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Une photo depuis sa fenêtre ....

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Joseph " Nicéphore " Niépce, né le à Chalon-sur-Saône (actuelle Saône-et-Loire) et mort le à Saint-Loup-de-Varennes (Saône-et-Loire), est un ingénieur français, connu comme étant l' inventeur de la photographie, appelée alors " procédé héliographique ".

Il est aussi l'auteur de la plus ancienne prise de vue et du pyréolophore, le premier moteur à combustion interne du monde.

Biographie

De 1765 à 1816

Joseph Niépce naît le à Chalon-sur-Saône en Bourgogne sous le règne de Louis XV. Son père, Claude Niépce, conseiller du Roi, est avocat à la Cour, receveur des consignations à Chalon-sur-Saône et intendant du Duc de Rohan-Chabot qui le tenait en estime. Sa mère, née Claude Barault, est la fille d' Antoine Barault, avocat et conseiller du Roi. Très aisée et l'une des plus anciennes de Chalon, la famille Niépce possède des propriétés dispersées autour de la ville, procurant à Joseph des revenus élevés. Il adoptera le surnom de Nicéphore lors de la période révolutionnaire selon certains, quand d'autres expliquent qu'il a choisi " Nicéphore " en 1787, après avoir été renvoyé d'un lycée où il supervisait une classe.

De 1780 à 1788, ses études aux collèges des Oratoriens à Chalon-sur-Saône, Angers et Troyes font entrevoir pour Joseph une carrière ecclésiastique ; mais il semble que la vocation du jeune homme se soit émoussée. Il renonce à la prêtrise et s'engage dans l'armée révolutionnaire en 1792. Il s'installe à Nice et s'y marie avec Agnès Roméro qui met au monde Isidore en 1796. Isidore se mariera à Eugénie Gaucher de Champmartin, fille de Marguerite Michon de Pierreclau et de Henri Gaucher de Champmartin, lequel ira jusqu'à vendre son château près d'Autun pour aider Nicéphore à financer ses inventions. Marguerite étant la sœur de l'héroïne de Jocelyn, le célèbre récit en vers de Lamartine, " bien des secrets du poète furent déchiffrés dans l'intimité de la famille Niépce " (Musée Maison Niépce).

Dix ans plus tard, Nicéphore est de retour en Bourgogne. À trente-six ans, Niépce retrouve sa terre natale, sa mère, sa sœur Claudine-Antoinette et ses deux frères Claude, l'aîné, et Bernard. Les années suivantes sont consacrées à la mise en valeur de ses propriétés et à ses inventions le " pyréolophore ". Le Rapport sur une nouvelle machine inventée par MM Niepce et nommée par eux pyréolophore est lu par MM Berthollet et Lazare Carnot le 15 décembre 1806 à l'Institut de France. Relayée dès le 18 décembre par le Journal de l'Empire, " la nouvelle défraya la chronique et se répandit aux quatre coins de l'empire ". Ce premier moteur à explosion sera breveté en 1807. Bien que jamais commercialisé, il apportera une certaine renommée, partagée avec Claude, à leurs talents d'inventeur.

Nicéphore soumet aussi un projet pour la rénovation de la machine hydraulique de Marly et mène des expériences sur la culture du pastel, dont le développement est favorisé par le blocus continental.

Tous ces travaux, l'état de guerre permanent propre au premier Empire, le renchérissement de toutes choses amènent leur cortège de difficultés financières et Niépce contracte le premier d'une longue série d'emprunts.

La genèse de l'invention de la photographie

1816 est l'année des premières recherches " héliographiques ", menées conjointement à celles du pyréolophore. Fin 1817, son frère Claude part en Angleterre tenter de vendre leur moteur et continuer ses propres travaux sur le " mouvement perpétuel ". La correspondance des deux frères durant les onze années suivantes sera un véritable almanach de l'avancement des recherches et des premiers succès photographiques. En 1824, enfin, Nicéphore peut écrire à son frère : " La réussite est complète ".

Hélas, la situation de la famille est catastrophique : les dettes s'élèvent à 1 800 000 francs et l'on songe sérieusement à vendre des propriétés pour rembourser des créanciers devenus impatients.

D'après la lettre à son frère Claude, datée du 5 mai 1816, il semble que ce soit à cette date que Nicéphore Niépce obtient un premier résultat significatif : une vue depuis sa fenêtre. Il s'agit d'un négatif que Niépce ne parvient pas à fixer. Après son développement, le papier continue de se noircir. Il appelle cette image rétine : " je plaçai l'appareil dans la chambre où je travaille ; en face de la volière, les croisées ouvertes ; je fis l'expérience d'après le procédé que tu connais, mon cher ami et, je vis sur le papier blanc toute la partie de la volière qui pouvait être aperçue de la fenêtre et une légère image des croisées qui se trouvaient moins éclairées que les objets extérieurs. "

Une nature morte réalisée par Niépce et connue sous le titre La table servie a été considérée par certains chercheurs comme la première photographie, prise avant 1825. L'original, offert par le petit-fils de Nicéphore, Eugène Niépce, à la Société française de photographie en 1890, a, aujourd'hui, disparu. Il en subsiste une reproduction réalisée par la SFP en 1891. Les recherches de J.-L. Marignier ont, depuis, conclu qu'il s'agissait plus vraisemblablement d'une image prise en 1832 ou 1833, par un procédé original, le physautotype, mis au point par Niépce et Daguerre dans le cadre de leur collaboration, entre 1829 et 1833 (cf. infra).

En 1827, Niépce réalise la photographie intitulée le Point de vue du Gras, prise depuis la fenêtre de sa maison de Saint-Loup-de-Varennes, près de Chalon-sur-Saône. Il utilise pour cela une plaque d'étain et du bitume de Judée, provenant de l' asphalte des mines de Seyssel (Ain). Après avoir reconstitué le procédé dans les années 1990 et, en s'appuyant sur les témoignages d'époque, J.-L. Marignier a estimé que le temps de pose avait dû être de plusieurs jours.

Parallèlement, l'inventeur lie ses premières relations avec le graveur Augustin François Lemaître de Paris. Nicéphore Niépce fait appel à Augustin Lemaître, pour le conseiller et effectuer des tirages sur papier à partir de ses plaques gravées. Augustin Lemaître l'aida dans la réalisation d'images gravées sur du cuivre en traitant par la méthode des eaux-fortes, et obtenir des images avec le bitume.

