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Orientações para postagem Cada grupo deve publicar 6 cartões organizados em sua coluna, conforme os seguintes temas 📌 Introdução histórica 📌 Manifesto e proposta estética 📌 Artistas principais -2

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Projeto Educação usa história e literatura para explicar os movimentos de vanguarda

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As duas grandes guerras do século 20 e a quebra dos valores artísticos da época são abordados pelos professores.

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FUTURISMO- INTRODUÇÃO HISTÓRICA - O Futurismo nasceu na Itália, em 1909, num momento de grandes transformações sociais e tecnológicas. A Revolução Industrial mudou a forma de viver e trabalhar, e a Europa vivia um clima de tensão política. O movimento quis romper com o passado, exaltando a velocidade, a máquina, a juventude e até a guerra como símbolos de progresso e renovação. Era uma resposta à tradição clássica, buscando uma arte moderna que representasse a energia da vida contemporânea.

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FUTURISMO- INTRODUÇÃO HISTÓRICA - O Futurismo nasceu na Itália, em 1909, num momento de grandes transformações sociais e tecnológicas. A Revolução Industrial mudou a forma de viver e trabalhar, e a Europa vivia um clima de tensão política. O movimento quis romper com o passado, exaltando a velocidade, a máquina, a juventude e até a guerra como símbolos de progresso e renovação. Era uma resposta à tradição clássica, buscando uma arte moderna que representasse a energia da vida contemporânea.

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 Capa da Revista Klaxon (1922), que divulgou ideias modernas no Brasil. Obras influenciadas pelo futurismo: Pauliceia Desvairada (Mário) — poesia urbana, caótica, moderna. Pau-Brasil (Oswald) — linguagem direta e nacional. Ode ao Burguês (Mário) e Pronominais (Oswald) — crítica e humor com ritmo acelerado. Abaporu (Tarsila) — formas modernas e ousadas ligadas ao espírito de vanguarda.

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INFUÊNCIA NO BRASIL- O Futurismo chegou ao Brasil principalmente pela Semana de Arte Moderna de 1922, que buscava renovar a cultura nacional e romper com o academicismo. Artistas como Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Tarsila do Amaral foram influenciados pelas ideias futuristas de ruptura, movimento e modernidade. Tarsila, por exemplo, trouxe a energia das formas modernas para suas obras, enquanto Oswald e Mário experimentaram novas formas literárias inspiradas no dinamismo europeu.

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INFUÊNCIA NO BRASIL- O Futurismo chegou ao Brasil principalmente pela Semana de Arte Moderna de 1922, que buscava renovar a cultura nacional e romper com o academicismo. Artistas como Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Tarsila do Amaral foram influenciados pelas ideias futuristas de ruptura, movimento e modernidade. Tarsila, por exemplo, trouxe a energia das formas modernas para suas obras, enquanto Oswald e Mário experimentaram novas formas literárias inspiradas no dinamismo europeu.

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A cidade se levanta', também conhecido como 'La città che sale', é uma pintura a óleo cativante criado por Umberto Boccioni em 1910.     https://www.todamateria.com.br/futurismo/

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Artistas Principais- Filippo Tommaso Marinetti (1876–1944) — fundador do movimento, poeta e escritor. Umberto Boccioni (1882–1916) — pintor e escultor, buscava representar o movimento e a força das máquinas. Giacomo Balla (1871–1958) — suas obras capturam a velocidade e a luz com cores vibrantes e formas dinâmicas. Carlo Carrà (1881–1966) — explorou o dinamismo das formas e a ruptura com o clássico.

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Artistas Principais- Filippo Tommaso Marinetti (1876–1944) — fundador do movimento, poeta e escritor. Umberto Boccioni (1882–1916) — pintor e escultor, buscava representar o movimento e a força das máquinas. Giacomo Balla (1871–1958) — suas obras capturam a velocidade e a luz com cores vibrantes e formas dinâmicas. Carlo Carrà (1881–1966) — explorou o dinamismo das formas e a ruptura com o clássico.

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Filippo Tommaso Marinetti (1876–1944) — fundador do movimento, poeta e escritor.

Umberto Boccioni (1882–1916) — pintor e escultor, buscava representar o movimento e a força das máquinas.

Giacomo Balla (1871–1958) — suas obras capturam a velocidade e a luz com cores vibrantes e formas dinâmicas.

Carlo Carrà (1881–1966) — explorou o dinamismo das formas e a ruptura com o clássico.

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Manifesto e Proposta Estética- O Futurismo começou com o manifesto de Marinetti, em 1909, propondo romper com o passado e exaltar a velocidade, a máquina, o movimento e até a violência como forças criativas. A ideia era renovar a arte e a literatura, celebrando a tecnologia e o futuro. A estética do movimento é marcada por cores vibrantes, linhas que sugerem movimento e formas fragmentadas. Citação: “Queremos exaltar o amor ao perigo, o hábito da energia e da temeridade.” — Marinetti

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Manifesto e Proposta Estética- O Futurismo começou com o manifesto de Marinetti, em 1909, propondo romper com o passado e exaltar a velocidade, a máquina, o movimento e até a violência como forças criativas. A ideia era renovar a arte e a literatura, celebrando a tecnologia e o futuro. A estética do movimento é marcada por cores vibrantes, linhas que sugerem movimento e formas fragmentadas. Citação: “Queremos exaltar o amor ao perigo, o hábito da energia e da temeridade.” — Marinetti

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ANÁLISE DAS OBRAS- A Cidade que Sobe — Umberto Boccioni (1910)Retrata o crescimento das cidades e o ritmo acelerado da industrialização com linhas inclinadas e formas fragmentadas. Ritmo de um Automóvel — Giacomo Balla (1913)Captura a vibração e velocidade de um carro em movimento usando cores intensas e linhas dinâmicas. O Velocista — Umberto Boccioni (1913)Representa a velocidade do corpo humano com formas distorcidas, dando sensação de força e movimento contínuo.

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ANÁLISE DAS OBRAS- A Cidade que Sobe — Umberto Boccioni (1910)Retrata o crescimento das cidades e o ritmo acelerado da industrialização com linhas inclinadas e formas fragmentadas. Ritmo de um Automóvel — Giacomo Balla (1913)Captura a vibração e velocidade de um carro em movimento usando cores intensas e linhas dinâmicas. O Velocista — Umberto Boccioni (1913)Representa a velocidade do corpo humano com formas distorcidas, dando sensação de força e movimento contínuo.

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O Cubismo surgiu na França, especialmente Paris, até então centro artístico mundial.

Data aproximada: O Cubismo começou a se formar por volta de 1907, com destaque para a obra "Les Demoiselles d’Avignon" (1907) de Pablo Picasso.

O Cubismo surgiu no início do século XX, em um momento de intensas transformações sociais, políticas, científicas e culturais. A Europa passava por um período de efervescência antes da Primeira Guerra Mundial (1914-1918), com avanços tecnológicos, industriais e urbanos que influenciaram profundamente a forma como o ser humano percebia o mundo. A ciência e a tecnologia estavam revolucionando a visão de mundo. A fotografia e o cinema já existiam, questionando o papel da pintura tradicional como forma de representação da realidade. Movimentos anarquistas, socialistas e nacionalistas cresciam, marcando um clima político de instabilidade.

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O cubismo surgiu num contexto de profundas mudanças no início do século XX, marcado pela Revolução Industrial, disputas imperialistas e inovações tecnológicas como o telégrafo sem fio e o avião. Essa época também foi influenciada por descobertas científicas de Einstein e Freud, que questionaram a noção de certezas e a forma como o tempo, o espaço e a mente humana eram entendidos.  O cubismo, como primeiro movimento de vanguarda, surgiu como uma reação ao conservadorismo artístico e à tradição de imitação da natureza. Artistas como Picasso e Braque, com obras como "Les Demoiselles d'Avignon" e "Nude", respectivamente, romperam com a representação tradicional, adotando uma abordagem mais abstrata e geométrica, fragmentando objetos e apresentando-os sob múltiplos pontos de vista simultaneamente. educamaisbrasil e conhecimentocientifico.r7

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Manifesto e proposta estética do cubismo:

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Manifesto e proposta estética do cubismo:

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A proposta estética do movimento caracteriza-se pelo rompimento com a tradicional perspectiva linear renascentista, que buscava representar a realidade a partir de um único ponto de vista. Passa-se a representar objetos e figuras sob múltiplos ângulos simultaneamente, criando uma visão mais complexa e fragmentada da realidade. As formas são desconstruídas e reorganizadas geometricamente, promovendo uma reestruturação do mundo visível em planos sobrepostos. Essa abordagem substitui a ilusão de profundidade por uma construção plana e analítica, destacando a racionalidade e o estudo da estrutura formal das imagens. Além disso, há o uso predominante de cores mais sóbrias e contidas, especialmente durante a fase analítica do movimento.

