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Continente: África

Tipo: Género musical

Obra: La música Chimurenga

Ubicación geográfica: Popular del continente africano y del país Zimbabwe. Es asociada con la región del Masvingo.

Temporalidad: Este género tuvo su impacto en la época contemporánea durante los años 1960 -70s

Descripción: Se trata de un género musical africano popularizado por Thomas Mapfumo. Chimurenga es una palabra en lengua shona para liberación, y se la ha ampliado para describir una lucha por los derechos humanos, la dignidad política y la justicia social. El estilo está basado en la música tradicional Shona mbira, pero con instrumentación eléctrica, con letras que manejan temáticas sociales y políticas.

Este género surgió como una pieza clave para unir a las poblaciones rurales contra el gobierno de minoría blanca durante la lucha por la mayoría negra. durante las décadas de 1960 y 1970. Este nuevo género musical representó una ruptura con el pasado colonial y como una fuente de empoderamiento ante los colonos. Con esta aura de liberación que transmitía la música, para el año 1980, el país Zimbabwe se independizó de Gran Bretaña. Después, se le fue añadiendo a este género mbiras y hoshos para ser más tradicional y crear canciones en alabanzas al nuevo gobierno.

Postulados: Respecto a temáticas descoloniales este género nació para luchar en contra de un gobierno colonial usando estilos populares occidentales y músicas variadas del sudeste de África, tomando en cuenta la música originaria del país y a su vez sirviendo como un protesta política y social.

El nombre de tal género se traduce como “lucha colectiva”, “lucha”, “levantamiento” o “guerra de liberación”.

Se tenía como objetivo el buscar una nueva expresión musical de los ideales y la identidad shona. Trabajando a partir de una base de banda de rock (guitarras eléctricas y rítmicas, bajo y batería), y con elementos característicos musicales del país. Fomentando no solamente una contra respuesta al colonialismo, sin, también, resaltar la cultura de shona a base de su música, dejando atrás las costumbres coloniales e inspirando a más gente de la población.

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Thomas Mapfumo - Haruna from Spirits To Bite Our Ears (Zimbabwe) Chimurenga

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Continente: Forma parte de la diáspora Afrodescendiente

Tipo: Artista contemporánea (pintora, cineasta, artista de instalaciones)

Ubicación geográfica: Estados Unidos (Stockton, California - Nueva York)

Temporalidad: 1990 - actualidad

Descripción: Kara Walker es una artista estadounidense, representante de la lucha contra la discriminación afrodescendiente por medio de su arte, en las cuales priman temas como la violencia, raza, feminidad y la esclavitud.

Sus obras son reconocidas por el uso de recortes para crear siluetas negras y blancas, las cuales representan de maneras poéticas y dramáticas eventos trágicos reminiscentes a la brutalidad cometida por la discriminación racial.

Walker utilizó la época de la Guerra Civil de Estados Unidos como una gran fuente de inspiración para su creación, debido a los efectos de este evento histórico en la historia americana. Entre sus obras creadas con siluetas se encuentran Darkytown Rebellion (2001, expuesta en el Museo Whitney de Arte Americano, situado en Nueva York) y The End of Uncle Tom and the Grand Allegorical Tableau of Eva in Heaven ( El Fin del Tío Tom y la Gran Pizarra de Eva en el Paraíso - 1995, en el Museo de Solomon R. Guggenheim, en Nueva York).

Además de las siluetas, ella es conocida por el uso de espacios públicos, por ejemplo en su obra A Subtlety (Una Sutilidad, 2014, situada en la Refinería de Azúcar Domino, en Nueva York).

Postulados: Con respecto a su proceso descolonial, Walker explora la identidad negra y su evolución con el paso de los años, cuestionando cómo crear un cambio en el mundo mientras critica las narrativas sociales impuestas y dando un espacio de expresión en el que destacan las personas pertenecientes a la comunidad negra.

https://historia-arte.com/artistas/kara-walker

https://www.singulart.com/es/blog/2023/11/09/kara-walker-obras-famosas/

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Existen muchos artistas que, desde el cubo blanco, denuncian la realidad negra. Kara Walker es, quizás, una de las más relevantes e interesantes.

