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D- Contraste y gradación de tamaño

Consiste en establecer una constancia entre los elementos de la composición, ya sea por representación o por semejanza de forma. Cuanto más grande el objeto, lo percibimos más cerca, cuanto más pequeño, lo percibimos más lejos.

E- Posición en el plano de la imagen

Lo que hacemos es inclinar el plano de tierra hacia arriba de modo que ocupe todo o buena parte del plano de la imagen. Esto tiende a disimular la profundidad del espacio. Las figuras colocadas más abajo parecen más cercanas, mientras que las ubicadas más arriba parecen más lejanas.

F- Disminución del detalle

Es la correlación entre la agudeza visual y la distancia. Esto significa que la cantidad y la nitidez del detalle dependen de la distancia virtual que inflingimos a esas figuras. Los objetos cercanos se observan nítidamente y los lejanos parecen fuera de foco.

G- Espacio ambiguo

Un mismo esquema da dos o más posibilidades de interpretación espacial sin que predomine ninguno de ellos generándose una reversibilidad figura – fondo.

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A- Superposición

Consiste en añadir algo o ponerlo encima de otra cosa. Cuando un objeto cubre parte de otro, sabemos por experiencia que debe estar delante de él, por lo tanto está más cerca.

B- Progresión diagonal

Consiste en la utilización del movimiento dinámico de las diagonales para crear espacio o utilizar líneas paralelas sin hacerlas convergir hacia un punto de fuga (Perspectiva caballera). A veces las diagonales no necesariamente existen como líneas, sino que se completan perceptualmente al asociar objetos o formas, lo que sugiere profundidad.

C- Perspectiva

Consiste en recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes a distintas distancias.

Si miramos fijamente un punto con un ojo, nuestro esquema visual puede ser reproducido por la perspectiva. Una de sus leyes fundamentales es que las rectas paralelas se representan como convergentes hacia uno o más puntos de fuga.

CH- Escorzo

Se utiliza para hacer referencia a un cuerpo ​ en posición oblicua o perpendicular al nivel visual. El efecto existe en todos los cuerpos con volumen. El escorzo es entendido como desviación de un objeto frontalmente simétrico. Las partes no deben desaparecer unas detrás de otras, ni exhibir cortes que atenten contra la continuidad total de la figura, ni parecer más simple de la figura de la cual proviene.

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INDICADORES DE ESPACIO

En esta unidad nos ocuparemos de los modos de crear una ilusión de profundidad y volumen plástico en una superficie bidimensional.

1 - PLANISMO

Podemos mantener el plano con el mínimo de profundidad introduciendo solo aquellos signos de espacio que no entren en conflicto con la naturaleza del plano.

2 - PROFUNDIDAD

Podemos negarle al plano toda realidad psicológica y hacer de éste una ventana que se abre al espacio profundo.

3 - EQUILIBRIO PLANISMO - PROFUNDIDAD

Podemos conservar algunas de las cualidades del espacio profundo, pero relacionarlas con el plano de la imagen de tal modo que no neguemos que existe. Por ej. A través de superposición de varios puntos de vista a la manera de Cezànne o el Cubismo, elevando la línea de horizonte, evitando las progresiones diagonales, utilizando la perspectiva invertida, entre otros.

Actividad:

Dividir en 4 una hoja Nº 6 blanca, dejando un margen de aprox. 2 cm. y realizar 4 propuestas en base a la descripción teórica del TP1 TP2 TP3 y a los ejemplos  publicados en cada columna. Pueden ser en blanco y negro o con el agregado de color.
Una vez terminados los 4 ejercicios de cada TP, fotografiar el trabajo y publicar en el classroom para su corrección.

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H- Línea y claroscuro

Con la línea, que puede ser modulada en grosor y tono, se acentúan el volumen y distancia de los objetos.

Con el claroscuro se puede modelar el volumen, la luz y la sombra en forma arbitraria para dar fuerte organización y profundidad espacial sin importar la iluminación real de la escena.

