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Gli studenti saranno in grado di descrivere le principali caratteristiche dell'arte cretese e micenea, inclusi gli stili decorativi e il significato culturale.

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Identificare somiglianze e differenze tra l'arte cretese e micenea, con esempi concreti.

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confronto tra Cretesi e Micenei (giunti scuola)

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Quali elementi influenzano le rappresentazioni artistiche della cultura cretese e micenea?

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Breve spiegazione della storia delle civiltà cretese e micenea e del contesto della loro arte. Utilizzo di immagini per discutere i temi.

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Lezione di Storia Antica 6 - I Cretesi e i Micenei

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Gli studenti lavorano in piccoli gruppi per analizzare diversi artefatti e condividere le loro osservazioni con la classe.

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ARTE MINOICO-MICENEA Arte cretese Mentre in Egitto si sviluppava una delle più grandi civiltà del mondo antico, nel Mediterraneo orientale una diversa

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Gli studenti utilizzano Padlet per caricare e commentare immagini di opere d'arte, individuando dettagli rilevanti.

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Ogni studente descrive un'opera d'arte selezionata della civiltà cretese o micenea, evidenziando il simbolismo e i dettagli stilistici.

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La scheda per l’analisi dell’opera d’arte - ADO Analisi dell’opera

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Come procedere alla compilazione della scheda Il metodo di indagine Per compilare le diverse parti della scheda è possibile utilizzare, principalmente, due metodi. Seguire le indicazioni di contenuto oppure porsi delle domande. Leggi anche: Perché è utile analizzare un’opera d’arte. La registrazione delle informazioni raccolte La scheda offe uno schema di base per reperire le … Leggi tutto “La scheda per l’analisi dell’opera d’arte”

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Esercizio differenziato: identificare influenze dell'arte cretese e micenea in altre culture; per gli studenti avanzati.

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Osservazione e domande aperte durante il lavoro di gruppo per valutare la comprensione.

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Di Giulio Iraci*

Gli studenti e le studentesse detestano le verifiche. Le detestano principalmente perché implicano lo studio a casa finalizzato alla valutazione. Poco male, si potrebbe dire: "chi insegna mica deve adattarsi a ciò che piace o non piace a chi apprende". In parte è vero, in parte no. È vero se pensiamo che l'insegnamento non può fare a meno di valutare i processi di apprendimento attraverso prove di verifica; non lo è se pensiamo che studiare controvoglia finisce per ostacolarli, i processi di apprendimento, o persino vanificarli. Sarebbe dunque opportuno affiancare, a quelle tradizionali, tipologie di verifica che gli studenti e le studentesse non detestano, o che detestano di meno. È questo il motivo per il quale, qualche anno fa, mi sono "inventato" le verifiche formative collaborative.

Le verifiche formative collaborative (d'ora in poi le collaborative) sono una tipologia di verifica laboratoriale su un piccolo segmento della programmazione annuale (es. le cause della Prima guerra mondiale).
Sono dunque verifiche, perché mirano ad accertare il raggiungimento degli obiettivi previsti nella lezione precedente. Sono formative, perché consentono a chi apprende di dare forma ai propri apprendimenti rispetto a quegli obiettivi specifici (e a chi insegna di orientare l'insegnamento). Sono collaborative, perché prevedono la peer education in piccoli gruppi.

Le collaborative sono suddivise in tre fasi distinte e consequenziali:
a) fase individuale: in cui gli studenti e le studentesse svolgono individualmente un breve test;
b) fase collaborativa: in cui gli studenti e le studentesse, riuniti in piccoli gruppi, si confrontano sulle risposte date individualmente;
c) fase plenaria: in cui tre-quattro studenti spiegano le loro risposte avvalendosi di quanto emerso nelle fasi precedenti.

Fase individuale
All'inizio della lezione si consegna un test alla classe, a mano o tramite dispositivo digitale.
Ricevuto il test, gli studenti e le studentesse lo svolgono individualmente nel tempo indicato nell'intestazione.

Fase collaborativa
Terminato lo svolgimento individuale del test, la classe viene suddivisa in piccoli gruppi, di massimo tre-quattro studenti, comunicati a voce o tramite dispositivo. Per la formazione dei gruppi bastano un paio di minuti, incluso l'eventuale spostamento di banchi e sedie. Nei gruppi gli studenti e le studentesse si confrontano sulle risposte date individualmente e lo fanno in totale libertà: con i loro (veri) linguaggi, i loro (veri) atteggiamenti, le loro (vere) posture.
È questa la fase più didattica e - se è consentito dirlo - più bella dell'intera attività. Cosa c'è di più bello, infatti, che vedere tutti gli studenti e le studentesse dialogare liberamente sulla materia che insegniamo? Quante volte, in classe, hanno la possibilità di dirsi liberamente cosa (ne) pensano?

Fase plenaria
Terminata la discussione nei gruppi, inizia la fase plenaria, in cui tre-quattro studentesse/studenti sono chiamati a spiegare le loro risposte.
È questo il momento in cui si raccolgono i frutti di quanto emerso nelle due fasi precedenti. Chi spiega le proprie risposte nella fase plenaria, infatti, ha già avuto modo di correggerle, integrarle e migliorarle in gruppo; di conseguenza ciò che dimostra di (non) sapere o di (non) saper fare è il risultato di un'attività sia individuale che collettiva.

Valutazione
Come ogni altra forma di verifica, anche le collaborative implicano quasi sempre una forma di valutazione (dico "quasi sempre" perché nulla esclude che si concludano con interventi spontanei, non valutati, replicando in plenaria quanto avvenuto in gruppo).
Gli obiettivi da accertare e valutare sono quelli relativi all'attività didattica svolta nella lezione precedente e, più in generale, alla materia che si insegna e alla propria didattica.
Accanto ai consueti obiettivi disciplinari, tuttavia, questo tipo di verifiche include e valorizza un particolare indicatore didattico: le capacità collaborative. Essendo attività laboratoriali, infatti, le collaborative consentono di osservare con una certa continuità il modo in cui gli studenti e le studentesse interagiscono per migliorare gli apprendimenti propri e altrui; un descrittore che riguarda l'intera classe e che può fornire utili indicazioni per la valutazione complessiva dei fattori formativi e relazionali.
I descrittori di questo prezioso indicatore possono essere desunti (a) osservando l'interazione in gruppo e (b) accertando se chi risponde nella fase plenaria ne ha tratto giovamento oppure no. La discussione in gruppo infatti può rivelarsi più o meno proficua, dato che chi vi partecipa può farlo in modo più o meno costruttivo.
A tal proposito è necessaria una precisazione. Una classe è composta da studenti che, per indole o per uno stato d'animo del momento, hanno una maggiore o minore propensione alla discussione in gruppo. La valutazione delle capacità collaborative deve tener conto di queste sfumature, evitando di penalizzare chi, pur seguendo la discussione, non è in grado di animarla quanto il resto del gruppo.

