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I Fiori del male: l’opera più dissacrante del secolo che, in un modo o nell’altro, cambierà il modo di fare poesia del secolo successivo. Una critica disastrosa che fu nel tempo, invece, l’eco di una visione avanguardista tra tradizione e innovamento. Un nuovo modo di guardare la poesia, una nuova ricerca della verità che, oltre gli abiti borghesi, si sporcava di scandali e peccati.

Ma il vero scandalo di Charles Baudelaire è averlo rappresentato. Un realismo volgare, come la critica etichettava lo stile del poeta francese, che nascondeva una profonda rottura con la tradizione poetica dell’epoca e con il rapporto con il lettore. Non c’era nessuna dedica, nessuna dedizione e adulazione: Charles Baudelaire accusava lo stesso lettore a cui si riferiva, lo stesso che raccontava nella sua natura più intima e sporca. E’ l’uomo qualunque, è la noia della borghesia, l’ipocrisia della generazione.

E di questo tempo corrotto e corroso Baudelaire non canta l’introspezione, l’interiorità tenera e vittima: ne grida l’esteriorità, gli assassini e i beffardi, l’ubriachezza e la sifilide, ma anche la bellezza, l’amore, la poesia. Un connubio di corpo e forma indissolubile e naturale. La stessa antinomia del titolo dell’opera: la purezza dei fiori, e il male del peccato. E’ lo Spleen e l’Ideal baudelairiano, che è la stessa antitesi che avrebbero poi vissuto Rimbaud dopo di lui, Oscar Wilde con Dorian Gray, anche Pasolini in Italia, e anche qualcuno di noi, senza andare troppo lontani.

E’ il gioco della natura, è la faccia del giorno e della notte. Nel sublime c’è sempre il gusto dell’orrido, nell’eros c’è sempre l’eccitazione del proibito. La poesia di Charles Baudelaire è la provocazione che sveglia la noia dei tempi, che scompiglia le coordinate sociali, che supera l’evasione dall’esotismo. Una denuncia contemporanea che, nascondendosi nella ricerca estetica, ritrae la volgare condizione dell’uomo moderno. Un’estetica che condanna l’etica.

E allora ecco che lo scandalo della poesia diventa lo specchio della decadenza della nuova società. Perché in una società degradata bisogna esprimere il degrado. La poesia è stato semplicemente il miele per far scendere meglio la medicina. La rivoluzione di Baudelaire era rispondere ai canoni del romanticismo con la cruda realtà. Il poeta maledetto rivoluziona il criterio della bellezza dell’arte.

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Caro Charles Baudelaire, l'uomo contemporaneo non è maledetto ma crede d'essere poeta

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Ce lo immaginiamo sempre ridotto male, ubriaco e maldestro, indebitato e blasfemo: il poeta maledetto francese per eccellenza della metà dell'Ottocento, , che ha rivoluzionato tutto il Novecento senza saperlo, sdoganando la dottrina della poesia nella sua forma e nel suo perché. E in parte l'immaginazione non inganna, perché maledetto Charles Baudelaire era davvero.

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BAUDELAIRE 🔎 Les Fleurs du Mal - Correspondances (Commentaire analyse linéaire)

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Correspondances - Charles Baudelaire - Les Fleurs du mal

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Texte et commentaire littéraire du poème correspondances de Charles Buadelaire. Pour être parfaitement prêt pour le bac de français...

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Charles Baudelaire - Les Fleurs du mal

Plan de la fiche sur L'albatros de Charles Baudelaire :

Le poème L'Albatros, de Charles Baudelaire, est extrait de "Spleen et idéal", la deuxième partie du recueil Les Fleurs du mal. Cette partie évoque l'homme déchiré entre l'aspiration à l'élévation et l'attirance pour la chute, déchirement à l'origine de la tristesse nommée spleen, indissociable de la condition humaine et qui finit par triompher.
Ce poème a été inspiré à Baudelaire lors d'un voyage sur un navire qui devait le mener jusqu'aux Indes, mais qui finalement s'est achevé sur l'île Maurice. L'albatros traduit chez Baudelaire la conscience d'être différent des autres. Baudelaire a recours à une image très suggestive pour dépeindre sa propre condition dans une société qui l'ignore complètement. L'image de l'albatros capturé évoque l'idée d'un être totalement étranger au monde qui l'entoure. Baudelaire faisait partie de la génération des poètes maudits, c'est-à-dire non compris par les gens de son époque. Les trois premières strophes concernent l'albatros tandis que la dernière est dédiée au poète.

Problématique : Il s'agira de découvrir la signification allégorique du poète.

Texte du poème L'albatros

TéléchargerL'Albatros de Baudelaire en version audio (clic droit - "enregistrer sous...") - Lu par Thibaut Giraud - source : litteratureaudio.com

L'albatros

Souvent, pour s'amuser, les hommes d'équipage ¹
Prennent des albatros, vastes oiseaux des mers,
Qui suivent, indolents ² compagnons de voyage,
Le navire glissant sur les gouffres amers.

A peine les ont-ils déposés sur les planches,
Que ces rois de l'azur ³, maladroits et honteux,
Laissent piteusement leurs grandes ailes blanches
Comme des avirons traîner à côté d'eux.

Ce voyageur ailé, comme il est gauche et veule ⁴ !
Lui, naguère ⁵ si beau, qu'il est comique et laid !
L'un agace son bec avec un brûle-gueule,
L'autre mime, en boitant, l'infirme qui volait !

Le Poète est semblable au prince des nuées
Qui hante la tempête et se rit de l'archer ;
Exilé sur le sol au milieu des huées,
Ses ailes de géant l'empêchent de marcher.

Charles Baudelaire Les Fleurs du mal

¹ équipage : l'ensemble des personnes travaillant sur un bateau
² indolents : nonchalants, paresseux
³ azur : ici, désigne le ciel
⁴ veule : lâche
⁵ naguère : autrefois

Annonce des axes

I. La parabole du poète oiseau

1. Une double analogie
2. L'élévation

II. Un univers soumis à de fortes tensions

1. Le jeu des antithèses
2. Le jeu sur les sonorités
3. Le mouvement des phrases

1. Une image symbolique
2. La portée des images

Commentaire littéraire

I. La parabole du poète oiseau

1. Une double analogie

Le poème L'Albatros est fondé sur une double comparaison. L'albatros est personnifié étant donné que le poète est comparé à l'oiseau. Grâce à un réseau de personnification, les trois premières strophes comparent l'albatros à un roi déchu ("roi" vers 6), à un voyageur ailé tombé du ciel. La quatrième strophe explicite le symbole en faisant du poète, par une comparaison et une métaphore hyperbolique, un "prince des nuées" (vers 13) aux "ailes de géant" (vers 16). Exilé parmi les hommes, la vie de l'albatros apparaît donc comme une parabole qui définit l'existence du poète. Le poète et l'albatros sont associés dans la dernière strophe et cette association oblige à une réinterprétation : le voyageur ailé devient le poète, les hommes d'équipage : la foule et les planches : le théâtre social.

