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El arte conceptual es una corriente artística que se desarrolló a mediados del siglo XX, aproximadamente entre la década de 1960 y 1970. Su característica principal, que le diferencia de distintas corrientes artísticas, es la preponderancia sino dependencia sobre la idea. La idea o concepto detrás es la intención artística, no tanto el objeto físico final, el cual muchas veces solo es visto como el medio para comunicar el concepto. Por esto se aleja de las corrientes estéticas tradicionales. La obra puede ser un texto, una instrucción, una performance o una representación gráfica de la idea. No distingue límites de formato, dimensión, color, etc.

El arte conceptual pone especial atención en el proceso de creación por encima del resultado final, buscando con el mismo desafiar las convenciones del arte tradicional, cuestionando qué se considera arte y cómo deber ser presentado.

Por último, el arte conceptual se caracteriza por involucrar al espectador en la obra. Esto a menudo como parte necesaria para comprender la obra o completar su concepto, otorgando instrucciones para la participación activa en la obra.

Sus principales exponentes son:

1. Sol Lewitt: Considerado uno de los padres fundadores del arte conceptual, LeWitt es famoso por sus "Instrucciones" para crear arte, donde el concepto se escribe y puede ser ejecutado por otros. Aportando también al paradigma del arte minimalista y desarrollando su obra desde 1965 (Foto adjunta. "Wall Drawing N.804" 1996)

2. Marcel Duchamp: Aunque trabajó antes del auge formal del arte conceptual, Duchamp influyó enormemente con su obra de arte "ready-made" como el "Fountain" firmado por el seudónimo de R. Mutt. Su trabajo cuestionó las nociones de autoría y valor artístico.

3. Joseph Kosuth: Su obra más conocida, "One and Three Chairs," es una obra clave para comprender el arte conceptual. Subrayando la relación entre el objeto, la representación y el concepto.

4. Yoko Ono: Conocida por su trabajo en performance y su enfoque en las ideas y las instrucciones, Ono ha sido una figura clave en el arte conceptual, especialmente con sus "Instruction Paintings" y "Cut Piece."

5. Lawrence Weiner: Su trabajo a menudo consiste en declaraciones escritas que pueden ser interpretadas de diferentes maneras. Weiner es conocido por sus textos visuales que desafían las convenciones del arte físico.

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Paso 1: Leer el siguiente artículo sobre la imagen del arte POP. Realizar un resumen de 100 palabras

El arte pop se caracteriza por apropiarse de los códigos de la cultura pop para resemantizarlos en nuevas creaciones artísticas, usualmente cargadas de crítica, sátira o ironía.

En las obras seleccionadas del artículo figuran elementos de la sociedad de consumo, personajes pop, símbolos altamente conocidos, la repetición de iconos y ese sentimiento frívolo y superficial que trata el arte pop.

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a) Obra elegida: Juramento de los Horacios (Le Serment des Horaces)

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Artista: Jacques-Louis David

Año: 1784

Ubicación: Museo del Louvre, París, Francia

Estilo: Neoclasicismo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 330 x 425 cm

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1. Un "insert" en la obra, conmigo y un grupo de amigos, representando la escena. Generando una fotografía

2. Puedo intervenir la obra con estilo dadaísta para criticar las estructuras de poder y la idea nacionalista que promueve la obra

3. Puedo eliminar a los personajes, para así dejar solo el fondo vacío y generar una elipsis al ser una obra reconocida

4. Puedo cambiar a los personajes para reemplazarlos con otros de alguna obra de cultura popular que se asemeje al significado de honor y responsabilidad de la pintura original

5. Puedo representar la escena con otro estilo artístico contemporáneo (pintura digital, anime, manga, etc)

6. Puedo generar una antítesis al significado de la obra, cambiando los personajes y reemplazandolos con un mito clásico, egipcio, nórdico, etc. que difiera a los valores de la obra

7. Puedo mezclar la antítesis de reemplazar los personajes, con el cambio de estilo artístico

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Conceptual: Generar una antítesis a los valores de la obra, mediante el reemplazo de personajes e historias representadas

Formal: Respetar la disposición de personajes y la composición que generan, ajustarse a eso para resignificar la obra

Técnica: Dibujo manual, entintado, manga

Materiales: Papel opalina, papel mantequilla, lápices, rapidógrafos, fotomontaje en photoshop

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Paso 3: Reflexionar acerca de los conceptos de apropiación, resemantización y deconstrucción en los medios digitales y las imágenes en redes sociales. ¿Cómo usted entiende el desarrollo de una estrategia aplicada a la cultura visual? (50 palabras).

