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1.작품이름:최후의 만찬 (1495년~1497년 대 유화작품)
2.작가이름: 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci) 이다.
3. 이그림은 다 빈치의 <최후의 만찬>은 “너희 중에 한 사람이 나를 배반할 것이다.”라는 말이 떨어지고 난 후 식탁에서 벌어진 열두 제자의 반응을 그린 것이다. 이 그림은 밀라노의 산타마리아 델레 그라치에 수도원 성당에 그려져 있다.

여기서 나한테보이는 것은 13명의사람과 가운데있는 사람은 예수님 같은것으로 느낌이가고 역시13명의 사람들이 않을수있는 커다란 횐색깔 책상이 있고 13명의사람들 거기에 않아서 식사를 하는것으로 보인다. 가운데사람이 예수님일 수도있으니 그사람들은 신일수도 있다고 느낌이있다. 나는 이작품을 어떻게 느끼냐면 모든사람들은 모두유명한 사람인것 같다. 그리고 이그림을 그린사람은 레오나르 다 빈치 이고또이름을 말했지만 이작가가 그린작품은 또유명한 모나리자 그림도 그린사람 이다. 그래도이 최후의 만찬은 대단한그림같다.

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다 빈치의 <최후의 만찬>은 "너희 중에 한 사람이 나를 배반할 것이다."라는 말이 떨어지고 난 후 식탁에서 벌어진 열두 제자의 반응을 그린 것이다. 이 그림은 밀라노의 산타마리아 델레 그라치에 수도원 성당에 그려져 있다.

"너희 가운데 한 사람이 나를 팔아 넘길 것이다."
"아니 그럴리가요?""설마 저는 아니겠지요?"

놀라움, 의심, 두려움, 걱정...... 제자들의 반응은 가지각색이었을 것이다. 신약 성경을 읽어나가다 보면 제자들은 각기 다른 개성의 소유자였음을 알 수 있다. 토마스는 의심이 많았고, 베드로는 성질이 불 같았으며, 마태오는 침착하고 지적이었다. 다 빈치는 이들이 각자의 기질에 따라 예수가 위의 말씀을 한 후 어떻게 반응하였는지를 표현하고 있다. 그는 열두 제자를 그리기 위해 인간의 다양한 얼굴 생김새와 표정을 관찰하였다. "얼굴의 굴곡이 심하고 깊은 사람은 동물적이고 본능적이며, 이유 없이 화를 잘 낸다."고 쓴 그의 비망록에서 알 수 있듯이 그는 두개골 형태에 따라 관상이 달라지며 이에 따라 사람의 성격이 정해진다는 사실을 해부학 실험을 통해서 알게 되었다. 당시에 해부학을 본격적으로 시도한 사람이 바로 다 빈치다.

그는 두개골을 면밀히 연구한 후 그 형태에 따라 제자들의 생김새를 결정했고, 이를 바탕으로 다시 거기에 맞는 반응을 얼굴 표정이나 몸짓으로 표현했다. 이를 위해 성경을 읽고 제자들의 성격을 일일이 파악한 것은 물론이다. 이렇게 해서 탄생한 사도들의 모습을 보면 성 토마스는 예수의 바로 오른편에 앉아서 손가락을 위로 가리키며 반문하고 있다. "그게 누굴까?" '의심하는 성 토마스'라는 말이 있을 정도로 의심이 많아 부활한 예수를 보고도 믿지 못하고 옆구리에 손가락을 넣어보고서야 믿은 토마스다. 열두 제자 중 가장 중요한 인물인 요한과 베드로 그리고 예수를 배반한 유다는 예수의 왼편에 함께 그려졌다. 이들 중 가장 오른편에 있는 사람이 요한이다. 다 빈치 이전의 그림을 보면 요한은 자주 예수님의 품에 안겨있는데 이는 "제자들 가운데 한 사람이 예수님 품에 기대어 앉아있었는데, 그는 예수님께서 사랑하시는 제자였다."는 성경 구절에 따른 것이다.

성격이 불 같은 베드로는 자신의 궁금증을 풀려는 듯 요한의 귀에 대고 무언가를 속삭이고 있다. 성격이 급한 그는 스승의 말씀이 끝나기가 무섭게 화가 머리 끝까지 치밀었다. 칼을 들고 있는데 이는 예수님이 체포될 당시 대제사장 종의 귀를 자를 것임을 예고하는 것이자 그의 불 같은 성격을 보여주기 위함이다. 유다는 열두 제자의 회계 담당이었으므로 돈 주머니를 들고 있는데 이는 또한 그가 은전 30냥에 스승을 팔아먹으리라는 암시이기도 하다. 다 빈치 이전의 화가들이 <최후의 만찬>에서 유다를 식탁 건너편에 혼자 앉게 하는 방식으로 그를 구별하던 것과 달리 다 빈치는 유다를 다른 제자들과 똑같이 식탁에 앉게 하였다. 이는 성서의 말씀을 정확히 해석하여 아직 그가 죄인임이 드러나지 않은 상황을 표현하고자 했기 때문일 것이다.

다 빈치는 1495년부터 2년에 걸쳐 이 그림을 그렸다. <최후의 만찬>은 다른 벽화들에 비해 상태가 좋지 않다. 이는 그가 당시 벽화를 그릴 때 젖은 벽에 안료를 칠하던 프레스코 기법을 쓰지 않고 마른 벽에 직접 템페라 물감과 유화 물감으로 그렸기 때문이며 16세기 초반부터 그림의 상태가 이미 나빠졌다고 한다. 그러나 이는 새로운 것을 시도하려 한 작가의 도전 정신의 결과라 해야 할 것이다. 다 빈치가 프레스코화로 그리지 않은 이유는 하루치 분량만큼만 그려야 하는 프레스코 기법이 그에게 맞지 않았기 때문이다. 그는 머릿속에서 구상이 이루어지기만 하면 작업 자체는 별로 어려운 것이 아니라고 생각했다. 전기 작가인 바사리는 다 빈치가 며칠씩이나 "그림에는 손도 대지 않고 벽 앞에 앉아서 명상에 잠겨있었다."고 쓰고 있다.

이 그림은 르네상스 회화의 특징인 수학적 원근법의 결정판이기도 하다. 그림이 그려진 벽면은 마치 실제 벽면이 이어지는 것처럼 환영 효과를 불러일으킨다. 원근법의 소실점은 바로 예수의 머리다. 이 그림에서는 또한 사도들과 그리스도의 후광이 보이지 않는다. 예수의 후광을 대신하는 것은 유난히 밝은 창이다. 과학적 사고에 바탕을 두는 다 빈치에게는 후광 역시 실존하는 것이 아니었다. 이렇듯 모든 것이 화가에 의해 세심하게 고안되고 연출되었다.

글

고종희/미술사학자, 한양여자대학 조형일러스트레이션과 교수
1983년 이탈리아 피사대학교 문과대학 미술사학과에 입학하여 예술사를 전공하였고 1993년 동 대학에서 르네상스 회화로 문학박사 학위를 받았다. 주요 저서로 『명화로 읽는 성서』(한길아트, 2000년), 『이탈리아 오래된 도시로 미술여행을 떠나다』(한길사, 2009년)가 있다. 문화일보에 『고종희 교수의 이탈리아 예술산책』을 연재한 바 있고, 지금은 가톨릭 신문에 『명화 속 불멸의 성인들』을 연재하고 있다. 주 관심 분야는 르네상스 회화 및 그리스도교 성화이며, 한양여자대학 조형일러스트레이션과 교수로 재직 중이다. http://blog.naver.com/bella4040

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다 빈치의 <최후의 만찬>은 "너희 중에 한 사람이 나를 배반할 것이다."라는 말이 떨어지고 난 후 식탁에서 벌어진 열두 제자의 반응을 그린 것이다. 이 그림은 밀라노의 산타마리아 델레 그라치에 수도원 성당에 그려져 있다. "너희 가운데 한 사람이 나를 팔아 넘길 것이다." "아니 그럴리가요?""설마 저는 아니겠지요?" 놀라움, 의심, 두려움, 걱정...... 제자들의 반응은 가지각색이었을 것이다.