Come per ogni attività scolastica, anche nelle collaborative il tempo è un fattore rilevante. Occorre dunque pianificare in modo accurato la scansione delle tre fasi sopra illustrate, prevedendo un tempo congruo per la discussione in gruppo.
Se ad esempio si dispone di una lezione di 60 minuti, è ragionevole prevedere una scansione di questo tipo:

(almeno) 5 minuti tra il suono della campanella e l'inizio dell'attività

10 minuti per la fase individuale

20 minuti per la fase collaborativa

20 minuti per la fase plenaria

È bene lasciare (almeno) 5 minuti liberi per motivi di flessibilità e, se prevista, per l'autovalutazione.
Se il tempo a disposizione è inferiore (es. 50 minuti), basterà ridurre proporzionalmente i quesiti del test.

Preparazione
La preparazione delle collaborative da parte di chi insegna richiede:

- l'elaborazione di un test sull'attività didattica svolta nella lezione precedente;
- la predisposizione dei gruppi laboratoriali;
- l'individuazione di tre-quattro nomi da chiamare all'inizio della fase plenaria.

Il test delle collaborative consiste in una breve attività con cui si cerca di verificare il raggiungimento degli obiettivi previsti nella lezione precedente. La tipologia dei quesiti, ovviamente, varia a seconda della materia che si insegna e del modo in cui la si insegna.
Le tipologie che uso più spesso nella mia didattica sono vero/falso, domande a risposta aperta e analisi/interpretazione di brani. Insegnando filosofia e storia, infatti, ho notato che chiedere alla classe di spiegare perché un'affermazione è vera o falsa e di rispondere a domande aperte o su un piccolo brano mi consente di ricevere informazioni esaurienti su ciò che mi ero ripromesso di far apprendere.

I gruppi
La predisposizione dei gruppi laboratoriali è uno degli aspetti didattici più rilevanti e potenzialmente delicati dell'intera attività. Una classe è composta da studenti e studentesse con una maggiore o minore motivazione allo studio, con capacità dialettiche più o meno affinate e con caratteristiche personali (molto) variabili. Pertanto, affinché l'interazione sia didatticamente proficua e stimolante, è opportuno che la composizione dei gruppi, di volta in volta, sia il più possibile eterogenea ed equilibrata. Una continua e sapiente turnazione, inoltre, amplia le relazioni all'interno del gruppo classe, favorendo il dialogo tra studenti che, talvolta, si parlano poco o per nulla.

Pregi e difetti
Le collaborative, a opinione di chi scrive ( ça va sans dire), hanno indubbi pregi.
Come ogni altra forma di verifica, tuttavia, hanno anche dei difetti, che bisogna mettere in conto e, per quanto possibile, arginare.
Vediamo sia gli uni che gli altri.

Stando all'esperienza maturata in questi anni - frutto di un confronto costante con studenti, insegnanti (di scuola e dell'accademia) e famiglie - le collaborative:

- permettono un apprendimento collaborativo, che, grazie alla metodologia peer-to-peer, favorisce un giusto equilibrio tra competenze e caratteristiche personali;
- riguardando un piccolo segmento della programmazione e prevedendo forme di compensazione in gruppo, richiedono una preparazione pomeridiana gestibile (max. 1 ora);
- se svolte frequentemente - es. una volta alla settimana - offrono un allenamento formativo costante rispetto agli obiettivi a medio e lungo termine (e alla fine dell'anno scolastico i risultati si vedono);
- diversamente da quanto accade nelle cosiddette verifiche orali "sommative" (es. interrogazioni) - durante le quali la maggior parte della classe resta perlopiù passiva - favoriscono la partecipazione attiva dell' intero gruppo classe[1];
- offrendo uno spazio autonomo di condivisione e di collaborazione, consentono di stemperare l'ansia da prestazione (insita in ogni verifica);
- permettono l'interazione anche con chi (si) tende a non parlare mai;
- (di conseguenza) sono particolarmente inclusive.

Difetti (e relative attenuazioni)
Stando sempre all'esperienza maturata in questi anni, le collaborative:

- data la maggiore frequenza, rischiano di sovrapporsi a quelle "sommative" orali di altre materie (e viceversa), rendendo meno gestibili il tempo studio a casa e le attività in classe (difetto non marginale, ma relativo: ferma restando la valutazione delle capacità collaborative, che riguarda l'intera classe, basterà esentare dalla fase plenaria chi svolge la verifica orale sommativa in un'altra materia; si potrà inoltre chiedere al Consiglio di Classe di privilegiare l'apprendimento formativo, dal momento che due prove "formative" sono gestibili in una mattina scolastica e nel pomeriggio che la precede);
- rendono frammentato l'apprendimento e riducono le occasioni per far emergere la "complessità" (difetto anch'esso non marginale ma relativo: basterà infatti prevedere almeno due prove "sommative" annuali; del resto, se è vero che interrogare su tutta la Prima guerra mondiale fa emergere ragionamenti complessi, nulla impedisce che la complessità emerga ragionando sulle sole cause del conflitto o su un film);
- chi ha avuto una valutazione nella collaborativa precedente può decidere di studiare poco o per niente in vista di quella successiva, il che rende meno proficui i suoi apprendimenti e l'interazione in gruppo (è il difetto più insidioso, ma può essere attenuato ricordando e dimostrando alla classe che, proprio perché sono verifiche formative, chiunque può essere chiamato nella fase plenaria; del resto, in tal senso, l'interazione in gruppo ha proprio lo scopo - formativo e collaborativo - di permettere a chi non ha voluto o potuto prepararsi adeguatamente di misurarsi con l'argomento della lezione precedente);
- stante la possibilità di compensare una preparazione non (del tutto) adeguata, c'è chi penserà di "sfangarla" avvalendosi delle conoscenze e delle competenze altrui (altro difetto insidioso, che si può attenuare strutturando il test in modo che la quantità e la qualità dei quesiti/item siano tali da non essere affrontate in modo del tutto proficuo - neppure in gruppo - senza una preparazione quanto meno essenziale; del resto, a tal proposito, è bene lasciare che il gruppo rifletta autonomamente sul contributo, costruttivo o non costruttivo, fornito da chi lo compone).