Niépce lie également des relations avec l'ingénieur-opticien Vincent Chevalier, C'est grâce à ce dernier que Louis Daguerre écrit une première lettre à Niépce en 1826. Les contacts entre les deux hommes sont peu fréquents : Niépce est assez méfiant, Daguerre plutôt pressant. Nicéphore envoie avec parcimonie des échantillons (parfois tronqués) de ses réussites tandis que Daguerre, lui, n'envoie que des promesses...

1827 est une année décisive. Bien que miné par des difficultés de tous ordres, Niépce prend conscience du degré d'achèvement de son invention et cherche des contacts pour la faire reconnaître et la perfectionner. Claude tombe toutefois gravement malade et il faut partir pour l' Angleterre où la situation est, là aussi, calamiteuse : épuisé par ses recherches, n'ayant pas réussi à négocier le pyréolophore, Claude sombre dans la démence et meurt peu après. Lors de leur passage à Paris, Niépce et sa femme nouent des relations avec des scientifiques, mais sans suite. Mêmes résultats en Angleterre malgré de flatteuses rencontres avec des membres de la Royal Academy.

L'association avec Daguerre et la mort de l'inventeur

Au début de 1828, retour à Chalon-sur-Saône : Daguerre se montre de plus en plus désireux de connaître de nouveaux résultats. Le premier projet d'association entre Niépce et Daguerre voit le jour en octobre 1829. Le but de l'association est de commercialiser les fruits de la nouvelle découverte, à parts égales. Niépce apporte son invention, Daguerre ses relations et son " industrie ". Au cours des années suivantes, la collaboration devient plus étroite : une correspondance s'établit entre Chalon-sur-Saône et Paris. On use même, pour préserver le secret, d'un code chiffré désignant les éléments utilisés (13=la chambre noire, 56=le Soleil, 5=le bitume de Judée, etc.). Ce code compte jusqu'à cent une références. Les lettres échangées montrent que Daguerre est surtout préoccupé de la gestion de son " diorama " et que les recherches sont essentiellement le fait de Niépce (bien que Jacques Louis Daguerre parle de " nos " recherches).

En 1832 enfin, Daguerre réalise pour Niépce un bilan de ses propres travaux d'où il ressort que l'un et l'autre, avec les mêmes produits, obtiennent des résultats différents ; il est toutefois à noter - et cela n'est pas sans importance - que jamais Daguerre n'a pu montrer à Niépce le moindre résultat de ses essais. Mais les choses avancent. Au début de 1833, cependant, Daguerre, malade, suggère la remise à plus tard de certains essais.

Le à , Nicéphore Niépce meurt subitement dans sa maison de Saint-Loup-de-Varennes. Il repose depuis au cimetière du village.

Le 3 juillet 1839, François Arago présente à la chambre des Députés son rapport sur le daguerréotype. Cette communication livre " à l'univers tout entier " le secret du procédé de Louis Daguerre. Arago oublie seulement de préciser que l'invention dont il est question est née depuis déjà quinze ans du génie d'un autre homme : Nicéphore Niépce. En 1841 commence une polémique sur la paternité de l'invention. Le fils de Nicéphore Niépce, Isidore Niépce, publie un livre intitulé Historique de la découverte improprement nommée daguerréotype. Il faudra quelques années pour que la paternité de l'invention, confisquée un temps par Daguerre, soit définitivement rendue à Niépce.

Vers 1853, Abel Niépce de Saint-Victor améliore la technique de son oncle sous le nom d' héliogravure.

Hommages et lieux de mémoire

Rue en centre ville de Martigues

Notes et références

Isidore Niépce, Historique de la découverte improprement nommée daguerréotype, Librairie Astier, 1841 [lire en ligne] [PDF]

Raymond Lécuyer, Histoire de la photographie, Brachet et Cie, 1945

André Vigneau, Brève histoire de l'Art de Niépce à nos jours, Robert Lafont, 1963

Yvan Christ, L'âge d'or de la photographie, Vincent, Fréal et Cie Éditeurs, 1965

Joseph Nicéphore Niépce Lettres, 1816-1817 : Correspondance conservée à Chalon-sur-Saône, Rouen, Pavillon de la photographie du Parc naturel régional de Brotonne, , 190 p.

Jean-Claude Lemagny & Christian Rouillé, Histoire de la photographie, Bordas 1986

Isidore Niépce et Victor Fouque, Nicéphore Niépce : sa vie, ses essais, ses travaux (reproductions en fac-similé de : Isidore Niépce, Historique de la découverte improprement nommée daguerréotype, Astier, 1841 ; et de : Victor Fouque, Nicéphore Niépce, la vérité sur l'invention de la photographie, Librairie des auteurs et de l'Académie des bibliophiles, 1867), Jean-Michel Place, 1987

Paul Jay, Niépce, genèse d'une invention, Chalon-sur-Saône, Société des amis du musée Nicéphore Niépce, 1988

Odette Joyeux, Le troisième œil, Ramsay 1990

Jean-Louis Marignier, Niépce, l'Invention de la photographie, Belin, Paris, 1999

Manuel Bonnet & Jean-Louis Marignier, Niépce correspondance et papiers, Maison Nicéphore Niépce, 2003 [lire en ligne] )

Germain Arfeux, Niépce, l'homme qui tua le temps, La Douix, 2019

Sur les autres projets Wikimedia :

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Joseph " Nicéphore " Niépce, né le à Chalon-sur-Saône (actuelle Saône-et-Loire) et mort le à Saint-Loup-de-Varennes (Saône-et-Loire), est un ingénieur français, connu comme étant l' inventeur de la photographie, appelée alors " procédé héliographique ". Il est aussi l'auteur de la plus ancienne prise de vue et du pyréolophore, le premier moteur à combustion interne du monde.

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Illustrer les travaux autour de l'ESJ

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En photographie, il n'y a pas de règles fixes mais un certain nombre de lignes directrices pouvant être appliquées dans presque toutes les situations.

Dans cet article, vous allez découvrir différentes façons de composer vos images. Autant vous dire que toutes ces techniques vont vous aider à concevoir des images dynamiques et attrayantes, mais surtout, à leur donner un sens de lecture.

L'intérêt principal de toutes ces règles de composition est d' attirer l'attention du spectateur sur la ou les parties importantes de la scène.

