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Il giuramento di Ippocrate da un manoscritto bizantino

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“Con innocenza e purezza io custodirò la mia vita e la mia arte.”

Sono queste le citazioni che leggiamo nel giuramento di Ippocrate, considerato il padre della medicina.
Non la chiama scienza, ma arte, secondo Ippocrate è l’arte di ristabilire l’equilibrio, l’armonia e la salute:
“La vita è breve, l’arte è vasta, l’occasione fuggevole, l’esperienza fallace, il giudizio difficile”.

L’esperienza é fondamentale nella crescita di un medico, perché coltiva in lui la capacità di osservare, ascoltare e di entrare in contatto con l’unicità del paziente.
Deve utilizzare senno, prudenza, saggezza.

Allo stesso tempo il paziente per il mantenimento della propria salute deve: “lavorare, mangiare, bere, dormire e amare: tutto deve essere misurato – (fatto con giudizio)”.
Un concetto che va nella direzione di responsabilizzare il paziente e chi gli sta intorno, senza delegare la propria salute totalmente al medico: “non solo il medico deve fare ciò che è opportuno, ma anche il malato, coloro che lo assistono e tutti gli altri.”
Vista in questi termini la medicina è un arte, forse tra le più sublimi.

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Leonardo Da Vinci è considerato un genio perché è andato a toccare, studiare e analizzare molti diversi aspetti della realtà. Ha fatto invenzioni e scoperte che sono state poi riprese da altri studiosi che ne hanno fatto la base per i loro studi.
È noto per la sua cura dei dettagli che il genio italiano aveva rappresentato nei suoi appunti, precorrendo ben tre secoli di scoperte scientifiche come le funzionalità del cuore o le caratteristiche del sistema nervoso.
I fogli anatomici conservati presso il castello di Windsor erano disegni che Leonardo appuntò durante tutti i suoi studi con la finalità ultima di riunirli in un trattato che non vide però mai la luce.
L’intento principale era per da Vinci quello di comprendere le funzionalità del corpo, studiarne la complessità per ridurla a principi primi ed unitari comuni a tutti gli uomini. Si pensa che Leonardo sezionò più di trenta cadaveri, analizzandone gli organi interni, disegnando le varie parti da cui era composto l’umano per poi ricomporle nel disegno.
Il linguaggio utilizzato negli appunti è prettamente scientifico, dimostrando una padronanza approfondita degli argomenti di tutti gli studi precedenti alla sua epoca.
Il disegno conteneva un testo, posto come sintetica spiegazione del ruolo delle sue composizioni, la figura umana e le sue componenti; poiché interessato principalmente a sottolineare è stilizzare l’armonia delle funzionalità umane.

Inizialmente lo studio dell’anatomia umana ebbe per Leonardo uno scopo puramente artistico, al fine cioè di ricreare in modo più autentico possibile i corpi e i movimenti degli uomini; proseguendo nel suo lavoro da Vinci iniziò a sviluppare un’autentica passione per questi studi tanto che vi dedicò ben vent’anni di vita.

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La maternità di Leonardo Da Vinci. Foglio 18 dei “quaderni di anatomia”

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Soprattutto a colpire degli studi di Leonardo sono quelli realizzati nel campo dell’embriologia.

Già in epoca classica con Aristotele vi era stato un interesse per la formazione del feto nell’utero materno, questo portò da Vinci ad avvicinarsi allo studio dell’apparato riproduttivo prima dei bovini e poi della donna (famoso, per la sua precisione che rimarrà ineguagliata per più di due secoli). Leonardo arrivò anche a capire che il bambino era nella pancia materna immerso in un liquido, secondo lui acqua, che gli permetteva di distribuire meglio il suo peso e non gravare sulla madre.

Ma il contributo innovativo di Leonardo non finisce qui: per la prima volta, l’utero appare con un sola cavità, contrariamente alla teoria, risalente ad Ippocrate e fino ad allora rimasta immutata, secondo cui l’organo aveva due cavità.