Bilancio tra pregi e difetti
A opinione di chi scrive (di nuovo ça va sans dire), il bilancio tra pregi e difetti è di gran lunga favorevole ai primi. Le collaborative infatti:

- coinvolgono l'intero gruppo classe in un numero molto maggiore di attività didattiche;
- offrono all'intera classe, e non a una piccola parte, l'occasione di misurarsi con i propri apprendimenti e di migliorarli;
- prevedono una preparazione gestibile in un pomeriggio, con eventuali compensazioni in classe;
- (di conseguenza) lasciano spazio alla preparazione (formativa) di un'altra materia e al tempo libero;
- riducono, salvo situazioni specifiche, il ricorso alle verifiche programmate;
- (di conseguenza) riducono i rischi di uno studio sommativo frettoloso e, dunque, poco proficuo;
- migliorano le capacità relazionali e collaborative;
- riducono l'ansia da prestazione, stemperata nella discussione in gruppo;
- sono inclusive, perché consentono l'interazione tra tutto il gruppo classe più volte l'anno.

Le verifiche formative collaborative sono dunque oggettivamente vantaggiose sia in termini didattici che relazionali, e se bilanciate con altre tipologie di prove (sommative, su piattaforma, autentiche, ecc.) sono gestibili e favoriscono il raggiungimento di obiettivi a medio e a lungo termine.

Conclusioni
Gli studenti e le studentesse detestano le verifiche.
Le detestano perché implicano lo studio a casa finalizzato alla valutazione.
Non mi illudo: probabilmente detestano anche le collaborative. Ma forse, o almeno così emerge nei questionari di fine anno, le detestano meno di altre forme di verifica.
In ogni caso, stando a quanto emerge nello scrutinio di fine anno, con le collaborative le studentesse e gli studenti (tutti) apprendono di più e in modo più sereno.
[1]Su questo e su altri vantaggi delle verifiche formative rispetto a quelle sommative si veda L. Greenstein, La valutazione formativa, UTET, 2023², pp. XXIV-XXV, 14-15.
*Docente di scuola superiore di secondo grado e membro del Coordinamento per la Valutazione Educativa "Aldo Visalberghi" di Roma.

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Le verifiche formative collaborative. Un'attività didattica laboratoriale e inclusiva - Tuttoscuola

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Di Giulio Iraci* Gli studenti e le studentesse detestano le verifiche. Le detestano principalmente perché implicano lo studio a casa finalizzato alla valutazione. Poco male, si potrebbe dire: "chi insegna mica deve adattarsi a ciò che piace o non piace a chi apprende". In parte è vero, in parte no.

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Un breve test online per verificare le differenze stilistiche tra arte cretese e micenea.

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Quiz: quanto conosci la storia dell’arte?

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Ti credi un vero esperto di storia dell’arte? Metti alla prova le tue conoscenze artistiche con il nostro quiz!

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Gli studenti riepilogano ciò che hanno appreso confrontando le risposte agli artefatti con gli altri gruppi.

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Ogni studente scrive una breve sintesi di ciò che ha imparato e una domanda per la prossima lezione.

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Trovare un'opera d'arte contemporanea che possa essere stata influenzata da cretesi o micenei e spiegarne il collegamento.

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La storia dell'arte è la disciplina teorica e storica che studia la nascita e il progresso delle espressioni artistiche, attraverso un punto di vista metodologico filosofico ed estetico oltre che semiotico, cognitivo e letterario, con particolare riguardo ai fenomeni distintivi. Nell'arco dei secoli si è formalizzata come ricerca di conoscenze, tecniche e descrizioni, utili alla comprensione delle più varie forme artistiche. Le prime descrizioni autentiche compaiono in testi greci antichi ( Pausania) e romani ( Plinio il Vecchio).

In quanto disciplina teorica si occupa dei principi estetici e storici della funzione estetica, della costituzione e delle variazioni di forme, degli stili e dei concetti trasmessi attraverso opere d' arte. Una grande divisione, tra arte e tecnica, nasce nell'Accademia platonica, a contrasto delle forme ibride di imitazione. Nel corso delle importanti egemonie culturali, il punto di vista dello storico dell'arte, è stato omologato alla ricerca e diffusione di canoni operativi. Nella sua veste di ricerca stilistica e biografica, essa adotta i criteri della filosofia e della storia letteraria, così come della psicologia evolutiva e della critica d'arte.

Solo dopo la metà dell' Ottocento, l'interesse della sociologia, per studi psicologici e letterari, ha comportato un orientamento verso la comprensione del fenomeno artistico dal punto di vista dei fenomeni sociali coinvolti. In questo quadro scientifico di studi contemporanei, è stato possibile completare la ricerca da un punto di vista sociopedagogico e psicopedagogico, con teorie sulla "formatività" ( Pareyson) e sull'apporto dei musei, delle gallerie e degli archivi pubblici e privati, messi in luce dalla critica contemporanea.

Facendo così intese riportare la tradizione culturale italiana a partire da Giotto, costituendo un modello, presumibilmente derivato dall'arte greca, della , affrancandola dall'ambito servile in cui era collocata per essere considerata un'arte libera alla pari con il lavoro intellettuale. La sua raccolta, Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori, permette di riconoscere la continuità dello stile e la necessità critica di un giudizio sull'arte e sull'architettura, ha innovato nello stile, ha dato un'impronta negli studi, almeno fino a Federico Zeri. La funzione di queste raccolte, pubblicate a mezzo stampa, ebbe colorazioni diverse. Marco Boschini, scriverà con un lessico veneziano, il modo di interpretare la pittura, in una Venezia aperta al riconoscimento e al mercato internazionale, non di meno con intenzioni allegoriche e istruttive dal punto di vista culturale e morale.

In Italia, si sono percorse influenze profonde, ancorate a principi teorici: dalla storia della religione, all'evoluzione dei concilii, dalla manifestazione di opere pubbliche alla realizzazione di scuole, motivo per cui, una storia dell'arte, può avere come suo ancoramento intrinseco, una vocazione dal tratto antropologico culturale propria. Il metodo dello storico dell'arte, in sintesi, deve potersi avvicinare a quello del sociologo e semiotico visivo pur rappresentando conoscenze evolutive proprie e accostandosi al metodo filosofico e naturalistico delle scienze. In quanto disciplina, deve occuparsi di tutte le forme artistiche, potersi specializzare e ricoprire quindi una veste scientifica propria per poter essere trasmessa.

