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En colaboración con: Frame On Frame (Jesús Alonso, Miguel Espín & Pablo Martínez)
Presentada en: PROYECTOR 2011 IV Festival Internacional de Videoarte de Madrid
Galería AB Gloria, Madrid

Video instalación de tres canales

"Cine colgado" confronta dos materiales de una misma superficie y una misma secuencia. El film experimental de Iván Zulueta Arrebato (1979) y la obra de video-arte Música con pelo y señales de Arturo Moya Villén. La pieza es un doble remake, un juego de citas, un ejercicio de apropiacionismo para cuestionarse la naturaleza de la imagen en el tiempo presente.
Arrebato desplegaba la sustancia vampírica de la imagen. La pulsión escópica se presentaba como un mordisco al espectador -de ahí el vínculo que planteaba entre droga y cine- quien devenía yonqui e insaciable: nueva corporalidad virtual. El "Cine colgado" hará suyo este sentimiento de ansiedad y lo trasladará a dos pantallas para reubicarlo en un nuevo tiempo. Por tanto, la pieza será un remake: la misma película pero desplegada donde todos los planos de la misma se verán en uno solo -vista de un vistazo, de una sola vez-. Al tiempo, gracias a un viejo recurso cinematográfico, el fundido encadenado, la obra de Zulueta se (con)fundirá con la pieza sonora y videográfica de Arturo Moya Villén.

Música con pelo y señales

Dos huellas dactilares y los ritmos prosódicos de sus dedos tocando un pelo humano como instrumento de cuerda crean una micro música desprovista de manipulación compositiva, de identidad. El cuerpo sustituye al compositor con un signo social y corporal de su propia identidad, en una paradoja abierta que pone entre paréntesis (en movimiento) las múltiples relaciones entre identidad, cuerpo, sujeto y sociedad.

Cine colgado

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En colaboración con: Frame On Frame (Jesús Alonso, Miguel Espín & Pablo Martínez) Presentada en: PROYECTOR 2011 IV Festival Internacional de Videoarte de Madrid Galería AB Gloria, Madrid Video instalación de tres canales "Cine colgado" confronta dos materiales de una misma superficie y una misma secuencia.

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En colaboración con Álvaro Muñoz Ledo. Museo Barjola, Gijón. Festival Trendelenburg, 2013

umbra-L es una instalación audiovisual interactiva que propone una reflexión lúdica, participativa y comunitaria sobre la identidad, entendida ésta como una negociación con el otro. El público es invitado a usar su sombra para construir un retrato comunitario y alternativo de una sociedad basada progresivamente en el secreto; relatos de cuerpos anónimos que, liberados de la servidumbre y la persistencia de la propia imagen, proyectan una otreidad fuerte dentro de la sombra; micro-narraciones que actualizan el deseo de ser-otro dentro de ese contorno. La instalación propone la sombra como un contenedor ambiguo que, a la vez que nos separa netamente del mundo, nos permite la fusión indiferenciada e instantánea con él. Un espacio neto y osmótico en el que su disminución objetiva de información lo postula como un instrumento utópico de nivelación social; una dimensión neutra en la que se desvanecen la mayoría de signos con los que ostentamos nuestras diferencias socio-económicas, fundamentales para algunos procesos de construcción de identidad.

umbra-L (play on words that alludes threshold and shadow) proposes a ludic, participatory and communal reflection where identity, body and otherness are modelled on a multiple and changing time. The shadow created by people's bodies, as well as occasionally being a "normal shadow", has several and different degrees of independency, so that it is possible to construct narrations, stories with my own shadow, or that of other's, produced in other moments and places of time and space: distant and persistent shadows that interact liberated from body's immediacy and control.

Shadows are processed with very long delays, but every now and then, these delays are cancelled, so that the shadow from the past comes progressively till the present and reaches me, my current body. After a while, the shadow goes back to the original delay situation. umbra-L is a time machine that projects our shadows towards the past or the future. People's voices are also recorded and delayed, adding another layer of meaning. The current version of the Pure Data software converts movements from people to sinusoids. These sinuosids are also delayed, creating a complex texture due to the mixture of presences and absences of people's bodies.

Download technical specifications: tech_umbral.pdf (348 descargas)

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En colaboración con Álvaro Muñoz Ledo. Museo Barjola, Gijón. Festival Trendelenburg, 2013 umbra-L es una instalación audiovisual interactiva que propone una reflexión lúdica, participativa y comunitaria sobre la identidad, entendida ésta como una negociación con el otro.

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CDAN Instantes de Paisaje

Paisajes de Interior II
música: Pablo Fredes

Premiado con un accésit en el certamen CDAN Instantes de Paisaje y visionado en el F estival de Cine de Huesca 2007 y Proyectaragón 2009

Exposición: CDAN Instantes de Paisaje 2007

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Paisajes de Interior II música: Pablo Fredes Premiado con un accésit en el certamen CDAN Instantes de Paisaje y visionado en el F estival ...

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Master en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de Valencia (especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual). Licenciada en Arte Dramático por la ESAD de Valencia y amplia formación en danza contemporánea en Valencia y Bruselas.

Desde 2001 hasta 2012 trabaja como creadora junto a Vicente Arlandis en el colectivo LOSQUEQUEDAN en numerosos proyectos que son mostrados en diferentes festivales de ámbito nacional.

Desde el año 2012 trabaja de forma independiente en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento: Bailar al sonido (Valencia,2021),

Volum en 2 (Valencia,2020-2021), Preludio y fuga (Valencia, 2019), Tot per l ́aire (BAD, Bilbao, 2018), Heartbeat (Valencia, 2017), No soy yo (Valencia, 2016), Tentativa and Guests (Valencia, 2016-2014), The love thing piece (Madrid, 2013) y Tentativa (Valencia, 2012).