2. L'élévation

- La verticalité, l'aspect aérien. L'albatros est évoqué dans toute sa grandeur comme le confirme l'enjambement des vers 1 et 2 qui suggère l'immensité des espaces que l'albatros a à parcourir. Cette notion de grands espaces est renforcée par l'hypallage du vers 2 ("vaste oiseau des mers" = oiseau des vastes mers).
- L'aspect sublime : Au-dessus de l'horizontalité médiocre (la société), l'oiseau donne une impression de majesté, fait de fluidité, comme l'eau sur laquelle vogue le navire mis en relief par l'harmonie suggestive du vers 4 en "v", "s" et "f".
- L'isolement, la solitude : Il y a le monde d'en haut et le monde d'en bas et la communication entre les deux est difficile, voire impossible.
- La situation de la victime : l'albatros mais en même temps, le poète est agressé par les moqueries des marins (vers 11 et 12) puis par l'archer et les huées (vers 14 15).

II. Un univers soumis à de fortes tensions

1. Le jeu des antithèses

Le poème de Baudelaire donne de l'albatros deux visions radicalement opposées : autant l'oiseau en vol est un oiseau majestueux à l'allure souveraine désigné par la périphrase du vers 16 : "les rois de l'azur", autant lorsqu'il se pose il paraît ridicule :
- les "ailes" du vers 7 qualifiés des deux épithètes "grandes" et "blanches" / "les avirons" (vers 8).
- la beauté du vers 10 / la laideur du vers 10.
- du vol royal (vers 3), on passe au boitement de l'infirme (vers 12).
Ces oppositions sont soulignées par des antithèses :
- "roi" (vers 6) / "maladroit" et "honteux" (vers 6).
- le "voyageur ailé" (vers 9) / "gauche" et "veule" (vers 9).
- "naguère si beau" (vers 10) / "comique" et "laid" (vers 10) de plus, ici, la rime intérieure croisée associe encore à l'idée de l'albatros celle d'un animal ayant perdu son rang et son titre de "roi"
- "infirme" / "volait" (vers 12).

2. Le jeu sur les sonorités

Le jeu sur les sonorités renforce le contraste. La majesté de l'oiseau en vol est rendue par l' assonance en "en" (vers 1, 2, 4, 13, 14, 16) et l' allitération en "v" (vers 1, 2, 3, 4). La déchéance de l'albatros se traduit sur le plan phonétique par une sorte de dégradation et l'assonance en "en" est désormais associée à des mots dont le sens ou les connotations sont négatives ou péjoratives. Le destin funeste de l'oiseau est prédit par l'allitération en "s" du vers 4 : "gouffres amers".
La troisième strophe accumule des sonorités qui produisent un effet désagréable avec l'assonance en "e", assonance déjà présente dans la strophe précédente avec "eu" de "honteux" au vers 6, "piteusement" au vers 7, "à côté d'eux" au vers 8 et l'allitération en "c" et en "gu" comme "gauche" au vers 9 et la cacophonie "comique et laid" du vers 10. Ainsi, le jeu des sonorités accentue la différence de l'animal au fur et à mesure du poème ce qui est renforcé par la disposition en chiasme des sonorités du vers 11.

=> Lien interne : Commenter les allitérations et assonances

3. Le mouvement des phrases

Il prend une valeur descriptive. On notera en particulier :
- Une ample phrase, bien balancée pour présenter l'oiseau en vol dans la première strophe.
- Une nouvelle phrase dans la deuxième strophe très ample mais cette fois avec une nuance d'ironie pour présenter l'oiseau posé sur les planches.
- Dans la troisième strophe, une série de trois phrases exclamatives plus courtes, au rythme plus haché pour traduire la souffrance de l'albatros.
- Dans la quatrième strophe, une phrase en deux parties qui explique la dimension symbolique de la comparaison avec l'oiseau, il récapitule l'opposition.

III. Les symboles d'une chute

1. Une image symbolique

L'image de la chute
A prendre au sens physique et au sens moral du terme, la chute du poète oiseau est suggérée par des images symboliques : perdant la liberté dont il jouit quand il "hante la tempête" (vers 14). C'est une métonymie du climat pour désigner le lieu, il est désormais prisonnier des "planches" au vers 5, synecdoque pour désigner le pont du navire. On note le caractère ridicule de l'oiseau lorsqu'il est en dehors de son élément car un roi sur une planche, ce n'est pas sa place. L'anacoluthe des deux derniers vers ("exilé" est au masculin singulier, on attend donc un sujet au masculin singulier mais on a "ses ailes" qui est au féminin pluriel) accentue le déchirement du poète entre ses deux vies : celle de la réalité et celle de l'idéal. L'art est pour Baudelaire une affaire personnelle : le poète ne se mêle pas au public vulgaire. Leurs cultures sont trop éloignées. Le poète doit donc s'exiler, être seul et cette singularité s'est cristallisée dans le symbole de l'albatros.

2. La portée des images

L'albatros est désigné par les expressions suivantes : des périphrases aux vers 2, 3, 6, 9, 13, 19 qui ont toutes une valeur emphatique : de périphrase en périphrase, c'est tout l'aspect majestueux et souverain qui est déployé. La dernière strophe développe la comparaison entre le poète et l'albatros. C'est la même souveraineté dans la solitude mais c'est la même déchéance lorsqu'il redescend au niveau de l'humanité vulgaire.
La comparaison entre l'oiseau et le poète permet de dégager la signification allégorique du poème : comme l'albatros, le poète est victime de la cruauté des hommes ordinaires comme les hommes d'équipage au vers 1 qui ne sont pas des "indolents compagnons" (vers 9). De plus, les "nuées" du vers 13 / "huées" du vers 15. Les marins du vers 11 agacent et provoquent l'animal. Le poète est donc déchiré entre le monde sublime (la poésie) et la vulgarité dégradante de la société. Bien plus, l'agressivité des hommes qui se manifeste par les huées de la foule va jusqu'à une volonté de meurtre symbolisée par l'archer du vers 14. On n'hésitera pas à mettre à mort le poète symboliquement mais il reste un homme incompris. L'albatros poète se moque des flèches qui ne peuvent l'atteindre. Il est exilé, c'est-à-dire étranger du milieu dans lequel il vit et est très mal vu et ses ailes, c'est-à-dire le génie, le gênent.

