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Jasleen Kaur, born in Glasgow in 1986, lives and works in London.

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Josefa Ntjam à propos du récit et ceux qui racontent 

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Josefa Ntjam à propos du récit et ceux qui racontent 

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"Too often have we been the subjects of experimentation, and so we have decided to create our own landscapes, to unsettle visions that were used to naming 'otherness' without ever letting it express itself."
"We have decided the naming through abstraction. A fraying of cantankerous words, too often digested in times past. Polyphemus was not mistaken: we are persona."

I chose to quote Josèfa Ntjam's text written for her exhibition Sous la mangrove (Under the mangrove) at La Mostra de Givors for the 15 th Lyon Biennale (2019) because it seems significant to me in relation to the prize's purpose: to nominate, to name, to speak for. Amidst a porous lexicon of words repeated and interwoven - infiltration, plants, revolts, aquarium, misappropriation - a plural voice emerges, speaking in the name of a fictional identity. This us need not define or justify itself; us says whatever they desire. This blurred enunciation neutralises the presupposed unity of the artist's subjectivity, as well as its dominant position as an entity that produces meaning within the event of the exhibition. Each paragraph rewrites the narrative: the point is not to establish legitimacy by drawing on knowledge, but rather to imagine new possibilities. One begins to glimpse the outline of a fiction created by an alternative subjectivity, a plural subject untethered by the definitions of gender or species, by part of its matter (by becoming a "drop"), and which therefore gives rise to different perceptions, institutions, and behaviours.

It is precisely this way of imagining a different experience of art - an art that has become aware of and brings awareness to narratives of domination - which led me to want to re-present Josèfa Ntjam's work. I see her practice as a multidisciplinary form of speculative writing, in that she often uses science fiction as a tool to explore epistemological categories of race, gender and species, as well as notions of space and territory. And so the world of Hilolombi in the performance piece Hilolombi #2 (2018-2019), seen through the intertwined visions of both a female hydraulics researcher and a griot, describes an unknown planet discovered by the United States of Africa, which would provide humans with a new form of aqueous being and, through this possibility, with a new narration of bygone times.

The compounding of several cultural products, both in her texts and in her montages of images printed on fabric or edited as videos, brings to mind an "expansive poetry", like that of Édouard Glissant, moored in the ocean of the "internets". By unfurling a narration within established knowledge, the artist's work shows that it is both rooted in the fragmented culture born from digital technologies and fed by the moving discourse of Glissant's "Tout-monde", like a bridge between poetics and ethics. Her fictional and poetic approach institutes a plural language that integrates the present event in the form of a space for emancipation and critical thinking.

Barbara Sirieix

Josèfa Ntjam (b. 1992, Metz, France) has developed a cross-disciplinary approach that combines video, writing, installation, and photomontage. Her work is a reflexion built around the notion of space, and for the past few years she has focused on a fictional exploration of alternative worlds and possible futures. Her pieces consist in performative readings, which she uses to bring writing to life. Her work has been shown, among other occasions, at Hordaland Kunstsenter (Bergen, Norway); 2019 Lyon Biennale; La Mostra, Givors (France); Arnolfini - Bristol's International Centre for Contemporary Arts (UK); GENERATORprojects (Dundee, UK); Bootleg by DOC! (New York, USA); Paris-Beijing Gallery (Paris, France); Zentrale Pratteln (Basel, Switzerland); Palais de Tokyo; and Bétonsalon (Paris, France).

Commissioner: Barbara Sirieix is an independent curator and writer based in Paris. She works with feminist narratives to reflect on emancipation within (and without) various institutional contexts. In 2015, she was in residency at La Galerie (Noisy-le-Sec, FR) which published with Dent-De-Leone her first book, 24 ter rue de la pierre feuillère. She is co-editor and co-curator with Joachim Hamou and Maija Rudovska of the exhibition A Barbarian in Paris at Fondation Ricard (Paris, FR) and the book Active Art published with Paraguay Press in 2019. Recent projects include take (a)back the economy at CAC Chanot (Clamart, FR) and the first solo show in France of Estonian artist Anu Põder at La Galerie.

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Josèfa Ntjam - AWARE Women artists / Femmes artistes

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"Too often have we been the subjects of experimentation, and so we have decided to create our own landscapes, to unsettle visions that were used to naming 'otherness' without ever letting it express itself." "We have decided the naming through abstraction. A fraying of cantankerous words, too often digested in times past.

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Orian Barki and Meriem Bennani’s series from self-isolation

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Leili Anvar : “La poésie amoureuse et son rêve d’harmonie sont aujourd’hui réprimés” : épisode 1/4 du podcast Les traducteurs

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AUDIO • Les traducteurs, épisode 1/4 : Leili Anvar : “La poésie amoureuse et son rêve d’harmonie sont aujourd’hui réprimés”. Une série inédite proposée par France Inter. Écoutez Grand Canal, et découvrez nos podcasts en ligne.

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expo salon des songes Ines di Folco Jemni 

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expo salon des songes Ines di Folco Jemni 

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INÈS DI FOLCO JEMNI : LE SALON DES SONGES - Magasins Généraux

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Les Magasins généraux sont un centre de création créé par BETC. Ancien site industriel situé au bord du canal de l’Ourcq à Pantin, les Magasins généraux participent aujourd’hui à l’énergie et à l’émergence du Grand Paris en catalysant les rencontres entre les créateurs et le public.`

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Pour cet épisode d'ART MAIS, direction Marseille, au cœur de l’atelier de l’artiste contemporaine Sara Sadik. Une immersion onirique dans son œuvre sensiblement mêlée à son parcours personnel.

Diplômée de l’Académie des Beaux-arts de Bordeaux en 2018, Sara Sadik met en scène, par le biais de l’art vidéo et de la performance, la culture « beurcore »* de la jeune diaspora maghrébine issue des quartiers populaires. *(néologisme de l’artiste).

L’œuvre filmée Carnalito Full Option, est une vidéo de l’artiste commissionné par Manifesta 13 Marseille 2020, la biennale européenne de création contemporaine, avec le soutien de LAB 360 et Drosos Foundation, et en collaboration avec les mineurs du Centre Educatif Fermé Les Cèdres.

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Corruption : comment BlackRock a infiltré l’état français -vidéo Le Média

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Entretien avec Aurore Gorius, journaliste pour le site d’info LesJours.fr sur la nébuleuse de conseillers issus des grandes écoles et des grands corps de l’État. Un État qu’ils semblent avoir infiltr…

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Les mots pour parler de Baya sont souvent piégés, car ils ressassent l'idée du miracle initial ou qualifient son art d'art naïf. L'un obère toute réelle historicité au regard de sa trajectoire et l'autre empêche de voir la singularité de son art, son raffinement, ses évolutions, sa dimension spirituelle. Anissa Bouayed

Orpheline de père à 6 ans, de mère à 9 ans, Fatma Haddad (1931-1998) - elle se choisira très tôt elle-même le nom d'artiste de Baya -, est remarquée à l'âge de onze ans par Marguerite Caminat, une femme venue en Algérie en 1940 pour fuir la France occupée. Celle-ci prend l'enfant sous son aile, embauche une institutrice qui lui apprend à lire et à écrire - tout en l'encourageant à conserver et à développer son patrimoine culturel algérien auprès de familles musulmanes de ses amis -, et c'est chez elle, avec ses pinceaux et couleurs, que Baya se met à peindre. Le galeriste Aimé Maeght, qui avait découvert son talent au cours d'un voyage à Alger, lui organise une première grande exposition à Paris dès 1947 : Baya éblouit les amateurs d'art et entre de plain-pied sur la scène artistique, légitimée par de grands personnages tutélaires dont André Breton - non sans ambivalence, entre curiosité pour une artiste en devenir et paternalisme, en une approche de l'altérité empreinte d'orientalisme. Dès l'été 1948, Baya revient en France pour réaliser des sculptures ; sa créativité dans le travail de l'argile est remarquée par Picasso, dans l'atelier de céramique Madoura de Vallauris.

Grâce à sa mère adoptive et à d'autres soutiens influents dont le poète Jean Sénac, Baya demeure sur la scène artistique jusqu'à la période de la guerre d'Indépendance (1954-1962). Mariée en 1953 au musicien El Hadj Mahfoud Mahieddine, elle s'arrête de peindre pour se consacrer à sa vie familiale (elle aura six enfants). En 1962, et c'est sans doute le plus remarquable après ce " retour à l'ordre ", elle trouvera la force de reprendre son travail artistique, avec l'aide primordiale du peintre Jean de Maisonseul, nouveau directeur du musée national des Beaux-Arts d'Alger, qui expose ses œuvres dès 1963 et en acquiert certaines qui font encore la fierté de ce musée.

Malgré sa personnalité discrète, contrastant avec une scène artistique tumultueuse qui opposait à Alger différents courants et leurs représentants, Baya fraya son propre chemin, en participant à des expositions collectives et en bénéficiant de nombreuses expositions personnelles, principalement dans la capitale, où elle montra ses œuvres presque tous les ans. Elle fut en 1967 de l'aventure du groupe Aouchem (Tatouages), fondé par Choukri Mesli et Denis Martinez, qui entendait connecter l'art contemporain aux sources de l'art africain et au répertoire formel transmis par les arts populaires du Maghreb. Consacrée comme l'une des pionnières de l'art algérien, elle obtint en 1969 le Grand Prix de peinture de la ville d'Alger. Baya continua de travailler en faisant évoluer sa peinture, et sa production prolifique fut appréciée à l'international.

© Othmane Mahieddine, pour les œuvres de Baya

© Anissa Bouayed pour le texte Baya, vie et œuvre

Catalogue de l'exposition : © Editions IMA, éditions CLEA, éditions Barzakh, Images Plurielles, Paris/Marseille/Alger, 2022
Note des éditeurs : Les opinions exprimées dans cet ouvrage n'engagent que leurs auteurs.

Baya. Femmes en leur Jardin

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Les mots pour parler de Baya sont souvent piégés, car ils ressassent l'idée du miracle initial ou qualifient son art d'art naïf. L'un obère toute réelle historicité au regard de sa trajectoire et l'autre empêche de voir la singularité de son art, son raffinement, ses évolutions, sa dimension spirituelle.

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Faïza Guène - Le Croissant de feu - Épisode 1

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Faïza Guène - Le Croissant de feu - Épisode 1

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Adrien VESCOVI - Documents d'artistes PACA

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documentation et diffusion de l activite des artistes visuels de Provence-Alpes-Cotes d Azur. Artistes dans le champ de l art contemporain, vivant principalement a Marseille Nice. Dossiers d artistes traduits en anglais et actualises reproductions d'oeuvres, CV, bibliographie et textes de critiques d art.

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Dans ce premier entretien '"A voix nue", Claude Viallat revient sur son parcours de jeunesse dont il dit : " J'ai passé un bac désastreux parce que j'ai quitté la salle en cours d'épreuve et à la suite de cela, j'ai fait une dépression nerveuse." Il a alors fallu trouver une école qui ne demandait pas le baccalauréat et ce fut l'Ecole des Beaux-Arts de Montpellier. Il raconte avec un certain amusement comment il a passé au pied levé le concours de dessin et s'est retrouvé parmi les cinq sélectionnés pour pratiquer pendant une année entière l'art du dessin : "Pendant un an j'ai fait du dessin, j'ai dessiné de la main droite, de la main gauche... et mon année s'est passée dans un grand bonheur". Il a pu ensuite intégrer l'atelier peinture qu'il souhaitait.

Après son service militaire en Algérie, Claude Viallat entre à l'École des Beaux-Arts de Paris. Il montre son travail au galeriste Jean Fournier qui se dit très intéressé par ses toiles apportées modestement pliées dans une valise. Claude Viallat se fait alors très vite connaître dans le milieu. En parallèle à son activité artistique, il occupe avec bonheur différents postes d'enseignant mais " la peinture c'est ma grande histoire", reconnaît-il. Ce qu'il transmet à ses élèves, c'est " tout le métier qu'on a pu apprendre", et aussi, " leur dire que la peinture c'est essentiellement la modification". Claude Viallat confie que dans son processus de création, " je fais mon marché chez les autres, beaucoup".

Pendant toutes les années où j'ai enseigné, j'ai pensé et je pense encore que les Beaux-Arts préparent les anticorps de la société. C'était mon idée et c'était l'idée de la plupart des enseignants des Beaux-Arts. Maintenant c'est devenu un peu plus fonctionnarisé. Les étudiants rentrent plus pour avoir une carrière. Je trouve que c'est regrettable parce que c'est très difficile de faire de la peinture mais c'est tellement merveilleux !

