# data[].attributes.attachment_caption
 Obra: “Paisaje árboles” - Pintura de óleo sobre tela. Rosa Farsac, nació en Córdoba el 15 de junio de 1905. Se formó en la Academia Provincial de Bellas Artes. Un dato muy llamativo de su trayectoria fue que compuso muchas obras con el seudónimo “Caros Asaf”, esto generó confusiones respecto a su identidad y género en su época, ya que se la llegó a mencionar como un autor masculino. Además de la pintura, escribió poesía, teatro y literatura infantil. Elegí esta pintura porque al verla recordé mi casa. La ciudad de donde vengo es famosa por sus paisajes y bosques, que son muy similares al que muestra la obra. Detrás de mi casa hay un bosque donde suelo tomar mates y disfruto de la vista, ese lugar me transmite una sensación de tranquilidad que esta pintura logró reflejar.                                                       La pintura muestra un paisaje que no me genera un estímulo rápido, sino que crea un espacio tranquilo para apreciarla. Me lleva a contemplarla de una forma activa para poder interpretar y apreciar las sensaciones y reflexiones que me provoca al verla y sentirla.                                                                         Esta pintura me lleva a sentirme coautor. Al observarla, experimento una sensación de tranquilidad en el cuerpo, una sensación que probablemente no tendría si la obra no me recordara el lugar donde disfruto dejar correr el tiempo. Es esa misma sensación la que me provoca contemplar la pintura.                                                                         Para Oliveras, una obra “enigmática” es aquella que trasciende la representación y despierta preguntas o sentidos. La pintura que elegí muestra un paisaje boscoso donde la luz y las sombras generan una sensación particular. Aunque se note un paisaje, la manera en que los árboles se cruzan y proyectan sus sombras nos invita a buscar el sentido de la obra, como el paso del tiempo y emociones internas que me generó ver esta pintura.                           Principalmente sensorial, la pintura impacta mis sentidos a través del color, luz y formas. El ambiente que crea la obra genera en mi cuerpo sensaciones personales. Esta obra, personalmente, no solo la miro, sino que también la siento, al momento en que enciende una reacción física y emocional en mi.  Por otro lado, me lleva a una experiencia reflexiva, me conecta con el recuerdo de un lugar donde disfruto perder la noción del tiempo. Esto me invita a traer a mi mente momentos vividos y dialogar internamente con esas sensaciones, dándole más valor a la pintura.                       

# data[].attributes.attachment_caption
Farsac, formada en la Academia Provincial de Bellas Arte, su estilo artístico se caracteriza por un enfoque sensible e interpretativo de los objetos y paisajes cotidianos que la rodeaban en las sierras de Córdoba. Su obra,"Ramos de flores", se distingue por una perspectiva poética que no se limita a reproducir la realidad, la interpreta emocionalmente. Se muestra una representación simbólica de la naturaleza como medio para explorar temas universales como el paso del tiempo, la fragilidad de la vida, la relación afectiva con el entorno, y la transitoriedad de la belleza. La reflexión de Carlos Presman en relación con el arte, aborda cómo las exposiciones constantes a estímulos placenteros y rápidos afectan nuestra capacidad de atención, reflexión profunda y conexión con el arte en su sentido más profundo. esta gratificación inmediata puede afectar la percepción de la realidad y dificultar la apreciación de experiencias que requieren un enfoque más sensible y profundo. La de Farsac, se aleja del enfoque superficial y efímero que podría asociarse con las gratificaciones instantáneas que describe Presman. La pintura invita a una conexión más profunda y reflexiva, que demanda una atención lenta y una apreciación de lo sutil, de lo invisible que se esconde detrás de las formas y los colores, ofrece una propuesta que contrasta con la prisa y la inmediatez de los estímulos a los que estamos acostumbrados en la sociedad actual. Este contraste entre el arte profundo y la cultura de la dopamina puede ser un punto de partida para reflexionar sobre el impacto de la tecnología y el consumo rápido de imágenes y contenidos en la capacidad de los estudiantes de conectar con el arte de manera significativa. forma de ver el arte como un medio para detenerse, reflexionar y conectar emocionalmente con el mundo, en contraposición a la aceleración de la cultura digital actual. En un taller de Educación y Arte, sería valioso explorar cómo las obras como las de Farsac pueden ser herramientas pedagógicas para fomentar una educación más profunda, crítica y afectiva, alineada con una pedagogía social que promueve el pensamiento crítico y la reflexión sobre nuestro entorno y el paso del tiempo.