Selon Baudelaire, la place du poète dans la société est comparée à un albatros : majestueux dans le ciel, son élément, mais ridicule sur terre et au contact des hommes. De même, le poète se situe au-dessus du commun des hommes pour ses poèmes, mais mêlé à la foule, il n'est rien et devient ridicule. Baudelaire faisait ainsi partie de la génération des poètes maudits, c'est-à-dire non compris par les gens de son époque.

Analyse linéaire de L'albatros en vidéo

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Charles Baudelaire - Les Fleurs du mal Plan de la fiche sur L'albatros de Charles Baudelaire : Le poème L'Albatros, de Charles Baudelaire , est extrait de "Spleen et idéal", la deuxième partie du recueil Les Fleurs du mal.

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Baudelaire apre la poesia a nuovi temi mai affrontati prima. Lo spleen e il desiderio di assoluto rappresentano due facce della stessa condizione esistenziale di un uomo che vorrebbe volare nel Cielo e si trova a sprofondare nell'abisso. Qualcosa di simile scrive san Paolo, ma a Baudelaire manca la fede che la salvezza proviene da un Altro.

Baudelaire apre la poesia a nuovi temi mai affrontati prima. Il linguaggio di cui si avvale è una mescolanza di lessico aulico e quotidiano. Anche i "ragni" e i "coperchi" trovano spazio nei versi del poeta, lo spleen e il desiderio di assoluto rappresentano due facce della stessa condizione esistenziale di un uomo che vorrebbe volare nel Cielo e si trova a sprofondare nell'abisso. Siamo farfalle e vermi, angeli e demoni, sguazziamo nel fango perché non riusciamo a librarci nell'aria. Ogni uomo è, in realtà, caratterizzato da questa lacerazione, da una frattura insanabile, almeno con i mezzi puramente umani. La tradizione cristiana spiega questa condizione con il termine "peccato originale": a causa di questo l'uomo tende al bene, poiché è creato a immagine e somiglianza di Dio, ma la sua fragilità lo porta a compiere il male. Qualcosa di simile scrive san Paolo, quando afferma che compie il male che non vorrebbe, mentre non compie il bene che vorrebbe. Si chiede allora chi potrà salvarlo da questa condizione. Solo Cristo. Solo un Altro ci può salvare, ci può sollevare dall'abisso di male.

Baudelaire ha la stessa percezione e concezione di uomo, ma gli mancano la consapevolezza e la fede che la salvezza proviene da un Altro. Sono pochi gli uomini contemporanei che vivono la coscienza della distanza tra l'aspirazione ideale a cui tendono e la realtà in cui sono immersi. Pochi uomini riescono a riconoscere l'eterno nella quotidianità opaca che hanno di fronte, pochi sanno intravedere quella luce flebile che è segno della strada per uscire dal tunnel.

Nella poesia Albatro Baudelaire descrive in maniera mirabile la condizione del poeta: " Spesso, per divertirsi, gli uomini d'equipaggio/ Catturano degli albatri, grandi uccelli dei mari,/ Che seguono, indolenti compagni di vïaggio, / Il vascello che va sopra gli abissi amari. // E li hanno appena posti sul ponte della nave/ Che, inetti e vergognosi, questi re dell'azzurro/ Pietosamente calano le grandi ali bianche,/ Come dei remi inerti, accanto ai loro fianchi.// Com'è goffo e maldestro, l'alato viaggiatore!/ Lui, prima così bello, com'è comico e brutto!/ Qualcuno, con la pipa, gli solletica il becco,/ L'altro, arrancando, mima l'infermo che volava!// Il Poeta assomiglia al principe dei nembi/ Che abita la tempesta e ride dell'arciere;/ Ma esule sulla terra, al centro degli scherni,/ Per le ali di gigante non riesce a camminare ".

L'albatro è un re del Cielo che accompagna dall'alto le navi che solcano gli oceani. Solo lì, dall'alto, può contemplare da una giusta prospettiva la terra. Quando viene catturato, malauguratamente, non perde solo la sua libertà, ma anche la fierezza e l'autorevolezza, apparendo goffo in ambienti che solo per lui insoliti. Quell'albatro, esule dalla terra e abitante di un altro luogo, che Baudelaire sente molto affine a se stesso, rappresenta bene l'immagine dell'uomo più in generale che è cammino verso la vera propria patria. Chi è, però, consapevole di ciò? Chi vive l'avventura del cammino sulla terra nella prospettiva di essere in cammino verso la vera patria? Il cristiano, o meglio colui che ama Cristo e che è davvero povero nel senso evangelico, vive la dimensione terrena come pellegrinaggio verso la meta da raggiungere. L'uomo medioevale ama per questo concepirsi come pellegrino in cammino verso la vera patria.

Non ho certo casualmente fatto riferimento all'epoca medioevale che condivide con Baudelaire la dimensione fortemente simbolica della realtà. Il simbolo consiste nell'uso di un animale, di una persona, di un oggetto per esprimere un'altra realtà più profonda. L'uso di un simbolo deve essere comprensibile e interpretabile dalle persone appartenenti alla comunità di un certo luogo e di un certo tempo. "I simboli sono quindi delle cose, dei gesti, delle parole che ci rendono alleati, parenti e che ci permettono di riconoscerci come tali. Essi non fanno altro che farci assumere la struttura di persone legate ad altre, membri di una famiglia, di un gruppo, di una comunità e che hanno in comune una storia, alcuni valori, degli usi, dei riti, dei monumenti" (M. Scouarriec).

Ogni epoca ha, quindi, i suoi simboli. Non tutte le epoche sono ricche di simboli allo stesso modo. Esistono culture più simboliche e altre meno simboliche. "Proprio perché, nella nostra cultura, si è data una certa priorità - e persino esclusività - ad un approccio materialista e commerciale per spiegare la vita e le relazioni, abbiamo alla fine svalorizzato e perduto la loro dimensione simbolica. [...] Il simbolo [...] cerca di stabilire una relazione tra persone che comunicano tra loro, che si scambiano delle idee e che si intrattengono reciprocamente" (M. Scouarriec). Potremmo definire "simbolico" ciò che unisce il particolare con l'universale, con il tutto.