Encontrándonos inmersos en un mundo donde la inspiración artística puede venir de múltiples medios y frentes, donde las máquinas empiezan a atribuírse como artistas, y la sensación de que "todo ya ha sido creado" puede emerger, como han propuesto algunos ideólogos; es fundamental volver la mirada hacia los recursos de apropiación, resemantización y deconstrucción como necesarios del proceso creativo e inherentes a la creación artística, recordándonos la frase latina "Ex nihilo nihil fit" (nada surge de la nada)

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El término "resemantización" proviene de la combinación del prefijo "re-" (volver a) y "semantización" (proceso de asignación de significado). Osea, implica la transformación de los significados tradicionales o convencionales de un objeto o símbolo a través de nuevas interpretaciones. Esta transformación puede ser intencionada o emergente, y suele estar influenciada por cambios culturales, históricos o sociales.

Particularmente en contextos artísticos, este concepto es altamente aplicado de distintas formas:

Los artistas a menudo toman elementos del pasado, como iconos culturales, imágenes históricas o símbolos tradicionales, y los reinterpretan en nuevos contextos, para así cambiar su significado original o cuestionar las interpretaciones previas.

El contexto en el que se presenta una obra de arte puede cambiar su significado. Un objeto cotidiano puede transformarse en una pieza de arte cuando se coloca en un espacio de exposición, y su significado puede variar dependiendo de la intención del artista y la percepción del espectador.

Los artistas a menudo emplean la resemantización como una forma de crítica social o política. Al reconfigurar significados existentes, los artistas pueden cuestionar normas establecidas y provocar una reflexión más profunda sobre temas contemporáneos.

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La deconstrucción es un concepto que, aunque originado en la filosofía, ha tenido un impacto significativo en el campo del arte. Se asocia principalmente con el filósofo Jacques Derrida, quien introdujo esta idea en la década de 1960. En términos generales, la deconstrucción se centra en descomponer y cuestionar las estructuras y las ideas tradicionales para revelar sus contradicciones y supuestos ocultos.

La deconstrucción no pretende simplemente destruir estos conceptos, sino mostrar que están constituidos por una serie de tensiones y ambigüedades. Al hacer esto, se revela que los significados no son fijos, sino que están en constante negociación y reinterpretación.

Sus aplicaciones en el arte ven sus principales frutos en los paradigmas del arte posmoderno y contemporáneo mediante algunos de los siguientes puntos:

Descomposición de Formas y Estructuras: En lugar de seguir las formas tradicionales y las estructuras estéticas, los artistas deconstructivistas tienden a fragmentar y descomponer estos elementos. Esto puede resultar en composiciones que desafían las convenciones, rompen con la simetría y la coherencia, y presentan una visión más fragmentada y caótica.

Cuestionamiento de la Narrativa y el Significado: Los artistas que utilizan un enfoque deconstruccionista a menudo cuestionan las narrativas y significados establecidos en sus obras. Pueden jugar con la ambigüedad y la ambivalencia para desafiar la idea de que hay una única interpretación correcta. Esto puede verse en el uso de imágenes y textos que se superponen, se contradicen o se presentan de manera ambigua.

Interrogación de la Relación entre el Artista y el Espectador: La deconstrucción también examina las relaciones entre el creador de la obra y el espectador. Al cuestionar la autoridad del artista como el único intérprete de su obra, se invita a los espectadores a participar activamente en la construcción del significado, reconociendo que este significado puede ser plural y subjetivo.