Walker nació en Stockton (California), donde vivió hasta los 13 años. A esa edad se muda con su familia a Atlanta donde comprueba en sus carnes que era un mal lugar para ser negra. Inició sus estudios artísticos en el College of Art de esta ciudad pero decide que nada tienen que aportarle los grandes pintores europeos y americanos así que opta por mostrar sus inquietudes en torno a la identidad, raza y género y cómo estos conceptos determinan la forma en que se generan las relaciones de poder.

Observa en todo esto una característica principal, la ambigüedad. ¿Quién tiene realmente el poder? ¿Dónde reside la moralidad? Decide que las siluetas representan a la perfección todo esto. La Historia del Arte y de la Humanidad están atravesadas por el interés por estas que son reflejo de la realidad o todo lo contrario, nuestra proyección de la realidad. Desde el mito de la caverna de Platón o las sombras chinescas hasta la misma leyenda acerca del origen de la pintura: Kora, una joven corintia, allá por el siglo VII a. C, dibujó la silueta de su amado en la pared para inmortalizarlo.

Así, los trabajos de Walker más representativos están realizados con papel negro en los que recorta siluetas componiendo enormes frisos, con enormes títulos, que se desparraman por las paredes y nos cuentan historias; muchos de ellos están ambientados en la Guerra Civil Americana. Las siluetas eliminan los detalles por lo que la artista exagera, por ejemplo, los rasgos negroides para que con un simple recortable, todos nos enteremos de quién es quién. Dota a sus murales de cierta inocencia aparente pero, poco a poco, a medida que nos fijamos en los detalles, nos van clavando un puñal que deja cicatrices.

Así, Walker practica "lo grotesco estereotípico" esto es, una cierta caricaturización de los estereotipos raciales compartiendo estrategia crítica con artistas como Yinka Shonibare, Ellen Gallagher o Rotimi Fani-Kayode.

Kara Walker, como otros artistas negros, se enfrenta al dilema acerca de cómo mostrar su arte dentro de un sistema artístico creado por el mismo poder colonialista que denuncian. Aún, creo, están por venir fórmulas acertadas pero, de momento, parecen haber decidido actuar desde dentro.

La artista también escribe, pinta, dibuja y realiza instalaciones de gran tamaño, destacando "Una sutileza" (o "Maravillosa Sugar Baby"), de 2014

Y es que Walker no es una artista negra que denuncia la esclavitud, lo cabrones que fueron los esclavistas, sino que cuestiona las certezas como inicio de un cambio real en el mundo.

Nacimiento de
Kara Walker

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1969Existen muchos artistas que, desde el cubo blanco, denuncian la realidad negra. Kara Walker es, quizás, una de las más relevantes e interesantes. Walker nació en Stockton (California), donde vi...

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Continente: África

Tipo: Filme o película

Obra: Sankofa (1993)

Ubicación geográfica:  Se trata de una película etíope-ghanesa, producida en Etiopía, y se filmó en zonas de la costa de Ghana, en el poblado de Edina o también conocida como Elmina, siendo los lugares, los siguientes: Elmina Castle y Cape Coast Castle. Son las mismas locaciones donde ocurrieron los hechos de la trata de esclavos.

Temporalidad: No se tiene la información exacta de la fecha de producción, pero se sabe que forma parte de la época contemporánea, el año de filmación fue entre 1989 y 1991. En 1993 fue el estreno de la película.

Descripción: Se trata de una película dramática, dirigida por Haile Gerima, que aborda el tema de la trata de esclavos en el Atlántico. El argumento cuenta como una modelo afroamericana llamada Mona, después de un rodaje decide realizar una sesión de fotos en el Castillo de la Costa del Cabo, para conectar con sus raíces africanas, aunque si saber que ese lugar era donde antes se usaba para comercio de esclavos. Al encontrarse con el misterioso anciano Sankofa, ella decide echar un vistazo al castillo, pero termina siendo transportada a un pasado donde experimenta la vida de una esclava. Ahí, es donde a través de esta experiencia, Mona tiene una compresión clara de su identidad y herencia pasada.

La idea del filme se dio por las experiencias y reflexiones personales del director sobre la historia y la diáspora africana. La visita a las locaciones, antes de la realización del filme, y su impactante historia detrás de esta, dio la oportunidad de que explorara el trauma y la experiencia de la esclavitud africana. También, esta película se dio, por la motivación de la poca existencia de representaciones auténticas y matizadas de la historia africana en el cine occidental. Por eso el director decidió mantener el control creativo y asegurar que la película reflejara genuinamente la perspectiva africana.