# data[].attributes.attachment_caption
Obra: Garita 2- fotografía del 2010 autor: Santiago Porter. La obra tiene un tamaño de 185x150 cm con colores tenues y sombríos, día algo nublado y una casita de hornero en una de sus esquinas. Esta fotografía me traslado al ultimo año de la secundaria en donde asistimos al centro clandestino de la perla y logro capturar uno de los contrastes mas esperanzadores; la capacidad de la naturaleza para  unificar la violencia que fue ejercida en estos centros y convertirla en un refugio para la vida, la subsistencia de una especie.  Porter requirió investigación, trabajo critico y reflexivo para llevar a cabo esta fotografía cuya finalidad es dar cuenta en una imagen de un momento sombrío de la historia. "En un mundo de concreto en donde la dopamina y la distracción se convierte en nuestra estructura, podemos elegir conformar nuestro propio hogar de forma natural y tratar de no ser absorbidos por el cemento, aun podemos volver a nuestra naturaleza (como nos muestra el hornero en su casa), considero que podría ser enigmático o vacío si no es visto o comprendido desde el periodo histórico por el que yo decido observarlo, el esfuerzo interpretativo quizás es al relacionar el concepto tan amplio de vida/muerte como dualidades coexistentes. Considero que el observador se convierte en coautor de la fotografía al poder darle significado amplio, esta fotografía interpreto que la primera finalidad es transmitir emociones, poder pensarnos como seres emocionales, físicos, mentales y energéticos da una mirada holística de nuestra vida.

# data[].attributes.attachment_caption
https://yamilburguener.com.ar/duermete/                                                      Mi elección es “Duermete mi nena”  de la artista cordobesa  Rosa Farsac, compuesta en 1944. Yamil Burger toma esta partitura y la transforma en una obra sonora  interactiva. Burger crea un QR que permite tocar la canción, como está escrito debajo del código. Te lleva a un link en el que están cargadas todas las notas de esta obra de Rosa Farsac y quien ingrese puede interpretar la canción. Esta experiencia me resulta  interesante porque presenta la obra, pero también permite al espectador formar parte,ser un co-autor.                                                                         Esta obra la elegí porque  Burger  argumenta que  esta instalación esta vinculada a poder relajarse y ubica a la ansiedad como "la enemiga común para lograrlo". La ansiedad me ha costado trabajo, vida académica y la salud no solo mental, sino también física. Es moneda corriente la ansiedad y por eso muchas veces se les pide a quienes las padecen  voluntad. (como a casi todas las cuestiones de salud mental). Entonces en primera instancia a eso se debe mi elección, a vivencias personales y también sociales debido a la cantidad de personas que conozco que padecen a un nivel tan alto como yo la ansiedad. Porque no solamente pensé en cómo yo la transite, sino en tal vez qué pudo inspirar a Yamil para buscar que esta obra de Farsac sea exhibida. ¿Para quién pensó que podía servir traer una partitura publicada en 1944 en pleno 2025?                                                   En segunda instancia pude reelegir esta obra luego de escuchar el Podcast de Carlos Presman,propuesto por la cátedra y también al texto de Oliveras. Presman explica la diferencia entre arte y entretenimiento, el segundo está vinculado a los estímulos efímeros y fisiológicos que genera la dopamina y que provocan una adicción. Cuando se refiere al arte, dice:  “ nos genera placer que conlleva un proceso de interpretación, de análisis, de comprensión y reflexión” .  Por otro lado, siguiendo a Olvieras puedo decir que fue una experiencia estética de tipo reflexiva y crítica. Esta obra me llevó a eso: a la contemplación que me permite reflexionar e incluso trajo tranquilidad, me permitió  una conexión directa con la obra e inhibió casi por completo los estímulos externos que me rodeaban. Crítica en el sentido que me llevó a problematizar las preguntas y afirmaciones que indique al inicio del texto. Es una obra que puede vincularse concretamente con una transformación social, ya que la concentración  y el disfrute presentan un gran  desafío  en un mundo vertiginoso atravesado por el consumo, y del cual considero, que traen a nuestra época un gran aumento de enfermedades mentales que provocan en muchos casos problemas fisiológicos y  que buscan ser adormecidos con medicación, pero que pocas veces se busca una solución (o causa) en el entorno social.