Par Arnaud Laporte. Réalisation : Daniel Finot. Prise de son : Mathieu Touren. Attachée de production : Claire Poinsignon.

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"J'ai pu guider ma vie en donnant toujours la primeur à la peinture" : épisode 1/5 du podcast Claude Viallat, peintre de la répétition

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AUDIO * 1/5 : "J'ai pu guider ma vie en donnant toujours la primeur à la peinture". Claude Viallat, peintre de la répétition est une série inédite proposée par France Culture. Écoutez gratuitement en ligne ce podcast et parcourez tout notre catalogue.

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les femmes gonflables de Alya Hatta (eryne - ?)

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les femmes gonflables de Alya Hatta (eryne - ?)

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Pour l'année scolaire 2024-2025, une à deux résidences sont proposées aux étudiant·es de l'École des Arts Décoratifs (toute spécialisation confondue) ayant obtenu leur diplôme en 2024.

Whole Web Catalog est un projet pédagogique collectif et annuel, mené par les enseignant.es Elsa Aupetit et Benoît Montigné, avec les étudiant*es de 3e année du secteur Design Graphique de l'École des arts Décoratifs. Il s'attache à cataloguer la diversité des approches et des pratiques interactives et numériques contemporaines à partir de la rencontre entre étudiant·es et professionnel·les.

15 alumnis, 15 editeurs et 15 expositions à retrouver sur le parcours des DDays.
1 soirée d'ouverture sur le thème du "JEU est un autre" à l'Ecole des Arts Décoratifs.

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Pour l'année scolaire 2024-2025, une à deux résidences sont proposées aux étudiant·es de l'École des Arts Décoratifs (toute spécialisation confondue) ayant obtenu leur diplôme en 2024. Whole Web Catalog est un projet pédagogique collectif et annuel, mené par les enseignant.es Elsa Aupetit et Benoît Montigné, avec les étudiant*es de 3e année du secteur Design Graphique de l'École des arts Décoratifs.

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Le choix de la création engage dorénavant toute votre vie d’étudiant, d’artiste peut-être un jour, de créateur en tout cas. Votre vie entière sera marquée par les grands artistes que vous côtoyez désormais dans les ateliers, par les techniques que vous allez pratiquer, par la découverte des connaiss…

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#36 Bertrand Mandico, paon-cinéaste, à propos d'"After Blue (Paradis Sale)"

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#36 Bertrand Mandico, paon-cinéaste, à propos d'"After Blue (Paradis Sale)"

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Listen to this episode from NÉGATIF on Spotify. 💥 Entretien avec Bertrand Mandico, paon-cinéaste, à propos d'"After Blue (Paradis Sale)" ➡ https://negatif.co/entretien/bertrand-mandico 🧪 Bertrand Mandico nous ouvre les portes de son laboratoire cinématographique.

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Tapis persan ancien (motifs) 2/2
Musée du Louvre-arts de l'islam

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Tapis persan ancien (motifs) 1/2
Musée du Louvre-arts de l'islam

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A travers le parcours foisonnant d’Alain Fleischer

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installation multimédia autour du troisième mur le plus long du monde (900 km entre Turquie et Syrie, pour "se protéger des passages illégaux")
Sahin parle de l'imposition des réalités idéologiques sur les paysages , et l'effacement délibéré qu'elles perpétuent.

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Mohammed Al Faraj (Saudi Arabia) is a freelance artist and filmmaker from Saudi Arabia, born in

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installation vidéo considère l'eau comme un site de mémoire et d'avenir
heritage de traumatismes (migrations forcées, ségrégations, idées reçues sur la race ou effets du capitalisme mondial qui façonnent des peurs)
l'artiste a invité des couples de personnes à s'entraider pour se sentir en sécurité dans l'eau
recueil des moments de peur, de tension de vulnérabilité et de fragilité face à l'apprentissage de la natation
4 grands écrans autour de nous, oeuvre immersive

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vidéo autour de l'avenir de l'évolution humaine à l'heure des avancées technologiques. L'artiste s'interroge sur un possible conditionnement du corps et de l'esprit à partir d'un nouvel ensemble d'existences possibles. Elle se demande si l'isolement ou l'expérience extreme pourraient être utilisés pour renforcer la résilience humaine
Elle se déplace dans une série de chambres qui mettent à épreuve ses sens
côté très mélancolique qui invite à réfléchir sur l'avenir et à la problématique de trouver de nouvelles solutions

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Sara Sadik, Ils finiront dans des ravins

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Sara Sadik, Ils finiront dans des ravins

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Installation vidéo multi-channel : mise en scène de cinq hommes qui doivent remplir des missions  et organiser une société idéale mettant en place un système de protection pour leur territoire
réflexion sur la violence structurelle, et sur l'amour de soi et des siens comme une sorte de résistance face à l'oppression =

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Gabriel Abrantes, Les Extraordinaires Mésaventures de la Jeune Fille de Pierre

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Gabriel Abrantes, Les Extraordinaires Mésaventures de la Jeune Fille de Pierre

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Lassée de n’être qu’un simple ornement architectural, une sculpture s’enfuit du Louvre pour affronter la vie dans les rues de Paris.
Un objet qui se casse dans le monde extérieur permet de comprendre à quel point la société est empreinte de violences auxquelles on ne fait plus attention

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Installation vidéo, Sofia est un robot ayant obtenu la citoyenneté saoudienne en 2017, l'artiste fait un parallèle avec la situation des personnes apatrides
Superposition d'images sui traitent de la citoyenneté de Sofia et d'apatrides
Saturation d'images différentes, pour interroger la faculté d'absorption d'images

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ESADMM Marseille (proposition -CG) niv. 2

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ESADMM Marseille (proposition -CG) niv. 2

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Sara Sadik, interview par Manifesto XXL 

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Sara Sadik, interview par Manifesto XXL 

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à propos du terme "beurcore" : "Pendant mes études et mes recherches, j’ai galéré à m’identifier à des artistes, des courants artistiques, à trouver des textes, des écrits sur les questions qui m’intéressaient. Il y avait toujours un truc qui collait pas, notamment au niveau générationnel. En ayant inventé ce terme et en l’utilisant pour définir mon travail et mes recherches, j’espère qu’il permettra à des étudiants en art, en mode, en archi, en design, en écriture, peu importe le domaine, qui se sentent proches de cette notion, de ce « mouvement », de se l’approprier pour référencer plus facilement leur travail."

"Plus que d’imaginer un futur, j’essaie plutôt de mettre en place une forme de documentaire, proche du docufiction, qui mélange réalité et fiction, nostalgie et futurisme, sujets sérieux et humour, termes pseudo-scientifiques et néoparler populaire… J’ai une base de faits réels et j’utilise une narration « futuriste » qui me permet de changer de cadre spatio-temporel et de faire exister des phénomènes sociaux actuels autrement. J’utilise plusieurs concepts venant de la science-fiction comme l’anticipation, les mondes parallèles, le clonage, etc… Mais mon travail est très ancré dans la réalité et mes projets sont une extrapolation de phénomènes qui existent bel et bien dans le présent."

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Après avoir chamboulé les publics les plus sensibles au Palais de Tokyo lors du festival Do Disturb en avril, avec son immense projection du signe " Jul " sur un mur, Sara Sadik continue son infiltration en toute décontraction dans le milieu de l'art contemporain. L'artiste bordelaise d'origines marocaine et algérienne installée à Marseille, porte-voix du mouvement désormais nommé " beurcore ", a happé les internets avec sa nonchalance, basculant aisément du jeu vidéo à des mangas aux influences " rebeues ", le tout traversé par une esthétique post-internet bien loin de la posture " sadness-no-future-c'est-la-fin-du-monde " qui afflige Paris depuis des années.

Son nom monte, non pas parce que ce qu'elle fait est " stylé ", mais parce que son intention est forte, revendiquée, assumée, là où beaucoup d'artistes de sa génération peinent à renouer avec une quelconque forme d'engagement intellectuel. Valoriser l'héritage de la diaspora maghrébine, jouer avec la notion-même d'identité nationale, porter la voix de ces " banlieusards " que les petits bourgeois ennuyés et les rappeurs babtous fantasment de manière presque obsessionnelle, ou pire (et merci !) " en viennent presque à se rêver une vie de misère entourés de cafards quand ils écoutent PNL ".

Sara Sadik incarne résolument l'art émergent qu'on a envie de voir en France en 2019. Avec une acuité rare, elle décortique et passe au vitriol les névroses et les rêves de son temps.
Manifesto XXI - Hello Sara. Peux-tu nous raconter ton parcours ? Qu'est-ce qui t'a conduite à l'art ?
Sara Sadik : " Jamais de ma vie j'aurais cru me retrouver aux Beaux-Arts. À mes yeux c'était pour l'élite et personne d'autre. Dans le rap français " Beaux-Arts " est souvent associé à " Mozart ", deux bails qui sont très éloignés de notre monde. Mon mektoub (destin en arabe, ndlr) aurait été d'être mère-ado et caissière chez Lidl, mais j'ai décidé de tout faire pour éviter ça. Choisir un cursus artistique c'est la technique que j'ai trouvée pour être acceptée dans un des meilleurs lycées de la ville et quitter la ZEP. Au final, ce qui était un choix stratégique s'est transformé en un vrai projet professionnel, plus ambitieux que ceux des Anges de la Téléréalité. "

C'est l'introduction de mon auto-fiction De la barrette de shit au Zénith.

Jamais de ma vie j'aurais cru me retrouver aux Beaux-Arts. À mes yeux c'était pour l'élite et personne d'autre.

Lazuli © Sara Sadik

C'est romancé mais j'ai vraiment choisi la filière artistique après le collège par hasard et sans grande ambition derrière, juste pour aller dans un lycée réputé dans une optique d'ascension sociale. J'ai fait un bac STI Arts Appliqués et finalement les cinq années des Beaux-Arts. Mais je m'y suis mise sérieusement en deuxième année. J'ai commencé à écrire des scripts de vidéos inspirés de mon adolescence, de mes amies d'enfance et des personnes qui m'entouraient quand j'étais jeune, et je les jouais en me mettant en scène.

HALALOSLM © Sara Sadik

Qu'est-ce que le " beurcore " ?
C'est un terme que j'ai imaginé pour pouvoir décrire mon travail sans parler mille ans et pour éviter qu'on le définisse à ma place avec des mots qui ne me conviennent pas. Je voulais un mot qui sonne " puissant " et simple à retenir. Le suffixe core, qui est surtout utilisé dans la musique, permet les deux à la fois. Le beurcore, c'est la culture de la jeune diaspora maghrébine en France dans sa forme la plus emblématique. Mais je l'imagine aussi comme un mouvement qui existe déjà mais qui n'a pas encore été défini, autrement qu'avec le terme fourre-tout de " culture urbaine ". C'est à la fois ce qui est créé, mais aussi consommé par cette communauté.

La notion de communauté est importante car ce qui est beurcore est plus de l'ordre du collectif que de l'individuel.

Olympia © Sara Sadik

Ce sont des phénomènes : des modes vestimentaires, des styles de musique, des langages, des symboles qui relient plusieurs personnes en même temps. Par exemple, j'ai beaucoup travaillé sur le maillot de football thaïlandais, qui est un symbole beurcore pour moi. Il évoque un rêve d'évasion, l'exode massif des jeunes " de banlieue " pour la Thaïlande, l'irruption des maillots fluo 90-minutes floqués du logo de l'équipe nationale qu'on voyait dans toute la France jusqu'à finir dans les salles de cinéma avec le film Pattaya de Franck Gastambide.

Pendant mes études et mes recherches, j'ai galéré à m'identifier à des artistes, des courants artistiques, à trouver des textes, des écrits sur les questions qui m'intéressaient. Il y avait toujours un truc qui collait pas, notamment au niveau générationnel. En ayant inventé ce terme et en l'utilisant pour définir mon travail et mes recherches, j'espère qu'il permettra à des étudiants en art, en mode, en archi, en design, en écriture, peu importe le domaine, qui se sentent proches de cette notion, de ce " mouvement ", de se l'approprier pour référencer plus facilement leur travail.

Le beurcore, c'est la culture de la jeune diaspora maghrébine en France, dans sa forme la plus emblématique.