L'aspetto approfondito del bene culturale, così come le conoscenze di opere e di autori, in particolare in pittura, in scultura e in architettura, sono il fondamento degli studi accademici, specialistici e di ricerca. Inoltre, come ogni altra disciplina storica e umanistica, la storia dell'arte è soggetta ad un'opera di interpretazione e riconoscimento critico ed è soggetta al metodo storiografico progressivo.

Lo studio dei contesti, degli antefatti, delle condizioni ambientali e dei mutamenti, della collocazione e della condizione della conservazione, in cui un'opera è stata concepita, realizzata, recepita e studiata, nonché della committenza e dei materiali, è parte integrante sia per la comprensione del significato, delle funzioni tipiche dell'opera, sia del percorso artistico e del valore dell'opera.

La "descrizione analitica" () del formarsi delle opere d'arte, e delle opere stesse, permette di affrontare tematiche di vasta portata: i ricettari, i trattati, i dizionari monografici, del disegno e del colore, sia tecnici che a glosse, favoriscono la divulgazione della storia delle arti, e rendono possibile una competenza settoriale, uno studio distintivo in Arti maggiori e Arti minori nel rispetto del ritrovamento. Con il contributo dell' archeologia, le opere d'arte possono essere studiate e descritte approfondendo aspetti ragionati che la costituiscono: dalle osservazioni pre semiotiche e meno intenzionali, dai materiali alla conoscenza strutturata, dobbiamo il formarsi di settori propri: iconologia, iconografia, allegoria e simbolo, che di volta in volta hanno arricchito la letteratura artistica, favorendo il nascere di correnti di pensiero ( ut pictura poïesis).

Lo studio delle opere del passato, soprattutto se appartenenti a culture distanti, porta, in particolar modo, alla conoscenza e al rispetto di codici culturali e filosofici ai quali le opere fanno riferimento. Lo studio articolato delle invenzioni e delle scoperte, in storia e storia dell'arte, porterebbe ai significati teorici stessi delle opere d'arte ritenute maggiori.

L'arte, afferma Edgar Wind, è sottoposta a principi regolativi universali, educare con l'arte, significa concedere all'espressione e al contenuto artistici, uno statuto normativo e progettuale proprio, che attinge alla forma stessa dei linguaggi dei primordi che hanno permesso la formazione del gusto, dell' estetica e dell' etica nelle varie epoche. I contributi degli storici dell'arte, non possono che provenire da spontanee costruzioni professionali, nozioni, competenze, disposizioni che restituite ne favoriscono l'accesso, tuttavia nel corso del Novecento sono nati veri e propri istituti di eccellenza. Ad esempio il Warburg Institute di Londra, si è occupato dell'orientamento religioso, allegorico e astrologico delle opere d'arte.

Con la didattica museale si esprime un concetto affine, quello del significato dell'esperienza diretta del fare artistico accanto alla fruizione estetica del sapere, si favorisce la conoscenza individuale del valore estetico dell'opera d'arte. Le correnti strutturaliste e costruttiviste, linguistiche e psicologiche, hanno orientato la pedagogia artistica sulle direzioni di senso, legate alla comprensione delle procedure artistiche tecniche.

Nel 1842 Franz Theodor Kugler scrisse il primo libro sulla storia dell'arte al quale si deve la partizione della storia dell'arte in quattro momenti (pre-ellenico o dei popoli primitivi, classico o dell'antichità greca e romana, "romantico" o dell'arte medievale e islamica, moderno dal rinascimento al XIX secolo), seguito nel 1855 dal diffusissimo manuale di Anton Heinrich Springer.

È complicato tracciare un preciso quadro storico sulle origini dell'arte: essa risale, infatti, alle primitive figurazioni delle popolazioni che iniziarono a riporre nella rappresentazione simbolica una concettualità artistica probabilmente, all'inizio, con intenti didascalico-narrativi o, più verosimilmente, unicamente propiziatori.

In caso di esecuzione di graffiti, si utilizzavano rudimentali strumenti (prevalentemente in pietra), mentre per le pitture si mescolavano terre utilizzando come leganti sangue, grasso ed altre sostanze, successivamente stese con l'ausilio delle mani, di bastoni o di peli di animali.

L'arte preistorica, per la sua figurazione essenziale ed incisiva è stata fonte di ispirazione per molti artisti moderni, fra i quali Pablo Picasso, per alcuni aspetti quale apporto interculturale.

Temi prevalenti

Con il sorgere del secondo millennio, allo studio dell' arte greca e di quella romana, di quella bizantina e di quella prodotta nell' area italiana e provenzale, si è estesa la considerazione alle produzioni delle aree dei Franchi e dei Sassoni, includendo quindi progressivamente porzioni sempre più estese di fonti del Vecchio Continente, di pari passo con lo sviluppo delle comunicazioni culturali fra gli stati europei, che consentivano di prendere scambievole nozione, ad esempio del contributo romanico e di quello gotico.

Il succedersi dell' Umanesimo e del Rinascimento italiano, seguiti dalla renaissance francese, riportò sulla penisola italiana e sul paese confinante il fuoco dell'attenzione. È questo, del resto, il periodo in cui la produzione artistica esplose di rigogliosa fioritura particolarmente nei campi della pittura, della scultura e dell' architettura, ed è dunque la fase in cui divenne parimenti necessario uno sviluppo organico dello studio, anche in ragione, non va nascosto, del crescente valore economico delle opere di quei campi.

In più, mutate condizioni culturali favorirono lo sviluppo di una sorta di ceto artistico, forse non organizzato in corporazione, ma comunque di sempre più solida importanza sociale, caratterizzato da un verso dalla pluralità di modi espressivi di ciascun autore (spesso capace, cioè, di dipingere come di scolpire, o di usare altre forme artistiche) e da un altro verso da una sempre più intensa comunicazione fra gli autori che, nella sfida competitiva come nella prova istrionica, davano prova costante di conoscenza tecnica e logica delle opere dei colleghi (e quindi compivano un vero e proprio studio dell'arte altrui). Il più noto fra coloro che si posero con consapevolezza scientifica dinanzi alla produzione dei colleghi fu certamente Giorgio Vasari, che con la sua opera Vite degli Artisti, malgrado l'assenza del mero tentativo di evitare giudizi personalistici, introduce peraltro un canone (si potrebbe forse dire un canone artistico) nello studio storico che si riflette tuttora nello svolgimento dei temi di questa disciplina.