# data[].attributes.attachment_caption
La obra elegida es, MAGNOLIA, de Micaela Trocello , artista plástica cordobesa, es una obra contemporánea, basada en el encuentro que tuvo con la nieta de Rosa Farsac .la cual la lleva a la casa de Rosa. donde se inspira en las M sutil, se ha convertido en un símbolo de pureza, fortaleza, y resiliencia la cual la identifica con su vivir en su amada santa rosa de Calamuchita. Una obre de arte que las representa, no solo plasma la belleza de una flor sino la paradoja de una de la naturaleza, la suavidad que guarda la naturaleza y los efímero que deja huella. Al contemplarlas en un lienzo, pareciera que el artista captura un instante detenido en el tiempo, como si nos invitara a detener la mirada y a reconocernos en lol sencillo en lo que florece sin estridencias. Nos hemos sentido coautores de la obra porque no nos bastó con la observación sino que también nos llevó a reflexionar e investigar el porqué de su obra, la cual nos llevó a ver la belleza y el placer de una lucha constante con el día, día, en esta obra está presente una fuerte dimension femenina, lo popular lo cultural , lo comunitario, donde la autora recupera voces, cuerpos, narrativas que en muchos casos no están en primer plano, como también le importa las texturas las capas, los procesos técnicos y lo narrativo mostrando lo delicado de las magnolias. Pereyra Romina. Gigena Paola

# data[].attributes.attachment_caption
Es una obra de arte mitológica que representan ángeles guerreros.Esta obra tiene un contexto bastante amplio que abarca lo religioso ,simbólico,cultural e histórico.Estás obra ha sido utilizada durante siglos para expresar ideas del bien y del mal,también representa la protección divina,las batallas espirituales y la justicia.El arte y lo divino la intervención de lo sobrenatural en el mundo terrenal.Estás obras poseen una fuerte carga moral y teológica.  Lo divino conectado con el todo por los sujetos arriba de la nube ,Los Ángeles arriba como parte de nosotros todos en la misma realidad. Esta obra es clásica  ya que invita más ala contemplación conectándolo ala retrospección de los pensamientos y los estados que queremos alcanzar en cuanto físicos y mentales en cuanto a mi perspectiva. Es un enigma muy subjetivo por que es para la interpretación propia de lo que quiso plasmar el autor y en que se basó para dibujar esta obra? Es una pregunta que me gustaría saber. Me senti espectador, El aporte fundamental de la obra fue la autoreflexion y la concientizacion de a donde queremos estar,¿cómo estamos actuando para estar donde estamos? Y como tendríamos que actuar para estar en donde queremos estar. La experiencia estética que me ofreció fue la reflexión y la belleza de que no es externa si no interna en cuanto a lo que el cambio está empezando con uno y la tranquilidad de la conexión con el sentimiento depertenecer alo divino y poder verlo en una obra me atravesó.Diría que de un placer reflexivo.

# data[].attributes.attachment_caption
Obra: La caracola – Pedro Coronel (s/f) Esta obra estaba presente en el Museo Pedro Coronel, quién lleva su nombre y el autor de esta obra era un coleccionista de arte, y en el lugar del museo se guardan sus restos, a la vez que una amplia colección de obras de Kandinsky, Picasso, Goya, Miró, Dalí y otros. Elegí La caracola porque me atrapó desde lo visual y desde lo simbólico. Sus formas irregulares y su nombre me hicieron sentir una gran contradicción, cuando yo pienso en una caracola me imagino la espiral que parece no tener fin, pero en la obra yo veía muchas figuras irregulares, pero no las espirales que esperaría encontrarme. En ese momento yo estaba cerrando mi viaje en México y en un par de días, volvería a mi país. La obra me hizo sentir una mezcla de asombro, nostalgia y contemplación, como si pudiera detener el tiempo unos segundos y mirar mi propio ciclo de experiencias reflejado en la caracola, y de nuevo este choque de expectativa realidad, fue como un espejo donde veía todo lo que había imaginado del viaje cómo la espiral, y hacer un recorrido mental de lo realmente fue; con muchas más sorpresas y incluso más interesante que una espiral. Al observarla, sentí que no solo la miraba, sino que participaba de ella. Me volví coautora, porque mis emociones y recuerdos se entrelazaron con sus formas y colores. La caracola se volvió un enigma abierto: no hay un único significado, sino múltiples caminos de interpretación. Mi esfuerzo interpretativo fue dejarme llevar por la idea de infinitud y de ciclos que se cierran, y conectar eso con lo que yo estaba viviendo. La obra me ofreció una experiencia sensorial y reflexiva, sensorial por el placer de seguir las curvas, la textura y los matices; reflexiva porque me hizo detenerme, pensar, sentir y reconocer en ese instante que cada final es también un inicio, y que hay belleza en los momentos de cierre y transición. La caracola me atravesó porque no solo la veía, sino que la sentía. Me hizo estar presente conmigo misma, con mis emociones y con el recuerdo de un viaje que terminaba, recordándome que todo ciclo lleva consigo su propio infinito.