Mektoub © Jules Baudrillart

La culture de la diaspora maghrébine attire de plus en plus la mode, l'art, la musique... Crains-tu l'appropriation culturelle ? Saurais-tu dire où se situe la frontière entre appropriation commerciale et simple métissage, syncrétisme ?
Le plus important pour moi c'est la légitimité : j'ai besoin de savoir qui/pourquoi/comment. Si tu n'as rien à voir avec cette culture et qu'en plus tu n'as pas travaillé avec une personne concernée, remballe, vire à droite et laisse ta place. Et la question de la place est primordiale. Il faut capter que dans la mode et l'art, par exemple, la visibilité n'est pas partagée de manière équitable. Ce qui veut dire que si les personnes placées en meilleure position continuent (parce que ça existe déjà) d'utiliser des codes et des symboles d'une culture et de " raconter " des histoires qui ne les concernent ni de près ni de loin, les personnes concernées, elles, resteront dans l'ombre car on aura déjà vu/entendu/lu ce qu'elles veulent nous dire. Sans oublier qu'on préfère écouter une histoire racontée par un blanc et " white-audience acceptable " de toute façon. Laissons, enfin, chacun raconter mais surtout écrire sa propre histoire. Moi-même je fais attention aux symboles que j'utilise, et quand je vois une babtou utiliser des objets à forte symbolique juste parce que c'est " esthétique " et qu'elle ne raconte rien derrière... Ttfou 3lik ! (je te crache dessus en arabe, ndlr)

Si tu n'as rien à voir avec cette culture et qu'en plus tu n'as pas travaillé avec une personne concernée, remballe, vire à droite et laisse ta place.

Sara Sadik © Sangoku

Des Nike Requin, du rap de babtou, un jargon bobo qui est de plus en plus inspiré de celui des banlieues, du Sud en général, des petits bourgeois qui " parlent comme des wesh " : de plus en plus de personnes clairement favorisées, blanches, à Paris mais je suppose ailleurs aussi, sans s'en rendre compte, se mettent à imiter et à vouloir épouser une certaine culture du " tierquar " et de l'arabe-français finalement... Est-ce une chance de dialogue renoué entre plusieurs identités nationales hybrides, ou alors une simple mode qui continue au fond de ghettoïser sans comprendre ?

Je suis pas d'accord avec le " sans s'en rendre compte ". Qu'on le sache de base ou qu'on le capte sur le moment ou après, on sait ce que l'on dit, fait ou porte, et d'où ça vient. Quand on parle de la " mode banlieue ", inévitablement on parle de classe et de race, et donc du fantasme d'un blanc de classe sup, moyenne-sup ou bourge, d'être grosso modo un " pauvre " de couleur. Parce qu'il trouve ça stylé, cool et " excitant " par opposition à ce que représente sa blanchité. Ils en viennent presque à se rêver une vie de misère entouré de cafards quand ils écoutent PNL. Ils sont matrixés.

" Tu veux ma vie, tu l'auras, mes soucis ; tiens, prends-la, j'te la donne. " Il faut bien réaliser le privilège que c'est pour un petit bourgeois blanc d'aller prendre seulement ce qui l'intéresse dans les codes culturels d'un groupe social inférieur, sans tout ce que ça représente derrière. Aussi, qui dit dialogue dit échange, donnant-donnant. Le truc, c'est qu'entre des mélanges qui naissent suite à des années de vie en communauté en mixité " ethnique " (je parle par exemple des " novlangues de quartier " : mélanges de français, maghrébin, gitan, wolof, créole, etc.), et l'utilisation, par un blanc bourge en l'occurrence, de codes appartenant à un rebeu de classe populaire parce qu'il kiffe ou pour être cool, y'a une grosse différence.

Parce que soyons sincères : un babtou qui te sort des " wesh ", " hess ", " khey ", ça choque personne (à part ses parents mdr). Alors que dès que je commence à utiliser deux trois mots pseudo-intellectuels, on me sort " Tu parles bien pour une arabe de cité. " Là où ça me pose problème, c'est que :

1) On se croirait au marché. Ça prend du rap mais plus du Roméo Elvis svp. Les TN, OK, mais avec mon ensemble Supreme payé par maman et puis un kebab avec sauce mayonnaise et sans oignons " chef ". Mdr.

2) La majorité des termes arabes qui sont réutilisés sont des expressions religieuses. Quand j'entends un petit blanc athée invoquer Allah, les nerfs sont tendus.

3) Une babtou du XVIe qui va rentrer de vacances avec du henna, ça va être " trop joli " (voir ce tumblr) parce qu'elle n'aura " d'arabité " (ce n'est pas 100% arabe, d'où les guillemets) que cet élément. Alors qu'une meuf d'origine maghrébine avec le même henna, ça va être " deg " parce qu'elle présente trop d'éléments arabes - le henna mais aussi sa couleur de peau, la nature de ses cheveux, etc. - donc pas " classe ", " propre ", " joli ".

Maintenant c'est normal que le vocabulaire, les codes, les modes transitent entre différents groupes sociaux. C'est inévitable. Mais si c'est unilatéral, c'est du vol. Donc les babtous du XVIe qui pètent le dernier ensemble Yeezy en chantant " La misère est si belle, khey " : TOZ.

DO DISTURB 2019 - Palais de Tokyo

Comment fais-tu intervenir ton héritage dans ta création ?
Dans le livre The Good Immigrant (paru en 2016 sous la direction de Nikesh Shukla, ndlr), il y a un chapitre " On Going Home " écrit par Kieran Yates. Quand je suis tombée dessus, j'avais l'impression de me lire. J'ai capté à quel point on retrouvait des " schémas diasporiques " et des identités-types de seconde génération de l'immigration. Elle parle justement de son identité pendjabie et de comment sa culture s'est modifiée en Angleterre, avec par exemple le maillot de l'équipe de foot d'Hoshiarpur qui devient une pièce de mode streetwear à Londres, ou le fait de porter un sari en rave. Elle explique aussi qu'être une British Asian en 2016, c'est être en mode " mdr " quand t'essaies de retrouver des parties de ton identité (identité dont t'es censé-e avoir honte), et je pense que c'est ce qui donne des mixes improbables.

Ma " beurness " est à l'image de ce schéma diasporique. Une culture marocaine et algérienne qui a subi de nombreuses pertes et altérations. Des lissages, des modifications pour s'intégrer ou pour pas faire trop " blédard-e ". Mais aussi des alliances au contact de la culture populaire et de masse française. Et ça donne une identité hybride qui fait que tu " francises " des prononciations, tu portes une djellaba avec des Air Max et tu danses chaâbi sur du Jul. Je retranspose ma " beurness " exactement de cette manière dans mon processus de création. À ces hybridations viennent s'ajouter des nouveaux codes que j'ai acquis grâce à l'accès que j'ai pu avoir à des bails plus élitistes. Et ça donne des trucs absurdes, genre un ballet de meufs en caftan sur hoverboard.

Ma " beurness " est à l'image de ce schéma diasporique. Une culture marocaine et algérienne qui a subi de nombreuses pertes et altérations. Des lissages, des modifications pour s'intégrer ou pour pas faire trop " blédard-e ".

ShourBeauty © Sara Sadik

Dans tes travaux, tu adoptes différents alter ego. Peux-tu nous les présenter ? Pourquoi ce jeu autour de l'identité ?
Lazuli, c'est la citoyenne-type de la société QLF. Lyca, Mobalpa, Streps, Rakuten et Pamp sont des Hookheys, des descendants des mecs qui fument la chicha H24. Tchikita, c'est la leadeuse de l'armée " Les Enfants de Saint-Jean ". Après il y en a qui ne sont pas nommées : la maire d'HFC City qui veut révolutionner les dispositifs de loisirs urbains en cité ; la chercheuse du laboratoire HessLab, qui a crée le Pop Gazouz, un soda à effet auto-tune... À chaque projet, je crée une nouvelle identité, un nouveau personnage.

Ça fait partie intégrante du mon processus d'écriture, et je veux que chaque personnage incarne le projet qui lui appartient. Je pense aussi qu'inconsciemment c'est symptomatique des identités multiples que tu te crées pour t'adapter à un contexte. Tu n'es jamais la même personne quand t'es avec toi-même, avec ta famille, avec tes collègues ou tes amis. Quand j'étais dans mon lycée de babtous blindés, la différence entre mes différentes identités était vraiment ouf. Il y a un épisode du podcast L'Atay qui parle assez bien de ça, qui s'appelle " Une double vie ". Je dis pas que j'essaie de représenter ça, mais je pense que c'est lié et que c'est peut-être ce qui m'a amenée à vouloir incarner différents personnages au début.

Quand on parle de la " mode banlieue ", inévitablement on parle de classe et de race, et donc du fantasme d'un blanc de classe sup, moyenne-sup ou bourge, d'être grosso modo un " pauvre " de couleur. Parce qu'il trouve ça stylé, cool et " excitant " par opposition à ce que représente sa blanchité.

Voir Aussi

Quelle est ton idée du futur ? Ton art est traversé par une certaine vision futuriste, en tout cas tu mets en scène un temps suspendu qui ne semble pas être le présent. Est-ce un besoin, une envie de fuir la réalité ?
Plus que d'imaginer un futur, j'essaie plutôt de mettre en place une forme de documentaire, proche du docufiction, qui mélange réalité et fiction, nostalgie et futurisme, sujets sérieux et humour, termes pseudo-scientifiques et néoparler populaire... J'ai une base de faits réels et j'utilise une narration " futuriste " qui me permet de changer de cadre spatio-temporel et de faire exister des phénomènes sociaux actuels autrement. J'utilise plusieurs concepts venant de la science-fiction comme l'anticipation, les mondes parallèles, le clonage, etc... Mais mon travail est très ancré dans la réalité et mes projets sont une extrapolation de phénomènes qui existent bel et bien dans le présent.

Beaucoup de mes projets portent notamment sur des groupes de maghrébins qui vivent entre eux, et on peut y voir un fantasme communautaire. Mais si tu réfléchis deux secondes tu comprends que c'est juste une réalité. L'éloignement et le maintien de la distance physique et mentale entre les blancs et les maghrébins en France, je l'ai pas inventé. J'essaie juste de trouver d'autres esthétiques, d'autres narrations, d'autres techniques et aussi d'autres tons que ceux qu'on a l'habitude de voir lorsqu'on touche à ces sujets.

Il faut bien réaliser le privilège que c'est pour un petit bourgeois blanc d'aller prendre seulement ce qui l'intéresse dans les codes culturels d'un groupe social inférieur, sans tout ce que ça représente derrière.

Mektoub © Sara Sadik

Quelques mots sur ta vidéo HALALOSLM ?
C'est un projet qui regroupe certaines de mes recherches sur l'Islam chez la nouvelle génération, sa place dans les nouvelles technologies et la maghrébisation/islamisation de l'univers et des personnages de mangas, notamment Dragon Ball par l'artiste Samir 34 aka Tyson Mike. HALALOSLM, c'est un spot promotionnel pour l'Halalator : un détecteur de " halalitude ". Il y a déjà des applications qui permettent d'analyser des produits pour savoir s'ils sont halal ou pas, et l'Halalator est une version high-tech de ça.

C'est une lentille connectée qui fonctionne grâce à la réalité augmentée. Comme les Google Glass, mais en plus stylé. Au-delà des produits déjà certifiés halal, ici ce sont des produits qui questionnent la morale qui sont analysés. Avec en produit phare : les chips goût bacon. Quand tu tapes ça sur Google, tu tombes direct sur des forums où on discute de sa " pureté ". Même s'il ne présente aucune trace de porc, d'alcool ou d'additifs haram, est-ce que se taper des chips goût bacon avec une bière sans alcool c'est moralement clean ? En Islam, tout ce qui est douteux est haram. Mais on joue quand même entre ce qui est bien et mal, si c'est entre toi et toi-même ou entre toi et Dieu. D'où les codes du jeu vidéo que j'ai utilisés à fond.
J'imagine que le jeu vidéo, la culture post-internet occupent une place importante dans ton travail. Quelles possibilités d'expression trouves-tu là-dedans ?
À l'époque j'étais sapée comme une shlag mais je squattais Micromania tous les samedis et je ressortais avec les consoles PS, Xbox, Nintento DS, PSP et les jeux qui allaient avec. Je suis pas experte ou quoi mais j'ai été tellement entourée par cet univers que même si c'est plus le cas maintenant, y'a des esthétiques visuelles et sonores qui restent en tête et qui ressortent quand je produis. En termes d'imagerie, dans le projet HALALOSLM c'est recherché et donc flagrant, mais le plus souvent c'est inconscient et ça se ressent surtout dans mes compositions d'images je pense.

Sinon c'est plus conscient au niveau sonore. Je fais le sound-design de mes vidéos, du coup je compose notamment les ambiances sonores. Là où avant je fonctionnais plus comme pour un clip vidéo, c'est-à-dire avec l'image qui vient s'adapter au son, maintenant je crée vraiment des ambiances en fonction ou en même temps que les images que je produis. Et ça, ça vient clairement du jeu vidéo, c'est certain. Les différents éléments sonores, les voix, le fond, les fx, la manière dont ça enrichit une image, ça lui donne vie et ça la rend beaucoup plus complexe.