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Paso 1. Tema: Mito nórdico, inicio del fin, ocaso de los dioses, muerte a traición

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Paso 4: Hacer un comentario de las dos lecturas ("Arte es todo lo que los hombres llaman Arte" y "El persistente impulso de resemantizar") vinculado al posmodernismo.

El primer texto, en su extensa explicación y ejercicio deconstructivo del pensamiento contemporáneo sobre el arte acaba llegando a la discusión propia de muchos teóricos del arte y centro de la "Teoría del arte": ¿Qué es el arte?. En esto admite que todas las propuestas que se configuran al rededor de la "Institución arte" irremediablemente forman parte de ella, ya que al encontrarnos inmersos en un paradigma posmoderno, es propio de estos valores dejar de buscar y proponer una idea totalizadora para el arte.

Así mismo, pone en el espectador la responsabilidad de discernir entre el buen arte y el mal arte. Ya que en la mayoría de obras contemporáneas, el espectador ya no es solo un contemplador pasivo, a la espera de la crítica especializada. La obra se configura para ser completada desde la capacidad crítica de cada individuo, así recordándonos otra característica del posmodernismo.

Como se dijo previamente, el concepto no apela a la objetividad ni a principios unificadores o totalizadores, por ende, coloca la visión de la realidad a interpretarse de una forma fragmentada y plural, subjetiva y responsabilidad del individuo crítico.

De ahí su título, "Arte es todo lo que los hombres llaman arte". Esto es posible mediante una de las definiciones posmodernas del arte, colocándolo como "un conjunto de prácticas y actividades humanas completamente abierto". De ahí que "algo" obtenga su categoría artística, para algunos, frívolamente. A menudo usando "arte" como sinónimo de un trabajo complejo, un producto manual. Pero lo que nos concierne es este adjetivo, o esencialidad artística que alguien o algo adjudica a otro algo. Los teóricos sitúan en los canales institucionales que producen y hacen circular las prácticas que incluimos dentro de la definición de arte, su inserción en el carácter artístico.

Pero entonces esto nos devuelve a una de las críticas esenciales que hacía el artista Duchamp, ¿Es solamente la galería, las revistas especializadas, ferias comerciales, exposiciones públicas o medios de comunicación en general, donde radica el definidor de lo que es arte y lo que no?

El autor menciona que precisamente, aunque contraste con la idea posmoderna de la subjetividad y los principios pluralistas, es ahí donde radica la necesidad de una Teoría del arte, autónoma de las instituciones que se colocan en esta retórica, como mediadora entre el individuo y el ente artístico.

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Paso 5: Definir los siguientes conceptos de la unidad 1

Adocismo: Se refiere a algo que está diseñado o creado para una situación específica y no necesariamente para aplicaciones más amplias.

Eclecticismo: Enfoque o método que combina elementos de diferentes estilos, teorías o sistemas para crear algo nuevo. El eclecticismo busca integrar diversas influencias para formar un conjunto más amplio y diverso.

Historicismo: Enfoque que se centra en el estudio y la imitación de estilos y formas históricas en el arte, la arquitectura y otras disciplinas. Se basa en la idea de que el pasado puede ser comprendido y reinterpretado a través de la recreación de estilos y prácticas de épocas anteriores.

Criticidad mediática: se refiere a la capacidad de analizar y cuestionar de manera crítica los mensajes que se transmiten a través de los medios de comunicación, cuestionando la validez, origen, propósito e impacto de su comunicación.

El arte sin estilo: También conocido como arte naif, es un estilo artístico caracterizado por su simplicidad e ingenuidad en la representación visual. Se distingue por su enfoque en la espontaneidad, la falta de entrenamiento técnico formal, y una estética que a menudo refleja una visión infantil del mundo.

Neo estilos: Son movimientos o enfoques que buscan revitalizar o reinterpretar estilos artísticos históricos, adaptándolos a nuevas épocas. En el arte tenemos el Neoclasicismo, Neogótico, Art Deco, Posmodernismo, etc.

