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A la obra la agregaría flores típicas colombianas en los arboles del fondo demostrando la belleza de los paisajes colombianos o a la vez, demostrar cómo la guerra puede acabar con los recursos que nos da la tierra.

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Esta obra la cree en 2018 y la razón por la que decidí hacer esta obra de arte fue para mostrar mi perspectiva la de vida. Quería que el público sintiera una reflexión sobre la vida. Mostrando que la vida no se trata sólo de vivir día a día afrontando los obstáculos de la vida, sino para tomar decisiones que definen nuestro futuro y nuestra alma. La función y el propósito de mi obra de arte es generar una reflexión personal de la vida con el hecho de que nacemos blancos, sin saber qué nos gustará o no, qué llenará nuestra vida o no, pero a medida que vamos creciendo (ahí es donde el árbol se lleva a cabo a medida que crece con diferentes ramas) empezamos a tomar camino diferente que luego determinará quiénes somos.

Hoy logro conectar mi obra con la obras de arte "La cosecha de los violentos, 1968" por Alonso Quijano, y la instalación "Ex it" de Yoko Ono. Ya que las tres hablan sobre la vida/muerte, sobre el contexto histórico y cómo este afecta la perspectiva de la vida sobre el artista. El significado del árbol como símbolo de vida.

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"El camino que tomamos" instalación por Laura Madriñán

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"El camino que tomamos" instalación por Laura Madriñán

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Mi propia obra de arte a partir de lo investigado

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Mi propia obra de arte a partir de lo investigado

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Yoko Ono juega con las palabras, por ejemplo, en esta instalación, "Ex It" rompe una palabra para crear un concepto totalmente nuevo. Ella crea sus obras con la intención de crear emociones, tal vez nostálgica, triste o reflexiva ya que el propósito de la instalación es crear un reflejo de la vida después de la muerte, para hacer sentir al espectador estas emociones al caminar por ella. ella trató de generar estas emociones en la audiencia al crear ataúdes con árboles dentro.

El árbol se muestra como un símbolo de vida, esto conecta directamente con la cultura japonesa, ya que, por ejemplo; la importancia del cerezo en flor en la cultura japonesa se remonta cientos de años y representa la fragilidad y la belleza de la vida. La vida como sí misma si representada comúnmente en los árboles, ya que son los que dan la posibilidad de respirar y por eso, poder vivir.

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Como le sucedió a ella la primera vez que caminó pensó que su instalación, Yoko Ono quería que la audiencia se viera afectada emocionalmente, de manera que mientras caminaban por la instalación, sintieran como la historia de la humanidad pasa por sus mentes, como le pasó a ella sintiendo lo que en realidad era la vida después de muerte.

Yoko Ono, con los títulos de sus obras, hace que el público tenga una idea o piense en poesía japonesa, especialmente en haiku, y en el koan. La instalación Ex Tiene conexión con su obra "Un agujero para ver el cielo" en la que el título era tan importante como la obra de arte sí mismo. Esta conexión entre las obras se debe a la similitud de conceptos entre los títulos de la obra con la instalación ex it.

Adicionalmente, esta instalación consiste en unos ataúdes que tienen un hueco por donde sale la vida (el árbol) y puede referirse a lo religioso y a las creencias que después de la muerte uno va al cielo y revive, llevando al espectador, en un profundo reflejo de la vida. La obra de Yoko Ono "Ex it" tiene un carácter natural y muy determinante, cuenta con una conexión filosófica que juega un gran papel en la obra.

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Entrevista a Yoko Ono y su esposo John Lennon

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Entrevista a Yoko Ono y su esposo John Lennon

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John Lennon/Yoko Ono interview [1968] 2/2

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La instalación de arte “Ex it” de la famosa y reconocida artista Yoko Ono (esposa de John Lennon) se creó principalmente en función de su contexto cultural. La artista feminista japonesa estadounidense fue una figura importante en la década de 1960 en Nueva York por las escenas del arte underground. Yoko Ono es una artista muy conceptual que piensa que el arte vale tanto como su capacidad de comunicar. Esta ideología que tiene Yoko Ono nació cuando dijo una vez que la vida consiste en compartir su realidad. Esta es la razón por la que Yoko Ono rompe el esquemas en el arte. Además, Yoko Ono es una artista multicultural que mezcla su herencia oriental y occidental y su visión como puente, entre la vanguardia y la cultura popular.