Dopo l'immagine dell'albatro, ecco un'altra immagine che colpisce lo sguardo di Baudelaire: i ciechi. Dalla dimensione marina ed, in un certo senso, esotica che il poeta deve aver colto durante il suo viaggio non completato in India si passa ad una situazione cittadina e parigina. Il poeta si rivolge direttamente alla sua anima, termine che gli scrittori naturalisti a lui contemporanei, imbevuti di cultura materialista e scientista, hanno ormai cancellato dal vocabolario: " Contemplali, anima mia; essi sono davvero orribili!/Simili ai manichini; vagamente ridicoli;/ Terribili, singolari come i sonnambuli;/ Mentre dardeggiano non si sa dove i loro globi tenebrosi.// I loro occhi, in cui s'è spenta la scintilla divina/ Come se guardassero lontano, restano levati/ Al cielo; non li si vede mai verso i selciati,/ Chinare, pensosamente, la loro testa appesantita.// Essi attraversano così il nero sconfinato,/ Questo fratello del silenzio eterno. O città!/ Mentre che attorno a noi tu canti, ridi e sbraiti,// Innamorata del piacere fino all'atrocità,/ Guarda! anch'io mi trascino! ma, più inebetito d'essi,/ Io dico: Cosa chiedono al Cielo, tutti questi ciechi? ".

Il poeta è colpito nel vedere che i ciechi, soli tra tutti coloro che camminano nella città, non rivolgono gli occhi a terra, ma verso il Cielo, come cercando proprio lì qualcosa, come se chiedessero una risposta a ciò che la propria anima desidera. Gli altri, invece, dimentichi della loro aspirazione, si perdono nella distrazione della città, presi dal piacere. Baudelaire si sente simile e, al contempo, differente dai ciechi: come loro, si trascina per le vie della città, ma è, forse, (così almeno interpreto questi versi) meno consapevole e deciso nell'affidare al Cielo le risposte alle sue domande. Ecco allora il paradosso: i ciechi sono coloro che vedono bene! La tradizione antica presentava il grande poeta Omero come cieco: privo della vista, sapeva vedere con gli altri sensi e con gli occhi del cuore e dell'immaginazione. Il cieco è, allora, l'immagine del vero poeta.

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Baudelaire, l'albatro che sprofondò nell'abisso

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Baudelaire apre la poesia a nuovi temi mai affrontati prima. Lo spleen e il desiderio di assoluto rappresentano due facce della stessa condizione esistenziale di un uomo che vorrebbe volare nel Cielo e si trova a sprofondare nell'abisso. Qualcosa di simile scrive san Paolo, ma a Baudelaire manca la fede che la salvezza proviene da un Altro.

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13 -- Charles Baudelaire e I Fiori del Male -- Valerio Magrelli

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Chi era Charles Baudelaire - [Appunti Video]

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Baudelaire e Corrispondenze: al confine tra Romanticismo e Decadentismo

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TESINA MATURITÀ SULL'ESTETISMO, IL CULTO DELLA BELLEZZA

Con la definizione " Il culto della bellezza" si va subito ad identificare un movimento artistico ma soprattutto letterario della seconda metà dell'800 che vede la bellezza come unico valore in un mondo degradato, cioè l' Estetismo. L'Estetismo è un movimento che si sviluppa a partire dal Decadentismo. Questo movimento trova il suo massimo splendore grazie alle opere di Gabriele d'Annunzio ed Oscar Wilde.
D'Annunzio è indotto a trasformare la vita in opera d'arte (la cosiddetta vita inimitabile), dedicandosi al culto della bellezza in assoluta libertà materiale e spirituale, in contrapposizione con la volgarità del mondo borghese. In Inghilterra Oscar Wilde costruì un personaggio individualista nel Ritratto di Dorian Gray (1891), in cui il protagonista, innamorato della propria eccezionale bellezza, tenta di conservare per sempre la gioventù. In ambito poetico, il movimento trova dei precursori in Baudelaire, Verlaine, Rimbaud e Mallarmé cioè i simbolisti. Il principio fondamentale dell'Estetismo - l'arte per il gusto dell'arte - consiste nel vedere l'Arte come rappresentazione di se stessa, possedente una vita indipendente proprio come il Pensiero. Essa non ha alcun rapporto con l'epoca in cui si sviluppa, anzi è spesso contraria ad essa. Altra dottrina molto importante per gli esteti è questa: "nel momento in cui l'Arte rinuncia alla fantasia per la realtà, rinuncia a se stessa". È la vita ad imitare l'Arte, e questo deriva dal fatto che il fine della vita è quello di trovare espressione nell'arte. Anche la Natura stessa si modifica a immagine dell' Arte; gli unici effetti che essa può mostrarci sono quelli visibili grazie alla poesia o ai dipinti. In questo consiste il fascino della Natura, ma anche la sua debolezza. L' Estetismo presenta un continuo invito a godere della giovinezza fuggente, un edonismo(il piacere individuale costituisce il bene più alto)nuovo.
La figura dell'Esteta, è stata consacrata da 2 opere:

TESINA SULL'ESTETISMO: GABRIELE D'ANNUNZIO

Gabriele d'Annunzio nasce a Pescara nel 1863 e muore a Brescia nel 1938. D'Annunzio è una personalità di livello europeo nel panorama culturale del primo Novecento. Egli viene adottato da un ricco zio dal quale prende il nome. La sua formazione culturale inizia a Prato con gli studi liceali, seguita dall'esperienza universitaria a Roma alla facoltà di lettere. Qui inizia la sua carriera da giornalista e dopo essere stato collaboratore di alcuni periodici, diventa cronista della società aristocratica. Il poeta vive una vita ricca di piaceri senza porsi la minima preoccupazione economica. Egli si indebita ed è costretto a fuggire in Francia per scappare dai suoi creditori. A Parigi D'Annunzio diventa in poco tempo una celebrità e quindi riesce a mantenere inalterato il suo stile di vita. Il rappresentante italiano dell' Estetismo e del Decadentismo (D'Annunzio).
D'annunzio è allo stesso tempo esteta e decadente.

È esteta perché cerca di trasferire il suo gusto estetizzante alla vita, coltivando l'eleganza e indulgendo al gesto clamoroso. Egli adora circondarsi di raffinate opere d'arte e conduce una vita dispendiosa che lo porta ad indebitarsi (vita inimitabile).

È decadente perchè rifiuta il metodo scientifico e razionale, ricorre al simbolismo, esprime il panismo, afferma la superiorità dell'arte (infatti l'Estetismo deriva dal Decadentismo) e rivendica il privilegio dell'artista rispetto alle masse.