Renacer de los medios tradicionales: como respuesta al avance de las tecnologías en los medios, hay una tendencia a volver a los medios artísticos tradicionales y sus técnicas. Así bajo la mirada contemporánea se generan obras alineadas a la posmodernidad pero con técnicas tradicionales.

Morfología plástica: El estudio y análisis de las formas y estructuras en el arte. Se enfoca en cómo se organizan y configuran los elementos visuales en una obra de arte para comunicar ideas, emociones y conceptos. La morfología artística examina tanto los aspectos formales como los compositivos de una obra, considerando cómo estos elementos contribuyen a su significado y efectividad.

Desacralización: proceso mediante el cual algo que anteriormente se consideraba sagrado, venerado o de alta importancia espiritual pierde su carácter sagrado o trascendental.

Antiesteticismo: se refiere a la actitud o posición crítica que rechaza o cuestiona los principios estéticos tradicionales en el arte y la cultura. Este enfoque desafía la noción de que el arte debe ser evaluado principalmente por su belleza, armonía y valor estético. En lugar de centrarse en la forma y la estética, el antiesteticismo pone énfasis en otros aspectos del arte, como el contenido, el contexto social, político o cultural, y el impacto crítico o provocativo de la obra.

Contracultura: movimiento, grupo o conjunto de ideas que se opone, desafía o rechaza los valores, normas y prácticas predominantes en una sociedad establecida. La contracultura se manifiesta en una variedad de formas, incluyendo movimientos sociales, artísticos, políticos y culturales que buscan cuestionar y cambiar las convenciones y estructuras establecidas, a menudo motivado por una percepción de injusticia u opresión por parte del statu quo.

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Paso 2: El tema de la obra se revuelve al rededor de las consecuencias inmediatas de la traición y la envidia. Usando como iconografía el mito nórdico de "La Muerte de Baldr". Donde el dios de la Luz es muerto por su hermano Hodr debido a un engaño motivado por el rencor, iniciando así "El ocaso de los dioses" o "Ragnarok"

Paso 3: El recurso de la deconstrucción es el ideal hacia la elaboración de la obra. Ya que se puede tomar como base la estructura compositiva del cuadro pero reemplazar sus elementos. Conservar su carácter distintivo de espacios vacíos, posición de los personajes y contrastes, pero representando otra escena.

Paso 4: Representar la multiplicidad cultural, saliéndose de la tradición clásica de sus historias y mitologías. Si bien la mitología nórdica tiene su pequeño espacio en ciertos artistas de la corriente neoclasicista o romanticista, es significativamente inferior a la representación de los mitos grecorromanos. Aparte de que, apegado a los valores culturales promovidos por el neoclasicismo, usualmente la representación pictórica de los mitos es sumamente desapegado de su tradición iconológica, usando cánones clásicos para anatomía, vestiduras, expresividad, entre otros.

Respecto al carácter ideológico de la obra, se busca romper con los valores a recuperar y promover en el neoclasicismo, de lealtad a la patria, honor y sacrificio. El mito representado congela el momento donde se escenifican la traición, la envidia y los sentimientos personales llevados a su extremo.

Y las eventuales consecuencias de cada uno. La búsqueda de los valores clásicos era para construir una sociedad nueva enfocada en los principios democráticos y el orden. Por otra parte, el mito representado se identifica como uno de los heraldos del "Ocaso de los dioses", el fin del mundo nórdico. Un borrón a la creación conocida y sus estructuras hasta el momento. Visiones contrapuestas del futuro venidero

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Paso 3: El elemento elegido es el Lirio Blanco, o Azucena. Si se le apropia se puede tomar de ella como elemento personal, resaltando una característica de la persona en cuestión, elemento fundamental para el desarrollo del proyecto. Si se buscara resemantizar se podría colocar en un contexto diferente, sea al crecimiento de la flor misma, o al del autorretrato. Si se quisiera deconstruir se podrían tomar elementos específicos de la flor. Pétalos, pistilo, tallo, hojas, etc. O elementos propios de su simbología.

