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Trabajos de estudiantes, a partir de una fotografía, focalizados en el análisis de la luz y su representación a través de las características pictóricas impresionistas.

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Artículo sobre La Catedral de Rouen, de Monet.

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Artículo sobre La Catedral de Rouen, de Monet.

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Sobre el estudio de la luz en diferentes momentos del día y del año.

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La serie Catedrales de Rouen es una colección de 30 pinturas de Claude Monet que representan principalmente vistas del portal oeste de la Catedral de Notre-Dame en Rouen.

Y aunque representen lo mismo, cada cuadro es muy diferente, ya que muestra diferentes horas del día, diferentes estaciones del año, diferente climatología, lo que provoca un cambio total en la luz que provoca un cambio total en el color y en la percepción de las cosas.

La catedral por tanto no es lo importante ( Monet ni siquiera la muestra entera y a veces prescinde de definir sus detalles). Lo importante aquí es la luz, la atmósfera, ese instante efímero que nunca jamás se va a repetir. Y capturar la luz es algo casi imposible, algo digamos místico, debido a su naturaleza siempre cambiante y su extrema sutileza. Quizás por ello Monet pintó tantos cuadros de una misma cosa, intentando encontrar eso que buscaba una y otra vez.

Las cosas no avanzan de manera constante, principalmente porque cada día descubro algo que no había visto el día anterior... Al final, estoy tratando de hacer lo imposible. [1]

Podemos ver como Monet no escatima en pintura y hace unos cuadros llenos de materia, como intentando captar la solidez de esa catedral que lleva siglos en pie, y por otro lado la sutileza etérea de los cambios de la luz.

Monet pintó esta serie de cuadros entre 1892 y 1894.

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Actividad fotográfica sobre el estudio de la luz.

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Actividad fotográfica sobre el estudio de la luz.

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Para ejercitar la observación y el análisis de la luz impresionista, deberán fotografiar un espacio al aire libre en tres momentos diferentes del día. A modo de ejemplo pensemos en La Catedral de Rouen.

En total deberán ser tres fotografías, del mismo lugar, mismo plano, misma composición, pero diferente luz.

Tener en cuenta el encuadre y composición de la imagen. Pueden utilizar la luz del amanecer, media mañana, mediodía, tarde, atardecer. No utilicen flash ni saquen fotos a la noche porque no vamos a poder apreciar las diferencias de luz.

Importante: la clase siguiente vamos a trabajar con una de estas fotografías, por lo que es importante que las tengan en el celu, o si quieren, impresa.

Para poder hacer la puesta en común pueden subir las fotos al padlet o compartirlas en el grupo de whatsapp.

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Capilla de Ischilín, Fernando Fader. 1930

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Capilla de Ischilín, Fernando Fader. 1930

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Las playas de Guasapampa, Fernando Fader. 1930

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Las playas de Guasapampa, Fernando Fader. 1930

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Paul Cézanne es el padre de la pintura moderna, puente entre el siglo XIX y las nuevas propuestas del XX.
Pero en vida Cézanne fue un pintor ignorado. Arisco y misántropo, apenas expuso y no confió jamás en el mundo del arte. Sólo tendría la admiración de algunos de sus más modernos contemporáneos, y por supuesto el de las nuevas generaciones, como o que afirmaron: "Cézanne es el padre de todos nosotros".

El pintor era extremadamente pobre y muy poco sociable. Frecuentaba los bares de los impresionistas, pero mientras el carismático conversaba con el ingenioso Degas y el elegante Monet, Cézanne se sentaba en un rincón mirando con el ceño fruncido la escena, todavía con su ropa de trabajo, y de pronto daba un golpe en la mesa gritando cualquier improperio, y se levantaba saliendo del bar de un portazo.
Los demás se encogían de hombros y seguían bebiendo.
Era Cézanne, todo un temperamento...

Aunque después se demostraría su importancia capital para el arte moderno, mientras vivió nadie pareció ver que eso era el futuro, salvo algunos artistas.
A veces se le acercaba alguno, algo arriesgado teniendo en cuenta la suspicacia con la que Cézanne trataba a los admiradores. En una ocasión un joven pintor le expresó su admiración y Cézanne dio uno de sus típicos golpes en la mesa con el puño y gritó "No te burles de mi, jovencito", pero al momento se dio cuenta y se arrepintió: No te lo tomes a mal; ¿Cómo puedo creer que ves algo interesante en mis cuadros si todos esos idiotas que escriben tonterías sobre mi nunca pudieron percibir nada...?

Estilo geométrico y estudio de los espacios.

Paul Cézanne trató de conseguir una comunión armoniosa entre naturalismo, la expresión personal y el orden pictórico. Rechazó las idealizaciones en los temas y chorradas en su estilo. Representaba el mundo de la forma más exacta desde el punto de vista pictórico ordenando todo estructuralmente en formas simples y planos de color. Todo era geometría.