Une fois que vous connaitrez ces conseils de composition, vous serez surpris de la façon dont la plupart d'entre eux sont utilisés dans la majorité des cas.

Vous les retrouverez partout, et comprendrez pourquoi certaines photos " fonctionnent " tandis que d'autres paraissent comme des images sans intérêt.

1. La règle des tiers

Je ne vais pas m'attarder sur la règle des tiers car j'ai déjà écrit un article sur le sujet mais sachez que c'est celle que vous devez connaître en premier.

En composant ainsi, vous donnez un sens de lecture à votre image, et apportez un intérêt au sujet principal. Simple à visualiser mentalement, la règle des tiers vous offre une parfaite façon de composer simplement vos images.

Pour vous aider, certains appareils photo proposent même une option permettant de superposer la grille des tiers directement dans le viseur, rendant encore plus facile l'utilisation de cette règle de composition.

2. Se servir des lignes directrices pour guider le regard

Les lignes directrices se réfèrent à une technique de composition où la perspective est mise en avant.

Lorsque nous regardons une photo composée ainsi, notre œil est naturellement guidé vers le long de ces lignes.

En pensant comment vous les placez dans votre composition, vous affectez la façon dont le spectateur visualise l'image.

Le fait d'utiliser les lignes directrices permet de diriger le regard sur un parcours que vous avez pris soin de définir. Cela peut être vers un sujet ou en direction d'un lieu.

Grâce aux nombreuses lignes présentes dans notre quotidien, cette règle de composition vous ouvre un champ d'applications très vaste.

Le dynamisme global de l'image est ainsi assuré grâce à la convergence des lignes directrices amenant vers un point de fuite.

C'est en analysant ce type de composition que l'on se rend vite compte que cette technique nous fait voyager à travers l'image.

De plus, chacune de ces lignes directrices peut être utilisée avec la règle des tiers pour améliorer la composition de votre photo.

3. Utiliser la symétrie

Dans notre environnement, nous sommes entourés de symétrie et de motifs, qu'ils soient naturels ou artificiels.

La symétrie est un outil de composition extrêmement puissant qui attire immédiatement l'attention.

L'utilisation des réflexions est par exemple une excellente occasion d'utiliser la symétrie dans vos compositions.

L'architecture, les routes, ainsi que les objets de toutes nature font également office d'excellents sujets pour une composition symétrique.

Pour créer des compositions encore plus captivantes, l'idéal est de trouver de la symétrie là où on ne s'y attend pas. Pour cela, vous devez être attentif et observateur afin de reproduire une symétrie qui sorte du lot.

Une autre excellente façon de faire consiste à briser la symétrie ou le sujet d'une certaine manière, en introduisant un point focal sur la scène.

Une composition symétrique peut être plus attrayante s'il existe un point focal fort au sein de l'image.

Enfin, pour apporter un intérêt supplémentaire à l'image, rien ne vous empêche de mêler la symétrie à d'autres types de composition, comme la règle des tiers par exemple. Cela ne fera que renforcer l'impact visuel.

4. Simplifier la composition grâce au minimalisme

Pourquoi chercher la complexité quand on peut faire simple ? Cette question, on se la pose régulièrement dans divers domaines et en photo, il est parfois préférable de se simplifier la tâche.

La photographie minimaliste est un concept qui s'appuie sur des compositions simples dans le but de réaliser des images captivantes. Le plus difficile étant de trouver un moyen pour éviter que la photo paraisse ennuyeuse.

Le fait d'appliquer le concept de minimalisme oblige à retirer tous les éléments distrayants et inutiles de la scène et d'y inclure uniquement ceux qui sont les plus intéressants. C'est simple mais surtout très efficace.

5. Bien composer selon le point de vue

Vous pouvez varier la composition de vos images simplement en changeant votre point de vue.

Avant de photographier votre sujet, prenez le temps nécessaire de penser à l'endroit depuis lequel vous allez photographier.

Le point de vue que vous choisirez aura une grande incidence sur la composition de votre photo et par conséquent, affectera le message que vous souhaiterez faire passer.

Plutôt que de photographier toujours au niveau du sujet, essayez d' opter pour des prises de vues inhabituelles.

À l'inverse, en prenant de la hauteur, vous pouvez adopter un point de vue en plongée, pour procurer une sensation de domination et de vertige.

6. Photographiez des motifs répétitifs

Tout ce qui se répète, crée techniquement un motif. Il suffit d'observer pour se rendre compte qu'ils sont partout.

Les structures et les bâtiments sont souvent d'excellents sujets pour utiliser la répétition dans vos images.

De nombreuses photographies architecturales sont faites de motifs qui se répètent car la plupart des bâtiments se prêtent bien à ce type de composition.

Capturer un motif répétitif apporte de l'esthétique à l'image. Il peut être renforcé grâce aux formes, aux couleurs, aux proportions, aux lignes, au contraste.

C'est pourquoi il est important de remplir le cadre pour un effet maximal.

Une fois que vous maîtrisez l'utilisation de motifs répétitifs, qu'ils soient réguliers ou irréguliers, essayez de briser cette notion de répétition.

Pour cela, vous pouvez inclure une anomalie dans le motif pour qu'il devienne un point d'intérêt.

Sur la photo ci-dessous, les motifs répétitifs du sol sont immédiatement cassés par le parapluie aux motifs différents.

Le fait d' introduire un élément dérangeant prouve que cette technique renforce la composition d'une photo.

7. Photographier les textures

Les textures sont particulièrement intéressantes pour composer une image. Elles permettent d' attirer l'attention sur les détails présents sur n'importe quel support.

Il peut s'agir de surfaces lisses, rugueuses, structurées, aux motifs et couleurs différentes.

Chaque détail d'une texture joue un rôle important dans la perception globale de la photo. La combinaison de détails complexes contribuent à obtenir une belle texture.

Il est très important de noter que pour apporter du relief aux textures, la direction de la lumière joue un rôle déterminant.

Pour cela, observez les lumières latérales et rasantes, qui ont pour effet de projeter des ombres.

Vous trouverez très facilement de quoi photographier des textures, car elles sont présentes partout. Il suffit d'observer les murs, les sols ou des objets du quotidien, tel que du tissu par exemple.

8. Ne pas hésiter à remplir le cadre

Souvent, un sujet important se trouve noyé parmi les éléments d'une scène que l'on ne souhaite pas photographier. Dans ce cas, il est nécessaire et judicieux de remplir le cadre pour laisser une place importante au sujet.