O Cubismo não teve um manifesto oficial, diferentemente de outras vanguardas como o Futurismo. No entanto, suas ideias foram sistematizadas e defendidas por críticos e artistas, especialmente pelo pintor e teórico Jean Metzinger e o artista Albert Gleizes, no livro "Du Cubisme" (1912).

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embora inspirado no cubismo europeu, não foi um movimento equivalente ao mesmo, desenvolveu características próprias, especialmente após a Semana de Arte Moderna de 1922. Artistas brasileiros como Tarsila do Amaral, Anita Malfatti e Di Cavalcanti adotaram elementos cubistas em suas obras, mas também incorporaram referências nacionais e buscaram uma estética mais autoral, influenciados pelo movimento antropofágico

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Pablo Picasso (1881–1973) — Pintor e escultor espanhol                                Um dos criadores do Cubismo, junto com Georges Braque, foi decisivo na ruptura com a arte tradicional. Desenvolveu a ideia de representar objetos e figuras de forma fragmentada, mostrando diferentes ângulos ao mesmo tempo. Passou por várias fases:Azul: tons frios e temas sombrios como solidão e miséria. Rosa: mais leve, com cores quentes e temas circenses.Cubismo Analítico: formas quebradas, geometria complexa, paleta neutra.Cubismo Sintético: colagens, retomada da figura humana, cores vivas. Pintou obras marcantes como Les Demoiselles d’Avignon e Guernica, cada uma representando uma virada na arte moderna. Sua arte foi influenciada por estilos africanos, clássicos gregos e ibéricos, com uma constante busca por inovação.                                                                                                 Guillaume Apollinaire (1880–1918) — Poeta francês                                       Foi uma figura central das vanguardas europeias e um dos primeiros a levar os princípios do Cubismo para a literatura. Além disso, criou o termo Surrealismo, que viria a nomear outro movimento revolucionário. Inovou com os caligramas, poemas em que a disposição gráfica das palavras contribui para o sentido — uma fusão de imagem e texto. Sua escrita rompe com as convenções tradicionais: Versos sem pontuação ou métrica regular Uso livre da tipografia Linguagem fragmentada, com múltiplas vozes e perspectivas Abordou temas do mundo moderno, como avanços tecnológicos, a vida urbana, o amor e os impactos da guerra.Entre suas obras mais conhecidas estão Alcools, Calligrammes e Le Poète Assassiné. Embora tenha sido influenciado pelo Simbolismo, seguiu por um caminho próprio, rompendo com estruturas e estilos anteriores.                                                                                                                                                          Oswald de Andrade (1890–1954) — Literatura Brasileira                        Figura central do Modernismo, foi um dos principais responsáveis por renovar a arte e a literatura no Brasil. Criou o Manifesto Antropofágico, propondo que a cultura brasileira deveria “devorar” influências estrangeiras e transformá-las em algo original. Seu estilo se destaca por: Ironia e crítica social, com humor afiado Uso de linguagem popular, aproximando a literatura do cotidiano Ruptura com regras tradicionais de métrica e gramática Textos fragmentados, com colagens verbais e múltiplas vozes — influência direta do Cubismo Nacionalismo crítico, valorizando a cultura brasileira sem idealizações Entre suas obras mais importantes estão: Pau-Brasil (poesia)Memórias Sentimentais de João Miramar (romance)O Rei da Vela (teatro)Também teve forte atuação política: foi filiado ao Partido Comunista e acreditava na arte como ferramenta de transformação social

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Les Demoiselles d’Avignon – Pablo Picasso   (1907)                                                                                                                                   Considerada o marco inicial do cubismo, Les Demoiselles d’Avignon foi criada em um período de intensas transformações culturais no início do século XX. Em vez de seguir a tradição acadêmica ou renascentista, Picasso apresenta cinco mulheres nuas em um bordel de forma totalmente inovadora: as figuras são achatadas, angulosas e retratadas de múltiplos pontos de vista ao mesmo tempo.A obra faz referência ao Barroco ao retratar uma cena cotidiana, rompendo com temas nobres ou religiosos. Já os rostos das mulheres são fortemente estilizados: os dois à direita têm traços inspirados na arte africana, enquanto os demais remetem ao estilo ibérico  e, segundo alguns, até à arte egípcia antiga.Outro ponto inovador é a ruptura da perspectiva tradicional: a cena é frontal, sem profundidade real, e o espaço é fragmentado. Ainda assim, elementos como a natureza morta em primeiro plano parecem se projetar, criando tensão visual. A obra também elimina o claro-escuro, usando cores fortes e chapadas, como o rosa da pele em contraste com o fundo azul, marrom e branco.Por fim, o olhar direto das figuras confronta o observador, como se quebrassem a barreira entre a arte e o público. A recepção inicial foi de choque, e Picasso só mostrou a pintura anos depois. Hoje, ela é reconhecida como uma das obras mais influentes da arte moderna.                                                                                         Guernica – Pablo Picasso (1937)                                                                                 Mais do que uma obra de arte, Guernica é um grito visual contra a violência e o absurdo da guerra. Criada em resposta ao bombardeio da cidade basca de Guernica durante a Guerra Civil Espanhola, a pintura cumpre uma função social e política, expressando a indignação de Picasso diante da tragédia que assolava a Europa.A obra é toda em tons neutros (preto, branco e cinza), pois, segundo o artista, seria impensável usar cores vivas para retratar tanto horror. O clima é de desespero: os rostos humanos e animais expressam dor, agonia e sofrimento.Entre os elementos centrais estão o touro e o cavalo, símbolos da cultura espanhola. O cavalo, em pânico, representa o povo massacrado; o touro pode ser visto como uma representação da Espanha, perplexa diante da destruição, ou como força bruta e irracional.As figuras humanas intensificam a tragédia: à direita, uma pessoa é consumida pelas chamas, referência direta aos bombardeios. À esquerda, uma mãe chora a perda do filho em seus braços. Ao centro, um corpo caído segura uma espada quebrada, símbolo da derrota e fragilidade do povo diante da guerra.Dois elementos luminosos contrastam com o caos: uma luz em forma de olho, que pode representar uma observação divina ou o olhar do mundo sobre a tragédia; e uma lamparina, que simboliza esperança em meio ao sofrimento.                                                                                               Violino e castiçal – Georges Braque (1910)                                                                                                                                                                      Produzida durante o auge do cubismo analítico, Violin and Candlestick reflete a busca de Braque por representar não a aparência dos objetos, mas sua estrutura interna e a maneira como os percebemos. Em vez de retratar um violino e um castiçal de forma realista, ele os fragmenta em formas geométricas, sobrepondo planos que desafiam a noção tradicional de perspectiva.A obra tem uma paleta sóbria, com tons de marrom, cinza e ocre, pontuados por leves manchas de luz que sugerem uma iluminação contida. Não há fundo definido: os limites entre objeto e espaço se confundem, exigindo um olhar atento do espectador para reconstruir a cena.Mesmo com tanta abstração, é possível identificar elementos reconhecíveis, como as curvas do violino e a vertical do castiçal. Essa ambiguidade proposital faz parte da proposta do cubismo analítico: não emocionar, mas levar à reflexão. Braque, junto a Picasso, rompe com a tradição da arte ocidental, propondo uma nova forma de ver e pensar o mundo.Violin and Candlestick é, assim, um marco da arte moderna e uma peça essencial para compreender a revolução visual iniciada pelo cubismo.                                                                                                 Mulher com bandolim – Georges Braque (1910)                                                                                                         Woman with a Mandolin é uma das obras mais importantes do cubismo analítico, período em que Braque e Picasso buscavam desconstruir objetos e figuras humanas para representá-los de forma fragmentada e múltipla. Criada em 1910, essa pintura marca um momento em que o artista passa a integrar a figura humana em suas composições, algo mais raro na fase inicial do cubismo.Na obra, a mulher tocando mandolim é apresentada por meio de formas geométricas sobrepostas, que desmontam a imagem em planos interligados. A figura quase se dissolve no fundo, desafiando a separação entre o corpo, o instrumento e o espaço ao redor. A paleta é contida, com tons de marrom, cinza e bege, reforçando a neutralidade emocional característica do cubismo analítico.Apesar da abstração, ainda é possível reconhecer a postura da mulher e o formato do instrumento. A obra exige que o espectador reconstrua mentalmente a cena, interpretando os fragmentos visuais que Braque oferece.Produzida em uma época de intensa experimentação artística, Woman with a Mandolin reflete a tentativa de analisar a realidade por dentro, mais do que representá-la fielmente. É uma obra que equilibra forma, estrutura e reflexão, e marca o aprofundamento de Braque na linguagem cubista.                                                                                                                                             Natureza-morta com cadeira de palha – Pablo Picasso (1912)                                                                                                                               Criada em 1912, Natureza-morta com cadeira de palha marca um momento crucial na história da arte: o nascimento do cubismo sintético. Nessa obra, Picasso abandona a análise detalhada dos objetos típica do cubismo analítico e passa a incorporar elementos do mundo real, como o uso de colagem, algo inédito até então.A pintura retrata uma típica cena de café – com uma fatia de limão, um copo e utensílios sobre uma mesa – mas tudo é representado de forma fragmentada, com diferentes ângulos coexistindo. O grande diferencial está no material: Picasso colou um tecido com estampa de palha de cadeira na tela, rompendo com a separação entre arte e objeto cotidiano. Isso desafia a ideia tradicional de pintura e expande os limites do que pode ser considerado arte.A obra combina tinta, papel e tecido, criando uma composição visual e tátil ao mesmo tempo. A ovalização da tela e a presença da palavra “JOU” (parte da palavra “journal”, jornal em francês) também reforçam o clima urbano, moderno e popular da cena.Em um momento em que a arte buscava novos caminhos frente à modernidade, Natureza-morta com cadeira de palha representa uma ruptura radical com o passado. Com ela, Picasso não apenas reinventou a pintura, mas ajudou a lançar as bases da arte contemporânea.