En ce qui concerne la culture post-internet, au-delà de l'esthétique, c'est plus l'idée de déplacement du virtuel au réel qui m'intéresse. Une partie de mon processus, c'est de la transposition de contenu virtuel dans un autre cadre. Pour l'écriture de mes projets, je récupère beaucoup de textes tirés de conversations que je trouve sur Facebook, Wattpad et Yabiladi par exemple. J'ai aussi pas mal travaillé sur la matérialisation de memes et autres images qui circulaient dans la communauté diasporique maghrébine française sur Internet. Ça me permet de documenter, d'archiver et de figer dans le temps des mots, des visuels, des idées qui sont hyper furtifs et éphémères. Y'a plein de fois où j'ai diggé mille ans juste pour retrouver un commentaire.
Quelques mots sur Jul ?
Un ovni génie incompris en Kalenji. Que j'ai d'ailleurs mis beaucoup trop de temps avant de comprendre. Jul c'est le meilleur artiste de ces dernières années. Il a un univers qu'on retrouve autant dans ses textes, ses visuels, la manière dont il gère ses réseaux, ses clips. Il est dans un délire sci-fi et en même temps hyper ancré dans la réalité et authentique. Il charbonne de fou, il est toujours là pour ses fans, ça se voit que c'est un bon gars et en plus il est talentueux. Le seul truc qui va pas, c'est sa marque D&P. À part la peluche qui pour moi est collector, les fringues sont pétées et n'ont rien à voir avec son univers. Ma3lich, JUL PRÉSIDENT. <3
Qu'est-ce qu'il se passe à Marseille en ce moment ? On a l'impression que ça explose, qu'il y a une effervescence artistique incroyable, je pense même que Paris est en retard par rapport à Marseille sur bien des points... Qu'en penses-tu ?
J'ai pas assez vécu à Paris pour savoir vraiment, mais si décalage il y a, je pense que c'est plus dans la manière dont les choses sont faites. J'ai pas voulu m'installer sur Paris parce qu'il y a un truc de " monter pour percer " qui me dég et qui, à mon avis, se ressent sur ce que produisent des étudiants ou artistes fraîchement diplômés. J'ai l'impression qu'il y a des formes, des events, des expos qui se ressemblent, très lissés et commerciaux. Là où ici c'est plus informel tout en étant bien fait, et on se permet une plus grande liberté que ce soit dans la programmation des nouveaux espaces que dans la pratique des artistes installés ici... Je pense qu'il y a quelque chose de plus sincère. Après en vrai j'en sais rien mdr, j'suis pas experte en la matière, mais personnellement je ressens moins la pression en étant ici.

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Sara Sadik. La claque beurcore qui secoue l'art émergent - Manifesto XXI

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Après avoir chamboulé les publics les plus sensibles au Palais de Tokyo lors du festival Do Disturb en avril , avec son immense projection du signe " Jul " sur un mur, Sara Sadik continue son infiltration en toute décontraction dans le milieu de l'art contemporain.

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En mêlant fiction et documentaire, le travail de Sara Sadik pose un regard sur la culture de la jeunesse des quartiers populaires qu'elle s'attache à documenter dans des courts-métrages.
Dans cette conversation, l'artiste présente avec MALAA, un jeune artiste compositeur et interprète arlésien, un film intitulé Les Vaillants qu'elle a réalisé durant sa résidence artistique à LUMA.
À travers la quête d'un trésor caché dans les souterrains de la ville, désormais segmentée en districts établis en fonction des origines sociales des habitants, Les Vaillants traite de la place de la jeunesse arlésienne sur le territoire et des mythologies sociales. Un docu-fiction qui évoque les rêves, les espoirs et les ambitions d'une génération, dans un présent actuel et dans un futur prospectif.

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Conversation avec Sara Sadik : Les Vaillants

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En mêlant fiction et documentaire, le travail de Sara Sadik pose un regard sur la culture de la jeunesse des quartiers populaires qu'elle s'attache à documenter dans des courts-métrages. Dans cette conversation, l'artiste présente avec MALAA, un jeune artiste compositeur et interprète arlésien, un film intitulé Les Vaillants qu'elle a réalisé durant sa résidence artistique à LUMA.

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For this first exhibition at the Galerie Crèvecoeur, the film being shown, Ultimate Vatos, brings together video sequences from several different sources (outdoor shots, indoor shots like telemonitoring, 3D images...) and borrowings, which creates a combination of various aesthetics/dynamics of moving pictures. Can you define what guided your choices of images? How did you conceive the exhibition's visual environment?

The important point in the creation of this film was to develop a combination of images that provided the possibility to blur the frontier between the real and the virtual. For the outdoor sequences, the film was entirely shot with onboard cameras, thus adding the effect of CGI and of video games, both from the positioning of the cameras, and the angles, but also the glitches this led to, like bugs reminiscent of the effect of constructing environments in video games, as the characters move. The process entailed using only this type of cameras, while playing with them until the effect I wanted was obtained, to such an extent that you wonder how certain shots were created or filmed. There are also some videos from social media in the new film, as in all my work. This is a material that I use above all to add a documentary dimension to fiction, and to give depth to the characters through images taken from their real lives.

The film features a single character in a world which is both closed and isolated, where the sole reference point is a highly demanding competition. In this film, as in previous ones, the question of an individual identity being constructed through a series of trials is clearly present, as in an initiatory journey. In Khtobotogone or in Carnalito Full Option, the environment seemed quite close to a certain reality, based in Marseille. Here, the setting the character advances through is intentionally mysterious. What are the relationships (either real or symbolic) between the individual and the collective that emerge from your latest film?

When it comes to this film, there is the same way of dealing with the establishment of a site for a fiction in a real space, it being the city of Marseille. In Ultimate Vatos, this is the Parc National des Calanques de Marseille, which I used as a game arena, Stone Island. The narrative of the film follows the structure of a trial made up of different tests which the character has to go through and unblock. This is a recurrent structure in my work. It allows me to place my characters in situations outside their everyday lives, as well as to set their words in a different context. During this trial, the character is completely alone, left to his own devices in the arena. This isolation inevitably leads him to talking to himself, which takes the form of a voiceover that follows us constantly. Through these internal monologues, in which he talks of his states of mind, the main character also conveys a collective voice, made possible by the writing process consisting of collages from numerous sources such as French rap, in particular PNL, Booba and Timal, Louisa Yousfi's book Rester barbare, as well as slogans taken from the Army's advertising campaigns or the mottos of French Foreign Legion regiments.

For the character, it is necessary for him to submit to the organisational rules, in the hope of victory, which will provide access to a new situation. He is profoundly marked, both physically and physiologically. What does the mental side come down to here? After a series of projects based on love (Hlel Academy) - evoking feelings of being in love but also friendship - what does this reflexion about personal transformation in this new film inaugurate?

Here, the focus is on the figure of a fighter and factors in his construction. Parts of the text provide us with some information about the causes of his desire for insurrection and his need to become the Ultimate Vatos, which represents for him the ultimate warrior, the pirate. The character and his construction were inspired by the concept of the body-as-weapon and the concept of transformation, which are proper to anime, often motivated by a wish for vengeance or the need to prove yourself. As with the figure of the Kage in Naruto, the Saiyan in Dragon Ball or else the Hunter in HxH, here it is the status of Ultimate Vatos that the character wants to attain.

Pour cette première exposition à la galerie Crèvecoeur, le film présenté Ultimate Vatos, rassemble des séquences vidéo provenant de plusieurs sources différentes (prises de vues en extérieur, prises de vue en intérieur type télésurveillance, images 3D...) et d'emprunts, ce qui crée une combinaison de différentes esthétiques/dynamiques d'images en mouvement. Peux-tu définir ce qui guide tes choix en termes d'image? Comment as-tu conçu l'environnement visuel de l'exposition?

Ce qui était important dans la création de ce film, c'était de développer une combinaison d'images qui permette de brouiller la frontière entre réel et virtuel. Dans la prise de vue en extérieur, le film a été intégralement tourné avec des caméras embarquées qui permettent d'apporter un effet CGI et jeu-vidéo, que ce soit par les placements de caméras, les points de vue, mais aussi par les défauts qu'elles produisent comme les bugs rappelant l'effet de construction de l'environnement dans les jeux-vidéos au fur et à mesure que le personnage se déplace. Le processus était d'utiliser uniquement ce type de caméras et de jouer avec jusqu'à obtenir l'effet que je souhaitais, au point de se demander comment certains plans ont été créés ou filmés. Il y a également des vidéos issues de réseaux sociaux dans ce nouveau film, comme dans l'ensemble de mon travail. C'est une matière que j'utilise notamment pour apporter la dimension documentaire à la fiction, apporter la profondeur au personnage par le biais d'images tirées de sa vie réelle.

Le film figure un personnage unique dans un univers à la fois fermé et isolé, dont le seul référent est celui d'une compétition très exigeante. Dans ce film, ainsi que dans les films précédents, la question de l'identité individuelle se construisant à travers une série d'épreuves est très présente, façon parcours initiatique. Dans Khtobotogone ou dans Carnalito Full Option, l'environnement semblait assez proche d'une certaine réalité, ancrée à Marseille. Ici, l'organisation dans laquelle évolue le personnage est volontairement mystérieuse. Quels sont les rapports (réels et symboliques) entre l'individu et le collectif qui émanent de ce dernier film?

Pour ce qui concerne ce film, il s'agit de la même façon d'aborder la mise en place d'une fiction dans un espace réel, étant la ville de Marseille. Dans Ultimate Vatos, il s'agit du Parc national des Calanques de Marseille, que j'ai utilisé comme une arène de jeu, la Stone Island. La narration du film suit une structure d'examen composé de différentes épreuves que le personnage va devoir effectuer et débloquer. C'est une structure récurrente dans mon travail, qui me permet de placer mes personnages dans des situations extérieures à leur quotidien, et qui permettent d'accueillir leurs paroles dans un contexte différent. Durant cet examen, le personnage est totalement seul, livré à lui-même dans cette arène. Cet isolement le mène inévitablement à des paroles internes qui prennent la forme d'une voix-off qui nous suit tout le long. À travers ses monologues internes dans lesquels il fait part de ses états d'âmes personnels, le personnage principal porte en lui une parole collective, rendue possible par le processus d'écriture fait de collages de sources multiples comme le rap français notamment PNL, Booba et Timal, le livre Rester barbare de Louisa Yousfi, ainsi que des slogans tirés de campagnes publicitaires de l'Armée de Terre ou de devises de régiments de Légionnaires.

Il y a de la part du personnage une soumission nécessaire aux règles de l'organisation en vue d'une victoire, permettant d'accéder à une nouvelle situation. Physiquement, physiologiquement, elle est très marquée. Qu'en est-il côté mental? Après une série de projets axés sur l'amour (Hlel Academy) - évoquant le sentiment amoureux mais aussi amical - quelle réflexion sur la transformation personnelle ce nouveau film inaugure-t-il?

Ici il est question de la figure du combattant et des éléments de sa construction. Des éléments du texte nous permettent d'avoir des informations sur les causes de sa volonté d'insurrection, de son besoin de devenir Ultimate Vatos, qui représente pour lui la figure du combattant ultime, du pirate. Le personnage et sa construction, sont inspirés du concept du corps arme et du concept de transformation, qui est un trait propre aux animes, souvent motivée par un sentiment de vengeance ou une nécessité de faire ses preuves. A la manière de la figure du Kage dans Naruto, du Saiyan dans Dragon Ball ou encore du Hunter dans HxH, ici c'est le statut d'Ultimate Vatos que le personnage souhaite atteindre.

FR : For this first exhibition at the Galerie Crèvecoeur, the film being shown, Ultimate Vatos, brings together video sequences from several different sources (outdoor shots, indoor shots like telemonitoring, 3D images...) and borrowings, which creates a combination of various aesthetics/dynamics of moving pictures. Can you define what guided your cho...

EN: Pour cette première exposition à la galerie Crèvecoeur, le film présenté Ultimate Vatos, rassemble des séquences vidéo provenant de plusieurs sources différentes (prises de vues en extérieur, prises de vue en intérieur type télésurveillance, images 3D...) et d'emprunts, ce qui crée une combina...

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For this first exhibition at the Galerie Crèvecoeur, the film being shown, Ultimate Vatos, brings together video sequences from several different sources (outdoor shots, indoor shots like telemonitoring, 3D images...) and borrowings, which creates a combination of various aesthetics/dynamics of moving pictures. Can you define what guided your choices of images?