In D'Annunzio l'estetismo ed il decadentismo hanno in comune un aspetto molto importante: la vita inimitabile che si trasforma in mito di massa (cioè il superuomo o poeta vate). La vita inimitabile infatti è rappresentata dalla ricerca dei piaceri e della bellezza (Estetismo) mentre il mito di massa è il poeta vate che ha il compito di indicare alla folla gli obiettivi da raggiungere (Decadentismo).Il termine Decadentismo indica la decadenza o il tramonto di una cultura, a cui segue l'origine di una nuova, basata sull' Estetismo. L'artista diventa un vero e proprio mito, con lo scopo di pubblicizzare il proprio lavoro e di soddisfare le esigenze del pubblico. Gabriele D'Annunzio crea intorno alla propria figura le molteplici leggende dell'eroe impavido, dell'amante fatale, del genio inesauribile. Egli con il romanzo "Il piacere" inaugura il Decadentismo da cui deriva appunto l'Estetismo. I decadenti infatti affermano la superiorità dell'arte basandosi sull'Estetismo in cui l'arte è essenziale.

Il superuomo come conseguenza dell'Estetismo

La figura del superuomo nasce in d'Annunzio conseguentemente a quella di esteta. Il poeta che si affida all'estetica per costruire la propria vita come un'opera d'arte, sfugge alla realtà e rifiuta i valori morali della società borghese: matrimonio, eterosessualità, comportamenti mondani. D'annunzio è un "eroe decadente", un esteta esasperato, tanto diverso dall' eroe classico e da quello romantico. Più che un immorale è un amorale, in quanto in lui il senso del bello, al primo posto nella scala dei valori, ha fatto dimenticare i valori di bontà e di giustizia. Egli ossessionato dal raggiungimento del sublime e del bello disprezza tutto ciò che è mediocre o banale. Egli è chiuso nella sua eleganza come in un bozzolo di seta e persegue quei piaceri che sono propri di un'élite fatta di persone speciali, eccezionali. Per questo motivo il superuomo giunge ad un fallimento inevitabile. D'Annunzio si collega al filosofo Friedrich Nietzsche, anche se in D'Annunzio la figura del superuomo mantiene una forte componente estetizzante.

Il piacere di Gabriele D'Annunzio

Nel 1889 fu pubblicato il romanzo "Il piacere". Il protagonista è Andrea Sperelli, un giovane aristocratico che ama l'eleganza e l'arte; il suo estetismo lo porta a trascurare la vita pratica a favore di un'idealizzazione dell'amore e del bello. Andrea è combattuto tra due donne: Elena Muti che incarna la donna fatale e l'erotismo lussuoso, e Maria Ferres donna angelo e pura. Vi è una continua lotta tra la voglia inappagata nei confronti di Elena (la quale si è sposata) e il rifugio sicuro presso Maria, la quale però rifiuta il protagonista lasciandolo solo nella sua sconfitta. In questo romanzo si nota perfettamente che d'Annunzio è contemporaneamente esteta e decadente. Il protagonista, con la sua vita raffinata, rappresenta l'esteta per eccellenza (Estetismo) ma allo stesso tempo egli non trova l'amore idealizzato, giungendo inevitabilmente alla sconfitta ( Decadentismo).

Le laudi - D'Annunzio

L' influenza di Nietzche è all'origine della poesia delle Laudi del cielo, del mare, della terra e degli eroi. In essa l'ideologia del superuomo si accompagna con l'esaltazione di un'energia vita che abbraccia tutti gli esseri. L' ambizioso progetto delle Laudi prevedeva sette libri, ciascuno dedicato a una delle stelle della costellazione delle Pleiadi. Ma esso è realizzato solo in parte. Alcyone è il terzo libro delle "Laudi" è giudicato il capolavoro della produzione poetica dannunziana.

Alcyone - D'Annunzio

Quest'opera si presenta come il diario di una breve stagione di comunione con la natura, fra l'inizio e la fine dell'estate. Il "panismo" è il tema centrale dell'opera: il poeta perde la coscienza del proprio Io e si fonde completamente con la natura. Le sensazioni si sostituiscono allo stato razionale, il soggetto s'identifica con il paesaggio che lo circonda, diviene parte di esso.

Contesto storico

D'Annunzio era molto interessato alla politica e da sempre fu caratterizzato da un estremo interventismo. Nel 1919 d'Annunzio guidò una spedizione di "legionari" all'occupazione della città di Fiume, proclamando la reggenza italiana del Carnaro. La città infatti era stata promessa all'Italia con il Patto di Londra ma tale patto non fu rispettato. D'Annunzio si fa portatore di un vasto malcontento, insistendo sul tema della "vittoria mutilata". La locuzione indica il dissenso dei nazionalisti in seguito al fatto che l'Italia non aveva ricevuto sufficiente ricompensa per l'aiuto dato alla vittoria dell'Intesa nel 1918. Nei giorni successivi all'occupazione, D'Annunzio ricevette il plauso di Benito Mussolini, che però non era stato informato in anticipo dell'impresa. I rapporti fra d'Annunzio e Mussolini non erano molto cordiali. L'entità statale proclamata da D'annunzio nella città di Fiume (reggenza italiana del Carnaro) non venne riconosciuta dagli stati esteri. Il 12 novembre 1920 il Regno d'Italia e il Regno di Jugoslavia firmano il trattato di Rapallo: Fiume diventa città libera, Zara passa all'Italia. D'Annunzio non accetta tale trattato e viene cacciato dalla città dalle forze militari italiane. Costretto a ritirarsi, d'Annunzio si esiliò nella sua villa di Gardone Riviera - il Vittoriale degli Italiani. Qui lavorò e visse da solo fino alla morte, avvenuta nel 1938.

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Tesina sulla Bellezza: percorso per la Maturità - Studentville

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Con la definizione " Il culto della bellezza" si va subito ad identificare un movimento artistico ma soprattutto letterario della seconda metà dell'800 che vede la bellezza come unico valore in un mondo degradato, cioè l' Estetismo. L'Estetismo è un movimento che si sviluppa a partire dal Decadentismo.

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Dai tempi di Dante, nessun poeta aveva mostrato l'inferno ai suoi lettori come fa Baudelaire nei suoi Fiori del Male. Con una poesia così diversa da quella del Sommo, una poesia che si può definire maledetta, Charles Baudelaire accompagna il suo lettore in un viaggio che parte dal cielo - con la figura maestosa dell'albatros - e termina in un faccia a faccia con Satana. Novello Virgilio, fa notare al lettore che non è necessario scavare così tanto nella terra per trovare dei demoni: intorno a lui ci sono soltanto uomini divorati dai vizi.