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Trabalho da Vanguarda: Cubismo (Língua Portuguesa)

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Introdução Histórica - O Surrealismo surgiu em Paris na década de 1920, liderado por André Breton. Influenciado pela psicanálise de Freud, buscava explorar o inconsciente, os sonhos e romper com a lógica. Nasceu no contexto de crise e reconstrução após a Primeira Guerra Mundial, em uma Europa marcada por instabilidade política, social e econômica. Foi uma resposta artística à realidade caótica, propondo liberdade criativa e novas formas de expressão.

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Introdução Histórica - O Surrealismo surgiu em Paris na década de 1920, liderado por André Breton. Influenciado pela psicanálise de Freud, buscava explorar o inconsciente, os sonhos e romper com a lógica. Nasceu no contexto de crise e reconstrução após a Primeira Guerra Mundial, em uma Europa marcada por instabilidade política, social e econômica. Foi uma resposta artística à realidade caótica, propondo liberdade criativa e novas formas de expressão.

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No caso do Surrealismo, sua chegada ao Brasil não representou apenas uma influência estética ou literária, ela mexeu com estruturas mais profundas da criação artística e da forma como o brasileiro passou a se enxergar na arte. Diferente de outros movimentos, o Surrealismo tocava diretamente no inconsciente, nos símbolos escondidos, nos desejos reprimidos, e isso teve um peso muito particular num país como o Brasil, marcado por uma história de colonização, desigualdade social e heranças culturais misturadas. O Surrealismo serviu como uma espécie de licença poética para quebrar padrões coloniais de pensamento e linguagem. Autores como Murilo Mendes e Jorge de Lima, por exemplo, absorveram a proposta surrealista não como imitação, mas como ferramenta para lidar com temas intensos da realidade brasileira: a religiosidade popular, o sincretismo, a violência, o misticismo e o cotidiano atravessado por contradições. Eles transformaram os sonhos e delírios em formas de denúncia ou reflexão sobre um Brasil que não cabia nos moldes clássicos da literatura europeia. Não se tratava de fugir da realidade, mas de encará-la por outros ângulos mais simbólicos, mais profundos, mais livres. Historicamente, isso teve um impacto importante na construção de uma identidade literária brasileira mais autônoma. Ao se apropriar do surrealismo, o Brasil mostrou que podia dialogar com o mundo sem se submeter a ele, criando uma arte híbrida, viva, instável, exatamente como o próprio país. O uso do delírio, do improvável, da mistura entre sagrado e profano, entre sonho e pobreza, ajudou a abrir caminhos para uma literatura que não queria mais só descrever o Brasil, mas sim interpretá-lo de dentro, com suas próprias dores, fantasias e verdades.

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O Surrealismo ganhou força com artistas que romperam com a lógica tradicional da arte e mergulharam nas profundezas do inconsciente, e entre os nomes mais marcantes estão Max Ernst, Joan Miró, René Magritte e Salvador Dalí. Cada um, à sua maneira, desenvolveu uma linguagem própria dentro do movimento, mas todos compartilhavam o desejo de provocar, desconcertar e abrir caminho para novas formas de ver o mundo. Max Ernst, nascido na Alemanha, teve uma trajetória marcada por guerras e rupturas, o que se refletia em sua arte inquieta e experimental. Utilizando técnicas como o frottage e a colagem, ele criava cenas híbridas e perturbadoras, onde o real e o imaginário se fundiam de maneira quase alucinante. Suas obras causavam desconforto e estranheza, parecendo vindas de sonhos fragmentados ou visões interiores que escapavam ao controle racional. Joan Miró, catalão, trouxe para o Surrealismo uma leveza que contrastava com o peso simbólico de muitos de seus contemporâneos. Sua pintura se afastava da figuração direta e se aproximava de formas espontâneas, quase infantis, com cores vibrantes e traços que pareciam flutuar na tela. Mas sob essa aparente simplicidade, havia uma linguagem rica em símbolos e sensações. Miró despertava no observador uma resposta mais sensorial que intelectual, como se sua arte falasse diretamente a uma parte esquecida do ser. René Magritte, belga, foi mestre em criar paradoxos visuais. Sua arte brincava com a lógica e a percepção, desafiando o espectador a questionar a realidade. Uma maçã flutuando no rosto de um homem, um cachimbo que “não é um cachimbo”, janelas que revelam o mesmo que escondem, tudo em Magritte era construído para desmontar certezas. Suas pinturas eram limpas, quase realistas, mas carregadas de estranheza, como se a realidade estivesse sendo lentamente descolada de si mesma. Era como se dissesse: o mundo é mais estranho do que parece, e você não deveria confiar totalmente naquilo que vê. Salvador Dalí, o mais conhecido entre eles, espanhol de personalidade excêntrica, transformou sua própria figura em extensão de sua arte. Seu estilo técnico, preciso e quase fotográfico, contrastava com o conteúdo de suas obras: relógios derretendo, elefantes com pernas finas como agulhas, paisagens oníricas cheias de símbolos pessoais. Dalí não queria apenas pintar sonhos, mas provocar sensações intensas, desafiar o olhar com imagens que permaneciam na memória, perturbando e encantando ao mesmo tempo. Sua arte era teatral, exagerada, mas profundamente envolvente.

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O Surrealismo nasce como um grito de liberdade: liberdade pra pensar, sonhar e criar sem amarras. André Breton acreditava que dentro da gente existe um universo cheio de ideias escondidas, que aparecem nos sonhos, nos impulsos, nas coisas que não conseguimos explicar. O manifesto convida a soltar esse lado oculto a criar sem medo do estranho, do confuso, do “fora do normal”. Porque às vezes, é justamente no absurdo que mora a verdade mais profunda.