# data[].attributes.attachment_caption
La obra elegida es el “Traje para la danza de la Diablada” de la Agrupación Ecos del Socavón. Es un traje muy vistoso hecho con telas de colores brillantes, bordados, lentejuelas, espejos y adornos. Incluye máscara, pechera, capa, faldón y botas, y está exhibido en un maniquí de tamaño real que permite ver todos los detalles. Los colores principales son el rojo, dorado, negro y algunos multicolores.  El traje no solo es atractivo, también tiene un fuerte valor simbólico. Representa la lucha entre el bien y el mal, la unión entre la cultura andina y la religión católica, y la identidad de la región. Aunque es una obra actual, tiene raíces en tradiciones antiguas, lo que hace que uno no lo vea como un simple disfraz, sino como parte de una historia y de una cultura que sigue viva. Al relacionarlo con el podcast, la obra invita más a reflexionar y contemplar que a distraerse. Hace pensar en cómo las tradiciones se mantienen en el tiempo y en la importancia de la memoria cultural.Según Oliveras, la obra puede considerarse un “enigma”, porque necesita interpretación: detrás de los colores y brillos hay un mensaje sobre la cultura y la espiritualidad. Al verla, no me sentí solo espectadora, sino también parte de la lectura de la obra, porque le di mi propio sentido. La experiencia me ofreció placer sensorial por lo visual, placer reflexivo al pensar en su historia y también un cuestionamiento crítico sobre cómo las culturas resisten y se transforman.

# data[].attributes.attachment_caption
La obra elegida se encuentra en el Museo Caraffa y se titula “Jarrón con flores”, realizada por la artista Rosa Farsac. Se trata de un óleo sobre tela de 62 x 75 cm, perteneciente a una colección familiar. La pintura representa un jarrón blanco ubicado sobre una mesa, del cual sobresale un ramo abundante de flores amarillas. El fondo azul genera un contraste que resalta aún más la viveza de los colores, transmitiendo una sensación de luminosidad y frescura. La técnica empleada es detallista, con pinceladas que otorgan volumen y realismo a cada flor, y el marco clásico en el que se exhibe refuerza la presentación tradicional de la obra.

En cuanto a su contexto, se puede decir que la obra pertenece a un estilo moderno pero con una fuerte raíz clásica, ya que retoma el género tradicional de la naturaleza muerta. Esto influye en la manera de mirarla, pues invita a detenerse en la simpleza y belleza de lo cotidiano, valorando los detalles técnicos y compositivos. Sobre la autora, Rosa Farsac fue una pintora argentina vinculada al arte figurativo, especialmente reconocida por sus naturalezas muertas y escenas íntimas. Su obra refleja una sensibilidad especial hacia los colores y las formas, con una mirada que rescata la serenidad de lo simple y lo convierte en objeto de contemplación estética.

La pintura se relaciona con el podcast en tanto invita más a la contemplación y reflexión que al entretenimiento. El ramo de flores transmite calma y serenidad, y la obra no pretende distraer con estímulos externos, sino conducir al espectador hacia un estado introspectivo.

A la luz de Oliveras, la obra puede pensarse como un enigma en tanto no se limita a mostrar flores, sino que sugiere significados más profundos relacionados con la fugacidad de la vida y la capacidad de encontrar belleza en lo cotidiano. El esfuerzo interpretativo consistió en ir más allá de la representación literal y descubrir su carga simbólica. En este sentido, no me sentí una mera espectadora, sino coautora en la lectura de la obra, ya que proyecté en ella mis propias sensaciones y recuerdos. Las flores pueden evocar tanto alegría como nostalgia, lo que abre un abanico de interpretaciones personales.

La experiencia estética que ofrece esta obra puede pensarse en tres dimensiones. Por un lado, un placer sensorial derivado de la armonía de colores vibrantes y la composición equilibrada. Por otro, un placer reflexivo, ya que invita a detenerse y pensar en cómo lo simple puede ser transformado en arte. Finalmente, también genera un cuestionamiento crítico, al poner en tensión el lugar de la naturaleza muerta dentro del arte: ¿es solamente un motivo decorativo o también puede transmitir mensajes más profundos sobre la vida, el tiempo y la mirada del ser humano sobre lo efímero?