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제목.수련 연못
작가.클로드 오스카 모네

모네는 인상주의의 이상을 가장 잘 구현한 화가로 평가받는다. 이 작품은 유화로 만든 작품이다.
같은 작가가 만든 같은 제목의 수련 연못이란 작품이 있는데 그 작품이 이 작품보다 더 인지도가 높다. 이 작품은 아직은 수련의 형태와 연못을 알아볼 수 있게 표현되어 있으며 무엇보다 캔버스에서 수련과 수면을 구성하는 데 있어 가운데에 많은 면적을 수면으로 그려 온전히 수면에 반사된 빛을 드러내고자 한 모네의 의도를 잘 보여주고 있다. 이러한 의도는 그의 시력이 저하되면서 이후 그의 캔버스가 색채로 가득 메워지게 되는 색면 추상의 회화를 예고하게 된다. 연못의 색을 보라색으로 칠하여 오묘하고 아름다운 자태를 뽐낸다.

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모네는 인상주의의 이상을 가장 잘 구현한 화가로 평가받는다. 모네의 작품에는 연작 시리즈들이 많은데. 파라솔을 든 여인, 건초더미와 포플러, 루이 대성당 등은 모네의 유명한 연작 시리즈의 모티프들이며 마지막으로 수련에 이르기까지 그의 연작 시리즈는 생애를 통해 계속되었다. 이러한 연작 시리즈는 그가 동일한 대상이나 풍경을 거의 같은 구도에서 관찰함으로써 시시각각 달리하는 태양의 빛과 날씨에 따른 대기의 변화를 포착하려는 데 주력하고자 한 결과라고 볼 수 있다.

그는 대상을 바라보는 정확하고 선명한 시선이 가장 정직한 시선이며 대상을 철저하게 관찰하여 그것을 객관적으로 캔버스에 옮기고자 한 것이다. 한편, 그가 연작 시리즈를 제작한 동기는 작품에 대한 수요가 늘어났기 때문이기도 했다. 이 시기에 모네는 그동안 인정받지 못하던 무명 시절에서 벗어나 대중들에게 인기 있는 화가가 되었고, 그의 작품에 대한 수요에 부응하기 위해 인기 있는 동일한 모티프의 연작을 더욱 많이 그리게 되었다고 한다.

연못 위의 수련은 모네가 지베르니(Giverny)에 집을 짓고 일본식 정원을 가꾸기 시작하면서 연작 시리즈의 모티프가 되었다. <수련 연못> 연작 시리즈는 그가 작품을 제작한 시기에 따라 조금씩 다른 양상을 띠는데 초기작에는 수련과 연못이 있는 정원 전체의 풍경이 캔버스에 나타나며 화면의 전경에는 연못의 기슭이 보이기도 한다. 그러나 이후 화가가 그리고자 하는 대상인 수련으로부터 화가의 거리는 점점 더 가까워지며, 캔버스 화면에서 연못의 기슭은 완전히 제외되고 화면 가득 오직 연못의 수면과 수련만이 보이는 대담한 구도가 연출된다. 또한, 후기로 갈수록 카메라 렌즈의 초점이 흐려지듯 캔버스는 표현하고자 한 대상이 수련인지 연못인지 그 형태를 알아볼 수 없을 만큼 색채로 가득 메워지는 양상으로 바뀐다. 이러한 변화의 과정은 모네가 갈수록 그의 시력을 잃어갔기 때문이라고 해석된다.

이 작품은 아직은 수련의 형태와 연못을 알아볼 수 있게 표현되어 있으며 무엇보다 캔버스에서 수련과 수면을 구성하는 데 있어 가운데에 많은 면적을 수면으로 그려 온전히 수면에 반사된 빛을 드러내고자 한 모네의 의도를 잘 보여주고 있다. 이러한 의도는 그의 시력이 저하되면서 이후 그의 캔버스가 색채로 가득 메워지게 되는 색면 추상의 회화를 예고하게 된다.

인상주의 회화의 중요한 특징은 사실주의와 공유하면서 객관적인 시각에서 출발하는 것이었으나, 후기로 이어지면서 화가들은 점점 회화에서 화가의 개성이 보이는 주관적인 측면을 발전시켜 나가게 된다. 대부분의 인상주의 화가들은 결코 대상을 캔버스에 객관적으로 나타낼 수 없다는 인상주의 회화의 한계를 인식하여 신인상주의 혹은 후기 인상주의로 나아가거나 고전으로 복귀한 반면, 모네는 인상주의 기법을 고수하며 빛과 대기를 포착하는 데 더욱더 주력해 나갔다. 모네는 매우 고집스러운 성격을 지니고 있었고 그러한 그의 성격은 집요한 관찰을 통한 그의 연작 시리즈를 가능하게 한 면모로 볼 수 있을 것이다. 그가 제작한 <수련 연못> 연작은 무려 250여 점에 달한다.

감수

김일기/서울대학교 강사
서울대학교 독어독문학과와 동대학원 고고미술사학과(미술사전공)를 졸업했다. 『1900년대 미술사』(세미콜론, 2007년)를 공역했으며, 서울대학교와 성신여자대학교에 출강하고 있다.

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모네는 인상주의의 이상을 가장 잘 구현한 화가로 평가받는다. 모네의 작품에는 연작 시리즈들이 많은데. 파라솔을 든 여인, 건초더미와 포플러, 루이 대성당 등은 모네의 유명한 연작 시리즈의 모티프들이며 마지막으로 수련에 이르기까지 그의 연작 시리즈는 생애를 통해 계속되었다. 이러한 연작 시리즈는 그가 동일한 대상이나 풍경을 거의 같은 구도에서 관찰함으로써 시시각각 달리하는 태양의 빛과 날씨에 따른 대기의 변화를 포착하려는 데 주력하고자 한 결과라고 볼 수 있다.

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작품 제목 : 수련 연못작가 

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작품 제목 : 수련 연못
작가 이름 : 클로드 오스카 모네
필명 - 클로드 모네
이 작품은 일본식 다리와 연못이 보이고 이전과는 다르게 더욱 확고하다. 작품의 표면은 이전의 풍경화과는 다르게 근경이 많은 요소들로 가득 채워져 있으며 더욱 활력 있는 그림을 준다. 층층이 가로 선을 이루고 있는 물의 표면은 캠퍼스의 절반 이상을 차지하고 있으며 이 반복적인 가로줄 형태로 인해 거리감을 느끼게 된다. 이 작품을 통해 모네는 동양, 특히 일본과의 밀접한 관계를 드러낸다고 할 수 있다.

