítimos (Francia) en 1936, Martial Raysse trabaja hoy en Dordoña, también en Francia. Sus pinturas lo han convertido en uno de los pintores más famosos de la era contemporánea. Después de una exposición con Jean Cocteau en 1958, viaja a los Estados Unidos donde se acerca al movimiento del pop art. A principios de la década de los 60, se unió momentáneamente al nuevo realismo, del que se separará poco después.

Martial Raysse, también escultor, utiliza los objetos plásticos de la vida cotidiana para hacer una especie de balance de la nueva sociedad de consumo.

En 2014, se le dedicó una exposición en el Centro Pompidou que coloca al artista en el centro del arte contemporáneo de las últimas décadas.

Anselm Kiefer

Nacido en Alemania en 1945, Anselm Kiefer no pudo escapar del ambiente de posguerra que ahora se refleja en sus pinturas. Instalado hoy en Francia, el pintor comienza a estudiar derecho y literatura en Alemania antes de formarse en arte en diferentes academias alemanas.

Anselm Kiefer se hace famoso al fotografiarse en diferentes ciudades de Europa en posición de saludo nazi. Su objetivo es sobre todo criticar el nazismo que todavía está presente en Europa. En un clima tenso, quiere desbloquear los tabúes de la época.

Hechas con tierra, ceniza, hollín o arena, sus pinturas con frecuencia recuerdan el caos de la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. El artista se declara parte del movimiento de pintura posromántica.

Philippe Garel

Nacido en Francia en 1945, Philippe Garel comenzó a estudiar arte en la Escuela de Bellas Artes de Quimper, luego en Rennes y finalmente en París. De 1962 a 1968, el joven artista aprendió los conceptos básicos de la pintura y el arte en general hasta exponer en la Bienal de París de 1967.

El artista francés se da a conocer rápidamente y realiza exposiciones en todo el mundo: París, Madrid, Múnich, Nueva York, Bruselas, Bolonia, Milán, Roma, Turín, Huston, Ginebra, Ámsterdam… Las grandes ciudades le abren las puertas dándole renombre en el mundo de la pintura.

Más tarde enseñó arte a los más jóvenes en la Escuela Regional de Bellas Artes de Rouen durante 25 años y fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes en 2015.

Gérard Garouste

Gran representante de la pintura francesa contemporánea, Gérard Garouste, nació en 1946 en París. Pintor, pero también grabador y escultor, el artista comparte su vida entre la capital francesa y la región de Normandía.

La mayoría de sus pinturas tratan sobre la herencia, los mitos y la cultura. La transmisión de generación en generación y el origen de las cosas forman parte de su obsesión. Inspirado en la Biblia, los textos literarios y las historias populares, Gerard Garouste no duda en llenar sus pinturas con animales y personajes fantásticos.

Miquel Barceló

Nacido en 1957 en Mallorca, Miquel Barceló es un reconocido pintor del mundo contemporáneo. También dibujante, grabador y escultor, forma parte del movimiento neoexpresionista. Ampliamente conocido por sus esculturas, Miquel Barceló es sobre todo un pintor.

Se dio a conocer en los años 80 con una primera exposición importante en la nueva Galería de Axe Art Actuel en Toulouse. Comienza a codearse con grandes artistas como Jean-Michel Basquiat y a hacerse un hueco en el mundo del arte. Se le suele asociar con la corriente de los «jóvenes salvajes)

Vladimir Veličković

Nacido en 1935 en Belgrado, Yugoslavia, Vladimir Veličković comenzó sus estudios de arquitectura en 1960, antes de dedicarse a la pintura y realizar su primera exposición en 1963. El éxito no tardó en llegar, ya que ganó el premio de la Bienal de París en 1965. En 1967, se dio a conocer y ocupó un lugar importante en la historia de la pintura contemporánea. Sus obras se ajustan a lo que se llama «figuración narrativa».

El artista intenta reproducir las atrocidades que conoció durante la guerra. Estas pinturas representan el cuerpo humano y escenas violentas de guerra. Su estilo atormentado gustó y Vladimir Veličković pudo exponer en todo el mundo. Enseñó en la École Nationale Superieure des Beaux-Arts de París durante unos años.

Georg Baselitz

Nacido en 1938 en Alemania, el pintor Georg Baselitz es conocido por sus lienzos invertidos. El artista creció en la zona ocupada por la Unión Soviética antes de irse a estudiar a Alemania Occidental, donde despegó su carrera. Gran pintor del neoexpresionismo alemán, sus pinturas están pintadas al revés y son un gran éxito. El artista ahora enseña en la Universidad de las Artes de Berlín.

Pierre Soulages

Gran representante de la pintura contemporánea, Pierre Soulages nació en Francia en 1919 y pintó más de 1500 pinturas a lo largo de su carrera. Su talento es particularmente apreciado en el campo del arte abstracto y el artista es conocido por su «luz negra». De hecho, sus pinturas están casi todas pintadas con largas marcas negras.

Pierre Soulages, importante miembro de los pintores contemporáneos, ahora disfruta de grandes exposiciones dedicadas a él en todo

Marlene Dumas

Nacida en Ciudad del Cabo en 1953, Marlene Dumas viajó a los Países Bajos en 1976 para estudiar arte en los Ateliers ’63 en Haarlem. Luego abandona la práctica artística durante unos años para estudiar psicología. Finalmente, expuso sus pinturas en París en 1979 y se dio a conocer en el ambiente parisino.

Inspirada por los eventos racistas de Sudáfrica, pero también por la literatura o la sexualidad, la pintora se ubica en un movimiento bastante expresionista. Para reproducir los temas que más le gustan, Marlene Dumas usa el cuerpo humano, un tema que usa ampliamente en todas sus pinturas.

# data[].attributes.headline
La persistencia de la memoria de Salvador Dalí

# data[].attributes.subject
La persistencia de la memoria de Salvador Dalí

# data[].attributes.body
Conclusión de la relevancia social del arte a través de la historia.

El arte tiene una larga y historia y desde siempre ha existido, por lo que desde siempre los humanos han dejado sus creencias y entorno como algo que queda a la historia