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Grecia Helenística (La Victoria alada de Samotracia)

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Grecia Helenística (La Victoria alada de Samotracia)

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La máscara de Warka o Dama de Warka es una placa de alto relieve con 20 centímetros de altura, es perteneciente a la época de la civilización sumeria en el año 3300 a. C. Originalmente fue encontrada por unos arqueólogos alemanes y llevada al Museo Nacional de Irak, pero fue robada durante los saqueos al iniciar la guerra de Irak el 9 de abril del 2003 y fue encontrada en septiembre del mismo año, por un ciudadano que la tenía enterrada en el patio de su casa.

La máscara esta esculpida en arenisca y originalmente policromada con blanco para la piel y otros colores para los adornos, cabello y otros detalles. Además de que la Dama está elaborada con rudeza, falta de esterilización y con ciertas características: como los ojos almendrados sin párpados, la nariz elaborada a base de un triángulo, que a su vez es el eje simétrico y una ceja continua que era un rasgo característico de los sumerios. Es considera una de las primeras en la historia en reflejar un rostro femenino.

La figura es la representación de la diosa Inanna que luego fue cambiada al nombre de Ishatar, era protectora de la ciudad, diosa del amor y la guerra. La Dama de Warka es una figura representativa de una deidad religiosa, que protegía a todos los ciudadanos y también era poderosa, por lo que llegaba a causar terror entre los dioses y humanos por igual. Era una diosa que desafiaba las normas, se rebelaba contra las autoridades, por lo que podía llegar a ser violenta y recurría a la destrucción.

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Renacentista Italiano (La Batalla de San Romano)

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Renacentista Italiano (La Batalla de San Romano)

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La Batalla de San Romano pintado por Paolo Ucello en 1438, es un tríptico que tiene unas medidas de 182 cm de alto x 320 cm de ancho perteneciente a la época del renacimiento italiano la cual fue solicitada por una familia adinerada de Bartolli, pero actualmente se encuentra desmembrada y exhibida en la Galería de Uffizi, la Galería Nacional de Londres y en el Louvre de Paris. La Batalla de San Romano de Paolo Uccello fue restaurada en noviembre 2012 y se encuentra en la sala 7 de Gentile da Fabriano.

El cuadro se encuentra pintado en temple sobre madera, una técnica la cual consistía mezclar pigmentos con yema de huevo creando una pasta para así aplicarla en una superficie de madera preparada. Las razones por la que esta obra es tan característica, es debido a que Paollo Ucello hace uso de la perspectiva, siendo así uno de los pioneros de este estilo, aunque él estaba inmerso en el clima gótico, por lo que sus pinturas tenían un estilo al cuento de hadas. En este cuadro se ilustra la batalla de San Romano que tuvo lugar en 1432 entre Florencia y Siena, este panel expone el descabalgamiento de Bernandino della Ciarda. Dicha composición está llena de gente, aunque la atmosfera es algo irreal y que los caballeros parecen maniquíes en un tornero medieval, Paolo Uccello estaba interesado en la perspectiva y si aplicación en la representación de los sentimientos humanos. Paolo por sus técnicas se reconoció como un artista de transición, completamente enamorado de la revolución renacentista y con un gusto inclinado a lo gótico.

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Arte paleocristiano (Curación de la hemorroísa)

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Arte paleocristiano (Curación de la hemorroísa)

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República Romana (Mosaico de Alejandro Magno)

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República Romana (Mosaico de Alejandro Magno)

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Las obras que voy a comparar son pertenecientes al Imperio romano pero cada una a una época diferente, las obras son: “Mosaico de Issos” pieza perteneciente a la Republica Romana en su transición al Imperio Romano y “la Victoria alada de Samotracia” de Grecia Helenísticas, ambas obras cuentan con diferencias.