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작품이름:자화상
작가이름:빈센트 반 고흐
제작 기법: 이작품은 1887년에 제작된것으로 이전 시기의 작품과는 달라진 특징을 보여준다. 아직 선명한 원색들이 사용되지는 않았지만, 반 고흐의 얼굴에는 밝은 노란색이 쓰였으며, 푸른 옷에도 분홍색과 주황색 선들이 들어 가는것을 확인 할수있다. 반 고흐의 특징적인 표현 방식인 짫게 끊어진 선의 사용도 두드러지게 드러나기 시작한다. 얼굴과 배경에 무수히 그려진 짫은 선들은 율동감을 만들어내지만, 아직 후기 작품에서 나타나는 강한 마티에르는 느껴지진 않는다.
반고흐의동생 테오에게 보낸 편지에서 ‘난 모델이 없을 때 내 스스로의 모습을 그리기 위해 일부러 좋은 거울을 샀다’고 이야기 했는데, 이를 통해 그가 자화상을 그릴 때 거울을 사용했음을 알 수 있다. 실제로 화면 속 그의 얼굴은 좌우가 바뀐 모습이다. 작품 속 반 고흐의 시선은 화면 밖을 정면으로 응시하지 않는데, 이는 그의 모든 자화상에서 공통적으로 나타나는 특징이다. 언제나 다소간 다른 곳을 바라보는 시선은 반 고흐의 불안정한 심리상태를 반영하는 것으로 해석되기도 한다.
이 그림에는 반고흐 자신얼굴을 그린 자화상이며 반 고흐의 특징인 물감을 붓으로 짫게 일직선으로 그리는게 이 그림에 나타나있다.

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반 고흐는 프랑스 남부의 자연을 대상으로 많은 풍경화 작품들을 남겼음에도, 스스로를 인물화가로 지칭하길 즐겼다. 그는 종종 '내 영혼에까지 감동을 주는 것은 오직 인물 뿐'이라고 말하곤 했으며, 1888년 2월부터 1889년 5월까지 아를(Arles)에 머무는 동안 다양한 인물화를 그리기도 했다. 당대의 비평가들 사이에서는 초상화를 고전적이고 권위적인 것이라 여기며 멸시하는 경향이 있었다. 하지만 반 고흐는 이 같은 흐름에 반대하며 초상화의 부활을 꿈꾸었다. 반 고흐의 경제적 형편이 좋지 못했기 때문에, 그가 화폭에 담는 인물은 대부분 주변사람이거나 상상해낸 인물, 혹은 스스로의 모습을 그린 자화상인 경우가 많았다.

반 고흐는 유달리 자화상을 많이 남겼다. 그는 1886년부터 1889년 사이에 서른 일곱 점의 자화상을 그렸는데, 그 중 18점이 암스테르담의 반 고흐 미술관에 소장되어 있다. 반 고흐는 스스로의 모습을 반복해서 그리는 작업을 통해 인물화를 그리는 방식을 다듬었던 것으로 보인다. 남아있는 자화상 중 가장 이른 시기의 것은 그가 파리에 머물던 1886년에 제작되었다. 반 고흐는 파리에 머물면서 적어도 스무 점의 자화상을 남겼는데, 그 양식과 색의 사용에 나타난 변화를 통해 작품이 제작된 순서를 짐작해 볼 수 있다. 초기에 그려진 그의 자화상들은 회색과 갈색을 주로 사용해 그려졌으며, 시간이 지날수록 다양한 색깔과 거친 붓질이 드러나게 된다.

이 작품은 1887년에 제작된 것으로 이전 시기의 작품과는 달라진 특징들을 보여준다. 아직 선명한 원색들이 사용되지는 않았지만, 반 고흐의 얼굴에는 밝은 노란색이 쓰였으며, 푸른 옷에도 분홍색과 주황색 선들이 들어가 있는 것을 확인할 수 있다. 반 고흐의 특징적인 표현 방식인 짧게 끊어진 선의 사용도 두드러지게 드러나기 시작한다. 얼굴과 배경에 무수히 그려진 짧은 선들은 율동감을 만들어내지만, 아직 후기 작품들에서 나타나는 강한 마티에르(matière, 물감이나 캔버스가 만들어내는 물질감을 의미)는 느껴지지 않는다.

반 고흐는 동생 테오(Theodore van Gogh)에게 보낸 편지에서 '난 모델이 없을 때 내 스스로의 모습을 그리기 위해 일부러 좋은 거울을 샀다'고 이야기 했는데, 이를 통해 그가 자화상을 그릴 때 거울을 사용했음을 알 수 있다. 실제로 화면 속 그의 얼굴은 좌우가 바뀐 모습이다. 작품 속 반 고흐의 시선은 화면 밖을 정면으로 응시하지 않는데, 이는 그의 모든 자화상에서 공통적으로 나타나는 특징이다. 언제나 다소간 다른 곳을 바라보는 시선은 반 고흐의 불안정한 심리상태를 반영하는 것으로 해석되기도 한다.

감수

김일기/서울대학교 강사
서울대학교 독어독문학과와 동대학원 고고미술사학과(미술사전공)를 졸업했다. 『1900년대 미술사』(세미콜론, 2007년)를 공역했으며, 서울대학교와 성신여자대학교에 출강하고 있다.

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제작 배경 반 고흐는 프랑스 남부의 자연을 대상으로 많은 풍경화 작품들을 남겼음에도, 스스로를 인물화가로 지칭하길 즐겼다. 그는 종종 '내 영혼에까지 감동을 주는 것은 오직 인물 뿐'이라고 말하곤 했으며, 1888년 2월부터 1889년 5월까지 아를(Arles)에 머무는 동안 다양한 인물화를 그리기도 했다. 당대의 비평가들 사이에서는 초상화를 고전적이고 권위적인 것이라 여기며 멸시하는 경향이 있었다.

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1작품이름: 해돋이.(1872년대 유화작품)
2작가이름:클로드모네
3 이 그림은 해가 돋는장면을 그린것이다어둠 속에서 해가 막 떠오르는 풍경을 담은 이 그림에는 검은색이 전혀 사용되지 않았다. 정말 놀랍다 검은색을 쓰지 않고도 충분히 어둠을 표현할 수 있다는 사실은 매우 혁신적인 실험이었다. 그런데 이런 실험들이 비평가와 관객을 불편하게 만들었다고 할 수 있다. 밤은 검은색이라고 믿는 이들에게 색채는 빛의 문제일 뿐이라는 과학적 설득이 당장은 받아들여지기 어려웠다. 이 그림은 확연하게 터너나 컨스터블 같은 영국 화가들의 기법을 연상시킨다.모네는 뚜렷한 사물의 형상을 통해 풍경을 나타내려고 하지 않고 빛과 그림자 효과를 통해 인상을 전하려고 했다. 이 그림에서 바다와 하늘을 구분하는 것은 색채다. 붉은 빛이 도는 하늘과 푸른 바다는 서로 겹치면서도 묘한 대조를 이룬다. 여기에서 태양이 가장 밝은 것처럼 보이지만 실제 명도를 따져보면 하늘과 거의 차이가 없다. 모네는 색채와 명도의 관계를 정확하게 표현했는데, 이를 통해서 인상주의 그림들이 눈에 보이는 대로 그린다는 근대적 리얼리즘에 얼마나 충실했는지를 알 수 있다.