Participa también en otros proyectos como Vamos a estar a ratos de Angela Verdugo (Danza Valencia, 2020), En Helvetica no de Vicente Arlandis, (Danza Valencia, 2020), El Canto de lo inacabado junto a Rocío Perez y Amparo Maiques, (Bombas Gens, Valencia, 2019), El Resto de Fernando Gandasegui (EACC, Castellón, 2019), Cuerpo gozoso se eleva ligero de Vicente Arlandis (CCD, Madrid, 2019), Estoy pensando en Tortugas de Claudia Faci (Naves Matadero, Madrid, 2018), Ornamento=delito, visita guiada desde la danza junto a Rocío Pérez y Santi de la Fuente (Bombas Gens, Valencia, 2017-18), En esta parte esquinada de la península dirigido por Idoia Zabaleta y Claudia Días (La Fundición, Bilbao, 2016) y Danzad, danzad, malditos (La casa Encendida, Madrid, 2015) con Vicente Arlandis, Miguel Ángel Martínez y Rafael Tormo.

En investigación ha formado parte del proyecto Autonomía y Complejidad organizado por ARTEA, ha formado parte del equipo de trabajo del Centro de estudio transversal aplicado a la escena (CETAE) dirigido por Carolina Boluda, ha participado dentro del proyecto Misión divina coordinado por Ana Buitrago, Oscar Dasí, Jaime Conde y Sergi Faustino y en el proyecto Bailar es eso lo que queréis coordinado por Ana Buitrago, Jaime Conde Salazar y Elena Córdoba. Ha ideado y coordinado el proyecto y ha editado el surgido de este último proyecto. Últimamente ha obtenido una residencia de investigación en Espai LaGranja para desarrollar el proyecto Materias sonoras. Maneras de hacer Mejor libro de danza del mundo. Imaginarios sobre danza y otros asuntos

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Master en Producción Artística por la Facultad de Bellas Artes de Valencia (especialidad en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual). Licenciada en Arte Dramático por la ESAD de Valencia y amplia formación en danza contemporánea en Valencia y Bruselas.

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Biografía Arturo Moya Villén

Su formación como compositor es debida primordialmente a Gabriel Brnčić, con quien estudia en el laboratorio de la Fundaci ó PHONOS de Barcelona composición para instrumentos tradicionales y medios electroacústicos, as í como las técnicas de grabación, síntesis, proceso y espacialización del sonido. Como pianista se formó con Arturo Moya L ópez, su padre, y posteriormente con Ramón Coll y Ana Guijarro.

Obtiene el título de Master en Creación y Tecnologías del Sonido por la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona con el apoyo de una beca de la SGAE. Becado asimismo por el organismo europeo CITE/COMETT, estudia las técnicas del live-electronics en IRIS (Istituto per la Ricerca della Industria dello Spettacolo), con Giuseppe di Giugno, pionero e impulsor del IRCAM. Profesor Superior de Lenguaje Musical, Transposición y Acompañamiento por el Conservatorio Superior Municipal de Barcelona y Profesor de Piano por el Conservatorio de Sevilla, completa su formaci ón asistiendo a cursos de composición con L. Nono, H. Vaggione, F. Kroepfl, W. Zimmermann, D. Felder, Ch. Wuorinen, C. Zulian, E. Polonio, A. Nuñez o J. M. Berenguer, entre otros.

Ha sido presidente de la Asociación de Música Electroacústica de España y vicepresidente de la Confederacion Internacional de Música Electraocústica (CIME-UNESCO). Co-Director del XI, XII y XIII Festival Internacional de Música Electroacústica "Punto de Encuentro", patrocinados por INAEM, SGAE, RNE, Cultural Albacete y Junta de Comunidades de Castilla La Mancha. Dicta conferencias, escribe artículos e imparte cursos y talleres sobre música contemporánea y electroacústica (Universitá "La Sapienza" de Roma, Universitat "Pompeu Fabra" de Barcelona, Universidad Internacional "Menendez Pelayo" en Cuenca, Festival Escena Contemporánea de Madrid, Festival Internazionale di Musica Elettroacustica del Conservatorio S. Cecilia, Festival di Musica Acusmatica di Cagliari, Fonoteca Nacional en México D.F., etc.), y ha participado como jurado en premios internacionales de música electroacústica. Ha recibido asimismo encargos de diversas instituciones, grupos de música contemporánea e intérpretes, entre los que podemos señalar: Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, GMEB de Bourges, Ensemble "Mosaik" de Berlín, "Circuito Electrovisiones", de México, "La Caixa" de Barcelona, "Orchestra B. Marcello" de Teramo, "Orchestra del Caos" de Barcelona, "Frullato", "Musica XXI", "Amici della Musica" de Cagliari, Associazione "Voltaire" de Palermo, Daniel Kientzy, Joan Izquierdo, Antonio Politano, entre otros. Su obra ha sido editada en los cds: Foro de Comunicaciones Electroacusticas Vol. III, Electa Dei "Gregoriano e Nuova Musica", "Ricercare II" y "...que no desorganitza cap murmuri". Flauta de bec i electronica. Joan Izquierdo.

Sus obras (para instrumentación tradicional, electroacústica o mixta), instalaciones, intervenciones, videos y performances han sido presentadas en auditorios, galer í as y museos de España, Italia, Chile, Argentina, Cuba, Estados Unidos, México, Francia, Bélgica, Inglaterra y Alemania.

Como técnico de sonido ha diseñado partes electrónicas en tiempo real con MAX-MSP o Pure Data de numerosos conciertos electroacústicos, ha diseñado dispositivos de interacción electrónica a través de sensores para conciertos o performances, ha grabado discos de música antigua y ha desempeñado el puesto de técnico de sonido directo en numerosos eventos y spots televisivos.