Paso 4: El referente se encuentra de forma explícita en la composición, los lirios se encuentran saliendo de cada una de las extremidades del cuerpo. Tanto el significado como el significante dependen del conocimiento previo del expectador. En el imaginario colectivo son más usuales y conocidos los "Lirios del valle", entonces puede que la relación entre el significado/significante y el referente difieran debido al desconocimiento de la flor específica.

Paso 5: Es una planta vivaz de porte herbáceo, que pertenece a la familia de las Liliáceas. Debido a la blancura de sus flores y su aroma, se ha incorporado a la tradición popular de distintas formas. En el lenguaje de las flores, un método de comunicación victoriano, el lirio blanco o azucena representa el silencio, la pureza y la espiritualidad. También se asocia con el renacimiento y la nueva vida.

Al ser una flor hay una cualidad frágil que no se puede obviar, pero su capacidad de crecer en climas húmedos y forestales la hace resiliente y silvestre a condiciones adversas

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La discusión aquí propuesta se va a hacer en base a intervenciones en las afirmaciones hechas por Avelina Lésper

"El arte es resultado de Inteligencia, talento y sensibilidad humana": Esto lo que hace es obviar el azar y lo inconsciente en el arte, paradigmas totalmente integrados al mismo, en forma de técnicas y obras de renombre. Incluso como parte integral del proceso artístico, se podría inferir.

"El artista parte de nada, o de muy poco para hacer arte": "Ex nihilo nihil fit" (de la nada, nada surge) como principio metafísico ya no solo filosófico integrado en la "techné"

"...De una idea muy pequeña" :Olvida los tratados artísticos como el impresionismo o neoplasticismo

"El arte se hace con la intención de ser arte:" Esto es meramente una idea occidental, las consideradas "artesanías" de otras culturas, en sus propias cosmovisiones no separan ese fin utilitario de lo meramente estético. Incluso se puede volver para refutar a esto mismo al concepto de la techné

"Lo que no se entiende no es arte": Precisamente con esta afirmación me entran dudas de la fortaleza de los argumentos de la artista, qué tanto se sostienen por si mismos, y si ella misma los cree. Ya que breves segundos antes incluye "sensibilidad" en la definición de arte, y no entiendo el porqué la inclusión de lo sensible como aspecto de la percepción humana total si solo lo vamos a ver y vamos a validad lo que esté desde un punto de vista intelectual? "Arte es lo que no necesita de una explicación para que lo entienda todo el mundo", parece que incluimos sensibilidad del espectador cuando nos es conveniente. Algunos ideólogos contemporáneos definen el arte como cualquier producto que cause reacción y el espectador lo considere como tal, y en este caso considero que es una definición mucho más conveniente para esta postura que ella defiende.

"Lo que no se entiende no es arte, pero si alguien ocupa que te lo explique, tampoco es arte" Hay obras de muy compleja lectura y concepto recargado que necesitan de explicación para desenmarañar todos sus significados. Pero dudo mucho que sin explicación o perspectiva racional, no haya nada por aprecial. Ya que eso también excluiría paradigmas como el arte abstracto.

"Un mercado que avala cualquier objeto como arte, objetos que no valen nada que no se sustentan estética ni teóricamente" Creo que lo que intentó decir, es "una técnica que no sustenta la teoría" y en muchos casos evidentemente el concepto es lo esencial en una obra, despegándose de alguna representación plástica objetual. Más que una crítica, se siente como una confusión ante los conceptos esenciales del arte contemporáneo o disgusto.

Cómo síntesis, a interpretación personal se podría tomar al arte, en cuanto a su contenido temático/conceptual y técnico como un ESPECTRO en el disfrute estético. Hay obras y géneros artísticos con una fuerte carga técnica pero conceptualmente débil, talvez tomando al Impresionismo como ejemplo. Y otros donde su disfrute se despegue de la técnica para priorizar discursos e ideales como puede ser el Arte Conceptual.

La discusión de si es arte o no queda abierta todavía, pero es innegable que el disfrute estético en ambos lados del espectro y sus intermedios es algo inherente

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Paso 4: ¿Qué elementos en su significado simbólico identifico en la configuración de mi identidad y las características acotadas del silencio y la calma?