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인상주의와 인상파라는 이름을 만들어낸 작품이다. 원래 최초의 인상파 전시회는 바지유의 발의로 기획되었지만, 보불전쟁으로 무산되었다. 클로드 모네는 이런 바지유를 기억하면서 최초의 인상파 전시회를 제의한다. 누구를 참가시킬 것인지를 두고 논란이 있었지만 마침내 카푸시네 대로에서 역사적인 기획전이 열렸다. <인상, 해돋이>는 이 전시회에서 첫선을 보였는데, 루이 르로이라는 비평가가 이 제목을 비꼬아서 조롱조의 감상기를 썼다. 모네가 이런 제목을 붙인 까닭은 말 그대로 르아브르의 고향집에서 내려다본 항구를 보고 느낀 즉흥적인 인상을 그린 것이기 때문이다. 전시 도록을 만들 때 동료들이 제목을 요구하자 떠오르는 대로 말해준 것이 <인상 : 해돋이>였다. 제목만큼이나 이 그림은 단순한 기법을 선보인다. 주목할 점은 검은색을 사용하지 않는다는 인상주의 기조가 모네의 그림에서 확연하게 드러나고 있다는 사실이다.

어둠 속에서 해가 막 떠오르는 풍경을 담은 이 그림에는 검은색이 전혀 사용되지 않았다. 검은색을 쓰지 않고도 충분히 어둠을 표현할 수 있다는 사실은 매우 혁신적인 실험이었다. 그런데 이런 실험들이 비평가와 관객을 불편하게 만들었다고 할 수 있다. 밤은 검은색이라고 믿는 이들에게 색채는 빛의 문제일 뿐이라는 과학적 설득이 당장은 받아들여지기 어려웠다. 이 그림은 확연하게 터너나 컨스터블 같은 영국 화가들의 기법을 연상시킨다.

모네는 뚜렷한 사물의 형상을 통해 풍경을 나타내려고 하지 않고 빛과 그림자 효과를 통해 인상을 전하려고 했다. 이 그림에서 바다와 하늘을 구분하는 것은 색채다. 붉은 빛이 도는 하늘과 푸른 바다는 서로 겹치면서도 묘한 대조를 이룬다. 여기에서 태양이 가장 밝은 것처럼 보이지만 실제 명도를 따져보면 하늘과 거의 차이가 없다. 모네는 색채와 명도의 관계를 정확하게 표현했는데, 이를 통해서 인상주의 그림들이 눈에 보이는 대로 그린다는 근대적 리얼리즘에 얼마나 충실했는지를 알 수 있다.

글

이택광/경희대 영미문화전공 교수, 문화 평론가
부산에서 자랐다. 영문학을 공부하다가 문화연구에 흥미를 느끼고 영국으로 건너가 워릭대학교에서 철학석사학위를, 셰필드대학교에서 문화이론을 전공해서 박사학위를 받았다. 1999년 영화주간지 에 글을 발표하면서 본격적으로 문화비평을 쓰기 시작했다. 시각예술과 대중문화에 대한 분석을 통해 정치사회문제를 해명하는 작업에 많은 관심을 갖고 있다. 현재 경희대학교 영미문화전공 교수로 재직하면서 문화비평가로 활동하고 있다.

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인상주의와 인상파라는 이름을 만들어낸 작품이다. 원래 최초의 인상파 전시회는 바지유의 발의로 기획되었지만, 보불전쟁으로 무산되었다. 클로드 모네는 이런 바지유를 기억하면서 최초의 인상파 전시회를 제의한다. 누구를 참가시킬 것인지를 두고 논란이 있었지만 마침내 카푸시네 대로에서 역사적인 기획전이 열렸다. <인상, 해돋이>는 이 전시회에서 첫선을 보였는데, 루이 르로이라는 비평가가 이 제목을 비꼬아서 조롱조의 감상기를 썼다.

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작품이름:알프스를 넘는 나폴레옹

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작품이름:알프스를 넘는 나폴레옹
이 그림은 나폴레옹의 궁정화가였던 자크 루이 다비드가 1801년부터 1805년에 걸쳐 그린 그림으로 나폴레옹이 1800년 5월 알프스의 생 베르나르 협곡을 넘는 모습을 영웅적으로 묘사하고 있다.
또,캔버스에 유채로, 크기는 259x221㎝이며, 말메종 성(Château de Malmaison)에 있다.
내 감상을 들어보자면 화가인 자크 루이 다비드가그림자 표현이나 질감표현등을 잘 표현한것 같다.
그리고 앞에 있는 나폴레옹은 밝게 그리고 뒤에있는 산이나 병사들은 뚜렷하게 그리지 않음으로써
시선을 가운데로 몰게해 그림에 대한 몰입감을
높인다.

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작품제목:아를르의 포룸 카페 테라스
작가이름:빈센트 반고흐
3.이그림은 1888년 유화로 그린 그림이다 이그림에선 여러 의자와 테이블이있고 밤에 한 카페의 모습이고 사람들이 카페로 가는 사람들이 있다이그림은 밝고 어두움이 한번에 느껴지는 느낌이다 이그림은 1888년 빈센트 반고흐가 가장 활발히 활동하던 시기이다 반고흐는 이 별을 그려넣을때 정말즐거웠다라고 말했다 그림을 보면 마치 우울하지만 마음 한켠에 밝게빛나는 빛이 있다는 느낌이들게한다 그리고 다가오는 사람들은 위로해주고 나를 도와줄려고하는 가족과 친구들 등이 떠오르는 느낌이다 이그림을 보며 나를 걱정해주신 부모님이 생각난다

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아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

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제작배경 및 주제 산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>가 제작되던 1888년부터 이듬해까지 지속된 이른바 ‘아를르(Alres) 시기’는 15개월 동안 약 200여 점이라는 방대한 작품을 남길 정도로 반 고흐가 활발하게 작품을 창작했던 시기이다. 또한 개인의 주관적인 감정을 강렬한 색채와 임파스토(impasto) 기법으로 표현한 그의 독자적 양식이 확고하게 자리잡은 때로 평가되기도 한다. 반 고흐는 아를르의 포룸 광장(Place du Forum)에 자리한 야외 카페의 밤 풍경을 담은 이 작품을 그리던 무렵부터 밤 중에 작업하기를 즐겼다고 전해진다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>를 그리기 얼마 전에는 3일 밤에 걸쳐 자신이 즐겨 찾던 카페 드 라 가르(Café de la Gare)의 실내 정경을 표현한 <아를르의 밤의 카페(The Night Café in Arles)>를 완성했다. 현재 파리 오르세 미술관이 소장하고 있는 <론 강의 별이 빛나는 밤(Starry Night Over the Rhone)>(1888) 역시 이 작품과 같은 달에 그린 것이다. 이와 같은 일련의 밤 풍경화는 9개월 후, 생 레미(Saint-Rémy)의 요양소에서 그린 <별이 빛나는 밤(Starry Night)>(1889)에서 절정을 이루게 된다. 동생에게 쓴 편지에서 반 고흐는 이 그림을 다음과 같이 묘사하고 있다. “푸른 밤, 카페 테라스의 커다란 가스등이 불을 밝히고 있어. 그 위로는 별이 빛나는 파란 하늘이 보여. 바로 이 곳에서 밤을 그리는 것은 나를 매우 놀라게 하지. 창백하리만치 옅은 하얀 빛은 그저 그런 밤 풍경을 제거해 버리는 유일한 방법이지. … 검은색을 전혀 사용하지 않고 아름다운 파란색과 보라색, 초록색만을 사용했어. 그리고 밤을 배경으로 빛나는 광장은 밝은 노란색으로 그렸단다. 특히 이 밤하늘에 별을 찍어 넣는 순간이 정말 즐거웠어.” 이어서 그는 “기 드 모파상(Guy de Moupassant, 1850-1893)의 소설 『벨 아미(Bel Ami)』(1885)는 대로의 밝게 빛나는 카페들과 함께 파리의 별이 빛나는 밤에 대한 묘사로 시작되는데, 이 장면은 내가 방금 그린 것과 거의 같은 거야”라고 덧붙이기도 했다. 표현기법 반 고흐의 회화의 여러 특징들 가운데 하나는 색채가 형태나 구성에 종속되지 않고 개인의 감정이나 대상의 아름다움을 직접적으로 전달한다는 점이다. 그는 눈 앞에 있는 것을 똑같이 재현하기 보다는 자신의 감정을 강하게 표현하기 위해서 주관에 따라 색채를 사용하였다. 이 작품의 경우에도 검은색을 전혀 사용하지 않고 밤 풍경을 표현하고 있으며, 레몬 빛깔에 가까운 노란색으로 카페의 차양을 채색하고 있다. 또한 테라스의 가스등에서 퍼져 나오는 황금색의 불빛은 마치 보호벽처럼 사람과 주변을 노랗게 물들이고 있고, 벽돌 바닥을 따라 늘어진 카페의 파사드는 푸른빛으로 가스등의 빛을 반사한다. 이처럼 짙은 파란색과 밝은 노란색의 강렬한 색채대비는 물리적 세계에서 느껴지는 주관적인 감정을 가장 중요하게 여겼던 그의 철학을 엿보게 해준다. 나아가 거리의 집들을 묘사할 때에 원근의 법칙에 얽매이지 않는다든지 실제보다 형태를 과장되게 묘사하는 점, 그리고 두꺼운 물감으로 서둘러 그린 듯한 인물의 표현법 또한 눈에 띈다. 이를 통해 반 고흐가 독자적인 색채 사용과 개성적인 형태를 통해 자신이 사랑했던 것들과 그의 격정적인 내면 세계를 가장 적절하게 드러낼 수 있는 새로운 회화의 법칙을 찾고자 했음을 짐작할 수 있다. 무엇보다 그가 색채나 선 같은 여러 조형 요소를 표현하는 방식에는 회화의 2차원적 특징이 고스란히 드러난다. 이는 그가 앞선 화가들이 중요하게 여겼던 환영적인 공간 묘사에 대한 압박에서 벗어나 회화가 개인의 생각이나 심리적 상태를 보다 자유롭게 표현해주는 수단이 될 수 있다는 것을 인식하고 있었음을 알려준다.