Este filme ganó un premio en el Festival de Cine Africano en Italia y Mejor Fotografía en el Festival de Cine Panafricano FESPACO, fue denominada como una de las 500 películas absolutamente esenciales para cultivar un gran gusto en el cine por profesores de estudios cinematográficos de la Universidad de Harvard, y también, en 2021, ARRAY remasterizó la película en 4K con presentación limitada en cines

Postulados: Muchos de los elementos presentados dentro de la narrativa del filme funcionan como herramienta para demostrar una posición anticolonialista, siendo el esencial, el personaje del anciano Sankofa, que a través de su música da una comunicación con sus antepasados africanos. Busca traer de vuelta a casa los espíritus de sus antepasados asesinados en la diáspora africana. En sí, el concepto del personaje refleja la temática de diáspora africana, el uso del característico del “hombre blanco” y la identidad africana antes de la colonización que tuvo impacto al traer asesinatos de gente inocente.

Toma la importancia de la imagen y la música para conectar más con la cultura, con la historia trágica de la colonización en África. La imagen va resaltando la dignidad y resistencia de los africanos, y cuestionando las narrativas que han sido impuestas por los colonizadores. Usa símbolos y tradiciones, lo que ayuda a revalorar la cultura africana en el contexto postcolonial. Como ejemplos, son las representaciones de las prácticas espirituales, las costumbres y la vida comunitaria que resisten la deshumanización impuesta por la colonización.

La palabra perteneciente al título de la película significa "regresar, buscar y obtener sabiduría, poder y esperanza", algo que conecta mucho con la trama de la película, que refleja la importancia de que uno no se aleje demasiado del pasado para poder progresar en el futuro. Esto es representando por un pájaro, los cantos y tambores dentro del filme. Siendo elementos simbólicos dentro de la película.

El mensaje del filme, se explora por medio de la protagonista, el redescubrimiento de la identidad africana. Ella confronta su pasado y conecta con su herencia, y a su vez, el espectador conecta con la historia y comprende la identidad cultural. El desarrollo del protagonista refleja un proceso de descolonización mental.

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ARRAY Releasing presents: SANKOFA - A FILM BY HAILE GERIMA

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Continente: América

Tipo: Filme o Película

Título: "Get Out" dirigida y escrita por Jordan Peele

Ubicación geográfica: Durante la producción, se filmó en Estados Unidos, en los Ángeles en el Aeropuerto Internacional. En el estado de Alabama siendo Heathcroft Lane en la ciudad de Fairhope, y en la academia Barton en la localidad de Mobile.

Temporalidad: La película forma parte de la era contemporánea, su fecha de producción, en teoría, es el día de la elección del cast principal, siendo en noviembre del 2015. Mientras que el rodaje empezó en febrero del 2016, un rodaje que se terminó en 23 días. Se diría que el tiempo de producción es del 2015 – 2016. Al final "Get Out" tuvo su estreno en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2017 y fue lanzada en cines en febrero de 2017.

Breve descripción: Se trata de una película de terror y thriller psicológico dirigida y escrita por Jordan Peele. Caracterizada por su combinación de terror con una aguda crítica social sobre el racismo y la esclavitud. La película cuenta la historia de Chris Washington, un joven afroamericano, que, al visitar la casa de los padres de su novia, una chica blanca, nota comportamientos extraños y perturbadores en la familia. Poco a poco se descubre que esta familia tiene una fascinación por los afroamericanos y han estado secuestrando a estos para someterlas a un procedimiento que transfiere la conciencia de los miembros de la familia a los cuerpos de los afroamericanos.

La idea del filme, se dio durante el Partido Demócrata de 2008, donde competían Barack Obama y Hillary Clinton. El director vio una oportunidad para abordar el racismo y el sexismo, y a su vez, usó como inspiración los filmes "Rosemary's Baby" y "The Stepford Wives". Desde ese punto, pensó en crear una película que tacara temas raciales con un enfoque inquietante.