La artista de origen japonés, Yoko Ono ha dejado una marca muy importante en el arte contemporáneo en diferentes medios. Cuando Yoko Ono hizo la instalación, estaba pensando principalmente en términos de un campo de batalla. Como en los campos de batalla los más afectados son los hombres, la artista hizo más ataúdes que representan a hombres que a mujeres o niños.

El contexto histórico en el que se encontraba la artista y su esposo no era muy diferente que el artista Alonso Quijano, pues ambos escenarios enfrentaban violencia y luchaban por la paz en los años 60. Mientras la Guerra de Vietnam rugía en 1969, John Lennon y su esposa Yoko Ono participaron en los “Bed-ins for Peace” en Amsterdam y en Montreal. Los “Bed-ins for peace” fueron protestas no violentas de dos semanas de duración contra las guerras, con la intención de ser pruebas experimentales de nuevas formas de promover la paz. Esto puede conectarse a la forma en que ve la instalación como un campo de batalla, debido a la violencia que ha vivido en su vida y cómo se siente vinculada.

Sin embargo, Yoko Ono muestra su optimismo de la muerte en los campos de batalla y como esto se puede representar en la vida después de la muerte con árboles. Como hizo una vez con John Lennon, dando un mensaje a través del humor, trató de expresar su mensaje sobre la vida después muerte por emociones y la forma en que el espectador se sentía al caminar por la instalación.

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Esta obra de arte muestra el silencio y el sentimiento perturbador de la muerte. Esto se debe al trasfondo que tiene, el cual refleja un ambiente funerario. Esta obra de arte, que como se dijo antes es una xilografía, muestra en primer plano y haciendo un énfasis a un árbol viejo y oscuro que representa la escena. Debajo de sus ramas, es fácil ver cómo se expande como garras, y posan en la de los hombres y mujeres como si fueran sus frutos. Los cadáveres están encima de unas camas hechas de madera y descansen en paz allí. El árbol esta en el medio de la obra de arte, y en las esquinas y lados podemos ver claramente otros árboles que son más pequeños.

Detrás del gran tronco el horizonte no se limita, se puede observar un enorme paisaje, lleno de pasto, y árboles y un enorme campo. Si bien los colores utilizados son colores cálidos, la sensación y el sentido que le da a la audiencia es oscuro y sólido. Un sentimiento frío y terrible se transmite a través de la obra de arte. Esto se debe a que la profundidad de la obra de arte y el contexto en el que se encuentra, incluyendo el nombre de la obra de arte, que refleja una escena violenta y mucha gente muerta en ella. Los colores en la ropa que tiene la gente son cálidos pero oscuros, transmitiendo un valor opaco.

Adicionalmente, los arbustos que las rodean se potencian con el naranja pálido con que el artista decidió colorear el cielo. Esto creó una unidad de valor de color con un propósito. Los colores juegan un papel fundamental en la obra, pues esta no contiene un verde azulado con árboles bonitos y un cielo azul perfecto, pero al utilizar ciertas tonalidades transmiten un lugar oscuro, de color naranja pálido, solitario, con árboles secos o árboles insalubres (mostrado con el color) que representan soledad y sentimientos nostálgicos. Por otro lado, la unidad se muestra claramente en esta obra de arte debido a los elementos y principios que trabajan juntos para crear una imagen agradable. El árbol tiene una textura extraña, no es un árbol normal con cicatrices y la “piel típica de árbol” que tienen los árboles normales. No, los árboles pequeños cubren este árbol, como un todo. Esta representa cómo el árbol maduro proyecta que los más pequeños crezcan y se expandan en el espacio en el que se encuentra.