En la actualidad combina su actividad de difusión del arte electrónico en España a través de EX, asociación de arte electrónico y experimental, de la que es presidente y fundador, con su trabajo como artista en el ámbito del arte sonoro y el New Media Art.
Catálogo de obras estrenadas. Catalogue of works premiered

Mi voz es otro, instalación sonora interactiva

Violencias del decir I, instalación sonora site-specific

Después de Cage, performance con procesos de video a partir de la voz

Tentar la palabra, en colaboración con Ruth Abellán Alzallú. Instalación sonora interactiva

Espera, instalación sonora multicanal

Máquina de callar (Shut-Your-Mouth Machine). Escultura sonora interactiva

Mujica-Cortázar, instalación sonora para el Hard Disk Museum

Tu palabra contra la mía, instalación sonora interactiva en colaboración con Ruth Abellán Alzallú

Voz sin cuerpo, instalación sonora interactiva

Negar la voz dada, instalación sonora objetual interactiva

Dar la voz negada, performace con sensores resistivos y procesos del sonido en tiempo real

"Specio", instalación interactiva en espacio público

"CUT", en colaboración con Kwendenarmo y Carlos Hernández. Instalación sonora interactiva.

"umbra-L", en colaboración con Álvaro Muñoz Ledo. Instalación audiovisual interactiva.

"Tonel de las Danaides", en colaboración con Ruth Abellán. Performance con audio en vivo y procesos de audio y video en tiempo real.

"Miembro fantasma", en colaboración con Alejandro Rojas-Marcos. Improvisación y performance para pianista con sensor de distancia y procesos electrónicos del sonido.

"Corpo verso l'alto" electroacústica

"Cine colgado" video instalación en colaboración con Frame On Frame

"Discursos en blanco, instalación audiovisual.

"El ruido blanco es el miedo" performance para instrumento polifónico, instrumento de viento y de cuerda frotada y sensores GSR (Galvanic Skin Response)

"El grito", instalación-performance interactiva para performer con sensores EMG (Electro Miógrafos), síntesis y procesos electrónicos en tiempo real.

"Abierto-cerrado" para performer, sensores EMG y síntesis, procesos y espacialización del sonido en tiempo real.

"Música con pelo y señales" video instalación.

"Espacio Vibrado" Intervención sonora. Síntesis, procesado y espacialización del sonido en tiempo real en el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona).

Música para la obra de teatro "Amleto-Un tradimento inqualificabile" de Buñuel. Electrónica, Violoncello, Actores.

Música para la obra "Tumulario" de Nacho Criado (Premio Nacional de Artes Pl ásticas 2009) .

"Bartlebooth" Fliscorno, Saxos alto y tenor, trombón, percusión y electrónica en vivo.

"Serie" Cuarteto de flautas de pico y electrónica

"Arlequín" Flauta, clarinete, electrónica y bailarines.

"Estampas de Caza" Flauta de pico y proceso electrónico del sonido en tiempo real

"Viaje" Soprano o tenor y tratamiento electrónico en vivo.

"Viaje de vuelta" Flauta de pico y tratamiento electrónico en vivo.

"One Sound" Saxo tenor y electroacústica.

"Estoqueda" Saxo barítono y electroacústica.

"Musica de Fondo" Saxo Tenor y electroacústica.

"Profundo" Actor-cantante y electroacústica.

"Iubilus" electroacústica

"Obra a punto de ser engullida por todo lo demás" electroacústica

"Kleine Klein" electroacústica

"Come chiudere (una volta per tutte) le sinfonie" electroacústica

"La música que había en mis objetos" electroacústica

"Serie (Sísifo)" electroacústica

"Activo" electroacústica

"Cerdeña" electroacústica

"Bifurcación" electroacústica

"Música da luogo" Orquesta de cuerda y coro masculino.

"Música con límites" Violín, viola, flauta y clarinete.

"Música con pies ni cabeza" Flauta de pico contrabajo

"Serie (respiraciones)" para instrumento autoexcitado

Biography Arturo Moya Villén
I started my creative professional path in the electroacoustic music field. I studied electroacoustic composition with Gabriel Brncic at PHONOS Laboratory (Barcelona) and live-electronics techniques with di Giugno in IRIS, Italy. My interests became wider and gradually they led me to sound art and new media art, particularly in sound installation and performance with new technologies, for which I frequently use interactive devices. As a constant element in my work this has always had a strong aesthetic and philosophical relevance, and I have always applied a critical approach regarding my usage of new technologies. As a sound artist, new media artist, composer and performer I have presented my works, interventions, actions, videos or installations in auditoriums and museums in Spain, Italy, Chile, Argentina, Cuba, United States, France, Belgium, Mexico, United Kingdom and Germany.

My activity is developed in many fields: I have been president of the Spanish Electroacoustic Music Association, (www.musicaelectroacustica.com/amee), president and founder of EX, Electronic and Experimental Art Association (arteelectronico.net); director of several "Punto de Encuentro" International Festivals of Electroacoustic Music, curator for Experimental Music in "Circuito Electrovisiones", creator of "JUSTECH '15", Call for electronic and experimental art works, etc.

I have a Master degree from the Pompeu Fabra University in Barcellona in "Creation and Sound Technologies" granted by the SGAE (General Society of Spanish Composers). I have also received a grant from the European organisation CITE-COMETT to study live-electronics techniques at IRIS (Institute for Research in Entertainment Industry) with Giuseppe Di Giugno. I am also a Musical Language Superior Professor at the Superior Conservatory of Barcelona, and a Profesional Piano Professor at the Conservatory of Seville. I complemented my training as a composer by taking courses from L. Nono, H. Vaggione, F. Kroepfl, W. Zimmermann, D. Felder, Ch. Wuorinen, C. Zulian, E. Polonio, A. Nuñez and J. M. Berenguer, among others.