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1. 양산을 쓰고 왼쪽으로 몸을 돌린 여인
2. 클로드 오스카 모네
3.  이 그림은 양산을 쓰고 왼족으로 몸을 돌린 여인을 그린 그림이다. 작품 속의 모델은 모네의 두 번째 부인인 알리스 오슈데가 전 남편 에르네스트 오슈데와의 사이에서 낳은 딸 수잔이다. 하늘은 맑고 푸르며 잔디들은 편안함을 준다. 그리고 연두색 양산과 책모자를 쓰고 있어 고풍적인 느낌을 준다.  하얀 원피스와 중간의 빨간 그림이 있어 지켜주고 싶었다라는 표현이 담겨져 있다.  수잔의 얼굴이 알아 보기 힘들정도로 흐릿하게 표현 되있다. 이는 수잔보다는 풍경의 관심을 같게 하기 위한 모네의 계획이였다. 이러한 표현 덕분에 관람자들은 이 작품을 단순한 인물화로 인식하지 않게 된다. 오히려 배경의 하늘과 언덕에 인물이 동화되어 있는 하나의 ‘풍경’으로 받아들이게 되는 것이다.

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1880년대에 이르러, 클로드 모네는 풍경과 어우러져 있는 인물을 소재로 작품을 제작하기로 결심했는데, 이 작품은 모네가 그러한 결심을 한 이후 가장 처음으로 그린 그림이다. 이 작품은 인물이 오른쪽을 향하고 있는 또 다른 작품과 세트를 이루고 있다. 두 작품 모두 그가 자신의 첫 번째 아내인 카미유와 큰 아들 장을 모델로 하여 언덕 위에서 자연스러운 포즈를 취하고 있는 모습을 그린 1875년 작품 <산책>과 거의 동일한 구도를 취하고 있다. 또한 이 작품 속에서 모델이 취하고 있는 포즈는 마치 조르주 쇠라가 그린 <그랑드 자트 섬의 일요일 오후> 속에서 양산을 쓰고 서 있는 여인의 모습과도 상당히 흡사해 보이는데, 이를 통해 모네가 쇠라의 그림을 자신만의 방식으로 도전해 보려고 했던 의도를 알 수 있다.

작품 속의 모델은 모네의 두 번째 부인인 알리스 오슈데가 전 남편 에르네스트 오슈데와의 사이에서 낳은 딸 수잔이다. 수잔은 카미유가 세상을 떠난 후 모네의 작품 속에 자주 등장했던, 그가 가장 아끼는 모델이었다. 작품의 모델과 관련하여 흥미롭게 전해지는 일화가 하나 있는데, 사실 모네는 이 작품을 구상하면서 지베르니 지방의 전문 모델을 고용하려고 했었다고 한다. 하지만 전문 모델을 고용하면 집을 나가겠다며 강하게 반대한 알리스 때문에 결국 수잔을 모델로 그렸다고 한다. 작품 속에서 수잔의 얼굴은 거의 그 형태를 알아보기 힘들 정도로 흐릿하게 표현되어 있는데, 이는 모네가 모델의 얼굴보다 얼굴을 감싸고 있는 얇은 베일 위에 어리는 빛의 효과에 더 주목하였기 때문이다.

이러한 표현 덕분에 관람자들은 이 작품을 단순한 인물화로 인식하지 않게 된다. 오히려 배경의 하늘과 언덕에 인물이 동화되어 있는 하나의 '풍경'으로 받아들이게 되는 것이다. 인물은 배경의 하늘과 거의 같은 색조로 그려졌지만, 빛을 등지고 있어서 드레스 앞면에 부드러운 그림자가 넓게 퍼져 있으며, 이로 인해 하늘과 구분되고 있다. 여인의 그림자가 내려앉은 언덕 부분은 어두운 초록색과 붉은색, 보라색 등의 원색으로 짙게 표현되어, 주변의 분홍색, 노란색 풀밭과 대조를 이룬다. 미풍에 흔들리는 듯한 대상들은 풀밭에 이르러 모네의 거센 붓질을 통해 정점을 이루고 있으며, 특히 그림자의 원색 부분은 쉼표 모양으로 두드러지게 표현되어 있어, 전체적으로 색들의 향연을 보는 듯한 느낌을 준다.

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야외에서 인물 그리기 습작 : 양산을 쓰고 왼쪽으로 몸을 돌린 여인

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1880년대에 이르러, 클로드 모네는 풍경과 어우러져 있는 인물을 소재로 작품을 제작하기로 결심했는데, 이 작품은 모네가 그러한 결심을 한 이후 가장 처음으로 그린 그림이다. 이 작품은 인물이 오른쪽을 향하고 있는 또 다른 작품과 세트를 이루고 있다. 두 작품 모두 그가 자신의 첫 번째 아내인 카미유와 큰 아들 장을 모델로 하여 언덕 위에서 자연스러운 포즈를 취하고 있는 모습을 그린 1875년 작품 <산책>과 거의 동일한 구도를 취하고 있다.

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1.작품이름 차안에서
2.작가이름 로이 릭텐스타인
3.남자랑여자가 차을타고 데이트을하고있다.
색이노랑색이랑검정이라파랑색이라빨강새이있다.
남자가 여자을보고이서서 좋아하는 거갔다 남자가 보고있는돼 여자가너무가마니있다.흔색이라검은색이이서서차을 타고빨리타고 남자가 여자가보고인는돼 빨리타고있고 남자가 멋지다 여자는 예쁘다.