Lorsque le sujet est loin de vous et que vous ne pouvez pas vous déplacer, la solution la plus simple et évidente est de zoomer directement sur la partie qui vous intéresse.

Dans le cas contraire et lorsque c'est possible, je vous recommande en priorité de vous rapprocher physiquement de votre sujet. C'est de loin la meilleure façon de faire.

Par contre, je vous déconseille de recadrer votre sujet sans que vous ayez essayé les deux solutions précédentes, au risque de dégrader la qualité d'image.

9. Utiliser un cadre naturel lors de votre cadrage

Pour vous aider à obtenir des compositions plus intéressantes, il existe une méthode qui consiste à prendre pour cadre des éléments naturels présents dans votre environnement.

L'intérêt de rajouter de la matière autour de l'image permet d' accentuer l'effet de profondeur et oblige le spectateur à se focaliser sur le sujet principal. Pour rentrer encore plus dans l'image, l'effet sera d'autant plus marqué si le cadre est flou.

Tous ce qui nous entourent peut faire office de cadre naturel, passant souvent inaperçus. Vous pouvez très simplement trouver un encadrement naturel construit à partir de portes, fenêtres, de branches d'arbres, d'un pont, d'une voûte, d'une arche, d'un tunnel etc...

Les possibilités à trouver un cadre naturel sont nombreuses.

10. Utiliser l'espace négatif pour mettre en avant le sujet

L'espace négatif permet d'accorder une partie importante au sujet grâce à l'espace vide laissé autour de lui. Dans le cas d'un portrait, la direction du regard vous permet d'allouer un espace vide.

Son utilisation va dépendre de la force de votre sujet principal et de la façon dont vous voulez que l'image soit dramatique. Généralement, plus votre sujet est puissant, plus vous pouvez inclure un espace autour de lui.

Laisser de l'espace autour de votre sujet est aussi une excellente façon d' ajouter un contexte à une photo.

Placer son sujet dans son environnement donne au spectateur un sens plus large de ce qui se passe dans la photo.

11. La règles des impairs

Assez méconnue des photographes, cette règle indique que composer une image avec un nombre impair de sujets serait plus intéressant et plus agréable visuellement.

Dans la mesure du possible, essayez d' intégrer un nombre impair et vous verrez que ce type de composition fonctionne plutôt bien en général. Cela est particulièrement efficace lorsque vous photographiez un groupe trois ou 5 personnes.

La nature morte ci-dessous est encore un parfait exemple pour se rendre compte que le nombre impair renforce la composition.

12. Briser les règles

La composition en photographie est loin d'être une science et par conséquent, toutes les règles ci-dessus ne doivent pas constituer une façon de faire absolue.

Lorsqu'on connait ces règles de compositions et que l'on sait comment les appliquer, alors il faut apprendre à s'en défaire et à les transgresser.

Si vous souhaitez en savoir plus sur les règles de composition et l'art de les enfreindre, je vous conseille le livre de Haje Jan Kamps.

Quoi qu'il en soit, l'erreur serait de faire face aux restrictions qu'elles imposent et de les utiliser dans toutes vos images.

Si ces règles ne fonctionnent pas pour ce que vous souhaitez photographier, ignorez-les tout simplement.

Bien entendu, elles méritent tout de même d'être considérés et vous apportent un bon point de départ pour construire de belles images.

Si vous trouvez une composition formidable qui les contredit, alors n'hésitez pas les transgresser 😉

Vous êtes libre de choisir et d' adapter votre vision de la composition.

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12 règles de composition à savoir en photographie

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En photographie, il n'y a pas de règles fixes mais un certain nombre de lignes directrices pouvant être appliquées dans presque toutes les situations. Dans cet article, vous allez découvrir différentes façons de composer vos images. Autant

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Un cours complet

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Trois regards pour voir est une série de programmes courts dédiée à la photographie. Chaque cliché choisi dans diff&eacute...

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Le lancement de la nouvelle formule de decryptimages.net doit être l'occasion d'une mise en perspective. Rappelons-le, lorsque ce site apparut en 2008 (lancé officiellement le 17 mars 2009), rassemblant les ressources de sites antérieurs créés depuis 2000 par l'Institut des Images (imagesmag, imageduc, primages), le mot " décrypter " n'était pas du tout à la mode. Nous avons eu de longs débats. La notion d'analyse nous semblait la bonne mais n'était pas très attirante (analysimages...). Nous nous sommes portés ainsi vers cette notion de décryptage, qui est le fait d'aller chercher le sens de ce qui est codé, crypté -quand il y a lieu...

Et notre succès public est désormais stupéfiant. Qui ne décrypte pas aujourd'hui ? Sans connaître notre site Internet généralement d'ailleurs. Sous ce vocable, nous trouvons à peu près tout et n'importe quoi, le meilleur comme le pire, ce qui est normal quand une notion devient à ce point galvaudée. Ce n'est pas la première fois, car rappelons que -avec un succès public plus spécialisé-l'expression " images fixes " était totalement absente au début des années 1990 et a suscité des lazzis quand a été créé en 1992 le Groupe d'études sur les images fixes (GEIF), vite étendu aussi aux images mobiles et devenant l'Institut des Images. Donc pionniers et visionnaires, nous l'avons été. Mais se pose alors -au-delà d'une fierté passagère-la question de notre positionnement actuel et futur. Il est double.

Ce site pionnier reste un centre de ressources sans égal sur l'analyse de tous types d'images et l'histoire du visuel. Il est francophone mais ouvert aux images planétaires et pourra d'ailleurs publier des contributions étrangères dans la langue d'origine. Ce site bénéficie d'une très longue collaboration entre la Ligue de l'Enseignement (organisation d'éducation populaire créée en 1866) et l'Institut des Images (association libre de chercheurs/ses née donc en 1992 et ayant notamment organisé le colloque Peut-on apprendre à voir ? en 1998, puis les sites Internet déjà cités).

Alors, bien sûr, nous ne concurrencerons pas tous les " fact checking " ou toutes les analyses d'images actuelles utilisant celles du passé (faisant de l'histoire du visuel). Quand elles sont de qualité --disons-le clairement-- nous nous en réjouissons. Ce site-relai pourra d'ailleurs faire des liens et publier des travaux réalisés ailleurs ou recevoir des contributions des un-e-s et des autres. La nouvelle formule, très souple, le permet. Vous le verrez, nous avons également fait de gros efforts de lisibilité et d'indexation (merci à l'équipe !..).