While working as a lecturer, I also write articles and teach courses and workshops on sound art, sound installation, contemporary and electroacoustic music. I have also participated as a jury in national and international electroacoustic music and electronic art contests. I also possess a wide range of experience as a composition teacher, radio art teacher, musical language teacher (using a method of my own invention), and choir director. At the same time, I have also worked as a sound recordist in advertising, and in ancient music, as well as being for many years the main sound technician at Vanitas ( www.vanitasmusica.com).

Selection of festivals were I have presented my work:

Paris, "G.R.M. Concerts", Maison of Radio France

Rome, "Festival Internazionale di Musica Elettroacustica del Conservatorio S. Cecilia"

Bourges, "Synthèse" Festival

Berlin, Institut fur Neüe Musik der Hdk, "Seis propuestas en el camino"

Berlin Institut fur Neüe Musik der Hdk, "Neüe Musik aus Spanien"

Buffalo, EEUU, State University of New York at Buffalo

Monterrey, México, Festival Mediarte,

Birmingham, United Kingdom "Barber Festival of Contemporany Music"

La Habana, Cuba, "Festival de Música Contemporánea de La Habana"

Guanajuato, México DF, "Transónica",

México DF "Circuito Electrovisiones Festival"

Santiago, University of Chile

Cagliari, Italy "Intorno a Schubert", "Flauti dolci e computer"

Cagliari, Italy, II Festival of Contemporary Music

Palermo, Italy, "Sulla Lontananza",

Palermo, Italy "Palermo di scena"

Frosinone, Italy, Stagione di Concerti

Teramo, Italy, "Electa Dei"

Madrid, "Centenario "Adolphe Sax", Conservatorio Superior de Música de Madrid

Madrid, "Jornadas de Informática & Electrónica Musical", Centro de Arte Reina Sofia,

Madrid, Festival "Nits d'Aielo, at the Pradillo Theater : Directed by Llorenç Barber

Madrid, Videoart Festival Projector

Cuenca, XXX anniversary of GME (Laboratory of Electroacoustic Music)

Vitoria, Festival Sinkro

Gijón, Museum "Barjola" of Contemporary Art

Madrid, exhibition from Nacho Criado (2009's Spanish Fine Arts National Prize) "No existe" in the "Círculo de Bellas Artes" (the exhibition won the "Villa de Madrid Mariano Benlliure" prize in 2007);

Madrid, "In-sonora. VI Muestra de arte sonoro e interactivo",

Madrid, "La noche de las librerías";

Vigo, MARCO, Museum of Contemporary Art

Valencia, Festival "Nits d'Aielo, directed by Llorenç Barber

Barcelona, Museum of Contemporary Art of Barcelona (MACBA);

Barcelona, "Festival de Musica del Siglo XX", Mercat de les Flors,

Barcelona, "La nit del museus" Museum of Natural History,

Barcelona, "Ciclo sala HAL", Centro de Cultura Contemporanea de Barcelona, Barcelona, "SONAR",

Barcelona "Concerts PHONOS", Fundació Miró,

Barcelona "Mostra Catalana de Musica Contemporanea";

Girona, XX Festival Musica 13

Granada, "Festival Internacional de Música y Danza de Granada",

Granada, XVIII Festival Inernacional de Música electroacústica "Punto de encuentro"

Buenos Aires, Argentina, Bruxelles, Belgium, etc.

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Biografía Arturo Moya Villén Su formación como compositor es debida primordialmente a Gabriel Brnčić, con quien estudia en el laboratorio de la Fundaci ó PHONOS de Barcelona composición para instrumentos tradicionales y medios electroacústicos, as í como las técnicas de grabación, síntesis, proceso y espacialización del sonido.

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Para comprender qué es el videoarte, debemos, antes que nada, contextualizarnos y recordar que la irrupción de las nuevas tecnologías en el mundo del arte siempre se ha caracterizado por ser polémica y controversial. No en vano los artistas emergentes de la fotografía -el primer avance tecnológico que permitió “capturar la realidad de un instante”- tuvieron que luchar, prácticamente desde que se inventó la cámara, contra aquellos puristas de la pintura y otras disciplinas que, tal vez sintiéndose amenazados, sostenían que tal aparato no podía utilizarse como un medio válido para la expresión artística.

Hoy en día, pese a los que dijeron una y otra vez que manipular un obturador y diversos químicos en el proceso de revelado no era “arte”, la fotografía contemporánea ha sabido granjearse un lugar legítimo entre las disciplinas artísticas, y quedan muy pocos que se atrevan a poner esto en duda. ¿Y qué tiene que ver todo esto con el videoarte? Bueno, pues que este se encuentra en un proceso muy similar al que atravesó la fotografía artística para legitimarse.

En el artículo de hoy hablaremos de cómo se han relacionado los artistas con el soporte audiovisual que marcó un parteaguas en la era de la comunicación masiva: el video.

Historia del videoarte: desde la primera cámara portátil hasta las Apps de video modernas

Para que las personas “de a pie”, y más particularmente los artistas independientes puedan comenzar a explorar las posibilidades de la tecnología para ponerlas al servicio de sus propias inquietudes, es necesario que dicha tecnología se “democratice”, es decir, que comience a estar “al alcance de todos”.

Si bien antes de la década de los sesentas la televisión y la industria del cine ya llevaba más de treinta años transmitiendo imágenes, programas y publicidad mediante ondas y grabaciones, no fue sino hasta que comenzaron a comercializarse las primeras cámaras portátiles que surgió la semilla de lo que hoy conocemos como “videoarte”.