La película tuvo una buena recaudación, en cuanto crítica recibió elogios teniendo una puntuación de 84 a 100, basada en 299 reseñas, con un consenso que destaca su mezcla efectiva de terror y comedia con críticas sociales incisivas. Fue nominado en los Oscars, Globos de Oro, y el BAFTA. Ganó a mejor guion original y estrella emergente, la película renovó el género de terror al combinarlo con una crítica social profunda, generando una tendencia hacia el terror que no solo asusta, sino que también invita a la reflexión. Ofreció un dialogo más amplio de temáticas como la hegemonía, esclavitud, opresión, y racismo, estando vigentes desde la época colonial hasta la modernidad.

Postulados: Muchos de los elementos presentados dentro de la narrativa del filme, en forma de simbolismos y crítica social, funcionan como herramienta para demostrar de forma indirecta una posición anticolonialista, su enfoque en el racismo y la explotación se puede interpretar como una forma de resistencia y crítica a las dinámicas de poder coloniales y neocoloniales.

Un conflicto dentro de la trama de la película es la explotación de los cuerpos afroamericanos para la transferencia de conciencia de los personajes blancos, esto funciona como una metáfora a la explotación y venta de esclavos afroamericanos en la época colonial, donde eran apropiados por los colonizadores.  También, aborda la temática de apropiación cultural, cuando la familia Armitage se muestra interesada en la cultura afroamericana por un deseo de apropiarse y explotar lo que consideran exótico.

Igualmente, esta película habla cómo el colonialismo y el racismo no siempre se manifiestan de manera abierta, sino que pueden estar disfrazados de modernidad y tolerancia. Igual que la película anteriormente analizada, este filme resalta las desigualdades de poder y control entre los personajes blancos y afroamericanos, es una crítica a las estructuras de poder opresivas en sistemas coloniales de la época.

El uso de elementos simbólicos se resalta con el concepto del "teatro" en la familia Armitage como una metáfora para la forma en que los colonizadores han manipulado a los colonizados. El elemento de la hipnosis puede se runa representación de la dominación de los blancos sobre los pueblos colonizados, en la que cohíben su capacidad de resistencia y autonomía, como en la mítica escena de la hipnosis por parte de madre.  Aún así, el filme trata de dar un mensaje de resistencia y empoderamiento de la opresión del racismo, o actos que pueden considerarse propios de la colonización disfrazados. Refleja un sentimiento de resistencia, crea una lucha anticolonialista, de pueblos o personas oprimidas contra quien los somete. Su final refleja liberación y justicia para el personaje, algo similar a como poco a poco las cultura o etnias fueron liberadas de la opresión colonial a través de movimientos políticos.

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Get Out Official Trailer 1 (2017) - Daniel Kaluuya Movie

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Continente: América

Título: La verdad (Regina José Galindo)

Tipo: Performance

Ubicación geográfica: Guatemala, Área Ixil (región petrolera)

Temporalidad: 2013

Descripción: “La verdad” es un performance, representado por Regina José Galindo, en el cual intenta exponer la realidad silenciada de la Guerra Civil de Guatemala mientras un médico anestesia su boca, haciendo que no le sea posible hablar y ser entendida.

En dicha guerra, los militares cometieron un genocidio a una comunidad indígena guatemalteca, pues ellos alegaban que ellos simpatizaban con la guerrilla. Además del genocidio, también cometieron actos brutales como violaciones a niñas y mujeres, persecución y maltrato. A pesar de que se realizó un tratado de paz, estas atrocidades seguían ocurriendo, y años después en un juicio todos estos testimonios silenciados por fin salieron a la luz.

El performance se realizó en Ciudad de Guatemala, mientras que los eventos relatados por Galindo ocurrieron en la región Ixil, al rededor de los años 80’s.

Postulados: Esta obra visibiliza el silencio al que fue sometida esta comunidad y les otorga una voz mientras representa lo que es verse arrebatado del derecho a protestar. De la misma manera, la artista utiliza su cuerpo para representar un territorio invadido que constantemente opone resistencia.

https://www.youtube.com/watch?v=aNMjcPVgXZM

https://www.reginajosegalindo.com/

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Continente: Forma parte de la diáspora Afrodescendiente

Título: Afrofuturismo

Tipo: Movimiento cultura estético

Ubicación geográfica: Estados Unidos (Nueva York, Chicago, Detroit)

Temporalidad: 1950’s - actualidad

Descripción: El afrofuturismo es un movimiento artístico, cultural y estético, el cual surgió como respuesta a la falta de representación afro en las obras de ciencia ficción. Incluye elementos de la diáspora afrodescendientes y los integra en narrativas con visión futurística como forma de resiliencia, desapegándose de los estereotipos establecidos en la narrativa blanca tradicional.