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Carnalito Full Option - Sara Sadik - Manifesta 13

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Texte sur le rapport entre le corps et la maison avec de nombreux exemples picturaux, lire depuis bas de la page 171 jusquà page 173 avec l'exemple de "la poussée de l'eau sur un corps gracieux qui flotte dans la baignoire de la maison, comme Bonnard y a réussi dans le "Nu au bain" ".

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Deleuze Corps et Décor ( Qu 'est ce que la philosophie)

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Pour préciser ci-dessous: le corps se fond-il dans le décor ?
S'en détache-t-il ?
Que faut-il prélever du décor ?
L'espace est-il toujours décor ?
Comment faites vous pour déterminer l'espace qui vous intéresse ? Les motifs, les ornements...?
Compte tenu de ma culture, qui est bien entendu limitée, je pense que vous pourriez vous intéresser, entre autres bien sûr ( Klimt ?...), à la peinture de Pierre Bonnard ( voir les peintures ci-dessus par exemple mais il y a beaucoup  d'autres exemples possibles du même peintre...)
Je vous mets bientôt un texte de Deleuze.

Pour vos statuettes colorées, la série dans vos productions, voyez aussi peut-être les sculptures de Gaston Chaissac.

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Rapport du corps dans le décor : qu’est ce qui le met en valeur ou non

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Notion de décor pour parler du monde qui entoure l’artiste et au sein duquel il puise son inspiration

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Gérard Fromanger : "Le réel on le prend, on le mange, on le mord, on le tord, on le fabrique, on le fait, on le construit"

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Une oeuvre artistique en relation permanente avec la photographie, le cinéma, la danse, le théâtre, la lithographie, la gravure.

"Il faudrait remonter à 75 ans, oui j'ai commencé à l'âge de 2 ans, 2, 3 ans... comme tout le monde ! Mais moi je n'ai pas arrêté, parce que pendant la guerre, moi je suis né en 1939, mon père était prisonnier mais j'avais un oncle dans un village en Normandie qui nous emmenait, les cousins, les petits du village, faire du dessin. On dessinait le village en haut d'une colline, ça m'a plu et puis surtout les autres venaient voir ce que je faisais. Moi ça a transformé ma vie." - Gérard Fromanger

France Culture lance un grand projet inédit en France : une collection de Masterclasses avec quarante personnalités majeures de la création culturelle dans tous les domaines : littérature, cinéma, arts de la scène, arts plastiques, architecture... Nous entrerons dans l'atelier de fabrication intime des artistes, qui nous expliqueront de façon très concrète comment elles/ils travaillent, de l'idée de départ jusqu'à la finalisation d'une œuvre. Une entreprise collective qui a pour vocation de constituer une collection d'entretiens de référence sur la culture.

"Moi je disais, et je dis toujours : "soyons impossible, demandons la réalité !". C'est ça qui est difficile." - Gérard Fromanger

Coordonnées par Arnaud Laporte, enregistrées durant l'année, en public ou en studio, les quarante premières productions de cette ambitieuse collection seront diffusées à l'été 2017.
Rediffusion de la Masterclasse diffusée le 11 juillet 2017.

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Gérard Fromanger : "Le réel on le prend, on le mange, on le mord, on le tord, on le fabrique, on le fait, on le construit"

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Une oeuvre artistique en relation permanente avec la photographie, le cinéma, la danse, le théâtre, la lithographie, la gravure. "Il faudrait remonter à 75 ans, oui j'ai commencé à l'âge de 2 ans, 2, 3 ans... comme tout le monde !

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Quelques mois avant sa mort, Bram Van Velde avait accordé un entretien à Charles Juliet, écrivain, poète, qui avait accompagné de ses textes l'édition des lithographies du peintre. Bram Van Velde, l'ami de Samuel Beckett. Bram Van Velde, un homme que n'avait jamais quitté l'envie d'être peintre - tant mieux -, et qui peignait ses tableaux pour lui-même les découvrir. Rêveur et profondément dévoué à la peinture, il se définissait comme un "être liquide". D'une voix délicate, un peu tremblante et avec un léger accent néerlandais, il se confie dans ce document rare sur son rapport vital, substantiel, à la peinture. Bram Van Velde est né en 1895 dans une commune néerlandaise, Zoeterwoude, et mort en 1981, à Grimaud, dans le Var. Il fut longtemps peintre en bâtiment et décorateur. Il se rappelle :

Je me souviens très bien de ma vie, quand j'étais apprenti peintre en bâtiment et de décoration. Vite, on a vu que j'avais du talent. Je faisais des abat-jours, oui des lampes, c'est ça.

C'est un homme d'une extrême sensibilité qui, après de multiples vicissitudes, tant personnelles que professionnelles, connaîtra tardivement le succès.

Mon enfance a été très misérable. Mon père est parti et ma mère était avec quatre enfants, qu'elle devait faire vivre par elle-même. C'était une enfance très dure. Mais moi, toujours, j'ai voulu être peintre. On m'a donné des crayons de couleurs à 7 ans, et je faisais un dessin avec un moulin, et on trouvait ça si beau... je n'ai jamais quitté l'idée d'être peintre.

Il n'a jamais perdu la fascination enfantine du dessin et de la couleur. Quand il parle de la peinture, sa voix se relève, et l'on imagine son regard pétillant. Des formules simples et profondes à la fois jaillissent alors.

Un tableau, un vrai tableau... c'est une merveille ! On peut en vivre. Il ne s'agit pas de les multiplier. J'ai fait ce que je pouvais. J'ai toujours eu peur de... je ne sais pas, ça me fait peur. Peindre me fait peur. Faire face, porter tout ça, je le vis comme une chose qui n'est pas sans danger, mais je dois rester le maître.

Un tableau qui sort tout le vécu, qui me libère de tout ça, est un moment glorieux. Je vis par ce genre de moments.

L'œuvre qui vient, l'image qui surgit, émerveille toujours de façon renouvelée son propre créateur, et le laisse presque abasourdi. Car l'émerveillement de la création est toujours bizarrement teinté de désespoir pour le discret Bram Van Velde.

Chaque fois, un tableau vient, et je ne le savais pas. L'acte est une sorte de désespoir qui vous plonge en profondeur, mais de laquelle on ne sait rien. Une sorte de cauchemar.

Première diffusion : 27/09/1980.

Par Charles Juliet,

Avec Bram Van Velde,

Réalisation Jacques Taroni.

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C'est un "peintre de l'empêchement" selon l'expression de Samuel Beckett. Bram Van Velde peint ce qui l'empêche de peindre, et s'émerveille de ce qui jaillit de la toile. Dans un document rare de 1980, l'artiste s'entretient avec Charles Juliet sur son rapport vital à la peinture.

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Jorn sur COBRA (tiré de Discours aux Pingouins)  ;

Laisser la pensée s’exprimer spontanément hors de tout contrôle exercé par la raison. Par le moyen de cette spontanéité irrationnelle, on atteint la source vitale de l’être.

Échapper au règne de la raison, qui est le règne idéalisé de la bourgeoisie

“souligner la profondeur du regard critique de certains artistes CoBrA, notamment Asger Jorn et Constant, sur la société et la civilisation occidentale qu’ils jugent déjà profondément ancrée dans des dérives machinistes et techniciennes qui entravent la libre création et la libre pensée de l’Homme.”

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Profils perdus - Asger Jorn 1/2 (1ère diffusion : 27/05/1993)

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Profils perdus - Asger Jorn 1/2 (1ère diffusion : 27/05/1993)

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Profils perdus - Asger Jorn 1/2 (1ère diffusion : 27/05/1993)

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Avec Deborah Romano, Alexandra Stewart. Avec les voix de Pierre Vaneck, Barbara Laage.

Inspiré par l'œuvre de Charles Fourier, l'inventeur du phalanstère, et par des peintures du Portugais Eduardo Luiz, qui réalise les dessins, ce film est une invitation à l'utopie et à l'amour partagé.

Générique

Réalisateur : Pierre Kast

Assistant réalisateur : Jenny Pollet

Auteur du commentaire : Pierre Kast

Sociétés de production : Argos Films, O.R.T.F. Service de la Recherche

Producteur : Clara d'Ovar

Distributeur d'origine : Argos Films

Directeurs de la photographie : Jacques Maillet, Willy Kurant

Compositeurs de la musique originale : Georges Delerue, Bernard Parmeggiani

Dessinateur : Eduardo Luiz

Interprètes : Pierre Vaneck (la voix du narrateur), Barbara Laage (la voix de la narratrice), Deborah Romano, Alexandra Stewart, Barbara Aptekman, Nicole Karen

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Avec Deborah Romano, Alexandra Stewart. Avec les voix de Pierre Vaneck, Barbara Laage. Inspiré par l'œuvre de Charles Fourier, l'inventeur du phalanstère, et par des peintures du Portugais Eduardo Luiz, qui réalise les dessins, ce film est une invitation à l'utopie et à l'amour partagé.

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"Niki de Saint Phalle, de la révolte à l'art", un récit

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La fiction

Écrite par Léo Koesten, réalisée par Michel Sidoroff et produite par Christophe Barreyre.

Léo Koesten, le scénariste

Léo Koesten est né le 26 mai 1945. Il a partagé sa vie entre enseignement - il a été, notamment, professeur d'allemand et de communication à l'Université de Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines, et médias - il a gagné deux prix de télévision pour des courts-métrages, le premier sur le compositeur Olivier Messiaen, le second sur le peintre surréaliste Max Ernst.

Pour ARD, la première chaîne de télévision allemande, il a suivi durant 5 ans le Tour de France cycliste en réalisant de très nombreux reportages à caractère touristique et culturel.

Il est l'auteur de nombreux manuels d'apprentissage du français destinés aux lycéens allemands, d'une centaine de pièces et de reportages pour la radio allemande à Cologne et de plus d'une trentaine de pièces historiques et de polars pour France Inter, France Inter qui a diffusé le 26 décembre 2014, dans le cadre d' Affaires sensibles, un docufiction consacré à l'écrivain Marguerite Yourcenar. Il a également écrit la fiction sur Pierre Dac et sur le chef d'orchestre Herbert von Karajan.

Pour la série Au fil de l'histoire, il a écrit une pièce d'une durée de 30 minutes, Du sang sur la Rose blanche, l'histoire de ces jeunes Allemands qui avaient appelé la population allemande à résister aux nazis et qui l'ont payé de leur vie. Dans ce texte pour France Inter, il y avait matière à pièce de théâtre. C'est ainsi que sont nés Les Peintres, un texte écrit en collaboration avec Laurent Cazanave. Cette pièce a été publié aux éditions L'Harmattan et fera prochainement l'objet de lectures dans le Sud de la France.

Pour l'heure, Léo Koesten met la dernière main à un court-métrage et à une pièce de théâtre commandée par la ville de Sèvres, pièce qu'il a intitulée Les défis de Madame de Pompadour.

Extrait de l'émission

(...)

Plasticienne, peintre, sculptrice et réalisatrice de films, Niki de Saint Phalle (1930-2002), après avoir réalisé des tableaux assemblages, elle devient célèbre en 1962 avec ses " tableaux tirs à la carabine " qui font saigner la peinture. S'inscrivant dans la mouvance des nouveaux réalistes, elle explore les représentations de la femme avec ses mariées, accouchements, déesses, puis au milieu des années 1960, ses " Nanas ", sculptures monumentales et colorées, qui sont l'étendard d'un féminisme dont elle est une des premières représentantes. Son engagement dans un art public qui s'adresse à tous trouve son apogée dans le jardin des tarots en Toscane , auquel elle travaille pendant 20 ans.

Personnalité magnifique et rebelle, Niki de Saint Phalle a produit une œuvre singulière qui frappe par sa radicalité, mais aussi par son énergie joyeuse, son humour et sa poésie.

Lorsque Niki de Saint Phalle décide de se consacrer à l'art au milieu des années 1950, elle fait aussi le choix d'être une artiste autodidacte plutôt que de suivre un enseignement académique qui briderait sa liberté. Victime d'inceste perpétré par son père quand elle avait 11 ans, un secret qu'elle ne révèlera qu'à la fin de sa vie, Niki choisit très tôt d'être " une héroïne " et de s'affranchir de l'existence sans relief des femmes de son temps. La radicalité de ses choix artistiques sera cependant toujours tempérée par l'optimisme, l'humour et une imagination d'une richesse inouïe. Entre 18 et 25 ans, Niki pose comme mannequin pour les plus grands magazines américains, puis français, afin de gagner sa vie. Elle a alors, bien sûr, rompu avec sa famille.