Di seguito alcune citazioni:
“La funzione del muscolo è di tirare e non di spingere, eccezion fatta per i genitali e la lingua."

"Lo corpo nostro è sottoposto al cielo, e lo cielo è sottoposto allo spirito."

"Ogni parte ha inclinazion di ricongiugnersi al suo tutto per fuggire dalla sua imperfezione.”

"L'anima desidera stare col suo corpo, perché, sanza li strumenti organici di tal corpo,

nulla può oprare né sentire."

"Ogni corpo dimanda le sue membra e ogni arte dimanda i suoi strumenti. E subito ch'è creato il tutto, ancora son create le sue parti".

Chi vole vedere come l'anima abita nel suo corpo, guardi come esso corpo usa la sua cotidiana abitazione, cioè se quella è sanza ordine e confusa, disordinato e confuso fia il corpo tenuto dalla su anima."

"L'anima mai si può corrompe(re) nella curuzzion del corpo, ma sta nel corpo a similitudine del vento ch'è causa del sono de l'organo, che guastandosi una cana no' resultava per quella, del vento buono effetto."

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“L’articolazione e della spalla” Leonardo Da Vinci

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Inoltre si soffermò con particolare interesse anche sulle articolazioni, lasciando precise illustrazioni dei movimenti dei tendini, delle ossa e dei muscoli che compongono l’essere umano. Rappresentò in modo dettagliato l’articolazione della spalla, disegnò una perfetta riproduzione della colonna vertebrale, studiando anche l’osso sacro.
Approfondì le sue conoscenze sulla muscolatura e tentó di spiegare anche il modo in cui essa si contrae.

Leonardo fu sempre affascinato dalla perfezione dei movimenti vitali dell’uomo, arrivò persino a sostenere che nessuna macchina creata dall’ingegno umano potesse competere con la precisione e la regolarità del corpo degli uomini, sicuramente fu influenzato dagli studi classici  sulla “macchina-uomo” compiuti nel corso dei secoli.

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“Incredulità di San Tommaso” del Caravaggio

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Nel saggio “Anatomia, Fisiologia, Fenomenologia della morte nelle opere di Caravaggio” proposta da Carla Cante e Giovanni di Minno, si avanza la tesi che le immagini anatomiche dipinte dal Caravaggio siano frutto di studio, piuttosto che di osservazioni occasionali.
Ad esempio nell’Incredulità di san Tommaso, capolavoro ora a Postdam (Germania), lo dimostrerebbe nel modo in cui è dipinta la ferita nel costato di Cristo: “La forma della ferita varia a seconda del modo di penetrazione ed estrazione della lama: se penetra obliquamente e ne esce con un’azione sulla lama, si produce una ferita ad asola con due codette; tutti questi aspetti sono visibili [proprio nella] ferita asciutta, senza sangue, come quelle che si osservano nelle sale settorie in corpi ormai senza vita”.

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Nella famosa “Resurrezione” di Piero della Francesca, il cosiddetto pittore della prospettiva, sottolinea l’evidente sporgenza di un soldato seduto al centro del dipinto.
Ai suoi piedi dormono i soldati che avrebbero dovuto sorvegliarne il cadavere.
La scena è assolutamente statica, silenziosa e solitaria, la figura del Cristo è frontale e immobile.
Anche il paesaggio é diviso in due dalla figura principale:
- sulla sinistra troviamo un luogo spoglio, morto, assimilabile alla stagione invernale,
- invece sulla destra rappresenta la vita e probabilmente uno scorcio estivo dato il paesaggio verdeggiante.

I due scorci stagionali presenti nella “Resurrezione”, sono una semplice allegoria del ciclo della vita, presente anche in altre opere di artisti contemporanei a Piero della Francesca.