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Jorge de Lima, Roberto Piva, Murilo Mendes. Murilo Mendes foi um dos grandes poetas da segunda fase do modernismo brasileiro. Nasceu em Juiz de Fora (MG), em 13 de maio de 1901. Passou a infância em Minas Gerais, estudou em Niterói e, em 1920, mudou-se para o Rio de Janeiro, onde trabalhou como arquivista e bancário. Iniciou sua carreira literária publicando poemas em revistas modernistas, como Verde e Revista de Antropofagia. Em 1930, lançou seu primeiro livro e ganhou reconhecimento no meio literário. No início da década, converteu-se ao catolicismo, tema presente em parte de sua obra. Casou-se com Maria da Saudade Cortesão e viajou por diversos países europeus, absorvendo influências do cubismo e do surrealismo. Morreu em Lisboa, em 13 de agosto de 1975. Exemplos de obras: Poemas (1930) História do Brasil (1933) Tempo e Eternidade (1935) — com Jorge de Lima . Roberto Piva nasceu em São Paulo, em 25 de setembro de 1937, e faleceu na mesma cidade em 3 de julho de 2010. É conhecido por sua poesia intensa, transgressora e marcada por influências da geração beat, do surrealismo e do homoerotismo. Sua obra percorre diferentes fases — da influência de Whitman e Pessoa a experiências psicodélicas e místicas. Apesar dessas mudanças, mantém uma coerência marcada por imagens alucinatórias e linguagem ousada. Teve sua obra organizada em três volumes pelo crítico Alcir Pécora, o que ajudou a consolidar seu lugar na literatura contemporânea. Exemplos de obras: Paranoia (1963)Coxas (1979)Estranhos sinais de Saturno (2008). Jorge de Lima foi poeta, médico, professor, artista plástico e político. Nasceu em União dos Palmares (AL), em 23 de abril de 1893. Estudou Medicina e atuou na área, mas a literatura sempre esteve presente em sua vida desde jovem.Mudou-se para o Rio de Janeiro em 1930, onde também foi professor de Literatura. Sua produção literária mistura religiosidade, questões sociais e elementos regionais. Além da poesia, escreveu romances, ensaios e peças de teatro. Tentou por várias vezes ingressar na Academia Brasileira de Letras, mas nunca foi eleito.Faleceu no Rio de Janeiro, em 15 de novembro de 1953. Exemplos de obras:Poemas (1927)O acendedor de lampiões (1932)O anjo (1934)

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Principais Autores do Surrealismo Brasileiro

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Principais Autores do Surrealismo Brasileiro

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"O duplo segredo'' de René Magritte.                                                                        A obra mostra dois rostos: um parece uma máscara quebrada, o outro revela um interior escuro cheio de esferas. Magritte brinca com a ideia de que nem tudo é o que parece. Por fora, somos uma coisa; por dentro, carregamos mistérios, sonhos e sentimentos escondidos. Essa imagem representa bem o Surrealismo: mistura realidade e imaginação, e nos faz refletir sobre quem realmente somos.                                                       Como em toda obra do Surrealismo podemos  notar que parecem sonhos pintados. Nada nelas é óbvio, sendo isso que as torna tão poderosas. Elas mostram o que a gente sente, mas muitas vezes não sabe explicar: medos, desejos, lembranças estranhas, pensamentos que surgem do nada. É como se os artistas tivessem aberto a cabeça e o coração, e colocado tudo na tela, sem se preocupar se fazia sentido ou não. E é exatamente isso que encanta: a liberdade de imaginar sem regras. O Surrealismo não é feito pra ser entendido com a razão, mas sim sentido  no incômodo, na beleza, na dúvida. Ele convida a gente a olhar pra dentro, pra parte de nós que ninguém vê, mas que existe e grita por expressão. Podemos ver esse sentimento muitas vezes caótico em outras obras como a obra "o caçador" de Joan Miró  misturando formas abstratas, símbolos e cores vivas para representar a natureza e o inconsciente de forma lúdica e livre. Vendo também uma diversidade enorme de representações, tendo Dalí com obras como a sua do enigma, Marcel Mariën com Le Tao, e muitas outras.     

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Na literatura o movimento se destacou por tratar a objetividade a crítica social e o sofrimento humano, isso é mostrado em obras como "Eu e outras poesias" de  Augusto dos Anjos, é muito marcado pelo pessimismo e imagens mórbidas; a obra "Angústia" de Graciliano Ramos que é focada nas tensões da sociedade na década de 1930 e no sofrimento psicológico.

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Expressionismo no Brasil 🇧🇷              O expressionismo influenciou especialmente as artes visuais durante o modernismo no Brasil, o modernismo inspirou diversos artistas como Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti, Lasar Segall, Ernesto de Fiori, Candido Portinari, Flávio de Carvalho e Ismael Nery, que exploraram distorções da realidades e emoções intensas.

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Expressionismo no Brasil 🇧🇷              O expressionismo influenciou especialmente as artes visuais durante o modernismo no Brasil, o modernismo inspirou diversos artistas como Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti, Lasar Segall, Ernesto de Fiori, Candido Portinari, Flávio de Carvalho e Ismael Nery, que exploraram distorções da realidades e emoções intensas.

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1. O Grito – Edvard Munch, 1893. Essa obra retrata uma figura em desespero diante de um cenário distorcido, com céu em tons quentes e ondulados, evidenciando o caos emocional. As formas curvas e cores vibrantes expressam uma angústia interior, símbolo da ansiedade moderna. É uma das imagens mais marcantes do Expressionismo por traduzir sentimentos universais de forma intensa e subjetiva. 2. Os Grandes Cavalos Azuis – Franz Marc, 1911. Três cavalos azuis estão agrupados em harmonia, com contornos arredondados e um fundo colorido e ondulado que sugere uma paisagem viva. Franz Marc utiliza o azul como cor espiritual, associada à serenidade e à pureza, e representa os animais como símbolos de inocência e ligação com a natureza. A obra é um exemplo claro do Expressionismo alemão, com uso simbólico das cores e intenção de transmitir emoções e ideias profundas através da arte.               3. O Cavaleiro Azul – Wassily Kandinsky, 1903. Um cavaleiro azul galopa por uma paisagem ondulada, com pinceladas soltas e cores expressivas. Kandinsky mistura fantasia e simbolismo com um uso emocional da cor, antecipando sua transição para a abstração. A obra deu nome ao grupo expressionista "Der Blaue Reiter", que buscava unir arte e espiritualidade, rompendo com a representação tradicional.                4. Cinco Mulheres na Rua– Ernst Ludwig Kirchner, 1913. Cinco figuras femininas aparecem com rostos duros, corpos alongados e expressões vazias em meio a uma rua urbana inquietante. As cores contrastantes e o uso de linhas diagonais reforçam a sensação de alienação e desconforto diante da modernidade. Isso tudo é feito de propósito para mostrar como a cidade grande é um lugar frio, solitário e sem emoção, onde as pessoas vivem próximas, mas continuam distantes umas das outras. Kirchner queria mostrar como a vida urbana podia ser vazia e causar mal-estar nas pessoas.                          5. Retirantes – Cândido Portinari, 1944. A obra retrata uma família nordestina fugindo da seca, com corpos magros, rostos marcados pelo sofrimento e roupas rasgadas, caminhando sobre um chão seco e sem vida. Portinari utiliza cores apagadas e frias, além de formas humanas exageradas, para intensificar a dor e a fragilidade dos personagens. A intenção é denunciar a miséria e o abandono social, aproximando-se da estética expressionista ao usar a arte como meio de crítica social e expressão emocional profunda.

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Vídeo introdutório sobre o Expressionismo como movimento teatral e literário - https://youtu.be/B99H6Ygnzgw // Vídeo breve (8 min) analisando arte expressionista - https://youtu.be/YnsRLQ4A0hc //Podcasts recomendados: The Lonely Palette – cada episódio aprofunda uma única obra de arte, ideal para sentir a emoção por trás da criação artística. ArtHistory for All – explora o contexto de grandes movimentos (incluindo expressionismo), em linguagem acessível – ambos com foco visual e literário. ~~~~~~~ 1. "O Grito" de Edvard Munch (c.1893) – Uma das imagens mais icônicas do Expressionismo, retrata angústia existencial extrema através de formas distorcidas e cores vibrantes. / 2. Improvisation 30, de Wassily Kandinsky – Abstração emocional e uso intenso de cor para expressar estados interiores, típico da estética expressionista. / 3. Página de poemas da coleção “Morgue and Other Poems” (Gottfried Benn) – Exemplo da expressão literária visualizada como frieza, brutalidade e introspecção em textos que acessam imagens de morte e decadência. / 4. Lustração de cidade distorcida (possivelmente Döblin ou relato urbanístico expressionista) – Evoca o caos urbano moderno, atmosfera de alienação e fragmentação presentes na prosa de Berlin Alexanderplatz. 

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O Expressionismo literário europeu teve autores marcantes como Benn, Trakl, Döblin e Kubin, que exploraram a subjetividade, a angústia e o niilismo em suas obras. Suas produções, muitas vezes sombrias e inovadoras, dialogaram com outras artes e refletiram o desespero existencial da época. O movimento destacou-se pela intensidade emocional e pela ruptura com formas tradicionais de expressão.