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<Girl with Ball>(1961) 이래, 로이 리히텐슈타인은 1960년대 초반 그려진 작품 목록 속에 아주 많은 미녀 이미지를 등장시켰다. 그것은 할리우드 영화가 주조해 놓은 미인 아이콘의 전형성을 따르고 있다. 즉 블론디(노랑머리)에, 글래머 체형의 젊은 미녀다. 그림 속에서 여자는 홀로 등장해 낭만적인 독백을 읊조리기도 하고, 애정 관계에 놓인 남자 주인공과 긴장감 속에 나란히 배치되기도 한다. 대중 문화에서 그려지는 젊은 미녀는 문화적 스테레오 타입이기 쉽다. 따라서 이들은 남성이 지배하는 사회에서 ’볼거…

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1.작품이름:아를르의 포룸 광장의 카

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1.작품이름:아를르의 포룸 광장의 카페 테라스
2.작가이름:빈센트 반고흐
3.이그림은 어느 마을광장이  있는 카페 테라스를 그림 그림이다.하늘을 보니 밤인것 같다.그리고 땅에는  사람들이 다니고 있다.이 색깔과 이마을의 배경이 잘 맞는것 같다.하늘의 밥하늘의 색깔인 보라색과짙은 파랑색의 색깔이 예쁘다.이바닥의 특징과 그런것 을 잘 생각해 그린 것 같다.그리고 밤이다 보니 어두울건데 조명을 잘한것 같다.
이작품은 빈센트 반고흐가 이작품을 그리기전에 반고흐가 3일밤에 갔다고 써져있었다.
이작품은 현재 파리에 있는 오르세 미술관에 전시가 되어있다.
그리고 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다.

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아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

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제작배경 및 주제 산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>가 제작되던 1888년부터 이듬해까지 지속된 이른바 ‘아를르(Alres) 시기’는 15개월 동안 약 200여 점이라는 방대한 작품을 남길 정도로 반 고흐가 활발하게 작품을 창작했던 시기이다. 또한 개인의 주관적인 감정을 강렬한 색채와 임파스토(impasto) 기법으로 표현한 그의 독자적 양식이 확고하게 자리잡은 때로 평가되기도 한다. 반 고흐는 아를르의 포룸 광장(Place du Forum)에 자리한 야외 카페의 밤 풍경을 담은 이 작품을 그리던 무렵부터 밤 중에 작업하기를 즐겼다고 전해진다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>를 그리기 얼마 전에는 3일 밤에 걸쳐 자신이 즐겨 찾던 카페 드 라 가르(Café de la Gare)의 실내 정경을 표현한 <아를르의 밤의 카페(The Night Café in Arles)>를 완성했다. 현재 파리 오르세 미술관이 소장하고 있는 <론 강의 별이 빛나는 밤(Starry Night Over the Rhone)>(1888) 역시 이 작품과 같은 달에 그린 것이다. 이와 같은 일련의 밤 풍경화는 9개월 후, 생 레미(Saint-Rémy)의 요양소에서 그린 <별이 빛나는 밤(Starry Night)>(1889)에서 절정을 이루게 된다. 동생에게 쓴 편지에서 반 고흐는 이 그림을 다음과 같이 묘사하고 있다. “푸른 밤, 카페 테라스의 커다란 가스등이 불을 밝히고 있어. 그 위로는 별이 빛나는 파란 하늘이 보여. 바로 이 곳에서 밤을 그리는 것은 나를 매우 놀라게 하지. 창백하리만치 옅은 하얀 빛은 그저 그런 밤 풍경을 제거해 버리는 유일한 방법이지. … 검은색을 전혀 사용하지 않고 아름다운 파란색과 보라색, 초록색만을 사용했어. 그리고 밤을 배경으로 빛나는 광장은 밝은 노란색으로 그렸단다. 특히 이 밤하늘에 별을 찍어 넣는 순간이 정말 즐거웠어.” 이어서 그는 “기 드 모파상(Guy de Moupassant, 1850-1893)의 소설 『벨 아미(Bel Ami)』(1885)는 대로의 밝게 빛나는 카페들과 함께 파리의 별이 빛나는 밤에 대한 묘사로 시작되는데, 이 장면은 내가 방금 그린 것과 거의 같은 거야”라고 덧붙이기도 했다. 표현기법 반 고흐의 회화의 여러 특징들 가운데 하나는 색채가 형태나 구성에 종속되지 않고 개인의 감정이나 대상의 아름다움을 직접적으로 전달한다는 점이다. 그는 눈 앞에 있는 것을 똑같이 재현하기 보다는 자신의 감정을 강하게 표현하기 위해서 주관에 따라 색채를 사용하였다. 이 작품의 경우에도 검은색을 전혀 사용하지 않고 밤 풍경을 표현하고 있으며, 레몬 빛깔에 가까운 노란색으로 카페의 차양을 채색하고 있다. 또한 테라스의 가스등에서 퍼져 나오는 황금색의 불빛은 마치 보호벽처럼 사람과 주변을 노랗게 물들이고 있고, 벽돌 바닥을 따라 늘어진 카페의 파사드는 푸른빛으로 가스등의 빛을 반사한다. 이처럼 짙은 파란색과 밝은 노란색의 강렬한 색채대비는 물리적 세계에서 느껴지는 주관적인 감정을 가장 중요하게 여겼던 그의 철학을 엿보게 해준다. 나아가 거리의 집들을 묘사할 때에 원근의 법칙에 얽매이지 않는다든지 실제보다 형태를 과장되게 묘사하는 점, 그리고 두꺼운 물감으로 서둘러 그린 듯한 인물의 표현법 또한 눈에 띈다. 이를 통해 반 고흐가 독자적인 색채 사용과 개성적인 형태를 통해 자신이 사랑했던 것들과 그의 격정적인 내면 세계를 가장 적절하게 드러낼 수 있는 새로운 회화의 법칙을 찾고자 했음을 짐작할 수 있다. 무엇보다 그가 색채나 선 같은 여러 조형 요소를 표현하는 방식에는 회화의 2차원적 특징이 고스란히 드러난다. 이는 그가 앞선 화가들이 중요하게 여겼던 환영적인 공간 묘사에 대한 압박에서 벗어나 회화가 개인의 생각이나 심리적 상태를 보다 자유롭게 표현해주는 수단이 될 수 있다는 것을 인식하고 있었음을 알려준다.

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이 그림의 작가는
빈 센트 반고흐(1853~1890)이다.
이 불이 붙은 담배를 문 해골은
장난스러운 주제였다. 반 고흐는
앤트워프의 미술학교에서 공부하던
1886년 초에 이 그림을 그렸다.
이 작품은 고흐가 인체 구조를
자유자재로 그릴 수 있었음을 보여준다.

해골 데생은 학교에서 가르치는
기본 요소 중 하나였지만,
색을 칠하는 것은 교육 과정의 일부가 아니었다.
고흐는 아마도 수업과 수업 사이 시간이나
방과 후에 이 그림을 그렸을 것으로 추정된다.
그림이 해골에 대해 그린것은, 정말
재미있다고 생각 한다.

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불이 붙은 담배를 문 해골은 장난스러운 주제였다. 반 고흐는 앤트워프의 미술학교에서 공부하던 1886년 초에 이 그림을 그렸다. 이 작품은 고흐가 인체 구조를 자유자재로 그릴 수 있었음을 보여준다. 해골 데생은 학교에서 가르치는 기본 요소 중 하나였지만, 색을 칠하는 것은 교육 과정의 일부가 아니었다. 고흐는 아마도 수업과 수업 사이 시간이나 방과 후에 이 그림을 그렸을 것으로 추정된다.