"Toda la naturaleza se moldea según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera"

Las pinceladas de Cézanne son muy características, todas conjugadas para formar un conjunto complejo, representando lo que el ojo que observa y al mismo tiempo una abstracción de eso.
Revolucionario fue la observación de los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a su representación desde perspectivas diferentes al mismo tiempo. Esta simultaneidad sería adoptada después por los

Cézanne pinta lentamente, pidiéndole al modelo que tenga paciencia... como una naturaleza muerta. De hecho, se podría decir que todo era tratado como objetos: una figura humana, baños al aire libre, manzanas sobre una mesa o paisajes: todo trabajado liberando, disminuyendo y enderezando los espacios.

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1839Paul Cézanne es el padre de la pintura moderna, puente entre el siglo XIX y las nuevas propuestas del XX. Pero en vida Cézanne fue un pintor ignorado. Arisco y misántropo, apenas expuso y no co...

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Unos 900 cuadros, más de 1600 dibujos... Y eso que Van Gogh empezó su carrera seria de pintor relativamente tarde (32 años). Eso sí... Desde entonces no pararía de pintar a un ritmo frenético durante 5 años, hasta su trágica muerte.
Mucho se ha hablado de su turbulenta vida y de su locura, de la famosa oreja y de su carácter intratable. Sin embargo, y por mucho que se especule, su arte era de lo más lúcido. Van Gogh no pintaba así por "estar loco", no veía las cosas así (eso sería genial!) sino que fue un audaz experimentador y todo un erudito en la historia del arte.

Paradigma de pintor atormentado, de genio solitario que no vendió ni un miserable cuadro en vida (hoy su obra tiene un valor incalculable), es verdad que tenía serios trastornos psiquiátricos, pero lo cierto es que fue un pintor muy de su tiempo, que evolucionó de la monocromía típica de la pintura holandesa y del de sus ídolos o al arte colorido con el que lo identificamos hoy en día, pasando por el inevitable influjo del impresionismo.

Tras superar las investigaciones impresionistas, Van Gogh y un puñado de otros amigos experimentadores (Gauguin, Cezanne, Toulouse-Lautrec...) crearon un nuevo estilo, que a falta de un nombre mejor se dio en llamar postimpresionismo. Los colores vivos (y muy matéricos), el abandono del naturalismo, las formas que parecen moverse o caerse... Todo ello fue fruto de una evolución artística lógica más que de los delirios de un demente.

La verdad es que Van Gogh sufrió siempre de depresiones e incluso intentó suicidarse varias veces. Es cierto que se cortó la dichosa oreja (el lóbulo en realidad), que contrajo una sífilis que dañó todavía más su cerebro, que se comía su pintura con plomo, que bebía absenta hasta quedar inconsciente, que sus relaciones sociales y sentimentales fueron desastrosas, que olía fatal, que fue un mantenido por su hermano Theo, que fue internado en psiquiátricos y que acabó pegándose un tiro en el pecho con una escopeta...

Pero sería muy simplista afirmar que su particular estilo (colores chillones, pinceladas bruscas...) se debe a su estado piscológico. En realidad Van Gogh pintaba de esa forma porque ese era su estilo, un estilo lúcida y conscientemente adquirido. Loco o cuerdo, sus cuadros eran relativamente independientes de su psique.

Pese a su fracaso comercial (más condicionado por su personalidad anti-comercial que por su arte) Van Gogh se codeó de tú a tú con los mejores artistas de su tiempo y gozó de su amistad y admiración. Incluso después de su muerte fue admirado y sigue siéndolo.
Su pintura es emocionante y atemporal, brutalmente sincera y muy popular (los profanos en la materia y los niños captan perfectamente la expresividad de su obra).

Muy fresca y espontánea (llegó a crear frenéticamente dos o tres cuadros al día), se percibe en su obra la necesidad imperante de pintar.

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1853Unos 900 cuadros, más de 1600 dibujos... Y eso que Van Gogh empezó su carrera seria de pintor relativamente tarde (32 años). Eso sí... Desde entonces no pararía de pintar a un ritmo frenético duran...

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Paul Gauguin fue el típico pintor post-impresionista:

1. Asentó las bases del arte moderno.

2. Nunca fue apreciado en vida.

3. Una vez muerto fue considerado un clásico intocable.

4. Sus pinturas son hoy las más caras de la historia.

Así es... Como sus colegas y Cezanne, el gran Gauguin creó un nuevo lenguaje que después adoptarían los jóvenes (y mejores vendedores) vanguardistas: un novedoso y expresivo uso del color, el gusto por la simplicidad del primitivismo, la audaz experimentación en todos los ámbitos y técnicas, la bohemia y la intención de alejarse de lo establecido, lo que se podría calificar de pura subversión.