# data[].attributes.attachment_caption
OBRA: Las tablas de la ley                                                                           Artista: Roberto Viola                                                                                        Se trata de un óleo sobre tela de 190 x 140 cm, de 1962 perteneciente al núcleo poético Existencialismos y expuesto en el Museo E. Caraffa.                                El artista nacido en Santa Fé en 1907 y fallecido en Córdoba en 1966, es considerado como un artista multifacético (pintor, escultor, dibujo y grabado), y reconocido mundialmente por sus obras. Impulsor y promotor de las artes en nuestro país, fundo y dirigió el Museo Municipal “Dr Genaro Pérez” desde 1943 hasta 1958, además de su desempeño como docente y director de la Academia Provincial de Bellas Artes.                                    Elegí esta obra no solo porque me invito a contemplarla por las imágenes que incluía en su representación, a veces difusas, otras invertidas y otras dispersas y al mismo tiempo insertas en cuadros similares a tablas sino también por la reflexión a la que me insto cuando leí su título y su año de exposición. A la luz de Oliveras me sentí mas parte que espectadora y la experiencia me resultó tanto reflexiva como critica ya que me llevó a recordar el contexto histórico aprendido, dado que en el país de ese entonces se vivían instancias de profundas turbulencias sociales y políticas, un golpe militar y proscripciones, lo cual implica inevitablemente quiebres en los marcos legales e institucionales. La obra me resultó ser un enigma por lo que me generó, reflexión, resistencia, interpretación crítica y a la vez una suerte de alivio al pensar que hoy, social y culturalmente, nos abordan los aprendizajes a través de la memoria y es posible transitarlos a través de las expresiones y manifestaciones colectivas como oportunidad transformadora de la realidad.      

# data[].attributes.attachment_caption
La obra elegida es una proyección visual sobre la pared de una sala del Museo Caraffa realizada por Guadalupe Rickel en el corriente año (2025) con técnicas digitales, como el uso de Inteligencia Artificial. La obra original, traducida como "Uno negro, 15 azules", es de Jesús Soto, referente del arte cinético y el óptico llevada a cabo en 1964. Actualmente, la escultura forma parte de la Colección del Instituto de Arte Contemporáneo (IKA), muestra que protagonizó el recorrido de la experiencia, como así también esta reinterpretación. La artista visual cinematógrafa, y también Licenciada en Cine, Televisión y Medios de comunicación, desarrolló su trabajo en la empresa tecnológica Darwoft, en búsqueda de digitalizar obras conocidas argentinas. En primer lugar, esta obra me invitó a un consumo rápido de entretenimiento puesto que me invitaba a jugar con la ilusión óptica; el proceso reflexivo vino después al realizar la investigación para este trabajo. Me ofreció una experiencia sensorial en la que primero fui espectadora y luego, al ingresar a la sala y observar me sentí coautora, puesto que me llamaba la atención el juego que la producción realizaba con el color mediante movimiento, degrades, luminosidad y contraste. Al final del vídeo en el que esta obra se proyectaba, se incluía un mensaje protagonizado por el equipo de Darwoft, que compartían este "acto simbólico de dialogo entre el presente y el pasado" como un "cruce entre arte, tecnología y memoria" con el fin de abrir "nuevas lecturas posibles a partir de elementos visuales y conceptuales". Siguiendo a Oliveira, esta instalación  me resulta una obra polémica que puede ser reproducida masivamente, considerando esta búsqueda de nuevos lenguajes artísticos renovadores. Por otro lado, de acuerdo con el Podcast de Presman, podría tratarse de un proceso reiterativo, repetitivo y permanente, en el que me generó un disparo de dopamina a través de estímulos visuales (¿podría este arte generar adicción?). Fuentes utilizadas : https://www.perfil.com/noticias/cordoba/la-ia-se-cuela-en-los-museos-de-cordoba-de-la-mano-de-darwoft.phtml?utm_source  y https://www.instagram.com/museocaraffaoficial/reel/DPWYybgjtkE/                                                                                                                                                                                                                                  