Ambas obras presentan diferencias evidentes al momento de compararlas. Por un lado, el Mosaico de Issos es una pieza elaborada con aproximadamente millón y medio de teselas, la cual representa la batalla de Alejandro Magno tratando de llegar a Darío III, para así poder matarlo. Es una obra que hace uso de colores variados, con un estilo realista y detallada teniendo una representación precisa de rasgos faciales y vestimenta militar, es por eso que busca simbolizar el poderío militar y la conquista del Imperio Persa. Tiene unas dimensiones de 2.72 metros de altura por 5. 13 metros de ancho y hace parte de la colección del Museo Arqueológico Nacional ubicado en Nápoles, Italia.

Por otro lado, la Victoria de Samotracia es una figura la cual representa a Niké, diosa de la victoria. Ella era una deidad que presidía las competiciones atléticas y las disputas militares, con el fin de aludir a la vitoria como valor universal. Representada como una mujer alada con figura esbelta y grácil. Elaborada con mármol con diversos detalles con el fin de transmitir movimiento y vida. La actitud corporal des en la posición de contrapasa, para así tener una postura que se vea más natural, sumado a las características del ropaje que le añade un toque dramático. Esta pieza cuenta con una altura de 2,75 metros y se encuentra en el Museo de Louvre, Paris.

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Arte bizantino (Aristóteles con sus discípulos)

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Arte bizantino (Aristóteles con sus discípulos)

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El tema que me gustaría manejar es la guerra en el arte. Lo he elegido debido a que me interesa ver como los diferentes conflictos fueron un factor fundamental para que las expresiones artísticas de ese momento fueran usadas como medio para concientizar a las personas de lo que sucedía, y a su vez hacer un activismo pasivo. Adicionalmente, ver como el factor de pensamiento o sentimientos de los artistas se ven involucradas al momento de representar estos eventos, dando esta perspectiva única de retratar la esencia de la guerra, con el toque único de cada artista. Me gustaría saber cómo estas visiones de la guerra representadas por medio del arte, ayudan a construir una memoria histórica y ampliar el conocimiento de esta temática.

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Arte Románico (Frontal altar de Santa María de Cadet)

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Arte Románico (Frontal altar de Santa María de Cadet)

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Arte Gótico (Madonna y el niño en el trono)

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Arte Gótico (Madonna y el niño en el trono)

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Las obras que voy a comparar son pertenecientes al las épocas Románico y Gótico entre los siglos XI y XII, las obras a comparar son: “Madonna y el niño en el trono” del periodo gótico y el “Frontal altar de Santa María de Cadet” del periodo románico. Para comenzar la obra del periodo gótico es una pieza elaborada en temple y oro sobre tabla, muestra a una virgen con un niño entre los brazos. Se conoce que el pintor Lorenzo Mónaco, fue uno de los mayores representantes del periodo gótico tardío en Florencia. En sus piezas, sobre todo esta, se puede valorar el uso de colores y la suavidad de las líneas que usa para construir las figuras. La posición de los colores también es un factor importante para darle profundidad a la obra. En la pintura se ve a la virgen cargando a un niño rodeada por ángeles, que visten túnicas de colores asalmonados. Por otro lado la “Frontal altar de Santa María de Cadet“  es un frontal de altar hecho por el taller de Ribagorza. Esta es una pieza que cuenta con diversos estilos, caracterizándose por el uso de fondos y de Marcos de relieve de estuco, lo que hace que el estilo pictórico sea bastante llamativo, destacando el uso del dorado. En el frontal se caracteriza por la Virgen con el Niño, está sobre un trono y rodeados por los cuatro seres simbólicos que proclaman el evangelio. En los compartimientos laterales marcan el ciclo de la infancia de Cristo, comenzando con la anunciación del Ángel y termina con la visita de santa Isabel