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1.작품이름-책읽는 소녀
2.작가이름-피에르 오귀스트 르누아르
3.이 그림은 책읽는 두 소녀를 그린 모습이다
금발머리 여자아이는 머리를 반묶음으로 묶어 여성스럽고, 갈색머리 여자아이는 머리를 하나로 묶고 있어 걸크러쉬한 모습이 보인다. 그래서 인지 금발머리 여자아이가 동생, 포니테일을 한 여자아이가 언니같다는 생각이 든다. 배경이 어두운 초록색과 갈색,노란색이 섞여서 마치 숲속에서 책을 읽고있는 것 같다.두 소녀는 둘다 볼이 포동하고 홍조가 있어 어린이 처럼 순수한 매력이 느껴진다.
어쩌면 분홍원피스를 입은 소녀가 뒷 의자를 잡고 있는 걸로 보아서 보호해주는 것 같다는 생각도 든다. 또, 손을 입에 갖다 된 것을 보니 고민에 빠져 추리하는 책을 읽고 있는 것 같다.
나도 언니가 있어서 책을 같이 읽어본 경험이 있어서 추억도 새록새록 떠오르게 된다.  특히 유화작품을 좋아해서 보자마자 내 마음을 울렸다

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1885년 르누아르는 아내가 될 알린 샤리고(Aline Charigot)와의 사이에서 첫 아들 피에르(Pierre Renoir)를 낳은 후 1890년 결혼하였다. 늦은 나이에 가정생활을 꾸린 르누아르는 가정이 주는 기쁨에 매료되었다. 이 시기부터 그의 그림에는 아이들과 주변 이들의 아이들이 등장하기 시작하는데, 이를 통해 그는 어른의 모습에서 느끼지 못하는 새로운 시선을 보여주었다. 이 작품에서는 헝크러진 금빛 머리카락이 레이스의 목장식 위로 얌전히 드리워져 있다. 이 소녀들의 상기된 얼굴과 포동포동한 피부는 어린아이에게서만 느껴지는 순수한 매력이다.

그림책을 뒤적거리면서 웃고 있는 곱슬머리의 소녀들은 진지하게 책에 몰두하고 있지만 그 표정은 마치 현실에서 느낄 수 없는 천사와 같은 표정이다. 르누아르의 그림에는 등장하는 무수한 여인들은 삶의 어두움보다는 환희를 노래하는 대상들이었다. 그는 웃음, 미소, 꽃, 천사가 된 어린아이, 여신이 된 여인들을 풍성한 색채로 표현하며 삶의 기쁨을 부드럽게 발산하고자 하였다. 그는 이러한 부드러운 표현에 어린아이의 진홍빛 뺨과 통통하게 살찐 팔을 포착하였고 나부들의 나체에서 아라베스크적인 선을 찾아냈으며 그들의 얼굴에 찌든 현실에서는 느낄 수 없는 이상적인 우아함과 순진함을 고정시키고자 하였다.

그의 작품에 공통적으로 보이는 순수함과 이상적인 아름다움은 동시대 드가(Edgar Degas), 툴루즈 로트렉(Henri de Toulouse Lautrec), 부게로(William-Adolphe Bouguereau) 등의 작가들이 그린 선정적이고 유혹적인 여인들과는 전혀 다른 것이었다. 이 그림에서 두 소녀가 앉아있는 모습, 즉 흰 드레스를 입은 금발 소녀와 안쪽에 진분홍빛 갈색 머리 소녀를 배치한 구도는 1892년에 그린 <피아노 치는 소녀들(Jeunes filles au piano)>과 매우 흡사하다. 또한 소녀들의 생김새와 옷차림에서 이 <책읽는 소녀>와 <피아노 치는 소녀들>을 동일한 모델로 그린 것으로 판단된다.

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1885년 르누아르는 아내가 될 알린 샤리고(Aline Charigot)와의 사이에서 첫 아들 피에르(Pierre Renoir)를 낳은 후 1890년 결혼하였다. 늦은 나이에 가정생활을 꾸린 르누아르는 가정이 주는 기쁨에 매료되었다. 이 시기부터 그의 그림에는 아이들과 주변 이들의 아이들이 등장하기 시작하는데, 이를 통해 그는 어른의 모습에서 느끼지 못하는 새로운 시선을 보여주었다.

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1.작품 이름: 아를의 별이 빛나는 밤
2.작가 이름: 빈센트 반 고흐
3.이 그림은 별이 빛나는 밤을 그린 그림이다. 하늘에는 별이 많이 있고, 바다에는 가로등 빛이 나타난다. 배가 있는 것 으로 보아 항구인 것 같고, 남자랑 여자가 있어 둘이 부부인 것 같다. 사람 옆에 배가 있어 바다로 나갔다가 방금 항구로 돌아 온것 같다. 그리고 항구에 사람이 없어 새벽에 나온 것으로 보인다. 달이 없어 달은 반대쪽에 있는것 같고, 별이 유난히 밝아보인다. 이 그림은 반 고흐가 아름다운 밤 풍경과 별이 무수히 빛나는 하늘을 좋아해서 그렸다고 한다. 바다에 가로등의 빛이 비치는 모습이 아름답고 잘 그렸다고 생각한다. 북두칠성을 포함하고 있는 큰곰자리 모티브는 밤하늘에 넓게 자리 잡고있다. 밤하늘의 별무리들 중에서 몇 개는 마치 꽃과 같은 모양으로 생생하게 그려져 있다. 전경에 위치한 강의 둑은 거의 수평에 가까웠는데, 프랑스 미술관 연구소에서 조사한 결과에 따르면, 반 고흐는 다양한 단계를 거쳐 풍경을 구상하고 변형시키는 작업을 했다고 한다. 왼쪽에 그려져 있는 두 척의 배는 작업 첫번째 단계의 마지막에 그려졌다고 한다.