I- Perspectiva atmosférica

Consiste en simular el efecto atmosférico que se percibe al comparar los objetos de acuerdo con su lejanía. Así, por ejemplo, las montañas que aparecen al fondo de un paisaje pierden definición y temperatura adquiriendo un tono grisáceo, claro y azulado como si entre ellas y el observador se interpusiera una gran masa de aire.

J- Transparencia

Se produce cuando a través de un cuerpo traslúcido pueden verse los objetos de atrás claramente generando una situación bivalente en el área superpuesta, pues expresa dos posiciones simultáneas en el espacio.

K- Tonos que avanzan y retroceden

Se refiere a los contrastes de temperatura por lo cual, los colores fríos tienden a retroceder y contraerse, mientras que los cálidos tienden a avanzar y expandirse.

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ACTIVIDADES   FUNDAMENTO TEÓRICO CUADRO COMPARATIVO 

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ACTIVIDADES   FUNDAMENTO TEÓRICO CUADRO COMPARATIVO 

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Fundamento teórico:

Lo Orgánico y lo Inorgánico son formas que resultan de diferentes “voluntades o actitudes del arte”.

Podemos clasificar dos tipos de Arte representativo o Figurativo.

En términos generales es la manera que usamos cuando trabajamos una naturaleza muerta o un paisaje. Nos inspiramos en imágenes conocidas y “reales”.

FIGURATIVO / ORGÁNICO: Es una figuración con tendencia a lo dinámico, lo sensible, lo subjetivo, lo volumétrico, lo sensorial. Colores más terrestres y reales.

Referencias: Todo el arte clásico, y en el siglo XX Fauvismo, Dadaísmo, Expresionismo, Surealismo, Neofiguración. (Ej. Francis Picabia,  Ana Eckel, Marcia Schvartz, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega)

FIGURATIVO / INORGÁNICO: Es una figuración  con tendencia a lo geométrico, lo lineal, lo estable, lo constructivo, lo racional.

Referencias: Arte Egipcio, Cubofuturismo, Pop Art. (Ej. Fernand Léger, Juan Gris, Emilio Pettoruti, Edgardo Giménez, Roy Lichtenstein, Keith Haring)

También podemos clasificar dos tipos de abstracciones o Arte NO Figurativo.

En términos generales es la manera que usamos cuando trabajamos una imágenes compuesta por elementos y formas que no podemos asociar con el mundo “real”.

NO FIGURATIVO / ORGÁNICO: Es una abstracción con tendencia a lo biomórfico, lo improvisado, lo irregular, lo expresivo, lo informal, lo gestual, el automatismo.

Referencias: Informalismo, Action Painting, Abstracción lírica, Expresionismo abstracto (Ej. William De Kooning, Jackson Pollock, Antonie Tapies)

NO FIGURATIVO / INORGÁNICO: Es una abstracción con tendencia a lo geométrico, lo organizado, lo regular, lo planimétrico, lo estable.

Referencias: Arte Concreto, Op Art, Neoplasticismo, Minimalismo, Constructivismo (Ej. Piet Mondrian, Victor Vasarely, Jesús Soto, Raúl Lozza)

ACTIVIDAD

Cuatro trabajos –cada uno en una hoja Nº 6 diferente, dejándole 2,5 cm. de marco blanco-

Puede ser apaisado o vertical. La técnica es a elección, preferentemente acrílico, témpera o acuarela, pero también pueden usar birome, lápices de colores, pasteles o marcadores.

Rotular en la parte superior de la hoja –borde blanco- con el título de cada TP.

Si tienen dudas sobre la imagen, me pueden mandar las propuestas en lápiz antes de encarar el color.

Los trabajos son con temática libre pero las imágenes deben respetar las consignas de cada ejercicio:

Una vez terminados me envían fotos de los trabajos para su corrección. También pueden ir mandando a medida que los van terminando y hacer consultas previas.

Cualquier duda que tengan, me preguntan a este correo.

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Es una figuración con tendencia a lo dinámico, lo sensible, lo subjetivo, lo volumétrico, lo sensorial. Colores más terrestres y reales.

Referencias: Todo el arte clásico, y en el siglo XX Fauvismo, Dadaísmo, Expresionismo, Surealismo, Neofiguración. (Ej. Francis Picabia,  Ana Eckel, Marcia Schvartz, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega)

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Es una figuración  con tendencia a lo geométrico, lo lineal, lo estable, lo constructivo, lo racional.