La primera cámara portátil, lanzada al mercado por Sony, pesaba más de veinte kilos, pero de cualquier manera era muchísimo más liviana que los equipos que se utilizaban en la industria de la grabación, y podía ser manejada por una sóla persona, en lugar del equipo de técnicos que se necesitaba para manipular una cámara de set. La cámara portátil se volvió tan popular que rápidamente comenzaron a surgir otros modelos cada vez más livianos y más asequibles para el público en general.

Gracias a ellas, los artistas independientes pudieron hacer uso de tecnologías que antes era demasiado costosas para sus propios fines, al margen de la industria del cine y la televisión y sus afanes meramente comerciales, y posteriormente utilizar a su gusto las técnicas y softwares de edición y modificación de vídeo. Cuando los artistas se adueñaron de los medios de producción de masas para grabar con libertad lo que quisieran, surgieron las primeras piezas de videoarte, que muchas veces iban dirigidas justamente a la crítica o la mofa de los intereses detrás de estos mismos medios masivos de comunicación como entidades enajenantes.

A la par, Nueva York se erigió como la meca de los artistas contemporáneos a mediados del siglo pasado, por lo cual no es ninguna sorpresa que el videoarte comenzara a florecer allí de manera acelerada más que en ningún otro sitio. Sus orígenes también están muy influenciados por el llamado movimiento Fluxus, la cultura popular y la estética dadaísta.

El videoarte evolucionó de la mano con la sofisticación en las tecnologías, y fue integrando nuevos formatos como el CD-ROM, la manipulación electrónica y digital de la imagen y la paleta gráfica, pero manteniendo al mismo tiempo las particularidades que le daban su característica independencia, como la posibilidad de crear efectos especiales caseros, improvisar y dejar volar la imaginación en cualquier sitio.

De hecho, muchas de las primeras nociones experimentales y “errores controlados” del videoarte que no estaban atadas a las “reglas tradicionales” ni a los tiempos y normas de la producción audiovisual en la industria, se convirtieron más adelante en elementos comunes del cine y de la televisión, por ejemplo los efectos de cuadro sobre cuadro, loops, close ups extremos, cortinillas e integración de elementos digitales, cámara lenta o ralentizada, retroalimentaciones, y un largo etc.

Otro fenómeno muy interesante que se dió alrededor del auge del videoarte, fue que comenzaron a surgir espacios especializados en su distribución y producción, y muchas galerías, bares, cafés y centros culturales comenzaron a integrar salas de proyección para este tipo de propuestas. Incluso, algunos canales de televisión fueron abriéndose poco a poco a géneros de video más experimentales.

El video arte también comenzó a hacer equipo con otras disciplinas artísticas, como la danza, la escultura, la arquitectura, la poesía, la pintura, etc. Con la llegada de las tecnologías digitales, sus posibilidades se multiplicaron y su distribución se volvió mucho más sencilla e inmediata.

Hoy en día, hemos llegado al punto en el que casi todas las personas jóvenes tienen alguna aplicación en su teléfono celular que les permite experimentar y jugar con diferentes posibilidades para crear contenido personalizado en video. Aunque se trata de herramientas que se enfocan más bien en el intercambio de significados culturales, no es raro que surjan piezas de contenido tan originales que puedan considerarse videoarte en toda regla.

Pioneros del Videoarte

José Val del Omar y el propio Salvador Dalí, más famoso por sus pinturas, son los antecesores directos del videoarte. El primero fue un creativo fotógrafo y director de cine español, padre de la técnica de “desbordamiento apanorámico” y cuya obra experimental “Elemental de España” (1955) se considera como uno de los juegos preliminares de esta disciplina. Salvador Dalí, por su parte, proyecta en 1960 “Caos y creación”, una pieza controvertida que dió mucho de qué hablar en su momento.

https://www.youtube.com/watch?v=ErtddbJQRnY Fragmento “Elemental de españa”. José Val del Omar. 1955

https://www.youtube.com/watch?v=HBbypEDU7kc Caos y creación. Salvador Dalí. 1960

Sin embargo, es Nam June Paik quien en 1963 da el pistoletazo definitivo de la carrera del videoarte con su “Electronic Superhighway”, una instalación impresionante que transmite y desarrolla un poderosísimo concepto relacionado con los medios masivos de comunicación y la cultura occidental.

Electronic Superhighway, Nam Yune Paik

Otras figuras representativas del videoarte son Wolf Vostell, Peter Campus, Joan Jonas, Valie Export, Willoughby Sharp y Nan Hoover, entre muchos otros, que comienzan a explorar distintos recursos de error intencional, como la disonancia auditiva, la superposición de dos imágenes simultáneas, el despliegue vertical del video, etc. Aquí puedes explorar algunas de sus obras:

https://www.youtube.com/watch?v=IJcOQ5FAlGw Sun in your head. Wolf Vostell. 1963

https://www.youtube.com/watch?v=jpstpzBDJ7s Organic Honey Vertical Roll. Joan Jonas. 1972

https://www.youtube.com/watch?v=Ar99AfOJ2o8 Three Transitions. Peter Campus. 1973

https://www.youtube.com/watch?v=oNdNNA_EOLU&list=PLDeNuYs-RxB5Mj_vjrCDgttrIdX03Dcif&index=5 Menschenfrauen. Valie Export. 1980

https://www.youtube.com/watch?v=m4Wv453hcP8 Returning to Fuji. Nan Hoover. 1984

https://www.youtube.com/watch?v=HDRlQqCytq8 Consolation service. Eija-liisa Ahtila. 1999

El videoarte y el performance

No es casualidad que las corrientes performativas más destacadas siempre hayan ido de la mano de la fotografía, el video, la imagen sonora o cualquier otro canal audiovisual que permita registrar y enriquecer la experiencia artística y su diálogo con el espectador.

Los primeros performancers y artistas conceptuales, que ahora son veteranos, en su momento representaron un ola de rebeldía que pretendía romper con todos los cánones estéticos y técnicos de las artes para dar pie a una nueva manera de crear y transmitir significados, y muchos de ellos se sirvieron justamente de la tecnología que tanto desdeñaban los artistas consagrados en las disciplinas “clásicas”.