I Fiori del Male: un viaggio, due direzioni

Sono infiniti gli aspetti e innumerevoli le comparazioni che ci sono tra le due opere più importanti di Charles Baudelaire e Dante Alighieri. Eppure, forse la caratteristica più affascinante che le accomuna è il tema del viaggio. Un percorso che si sviluppa sullo stesso binario, ma in direzioni completamente opposte.

Baudelaire è infatti prima di tutto un uomo moderno. Il suo percorso non si snoda attraverso limbi infernali, ma tra le strade di Parigi, dove è pronto ad accogliere in sé la modernità. È questo il suo inferno: la metropoli ai suoi albori vista dagli occhi di un parigino.

Tutt'intorno e anche dentro di lui, la trasformazione industriale di una città che sforna nuovi mali: inquinamento, droga, prostituzione; insomma il decadimento dell'uomo accompagnato dall'immancabile senso di isolamento e solitudine. Le persone diventano una folla, una moltitudine anonima ed estranea. Un posto dove lui, il poeta, non vi appartiene: vi si isola fiondandosi nei propri ricordi.

L'esperienza che si può fare in un inferno simile non è nient'altro che un viaggio attraverso angoscia e malinconia. Siamo a metà dell'Ottocento, quando il positivismo era la corrente filosofica dominante. Tutti credevano nella forza del progresso, nel rigore scientifico che avrebbe fatto avanzare la società moderna. Baudelaire è stato il primo a verificare gli effetti di questa rivoluzione industriale: nei suoi Quadri Parigini l'inquadratura classica è spostata verso l'esterno, verso le periferie degradate che stanno nascendo.

Da questo punto di vista, Baudelaire si pone come il primo dei poeti moderni. Dopo di lui, e lo testimoniano i suoi "allievi" Rimbaud, Verlaine, Mallarmé, il modo di fare poesia cambia. La camera della regia si sposta verso gli aspetti più degradati della civiltà.

Discesa negli abissi

Il suo è quindi un viaggio nel mondo che cambia ma è soprattutto anche un percorso interiore. In lui convivono lo spleen e l'ideale. Qualcuno diceva che la vita è un pendolo che oscilla tra la noia e il piacere, per Baudelaire quel pendolo oscilla tra lo spleen, il male di vivere perenne, e l'ideale, nel quale il desiderio di elevazione personale convive con l'istinto autodistruttivo della degradazione.

Sperimenta che gli unici modi per sopravvivere a questo quadro degradante è rifugiarsi nei paradisi artificiali: vino, sesso, oppio. Sono vie di fuga illusorie: al poeta, stanco di questo mondo e sazio d'ogni cosa, non resta altro che rifugiarsi tra le braccia della morte; fosse anche solo per provare il gusto di qualcosa di nuovo. Dio viene rigettato, mentre la poesia si tramuta in bestemmia.

Tutto ciò avviene nelle ultime pagine de I Fiori del Male. Si parte dalla maestosità dell'albatro, che per Coleridge era simbolo divino, e si arriva ad un vero e proprio inno a Satana. Il percorso opposto rispetto a quello di Dante, che anche fu un visionario per la sua epoca.

La lettura de I Fiori del Male è di una attualità toccante e sconvolgente. Charles Baudelaire, un poeta fuori dal tempo che ha descritto l'inferno terrestre ben prima che l'uomo si rendesse conto di viverci dentro.
Mario Altrui
Fonti:
A. Prete, I fiori di Baudelaire. L'infinito delle strade, Roma, Donizelli, 2007.
G. Cacciavillani, Introduzione a Charles Baudelaire, I Fiori del Male, Firenze, Giunti Editore, 2007.
G.B. Squarotti, Storia e antologia della letteratura, Vol. 5, Bergamo, Atlas, 2010.

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I Fiori del Male di Baudelaire: tra male di vivere e ideale - laCOOLtura

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Dai tempi di Dante , nessun poeta aveva mostrato l'inferno ai suoi lettori come fa Baudelaire nei suoi Fiori del Male. Con una poesia così diversa da quella del Sommo, una poesia che si può definire maledetta, Charles Baudelaire accompagna il suo lettore in un viaggio che parte dal cielo - con la figura maestosa dell'albatros - e termina in un faccia a faccia con Satana .

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"Correspondances" succède à deux textes évoquant la condition malheureuse du poète. Il est maudit par sa mère dans  "Bénédiction", exilé sur la terre et rejeté par les hommes dans "Albatros".
Dans "Elévation", il dit que seul le poète est capable de comprendre le langage des fleurs et des choses muettes".
"Correspondances" présente le poète comme le médiateur entre la nature et les hommes. Ce sonnet expose une nouvelle conception de la poésie fondée sur les correspondances.
Baudelaire a trouvé le mot "correspondances" chez Swedenborg, philosophe suédois du XVIII° siècle et chez Balzac qui reprend sa pensée. Ce mot désigne le principe de l'analogie universelle et apparaissait chez Platon pour qui les réalités sensibles, matérielles, ne sont que le reflet des idées, c'est-à-dire d'un monde spirituel.
Dans ce poème, le vocabulaire est concret, mais aussi abstrait et on a une recherche de l'unité.
A l'aide d'un langage intelligible (paroles, symboles), le poète peut comprendre la nature car elle s'apparente à l'être humain.
"Les arbres sont de vivants piliers qui prononcent de confuses paroles" mais ils sont dans l'unité des sensations et de l'univers, et donc ils en sont le reflet sensible.
Baudelaire distingue deux plans de la réalité: le naturel et le spirituel (philosophie spiritualiste).
Seul le poète est capable de comprendre les symboles qui sont dans la nature. Parfums, couleurs et  sons se répondent et renvoient toute à une même notion morale: la pureté (des chairs d'enfants, du son des hautbois, du vers des prairies...).
Puis Baudelaire oppose les parfums purs aux parfums corrompus, riches et triomphants (ambre, musc et encens introduisent l'exotisme) qui ont l'expansion des choses infinies et donc portent à l'exaltation et l'ivresse sensuelle pour arriver à une extase spirituelle car ces parfums chantent les transports de l'esprit et des sens.
Les images et les comparaisons sont nombreuses et nous notons un souci didactique: il veut nous faire comprendre les correspondances.
Il ouvre la voie à la poésie symboliste.

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À l'occasion des 150 ans de la mort de Baudelaire, André Guyaux, historien de la littérature à la Sorbonne, nous explique en quoi le poète est plus que jamais un auteur actuel.