Devenue artiste, elle saura jouer de la représentation photographique et filmique de son travail où elle critique les rôles assignés à la femme.

Sa rencontre avec l'artiste suisse, Jean Tinguely, qu'elle épousera, sera décisive. Il est peintre, sculpteur, dessinateur et inventeur. Il est en quelque sorte " bluffé " par le talent de son épouse. Ensemble, ils collaboreront à de nombreuses œuvres, dont, par exemple, Le " Cyclop " également connu sous le titre " Le Monstre ou La Tête ", est une sculpture monumentale construite dans la forêt de Milly entre 1969 et 1994. Outre Tinguely et Niki de Saint Phalle, une quinzaine d'artistes ont collaboré à cette œuvre : Daniel Spoerri, Jean-Pierre Raynaud, Eva Aeppli, César, Arman, et L'œuvre est située dans le bois des Pauvres à Milly-la-Forêt.

" Mon œuvre est autobiographique. J'ai essayé de mettre toujours dans mes œuvres ce que je ressentais sur le moment. Mon enfance était douloureuse, solitaire et difficile, et alors je m'échappais dans un monde merveilleux. Ça m'a donné une structure pour toute ma vie. Je ne vais pas regretter mon enfance : ça m'a permis d'être ainsi. " (Niki de Saint Phalle).

(...)

Camille Morineau, l'invitée

Titulaire d'un DEA en histoire de l'art, Camille Morineau a enseigné l'histoire de l'art du XXème siècle plus de dix ans à l'Ecole du Louvre, et deux ans à l'Ecole Normale Supérieure dont elle est une ancienne élève. Elle a travaillé dans différents musées parisiens : le musée d'Art moderne de la Ville de Paris, la galerie du Jeu de Paume, avant d'être chargée du Fonds municipal d'art contemporain dont elle a organisé la première exposition publique (Jeux de genres, Espace Electra, 1998). Elle a été chargée de la commande publique artistique à la Ville de Paris pendant deux ans, sujet sur lequel elle a organisé un cycle de conférences pendant deux ans à l'Ecole du Louvre. Elle a ensuite travaillé dix ans au Centre Pompidou comme conservatrice des Collections contemporaines, et a été commissaire d'exposition, notamment pour Niki de Saint Phalle, rétrospective, au Grand Palais en 2014, puis au Guggenheim Bilbao en février 2016. Elle décrit l'artiste comme " Féministe, politique, surprenante ". Elle collabore régulièrement avec Art Press et les Cahiers du Musée national d'art moderne.

Niki de Saint Phalle. Les couleurs de la vie

À l'occasion de la rétrospective de l'œuvre de Niki de Saint Phalle au Grand Palais en partenariat avec France Info, Radio France et l'Ina éditent deux CD d'entretiens dans la collection Les Grandes Heures.

Générique

Arnaud Bédouët - Le narrateur
Aurélie Nuzillard - Niki de Saint-Phalle
Guillaume Durieux - Tinguely
Laurent Cléry - Le psychiatre
Sophie Doll - La "soucoupe"

Bruitages - Bertrand Amiel
Prises de son, montage et mixage - Claire Levasseur, Yannick Magnin
Assistants à la réalisation - Lise-Marie Barré, Lélio Plotton
Réalisation - Michel Sidoroff

Les coulisses de l'enregistrement

Une émission à suivre, commenter et partager sur Facebook.

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"Niki de Saint Phalle, de la révolte à l'art", un récit

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Suite à une grave dépression au début des année 1950, la jeune Niki de Saint Phalle est internée et doit subir des électrochocs. Après cette expérience, elle décide d'exprimer dans ses œuvres sa révolte contre une enfance marquée par l'inceste.

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Miniature iranienne présente le le jardin perse avec la rose, l’amour

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Le jardin iranien et sa présence dans la miniature persane

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Le jardin iranien et sa présence dans la miniature persane

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https://faceiran.fr/jardin-miniature-iran/

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Miniature iranienne présente le le jardin perse avec la rose, l’amour

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La miniature est la scène où le jardin y est présenté avec ses beauté ; la rose, l’amour et du vin: les thèmes majeurs de la miniature iranienne

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https://www.paradispersans.fr/pages/miniature-persane-france.html

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En Iran, en Asie et partout dans le monde, on retrouve des traces de cet art nommé " miniature ". Au cours des XIIIe et XVIe siècles, des écoles de miniature persane ont ainsi vu le jour, chacune ayant son style propre. Des écoles parmi les plus célèbres ont été créées à Tabriz, Hérat et plus tard à Ispahan. Plus récemment, le grand Maître Hossein Behzâd (1894-1968) fut le chef de file d'une nouvelle école de peintres miniaturistes. Influencé par l'art occidental découvert dans les musées français, il a introduit un nouveau style de miniature et acquit une notoriété exceptionnelle parmi les miniaturistes contemporains. Fortement inspiré à ses débuts par les miniatures de la période Safavide, il s'est efforcé par la suite de mêler traditions et modernité. Abbas Moayeri (1939-2020) , notre maître référent, né en Iran, fut précisément l'élève d'Hossein Behzâd et son successeur à l'école des Beaux Arts de Téhéran. Il s'est installé à Paris dans les années 1970 où il a cherché à sauvegarder cette tradition artistique de l'Iran et à transmettre cet art unique de la miniature persane. Il partageait son temps entre l'enseignement, son œuvre et de multiples expositions. Ses grandioses scènes de chasse sont très réputées auprès des collectionneurs et fins connaisseurs de la miniature persane. Peintre et sculpteur, il a été lauréat de nombreuses distinctions pour ses expositions. Il donnait aussi des conférences sur les techniques et l'histoire de la miniature persane. Du 13, le e siècle (premiers manuscrits illustrés) jusqu'au 17e siècle, les miniatures étaient destinées à illustrer des manuscrits, notamment des classiques de la littérature persane : le khamseh de Nizâmi, le boustan ou le golestan de Saadi. Leur petite taille était liée à cette fonction, ainsi que l'orientation verticale des miniatures qui était généralement adoptée. shahnameh de Ferdowsi Le papier utilisé à partir du 9e/10e siècle était produit à partir de fibres de lin. Les couleurs étaient obtenues à l'aide de pigments naturels ou artificiels. Les pinceaux les plus prisés étaient fabriqués à partir du poil de queue d'écureuil. Le poil des chats persans était utilisé également. La miniature est toujours peinte à l'intérieur d'un cadre : celui-ci propose une ouverture vers un monde idéal fait de beauté et de rêve. Aujourd'hui sa taille peut varier et le papier dit " peau d'éléphant " se rapprocherait esthétiquement le plus de celui utilisé dans le passé. Les couleurs doivent être douces dans leur ensemble. De nos jours, on utilise de la gouache pour les surfaces.
La composition classique comprend généralement : un jardin entouré d'une barrière ; de l'eau - canal, rivière, lac - ; un personnage important sous un kiosque ou un dais ; des courtisans et des serviteurs mais aussi des chasseurs. Les personnages semblent flotter dans l'espace : ils ne sont pas attachés à la terre sur laquelle ils sont peints. Le charme de la miniature persane réside dans son élégance, ses courbes légères et le raffinement de ses très nombreux détails. La miniature ne doit pas s'embarrasser de perspective ou de trop de réalisme : c'est une ouverture vers le rêve, vers " les jardins du paradis ".

Formée aux techniques de la miniature persane par Abbas Moayeri, Marie-Noëlle Robert déclare " la mise en espace de certaines miniatures persanes m'évoque des mises en scène d'opéra. Les histoires des couples mythiques de la littérature persane, Leila et Madjun, Khosrow et Shirine... rappellent celles de Tristan et Yseult, de Roméo et Juliette... ". http://papier-cisele.com/fr#pageart9

La miniature persane laisse beaucoup de place à l'imagination et à la sensibilité de chacun, même si les techniques utilisées sont traditionnelles, et permet de se projeter dans des univers très différents, comme le montrent les miniatures ici présentées.
En introduction, nous avons sélectionné deux miniatures très représentatives du travail du talentueux Abbas Moayeri.

Brigitte Goldberg, élève d'Abbas Moayeri pendant 13 ans, lui a succédé dans l'enseignement de la miniature persane au sein de Paris-Ateliers.
Dans la continuité, l'enseignement est à présent assuré à Paris Ateliers par Shahryar Khataizadeh qui a approfondi les techniques de la miniature persane auprès du maître Abbas Moayeri.
A collection of Persian miniatures by French artists, displayed in an exhibition at the National Art Museum of Iran
Iran Review, 25 May 2014

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En Iran, en Asie et partout dans le monde, on retrouve des traces de cet art nommé " miniature ". Au cours des XIIIe et XVIe siècles, des écoles de miniature persane ont ainsi vu le jour, chacune ayant son style propre.

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Poser ses mots : épisode 1/4 du podcast Violé*es : une histoire de dominations

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Podcast écouté dans la lignée de mes recherches autour de la parole des femmes sur le viol
Travail de la série

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Mathilde, Baptiste, Marcia & Sol, des victimes de viol ont la parole, elles racontent l'après, les chemins semés d'embûches, les traumatismes - après l'amnésie parfois -, l'isolement social, mais aussi l'ampleur des violences hétéro-sexistes, l'inertie des pouvoirs publics, leurs luttes et la colère, qu'elles réhabilitent.

La guerre

On est dans un pays en paix, c'est merveilleux, mais il y en a une qui court dans toutes nos rues, dans tous nos immeubles, dans nos forêts. C'est une guerre réelle et elle court vite et tue tous les 2 jours et toutes les 7 minutes. Mathilde Forget

Pas vu pas pris

Cette phrase "Laissons faire la justice". Dans les violences sexuelles, la justice ne fait pas son boulot parce qu'elle ne peut pas le faire. Il faut des preuves. On n'a pas de preuves, pas de témoins. Ça n'existe pas. Mathilde Forget

Flash Back

C'est quelque chose d'assez dur à accepter que ça puisse exister, qu'on n'est pas maître de soi même, de ce qu'on a dans la tête, qu'on puisse déconnecter son psychisme pendant 25 ans. Quand ses premiers souvenirs reviennent, ce qui est très perturbant, c'est comment les gérer ? Comment les accepter ? Qu'est ce qu'on peut faire de tout ça ? C'est une espèce de flashback qui vous hantent, qui vous reviennent sous forme de cauchemars, sous forme de douleur physique. Baptiste de Cazenove

Double peine

C'est pas du tout un détail. Ça a été aussi une source de frustration énorme. Je continue de penser que c'est un scandale. J'ai fait le calcul parce qu'on m'a demandé pour la commission d'indemnisation des victimes. J'ai dépensé, en 4 ans, plus de 3000 balles en séances de psy et à chaque fois les psy me font des tarifs !

Avec

Un documentaire de Clémence Allezard, réalisé par Séverine Cassar

Musique de fin : "Baisers volés" d'Oxytocine (Julia Maura)

Bibliographie

Liens

- Site du Collectif féministe contre le viol.

- Adèle Haenel sur Mediapart, novembre 2019

- Pratique du pouvoir et idée de nature, l'appropriation des femmes - Colette Guillaumin (Questions féministes numéro 2 "Les corps appropriés", février 1978)

- Les violences sexuelles sur le site gouvernemental : Arrêtons les violences.

- Paroles étudiantes sur les violences sexuelles et sexistes : enquête sur les violences sexuelles au sein des établissements d'enseignement supérieur, qui révèle qu'une étudiante sur 20 a déjà été victime de viol (automne 2020).

- Les interlocuteurs des victimes de viol d'après les enquêtes Cadre de vie et sécurité (2008-2015) de l'Observatoire national de la délinquance et des réponses pénales.

- #JeLeConnaissais : le hashtag qui démonte le mythe du violeur inconnu : article à lire sur le site des Inrocks, juin 2019

Partenariat

LSD, La série documentaire est en partenariat avec Tënk, la plateforme du documentaire d'auteur, qui vous permet de visionner le film Le Chapeau de Michèle Cournoyer (7 minutes, 1999) jusqu'au 20/12/2020.

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Poser ses mots : épisode 1/4 du podcast Violé*es : une histoire de dominations

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Mathilde, Baptiste, Marcia & Sol, des victimes de viol ont la parole, elles racontent l'après, les chemins semés d'embûches, les traumatismes - après l'amnésie parfois -, l'isolement social, mais aussi l'ampleur des violences hétéro-sexistes, l'inertie des pouvoirs publics, leurs luttes et la colère, qu'elles réhabilitent.