Se nel Seicento entrarono a far parte dello studio le "barocche forme del barocco" (intendendosi, con questa nota locuzione, l'innumerevole e ridondante quantità di differenziazioni produttive nei sempre più numerosi paesi in cui fu sviluppata), e mentre si consolidava l'importanza della produzione dei paesi dell'Europa settentrionale, con il riconoscimento dell'importanza dell'area fiamminga, il lussuoso Settecento aprì a nuove aree di studio, incrementate peraltro dallo sviluppo della musica e delle arti letterarie e teatrali.

Lo studio ottocentesco si giovò dei progressi tecnici (anche delle altre scienze, ad esempio dell' archeologia) per approfondire l' indagine e di un diffuso crescente sentore di "necessità d'arte" per imporre l'importanza delle proprie elaborazioni, nel secolo che avrebbe celebrato la consacrazione delle " Belle Arti".

Il Novecento, con gli straordinari sviluppi delle modalità di comunicazione, ma anche (e forse per effetto di quelli) con la sua crescente progressione di approfondimento culturale, di pari passo seguita dall'espansione fra le classi sociali della frequentazione dell'arte (e con la diffusione dell' arte popolare), creò le condizioni per una venuta a maturità della storia dell'arte, che oggi ricerca con indirizzo più strettamente scientifico di ristrutturare le proprie metodologie.

Le critiche alla critica

Sempre labile si è rivelata la linea di confine fra il relato storico ed il commento critico, e ben più che per la storia, si segnala per questa disciplina invece un costante conflitto fra l'esigenza di una narrazione oggettiva e neutrale, come nel metodo scientifico tradizionale, e la difficoltà di rendere l'elaborazione e l'analisi senza far trapelare un convincimento dello studioso (artistico, filosofico, religioso, etico) che inevitabilmente finisce col costituire interpretazione e dunque si pone a rischio di partigianeria, comunque motivata.

Nel tempo, quindi, la critica ha assunto un ruolo di cospicua infiltrazione (con la relativa influenza) nella narrazione storica, determinando, a detta di alcuni, i successi o l'oblio di talune opere e di taluni artisti; la circostanza ha una sua rilevanza non irrisoria dato il necessario riferimento materiale al finanziamento dell'arte, che abbisogna infatti quasi sempre (con poche eccezioni) di una disponibilità finanziaria di terzi (anche successivamente alla realizzazione dell'opera, in stretti termini di "vendibilità commerciale" della stessa) per potersi alimentare. La determinazione delle provvidenze per l'arte ( mecenatismo) è infatti spesso storicamente dipesa dalle analisi degli storici dell'arte, assunti (taluno dice, assoldati) dai munifici " sponsor" che desiderano finanziare l'arte (ed investire in arte), pur non disponendo di capacità critiche personali.

Nell'area compresa tra l'odierna Turchia e la foce dei due fiumi Tigri ed Eufrate, allora chiamata Mesopotamia, circa 5000 anni fa, i primi agricoltori impararono a governare le piene dei fiumi e a sfruttare la fertilità del suolo. Lo sviluppo economico che ne seguì permise la formazione delle più antiche città della storia. Il popolo dei Sumeri fu il primo a insediarsi in Mesopotamia attorno al 4500 a.C.; è a loro che dobbiamo progressi tecnologici quali l'uso della ruota e l'invenzione della scrittura. Successivamente altre popolazioni si stabilirono in quest'area: nel 2000 a.C. gli Assiri, un popolo guerriero e molto combattivo e nel 1800 a.C. i Babilonesi, così chiamati dal nome della mitica città di Babilonia. Le città, anche se costruite in epoche diverse, avevano caratteristiche comuni: erano circondate da mura o fossati e possedevano all'interno un grande tempio, detto ziqqurat, realizzato con mattoni di argilla essiccati al sole. Sulla sommità di questi imponenti edifici si riteneva abitassero le divinità, a cui i sacerdoti e fedeli si rivolgevano con preghiere e offerte.

Nell'antico Egitto l'arte era uno strumento al servizio della politica e della religione. Essa rifletteva l'immutabilità del potere del faraone, il suo essere divinità vivente che continua a esistere nell'immagine dipinta o scolpita anche dopo la morte. Nella statuaria gli dèi, il faraone, i dignitari di corte furono rappresentati sempre in pose stilizzate, con lineamenti idealizzati che non conoscono i segni della vecchiaia o della malattia. Nella postura in piedi, hanno le braccia lungo i fianchi e muovono un passo in avanti come se camminassero lentamente; se vengono ritratti seduti appoggiano le mani sulle ginocchia. Tutto era previsto dal rigido cerimoniale di corte e agli artisti non rimaneva che seguire delle precise regole di rappresentazione. L'unica eccezione riguardò il regno di Amenofi IV (poi conosciuto come Akhenaton): questo faraone promosse la massima rivoluzione religiosa della storia d'Egitto e durante il suo regno agli artisti venne concessa una maggiore libertà interpretativa, come testimonia il busto-ritratto della regina Nefertiti, sua moglie.

La loggia delle Cariatidi

Le prime póleis greche nacquero a partire dall'VIII secolo a.C. La rapida crescita della popolazione e la scarsità delle risorse spinsero i Greci a esportare questo modello di organizzazione anche nelle colonie, che fondarono un po' in tutto il Mediterraneo. Al centro della pólis, circondate da case e botteghe, si trovava l'agorà, la piazza del mercato e delle pubbliche assemblee; la parte più alta della città costituiva l'acropoli. La più celebre acropoli della Grecia è quella di Atene. L'acropoli era l'area sacra, dove sorgevano i templi in onore delle divinità e si celebravano le feste Panatenee, con solenni processioni religiose e manifestazioni sportive. Con il governo di Pericle, l'artefice della democrazia ateniese, e sotto la supervisione dello scultore Fidia, la rocca di Atene si trasformò in un frenetico cantiere dove affluivano gli ingegni e gli artisti migliori del tempo. Si costruirono il Partenone, tempio così chiamato da Athena Parthénos, la dea protettrice della città; i Propilei, cioè l'ingresso monumentale all'area sacra; il Tempio di Atena Nike, di piccole dimensioni ma di squisita eleganza; l' Eretteo, un tempio costituito da diversi ambienti tra cui la celebre Loggia delle Cariatidi, dove le colonne sono sostituite da eleganti figure femminili.