La vida de Gauguin fue fiel a su leyenda. De París a Lima en su niñez, ahí empieza el primero de sus muchos viajes. Una vez retornado a Francia, ingresa en la marina con 17 años donde da la vuelta al mundo. Después, otra vez en París, se hace agente de bolsa obteniendo buenos ingresos que le permiten iniciar una colección de pinturas y posteriormente empezar a pintar él mismo.

Ahí es cuando decide dedicarse exclusivamente al arte, sacrificando su estabilidad económica e incluso familiar. Se traslada a la Bretaña francesa, donde su pintura cambia radicalmente, del impresionismo a "esa otra cosa" de camino entre simbolismo y lo desconocido.

Ahí empieza a separar la imagen pictórica en zonas de color fuertemente contrastadas y a menudo delineadas con negro, llegando a recordar a las vidrieras ( cloisonismo) y se volcó en el sintetismo.
Se va después a Panamá, trabajando en el Canal y después a Martinica, lugar en el que redescubre la belleza de lo primitivo.
De regreso a Francia, pasa una breve (y tormentosa) temporada con en Arles, y finalmente se va a Tahití, donde vive ya como un nativo.
Regresa ocasionalmente a París, pero el reconocimiento a su talento no llega, salvo en los círculos más vanguardistas, así que decide volver a su verdadero hogar, la Polinesia, donde fallece enfermo de sífilis, alcoholizado y cansado de luchar. Una botella de láudano al lado de su cadáver hacen pensar que murió de sobredosis.

Poco después de su muerte, su figura sería reivindicada por los dos grandes artistas modernos: que quedó embrujado por su uso libre y expresivo del color, y que se "enamoró" de la vida y obra del artista y copió su primitivismo para "Las señoritas de Avignon". Las demás vanguardias, con el expresionismo a la cabeza, lo consideraron casi un gurú.

Además de en lo formal, Gauguin buscó siempre una pureza emocional en sus temas, predicando la armonía entre hombre y naturaleza. También le fascinó la intrusión de lo sobrenatural a la vida diaria, el folklore y el arte popular (tanto Bretón como polinesio), la religión desde un punto de vista místico y la búsqueda del paraíso, que quizás nunca encontró.

A día de hoy, sus pinturas son las más caras de la historia. Y pensar que llegó a pasar hambre...

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1848Paul Gauguin fue el típico pintor post-impresionista: Asentó las bases del arte moderno. Nunca fue apreciado en vida. Una vez muerto fue considerado un clásico intocable. Sus pinturas son hoy ...

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Desde 1816 a 1818, Essex Vidal ejerció su cargo de contador en el buque SMB Hyacinth anclado primero en Brasil y posteriormente en el Río de la Plata, donde realizó numerosas acuarelas, que junto a sus detallados apuntes y notas descriptivas al dorso, conforman una obra de gran valor documental.

En el prefacio de su obra Picturesque Illustration of Buenos Ayres and Montevideo (Londres, 1820) Essex Vidal (Brentford 1791, Brighton 1861), sostiene que "el autor de este trabajo se contentó con bosquejar originalmente sin vistas a publicarlas, algunos rasgos característicos que presentaban las ciudades de Buenos Aires y Montevideo y aquellas singularidades en las costumbres, maneras e indumentarias de las gentes en la forma más sorprendente que se le presentaran, durante una residencia de tres años en el país". Estos diseños, cree él, "resultaron más aceptables a los interesados, cuanto que, a su conocimiento, ninguna ilustración gráfica de esos lugares había sido hasta ahora presentada al público."

Si bien Essex Vidal realizaba distintas versiones sobre un mismo tema, todas sus ilustraciones son escenas de exteriores: vistas de la ciudad con sus escasos edificios, los habitantes transitando, el mercado, las carretas y las escenas al aire libre en la campaña resultan verdaderas instantáneas de la época. El paisaje, las inmensas llanuras, la figura del gaucho, las tareas de campo, los juegos, fueron documentados repetida y minuciosamente por el autor.

Las obras de Essex Vidal que se exhiben en sala, forman parte de la colección Assunçao que el Museo Histórico Cabildo adquirió en 1963. Alejo González Garaño, reconocido coleccionista y director del Museo Histórico de Buenos Aires, fue quien salvó esta obra de una dispersión inevitable, comprando gran parte de las acuarelas originales a los descendientes del artista en Londres. Posteriormente fueron adquiridas por Octavio Assunçao para su colección.

Se incluyen en esta exposición, enriqueciendo la mirada sobre la temática, grabados de Carlos González (Melo 1905, Montevideo 1993), pertenecientes al acervo del Museo Juan Manuel Blanes, y en formato digital, obras de Florencio Molina Campos (Buenos Aires, 1891 - 1959).
Proyecto: Equipo Museo Histórico Cabildo

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Desde 1816 a 1818, Essex Vidal ejerció su cargo de contador en el buque SMB Hyacinth anclado primero en Brasil y posteriormente en el Río de la Plata, donde realizó numerosas acuarelas, que junto a sus detallados apuntes y notas descriptivas al dorso, conforman una obra de gran valor documental.