# data[].attributes.headline
Reinterpretación digital de "Un bleu, 15 noires"

# data[].attributes.subject
Reinterpretación digital de "Un bleu, 15 noires"

# data[].attributes.attachment_caption
Análisis de la obra "Magnolia"La instalación "Magnolia" combina imágenes digitales, diseño textil y elementos naturales,inspirada en la pintura de Rosa Farsac y en las fotografías tomadas por la artista en su entornoserrano. Esta obra forma parte de la muestra que busca redescubrir la producción de RosaFarsac, una artista polifacética y poco reconocida en la historia del arte local.Importancia de la exposiciónLa exposición "Rosa Farsac y el teatro de las flores" ofrece una oportunidad única parareflexionar sobre la obra de Rosa Farsac y su relevancia en el contexto artístico actual. Lainclusión de la obra "Magnolia" de Micaela Trocello enriquece la muestra y destaca laimportancia de la innovación y la experimentación en el arte contemporáneo.La Obra"Magnolia" es una pieza moderna que se considera clásica en su estilo. Combina elementoscontemporáneos con una estética atemporal, lo que la hace destacar en la escena artísticaactual.La obra "Magnolia" evoca en mí un cúmulo de recuerdos y emociones profundamentearraigados en mi experiencia personal y familiar. Me remite a los aprendizajes transversales ysentimentales transmitidos por las mujeres de mi familia, especialmente mis abuelas y tíasmaternas, quienes jugaron un papel fundamental en mi formación. La figura de mi madretambién se destaca en estos recuerdos, su dedicación, resiliencia y sabiduría popular me haninspirado a lo largo de mi vida.La obra me transporta a las mesas de trabajo en barrios populares, donde mujeres, niños yadolescentes se reunían para compartir saberes y experiencias. Estos espacios de encuentro yaprendizaje me enseñaron la importancia de la solidaridad, la cooperación y el apoyo mutuo.La belleza y la fuerza de estas mujeres, que han sido pilares en mi crecimiento personal yacadémico, se reflejan en la obra "Magnolia", simbolizando la sabiduría y el amor que hancompartido conmigo.En este sentido, "Magnolia" es más que una obra de arte para mí; es un recordatorio de losaprendizajes y valores transmitidos por las mujeres que han marcado mi vida. Su significadotrasciende el ámbito artístico y se convierte en un tributo a la sabiduría y el amor de aquellasque me han formado.Según Elena Oliveras, una obra de arte puede ser un enigma que requiere interpretación. Paracomprender "Magnolia", podemos aplicar su enfoque sobre la metáfora y la interpretación,analizando su estructura, símbolos y contexto cultural. Esto nos permite descubrir nuevossignificados y reflexionar sobre nuestras propias experiencias y emociones.*Mi Mirada sobrela Obra "Magnolia"*Me gusta ver la obra "Magnolia" como un espacio para reflexionar sobre cómo la educación,la historia y el contexto cultural influyen en mi forma de sentir y crear. Para mí, el arte es unlugar donde puedo ser escuchada, ser feliz y expresarme libremente. Invito a pensar en cómopodemos crear espacios que fomenten la libertad de expresión y la creatividad,permitiéndonos ser seres pensantes y hablantes.

# data[].attributes.body
La instalación "Magnolia" combina imágenes digitales, diseño textil y elementos naturales,

inspirada en la pintura de Rosa Farsac y en las fotografías tomadas por la artista en su entorno

serrano. Esta obra forma parte de la muestra que busca redescubrir la producción de Rosa

Farsac, una artista polifacética y poco reconocida en la historia del arte local.

Importancia de la exposición

La exposición "Rosa Farsac y el teatro de las flores" ofrece una oportunidad única para

reflexionar sobre la obra de Rosa Farsac y su relevancia en el contexto artístico actual. La

inclusión de la obra "Magnolia" de Micaela Trocello enriquece la muestra y destaca la

importancia de la innovación y la experimentación en el arte contemporáneo.La Obra

"Magnolia" es una pieza moderna que se considera clásica en su estilo. Combina elementos

contemporáneos con una estética atemporal, lo que la hace destacar en la escena artística

actual.

La obra "Magnolia" evoca en mí un cúmulo de recuerdos y emociones profundamente

arraigados en mi experiencia personal y familiar. Me remite a los aprendizajes transversales y

sentimentales transmitidos por las mujeres de mi familia, especialmente mis abuelas y tías

maternas, quienes jugaron un papel fundamental en mi formación. La figura de mi madre

también se destaca en estos recuerdos, su dedicación, resiliencia y sabiduría popular me han

inspirado a lo largo de mi vida.

