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L'art avec Malo & Mila - Jackson POLLOCK

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Energique, ces petits personnages colorés et sautillants

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Jackson Pollock
Energique grâce aux traces du gestes laissées par l'artiste

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Les best sellers d'Artsper

Jackson Pollock est un artiste iconoclaste. Les contributions qu'il a apportées au monde de l'art sont inestimables, et il a influencé les artistes pendant des générations après sa mort. Il est le père de l'expressionnisme abstrait, le créateur de la technique du " dripping " et le roi du " all-over ". D'abord scrutées par les critiques, puis tenues en haute estime, les œuvres de Jackson Pollock ont sans aucun doute captivé le monde de l'art. Afin de mieux comprendre cet artiste emblématique, Artsper vous présente 10 faits essentiels sur son œuvre et son caractère insaisissable !

Moments clés de la carrière de Pollock:

1912 : Naissance de Jackson Pollock

1938 : Il est chargé de réaliser une peinture murale pour Penny Guggenheim.

1947-1950 : Pollock développe sa technique de " dripping ".

1949 : Il obtient une page de quatre dans le magazine Life.

1955 : Il abandonne la technique du dripping et peint avec des couleurs beaucoup plus sombres.

1956 : Pollock meurt dans un accident de voiture.

1. Il n'a pas toujours utilisé le prénom " Jackson "

Jackson Pollock dans son studio dans l'État de New York, 1949, by Martha Holmes © Time Inc

Son vrai nom était Paul Jackson Pollock. C'est en 1930 que l'artiste a commencé à utiliser son deuxième prénom, Jackson, comme nom d'artiste. Mais ce n'est pas le seul nom sous lequel il est connu ! Le magazine The Times lui a donné le surnom de " Jack the Dripper ", en raison de sa technique du " dripping " et pour faire un jeu de mots avec le nom de tueur en série Jack l'éventreur, appelé " Jack the Ripper " en anglais.

2. Jackson Pollock a aussi réalisé des sculptures

Jackson Pollock était peintre, mais, avant de connaître le succès grâce à ses tableaux, il avait aussi une grande passion pour la sculpture. Il a produit une douzaine de sculptures au cours de sa vie, dont seulement 6 subsistent aujourd'hui.

3. Jackson Pollock a trouvé une place dans le monde de l'art grâce à la collectionneuse Peggy Guggenheim

En 1943, Guggenheim lui propose un contrat qui le propulse sur la scène artistique new-yorkaise. Elle lui commande une peinture pour le mur de sa maison de Manhattan. L'œuvre restera exposée pendant plusieurs années, jusqu'à ce qu'elle en fasse don à l'Université de l'Iowa. Sa valeur est aujourd'hui estimée à 140 millions de dollars.

4. Le soutien de Clement Greenberg l'a aidé à devenir célèbre

" L'art pictural moderniste, plus explicitement décoratif, attire davantage l'attention sur les qualités physiques, immédiates de la peinture ", écrivait Clement Greenberg. Ce célèbre critique d'art moderne était un ardent défenseur de l'expressionnisme abstrait et de Jackson Pollock. Son admiration pour Pollock a contribué à l'ascension de l'artiste vers le succès. Il a lui-même organisé sa première exposition personnelle, au Bennington College dans le Vermont, en 1952.

5. Jackson Pollock puisait son inspiration dans la culture chamanique

Pollock était fasciné par les motifs de l'art indigène nord-américain. Il croyait en la transformation spirituelle à travers le processus de création artistique. Jusque dans les années 40, ses œuvres représentaient de manière répétée des motifs amérindiens et inuit, non sans rappeler l' art aborigène.

6. Son peintre préféré était Albert Pinkham Ryder

Moonlit Cove, Albert Pinkham Ryder, 1880

Pollock était un grand fan d'Albert Pinkham Ryder, un artiste américain du XIXème siècle. Ses tableaux ont souvent comme thèmes la religion, la nature et la littérature. Surtout, ils comportent tous un élément d'imagination et de romantisme, ce qui plaisait particulièrement à Pollock.

7. La célébrité ne lui convenait pas

En août 1949, le magazine Life publie à propos de Jackson Pollock un article sous le gros-titre suivant : Est-il le plus grand peintre vivant des États-Unis ?, ce qui le projette vers la gloire. Néanmoins, cette attention non cherchée et involontaire devient néfaste pour sa santé mentale. Il se retire socialement et artistiquement, abandonnant son célèbre " dripping " pour expérimenter le " pouring " (versement) de peinture noire. Ces œuvres ne sont pas bien accueillies, et, à l'époque, pas une seule n'est vendue.

8. Jackson Pollock détestait que l'on donne un sens à son art

Sa célébrité a entraîné une vague d'analyses de la part des critiques. Afin de contester toute cette effervescence, il a cessé de nommer ses tableaux et les a plutôt numérotés. En effet, il ne souhaitait pas que ses spectateurs y retrouvent un thème ou une signification, mais plutôt qu'ils apprécient les tableaux tels qu'ils sont.