Las líneas marcan las partes importantes de la obra de arte, mostrando líneas irregulares, gruesas y delgadas en las ramas del árbol y sus raíces. Las líneas también tienen un papel importante en el suelo de la obra de arte, creando una textura única de imperfección en el espacio o ambiente mostrado. Estas líneas se dibujan con longitud y dirección hacia el fondo ilimitado del campo. en que se encuentra el árbol. Finalmente, las líneas se dibujan con marcas continúas hechas en las superficies por un punto en movimiento, visto en la parte inferior de la obra de arte, en el que las líneas son verticales, y en el fondo se muestran en forma horizontal, creando movimiento en el piso.

En adición, las formas principales que se ven en la obra de arte son el gran árbol en el medio y los muertos en el lecho que la rodea. Incluso pensé que había un énfasis sobresaliente en la obra de arte siendo el árbol principal. También hay un equilibrio en el arte, entre los árboles por ambos lados y la misma cantidad de personas por cada lado y teniendo el árbol grande y principal en el medio exacto, creando un equilibrio perfecto. Se podría decir que la obra de arte tiene una simetría.

Cuando se analiza la obra de arte, lo primero que conocemos es la repetición presentada en el arte, por los árboles a cada lado, los muertos y por los arboles pequeños que componen el grande, evidenciando así, como todo en esta obra de arte se repite. Por otro lado, es fácil ver la buena proporción que tiene la pintura, el árbol es más grande que el humano, pero tienen una proporción normal o ideal de ellos (los que están en el frente), los otros, son aún más pequeños porque esto demuestra que están más lejos del árbol. Finalmente, los árboles a los lados de la obra de arte se muestran muy pequeños, porque están mucho más lejos, esto creó un comprensión del entorno en el que se asienta el arte.

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Alfonso Quijano, intenta mostrar en esta obra una escena violenta en el que atravesaba nuestro país. Durante la década de los 70, cuando Alfonso Quijano crea la obra de arte, (Desde finales de los 60 a finales de los 80) Colombia sufría una violencia crónica, especialmente en el campo. Esto mantuvo la tasa de homicidios de Colombia en el rango de 20-39 por 100.000 habitantes.

Los líderes de los cárteles de la droga y el narcotráfico en el país iniciaron una campaña de terror y asesinato. Esto podría explicar por qué el artista hizo la obra de arte en un campo. Adicionalmente, siento que la razón por la cual Quijano decidió pintar esa obra de arte y darle ese nombre, fue porque de su relación directa con el significado. Este era un paisaje familiar para él, y también fue donde la mayor parte de la guerra de Colombia estaba teniendo lugar.  Alfonso, como colombiano, muestra en su arte, la pura y cruel realidad colombiana asociada con la violencia, los cuerpos de las victimas del conflicto siendo dejados atrás en la preciosa tierra colombiana.

Fue fácil reconocer lo que estaba pasando, con el título dado que está directamente conectado con su contexto personal y en el que vivía el país. “La cosecha de los violentos, 1968” evoca tantos sentimientos diferentes, protagonizada con nostálgicos, y tristeza.

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La cosecha de los violentos, 1968 se creó principalmente basado en el contexto histórico en el que vivía el artista como colombiano. Vivir en los años 60 y 70, Alfonso Quijano enfrentó la violencia que vivía el país. Colombia pasó por uno de sus mayores actos de violencia, en ese momento histórico sufría una guerra entre sus militares (fuerzas armadas) y un grupo revolucionario armado de personas (FARC), y no solo eso, sino también, la influencia en la violencia por parte del narcotráfico.

Colombia ha sufrido altos niveles de conflicto armado durante la mayor parte de su historia. En el siglo XIX, matar gente requirió más esfuerzo porque las armas primitivas a menudo fallaron o se perdió por completo. Sin embargo, entre los 1820 y 1879, un estimado de 35.000 colombianos perdieron la vida en la guerra civil. Esto se muestra claramente también con el nombre de la obra de arte, que refleja una escena violenta y muchos muertos en ella.

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Alonso Quijano, La cosecha de los violentos, 1968.

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Alonso Quijano, La cosecha de los violentos, 1968.