Per i Greci il tempio doveva esprimere un'idea di bellezza e armonia tra le parti, per questo alla sua costruzione partecipavano i più abili architetti del tempo. Presso il cantiere, le maestranze prima sbozzavano i blocchi facendo assumere loro la forma desiderata, poi servendosi di funi e carrucole, li collocavano nel punto stabilito dall'architetto. L'esterno del tempio veniva successivamente decorato da rilievi e da sculture, a volte dipinte con colori vivaci; i rilievi ornavano sia il frontone sia il fregio. Il tempio più ammirato dell' acropoli di Atene fu sicuramente il Partenone. Ciò che rendeva questo edificio il caposaldo dell'arte greca era soprattutto la ricchezza delle sue decorazioni, superiori a qualsiasi edificio mai costruito. L'artista chiamato a dirigere questo immenso cantiere fu lo scultore Fidia, uno dei più grandi artisti di tutti i tempi.

Ordini architettonici e regole di armonia

Il tempio rappresentava per i Greci la costruzione più perfetta e armoniosa. Per raggiungere questa perfezione gli architetti si servivano di regole geometriche e matematiche con cui legare ogni dettaglio dell'edificio. Questi diversi modi di concepire la costruzione di un tempio sono stati chiamati "ordini". Gli ordini utilizzati dai Greci sono tre:

L'ordine dorico

Si caratterizza per l'essenzialità e la solennità delle sue forme. La colonna dorica non ha una base, poggia direttamente sullo stilòbate (il pavimento del templio), è rastremata verso l'alto (si restringe verso l'alto) ed è solcata da 20 scanalature a spigolo vivo. A 3/4 della colonna è presente l'entasi, un lieve rigonfiamento che serviva per correggere l'effetto ottico che rendeva le colonne concave se viste da lontano. Il capitello ha una forma semplice (formata da echino e abaco) che serve a sostenere i blocchi di pietra rettangolare che formano l'architrave. La decorazione del fregio è costituita da lastre scolpite dette mètope alternate da pannelli solcati da tre scanalature detti triglìfi.

L'ordine ionico

Si caratterizza per una maggiore eleganza e leggerezza rispetto a quello dorico. La colonna non poggia direttamente sullo stilòbate, ma ha una propria base costituita da toro (sporgenza), scozia (rientranza), toro. Le scalanature sono 24 e a spigolo smussato. Il capitello è decorato da òvoli (così chiamati per la forma che ricorda delle mezze uova) e da due eleganti volute che si piegano lateralmente. Nella trabeazione, il fregio è continuo: sono assenti metope e triglifi.

L'ordine corinzio

L'ordine corinzio (l'ultimo dei tre ordini) fu impiegato soprattutto per l'interno dei templi. Il fusto della colonna corinzia è uguale a quello dell'ordine ionico con l'aggiunta del plinto sotto la base della colonna. Il capitello è formato da due corone di foglie di acanto ed è la parte che caratterizza maggiormente l'ordine corinzio.

Gli artisti della Grecia antica cercarono di produrre delle opere ideali, in grado di non sfigurare al cospetto delle divinità. Questo risultato fu raggiunto, specialmente nella scultura a tutto tondo, attraverso un lungo e ininterrotto processo di perfezionamento formale. Le prime testimonianze appartengono all'età arcaica, tra il VII e il VI secolo a.C.: si tratta di giovani nudi o di fanciulle vestite caratterizzati dalla fissità dell'espressione.

Durante questa stagione Greci e non Greci furono protagonisti di una storia e di una cultura universali capace di mettere in contatto tra loro mondi e tradizioni diverse. Con l'Ellenismo la Grecia non rappresentò più l'unico centro d'influenza del mondo antico: la Macedonia, le città di Pergamo in Asia Minore, di Antiochia in Medio Oriente e di Alessandria d'Egitto divennero centri politici, culturali e artistici altrettanto importanti. Questi cambiamenti portarono molte novità nelle arti. Nella costruzione degli edifici, gli architetti cercarono di esaltare la spettacolarità, la monumentalità e la scenografia. Le città ellenistiche, racchiuse da solide mura, divennero simili ad immensi teatri. Colossali sculture, poderosi colonnati e scalinate imponenti avevano lo scopo di intimorire i sudditi e di glorificare la potenza dei tiranni, che in epoca ellenistica avevano sostituito i regimi democratici. Gli artisti al loro servizio, abbandonati gli ideali astratti della bellezza, presero in considerazione aspetti prima trascurati. Le ricerche dei pittori e degli scultori mutarono e si diversificarono: essi rappresentarono con realismo espressioni di dolore, crudeltà e sofferenza fisica; si presero gioco dei difetti umani raffigurando persone afflitte dalla vecchiaia o dalla deformità; impararono a interpretare in modo più esplicito la seducente bellezza del corpo femminile.

La Porta dell'Arco presso Volterra

L'evoluzione dell'arte romana avvenne gradualmente, sotto l'influenza della pittura greca ed etrusca. In genere si trattava di una pittura veloce, stesa con rapidi tocchi di colore, e tuttavia capace di sorprendenti effetti tridimensionali. Andata perduta quasi del tutto la pittura su tavola, si è salvato un consistente numero di affreschi, notevole soprattutto a Pompei e a Ercolano, destinati a ornare grandi edifici pubblici e lussuosi ambienti domestici. Si è anche conservato un notevole numero di mosaici, spesso utilizzati in alternativa alla pittura per decorare pareti e pavimenti. I maestri mosaicisti, impiegando tessere molto piccole, riuscivano infatti a produrre effetti cromatici simili alla pittura. I temi variano da motivi geometrici a soggetti tratti dalla natura a riproduzioni di giochi, battaglie o scene di caccia.

Il Buon pastore, Catacombe di Priscilla, Roma

L'arte bizantina si è sviluppata nell'arco di un millennio, tra il IV ed il XV secolo, prima nell'ambito dell' Impero romano, poi di quello bizantino, che ne raccolse l'eredità. Le caratteristiche più evidenti dei canoni dell'arte bizantina sono la religiosità, l'anti- plasticità e l'anti- naturalismo, intese come appiattimento e stilizzazione delle figure, volte a rendere una maggiore monumentalità ed un'astrazione soprannaturale ( smaterializzazione dell'immagine). Infatti il gusto principale dell'arte bizantina è stato quello di descrivere le aspirazioni dell'uomo verso il divino. L'arte bizantina ha comunque avuto espressioni stilistiche molto diverse fra di loro nei suoi oltre mille anni di vita, ma nell'Impero d'Oriente l'arte rimase quasi invariata.