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O Expressionismo literário europeu teve autores marcantes como Benn, Trakl, Döblin e Kubin, que exploraram a subjetividade, a angústia e o niilismo em suas obras. Suas produções, muitas vezes sombrias e inovadoras, dialogaram com outras artes e refletiram o desespero existencial da época. O movimento destacou-se pela intensidade emocional e pela ruptura com formas tradicionais de expressão.

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Diante de ser um projeto de crítica social, o Expressionismo buscava expressar emoções internas e angústias frente ao caos da modernidade. Na literatura, destaca-se a subjetividade, com linguagem intensa, frases curtas, repetições e metáforas impactantes. Abordava temas como solidão, opressão urbana, guerra e crise existencial. Criticava a sociedade moderna e influenciou poesia e teatro, com textos dramáticos e fragmentados em sentimentos profundos.

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Diante de ser um projeto de crítica social, o Expressionismo buscava expressar emoções internas e angústias frente ao caos da modernidade. Na literatura, destaca-se a subjetividade, com linguagem intensa, frases curtas, repetições e metáforas impactantes. Abordava temas como solidão, opressão urbana, guerra e crise existencial. Criticava a sociedade moderna e influenciou poesia e teatro, com textos dramáticos e fragmentados em sentimentos profundos.

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Esse movimento foi muito importante porque abriu espaço para novas formas de expressão artística e literária, influenciando outros movimentos de vanguarda e até mesmo a arte contemporânea. Ele mostrou que a arte não precisa apenas retratar a realidade de forma bonita ou agradável, mas pode ser um meio para denunciar problemas e revelar a complexidade da condição humana.

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EXPRESSIONISMO ~ O Expressionismo foi um movimento artístico e literário do início do século XX, especialmente na Alemanha, que reagiu ao Realismo e Impressionismo. Surgiu num contexto de grandes mudanças sociais, políticas e tecnológicas, com a industrialização e as tensões Pré-primeira Guerra. Na literatura, expressava angústia e desespero, usando linguagem fragmentada e temas como solidão e opressão urbana, influenciando a arte moderna e contemporânea.

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EXPRESSIONISMO ~ O Expressionismo foi um movimento artístico e literário do início do século XX, especialmente na Alemanha, que reagiu ao Realismo e Impressionismo. Surgiu num contexto de grandes mudanças sociais, políticas e tecnológicas, com a industrialização e as tensões Pré-primeira Guerra. Na literatura, expressava angústia e desespero, usando linguagem fragmentada e temas como solidão e opressão urbana, influenciando a arte moderna e contemporânea.

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Referência - https://lemad.fflch.usp.br/node/5435 O Movimento ocorreu no contexto da 1° Guerra Mundial, mais especificamente em 1916, na suposta vitória da Alemanha, um grupo de refugiados, na Suíça, iniciou o movimento radical, dadaísmo. O dadaísmo nega o passado, o presente e o futuro, ele é a total falta de perspectiva diante da guerra. Ele nega a arte, a moral, a política e a religião, sendo um reflexo das emoções causadas pela Guerra, como a revolta, agressividade e a indignação. O movimento foi iniciado em 1912, e seu fim em 1922, na Alemanha.

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UNIVERSIDADE DE SÃO PAULO

FACULDADE DE FILOSOFIA, LETRAS E CIÊNCIAS HUMANAS

Nº USP: 9052280 - Noturno

Análise de obras de Arte Visual no ensino de História

VANGUARDAS ARTÍSTICAS HISTÓRICAS

Dadaísmo, Construtivismo e Bauhaus

Trabalho apresentado ao curso de Bacharelado e Licenciatura em História, na Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas, Departamento de História, pertencente à Universidade de São Paulo, a título de aproveitamento de nota na disciplina de Ensino de História: Teoria e Prática, ministrada pela professora Profa. Dra. Antonia Terra Calazans Fernandes.

A sequencia didática aqui apresentada tem por finalidade introduzir aos alunos do último ano do ensino médio, algumas vanguardas artísticas do século XX, em conjunto com sua inserção e o contexto histórico no qual fizeram parte. Tem como objetivo final o estudo de um tempo histórico bem específico, três primeiras décadas do século 20 e seu contexto de muitas mudanças sociais, econômicas e políticas na Europa (e que acabaram influenciando o resto do mundo), o professor vai utilizar como meios, o estudo da arte como interessante forma de compreensão dessas mudanças e dos anseios de uma sociedade em constante transformação.

Estudaremos três desses movimentos artísticos mais a fundo, sendo eles:

Dadaísmo, Construtivismo e Bauhaus, através de alguns estudos de casos de obras e um manifesto que deu origem a uma das vanguardas (Construtivismo). Como forma de fixação e explicação, a ideia é que o professor responsável por aplicar os exercícios propostos, possa complementar as informações mostrando que a arte e suas características, além, de estarem inserida em um contexto histórico, podem ir muito além do momento para o qual foram propostos. Outros artistas, como músicos, designers ou diretores/cineastas se apropriam de certos conteúdos e inserem em sua arte visual ou até mesmo no som, elementos característicos de algumas dessas vanguardas, disseminando como forma de homenagem, ou da própria identificação visual da banda, até os dias atuais muitas das características e elementos dessas vanguardas do início do século XX.

A ideia é que o professor apresente uma introdução sobre as vanguardas artísticas históricas, pois trata-se de um tema denso, mostre os contextos históricos, políticos e sociais no qual se inserem, e que depois sejam realizados os exercícios propostos como forma de auxilio didático no ensino da História em sala de aula. Para esse auxilio e maior e dinâmica e compreensão dos alunos na sala, o professor vai utilizar um documento histórico (Manifesto Realista), diversas obras de arte visuais Construtivistas e como diferencial compará-las com formas de utilização mais modernas para essas vanguardas, aproximando, portanto o tema ao cotidiano dos alunos (capas de álbuns de bandas de rock como Kraftwerk, White Stripes e Franz Ferdinand servirão de exemplos). Por fim dois videoclipes, de 2004, da banda escocesa Franz Ferdinand, serão analisados em aula com os alunos, como forma de fixação e compreensão das principais características dos movimentos de vanguardas estudados. Sobre o motivo da escolha do uso das imagens visuais, em particular da banda de rock Franz Ferdinand: da mesma forma que a banda abraçou as características essenciais do construtivismo em seu som e éticas - direta, ousada, clara, não elitista - eles aplicaram os mesmos princípios em suas artes de capa. Alex, vocalista, disse: "Os Construtivistas se deram cores limitadas para trabalhar e tudo tem um resultado muito ousado. Há uma clareza de pensamento, uma simplicidade que torna as ideias mais fortes". Assim, ao projetar as capas de seus álbuns, o Franz Ferdinand se limitou também a uma paleta limitada para trabalhar, usando as cores preto, marrom, laranja e creme para o primeiro álbum e preto, vermelho e verde para o segundo. Inicialmente, eles estavam ansiosos para ter nada além de imagens abstratas e geométricas em todos

os projetos das capas, descartando a ideia de incorporar uma fotografia da banda por ser algo irrelevante: "As pessoas sabem como você se parece. Eles não precisam olhar para capa de seu CD ou LP para descobrir".

O que foram as vanguardas artísticas históricas? Em que contexto se inseriram?

As vanguardas históricas foram manifestações artísticas e literárias surgidas na Europa, nas duas primeiras décadas do Século XX, que vieram provocar uma ruptura da arte moderna com a tradição cultural do século anterior. Com o advento da tecnologia, as consequências da Revolução Industrial, a Primeira Guerra Mundial e a atmosfera política que resultou destes grandes acontecimentos, surgiu um sentimento nacionalista, um progresso espantoso das grandes potências mundiais, e uma disputa pelo poder. Várias correntes ideológicas foram criadas, como o nazismo, o fascismo e o comunismo, e também com a mesma terminação "ismo" surgiram os movimentos artísticos que chamamos de vanguardas. Todos pautavam-se no mesmo objetivo, que era o questionamento, a quebra dos padrões, o protesto contra a arte conservadora, a criação de novos padrões estéticos, que fossem mais coerentes com a realidade histórica e social do século que surgia. Estas manifestações se destacaram por sua radicalidade que acabaram proporcionando uma influência dessa nova forma de arte em todo o mundo. Entre as vanguardas históricas mais importantes, encontramos: Cubismo, Futurismo, Expressionismo, Dadaísmo, Surrealismo, e as vanguardas Russas com as seguintes vertentes: Raionismo, Suprematismo, Construtivismo e Não-Objetivismo.