Paso 5: La deconstrucción de los elementos puestos sobre el autorretrato son principalmente enlazados al mismo al serles aplicado un proceso de deconstrucción y tratándolos como símbolos. Símbolos por medio de su significante representan aspectos que se configuran en el ideograma sobre conceptos valiosos en la formación de mi identidad (gustos, ideas, experiencias, etc.)

Paso 6 y 7: En una lluvia de ideas se delimitarán los elementos más representativos y apropiados para configurar una idea de la calma y el silencio en la expresión personal. Los elementos serán elegidos en base a la disposición estética que el tono de la obra adquiera en consonancia con su significado general. El boceteo de una composición para disponer todos los elementos en un collage es esencial.

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Paso 1 "Silla Vacía": El primer ejercicio consiste en colocarse sentado frente a una silla vacía y en función de la persona que la psique coloque al frente, hay que tener una conversación. Primero con mi propia persona, en un ejercicio de introspección y despersonalización y distanciamiento, viendo como si fuera otra persona aspectos que sentía en ese preciso momento. Luego con una persona que quisiéramos, mi mejor amigo en ese caso, y luego alguien al que no.

Parte 2 "Retrato físico": Al ser nuestro grupo de 3 personas, el retrato figurativo lo hice de la persona a mi derecha, mi pareja.

Parte 3 "Puesta en abismo": Sobre una máscara elaborada sobre papel, recortada en agujeros sobre los ojos e intervenida con marcadores, se debía hacer un retrato sobre esa máscara.

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Paso 3: El arte conceptual es un movimiento artístico que prioriza la idea o el concepto detrás de una obra en lugar de su forma o técnica. Surgió en la década de 1960 y se caracteriza por su enfoque en el significado y el proceso de creación. A menudo, las obras de arte conceptual pueden no ser objetos físicos, y su valor radica en la idea que representan. Este tipo de arte desafía las nociones tradicionales de la estética, invitando a la reflexión y al diálogo sobre el arte mismo y su función en la sociedad.

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Paso 3: En la caminata como configuración del autorretrato se identifican varios aspectos que pueden llevar a una introspección sobre los caracteres identitarios. La relación con el medio, la observación de la realidad desde el filtro subjetivo de la mente propia de cada uno, reflexiones sobre el contexto y los motivos de ser de cada elemento dispuesto por el azar o algún motivo, etc.

Paso 4: La deconstrucción de los elementos puestos sobre el autorretrato son principalmente enlazados al mismo al serles aplicado un proceso de deconstrucción y tratándolos como símbolos. Símbolos por medio de su significante representan aspectos que se configuran en el ideograma sobre conceptos valiosos en la formación de mi identidad (gustos, ideas, experiencias, etc.)

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Paso 4: La pragmática, en el contexto de la comunicación visual, se refiere al estudio de cómo el contexto y la situación influyen en la interpretación de los mensajes visuales. A diferencia de la semántica, que se centra en el significado literal de las imágenes, la pragmática considera aspectos como contexto, intención del emisor e interpretación del receptor

Paso 7: En la escala de iconicidad de Villafañe, el proyecto 2 se encuentra en la escala 8 al poseer fuentes de imágenes a color. Aún así, debido a sus intervenciones de collage digital lo pueden colocar en la escala de 5 por sus representaciones figurativas no realistas, cercanas al surrealismo

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Parte 2:

Nuevos medios en el arte: tecnologías, métodos, materiales y sustratos novedosos implicados en la creación artística. Usualmente asociados al paradigma del arte contemporáneo.

Video instalación: Experiencia que implica una alteración del espacio para la visualización de un material audiavisual.

Happening: Acciones propias de un momento y espacio precisas, usualmente mediante la interacción de individuos, como parte del proceso artístico o la obra en sí misma.

Videoarte: Forma de expresión artística que usa los lenguajes visuales y audibles para la generación de videos y experiencias.

Pantallas: Dispositivo de salida que revela por medio de múltiples fotosensores distintos colores, generando imágenes en el proceso, y por ende, video.