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Christian Boltanski : "Un artiste crée une distance entre lui-même et l'objet de son malheur, c'est une chance énorme"

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"Christian Boltanski : maniaque ? prétentieux ? rusé ? malsain ? gênant ? artiste ? sadique ? maladif ? nouveau ? masochiste ? schizophrène ? important ? " Voici ce que l'on pouvait lire en 1970, sur le carton d'invitation d'une exposition de Christian Boltanski. Et force est de constater que chacun de ces adjectifs lui va toujours comme un gant.

Né en 1944, sous l'Occupation, alors que son père, un médecin juif, vivait caché sous le plancher de l'appartement familial, Christian Boltanski a débuté son œuvre dans les années 1960 en réalisant des peintures et des films inquiétants, avant de matérialiser son obsession pour la mémoire et la mort - à moins que ce ne soit pour l'oubli et la vie - dans des photographies, des objets et des installations, tour à tour monumentales ou dérisoires. Sa Recherche et présentation de tout ce qui reste de mon enfance (1969), ses Saynetes comiques (1974) et ses grandes Compositions photographiques, puis ses Réserves de vêtements et jusqu'à ses Archives du cœur incarnent au fil du temps son être "chrétien, charognard, clown et juif" dans des boîtes à biscuits rouillées, des petits objets en pâte à modeler, des albums de famille trafiqués, des vieilles hardes amoncelées ou des pulsations cardiaques enregistrées et stockées dans une grotte quelque part dans l'archipel japonais...

On cherche en vain à saisir en lui un archiviste, un écrivain, un ethnologue, un huissier, un sorcier ou un psychanalyste, alors qu'il n'y a et il n'y a sans doute toujours eu que Christian Boltanski, lancé dans une partie risquée - un jeu de dés ? - avec le diable. Aujourd'hui, Christian Boltanski est reconnu comme l'un des plus grands artistes contemporains français.

L'art comme forme de guérison

Si j'ai choisi d'être peintre, quand j'étais jeune j'étais extrêmement étrange. J'ai quitté l'école vers 13 ans, je ne savais pas écrire, j'étais particulier. Un jour mon frère me voit dessiner et me dit : c'est bien ce que tu fais. C'est comme cela que tout a démarré. J'ai eu le sentiment que ça pouvait remplacer la parole et devenir mon domaine. J'ai eu cette chance d'avoir des parents qui acceptent ma différence. Être artiste c'est aussi une manière de guérir. Il y a une chose merveilleuse d'être artiste, c'est qu'on ne vit pas, on montre la vie. On crée une distance entre soi-même et l'objet de son malheur, c'est une chance énorme. Plus on travaille, moins on existe. Quand on est vieux et artiste, on devient totalement son œuvre.
Christian Boltanski

La beauté de l'art se trouve dans l'imprécision

La beauté de la peinture par rapport aux mots, c'est qu'en peinture il y a une ambiguïté très grande, on peint un chapeau et ça peut être un chameau. Chacun peut voir le tableau comme il a envie de le voir parce qu'il est ambigu. Chacun le réécrit et le revoit avec son propre vécu. Souvent les mots de la littérature sont parfois trop précis. La beauté de l'art est dans cette imprécision.
Christian Boltanski

Être ou ne pas être un Boltanski

En art, on ne peut communiquer que ce que l'autre sait. On ne peut parler que de ce que l'autre sait. Tout l'art est entre le plus singulier et le plus universel, et chacun va prendre ça comme une chose qui est pour lui. Il y a toujours le jeu en le plus personnel et le plus collectif. On est toujours entre soi et les autres. (...) Je crois peu à la vérité, je pense que l'art c'est l'artifice, il montre la vie, mais pas la vérité.
Christian Boltanski

Réécoute du 3 novembre 2017

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Christian Boltanski : "Un artiste crée une distance entre lui-même et l'objet de son malheur, c'est une chance énorme"

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Reconnu comme l'un des plus grands artistes contemporains français, Christian Boltanski se dit avant tout peintre, et pense que la vérité n'existe pas, particulièrement en art... Au micro de Martin Quenehen, il nous livre les secrets de fabrication de ses œuvres tout au long de cette masterclasse.

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https://www.francetvinfo.fr/culture/arts-expos/peinture/madrid-le-greco-inspirateur-de-la-peinture-moderne-au-prado_3364243.html

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Article rédigé par

Le Greco (1541-1614) a fasciné les artistes les plus novateurs, comme Manet et Cézanne. Pour Picasso, il a été le maître le plus déterminant, et il a joué un grand rôle dans la diffusion du cubisme, veut montrer l'exposition du Prado. Mais son influence ne s'arrête pas là : il a fortement marqué également les expressionnistes allemands, les surréalistes, la peinture américaine...

Le Greco, au style si particulier, peignait dans des teintes saturées des personnages aux formes allongées et torturées. Les artistes qu'il a inspirés sont aussi divers que Jackson Pollock, Chaïm Soutine, Marc Chagall, José Clemente Orozco, Roberto Matta, Amedeo Modigliani, Francis Bacon, Alberto Giacometti, André Derain...
De "La vision de saint Jean" aux "Demoiselles d'Avignon"

"La vision de saint Jean", où les corps nus des âmes martyres se tiennent debout derrière un saint vêtu d'une tunique d'un bleu intense, a inspiré les "Demoiselles d'Avignon" (1907) de Picasso. L'auteur de cette œuvre clé des débuts du cubisme a vu le tableau du Greco dans l'atelier du peintre espagnol Ignacio Zuloaga, raconte le commissaire de l'exposition, Javier Baron, à l'AFP.

La filiation de la "Femme à l'hermine" de Cézanne est claire puisqu'il l'a intitulée "D'après le Greco". Elle est exposée à côté du tableau du même nom du peintre espagnol.

Le Prado expose 26 œuvres du Greco à côté de 57 tableaux et 23 dessins et gravures de grands artistes des 19 e et 20 e siècles qui leur font écho.
Une œuvre redécouverte au XIXe siècle

Après s'être formé en Italie et avoir été exclu, à Madrid, de la cour de Philippe II d'Espagne, le Greco s'était installé à Tolède, qui vient de fêter le 400 e anniversaire de sa mort avec des expositions dans toute la ville.

L'exposition que lui a consacrée le Prado en 1902 aurait favorisé la renaissance de son œuvre. Pendant des siècles, sa peinture trop torturée pour le baroque, puis ignorée par le classicisme du XVIIIe, avait été oubliée avant d'être redécouverte au XIXe et de connaître un grand rayonnement au XXe.

De l'Amérique, avec Jackson Pollock et le Mexicain Diego de Rivera, à l'Allemagne et l'Autriche des expressionistes, le Prado illustre cet engouement récent pour le Greco.
Bacon avait vu le Greco à Madrid

Plus tard encore, Francis Bacon à vu les œuvres du Greco à Madrid. Ainsi, le soldat qui tombe vers nous, de dos, au premier plan, dans "La Résurrection du Christ" (1597-1600) aurait inspiré "La femme allongée" de Bacon (1961), dont la silhouette nue, presque informe, est peinte selon une perspective similaire.

Comptant sur "la collection la plus vaste d'oeuvres du Greco", le Prado "a joué un rôle capital" dans la redécouverte du peintre, affirme Javier Baron. Aujourd'hui, le musée veut "célèbrer cette chose essentielle que possèdent les peintres : leur capacité à influencer et à ouvrir de nouvelles voies pour d'autres artistes."

El Greco y la pintura moderna, Museo Nacional del Prado,
du 24 juin au 5 octobre 2014

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Madrid : le Greco inspirateur de la peinture moderne, au Prado

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Alors que l'Espagne fête les 400 ans de la mort du Greco, le musée du Prado à Madrid rend hommage à l'artiste crétois installé en Espagne en mettant l'accent sur la profonde influence qu'il a eue sur les peintres modernes, entre le dernier tiers du XIXe siècle et une bonne partie du XXe (jusqu'au 5 octobre 2014).

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Le PARMESAN -La vierge au long cou /Paul Veyne

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Le PARMESAN -La vierge au long cou /Paul Veyne

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https://www.radiofrance.fr/franceinter/podcasts/vu-d-ici/le-parmesan-la-vierge-au-long-cou-9263312

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Le TINTORET, Moïse faisant jaillir l'eau du rocher, Scuola Grande San Rocco à Venise

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Le TINTORET, Moïse faisant jaillir l'eau du rocher, Scuola Grande San Rocco à Venise

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Blutch : "Le dessin permet tout, c'est la langue parfaite"

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Il dessine tout le temps et depuis toujours. N'importe quoi et n'importe quand. Dans les cases ou hors les cases, les jours gris comme les jours ensoleillés. Miroir de ses émotions et de ses humeurs, le dessin est toujours là pour capter ce qu'il y a capter sans aucune hiérarchie : "une femme nue ou un caillou, une voiture ou un chien...." En somme, Christian Hincker, alias Blutch, aime vraiment le mot dessinateur. Muni de son crayon-sismographe, il " barbouille " toujours, du haut de ses cinquante ans, fidèle à l'enfant qu'il a été.

Je me suis mis à dessiner parce que je n'avais pas envie d'aller jouer au foot. Je n'avais pas envie de rentrer dans la société.

" Ce nom de " Blutch " est une manière de renaître, de mettre la famille de côté...

Ce que le dessin amène, avec les armes qu'il nous donne, c'est un langage d'une richesse insondable. C'est mystérieux, surprenant, abstrait, archaïque, moderne, unique.

Venu à la bande dessinée très tôt, le petit Christian est un amateur des Tuniques Bleues et de Metal Hurlant, mais aussi des mots et des dialogues. Elève des Arts-déco de Strasbourg en pleine période " conceptuelle " (J.Beuys), Blutch se tourne plutôt vers la bande dessinée dont il affectionne le " côté un peu industriel ". Il publie alors ses premières planches en 1988 (" Les aventures de Tintin "), dans la revue Fluide Glacial. Une bande dessinée rappelle-t-il, " dont la première case est décalquée sur une case de " Tintin au Tibet ". Un détail qui n'a rien d'anodin pour cet artiste aux traits fins, qui revendique " un grand intérêt pour les formes préexistantes ". Trente ans plus tard, son dernier album, Variations, dédié à Marcel Gotlib et Alain Resnais, vient confirmer cette première intuition : un album de recréation-récréation, composé de trente planches de trente auteurs de bande dessinée qui ont compté pour lui. Blutch a besoin ainsi de se plonger chez les autres, "pour rejouer et refaire afin de s'oublier, et sans doute pour mieux se renouveler."

Les Rolling Stones ont fait un album de reprises avec des standards de blues, tout comme Neil Young. J'ai fait la même chose avec Variations.

Artiste intuitif et ouvert, comédien occasionnel, amateur de théâtre, de jazz et de cinéma, Blutch " se nourrit de tout ce qui se présente, alternant les genres narratifs ou les univers graphiques (bande dessinée, comix, récit historique et autobiographique).

Ce que le dessin amène, avec les armes qu'il nous donne, c'est un langage d'une richesse insondable. C'est mystérieux, surprenant, abstrait, archaïque, moderne, unique

Avec toujours une haute idée du 9ème art et une grande exigence dans l'édition de chacun de ses albums, Blutch qui a été lauréat du Grand Prix d'Angoulême en 2009, glisse cette petite confidence: "un prix c'est important : ça rassure... "

Sylvain Alzial, Documentation sonore de Radio France
>>> Pour aller plus loin, une sélection d'Annelise Signoret >>>
" Site pas officiel sur Blutch "
Biographie proposée par la Bédéthèque
La leçon de dessin de Blutch une vidéo France Inter, à voir sur YouTube

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Blutch, une bulle à part : reportage diffusé dans Entrée libre sur France 5 le 16 janvier 2018

Concert de dessins avec Blutch, enregistré le 4 décembre 2009. A voir sur Youtube

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Blutch fait son cinéma en bande dessinée : Rencontre à l'occasion de la parution de son livre Pour en finir avec le cinéma (octobre 2011). Une vidéo en ligne sur Viméo

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Blutch : "Le dessin permet tout, c'est la langue parfaite"

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Il dessine tout le temps et depuis toujours. N'importe quoi et n'importe quand. Dans les cases ou hors les cases, les jours gris comme les jours ensoleillés. Miroir de ses émotions et de ses humeurs, le dessin est toujours là pour capter ce qu'il y a capter sans aucune hiérarchie : "une femme nue ou un caillou, une voiture ou un chien...."