Referencias: Arte Egipcio, Cubofuturismo, Pop Art. (Ej. Fernand Léger, Juan Gris, Emilio Pettoruti, Edgardo Giménez, Roy Lichtenstein, Keith Haring)

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Es una abstracción con tendencia a lo biomórfico, lo improvisado, lo irregular, lo expresivo, lo informal, lo gestual, el automatismo.

Referencias: Informalismo, Action Painting, Abstracción lírica, Expresionismo abstracto (Ej. William De Kooning, Jackson Pollock, Antonie Tapies)

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Es una abstracción con tendencia a lo geométrico, lo organizado, lo regular, lo planimétrico, lo estable.

Referencias: Arte Concreto, Op Art, Neoplasticismo, Minimalismo, Constructivismo (Ej. Piet Mondrian, Victor Vasarely, Jesús Soto, Raúl Lozza)

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NO FIGURATIVO INORGÁNICO Piet Mondriaan1

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NO FIGURATIVO INORGÁNICO Piet Mondriaan2

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NO FIGURATIVO INORGÁNICO  Wassily Kandinsky

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NO FIGURATIVO INORGÁNICO Victor Vasarely

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NO FIGURATIVO INORGÁNICO Graciela Hasper

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NO FIGURATIVO INORGÁNICO Miguel Angel Vidal

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NO FIGURATIVO INORGÁNICO Eduardo Mc Entyre

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ACTIVIDAD:
En base a lo analizado en clase realizar 1 trabajo sobre soporte rígido (madera, cartón entelado o bastidor), en acrílico.
Las temáticas pueden incluir lo no figurativo.
Si bien, la utilización del color no es naturalista, en los ejemplos citados siempre hay una inspiración y se parte de la observación del mundo real.
Temas sugeridos: paisaje (naturaleza, paisaje urbano), figura humana (retrato, torso, figura completa), naturaleza muerta, interiores. También pueden combinar temáticas, por ejemplo, figuras dentro de un paisaje, etc.

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ACTIVIDAD:
En base a lo analizado en clase realizar 1 trabajo sobre soporte rígido (madera, cartón entelado o bastidor), en acrílico.
Las temáticas pueden incluir lo no figurativo.
Si bien, la utilización del color no es naturalista, en los ejemplos citados siempre hay una inspiración y se parte de la observación del mundo real.
Temas sugeridos: paisaje (naturaleza, paisaje urbano), figura humana (retrato, torso, figura completa), naturaleza muerta, interiores. También pueden combinar temáticas, por ejemplo, figuras dentro de un paisaje, etc.

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ACTIVIDAD:
En base a lo analizado en clase realizar 1 trabajo sobre soporte rígido (madera, cartón entelado o bastidor), en acrílico.
Las temáticas pueden incluir lo no figurativo.
Si bien, la utilización del color no es naturalista, en los ejemplos citados siempre hay una inspiración y se parte de la observación del mundo real.
Temas sugeridos: paisaje (naturaleza, paisaje urbano), figura humana (retrato, torso, figura completa), naturaleza muerta, interiores. También pueden combinar temáticas, por ejemplo, figuras dentro de un paisaje, etc.

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Reseña Histórica y Características
La evolución técnico-científica de mediados del siglo XIX permitió la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces  impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste simultáneo, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos.
Podemos decir que, a partir de esta forma de utilizar el color se rompe con la dinámica clásica del claroscuro, donde el contraste se daba por valor, -modelado del color-; el contraste entre claridad y oscuridad era la que generan la ilusión de profundidad.
Las luces y sombras pasaron de estar compuestas por colores trabajados con blanco negro a estar compuestas por colores complementarios –modulado del color-.
El color y el contraste simultáneo a través de modulado del tono pasan a definir forma y composición.
Pincelada Gestáltica: los impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar
psicológica y científicamente más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un todo unitario. También se la conoce como Ley de conclusión.
Toque Pictórico: El uso de pequeñas pinceladas de colores vibrantes; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la
forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Es el antecedente del Puntillismo.
Protagonismo de la Luz y la Atmósfera: La plasmación de la luz sobre las cosas es más importante que la descripción de su forma, la cosa misma. Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial, la iluminación natural filtrada y la luz pasando entre hojas de árboles, o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa ‘impresión’ que le da nombre al movimiento.