La obra me transporta a las mesas de trabajo en barrios populares, donde mujeres, niños y

adolescentes se reunían para compartir saberes y experiencias. Estos espacios de encuentro y

aprendizaje me enseñaron la importancia de la solidaridad, la cooperación y el apoyo mutuo.

La belleza y la fuerza de estas mujeres, que han sido pilares en mi crecimiento personal y

académico, se reflejan en la obra "Magnolia", simbolizando la sabiduría y el amor que han

compartido conmigo.

En este sentido, "Magnolia" es más que una obra de arte para mí; es un recordatorio de los

aprendizajes y valores transmitidos por las mujeres que han marcado mi vida. Su significado

trasciende el ámbito artístico y se convierte en un tributo a la sabiduría y el amor de aquellas

que me han formado.

Según Elena Oliveras, una obra de arte puede ser un enigma que requiere interpretación. Para

comprender "Magnolia", podemos aplicar su enfoque sobre la metáfora y la interpretación,

analizando su estructura, símbolos y contexto cultural. Esto nos permite descubrir nuevos

significados y reflexionar sobre nuestras propias experiencias y emociones.*Mi Mirada sobre

la Obra "Magnolia"*

Me gusta ver la obra "Magnolia" como un espacio para reflexionar sobre cómo la educación,

la historia y el contexto cultural influyen en mi forma de sentir y crear. Para mí, el arte es un

lugar donde puedo ser escuchada, ser feliz y expresarme libremente. Invito a pensar en cómo

podemos crear espacios que fomenten la libertad de expresión y la creatividad,

permitiéndonos ser seres pensantes y hablantes.

# data[].attributes.attachment_caption
La obra “Esfuerzo” de Ana Josefa Bettini es una de las expresiones más impactantes de su obra artística, con un marcado contraste entre el blanco y el negro, la artista logra capturar la tensión y la energía de una figura humana que parece rendirse ante un peso invisible. El título de la obra nos invita a una interpretación simbólica del trabajo y la lucha vital, donde el cuerpo se transforma en un símbolo de resistencia y determinación.                                         La imagen transmite una fuerte sensación de tensión, resistencia y movimiento contenido, los contrastes entre el blanco y el negro intensifican el dramatismo: la oscuridad resalta las áreas más pesadas y duras, mientras que el blanco proporciona espacios de respiro. La postura inclinada del cuerpo y la rigidez de sus extremidades nos muestran: lucha, perseverancia y sacrificio, pero también una dignidad frente a la adversidad.                                                                                                   Bettini elige un lenguaje expresionista que prioriza la fuerza emocional sobre la forma descriptiva. En el contexto del arte cordobés de mediados del siglo XX, Bettini se destacó como grabadora, explorando las posibilidades del linóleo y la madera para abordar problemáticas universales. “Esfuerzo” no solo refleja la dureza del trabajo físico, sino que también actúa como una metáfora de las luchas cotidianas, las presiones sociales y la perseverancia individual.                                                                                               La obra trasciende lo meramente estético y se convierte en un testimonio profundo de la condición humana, mostrando el compromiso de la artista con un arte que interpela, conmueve y nos invita a la reflexión.                                                                         La obra no se presenta como un simple objeto de consumo rápido, al contrario, al mirarla, nos invita a detenernos y a confrontar la complejidad de sus líneas, los contrastes y la tensión que transmite la figura. Es un trabajo que nos llama más a la contemplación y la reflexión que a la distracción: los ojos se pierden en los trazos, tratando de descifrar qué hay detrás del gesto y del movimiento que se muestra en el título: esfuerzo.                                       Al observarla, no me siento como un espectador pasivo, la imagen me lleva a participar, a completar con mi mirada y mi interpretación lo que no está explícito. Esa participación me convierte, de cierta manera, en coautor, porque el verdadero sentido de la obra no está dado, sino que se construye en la interacción con quienes la contemplan.                               La puedo considerar un enigma: no hay una narración clara ni una figura completamente reconocible; más bien, se trata de un cuerpo en tensión que se sugiere y se oculta al mismo tiempo, ell esfuerzo interpretativo consiste en leer las líneas, los ángulos, las curvas, y preguntarme qué dimensión humana está condensada ahí:¿ trabajo físico, una lucha interior o si es resistencia?                                                                                            La experiencia estética que me ofreció es crítica y reflexiva, pero también sensorial ya que el contraste entre el blanco y el negro, la energía de los trazos, la fuerza expresiva del grabado me impactan visualmente, sin embargo, la huella que deja no se limita a lo sensorial sino que abre preguntas sobre el cuerpo, la fuerza, la resistencia, y me invita a reflexionar sobre el significado mismo del esfuerzo en la vida humana, impactando tambien en lo emocional.                                                                     Siguiendo la idea de Oliveras, la obra se transforma en un espacio en donde se entrelazan lo sensible y lo conceptual, el espectador no solo observa, sino que también activa su propia capacidad para interpretar y resignificar lo que ve. 