Con arte longobarda si intende l'intera produzione artistica cui si diede corso in Italia durante il periodo e nel territorio della dominazione longobarda ( 568- 774), con residuale permanenza nell'Italia meridionale fino al X- XI secolo, indipendentemente dall'origine etnica dei vari artefici, tra l'altro spesso impossibile da definire. Al loro ingresso in Italia, il popolo germanico orientale dei Longobardi portò con sé la propria tradizione artistica di matrice germanica, anche se già influenzata da elementi bizantini durante il lungo soggiorno del popolo in Pannonia ( VI secolo); tale matrice rimase a lungo visibile nell'arte longobarda soprattutto nei suoi aspetti formali e ornamentali (simbolismo, horror vacui, decori fitomorfi o zoomorfi). In seguito al radicarsi dello stanziamento in Italia, ebbe inizio un vasto processo di fusione tra l'elemento germanico e quello romanico (latino-bizantino), che diede vita a una società sempre più indistinta.

Il romanico è quella fase dell' arte medievale europea sviluppatasi a partire dalla fine del X secolo all'affermazione dell' arte gotica, cioè fin verso la metà del XII secolo in Francia e i primi decenni del successivo in altri paesi europei ( Italia, Inghilterra, Germania, Spagna). Il romanico rinnovò principalmente l'architettura e la scultura monumentale, quest'ultima applicata all'architettura stessa (come decorazione di portali, capitelli, lunette, chiostri...).

L'arte gotica nasce in un periodo compreso fra la metà del XII secolo e, in alcune aree europee, i primi decenni del XVI secolo. La novità più originale dell'architettura gotica è la scomparsa delle spesse masse murarie tipiche del romanico: il peso della struttura non veniva più assorbito dalle pareti, ma veniva distribuito su pilastri all'interno e nel perimetro, coadiuvati da strutture secondarie come archi rampanti e contrafforti. Lo svuotamento della parete dai carichi permise la realizzazione di pareti di luce, coperte da magnifiche vetrate, alle quali corrispondeva fuori un complesso reticolo di elementi portanti. Anche in scultura gli artisti di epoca gotica si mossero a partire dalle conquiste del secolo precedente, quali la ritrovata monumentalità, l'attenzione per la figura umana, il recupero della plasticità e del senso del volume. Le innovazioni furono radicali e si pervenne dopo molti secoli ad una rappresentazione della figura umana finalmente realistica e aggraziata. La pittura nel periodo gotico subì uno scarto temporale rispetto alle altre arti arrivando a un rinnovamento con un ritardo di tre-quattro decenni, grazie alla scuola italiana, grazie all'opera di Giotto.

I principali architetti sono Filippo Brunelleschi (1377-1446) che realizzò la cupola della chiesa di Santa Maria del Fiore e l'ospedale degli innocenti a Firenze; Michelangelo Buonarroti (1475-1564) che realizzò la Sagrestia Nuova nella chiesa di San Lorenzo e la biblioteca Laurenziana a Firenze, progettò la cupola di San Pietro in Vaticano e restaurò piazza del Campidoglio, i Palazzi dei Conservatori e i Musei Capitolini; Donato Bramante (1444-1514) che usò la prospettiva illusoriamente nei suoi edifici per creare un effetto di uno spazio che si estende oltre i confini della realtà, un esempio è la chiesa di Santa Maria presso San Satiro; realizzò inoltre il Tempietto di San Pietro in Montorio e contribuì alla costruzione della basilica di San Pietro; Leon Battista Alberti (1406-1472) che scrisse il Trattato sull'Architettura e realizzò i modelli di chiesa e palazzo cittadino utilizzati per tutto il Rinascimento: la chiesa di Sant'Andrea a Mantova e il palazzo Rucellai a Firenze.

In scultura la figura umana è studiata nelle sue caratteristiche anatomiche, nelle sue proporzioni, nelle sue diverse posizioni e espressioni; viene inoltre riutilizzata la tecnica a cera persa, inventata dai romani e caduta in disuso nel Medioevo, per la realizzazione di sculture in bronzo. I principali scultori sono: nel primo Rinascimento Donato di Niccolò di Betto Bardi detto Donatello (1386-1466) che realizza numerose statue in bronzo, come il monumento equestre di Erasmo da Narni setto "Gattamelata" a Padova, e molti bassorilievi con la tecnica dello stiacciato da lui inventata, e Michelangelo Buonarroti che realizza la conservata nella basilica di San Pietro in Vaticano, e il conservato a Firenze.

Il David non rappresenta solo l'eroe biblico che uccise Golia, ma rappresenta la forza della città di Firenze che riesce a distruggere qualsiasi nemico nel nome di Dio. I principali pittori sono Piero della Francesca (1420 circa-1492) che lavora ad Urbino per il Duca di Montefeltro; Andrea Mantegna (1431-1501) che dipinge molti palazzi dei marchesi Gonzaga, a Mantova; Francesco del Cossa (1436-1478) che realizza a Ferrara, per il Duca d'Este, il Salone dei Mesi nel palazzo Schifanoia; Paolo Uccello (1397-1475) che lavora a Firenze per i de' Medici, realizzando affreschi con temi del Gotico Internazionale (dame, cavalieri) utilizzando la tecnica della prospettiva; Sandro Botticelli (1445-1510) che realizza a Firenze dipinti con figure aggraziate ed eleganti come nella Nascita di Venere; Michelangelo Buonarroti (1475-1564) in cui, nei suoi dipinti, è evidente la mentalità di scultore: infatti le figure dominano il dipinto, hanno volumi solidi, compatti e imponenti e una muscolatura molto evidente come nel dipinto conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze o nell'affresco del Giudizio Universale realizzato da Michelangelo, per papa Giulio II, nella Cappella Sistina; Raffaello Sanzio (1483-1520) che fu allievo del Perugino, anche se superò in un modo sorprendente il suo maestro, come è evidente nello Sposalizio della Vergine.

Il Manierismo è un movimento artistico, nato nella seconda metà del Cinquecento, che si ispirava ai grandi artisti del Rinascimento, in particolare a Michelangelo Buonarroti. Il Termine "Manierismo", coniato da Giorgio Vasari nel suo libro: "Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori; da Cimabue insine à tempi nostri" , deriva dal sostantivo "maniera". Inizialmente il Manierismo venne giudicato poco originale ma successivamente gli storici lo considerarono l'ultimo sviluppo del Rinascimento. Gli artisti più importanti sono Parmigianino, Rosso Fiorentino, Pontormo e i veneti Paolo Veronese e Tintoretto, gli architetti Palladio e Sansovino.