Comment pourrait-on résumer d'un mot qui fut Charles Baudelaire ?
André Guyaux 1 : On ne peut pas le résumer d'un mot, mais on peut rappeler qu'il est la grande figure du second romantisme. Il naît en 1821, vingt ans après Victor Hugo, et dans toute son œuvre, il cherchera à trouver sa voie dans ce qui reste à explorer du romantisme. Dès ses premiers ouvrages, qui ne sont pas encore de poésie mais de critique d'art, il s'attache précisément à définir le romantisme. Il en donne cette définition : " Intimité, spiritualité, couleur, aspiration vers l'infini. " Il y voit " l'expression la plus actuelle du beau " et ne fait pas de différence entre le romantisme et l'art moderne.

Il explore aussi les territoires du mal, ce qui ne lui a pas valu un accueil très favorable...
A. G. : Très vite, on reconnaît son importance, mais ses œuvres font polémique et ses poèmes sont très attaqués. Le procès que lui vaudra, en 1857, la publication des Fleurs du Mal ne vient pas d'une irritation soudaine de quelques magistrats, c'est le résultat d'une campagne de presse préméditée, qui dénonce une œuvre " malsaine ". Même si Baudelaire est devenu très vite une célébrité, tous ceux qui refusaient de reconnaître son génie l'ont jugé dangereux. Et ils étaient quelques-uns : Baudelaire n'était ni du côté des bourgeois bien-pensants ni du côté des progressistes.

Misanthrope, dandy, toxicomane, chantre de l'ivresse... : son époque le voit comme l'homme du scandale. L'est-il toujours aujourd'hui ?
A. G. : Ce sont surtout ses écrits libertins, en particulier ses poèmes lesbiens, qui ont provoqué le scandale et le procès. Les aspects sulfureux du personnage ou les paradis artificiels ont suscité moins d'inquiétude. Pourtant, nous devons plus que jamais affirmer sa dimension scandaleuse : Baudelaire est le dissident absolu. Il reste cette figure du poète maudit, difficile à saisir. C'est d'ailleurs ce qui rassemble tous ceux qui continuent à faire des recherches sur son œuvre : ils essaient de comprendre ce qu'il écrit. Il entretenait la contradiction, il avait le goût du paradoxe, de la ligne sinueuse, et nous cherchons des lignes droites. Mais nous sommes tous fascinés par sa profondeur.

D'où l'objet du colloque " La pensée de Baudelaire ", organisé mi-septembre à Paris, pour les 150 ans de sa mort ?
A. G. : Oui, nous nous sommes demandé si, derrière le poète, on peut voir un philosophe, si l'on peut trouver chez lui la cohérence d'une pensée. Ce qui fait évidemment débat. Pour certains, le poète est l'homme de la douleur, du rêve, de la contemplation, mais il n'est pas un penseur. Pour d'autres, il est un maître à penser. Lui-même n'a jamais écrit de textes philosophiques au sens strict, mais il est l'auteur de plusieurs essais théoriques, dont un sur le comique. Il appréciait les moralistes du XVII e siècle et du XVIII e siècle et il pratiquait volontiers l'aphorisme lui-même. Ce qui en ressort en tout cas, c'est une pensée issue des idéologies du XVIII e siècle et de Joseph de Maistre, mais une pensée décalée, essentiellement dissidente.

Walter Benjamin, le philosophe et historien d'art allemand du XX e siècle, disait que rien, dans son œuvre, " n'a vieilli ". En effet, son œuvre ne vieillit pas. Si bien qu'on peut toujours se référer à lui pour comprendre le monde.

Joseph de Maistre, qui incarne le courant contre-révolutionnaire dès les années 1790...
A. G. : Oui, Baudelaire le qualifiait de " voyant " et disait de lui qu'avec Edgar Poe, il lui avait " appris à raisonner ". Mais au-delà ou à côté de la fascination que Joseph de Maistre exerce sur lui, Baudelaire dirige l'essentiel de ses critiques contre le progrès. Il est l'anti-progressiste par excellence. Il ne se lasse pas de montrer les dégâts provoqués par l'illusion progressiste, ce qu'il appelle la " religion " du progrès. Il est vrai qu'en l'espace de quelques décennies, on a vu arriver les locomotives et l'éclairage au gaz, il a assisté à l'éventrement de Paris quand on a commencé à percer les grands boulevards. Tout cela l'énervait et le troublait. Pour la première Exposition universelle de Paris, en 1855, Napoléon III voulait des machines partout. Mais ce que ne supportait pas du tout Baudelaire, c'est qu'on applique le progressisme à la création artistique. Pour lui, la beauté ne répond à aucune chronologie : l'artiste est solitaire, " singulier " ; il n'a ni ascendance, ni descendance.

Homme de son temps, Baudelaire continue pourtant de susciter de nombreuses recherches. Quelle influence exerce-t-il encore ?
A. G. : Walter Benjamin, le philosophe et historien d'art allemand du XX e siècle, disait que rien, dans son œuvre, " n'a vieilli ". En effet, son œuvre ne vieillit pas. Si bien qu'on peut toujours se référer à lui pour comprendre le monde. Des générations d'écrivains se sont d'ailleurs réclamées de lui : Verlaine et Mallarmé, puis Valéry, Claudel et les surréalistes, jusqu'à Yves Bonnefoy. Plus près de nous, Michel Houellebecq est un grand lecteur de Baudelaire. Lors de notre colloque, nous avions des chercheurs de toutes les générations, mais aussi des universitaires venus d'Italie, d'Allemagne, de Grande-Bretagne, des États-Unis... Et on l'étudie en Chine, au Japon, au Brésil. Baudelaire, le poète parisien par excellence, a une audience mondiale. Il n'y a que la Ville de Paris et ses services culturels qui n'en ont pas encore pris la mesure.

Peut-on dire que son influence dépasse le simple cercle de la littérature ?
A. G. : Baudelaire n'a cessé de tourner autour de l'idée de modernité. C'est lui d'ailleurs qui a donné tout son sens à ce mot. Il est mort trop tôt pour voir naître l'école impressionniste, mais devant les aquarelles de Constantin Guys, il a cette formule : " La modernité, c'est le transitoire, le fugitif, le contingent, la moitié de l'art, dont l'autre moitié est l'éternel et l'immuable ". Le concept n'est pas facile à expliquer. Pour lui, la modernité est le contrepoint positif du progrès : si l'art est éternel, il se nourrit aussi de tout ce qui nouveau - comme la photographie, que Baudelaire a vu naître. La modernité, ce sont tous ces éléments fugitifs que l'art peut capter.