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Wajdi Mouawad : "Il y a une ligne, une éthique qui se joint au geste de la création et qui devient une véritable vocation"

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Wajdi Mouawad : “Il y a une ligne, une éthique qui se joint au geste de la création et qui devient une véritable vocation”

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Le dramaturge libanais Wajdi Mouawad nous livre ses influences, les écrits qui l’ont marqué et les résonances que trouve chez lui le théâtre antique.

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Orlan : "J'ai toujours fait de l'art, je ne sais pas faire autre chose"

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Née Mireille Suzanne Francette Porte en 1947 à Saint-Etienne, devenue ORLAN dans les années 1960, la plasticienne a désigné son corps comme " le lieu du débat public ".

ORLAN est l'une des plus grandes artistes françaises, reconnue à l'internationale. Elle utilise la sculpture, la photographie, la performance, la vidéo, la 3D, les jeux vidéo, la réalité augmentée ainsi que les techniques scientifiques et médicales comme la chirurgie et les biotechnologies.

ORLAN change constamment et radicalement les données, déréglant les conventions, les prêt-à-penser. Elle s'oppose au déterminisme naturel, social et politique, à toutes formes de domination, la suprématie masculine, la religion, la ségrégation culturelle, le racisme...

Ce qui m'importe, c'est que la vie soit intense, et toujours avec une attitude critique sur le monde, et sur moi-même.

Toujours mêlée d'humour, parfois de parodie ou même de grotesque, son oeuvre provocante peut choquer car elle bouscule les codes préétablis.

ORLAN a reçu le prix de l'e-réputation, désignant l'artiste la plus observée et commentée sur le web. En 2017, ORLAN a reçu le grand prix international de l'Excellence féminine pour toute son oeuvre d'artiste par le Ministère Des Affaires Étrangères Italien.

Retrouvez ci-dessous cette Masterclasse en vidéo :
>>> Pour aller plus loin, une sélection d'Annelise Signoret >>>
Le site officiel d' ORLAN

Mireille Dumas interviewe l'artiste plasticienne ORLAN sur le travail du corps. Emission du 24 juillet 1993, une vidéo à revoir sur le site de l'Ina :

ORLAN ou le " corps en gloire " article à lire sur le blog de Yannis Constantinidès, Le corps dans tous ses états, en ligne sur le site de Philosophie Magazine

ORLAN ou le corps en gloire. La bonne chair, article à lire sur le blog de Yannis Constantinidès, en ligne sur le site de Philosophie Magazine

De la self-hybridation aux cellules souches, article d'ORLAN, paru dans les actes du colloque organisé au musée du Quai Branly : Performance, art et anthropologie.

ORLAN - Expérimentale Mise en Jeu : Démo d'un jeu vidéo créé par ORLAN et développé par la société PTYX :

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Orlan : "J'ai toujours fait de l'art, je ne sais pas faire autre chose"

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Née Mireille Suzanne Francette Porte en 1947 à Saint-Etienne, devenue ORLAN dans les années 1960, la plasticienne a désigné son corps comme " le lieu du débat public ". ORLAN est l'une des plus grandes artistes françaises, reconnue à l'internationale.

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Toute la composition est sur un seul plan. Il n'y a pas différents rideaux de lumière décroissante, pas de perspectives convergentes qui percent la surface. Les figures ne sont entourées d'aucune atmosphère et ne projettent aucune ombre. Ni la figure individuelle, ni les couleurs ne se fondent ou ne se mélangent, et le modelage, à l'exception du type le plus superficiel et le plus délicat, est soigneusement évité. (107) Arthur Upham Pope

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La peinture miniature persane est un art de cour et d’aristocratie, avec des couleurs exquises, des compositions équilibrées et une attention méticuleuse aux détails. Bien que ses origines soient difficiles...

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Pourquoi Baselitz peint-il ses sujets la tête en bas ?

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L'artiste allemand Georg Baselitz expose au Frac Picardie à Amiens, en 2004. ©Getty - © Raphael GAILLARDE / Contributeur

Ouh là l'Art !

Renversantes, les œuvres de Georg Baselitz le sont ; jusqu'au 7 mars prochain le Centre Pompidou consacre une rétrospective à l'artiste : auditeurs et spectateurs, inversez le regard et faîtes preuve de souplesse !

Qu'ils représentent des portraits, des paysages, ou des nus, les tableaux de Georg Baselitz ont tous un point commun : ils sont à l'envers. Non pas que les toiles aient été retournées pour les besoins de l'exposition, mais ils sont peints à l'envers, tête en bas, provoquant un malaise recherché par l'artiste : "Ces tableaux ne mordent pas comme le fait le chien, mais ils peuvent nous faire tourner la tête" dit-il. Et en effet : pour observer ce visage, mieux vaut faire une galipette. Voire, du propre aveu de l'artiste, un double saut périlleux quand l'oeuvre est particulièrement réussie. Alors d'où vient ce besoin de représenter ces corps la tête en bas ?
Écoutez la chronique "Ouh là l'Art" en intégralité ci-dessus.

L'équipe

Adèle Van Reeth, directrice de France Inter

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Pourquoi Baselitz peint-il ses sujets la tête en bas ?

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L'artiste allemand Georg Baselitz expose au Frac Picardie à Amiens, en 2004. ©Getty - © Raphael GAILLARDE / Contributeur Renversantes, les œuvres de Georg Baselitz le sont ; jusqu'au 7 mars prochain le Centre Pompidou consacre une rétrospective à l'artiste : auditeurs et spectateurs, inversez le regard et faîtes preuve de souplesse !

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"Niki de Saint Phalle, de la révolte à l'art", un récit

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La fiction

Écrite par Léo Koesten, réalisée par Michel Sidoroff et produite par Christophe Barreyre.

Léo Koesten, le scénariste

Léo Koesten est né le 26 mai 1945. Il a partagé sa vie entre enseignement - il a été, notamment, professeur d'allemand et de communication à l'Université de Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines, et médias - il a gagné deux prix de télévision pour des courts-métrages, le premier sur le compositeur Olivier Messiaen, le second sur le peintre surréaliste Max Ernst.

Pour ARD, la première chaîne de télévision allemande, il a suivi durant 5 ans le Tour de France cycliste en réalisant de très nombreux reportages à caractère touristique et culturel.

Il est l'auteur de nombreux manuels d'apprentissage du français destinés aux lycéens allemands, d'une centaine de pièces et de reportages pour la radio allemande à Cologne et de plus d'une trentaine de pièces historiques et de polars pour France Inter, France Inter qui a diffusé le 26 décembre 2014, dans le cadre d' Affaires sensibles, un docufiction consacré à l'écrivain Marguerite Yourcenar. Il a également écrit la fiction sur Pierre Dac et sur le chef d'orchestre Herbert von Karajan.

Pour la série Au fil de l'histoire, il a écrit une pièce d'une durée de 30 minutes, Du sang sur la Rose blanche, l'histoire de ces jeunes Allemands qui avaient appelé la population allemande à résister aux nazis et qui l'ont payé de leur vie. Dans ce texte pour France Inter, il y avait matière à pièce de théâtre. C'est ainsi que sont nés Les Peintres, un texte écrit en collaboration avec Laurent Cazanave. Cette pièce a été publié aux éditions L'Harmattan et fera prochainement l'objet de lectures dans le Sud de la France.

Pour l'heure, Léo Koesten met la dernière main à un court-métrage et à une pièce de théâtre commandée par la ville de Sèvres, pièce qu'il a intitulée Les défis de Madame de Pompadour.

Extrait de l'émission

(...)

Plasticienne, peintre, sculptrice et réalisatrice de films, Niki de Saint Phalle (1930-2002), après avoir réalisé des tableaux assemblages, elle devient célèbre en 1962 avec ses " tableaux tirs à la carabine " qui font saigner la peinture. S'inscrivant dans la mouvance des nouveaux réalistes, elle explore les représentations de la femme avec ses mariées, accouchements, déesses, puis au milieu des années 1960, ses " Nanas ", sculptures monumentales et colorées, qui sont l'étendard d'un féminisme dont elle est une des premières représentantes. Son engagement dans un art public qui s'adresse à tous trouve son apogée dans le jardin des tarots en Toscane , auquel elle travaille pendant 20 ans.

Personnalité magnifique et rebelle, Niki de Saint Phalle a produit une œuvre singulière qui frappe par sa radicalité, mais aussi par son énergie joyeuse, son humour et sa poésie.

Lorsque Niki de Saint Phalle décide de se consacrer à l'art au milieu des années 1950, elle fait aussi le choix d'être une artiste autodidacte plutôt que de suivre un enseignement académique qui briderait sa liberté. Victime d'inceste perpétré par son père quand elle avait 11 ans, un secret qu'elle ne révèlera qu'à la fin de sa vie, Niki choisit très tôt d'être " une héroïne " et de s'affranchir de l'existence sans relief des femmes de son temps. La radicalité de ses choix artistiques sera cependant toujours tempérée par l'optimisme, l'humour et une imagination d'une richesse inouïe. Entre 18 et 25 ans, Niki pose comme mannequin pour les plus grands magazines américains, puis français, afin de gagner sa vie. Elle a alors, bien sûr, rompu avec sa famille.

Devenue artiste, elle saura jouer de la représentation photographique et filmique de son travail où elle critique les rôles assignés à la femme.

Sa rencontre avec l'artiste suisse, Jean Tinguely, qu'elle épousera, sera décisive. Il est peintre, sculpteur, dessinateur et inventeur. Il est en quelque sorte " bluffé " par le talent de son épouse. Ensemble, ils collaboreront à de nombreuses œuvres, dont, par exemple, Le " Cyclop " également connu sous le titre " Le Monstre ou La Tête ", est une sculpture monumentale construite dans la forêt de Milly entre 1969 et 1994. Outre Tinguely et Niki de Saint Phalle, une quinzaine d'artistes ont collaboré à cette œuvre : Daniel Spoerri, Jean-Pierre Raynaud, Eva Aeppli, César, Arman, et L'œuvre est située dans le bois des Pauvres à Milly-la-Forêt.

" Mon œuvre est autobiographique. J'ai essayé de mettre toujours dans mes œuvres ce que je ressentais sur le moment. Mon enfance était douloureuse, solitaire et difficile, et alors je m'échappais dans un monde merveilleux. Ça m'a donné une structure pour toute ma vie. Je ne vais pas regretter mon enfance : ça m'a permis d'être ainsi. " (Niki de Saint Phalle).

(...)

Camille Morineau, l'invitée

Titulaire d'un DEA en histoire de l'art, Camille Morineau a enseigné l'histoire de l'art du XXème siècle plus de dix ans à l'Ecole du Louvre, et deux ans à l'Ecole Normale Supérieure dont elle est une ancienne élève. Elle a travaillé dans différents musées parisiens : le musée d'Art moderne de la Ville de Paris, la galerie du Jeu de Paume, avant d'être chargée du Fonds municipal d'art contemporain dont elle a organisé la première exposition publique (Jeux de genres, Espace Electra, 1998). Elle a été chargée de la commande publique artistique à la Ville de Paris pendant deux ans, sujet sur lequel elle a organisé un cycle de conférences pendant deux ans à l'Ecole du Louvre. Elle a ensuite travaillé dix ans au Centre Pompidou comme conservatrice des Collections contemporaines, et a été commissaire d'exposition, notamment pour Niki de Saint Phalle, rétrospective, au Grand Palais en 2014, puis au Guggenheim Bilbao en février 2016. Elle décrit l'artiste comme " Féministe, politique, surprenante ". Elle collabore régulièrement avec Art Press et les Cahiers du Musée national d'art moderne.

Niki de Saint Phalle. Les couleurs de la vie

À l'occasion de la rétrospective de l'œuvre de Niki de Saint Phalle au Grand Palais en partenariat avec France Info, Radio France et l'Ina éditent deux CD d'entretiens dans la collection Les Grandes Heures.

Générique

Arnaud Bédouët - Le narrateur
Aurélie Nuzillard - Niki de Saint-Phalle
Guillaume Durieux - Tinguely
Laurent Cléry - Le psychiatre
Sophie Doll - La "soucoupe"

Bruitages - Bertrand Amiel
Prises de son, montage et mixage - Claire Levasseur, Yannick Magnin
Assistants à la réalisation - Lise-Marie Barré, Lélio Plotton
Réalisation - Michel Sidoroff

Les coulisses de l'enregistrement

Une émission à suivre, commenter et partager sur Facebook.

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"Niki de Saint Phalle, de la révolte à l'art", un récit

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Suite à une grave dépression au début des année 1950, la jeune Niki de Saint Phalle est internée et doit subir des électrochocs. Après cette expérience, elle décide d'exprimer dans ses œuvres sa révolte contre une enfance marquée par l'inceste.