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El tapiz de Bayeux es un bordado perteneciente a la época de la Edad Alta Media en el año 1070 , actualmente se encuentra exhibido de manera permanente en el Centro Guillermo el Conquistador en Normandía, Francia y mide 70 metros de largo x 50 centímetros de ancho. La lana usada en este tapiz tiene dos capas de un hilo que es más fino que el lino, cuenta con menos de 10 colores los cuales fueron teñidos por tintes vegetales, además la tela es cocida y no tejida, es por eso que el nombre de “tapiz” permaneció desde la época medieval debido a que se colgaban piezas similares. Esta pieza cuenta con la participación de 626 personajes más otros elementos adicionales como: perros, caballos, árboles, barcos, etc. Se especula que la obra fue cocida y elaborada a partir de un bosquejo elaborado por un único artista anónimo. El tapiz tiene 58 escenas que cuentan la conquista de normanda a Inglaterra anglosajona, explicando los sucesos que llevaron a Guillermo a reclamar el trono de Inglaterra. La mayoría de las escenas coinciden con relatos escritos medievales, así que es un relato visual con pocas palabras en latín, por eso se pueden dar la posibilidad de que se den diversas interpretaciones, destacando así algunos elementos que pueden representar fábulas o aludir a comportamientos morales.

El tapiz revela muchos detalles de la vida en la Edad Media, siendo demostrado por elementos como: escudos, armas, arcos. El tapiz muestra dos tipos de arqueros normandos que se distinguen por la vestimenta, lo que sugiere que se usaron guerreros tanto profesionales como reclutados por la fuerza.

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Renacentismo del norte Europeo (La Ronda Nocturna)

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Renacentismo del norte Europeo (La Ronda Nocturna)

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Renacentismo del siglo XVI  (El Asedio de Malta)

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Renacentismo del siglo XVI  (El Asedio de Malta)

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Arte Neo clásico (Psique reaminada por el beso del amor)

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Arte Neo clásico (Psique reaminada por el beso del amor)

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Arte Romanticismo (la balsa de la Medusa)

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Arte Romanticismo (la balsa de la Medusa)

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Las obras que voy a comparar a continuación son pertenecientes al siglo XIX, pero cada una a una época distinta, las obras son: "La rendición de Brenda" perteneciente a la época del barroco y "la balsa de la Medusa" de la época romántica, ambas obras cuentan con diferencias. Para comenzar la pieza de la época del barroco fue elaborada en óleo sobre lienzo, mostrando una escena una expedición. Diego Velázquez, el creador de este cuadro es conocido como uno de los mayores exponentes de la pintura española, inclinado a tener un estilo naturalista de iluminación tenebrista. En esta obra gira entorno a las figuras centrales del cuadro (general español Ambrosio Spínola y el líder holandés Justino de Nassau), lo que da un aire de equilibrio y tensión ya que la iluminación resalta en los protagonistas. Por otro lado, "la balsa de la Medusa" es también un óleo sobre lienzo perteneciente al romanticismo francés y fue elaborado por Théodore Géricault. Narra la historia de un capitán irresponsable por lo que 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresuradamente. Este cuadro cuenta con detalles realistas y con uso de dos diagonales para expresar movimiento y dar profundidad, se aprecia el detalle de los cuerpos ya que usaron cadáveres de la morgue para replicarlos. La saturación de los colores difiere y afecta mucho en el clima tonal de la obra terminada.

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Es un cuadro pintado en óleo sobre lienzo el cual hace parte del movimiento vanguardista, resaltando un estilo de cubist, surrealista y expresionista y Pablo Picasso fue el autor de esta obra y la realizó en el año 1937. Cuenta con un tamaño de 77,6 cm x 349,3 cm, fue un cuado elavorado por encargo del director general de Bellas Artes, Max Aub por peticiòn del Gobierno de la Segunda Repuublica Esapñola.

Apesar del titulo, no hay una referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la guerra civil española, asi que no cuenta cuanta con un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco, el negro y una variada gama de grises. La estrucutura del cuadro es similar a la de un triptico (cuadro que se divide en tres secciones y esta unidos por bisagras), siendo ordenada en triangulos de los cuales resalta la parte central. En el cuadro aparecen representados doce símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). En los bocetos que se conservan, con fecha de 18 y 19 de abril, revelan que Picasso no había encontrado todavía la inspiración para su obra, a pesar de la inminente inauguración de la Exposición Internacional. En uno de los bocetos hay incluso alguna clara alusión política (hoz y martillo ), que no estará presente en el Guernica. En el cuadro busca representar todo tipo de personas en una guerra.