Notre rôle doit en fait être généraliste-pratique, généraliste en donnant des orientations globales pour " apprendre à voir " (notre sous-titre et l'enjeu central de l'éducation au XXIe siècle) et en offrant une tribune pour publier le dernier état de la recherche ; pratique en continuant, par tranche d'âge, à offrir des modules d'analyse testés et utilisables, sous toutes les formes d'ailleurs (animations, jeux vidéo, films ou textes avec images). Dans ce sens, par exemple, nous proposons désormais des fiches pédagogiques accompagnant l'exposition " Les images mentent ? ". Par ailleurs, nous relaierons les initiatives de qualité comme dès maintenant " Des clics et des classes ". N'hésitez donc pas à nous envoyer des contenus que vous avez réalisés ou des retours d'expérience dans tous les contextes.

Le défaut d'aujourd'hui n'est pas l'absence de décryptages comme jadis, il est dans le trop-plein et le manque de repères. Alors, sur ce site vous trouverez une grille d'analyse. Alors, sur ce site vous pouvez télécharger gratuitement nos expositions (qui ont un grand succès), notamment celles sur l'histoire du visuel et celle sur la manipulation des images. Tout cela est adaptable. Vous développez et accompagnez sur ces bases. Mais ce site va aller plus loin en signalant. Il n'est plus admissible en effet -et c'est préjudiciable pour tout le monde-que les initiatives (parfois excellentes) se fassent chacun dans son coin. En France et dans la francophonie (nos expositions vont en Afrique ou au Canada), beaucoup de personnes travaillent à décrypter les images, mais enseignants d'un côté, musées de l'autre, médias séparément. Il faut échanger, faire des passerelles, valoriser, rassembler.

Face aux mouvements planétaires actuels, l'éducation à tout âge est en effet un enjeu considérable pour le devenir de notre planète. Voulons-nous l'affrontement d'égoïsmes concurrents avec des groupes manipulés dans un morcellement planétaire ? L'effondrement des connaissances est le levier pour tous les embrigadements sectaires et la passivité de consommateurs/trices addictifs. Les savoirs (évolutifs) sont la condition sine qua non de choix individuels et collectifs éclairés. Refuser les savoirs, c'est refuser les conditions de la liberté et, tout simplement, la connaissance sur notre situation terrienne commune au temps des périls environnementaux.

Dans ce cadre, apprendre à voir est aussi important qu'apprendre à lire. Nous sommes entrés dans l'époque de la circulation planétaire exponentielle des images et de l'ubiquité individuelle perpétuelle où nous nous trouvons ici en voyant là-bas. Notre conscience est locale-globale. Les manipulations par les propagandes et les publicités sont généralisées et dangereuses singulièrement quand elles avancent masquées, non identifiées. Alors, apprendre à voir -il faut le marteler-- ne peut se faire qu'en ayant des repères en histoire générale du visuel et en méthode d'analyse des images. Decryptimages a pour vocation d'ouvrir à ces repères et ces analyses, à offrir des applications pratiques et à relayer toutes les initiatives heuristiques dans ce domaine, du récit d'expérience en maternelle aux chercheurs dans un musée ou à des médias qui publient une analyse d'actualité étayée et ouvrant des perspectives. Decryptimages est donc un lieu de croisement, générateur par son antériorité mais à l'écoute des initiatives, un média-relai.

Laurent Gervereau
Directeur de decryptimages.net

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Le lancement de la nouvelle formule de decryptimages.net doit être l'occasion d'une mise en perspective. Rappelons-le, lorsque ce site apparut en 2008 (lancé officiellement le 17 mars 2009), rassemblant les ressources de sites antérieurs créés depuis 2000 par l'Institut des Images (imagesmag, imageduc, primages), le mot " décrypter " n'était pas du tout à la mode.

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Saisissez un ou plusieurs mots dans le champ "Search". Ou saisissez la rérérence d'une image.

Pour faire des recherches avec plusieurs mots, vous pouvez utiliser les opérateurs suivants : ET (ou +), SAUF (ou -).

Utilisez * (étoile) pour élargir votre recherche : par ex. *migr* recherche immigration, migration, émigration, immigrés...

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Initiation au vocabulaire de l'analyse filmique (cours de cinéma en ligne)

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Un cours de cinéma en ligne, illustré par des extraits de films, des jeux et des exemples d'analyse filmique. Devenez incollable sur le vocabulaire du cinéma..

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Rue Faubourg Figuerolles

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Les photographies les plus célèbres de l'histoire

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Les photographies les plus célèbres de l'histoire

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Nous sommes en 1816. L'empereur n'a abdiqué que depuis un an. Un inventeur nommé Nicéphore Niépce, 51 ans, se met en quête d'un procédé chimique capable de fixer des images. Tout en testant des substances chimiques sensibles à la lumière, il entreprend la construction d'une chambre noire pour capturer la lumière. La voilà réalisée par un artisan sur ses indications. Le 12 avril 1816, il la décrit dans un courrier adressé à son frère Claude : "Je profite du peu de temps que nous avons à passer ici pour faire faire une espèce d'oeil artificiel qui est une petite boîte carrée de 6 pouces de chaque face ; laquelle sera munie d'un tuyau susceptible de s'allonger et portant un verre lenticulaire. Je ne pourrais sans cet appareil me rendre complètement à raison de mon procédé."

Rapidement, il teste sa chambre noire en plaçant à l'intérieur une feuille de papier enduite, probablement, de chlorure d'argent, qui a la propriété de noircir à la lumière. Le 19 mai 1816, il envoie à son frère deux images obtenues dans sa chambre noire braquée sur les croisillons d'une fenêtre. Il obtient deux images négatives qu'il appelle "rétines", mais, très floues, elles disparaissent à la lumière, faute d'avoir été fixées. Il faudra encore onze ans de tâtonnements à Nicéphore Niépce avant de pouvoir prendre la première photographie digne de ce nom. Son procédé, nommé héliographie, utilise des plaques d'étain poli, recouvertes d'une fine couche de bitume de Judée, une substance qui a la particularité de durcir après une exposition à la lumière. Il place la plaque au fond de son appareil, attend plusieurs heures, voire plusieurs jours, l'enlève, puis la lave avec une solution diluée d'essence de lavande qui dissout les parties molles du bitume de Judée, non durcies par la lumière. L'image apparaît par effet de contraste entre les parties rugueuses du bitume de Judée durci et les parties polies de l'étain. En pleine lumière, l'image apparaît négative, tandis qu'à l'ombre, en lumière rasante, l'image devient positive.