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Forma e visibilità della psicologia nell’arte

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Forma e visibilità della psicologia nell’arte

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Come diceva il pittore tedesco Paul Klee fare arte significa rendere visibile ciò che non lo è. Significa dare visibilità alle cose che ci stanno intorno, perché la pittura tenta di rendere visibili delle forze che non lo sono. Fare arte vuol dire dare una forma, anche informe, alle nostre emozioni, a quel che abbiamo dentro di noi, all’interno di un processo creativo.

Ogni generazione, come dice il pittore irlandese Francis Bacon, reinventa diversamente i modi di vedere e di sentire il mondo. Tale considerazione vale anche per la psicoanalisi: va continuamente reinventata. Praticare psicoanalisi significa dare forma simbolica alla soggettività degli individui che la frequentano. La prima ed essenziale formazione per un analista è la sua analisi personale.
La dimensione simbolica costituisce la forma dell’organizzazione umana. L’uomo non può esistere senza un’organizzazione simbolica che lo riconosce dandogli una consistenza. La dimensione simbolica è in continuo mutamento come l’identità dell’uomo e ciascuno di noi ricostruisce un proprio io simbolico che instrada le nostre esigenze istintive.
Il nostro corpo cambia come il nostro organismo. Il nostro corpo è l’immagine del nostro organismo. In fondo l’organismo è preso sul versante biologico, reale, dell’esistenza umana che contempla la morte; il corpo è preso nella sua immagine, vive nella dimensione immaginaria e simbolica dell’esistenza. L’organismo muore, non il corpo.

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L’intera vicenda di questo artista è pervasa da paura e rabbia. Con la sua arte ha reso evidenti schemi mentali e meccanismi patologici esponendoli a nudo, e consegnando le sue confessioni nel proprio Diario artistico ci ha mostrato le dinamiche di sviluppi traumatici:
«Malattia, pazzia e morte sono gli angeli neri che hanno attorniato la mia culla. Mia madre è morta prematuramente – da lei ho ereditato i semi della tisi. Mio padre è stato ossessivamente religioso – sfiorando la follia. Per generazioni e generazioni è stato questo il fato della sua famiglia. Gli angeli del terrore – dolore e morte – mi sono rimasti accanto dal giorno della nascita. Mi hanno seguito mentre giocavo – mi hanno seguito ovunque. Mi hanno seguito nel sole di primavera e nello splendore dell’estate».

Più volte il pittore racconta di come sia nata in lui l’idea dell’Urlo, il suo celebre dipinto che rappresenta il manifestarsi di un attacco di panico: «Camminavo lungo la strada con due amici, quando il sole tramontò. I cieli diventarono improvvisamente rosso sangue e percepii un brivido di tristezza. Un dolore lancinante al petto. Mi fermai, mi appoggiai al parapetto, in preda a una stanchezza mortale. Lingue di fiamma come fiamme coprivano il fiordo neroblu e la città. I miei amici continuarono a camminare e io fui lasciato tremante di paura. E sentii un immenso urlo infinito attraversare la natura».

I cieli rosso sangue del dipinto ci ricollegano immediatamente ai traumi del pittore, tra cui quello del sangue è sicuramente il più significativo. Diversi fenomeni emorragici costellano la sua esistenza.
Sin da piccolo il suo apparato respiratorio è sede di processi asmatici costringendolo a casa, dove riceve le visite di pochi amici. Subito dopo, agli esordi dell’adolescenza, compaiono emottisi e la sopravvivenza cade sotto la minaccia della tubercolosi: «Ricordo una vigilia di Natale all’età di 13 anni. Giacevo a letto – stillando sangue dalla bocca – la febbre infuriava nel mio corpo – dentro di me ribolliva il terrore. Credevo fosse giunto il momento in cui sarei stato giudicato – e che avrei subito una condanna per l’eternità».

L’artista dipinge esperienze private e personali, facendo della propria vita la sostanza in cui attingere e da tramutare in arte.