Barocco indica lo stile dominante del XVII secolo. Il barocco diviene in brevissimo tempo, grazie alla sua esuberanza, alla sua teatralità, ai suoi grandiosi effetti e alla magniloquenza profusa su ogni superficie e con ogni materiale, lo stile tanto della Chiesa cattolica che delle monarchie europee, tese verso l' assolutismo. Caratteristiche fondamentali dell'architettura barocca sono le linee curve, dagli andamenti sinuosi, come ellissi, spirali o curve a costruzione policentrica, con motivi intrecciati tra di loro. Tutto doveva destare meraviglia e il forte senso della teatralità spinse l'artista all'esuberanza decorativa, unendo pittura, scultura e stucco nella composizione spaziale e sottolineando il tutto mediante suggestivi giochi di luce ed ombre. Furono privilegiati la monumentalità, gli effetti drammatici e i contrasti di luce. In particolare fu ricercato l'illusionismo, un effetto di inganno che traducesse in arte la perdita di certezze dominante nell'epoca. L'illusionismo, cioè la sovrapposizione tra realtà, rappresentazione e finzione, si manifestò in pittura con prospettive impossibili e giochi di specchi che rendevano un'immagine deformata della realtà

Il Rococò è uno stile ornamentale sviluppatosi in Francia nella prima metà del Settecento come evoluzione del tardo barocco, sotto il regno di Luigi XV. Si distingue per la grande eleganza e la sfarzosità delle forme, caratterizzate da ondulazioni ramificate in riccioli e lievi arabeschi floreali. Sono espresse soprattutto nelle decorazioni, nell' arredamento, nella moda e nella produzione di oggetti. Caratterizzato da delicatezza, grazia, eleganza, gioiosità e luminosità si poneva in netto contrasto con la pesantezza e i colori più forti adottati dal precedente periodo barocco. I motivi Rococò cercano di riprodurre il sentimento tipico della vita aristocratica libera da preoccupazioni o del romanzo leggero piuttosto che le battaglie eroiche o le figure religiose. Verso la fine del XVIII secolo il rococò verrà a sua volta rimpiazzato dallo stile neoclassico.

Neoclassicismo è il nome dato alla tendenza culturale sviluppatasi in Europa tra il XVIII ed il XIX secolo. Il neoclassicismo fu variamente caratterizzato, ma ben riconoscibile nelle varie arti, nella letteratura, in campo teatrale, musicale e nell' architettura. Nacque come reazione al tardo barocco e al Rococò; e si ispiró all' arte antica, in particolar modo verso quella greco- romana. Grande influenza nello sviluppo dello stile Neoclassico ebbero gli scavi di Ercolano e di Pompei, avviati dal 1738 (a Ercolano) e dal 1748 (a Pompei), da Carlo di Borbone, re di Napoli, che ispirarono, tra gli altri, Luigi Vanvitelli.

Il termine arte moderna denota lo stile e la concezione dell'arte propri di quell'epoca e, più in generale, alle espressioni artistiche che esprimono una forma di "rifiuto" per il passato e di apertura alla sperimentazione. Gli artisti moderni sperimentarono nuove forme visive e avanzarono concezioni originali della natura, dei materiali e della funzione dell'arte, alternando periodi più realisti (sia per le tecniche adottate che per i soggetti scelti) a periodi più "simbolisti" o "espressionisti" fino all'astrazione. La produzione artistica più recente è spesso definita come arte contemporanea, o arte postmoderna.

L'arte dopo l' era moderna si è trasformata seguendo i cambiamenti economici, globali, politici e socioculturali. La sempre maggior velocità e mole di scambi di idee, risorse economiche, informazioni e cultura intorno al globo avviene anche nel mondo dell'arte, rendendone difficile una caratterizzazione precisa. Molte delle barriere e distinzioni all'interno dell'arte sono cadute contribuendo ad una vivacità e multidisciplinarità tipica dell'arte contemporanea che ne ha fatto spesso ragione d'essere.

La storia dell'arte comprende tradizionalmente il campo delle arti visuali:

In un concetto più ampio può arrivare a comprendere tutte le " sette arti", comprendendo le arti performative, la letteratura e la musica.

Alcuni sviluppi autoriali

Alois Riegl, 1893, Stilfragen (tr. in it. Problemi di stile); Spätrömiche Kunstindustrie, 1901 (tr. in it. Arte industriale della tarda romanità Arnold Hauser evoluzione dell'arte (sociologo dell'arte) F. Wickhoff narrazione continua Heinrich Wölfflin leggi della visione figurazione Max Dvořák situazione spirituale rispecchiata Julius von Schlosser apporti strutturalisti Carlo Brandi semiologia e arte Benedetto Croce il soggetto del fare artistico è inseparabile dall'opera e irriducibile allo stile N. Ivanoff il carattere di una narrazione dello sbocciare successivo e imprevedibile di maniere e stili J. J. Winckelmann adotta il concetto classico di storia e cerca di ricostruire l'essenza dell'arte che a suo avviso non dipende dalla storia personale degli artisti L. Lanzi le singole maniere nel particolare stile di ciascun artista ma dichiara di non essere interessato a ridurre la storia dell'arte a tratti permanenti, come farebbe una scienza naturale, aprendo lo studio alle forme visive e alle scuole

▪︎ J. D. Fiorillo ▪︎ J. B. Seroux D'Agincourt ▪︎ L. Cicognara ▪︎ F. Kugler ▪︎ A. Springer ▪︎ P. Selvatico ▪︎ G. B. Cavalcaselle ▪︎ J. A. Crowe ▪︎ L. Moretti ▪︎ A. Venturi ▪︎ R. Longhi ▪︎ P. Toesca ▪︎ B. Berenson

Storia dell'arte senza nomi A. Hauser

Storia dello stile H. Wölfflin

Storicismo N. Pevsner

per lo sviluppo di una sintesi

Luigi Grassi, Mario Pepe - Dizionario di arte. Termini, movimenti e stili dall'antichità a oggi. Torino, UTET, 2003 ISBN 8877508450

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La storia dell'arte è la disciplina teorica e storica che studia la nascita e il progresso delle espressioni artistiche, attraverso un punto di vista metodologico filosofico ed estetico oltre che semiotico, cognitivo e letterario, con particolare riguardo ai fenomeni distintivi.

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Disegnare un vaso o un oggetto nello stile dell'arte cretese o micenea, utilizzando i simboli osservati in classe.