Mediaciones: Métodos o procesos de comunicación para la transmisión de información desde distintos sistemas.

Narrativa transmedia: Información sobre una obra dispersa entre distintos dispositivos, necesitando observarlos en su totalidad para revelar la narrativa completa.

Storytelling: técnica que tiene como objetivo transmitir un mensaje por medio de la narración de sucesos, provocando una reacción determinada en el receptor.

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Paso 1: Siendo niño, cualquier juego que involucrara carros y autos era mi fascinación. Mi imaginación alimentaba los ratos de juego haciendo más emocionantes las situaciones y sus carreras, siempre esto altamente influenciado por las series de televisión que veía en su momento, de temáticas similares. Todo esto siempre era más divertido cuando podía jugar con mis papás, algún amigo o vecino a las carreras.

Paso 3: El recurso obtenido del fragmento de serie de televisión se encuentra en proporción de 16:9, y el video sobre el juego se encuentra a 4:3. El montaje de las carreras mezcla varios planos medios, planos generales, grandes planos generales, planos detalle, barridos, zoom in y zoom out y enfoques selectivos. El segundo recurso toma un plano alto general y movimientos de "cámara en mano"

Paso 5: El ejercicio puede verse vinculado al proyecto en varios aspectos. La búsqueda de recursos e información sobre el pasado, la importancia de la estética propia de cada época para apelar a un sentimiento, transiciones coherentes que hagan favor al ritmo de la narrativa

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Paso 3: Storyline: Un estudiante escribe una reseña de un disco imaginario para el periódico universitario. Años después, se encuentra con el disco de su invención, aunque no lo logra comprar. El intérprete ya fallecido se manifiesta en el presente en los sueños del protagonista para agradecerle por recordarlo.

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Haruki Murakami es conocido tanto por su escritura única como por la estricta rutina que sigue para mantener su productividad creativa. Su enfoque disciplinado se ha convertido en una parte fundamental de su éxito como escritor moderno.

La rutina de Haruki Murakami:

Murakami se despierta todos los días alrededor de las 4:00 a.m. para escribir. Dedica entre cinco y seis horas consecutivas a esta actividad, concentrándose profundamente en su trabajo creativo durante las primeras horas del día, cuando siente que su mente está más clara y enérgica.

Después de escribir, realiza ejercicio físico riguroso. Corre aproximadamente 10 kilómetros o nada 1.500 metros, y a veces combina ambas actividades. Este aspecto de su rutina es fundamental para mantener su energía y resistencia, no solo física, sino también mental.

Por la tarde, se dedica a leer, escuchar música o realizar actividades relajantes que lo ayudan a mantenerse equilibrado y conectado con otras formas de arte.

Se acuesta temprano, alrededor de las 9:00 p.m., para asegurar que pueda repetir esta rutina al día siguiente. Este ciclo se mantiene ininterrumpido mientras trabaja en una novela, lo que puede durar meses.

Importancia de su rutina en la creación artística

1. Disciplina y resistencia: El escritor compara escribir novelas con una forma de resistencia física. La repetición diaria de esta rutina no solo le permite producir textos de manera constante, sino que también le da el enfoque y la claridad necesarios para explorar temas profundos y complejos.

2. Conexión entre cuerpo y mente: Murakami cree que el ejercicio físico es indispensable para su trabajo creativo. La combinación de escritura y deporte le permite mantener una salud mental equilibrada, lo que se refleja en la capacidad de trabajar largas horas sin agotarse emocionalmente.

3. Estructura como herramienta creativa: Aunque la escritura es un proceso creativo y fluido, Haruki Murakami encuentra en su rutina una estructura que le ayuda a superar el bloqueo creativo. Al eliminar la incertidumbre sobre "cuándo" trabajar, puede concentrarse completamente en el "cómo".

4. Flujo creativo sostenido: Repetir el mismo patrón día tras día crea un estado de flujo que le permite sumergirse completamente en sus historias. Esta inmersión total es clave para su estilo narrativo único, que a menudo combina lo cotidiano con lo surrealista.