Así, el video y el cine experimental adquirieron gran autoridad en la expresividad occidental alternativa. Por listar sólo algunos de los videoartistas conceptuales más importantes, además de los que ya mencionamos en el inciso anterior, podríamos hablar de Vito Acconci, John Baldessari, Norman Cowie, Dan Graham, Martha Rosler, Woody Vasulka, Paul Wong, Chantal Akerman, Tony Oursler, Antoni Abad y un largo, larguísimo etc.

Te dejamos algunas muestras de sus obras, pero al mismo tiempo te recomendamos que te des a la tarea de investigar un poco más por tu cuenta sobre las propuestas de estos y otros videoartistas.

https://www.youtube.com/watch?v=MOF3qhM6vIA I am making art. John Baldessari. 1971

https://www.youtube.com/watch?v=OJNvmHmgdiQ Vito Acconci. Pryings. 1971

https://www.youtube.com/watch?v=aLNfUB7JtA4&list=PL7OQ9G-vRmvK42zKVGaeTeFxP65VkIglT Present continuos Past. Dan Graham. 1974

https://www.youtube.com/watch?v=zbj-Nsqg11E Guilty. Tony Oursler. 1993

https://www.youtube.com/watch?v=iXwY6Evpoqw Punto de vista. Antoni Abad. 1999

Como seguramente ya te diste cuenta, la posibilidad de grabar y proyectar video se ha vuelto una herramienta muy recurrente en el mundo del performance, ya sea simplemente para documentar la acción, o como parte fundamental de la misma.

Diferencias entre videoarte y cine experimental

El cine experimental y el videoarte, aunque no son lo mismo, siempre han ido de la mano porque ambos surgieron justamente cuando las posibilidades de experimentar con el video se democratizaron gracias al auge de las videocámaras personales. La discusión entre los expertos al respecto de estas diferencias ha sido intensa, pero lo que a grandes rasgos los diferencía es que el cine experimental, como su nombre lo indica, sigue ateniéndose de alguna manera a los criterios básicos de la narrativa cinematográfica, y el videoarte, por su parte, tiene como hilo conductor la ruptura con todos los paradigmas posibles.

El cine, por muy experimental que sea, se basa en ciertos criterios estéticos y narrativos, por ejemplo, se cuenta una historia, se utilizan personajes, diálogos, encuadres, etc. pero el videoarte, al igual que cualquier otro arte moderno, no se ve obligado a seguir estas convenciones y se presta a las mismas divergencias entre técnica, concepto e instalación que el resto de las artes plásticas. Por tanto, el videoarte puede adoptar un sinfín de formas y manifestaciones.

Sin embargo, muchos cortometrajes e incluso largometrajes entran en la categoría de cine y de videoarte al mismo tiempo. Aunque no todo el videoarte entra en la categoría de cine, o de videoclip.

El videoarte se caracteriza por explotar y explorar un concepto determinado o transmitir ciertas sensaciones de maneras creativas, dejando de lado todo aquello que se considere visualmente correcto en las características expresivas y formales de la imagen. Ya con esto en mente, la definición que hace Gilles Charalambos al respecto puede servirnos bastante para aterrizar tanto al concepto de videoarte como sus diferencias con el cine experimental:

“Cualquier obra con intencionalidades artísticas que emplea, en sus procesos y como soporte, a los instrumentos o dispositivos propios del video”.

El videoarte se sirve de diversos procedimientos que van en contra de las reglas típicas en lo audiovisual, como la ruptura cronológica, el metalenguaje, la metáfora, la variación, la repetición, la afonía, el still motion, el loop, la reversibilidad.. en realidad, de cualquier tipo de distorsión que permita el juego entre el acto de grabar y la edición posterior.

El videoarte se puede expresar en un sólo canal, o puede pasar a formar parte de una videoinstalación tan compleja o interactiva como lo desee el artista. Además, como ya mencionamos, el videoarte suele insertarse en performances multidisciplinarios, como la video escultura, el video retrato o la videodanza.

https://www.youtube.com/watch?v=q7Gp5LCYfrE Video retrato a Marta Etura. Colectivo Anguila. 2011

https://www.youtube.com/watch?v=jPKfaLJODdk No es para llenarse. MAC. 2013

El video ¿realmente puede ser un arte?

Pensemos en el video como la herramienta que utiliza el video artista para expresarse, del mismo modo que el pintor utiliza lienzos y pinceles, el bailarín su cuerpo o el poeta los recursos metafóricos del lenguaje.

Lo que define la calidad artística de una obra no es el canal que le da soporte, que en este caso se caracteriza por su ubicuidad y muchas veces por la multidisciplinariedad, sino la forma en la que abarca -mediante un desarrollo conceptual que promueve al mismo tiempo una experiencia estética- problemas que aquejan a la sociedad, promoviendo una reflexión profunda y un diálogo genuino con el espectador.

Si eres un artista consolidado o en ciernes que quiere aprender a utilizar el video como herramienta de expresión profesional, En Luz Viajera Educación Artística Online, tenemos un curso especial para ti. De la mano de expertos con trayectoria reconocida podrás ir consolidando los muchos conocimientos teóricos y prácticos que se necesitan para incursionar en el videoarte, así como darle forma a tu proyecto personal.