Baudelaire détestait l'optimisme, c'est aussi cela qui le maintenait en mouvement. Aujourd'hui, il est une sentinelle contre la tentation de naïveté qui nous menace.

Mais elle est aussi complexe, donc difficile d'accès ?
A. G. : Baudelaire parle à des lecteurs venus de tous horizons, parfois très éloignés du monde de la littérature. À quatorze ans, on peut lire L'Albatros et vibrer à ses " ailes de géant " qui " l'empêchent de marcher ". De même pour ses poèmes sur les foules ou sur les transformations des grandes métropoles, un des phénomènes de son époque qu'il a pu toucher concrètement. Il donne à réfléchir à tous ceux qui s'intéressent à la sociologie. Ces textes offrent un tableau social saisissant, malgré leurs ambivalences. Je pense par exemple aux Petites Vieilles : on navigue entre la charité et la cruauté chez Baudelaire, on est toujours dans l'indécidable.

Reste quand même l'image d'un homme qui penche plutôt vers la noirceur, ce qui n'est pas vraiment dans le ton aujourd'hui ?
A. G. : Dans Le Voyage (dans la deuxième édition des Fleurs du Mal), des voyageurs courent le monde pour changer de climat. Mais à chaque étape, ils ne découvrent que " le spectacle ennuyeux de l'immortel péché ". Baudelaire détestait l'optimisme, c'est cela aussi qui le maintenait en mouvement. Il est une sentinelle contre la tentation de naïveté qui nous menace. Au passage, il faut souligner qu'il pourrait être aussi au cœur de débats théologiques. Il croyait au péché originel. Il était convaincu qu'il y avait une origine du mal et que l'homme était marqué à jamais. Le titre Les Fleurs du Mal vient de cette conviction et Baudelaire voulait que le frontispice de son livre s'inspire d'une image de la Chute d'Adam et Eve. ♦

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À l'occasion des 150 ans de la mort de Baudelaire, André Guyaux, historien de la littérature à la Sorbonne, nous explique en quoi le poète est plus que jamais un auteur actuel. Comment pourrait-on résumer d'un mot qui fut Charles Baudelaire ?

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Charles Baudelaire è una delle figure letterarie che ritrae Parigi. Ha trascorso la sua vita nella Ville Lumière e ha conosciuto molti dei suoi contemporanei come Victor Hugo, Théophile Gautier e Balzac. La sua collezione di poesie Les Fleurs du Mal ha fatto un grande scalpore all'epoca e ancora oggi è considerato un capolavoro. Amava il concetto di bellezza e non a caso si stabilì per diversi anni sull'Île Saint-Louis, sull'isola più piccola del corso parigino della Senna. Ile saint Louis è una sorta di villaggio insulare, che è stato risparmiato dalla riqualificazione della città: il poeta maledetto fu conquistato dal suo charme.La scelta dell'isola Saint-Louis testimonia l'eccentricità del giovane dandy: ci si trova lontano dalla Parigi moderna e si deve addirittura pagare un pedaggio per accedervi.Baudelaire amava passeggiare a l'Île Saint-Louis, siamo nel cuore di Parigi senza per altro essere su una delle due rive: non è classificabile. Il famoso poeta si sente bene sulla sua isola popolata da artisti, vive una vita da villaggio, lontano dal caos della città, ma abbastanza vicino da poter andare in qualsiasi momento. Quando vuole, raggiunge il Marais che attraversando il ponte Marie e la riva sinistra attraversando invece quello di Tournelle, pagando all'epoca.

6, rue Le Regrattier

La " Vénus noire " de Baudelaire

In questa ex-strada della donna senza testa, al numero 6, viveva Jeanne Duval, la "Venus nera" che Baudelaire ha incontrò nel 1842. Secondo la madre di Baudelaire, Jeanne, danzatrice e attrice teatrale di origini haitiane, africanee francesi, prosciugava suo figlio di ogni avere e opportunità. Baudelaire visse un'appassionata e turbolenta storia d'amore con lei e diverrà la Musa e Venere Nera per il poeta, una fonte di notevoli spunti letterari.

22, quai de Bethune

Il 28 maggio 1842, Baudelaire si trasferì a 10, quai de Bethune (attuale n. 22), presso l'hotel Lefebvre de la Malmaison. Ha venticinque anni e questa è la sua prima casa di Parigi, la prima di una lunga lista che conterà circa una quarantina di indirizzi. Acquisto numerosi mbili e oggetti d'arte a un certo Antoine Arondel. Da autentico esteta, quali era, Baudelaire amava tutto ciò che era bello e spese una fortuna per sistemare il suo piccolo appartamento, così tanto che alla fine indebitandosi dovette rivendere la sua collezione a basso prezzo proprio a Arondel. Gli anni 1842-1843 sono quelli delle prime connessioni letterarie con Hugo, Gautier e Balzac.

17, Quai d'Anjou

Dal maggio 1843, Baudelaire risidette presso l'hotel Pimodan, divenuto poi l'Hotel Lauzun, dove rimase fino al 30 giugno 1845. Questo hotel, costruito nell'epoca di Luigi XIV, ha mantenuto il suo fascino aristocratico nel corso dei secoli. Baudelaire viveva al terzo piano in un piccolo appartamento dal soffitto molto alto, le cui finestre si affacciano sulla Senna. Da qui Baudelaire poteva ammirare Saint-Paul-Saint-Louis e intravedere la via di Sévigné dove viveva sua madre. Il poeta si occupò dell'arredamento e della decorazione dell'appartamento con opere di artisti contemporanei, sempre con un gusto raffinato che sorprendeva e incantava i suoi ospiti. Questo è stato l'unico posto a Parigi in cui il poeta si sentisse come casa, un luogo a sua immagine.
Baudelaire scrisse inoltre la maggior parte dei Fleurs du Mal proprio qui, presso l'Hôtel de Lauzun, ed è proprio qui che frequentò anche il Club des Hashishins (Club dei Hashish-Eaters), un gruppo parigino dedicato all'esplorazione delle esperienze indotte dalle droghe, in particolare dall'hashish, tra i suoi membri si cita Victor Hugo, Alexandre Dumas, Charles Baudelaire, Honoré de Balzac e Théophile Gautier.

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L'ile Saint-Louis, il quartiere preferito da Baudelaire

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Charles Baudelaire è una delle figure letterarie che ritrae Parigi. Ha trascorso la sua vita nella Ville Lumière e ha conosciuto molti dei suoi contemporanei come Victor Hugo, Théophile Gautier e Balzac. La sua collezione di poesie Les Fleurs du Mal ha fatto un grande scalpore all'epoca e ancora oggi è considerato un capolavoro.