Su aparición ocurrió a mitades del siglo XX, no obstante, el término surgió en 1994 con el artículo Black to the future , por Mark Dery*.* Este movimiento ha creado obras musicales, cinematográficas, visuales y literarias.

Sus mayores representantes son Sun Ra, un músico de jazz que empleó en sus creaciones esta temática cósmica, Jean-Michel Basquiat con su arte visual y teóricos como Octavia Butler y Samuel R. Delaney.

Postulados: El afrofuturismo toma el control de las narrativas eurocéntricas y le otorga a las comunidades silenciadas el poder que se les fue arrebatado en estas. Además utiliza elementos de la tecnología pero también de las creencias espirituales en la cultura africana.

Como dato curioso, se cree que los extraterrestres y las abducciones se utilizaron como metáfora para los eventos ocurridos en la diáspora afrodescendiente.

https://culturebay.co/es/blogs/afrofuturismo-es/introduccion-a-la-historia-del-afrofuturismo

https://lab.cccb.org/es/afrofuturismo-ciencia-ficcion-e-identidad-africana/

https://www.singulart.com/es/blog/2023/11/09/jean-michel-basquiat-pinturas-famosas/

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Continente: Asia

Título: Ghare Baire (1984)

Tipo: Película romántica bengalí

Ubicación geográfica: India, filmada en Bengala Occidental

Temporalidad: 1984 (ambientada en 1907)

Descripción: Ghare Baire, también conocida en español como Hogar y el mundo, o El mundo de Bimala es una película de la India del cineasta Satyajit Ray.

La trama se desata cuando Nikhilesh incita a su esposa Bimala a salir de su vida protegida y participar en el movimiento Swadeshi. Entonces ella se enamora de Sandip, un líder del movimiento, y se crea un triángulo amoroso, acompañado de tensiones en su matrimonio.

Bimala se adentra más en las ideas extremistas de Sandip y Nikhil se opone. Al final del filme, ella descubre las verdaderas intenciones de Sandip y reconoce el valor de la moderación de Nikhil, pero debe enfrentarse consecuencias de los conflictos ideológicos en la India colonial.

Postulados: El filme cuestiona el nacionalismo y la percepción de elementos en la cultura India, influenciada en ese entonces por la dominación Británica. Explora la identidad cultural de una mujer que sale de su espacio conocido y enfrenta a la sociedad una vez que se une al movimiento Swadeshi.

https://www.imdb.com/title/tt0087328/

https://asianmoviepulse.com/2020/04/film-review-ghare-baire-1984-by-satyajit-ray/

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Continente: Asia

Título: Nalini Malani

Tipo: Artista contemporánea

Ubicación geográfica: Mumbai, India

Temporalidad: 1970’s - actualidad

Descripción: Nalini Malani es una artista que ha expresado su arte por medio de pintura, performance, videos e instalaciones. Su tema predominante es el género, la violencia, la transgresión interreligiosa, y la experiencia de ser una mujer india, desafiando las creencias impuestas, pues la representa de una manera en la que es destructora pero protectora a la vez.

De la misma manera, sus obras también tienen una fuerte influencia de su experiencia en la migración durante la partición de India (ocurrida a finales de los años 40).

Una de sus obras más conocidas es Mother India (2005), una proyección que utiliza el cuerpo femenino como representación de la identidad india, protestando contra la violación del territorio y de las mujeres.

Postulados: Malani habla en sus creaciones sobre el trauma y la memoria como una forma de reivindicación. Asimismo, cuestiona el rol de la mujer y la identidad india.

https://journalonarts.org/wp-content/uploads/2015/07/SVACij-Vol2_No1_2015-Vial-Kayser-Nalini-Malani-a-global-storyteller.pdf

https://www.artgallery.nsw.gov.au/collection/works/338.2011.a-e/