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아를의 별이 빛나는 밤

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빈센트 반 고흐가 주고 받았던 서신들을 살펴보면, 그가 얼마나 ‘밤의 효과’에 매료되어 있었는지를 잘 알 수 있다. 그는 프랑스 남부 지방의 아름다운 밤 풍경과 별이 무수히 빛나는 하늘을 무척 좋아했다. 1888년 9월, 아를에서 작성한 편지 속에서 그는 ‘별을 그리기 위해 밖으로 나갈 것’이라고 적기도 했다. ‘캄캄한 어둠이지만 그조차도 색을 가지고 있는’ 밤의 풍경을 화폭에 담기 위하여 반 고흐는 일종의 예술적인 도전을 시도하게 되었다. 그는 론 강가에서 밤의 빛, 그리고 빛이 투영된 물그림자를 통해 단순하면서도 복잡한 구성을 발견하게 되었고, 하늘과 땅, 물과 같은 요소들에 자신의 미적 확신을 부여했다. 이 작품 속에서 밤하늘은 많은 부분을 차지하고 있다. 코발트 블루로 채색된 하늘은 다소 즉흥적인 방식으로 넓은 붓에 의해 강렬하게 칠해졌다. 수평 방향으로 넓게 칠해진 붓 터치는 왼쪽에서 오른쪽으로, 그리고 약간 위쪽으로 향해 있는데, 이를 통해 반 고흐의 작업 과정을 알아볼 수 있다. 북두칠성을 포함하고 있는 큰곰자리 모티프는 밤하늘에 넓게 자리잡고 있는데, 방사형으로 칠한 별의 가운데 부분에 흰색 물감을 튜브에서 직접 짜내어 바름으로써 하이라이트 효과를 주었다. 이렇게 운집되어 있는 밤하늘의 별무리들 중에서 몇 개는 마치 꽃과 같은 모양으로 생생하게 그려져 있음을 알 수 있다. 작품의 밑그림은 지금 보는 모습과는 달랐다. 전경에 위치한 강의 둑은 거의 수평에 가까웠는데, 프랑스 미술관 연구소에서 조사한 결과에 따르면, 반 고흐는 다양한 단계를 거쳐 풍경을 구상하고 변형시키는 작업을 했다고 한다. 특히 이 작품의 X선 촬영 사진을 보면, 이 최종 작품의 표면에 그려진 모티프들이 최초 상태에서는 조금 다른 양상을 띠고 있음을 알 수 있다. 또한 작품을 수정하기 위해 일정 질감의 두께로 물감을 칠한 붓 터치의 변화된 방향도 확인할 수 있다. 왼쪽에 그려진 두 척의 배는 작업 첫 번째 단계의 마지막에 그려졌는데, 이 사실은 돛대를 이루고 있는 수직의 긴 선이 아래쪽 물감이 채 마르기 전에 그려졌다는 흔적을 통해 확인되었다. 또한 물에 비친 빛을 표현한 가로 방향의 붓 터치들을 흩어 놓는 살짝 긁힌 흔적들도 발견되고 있는데, 이 효과는 반 고흐가 가지고 있었던 값비싼 도구였을 붓의 자루, 혹은 갈대에 의해 구현되었을 것으로 추측할 수 있다. 연인처럼 보이는 채색된 두 인물의 실루엣은 마치 부조처럼 표현되었다. X선 촬영 사진을 통해 이를 좀 더 쉽게 확인할 수 있는데, 이 인물들은 가는 붓을 이용하여 촘촘하고 수직적인 떨리는 붓 터치로 칠해졌다. 그 아래 감춰져 있는 다른 모티프가 없다는 사실을 통해, 반 고흐가 처음부터 이 인물들을 작품 속에 그려 넣기로 계획했었음을 알 수 있다. 작품 위에 비스듬하게 빛을 비추어 보면, 이 인물들은 가벼운 물감의 층을 형성하여 부조처럼 도드라져 있다. 그의 밤 풍경 속에서, 여인이 들고 있는 가스등에서 새어 나오는 불빛을 받고 있는 여인의 치마 부분만이 붉은색의 가벼운 터치로 생생하게 채색되었는데, 이 붉은색은 전체적으로 제한된 색들 속에서 배경 전체의 분위기를 고조시키는 역할을 하고 있다. 한편 반 고흐는 1888년 9월에 그렸던 작품의 원래의 배치를 변형하게 되었다. 첫 번째 완성 버전에서는 앞서 언급했듯이 론 강 연안의 모습이 보다 곧게 그려져 있었다. 단단하고 두꺼운 물감의 질감 밑에 가려져 있는 흔적은 물결의 아랫부분에서 더욱 선명하게 드러나고 있는데, 이는 첫 번째로 칠했던 물감이 완전히 마른 후에 반 고흐가 수정을 했음을 알려주고 있다. 따라서 첫 번째 완성 버전을 그렸던 시기와 이후 수정을 하여 최종 버전이 완성된 시기 사이에는 어느 정도 시간적인 간격이 존재하고 있음을 확인할 수 있다. 이렇듯, 지금 전시된 최종 완성 버전은 몇 달 후인 1889년 봄에 완성되었을 것으로 추측된다. 5월 초에 반 고흐는 이 작품을 《앙데팡당전》에 출품해 줄 동생 테오에게 보내면서, 편지 속에 “최근에 이 작품을 수정했다.”라는 내용을 적어 보내기도 했다. 애초에 반 고흐가 잡았던 이 작품의 초점은 화폭의 강둑의 입구 쪽으로 둑과 지평선이 한 점으로 모이는 지점이었다. 이 최종 완성 작품 속에서는 그가 원했던 것처럼 구성의 균형을 유지하고 주의를 빛과 하늘 쪽으로 이동시켜 초점이 재조정되었다. 자연의 빛과 인공의 빛을 결합하고자 했던 그는 강가가 이루는 곡선 위로 노란색 붓 터치를 이용하여 일정 간격으로 작은 불빛들을 찍어 표현함으로써, 아를이라는 도시를 떠올리게 하는 빛나는 요소를 작품 속에 투영했다. 비평가 루이 반 틸보르그의 정확한 표현을 빌자면, 반 고흐는 하늘에 비현실적이고 환상적인 분위기를 창조하기 위하여 전경의 땅을 축소시킴으로써 이 작품 속에서 ‘무한의 공간(하늘)에 대한 은유’를 창조했다고 할 수 있다.

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1. 이중섭(Lee Jung-seop, 李仲燮)
2.제작연도: 1954년
3. 제작연도: 1954년 기법: 종이에 유채
4. 둥근 달이 떠있는 파란 밤하늘을 배경으로 줄에 앉아있는 까마귀가 보인다. 저 날고있는 두 까마귀
가 위험을 알리는 것처럼 보인다.  이중섭 작가는 6.25 전쟁으로 인해 모든 재산을 잃엇다고 한다.
그래서 어두운 마음을 나타냈다고 생각한다.
하지만 어두움을 상징하는 까마귀들도 왠지 모르게 따뜻함이 느껴진다. 이중섭 작가는 이 그림을 그릴때 자신이 연출한 것이라고 한다. 어두움 속 밝은 모습을 연출한 걸로 보아 새로운 시작을 뜻하는 거 같다.

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1. 작품이름: 까마귀가 있는 밀밭(1890년대 유화작품)
2. 작가이름: 빈센트 반고흐
3. 이 그림은 밀밭을 그린 그림이다. 하늘에는 까마귀가 날아다니고 아래는 밀이 바람에 휘날리는 것이 보인다. 전체적으로 어둡고, 특히 하늘이 짙은 파란색이어서 비가내릴것 같이 보인다.  이 작품은 반고흐가 자살하기 직전에 그렸다고 한다. 따라서 그림이 매우 우울해보이고 까마귀가 있는 것으로 보아 마치 죽음을 암시하는 듯하다. 유화물감이 덧칠되어 표현되어 더욱 생동감이 넘친다.

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1890년 5월 빈센트 반 고흐는 생레미의 요양원을 떠나 파리 근처의 오베르쉬르우아즈로 향했다. 이곳에서 반 고흐는 의사이자 아마추어 화가인 가셰 박사의 보호를 받았다. 가셰 박사는 치료의 일환으로 반 고흐에게 그림에 몰입할 것을 권했다. 반 고흐는 가셰 박사의 초상이나 인근의 밀밭과 화가 도비니의 정원 같은 주변 풍경을 그리기 시작했다. 언제 다시 발작이 도질까 걱정하면서도 반 고흐는 잠시 평화로운 시간을 즐겼다. 반 고흐는 아를에 머물 때부터 밀밭을 그려왔고, 생레미의 요양원에 있을 때는 창 밖으로 보이는 밀밭 풍경에서 영감…

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작품 감상 소감문 쓰기

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작품 감상 소감문 쓰기

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1. 작품 사진
2. 작품 이름
3. 작가 이름
4.작품의 소재, 조형요소(색,구도), 감상자의 느낌이 잘 드러나게 작성할 것.