9. La femme de Pollock a eu une influence considérable sur son œuvre

Lee Krasner, sa femme, était une artiste très talentueuse et reconnue dans le monde de l'art. Son style, axé sur les formes naturelles abstraites et le traitement de la toile comme un objet plat, a largement influencé le travail de Pollock. Sur le plan personnel, elle était également considérée comme une figure très apaisante et stabilisante dans la vie de son mari.

10. L'infini est l'élément clé de sa démarche artistique

Au cœur de l'œuvre de Jackson Pollock se trouve un processus créatif sans début ni fin, comme une continuation. Cette perpétuation est présente dans son utilisation du " all-over ", qui supprime le point focal de l'œuvre et lui donne une impression d'infini.

La nature avant-gardiste de son œuvre a conduit Jackson Pollock à faire face à de nombreuses critiques et controverses, comme beaucoup d'autres artistes américains de sa génération. Mais il les a toutes acceptées sans sourciller. " Un critique a écrit un jour que mon travail n'avait ni début ni fin. Ce n'était pas un compliment, mais je l'ai pris comme tel ", a-t-il déclaré un jour. Même après sa mort tragique en 1956, Jackson Pollock laisse derrière lui un héritage d'œuvres d'art fantastiques, qui inspirent toujours et encore les artistes contemporains.

Expositions clés de Pollock :

1943 : Pollock expose pour la première fois à la galerie Art of this Century de Penny Guggenheim.

1943 : Les plans de la première exposition personnelle de Pollock au musée Guggenheim sont élaborés.

1945 : La deuxième exposition personnelle de Pollock, qui connaît un grand succès, a lieu.

1950 : Exposition personnelle au Museo Correr de Venise.

1952 : Pollock expose huit tableaux dans le cadre de l'exposition The Museum of Modern Art 15 Americans.

1955 : L'exposition itinérante 15 Years of Jackson Pollock a lieu à la Sidney Janis Gallery.

1956 : Le Museum of Modern Art organise une exposition de mi-carrière pour Pollock, qui revient sur 35 peintures et neuf aquarelles de la période 1938-56.

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10 choses à savoir sur Jackson Pollock - Magazine Artsper

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Artsper vous propose de découvrir 10 anecdotes sur Jackson Pollock, artiste incontournable et figure emblématique l'expressionisme abstrait !

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Energique grâce aux couleurs flamboyantes

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Si l'histoire de l'Art est faite de multitude de couleurs, certains créateurs ont bâti leur corpus artistique sur une teinte qui leur est chevillée. Le bleu de Klein ou l'outrenoir de Soulages font partie des pigments mythiques. Bien que moins connu, le jaune de Turner l'est tout autant.
La chasse à l'ocre

Aujourd'hui, les Britanniques l'érigent comme le plus grand de leurs peintres. Pourtant, hier ils se moquaient. Ses contemporains et la critique prennent un malin plaisir à décrier régulièrement sa fâcheuse tendance à mettre des tons ocre partout sur ses toiles de peinture. Accusé de surcharger ses œuvres , les critiques le disaient atteint de fièvre jaune et raillaient son "jaune moutarde" : "Ce gentleman avait l'habitude de peindre avec de la crème et du chocolat, du jaune d'œuf et de la gelée de cassis... Ici, il offre toute sa batterie d'ustensiles de cuisine". Nombre de ses tableaux sont alors perçus comme un amas de matière abracadabrantesque et brouillon. Pourtant, William Tuner, qui est de nos jours considéré comme le Maître de la Lumière, n'avait que faire de ces réactions jalouses. Aussi impertinent qu'audacieux, il lui arrivait même d'en plaisanter, aucun critique ne put l'en faire démordre : le jaune sera la couleur souveraine de sa palette.

Le péril jaune

"Turner est décidément un peintre original ; plus encore, peut-être, que tout autre artiste britannique jamais produit. Il n'a pas d'égal dans sa connaissance des couleurs ; c'est cette supériorité qui lui procure beaucoup d'admiration et beaucoup d'ennemis." C'est ainsi que le Gentleman's Magazine décrivait Turner en 1829 à l'apogée de sa carrière.

La grande innovation de William Turner réside dans son utilisation de la lumière. Chaque œuvre, chaque toile, chaque tableau est immergé dans un voile doré et la lumière semble irradier de l'intérieur. Cette dernière revêt chez Turner un véritable caractère métaphorique et spirituel : d'une part, elle prône la toute puissance du soleil, d'autre part elle fait référence à la théorie des couleurs du lettré Johann Goethe, qui leur accorde une dimension symbolique. Pour l'écrivain allemand, les tons froids sont associés à des valeurs négatives, tristes et pessimistes, tandis que les tons chauds sont eux liés aux valeurs positives et optimistes. Le jaune, couleur de l'or et du soleil, est synonyme de vitalité et de force. Cette couleur noble éblouit et fascine William Turner.