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Reseña Histórica y Características
El divisionismo, puntillismo o neoimpresionismo aplica la pintura en pequeños toques de colores puros que se funden en la retina del espectador.
La técnica se basa en la capacidad del ojo y la mente del espectador para combinar las manchas de color en una gama más amplia de tonos.
Está relacionado con el divisionismo, una variante más técnica del método. Es un estilo de pintura que se utilizan puntos o pinceladas muy cortas y fragmentadas en lugar de planos de color o fundidos para realizar una pintura.
El divisionismo se ocupa de la teoría del color, mientras que el puntillismo se centra más en el estilo específico de pincel utilizado para aplicar la pintura.
El puntillismo se logra mediante la secuencia de puntos, una imagen u obra artística muy diferente al de las pinceladas. Dicha imagen u objetivo final vista desde cerca, no es más que un conjunto de puntos con ciertas tonalidades y en ciertas posiciones, pero visto desde lejos o acierta distancia se logra un efecto visual impresionante.
A pesar de su aparente simplicidad como técnica, la realidad es que requiere de bastante destreza pues, la ubicación y el color de cada uno de los puntos es determinante para la creación de las texturas. Cada conjunto de puntos debe estar ubicado de forma estratégica para dar forma, volumen e iluminación, por otra parte, la ubicación, el tamaño y distancia entre los puntos serán factor clave para conseguir profundidad.
El divisionismo se desarrolló en la pintura del siglo XIX cuando Georges Seurat descubrió las teorías científicas de visón que fomentaron una desviación de los principios del impresionismo, que en este momento había sido muy desarrollado. Las teorías científicas y reglas de contraste de colores que guiarían la composición para los divisionistas pusieron el movimiento de neoimpresionismo en contraste con el impresionismo, es caracterizado por el uso de instinto e intuición.
Este movimiento, dentro de las coordenadas del postimpresionismo, parte también de la imagen de la naturaleza, es decir, del mismo motivo que los impresionistas, pero para ellos serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caractericen la esencia de la pintura.
A pesar de que el puntillismo es considerado como la corriente continuadora del impresionismo, se aleja de este la concepción de las formas y los volúmenes, y es que, en el puntillismo, las formas son concebidas dentro de una geometría de masas puras siendo sus cuadros perfectos ejemplos de orden y claridad.
La mente lógica y reflexiva de estos pintores pedía la reducción del instinto al orden, del impulso al cálculo, reduciendo a lo esencial, no solo los temas de la vida moderna o el paisaje, sino también el método impresionista de presentarlo.
Con el fin de estudiar con más detalle la interacción de los colores y sus complementarios, algunos puntillistas confeccionaron un disco en el que reunían todos los matices del arcoíris, unidos unos a otros mediante un número determinado de colores intermedios.

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Reseña Histórica y Características
Estas son algunas características que se pueden mencionar:
Disociación en la relación color-objeto: pieles verdosas o azuladas, árboles con copas coloradas, cielos amarillos, etc. El color adquiere un valor simbólico, arbitrario y subjetivo. Se rompe la característica mimética, por la cual el arte imitaba la realidad.
Saturación del tono: los colores se usan casi puros, generando contraste y exaltación porque se intenta mostrar el costado puro y salvaje del artista: “fauve” quiere decir “fiera” en francés.
Los Fauvistas manifestaban que intentaban usar sus pomos de pintura como si fueran cartuchos de dinamita. Así su espíritu rebelde y contestatario contra el arte académico.
Decorativismo y Primitivismo: Otra característica es el sentido ornamental, el uso de la línea coloreada y el aplanamiento del espacio. Se trata de evitar la perspectiva, la profundidad y el claroscuro.
La técnica pictórica fauvista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos: se trata de dar una sensación de espontaneidad.

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Puntillismo_Morning, Interior (1890), de Maximilien Luce.