Em 1916, em plena 1ª Guerra Mundial, quando tudo fazia supor uma vitória alemã, um grupo de refugiados em Zurique, na Suíça, inicia o mais radical movimento da vanguarda européia: o Dadaísmo. A própria palavra dadá, escolhida ao acaso para batizar o movimento, não significa nada. Negando o passado, o presente e o futuro, o Dadaísmo é a total falta de perspectiva diante da guerra; daí ser contra as teorias e as ordenações lógicas. Aliás, também é contra os manifestos, como afirma um de seus iniciadores, Tristan Tzara (1896/1963), em seu Manifesto Dadá 1918. Importante era criar palavras pela sonoridade, quebrando as barreiras do significado, importante era o grito, o urro contra o capitalismo burguês e o mundo em guerra.

O Dadaísmo foi o mais radical de todos os movimentos de vanguarda surgidos no começo do século XX. O Cubismo, o Futurismo e o Expressionismo se negaram à estética ou aos estilos anteriores a eles, propuseram uma nova estética ou um novo estilo. O Dadaísmo não: ele nega toda a arte do passado - inclusive a moderna - e nada propõe. Ou, melhor, propõe a morte da arte. Nega não apenas a arte, mas também a moral, a política e a religião. Nega até a si mesmo "Ser dadá é ser antidadá", afirma em um de seus manifestos. É mais um reflexo das emoções causadas pela Guerra, tais como revolta, agressividade e indignação. Sua duração foi relativamente curta, iniciado em 1912, teve seu fim em 1922, na Bauhausfest, em Weimar, Alemanha.

A influência do dadaísmo nas artes gráficas teve duas importantes contribuições:

reforçou a ideia cubista do uso da letra como experiência visual, onde separavam as palavras do seu contexto de linguagem para ser puramente uma estrutura visual, e despertou os designers para o fato de que o chocante e o surpreendente podem despertar a atenção do receptor e ser um elemento importante para a superação da apatia visual.

- Os principais artistas do Dadaísmo foram:

 Tristan Tzara, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Raoul Hausmann, Hans Arp, Hans Richter, Kurt Shwitters.

- As principais características do Dadaísmo foram:

 Não significou um movimento artístico no sentido tradicional, mas uma rebelião, um novo modo de pensar, um novo sentir, um novo saber, uma arte nova em meio a uma liberdade nova;

 Forma de expressão de modo positivo enquanto possibilitou total liberdade de criação, que nos foi deixada como legado;

 Forma de expressão de modo negativo quando invocava a destruição da arte, a antiarte, negando até mesmo, a própria revolução Dadá;

 Não propunha nenhum estilo;

 Utilização da fotomontagem (descoberta pelos dadaístas) como meio para o sarcasmo;

 Rompimento com o fazer artístico causado pela utilização e apropriação do que já estava feito (chamados ready mades).

A Primeira Guerra Mundial (1914-1918), onde a Rússia teve um papel

preponderante, e a Revolução Russa (1917), que pôs fim ao regime czarista, com a abdicação do Czar Nicolau II, ambientaram o momento em que o Construtivismo despontava para aliar-se à nova configuração da sociedade socialista e pós Revolução Industrial. Nesse contexto da industrialização, ocorre a substituição dos homens (ou das ferramentas) pelas máquinas, e, sobretudo do modo de produção artesanal (doméstico) para a produção industrial (fabril), a produção em massa.

De tal modo, a arte construtivista, inspirada nas novas conquistas da revolução operária bolchevique, liderados por Lenin (1870-1924) e Trotsky (1879-1940), tornou-se um instrumento de transformação social buscando assim, satisfazer as necessidades humanas. Lênin, líder da nova Rússia soviética, declarou que a arte deveria ter um objetivo, servindo às necessidades das pessoas e do regime. Portanto, a tarefa dos artistas era criar uma identidade visual para o comunismo. Promoveu uma faceta cultural durante a Revolução, no entanto, o próprio regime soviético, que sustentou e fomentou essa tendência durante anos, suprime a arte e seus movimentos quando Stálin chega ao poder. Ao lado do Suprematismo, o Construtivismo representou um dos mais importantes movimentos revolucionários de vanguarda russa.

A vanguarda (avant-garde) floresceu na Rússia no início do século XX, em virtude dessa reorganização política e social, inspirado no cubismo de Picasso, evoluindo para o radicalismo abstrato suprematista, no qual o artista tinha maior autonomia para desvincular-se das obras "de elite" democratizando e popularizando a arte, tornando-a funcional. O ambiente artístico da Rússia nos anos anteriores à Revolução de 1917 já era de uma efervescência impressionante. A cada dia surgia um novo movimento de vanguarda, um novo manifesto era lido nos bares de Moscou, frequentados por jovens artistas brilhantes. A Revolução Russa conseguiu, em larga medida, elaborar um vocabulário visual que poderia substituir o idioma e falar mais diretamente às pessoas. O construtivismo celebrou o herói anônimo do novo estado comunista. A combinação de seus elementos geométricos simples (sem precedentes), com cores minimalistas (paleta de cores pré-definida) definiram as fundações do visual moderno que viria a ser o Construtivismo. A estética era mais abstrata e mais codificada do que qualquer coisa que tinha acontecido antes - uma aparente impossibilidade que, no caso, causou dificuldade ao público soviético. Vermelho e preto, círculos e triângulos, aço e vidro trabalharam então e eles funcionam agora. Sua geometria pura parece evitar qualquer referência à natureza e ainda tem o poder de seduzir-nos.

Até o surgimento do construtivismo, nenhum movimento na evolução da arte moderna tinha sido uma expressão tão inserida numa realidade revolucionária concreta, ou tinha colocado tão explicitamente a função social da arte como uma questão política. O construtivismo foi uma expressão artística com forte influência do marxismo e estava intimamente ligado ao processo revolucionário iniciado na URSS e na Alemanha O Construtivismo surgiu para dar um novo sentido de ordem no design que estava tomado pelo caos imposto pelos dadaístas e surrealistas.

Combinava palavras e imagens numa experiência simultânea, composição que estava destinada a influenciar o futuro da comunicação de ideias. Queriam acabar com a divisão da arte e trabalho, portanto o uso de fotografia como produção mecânica de imagens fazia parte de sua ideologia. Deve-se, assim, ao Construtivismo a utilização de técnicas como a fotomontagem, os fotogramas, a superposição, a justaposição, colagem e uso da tipografia livre nas artes aplicadas. A proposta do Construtivismo abriu uma nova concepção à comunicação visual que teria seu fechamento nos movimentos De Stijl e Bauhaus.

Obs.: Capa do ábum chamado De Stijil, de 2000, da banda White Stripes

O legado do De Stijl se faz presente até em áreas insuspeitas e improváveis como na música pop dos anos 2000. O duo americano de blues-rock White Stripes lançou um álbum denominado De Stijl, cuja capa é composta por uma foto dos integrantes em um ambiente diretamente inspirado pelo movimento holandês: blocos lisos vermelhos e brancos e hastes pretas.

Os principais artistas do Construtivismo russo foram:

 sociedade sem classes. Ele influenciou o estilo do Suprematismo - da cor pura e da forma, cuja geometria tinha a linha como a forma suprema, revelando a ascendência do homem sobre o caos da natureza, e o quadrado - inexistente na natureza - era o elemento suprematista básico. O suprematismo começou na Rússia em 1913 assim como o movimento Bauhaus na Alemanha. "Uma arte construtiva que não decora, mas organiza a vida" - El Lissitzky, 1922, Vladimir Evgrafovič Tatlin (1885-1953): artista plástico, escultor, arquiteto e cenógrafo ucraniano, Naum Neemia Pevsner, "Naum Gabo" (1890-1977): pintor, escultor e cenógrafo russo. Responsável junto com seu irmão Antonie Pevsner, por escrever o Manifesto Realista, dirigido a artistas, escultores, pintores, músicos e todos os outros que tinham como forma de expressão a arte, com o sentimento de que viviam em uma época de profundas transformações na sociedade e se perguntando o que influenciaria a arte nessa nova era. Aleksandr Mikhailovich Rodchenko (1891-1956): artista plástico, escultor, designer e fotógrafo russo. Inicialmente abraçou um estilo completamente abstrato, altamente geométrico usando uma régua e um compasso, mais depois voltou sua atenção mais para a fotomontagem, o que guiou seu trabalho como fotógrafo posteriormente. Ele também foi um excelente designer de cartazes, livros e conjuntos de figurinos para teatro e cinema, Lazar Markovich Lissitzky, "El Lissitzky" (1890-1941): arquiteto, designer e fotógrafo russo, foi uma das figuras mais importantes da vanguarda russa e desenhou inúmeros displays para exposições e trabalhos de propaganda para a ex-União Soviética. Seu trabalho pretendia ser um catalisador para incentivar o amplo objetivo de formar uma

As principais características do movimento construtiva foram:

 Rompimento com a arte clássica, tradicional e acadêmica;

 Utilização de outros suportes, colagens e objetos (pré-fabricados e de uso comum: madeira, plástico, ferro, vidro, arame, etc.);

 Arte Geométrica, abstrata e tridimensional;

 Anti-arte e experimentações artísticas;

 Influência do futurismo, marxismo e racionalismo científico;

 Contrário ao naturalismo e expressionismo;

 Temas de cunho político e sociais.