Fuentes

https://es.wikipedia.org/wiki/Videoarte

https://masdearte.com/especiales/videoarte-quien-desde-cuando-y-para-que/

https://definicion.de/videoarte/

http://difusionfractal.upnvirtual.edu.mx/index.php/blog/278-que-es-el-videoarte

https://www.youtube.com/watch?v=xrrogOtQU70

https://proyectoidis.org/video-arte/

http://www.arteytendencias.com/videoarte.html

http://www.cinefagos.net/index.php/artes-electronicas/952-el-video-arte-y-el-video-experimental.html

http://elrecyelarttodoesempezar.blogspot.com/2015/12/videoarte-video-experimental.html

http://latidocreativo.es/blog/6-increibles-videos-experimentales-para-inspirarse/

http://www.ismjh.com/TrabajosAcademicos/El_Video_Arte_Experimental.pdf

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El videoarte es una de las ramificaciones más interesantes y controvertidas de las artes visuales contemporáneas. El formato en video ha sido adoptado por los performancers más audaces, con resultados que frecuentemente son espectaculares.

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Práctica que utiliza la captura o creación artificial y la manipulación de imágenes y sonidos generados por medios electrónicos y digitales.

El video arte nace a mediados de los años 1960 con las obras que Nam June Paik realiza con el primer equipo portátil de video lanzado por la empresa Sony en 1965.

Desde su origen, y por utilizar un soporte técnico compartido con la TV, el video arte se ha planteado como alternativa comunicacional y como crítica activa frente a los medios masivos de comunicación audiovisual.

Desde lo expresivo el video arte propone, explorando los recursos y medios propios de la imagen y el sonido electrónico, nuevas formas de representación audiovisual que, a la vez, pueden ser consideradas como continuidad de las experiencias cinematográficas de las vanguardias de principios del Siglo XX.

Su práctica se caracteriza por la exploración narrativa y visual desligada de toda herencia discursiva formal o institucionalizada, por la utilización como medio de expresión individual y colectivo, como registro de acciones y performances y como recurso para la confección de instalaciones.

El video arte, por su naturaleza electrónica, generalmente construye su estructura discursiva no lineal, formulada en capas, desde el interior de la imagen y en proyección continua (loop), desactivando la estrategias de continuidad, linealidad y fuera de campo cinematográficas.

Las obras generalmente se exhiben en espacios dedicados al arte y a la comunicación comunitaria, como museos, centros culturales, sindicatos, clubes, bibliotecas, galerías, bienales y espacios abiertos y públicos, y no en salas de teatro o cine. El video arte es, desde hace mas de 50 años la forma en la cual la imagen en movimiento y el sonido se han integrado al universo artístico y social contemporáneo.

Ente sus prácticas mas usuales se pueden describir las siguientes:

Video monocanal: son obras creadas para la proyección en sala y para su exhibición en un solo monitor.

Video registros: es la utilización de este dispositivo para documentar acciones, performances y experiencias de laboratorio y de campo de bio art. Estos registros pasan a ser parte de la obra.

Video comunitario: son acciones tendientes a generar espacios de auto expresión en comunidades sociales y culturales marginales o sin acceso a la producción audiovisual. Un ejemplo es el trabajo que realiza desde 1987 con comunidades de pueblos originarios el grupo Video nas aldeias en Brasil.

Video objetos: son obras donde el dispositivo video está integrado en una misma obra con otra materialidad de cualquier naturaleza.

Video instalación: son obras donde el video funciona como sistema integrado con otros elementos, objetos o circuitos y con el entorno donde se exhibe. Puede utilizar uno o mas monitores o proyectores de video y usualmente genera una relación de proximidad o envolvente con los espectadores.

Las variantes de las video instalaciones son:

monocanal o de varios canales de video en proyección continua (loop) en un espacio especialmente diseñado para este fin.

interactivas, en las cuales el espectador activa mediante acciones, movimientos o sonidos, o a través de una conjunción de todos esas actividades, una serie de eventos visuales y sonoros que se ven ejecutados en la o las pantallas modificando la obra.

en el espacio público, son intervenciones que pueden incluir las dos variantes anteriores y dan cuenta del entorno, el contexto y el lugar de emplazamiento de la obra.

circuitos cerrados, se utiliza una a varias cámaras de video y uno o varios sistemas de monitoreo donde el espectador puede verse reflejado en tiempo real o en tiempo diferido y de manera naturalista o manipulada.

Ninguna de estas clasificaciones son excluyentes y en la práctica se pueden dar combinaciones y entrecruzamientos entre ellas.

TV Rodin, video objeto, Nam June Paik, 1982

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Práctica que utiliza la captura o creación artificial y la manipulación de imágenes y sonidos generados por medios electrónicos y digitales. El video arte nace a mediados de los años 1960 con las obras que Nam June Paik realiza con el primer equipo portátil de video lanzado por la empresa Sony en 1965.

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Para cada muestra o proyecto, IN-SONORA selecciona nuevos artistas nacionales o internacionales con obra reciente. Para navegar y conocerles puedes utilizar el siguiente archivo, buscando por orden alfabético, por tipo (artistas, colectivos u obras), por disciplina y por país de origen.

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Para cada muestra o proyecto, IN-SONORA selecciona nuevos artistas nacionales o internacionales con obra reciente. Para navegar y conocerles puedes utilizar el siguiente archivo, buscando por orden alfabético, por tipo (artistas, colectivos u obras), por disciplina y por país de origen.

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Cronología

2005

Desde 2005 IN-SONORA pone en marcha un encuentro anual en diferentes espacios de Madrid, que aúna instalaciones y objetos sonoros/interactivos, eventos experimentales, piezas de escucha, net.art, vídeo, talleres, debates y presentaciones. Todo ello mediante una convocatoria pública internacional que apuesta principalmente por artistas emergentes.

2008

En 2008 IN-SONORA comienza a colaborar con otros agentes y proyectos nacionales e internacionales abandonando el formato único de muestra anual y buscando uno más cercano al de plataforma de apoyo y difusión, generando proyectos específicos y coordinando encuentros, residencias artísticas y talleres dentro y fuera de España.