# data[].attributes.attachment_caption
La técnica de "La persistencia de la memoria" es óleo sobre lienzo. Las dimensiones de la obra son (24,1 × 33)cm. Los colores principales incluyen tonos marrones, ocres y azules que se aplican con suavidad para crear una sensación de calma y serenidad en el paisaje onírico                       Técnica: óleo sobre lienzo                      Composición: Dalí emplea la técnica hiperrealista para crear el paisaje surrealista, con colores que contribuyen a la atmósfera de la obra. El uso de colores cálidos y fríos equilibra la composición,crea efectos visuales.                                                        La persistencia de la memoria" de Salvador Dalí es una obra surrealista que explora la relatividad del tiempo y la naturaleza del inconsciente a través de relojes derretidos, simbolizando que el tiempo es una construcción subjetiva y no una constante rígida. La pintura representa el tiempo subjetivo de los sueños y la memoria, desafiando la lógica del tiempo cronométrico. Otros elementos como las hormigas (decadencia) y el árbol seco (vida efímera) refuerzan los temas de la fugacidad y la mortalidad. Significado de los elementos claveRelojes derretidos: Simbolizan la flexibilidad y distorsión del tiempo en los sueños y el inconsciente, en contraste con el tiempo rígido y lineal de la realidad.                                              Figura central blanda: Se interpreta como un autorretrato del propio Dalí durmiendo, donde el tiempo se deforma.                                      Hormigas: Representan la descomposición y la naturaleza efímera de la vida, atacando un reloj de oro.                                                                            Árbol seco: Un olivo marchito que simboliza la sabiduría, pero también la fugacidad de la vida. Paisaje: Se basa en el paisaje de la costa de Cap de Creus, en Cataluña, un lugar recurrente en la obra de Dalí. Interpretaciones generalesTiempo y realidad: La pintura cuestiona nuestra percepción del tiempo y la realidad, invitando a reflexionar sobre cómo nuestra mente construye la experiencia del tiempo. El subconsciente: A través de imágenes oníricas, Dalí plasma el mundo del subconsciente, influenciado por las teorías de Sigmund Freud. Mortalidad: La obra aborda la fugacidad de la vida y la inevitabilidad de la muerte a través de símbolos como las hormigas y el árbol seco. Subjetividad: El título mismo sugiere que la memoria, y no el tiempo mecánico, es lo que persiste, una vivencia íntima que escapa a la medición.                                                                 Elegi esta obra porque siempre estoy pensando en el "Tiempo" en el cual digo que se pasa rapido o se pasa lento, cuando decimos "En todo este tiempo pude hacer tal cosa" en cada momento tengo presente el "Tiempo" o lo que me acuerdo de tal momento. Esta pintura me lleno de sentimiento como tristeza y a la vez felicidad y muchos recuerdos.                                           

# data[].attributes.attachment_caption
Obra "La tormenta" del Museo Emilio Caraffa es una pintura de Horacio Álvarez que retrata un paisaje urbano de las barrancas de Córdoba con una atmósfera inhóspita, utilizando formas sintéticas y tonos bajos para expresar un clima desolado, y se incorporó a la colección tras ganar el Segundo Premio de Pintura en el Salón de Otoño de 1949.  Esta obra nos muestra un paisaje hostil sumado a sus características topográficas, colores con tonos bajos que nos da la sensación de un contexto desolador, la imagen de la persona contra la tormenta me recuerda a mi propio sentir, entro en diálogo con el autor haciendo una lectura muy personal y pudiendo ser co autora desde mi propia experiencia ,y me retrotrae a mi vida de luchas y resistencias, La tormenta simboliza caos, ruptura , miedo, incertidumbre luchas tanto internas como externas y poder ver la continuidad de la obra en que después de la tormenta llega la paz la calma la tranquilidad ,los colores brillantes la resiliencia ,ese "después " donde se puede reconstruir lo arrasado por la tormenta    