Toutes les photos ont disparu, sauf une

Depuis la fenêtre de son atelier donnant sur la cour de sa propriété du Gras, à Saint-Loup-de-Varennes, il prend plusieurs clichés dès l'été 1827. Tous ont disparu, à l'exception d'un seul, qui est, aujourd'hui, la propriété du Centre Henri Ramsom de l'université du Texas, à Austin. Le "Point de vue de la fenêtre du Gras" est, par le fait, la plus ancienne photographie au monde. Elle aurait été prise entre le 4 juin et le 18 juillet 1827, et, selon le chercheur Jean-Louis Marignier (CNRS), elle aurait nécessité deux jours d'exposition.

À partir de 1830, Niépce poursuit ses recherches avec le décorateur Louis Daguerre. Tous deux se livrent à de nombreuses expériences qui débouchent, en 1832, sur un nouveau procédé, la physautotypie. Cette fois, le support photosensible est une plaque (d'argent ou de verre) recouverte d'une très fine couche de vernis à base d'essence de lavande. Après une exposition de "seulement" 3 à 8 heures, l'image est révélée par de la vapeur de pétrole. Les parties illuminées restent blanchâtres tandis que les autres deviennent transparentes. Nul besoin de fixateur pour figer l'image. Le plus ancien physautotype conservé s'intitule "Une table servie" et date de 1832.

À la mort de Niépce, Louis Daguerre poursuit seul les recherches

L'année suivante, Nicéphore Niépce meurt, laissant Louis Daguerre poursuivre seul les recherches. Il met au point le daguerréotype en 1835 qu'il présente à l'Académie des sciences en 1839. Ce procédé utilise une plaque de cuivre recouverte d'argent qu'il rend sensible à la lumière en l'exposant à des vapeurs d'iode. La prise de vue est réduite à moins d'une trentaine de minutes. Le développement de l'image positive est obtenu en exposant la plaque à de la vapeur de mercure. La fixation de l'image est obtenue par un bain dans une solution d'hyposulfite de soude. Le plus ancien daguerréotype connu montre l'intérieur de l'atelier de Daguerre en 1837.

Le daguerréotype ne fournit donc qu'une seule image positive sur un support métallique. Pas de copie possible. Or, un inventeur britannique nommé William Henry Fox Talbot revendique l'invention d'un procédé négatif-positif dès 1835, le calotype. Il avait eu l'idée de fabriquer une surface photosensible en mouillant une feuille de papier avec de l'eau salée et du nitrate d'argent. Il fixait l'image avec du sel de potassium. Le plus ancien négatif parvenu jusqu'à nous représente une fenêtre de sa résidence, prise de l'intérieur. Malheureusement, Talbot ne parvint pas à imposer son invention, laissant le champ libre au daguerréotype durant une trentaine d'années.

Les premiers daguerréotypes représentent des paysages déserts vides de tout être humain. Forcément, avec des temps de pose supérieurs à quinze minutes, toute personne en mouvement n'a pas le temps d'impressionner la surface sensible. En revanche, les individus restant immobiles durant plusieurs minutes apparaissent, tels des fantômes. Il semblerait que les premiers êtres humains fixés par un daguerréotype soient deux vagabonds (ou deux ouvriers) allongés contre une grille sur un cliché pris par Daguerre du pont Neuf, entre 1837 et 1838. Et non pas, comme on le dit souvent, l'homme faisant cirer ses chaussures sur un cliché du boulevard du Temple pris quelques mois plus tard.

2 millions de photos par minute dans le monde

Le premier selfie montrant un être humain est plus tardif. On l'a longtemps attribué à un jeune Américain ayant acheté un appareil de prise de vues à Daguerre vers la fin de l'année 1839. Mais rien n'est moins sûr. Il semble qu'un jeune Français nommé Hippolyte Bayard aurait réalisé des autoportraits dès 1837 avec un procédé de son invention. Lequel, plus astucieux que le daguerréotype, fait intervenir un négatif sur papier et offre une bien meilleure résolution. Malheureusement pour Bayard, les autorités françaises ont déjà choisi de subventionner les travaux de Daguerre. De rage, Bayard prend en 1840 une photo de lui, déguisé en noyé, au dos de laquelle, il note : "Le cadavre du monsieur que vous voyez ci derrière est celui de M. Bayard, inventeur du procédé dont vous venez de voir ou dont vous allez voir les résultats merveilleux." C'est la première mise en scène photographique.

En 1869, Louis Arthur Ducos du Hauron et Charles Cros présentent séparément et simultanément le principe de la photographie en couleur à l'Académie des sciences. Huit ans plus tard, le premier des deux prend ainsi la première photo en couleur, la ville d'Agen. Mais il faut attendre les frères Lumière, en 1903, pour disposer d'un procédé réellement pratique ne nécessitant qu'une seule prise de vue. En 1884, George Eastman conçoit le film souple en celluloïd enroulé dans un magasin. Vers 1948, le docteur Edwin H. Land met au point le premier appareil à développement immédiat, le Polaroïd. Enfin, la première photo numérique est prise en 1975 par l'ingénieur Steve Sasson employé par Kodak.

La première photo publiée sur le Net est due à l'initiative d'un chercheur du Cern, Tim Berners-Lee, qui demande à un ami de scanner la photo d'une fête, montrant quatre jeunes filles. Quant au fameux selfie, il serait apparu pour la première fois sur le réseau Myspace en 2003, sous le nom de Myspace Pic. Il y a douze ans seulement... En bricolant sa boîte noire, voilà 199 ans, Niépce, qui ne pensait qu'à réinventer la peinture, ne pouvait pas imaginer que, seulement deux siècles plus tard, il se prendrait quelque deux millions de photos par minute, dans le monde.

À lire : Niépce, l'invention de la photographie, par Jean-Louis Marignier, éditions Belin

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Les photographies les plus anciennes au monde, pour la première fois rassemblées.