Por que um movimento de design tão fortemente identificado com uma nação e

um momento na história tão distante e aparentemente irrelevante para a maioria de nossas vidas nos fala tão claramente? É apenas uma questão de cortar o estilo e abandonar a política? Porque ele ainda é tão homenageado por outros artistas até hoje?

A Bauhaus foi fundada por Walter Gropius em 1919, em Weimar na Alemanha, e é considerada a mais influente e mais famosa escola de arte do século XX. Ela desenvolveu ideologias e tendências inovadoras para o estudo do design. A escola propunha restabelecer o contato entre a arte e a produção industrial, unindo artesãos, engenheiros, designers, arquitetos, pintores e artistas, pesquisando e construindo juntos protótipos a serem produzidos em escala industrial. Os projetos eram direcionados para o princípio da racionalidade, da simplificação e da unidade entre forma e função, a fim de facilitar à produção industrial, atendendo as necessidades da sociedade alemã.

No design gráfico, teve como maior influência o construtivista húngaro Lásló Mohly-Nagy que contribuiu com uma importante declaração sobre a tipografia, descrevendo ela como uma ferramenta de comunicação que tem que comunicar de sua forma mais intensa. Sua importância está na absoluta clareza. Legibilidade a comunicação nunca deve ser prejudicada em função de uma priorização da estética. Letras nunca devem ser forçadas a uma estrutura pré-concebida. No seu design ele administrava o ilimitado uso de todas as direções lineares. Nós usamos todos os tipos de fontes, todos tamanhos, formas geométricas, cores, etc. Nós queremos criar uma nova linguagem da tipografia cuja elasticidade, variação e renovação da composição tipográfica é ditada pela expressão interior e pelo efeito óptico. A paixão de Moholy-Nagy por tipografia e por fotografia inspiraram um interesse da Bauhaus na comunicação visual que levou a importantes experimentos na unificação dessas duas artes. Os fios se tornaram objeto marcante no estilo Bauhaus, eram utilizadas em diferentes tamanhos e espessuras para marcar, organizar ou enfatizar a informação, juntamente, com a Tipografia Bauhaus que seguia um padrão marcante com tipos sem serifa e numerais grandes. Outro importante recurso explorado pelos mestres da Bauhaus foi a fotomontagem. Com o surgimento desse novo veículo de comunicação, eles cortavam e juntavam as fotos, a fim de compor uma narrativa mais dramática as páginas.

Os nazistas opuseram-se à Bauhaus durante a década de 1920, bem como qualquer outro grupo que não seguisse sua orientação política. A escola foi considerada uma frente comunista, especialmente porque muitos artistas russos trabalhavam ou estudavam ali. Em 1933 a Bauhaus foi fechada pelos Nazistas. Sua contribuição por ter colocado em práticas várias ideias e concepções novas, acabou tornando a Bauhaus um movimento.

Após uma breve introdução sobre o movimento construtivista, suas principais características e artistas, a era em que está inserido/contexto histórico, o professor deve propor algumas atividades a serem trabalhadas em sala com os alunos. Em nossas análises serão usados em sala pelo professor algumas das obras de "El Lissitzky" de Aleksandr Rodchenko, além do manifesto realista de "Naum Gabo" e outras referências que surgirão de forma mais abrangente nas obras e documentos estudados.

1) O professor lerá trechos do Manifesto Realista, manifesto esse que deu início ao movimento construtivista. A intenção aqui é que se utilizando de um documento histórico, os alunos consigam entender as bases do movimento construtivista, a intenção por trás dos autores do manifesto e algumas das principais características da vanguarda. Com a leitura e a ajuda do professor, a intenção é de que ao mostrar algumas das obras escolhidas, o aluno consiga identificar tais características sozinhos, com o professor apenas realizando perguntas direcionais que ajudem os alunos;

2) Ao mostrar algumas das obras escolhidas, o professor vai utilizar alguns quadros e capas de álbuns de música em sala e tentar mostrar através deles como essas ideias e pensamentos de quebra com a arte e de movimentos políticos funcionavam quando aplicadas em uma obra artística da época, assim como pretende mostrar também aos alunos que mesmo fora do contexto artístico em que foram inseridos, essas vanguardas servem até hoje de inspiração para outros artistas, no pensamento e produção de suas obras das mais variadas vertentes, sejam elas visuais, dentro do design gráfico, ou na construção e composições sonoras. Serão usadas capas de álbum das bandas Franz Ferdinand, Kraftwerk e White Stripes de exemplo, como complemento nos estudos de casos;

3) A terceira e última atividade pede para que os alunos assistam a dois videoclipes da banda Franz Ferdinand e a partir deles analisem e tentem encontrar os elementos que remetem a arte Construtivista, Dadaísta e o movimento da Bauhaus. Após a análise de algumas obras e suas características pretende-se que os alunos consigam identificar certos traços característicos já estudados e que assistindo imagens que tenham mais a ver com sua realidade, consigam fixar melhor o estudo da arte das vanguardas.

Uso de documento em sala de aula

O MANIFESTO REALISTA* (ver texto completo em espanhol anexado ao final do trabalho)

O Manifesto Realista foi escrito pelos irmãos Naum Gabo e Antonie Pevsner, dirigido a artistas, escultores, pintores, músicos e todos os outros que tinham como forma de expressão a arte, com o sentimento de que viviam em uma época de profundas transformações na sociedade e se perguntando no que influenciaria a arte nessa nova era. Através desse manifesto podemos observar a diferença entre a essência do Construtivismo e a sua interpretação política. Considerado o primeiro manifesto construtivista, o "Manifesto Realista" foi afixado nos muros de Moscou durante o primeiro levante de revolução política em meio à guerra civil e teve, portanto, grande repercussão. A partir dele, muitos manifestos de correntes antagonistas, distintas, porém, que buscavam também essa questão social, foram anunciados.

Escrevem, em meio a tantas outras coisas (ver texto completo que será lido em aula na parte de adendos):

"Não avaliamos o nosso trabalho segundo o critério da beleza, não o pesamos com o peso da ternura e dos sentimentos. Com o fio de prumo na mão, com os olhos infalíveis dos dominadores, com um espírito exato como um compasso, edificamos a nossa época como o universo edifica a sua, como o engenheiro constrói as pontes e o matemático elabora as fórmulas das órbitas.

Sabemos que tudo tem uma imagem essencial própria: a cadeira, a mesa, a lâmpada, o telefone, o livro, a casa, o homem. São todos eles mundos completos, com os seus ritmos e as suas órbitas".

No livro Construtivismo, de George Rickey, chama atenção o trecho sobre o contexto da publicação do manifesto:

"Esse manifesto foi um grande evento em Moscou. Para entendermos a situação, devemos nos imaginar em Moscou em 1920. A guerra civil assolava o país. Havia uma guerra contra a Polônia em nossas fronteiras. E havia fome na cidade, que, aliás, se encontrava sob lei marcial. De repente, na manhã de 5 de agosto, nos espaços reservados nas ruas para ordens e decretos governamentais, apareceram cartazes intitulados O manifesto realista. É importante notar que nos anos anteriores o povo se acostumara à palavra 'manifesto' para designar um anúncio oficial, por parte do czar, de uma proclamação em favor do povo. Naturalmente, o povo de Moscou apressou-se em ler o manifesto, entendendo se tratar de um decreto governamental. Largas multidões se reuniram em cada esquina onde o manifesto fora afixado, e, em alguns lugares, organizaram-se até mesmo assembleias... Os círculos intelectuais de Moscou leram, entenderam e debateram-no. Notícias de que os artistas tinham também organizado uma exposição na avenida Tverskoy ao ar livre atraíram a multidão, e somente com o cair da noite é que ela finalmente se dispersou. Debates sobre o conteúdo do manifesto tinham ganho as ruas, e depois prosseguiram no interior das residências estudantis e nas salas de palestras das Vkhutemas. Todos sabiam que Gabo era o autor do manifesto, e ele, sozinho, naquele momento, tinha de rebater os ataques críticos e elucidar o conteúdo do texto para os interessados (RICHEY, 2002, p. 49)."