2009

En 2009 destacan la colaboración con IDFX (Breda, Holanda) y su Festival de luz y sonido Interference, para el cual varios artistas españoles desarrollaron y mostraron su obra junto a las de otros artistas internacionales, Nits d´Aielo, «New sounds, new territories» (Salento, Italia), residencia de artistas en colaboración con SoundRes y la coordinación de Anna Raimondo, en la que 3 artistas nacionales trabajaron sobre el paisaje sonoro. «Saout Meeting» (Tetuán, Marruecos) residencia de artistas en colaboración con el INBA y el Instituto Francés y la coordinación de Younes Baba-Alí, en la que 5 artistas nacionales presentaron su trabajo, produjeron obra dentro de un contexto diferente, impartieron talleres abiertos a los estudiantes de la ciudad y se presentaron ciclos de piezas sonoras y de vídeo.

2010

En 2010 diseña y coordina una programación de instalaciones e intervenciones en el espacio público para la exposición ARTe SONoro comisariada por José Manuel Costa y dirigida por La Casa Encendida. En México, junto a Lucía Cavalchini y Ana Montiel del equipo de Transonica, IN-SONORA desarrolla un importante trabajo de gestión entre las ciudades de Guanajuato y México DF, realizando talleres, exposiciones, conferencias y encuentros con artistas locales, además de ayudar en la producción de obra nueva. Continua la colaboración con el Festival Interference en su segunda edición, proponiendo a dos artistas para una breve residencia en Breda.

2011

En 2011 colabora con proyectos como SON en el Auditorio Nacional de Música y el Día Internacional de la Música coordinado por el Ayuntamiento de Madrid, entre otros, trabajando paralelamente en la organización de la séptima muestra y otros proyectos como programas educativos o propuestas de comisariado. Mientras abre una nueva convocatoria para la siguiente edición de la muestra.

2012

En 2012 se lleva a cabo la VII edición de la muestra contando con la colaboración y apoyo de importantes nuevas sedes como el Museo Nacional de Arte Reina Sofía y Casa Árabe. Mientras se sigue colaborando con otros proyectos como el programa formativo de la Extensión Universitaria de la Facultad de Bellas Artes de Madrid para el que se proponen dos talleres Puré Analógico con Alfredo Morte y Máquinas de Ruido Táctil de André Castro.

2013

Durante la preparación de una nueva convocatoria pública de proyectos para la VIII edición de la Muestra de Arte Sonoro e Interactivo, IN-SONORA inaugura nuevo espacio de trabajo compartido con otros proyectos afines y artistas de disciplinas diversas.

Taller Omnívoros es un espacio de trabajo colectivo dedicado a la producción artísticas de alto rendimiento situado en el barrio madrileño de Vallecas.
(c/Sierra de Segura, 22)

2014

Del 13 de Marzo al 11 de Abril se celebra la VIII edición de la Muestra de Arte Sonoro e Interactivo en Madrid. Contando con 36 artistas de 16 países. Destaca el apoyo dado por el MNCARS cubriendo con sus auditorios el programa de performances y audiovisuales, además de talleres. Agradecemos la continuidad de Medialab-prado, Off Limits, Cruce, IED Madrid y los nuevos apoyos de CentroCentro, Twin gallery y Omnívoros.

Además durante el 2014, IN-SONORA colabora con Francisco López en la coordinación del proyecto AUDIO-MAD. 100 audio-artistas de Madrid dentro del ciclo Audiópolis #11 que se presenta el 31 de Octubre en CentroCentro.

2015

Celebrando 10 años como plataforma, se abre del 16 de enero al 31 de marzo una nueva convocatoria internacional de proyectos para IN-SONORA 9 con la novedad de la convocatoria específica ‘Twitter Residencias’ coordinada junto a Elena López.
Recibidas en total 193 propuestas se seleccionan 33 entre eventos, instalaciones, audiovisuales y talleres, más cuatro residencias en Twitter.

Participamos del Open Studio entre los días 1 y 4 de Octubre junto a Taller Omnívoros y los artistas SQ (Sound Quartet) de Suecia.

2016

IN-SONORA 9 completa el programa de artistas seleccionados teniendo como invitados a Myriam Bleau, Patrick Saint-Denis, Ícaro Zorbar y la presentación del documental ‘Cada vez más a ninguna parte’ de Pablo Simancas e Irene Gil Ramón.
Para esta edición contamos por primera vez con La Casa Encendida como sede principal para performances, instalaciones atendidas y proyectos audiovisuales, así como con la Sala El Águila de la Comunidad de Madrid para talleres, presentaciones y eventos.

2017

Abrimos convocatoria general de proyectos, además de la específica para una residencia colaborativa en Medialab-prado con ayuda a la producción y la segunda convocatoria de Twitter Residencias. Todo ello para dar forma al programa de la 10ª edición de la Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo en Madrid, un total de 41 artistas seleccionados de entre las 262 propuestas recibidas, procedentes de 42 países.

2018

Del 5 al 25 de Marzo se celebra IN-SONORA 10, con el apoyo del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid. Contando por segundo año con La Casa Encendida, Sala El Águila  y Swinton gallery como sedes, que se unen a las ya sólidas IED Madrid – Palacio de Altamira, Cruce o Medialab-prado. Esta última apostando por primera vez por una residencia de producción y un encuentro AVLAB con grandes nombres del Live Coding internacional como broche del festival. Al programa seleccionado por convocatoria se suman colaboraciones especiales y la presencia de artistas destacados dentro de la escena nacional e internacional.

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IN-SONORA es una plataforma creada para apoyar y dar visibilidad al Arte Sonoro e Interactivo, cuyo proyecto principal es el Festival Internacional IN-SONORA.

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¿De qué hablamos cuando hablamos de arte sonoro?

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¿Es Arte Sonoro?

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¿Qué es?