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Nous sommes en 1816. L'empereur n'a abdiqué que depuis un an. Un inventeur nommé Nicéphore Niépce, 51 ans, se met en quête d'un procédé chimique capable de fixer des images. Tout en testant des substances chimiques sensibles à la lumière, il entreprend la construction d'une chambre noire pour capturer la lumière.

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Un peu de vocabulaire

un plan - une séquence
Un plan est l'unité de base du cinéma qui correspond à ce qui est filmé entre le moment où l'on déclenche la caméra et le moment où l'on arrête la caméra. Au tournage, on filme des plans. Au montage on assemble des plans entre eux pour former une séquence ou une scène. Une scène ou une séquence regroupent des plans autour d'une action unitaire. La scène est dans une continuité spatio-temporelle. On parle d'une scène dans un décor unique, mais d'une séquence de poursuite par exemple.

prise de vue :

plongée - contre plongée - ordinaire

mouvement de caméra : plan fixe - caméra épaule - panoter - travelling - zoom

un champ : C'est ce qui apparaît à la caméra

hors champ - champ/contre champ - profondeur de champ

Les plans au cinéma

* plan rapproché (expression des personnages, dialogues) :Très gros plan - gros plan - plan poitrine

* plan moyen (actions) : plan taille - plan américain - plan moyen

* plans larges (descriptifs de l'environnement) : plan d'ensemble - plan général

Le plan général
Le plan général consiste à filmer le sujet dans son environnement général. Le sujet est donc vu avec un certain recul puisqu'il est intégré à ce grand espace. C'est le plan idéal pour insister sur l'étendue de l'endroit filmé et sur la forte relation entre le sujet et le lieu où il se trouve.

Le plan d'ensemble
Le plan d'ensemble est un cadrage plus resserré que le plan général. Le sujet occupe une plus grande partie de l'image. Il

est devenu identifiable, mais sa relation avec son environnement reste toujours prépondérante.

Le plan moyen
Le plan moyen est un cadrage resserré sur le sujet principal. Il doit apparaître en entier sur la photo. Dans ce genre de

plan, on s'intéresse beaucoup moins au décor.

Le plan américain
Le plan américain consiste à cadrer un personnage à mi-cuisse.

Le plan rapproché
Il y a deux types de plans rapprochés : le plan rapproché taille et le plan rapproché poitrine. On ne voit que la partie supérieure du sujet (coupé à la taille ou à la poitrine comme le nom l'indique). Ce cadrage rapproché permet d'isoler le sujet dans le décor.

Le gros plan
Le gros plan consiste à cadrer une partie importante du sujet pour le mettre en valeur. Le décor est alors inexistant. Il faut

rester vigilant sur les détails car le moindre défaut sera visible sur la photo. Cette valeur de plan met en valeur une partie

du sujet, notamment le regard.

Lors de l'utilisation de ce plan, il est plus confortable pour le visionnage de laisser de l'air devant le regard.

Le très gros plan
Le très gros plan consiste à remplir son cadre par une petite partie du sujet. On isole donc un détail ou une partie du corps humain (un œil par exemple). On montre ici un détail du sujet.

Cela peut servir à montrer les émotions fortes.

Petite fiction pour tout revoir

Valeurs de plan en pratique

Différents types de raccords

Un raccord est la cohérence entre deux plans du film. Faute de cette précaution, la vraisemblance de l'ensemble des plans concernés peut être atteinte, voire détruite, et le spectateur sera perturbé dans sa réception du film.

Le raccord de montage (extrait vidéo) : Pour rendre homogène l'univers du récit, le cinéma classique utilise une technique de montage qui vise à rendre invisible le passage d'un plan à un autre. La technique du raccord consiste à faire se succéder les plans en fonction :

* du mouvement : un personnage amorce un mouvement dans le plan 1 et le termine dans le plan 2.

* du regard : un personnage regarde hors champ dans le plan 1 et on voit l'objet de son regard dans le plan 2.

* du son : ce que l'on entend dans le plan 1 se poursuit selon la même intensité sonore dans le plan 2.

* de la lumière, du décor : ils doivent être homogène d'un plan à un autre.

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Les valeurs des plans & différentes pratiques

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un plan - une séquence Un plan est l'unité de base du cinéma qui correspond à ce qui est filmé entre le moment où l'on déclenche la caméra et le moment où l'on arrête la caméra. Au tournage, on filme des plans. Au montage on assemble des plans entre eux pour former une séquence ou une scène.

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Daguerréotypes ... Rue Daguerre

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Daguerréotypes est un téléfilm germano- français réalisé par Agnès Varda et diffusé en 1975.

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La photographie au service de l'information

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La photographie au service de l'information

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4- La photographie au service de l’information - Communication, information et propagande (1/4)

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Un escape game pour sauver la photographie de presse

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Un escape game pour sauver la photographie de presse

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Sauvons la photographie de presse | escapegame

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créé dans le cadre d'une thèse

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Collection dirigée par Sarah Moon, 10 journaux intimes, sensibles et authentiques, réalisés par des femmes qui ont en commun de s'être retrouvées à la rue.

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Sarah Moon a accompagné le projet photographique de femmes en situation de grande précarité ou d'exclusion, aux côtés de l'association "100 voix". De cette rencontre sont nés une exposition et des Carnets de route.

Quand images et mots partent à la reconquête de l'estime de soi.

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Au début je leur dis de photographier ce qu'elles aiment et n'aiment pas, ce qu'elles observent. Photographier devient alors une façon de voir et de dire. Au fur et à mesure, se dessine le récit. Pour certaine c'est très rapide (qqs mois) pour d'autres c'est au terme de deux ans de travail que l'on a abouti à un carnet.
S Moon
Sarah Moon

Née en 1941 à Vichy dans une famille juive elle doit quitter la France occupée et rejoint l'Angleterre où elle étudie le dessin dans une école d'art. Entre 1960 et 66 elle exerce le métier de mannequin professionnel et pénètre ainsi les coulisses de la mode. Sa renommée internationale débute en 1967, année de sa collaboration avec Cacharel. Elle commence à prendre des photographies en 1970. Des photos qu'elle compose alors émane une douceur pastel, faite de grain et de demi-teintes, qui sera sa marque de fabrique. En 1968, les books qu'elle réalise pour ses amies modèles retiennent l'attention de Robert Delpire, déjà éditeur de Robert Frank et de Henri Cartier-Bresson, qui deviendra son compagnon. Dès lors sa production photographique fera l'objet de parutions dans de nombreux magazines. Ses images prises dans des lieux incertains à une époque incertaine lui valent éloges et récompenses à Paris comme à Londres, New-York ou Tokyo.