La plus belle de ses notes

Il est des couleurs mal-aimées par l'histoire de l'Art. Le jaune en est de celles-ci. Certes, un certain Van Gogh en use avec virtuosité en plein cœur de sa période dite provençale, mais, d'ordinaire, les peintres préfèrent en jouer par petites touches discrètes. William Turner, lui, en use sans limites pour faire surgir des mondes ou brosser les flammes du ciel de Gênes, le coucher de soleil sur les vagues de l'Atlantique, les nuages d'Ecosse, les puissants brouillards vénitiens...

Après s'être écarté des standards académiques pour éclaircir ses toiles, William Turner profite avidement de la Révolution Industrielle, qui vit naître toutes sortes de nouveaux pigments. Assoiffé de peinture et friand de nouvelles expériences chromatiques, Turner les utilise dès leur arrivée sur le marché. Premier sur le sol britannique à tester le bleu de cobalt, produit à partir de 1802, il se met dès 1814 aux tout nouveaux jaunes de chrome et chrome citron clair, qui viennent détrôner ses ocres ancestraux. Commissaire de l'exposition "Turner et la couleur", durant l'été 2016 à l'Hôtel de Caumont d'Aix-en-Provence, Ian Warrell analyse ainsi sa technique : " Il structure ses morceaux autour d'une dominante chromatique et construit une composition harmonieuse à partir d'un choix d'accords de base."

Le jaune est la clé de voûte et la plus belle note des symphonies colorées de Turner. Elle contrebalance de façon acidulée les papiers bleus qu'il dégotte à Bath et dont il apprécie se servir en voyage. Elle flirte langoureusement avec l'abstraction, Clair de lune bleu sur sables jaunes, en petite aquarelle qui enserre tout un monde. Elle se ravive, quand Turner épouse le soleil de Provence et d'Italie. Enfin, à Venise, elle se permet toutes les fantaisies, quand mille nuances de jaune irradient son Départ pour le bal (1846) : légèrement diffus ou travaillés bestialement au couteau, accentués de rehauts de blanc, le ciel et la mer se mélangent, dansent ensemble et se confondent. Et, vers la fin, c'est un déluge. Dans le tableau Lumière et couleur-Le matin après le déluge, une tempête solaire emporte au loin Moïse, ce qui fera dire à Monet : "Turner savait peindre les yeux ouverts". Même en son ultime lieu de retraite à Margate, au sud-est de Londres, dans la grisaille de la pluvieuse côte du Kent, Turner insuffle au petit village des teintes australes et colorées. Pour son rival John Constable, "il semble peindre avec de la vapeur teintée, si évanescente et si aérienne". Ce jaune a des pouvoirs : il est à la fois couleur et lumière. Allié idéal pour un peintre qui, comme nul autre, sut jouer sur les transparences et les nuées.

Ode Droit et l'étude de la lumière

Ode Droit est une peintre accomplie, qui, depuis une dizaine d'années, se consacre exclusivement à son expression personnelle et à son sujet de prédilection, l'étude de la lumière. S'inspirant des travaux de maîtres tels que William Turner, Nicolas de Staël et Mark Rothko, Ode Droit cherche à retranscrire dans ses œuvres l'émotion qui se dégage de la contemplation des paysages et d'en révéler l'intensité lumineuse toujours inconstante et riche de nuances. De plus en plus tournée vers l'épuration, sa pratique plastique a évolué grâce à la multiplicité des techniques utilisées : l'acrylique, l'encre et la cire à l'eau. Cette palette de création lui permet de constamment jouer avec la transparence des couleurs pour essayer d'en extraire la lumière et de traduire son rayonnement dans une nature environnante, éternellement changeante.
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Si l'histoire de l'Art est faite de multitude de couleurs, certains créateurs ont bâti leur corpus artistique sur une teinte qui leur est chevillée. Le bleu de Klein ou l'outrenoir de Soulages font partie des pigments mythiques. Bien que moins connu, le jaune de Turner l'est tout autant.

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Energique grâce aux traces du geste rapide de l'artiste

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Energique grâce au mouvement réel, grâce aux traces gestuelles laissées sur la feuille

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Référence artistique : Étienne Jacob, un étudiant français de 24 ans, produit des GIFs en noir et blanc qui transforment la courbure trouvée dans les ondes sinusoïdales en une multitude de formes expérimentales.

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Référence artistique : Étienne Jacob, un étudiant français de 24 ans, produit des GIFs en noir et blanc qui transforment la courbure trouvée dans les ondes sinusoïdales en une multitude de formes expérimentales.

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Energique grâce au mouvement qui ne s'arrête jamais

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Référence artistique : Robert Delaunay, Rythme, Joie de vivre, 1930

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Référence artistique : Robert Delaunay, Rythme, Joie de vivre, 1930

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Energique grâce aux couleurs chaudes, vives, contrastées, grâce aux formes qui donnent l'illusion de tourner