En 1985, la disparition de son assistant et ami Mike Yavel est un grand choc. Ce sera aussi un tournant dans sa carrière puisqu'elle ne photographiera plus que pour elle-même : des photos sans commande, pour rien. En 1990 elle réalise avec " Mississipi One " son premier long métrage qu'elle qualifie elle-même de "conte de fées empoisonné". Parallèlement elle poursuit son travail de photographe et expose aux Rencontres Photographiques d'Arles en 1994.

En 1995, une rétrospective de son travail a lieu au Centre National de la Photographie de Paris et elle réalise Henri-Cartier Bresson, Point d'interrogation.

En 2002, elle expose au Musée d'Art Contemporain de Kyoto.

" J'ai l'impression de voir en noir et blanc mais parfois c'est la couleur qui s'impose comme pour les photos qui seront exposées à La Gacilly, (5 juin-30 sept 2015) "

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"Le travail de Sarah Moon est un classique : référence dans l'histoire de la photographie de mode, elle a cependant créé un style et un univers qui dépassent les seuls territoires de la photographie appliquée. Elle est simplement une artiste dont l'oeuvre parle tout autant de la beauté que de la disparition... La photographie de Sarah Moon est proche des contes et de l'enfance : un émerveillement du monde toujours menacé par la perte..."

Didier Brousse

EXPOSITION
L'UNE ET L'AUTRE // CARNETS DE ROUTE Photographies des ateliers dirigés par Sarah MOON et José CHIDLOVSKY
58 rue Quincampoix - 75004 Paris

du mardi 10 mars au samedi 25 avril

Vernissage exceptionnel le dimanche 8 mars 2015 de 17h à 20h A l'occasion de la Journée internationale de la femme
"L'Une et l'Autre" présente le travail de femmes qui sont parties à la recherche d'elles-mêmes. Elles ont en commun d'avoir eu à faire à une période de leur vie à plus fort qu'elles... la maladie, la souffrance insurmontable de la disparition d'une mère, d'un père ou d'un enfant, la trahison d'un être cher, les coups de parents à la dérive, la violence conjugale, le viol, l'exil, la détention. Elles en sont sorties brisées et envahies par une meute de sentiments acharnée à les dépouiller de leur singularité. La perte de la confiance en soi s'est agrégée à celle de la confiance en l'autre, la fierté a abandonné la place pour la honte, le désarroi et le doute ont contribué à l'avènement d'un sentiment d'impuissance et de résignation. Toutes, un jour ou l'autre, ont connu la rue, non pas comme une artère qui donne un sens aux vies mais comme une prison à ciel ouvert dont on ne s'échappe pas et d'où le cours du temps s'est à tout jamais tari. La réappropriation de l'image de soi est un enjeu décisif pour toute personne se trouvant en situation de grande précarité ou d'exclusion."L'Une et l'Autre" porte en elle le témoignage du pouvoir de la photo à modifier le regard sur soi et sur le monde de celui qui photographie. C'est aussi une leçon de vie.
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Le 8 mars 2013, l'exposition l'Une & l'Autre présentait les premiers travaux photographiques des participantes aux ateliers de récits photographiques animés par 100 Voix ! Deux ans après, paraît un objet unique tiré à 500 exemplaires des douze premiers numéros de la collection des Carnets de Route. La galerie Fait & Cause expose leurs auteures. Dirigés par Sarah Moon et José Chidlovsky ces ateliers sont ouverts aux victimes de l'exclusion accueillies par l'association Aurore. Tantôt l'une, tantôt l'autre, ces femmes blessées se réapproprient leur identité au fil de l'élaboration de leurs récits dont l'authenticité se révèle dans chacune de leurs photographies .

Photographies de :Bahia Aidli, Lyliie Berry, Aziza, Pénélope Bertrini, Caroline Chartrou, Florence Courtois, Rachida Essaydi, Magali Faucheux, Stéphanie Foucher, Kasia Grabowska, Salha Hamrouni, Huguette Jeanmichel, Sylvana Jegoux, Jocelyne, Blandine Lesur, Lydie, Nana N'Domatezo, Ioan Zlata, Bénédicte Ngobelle, Nelly Royer, Marie Rudnitska, Nadège Soumaré, Gabie Trancéa

Photos choisies par Sarah Moon et commentées au cours de l'émission:

J'ai été innocente dans la forêt des loups

Dans le carnet de Bahia Aidli on peut aussi lire ces mots:

"J'adore la femme libérée fière de l'être."

"Je suis née et j'ai vécu longtemps à Nova Rudnia , un village proche de Tchernobyl, un village magnifique avant d'être irradié (...) Mes chers parents, j'ai quitté votre maison pour me retrouver désarmée dans la jungle d'un monde hostile sans avoir appris à me battre (...) Mon âme et mon coeur ont enormément souffert, mon corps s'est fondu dans son ombre...."

M. Rudnitska LIVRES
Depuis ses tout débuts, Sarah Moon n'a cessé de dire la fugacité de la beauté et la fragilité des illusions. Dans un style tout de délicatesse et d'invention, elle a signé quelques-unes des campagnes de publicité les plus créatives de ces dernières années, elle a fait les couvertures et les bonnes pages des plus importants magazines illustrés. Couronnée par le Grand prix national de la photographie, elle a aujourd'hui une œuvre très diversifiée que le cinéma vient encore enrichir.

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La réédition revue et augmentée de l'un des plus beaux ouvrages de Josef Koudelka. Un voyage à travers l'Europe qui nous donne à voir un monde où le tragique côtoie le quotidien.

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L'intégrale des trois volumes de la collection sur la démarche photographique des plus grands photographes contemporains, révélée par la lecture et l'observation de leurs planches-contact. Un des films de ce coffret est consacré à Sarah Moon et un autre à Koudelka.
Evénement(s) lié(s)
Vernissage "L'une et l'autre" le 8 mars

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Sarah Moon du 05 mars 2015 - France Inter

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Au début je leur dis de photographier ce qu'elles aiment et n'aiment pas, ce qu'elles observent. Photographier devient alors une façon de voir et de dire. Au fur et à mesure, se dessine le récit. Pour certaine c'est très rapide (qqs mois) pour d'autres c'est au terme de deux ans de travail que l'on a abouti à un carnet.