 2ª Atividade Estudos de obras construtivistas, seus contextos históricos X exemplos de trabalhos contemporâneos de influências construtivistas

Beat The Whites With The Red Wedge, El Lissitzky, 1919 (Bata nos brancos com a cunha vermelha, 1919)

O cartaz, feito por El Lissitzky, fala sobre a Revolução Russa em apoio à causa bolchevique e tem o nome de "Bata nos brancos com a cunha vermelha (1919)". Extremamente simbólico e representacional, feito dois anos após a Revolução, mostra os bolcheviques (vermelhos) que expulsam o regime imperial (branco). O cartaz foi uma das primeiras obras com temática política a utilizar elementos construtivistas. A obra também foi uma das principais inspirações para os demais artistas construtivistas, pois unia de forma única a abstração da arte com a objetividade do Design Gráfico.

Ao analisar o cartaz, pode-se afirmar que seus elementos geométricos.

representavam de forma minimalista a metáfora dos acontecimentos ligados ao período pós-revolução. A cunha vermelha representa o partido e os revolucionários comunistas, que atingem o centro do círculo branco, que representa o partido menchevique (o qual detinha o poder político no período pós-revolução). Considerando-se que a cunha vermelha ataca o centro do círculo branco, percebesse a adoção de uma estratégia agressiva, pois o "movimento socialista" é soberano e capaz de confrontar aqueles que não o seguem. O espaço retangular é cromaticamente dividido em clara referência a divisão política, os fragmentos oriundos do movimento da cunha demonstram a transformação e a agitação social da revolução. Apesar de conter quase todos os elementos que viriam a definir a estética do Movimento Construtivista, essa peça de El Lissinzky em parte contém influências do Movimento Suprematista Russo, que expressava a arte abstrata utilizando formas geométricas básicas, principalmente quadrados e círculos.

A tipografia empregada possui traços simples que favorecem a legibilidade, enquanto que sua disposição e alinhamento dinâmico contribuem para o destaque e para reforçar e captar a atenção do observador quanto à mensagem transmitida no cartaz. As formas geométricas em contraste baseiam-se na autoreferencialidade, tornando-se um signo em si mesmo, no qual formas não repetem/reproduzem conceitos, elas são o conceito. Nessa análise, ao observarmos a paleta de cores utilizadas na peça podemos identificar as três principais cores presentes nas obras construtivistas: vermelho, presente na forma geométrica triangular (possui uma posição de destaque sendo o ponto focal principal da peça) representa diretamente o partido comunista, justificando assim o peso e a importância de sua aplicação na obra; branco, utilizado na forma circular (tem como significado simbólico representar o partido menchevique); e a cor preta, que tem como objetivo garantir um bom contraste e equilíbrio da composição, garantindo assim uma boa visibilidade e destaque da peça quando aplicada no meio urbano. O modo minimalista das formas e as poucas cores facilitavam o processo de reprodução da peça.

O processo de impressão litográfico permitiu que grandes quantidades do cartaz fossem produzidas (de forma rápida, fácil e barata) permitindo assim seu uso como um meio de difusão da ideologia Bolchevique. O impacto da obra de Lissinzky chamou a atenção do partido Bolchevique para a eficácia dos cartazes como uma ferramenta de comunicação e doutrinação das massas, por esse motivo "Bata nos brancos com a cunha vermelha" foi uma das obras que difundiu as diretrizes da estética construtivista, tendo uma forte influência no modo como as lideranças comunistas passaram utilizar arte associada ao design para fixar e doutrinar sua ideologia perante as grandes massas.

Aqui temos a capa do single This Fire (2004), da banda escocesa Franz Ferdinand, usando usa as mesmas formas que o cartaz de El Lissitzky e utilizada em outro contexto, e sim visto muito mais como forma de homenagear a vanguarda Construtivista. A capa do single troca a paleta de cores para creme, preto e laranja, característico de todas as capas associadas ao primeiro álbum da banda, autointitulado Franz Ferdinand.

O pôster do filme "A sexta parte do mundo", de Dziga Vertov, feito por Rodchenko. O filme foi patrocinado pelo governo soviético para mostrar a beleza e os recursos da 'sexta parte do mundo' governada pelo comunismo. No seu pôster, Rodchenko mostra a foto da testa de uma mulher sobre um fundo negro, literalmente na obscuridade, enquanto no canto superior esquerdo, vemos o papel ser enrolada como um pergaminho para revelar a sexta parte do mundo, que é vermelha (comunista).

Capas frente e verso do single de Take Me Out (2004), da banda escocesa Franz Ferdinand. Uma clara referência ao pôster do filme "A sexta parte do mundo", de Dziga Vertov. Com a característica paleta de três cores usada na representação gráfica das capas do primeiro álbum, laranja, creme e preto, usa o mesmo design mas agora em outro tempo, onde o preto e a cor vermelha que simbolizava o comunismo já não tem tanta representatividade histórica.

Fotomontagem de Rodchenko de 1924 para a editora do Estado, chamada Gosizdat, em que Lilya Brik, a musa do avant-garde russo e do poeta Vladimir Mayakovsky, grita alegremente com uma mão aberta em sua boca "LIVROS".

O cartaz/manifesto propagandístico construtivista 'Books', foi desenvolvido para promover os programas de disseminação da cultura e educação entre camponeses e proletariado. Sua tipografia simples, sem serifa e de forte impacto, expressa a frase "Livros para todas as áreas de conhecimento" - valorizando e reforçando a mensagem da peça, visava incentivar as grandes massas a participarem dos programas educacionais promovidos pelo governo comunista. Os tipos dispostos de forma dinâmica e favorecidos por um alto-contraste das cores que compõem o fundo, contribuem para destacar as palavras-chave da mensagem, o que facilitava e permitia a interpretação da mensagem até mesmo por aqueles com baixo grau de alfabetização, pois o ângulo e o posicionamento dos elementos destacava as palavras (remetendo a figura de um "megafone") e a utilização da figura feminina evidenciava que todos os setores poderiam ter acesso à educação.

As cores, os elementos geométricos e a técnica de fotomontagem utilizadas, seguem os padrões estéticos característicos dos cartazes construtivistas; o uso de imagens em ângulos inovadores (de cima, de baixo, ocupando o enquadramento todo, etc) captavam e evidenciavam as mudanças sociais. Em relação às cores que compõe a obra, todas são cores primárias, de fácil reprodução gráfica e que destacam os elementos geométricos da composição através de um alto grau de contraste; além de manter um bom equilíbrio cromático, utilizando tons complementares como vermelho e o verde.

Analisando as formas, observa-se uma predominância na utilização de padrões geométricos angulares que ajudam a compor uma cena dinâmica e chamativa que enfatiza uma composição diagonal dinâmica, que tinha por objetivo chamar atenção do observador. A interação entre a forma e a imagem criam uma associação simbólica com o ato de comunicar-se, ajudando a reforçar (de forma visual) a mensagem expressa nas palavras-chave em virtude da grande área de destaque que a imagem da camponesa recebe e da profundidade obtida com a eliminação do plano de fundo. Percebe-se uma organização entre imagem e o fluxo do texto, ilustrado de forma inusitada e dinâmica.

A fotomontagem utilizada na composição representa a figura feminina da camponesa, muito comum dentre as grandes massas (e um dos principais público alvo deste cartaz), que ajuda a criar uma identificação pessoal entre a peça gráfica, a mensagem e o observador.

Inicialmente a editora Gosizdat publicava principalmente literatura agitacional e política, entre elas os poemas de poeta Vladimir Mayakovsky que pediam a defesa da republica soviética e a luta contra a fome e a ruina econômica. Em 1920, a editora produziu as primeiras edições soviéticas das obras de Marx e Engels e das obras recolhidas de Lênin

A identidade visual criada para a capa do 2ª álbum, You Could Have It So Much Better (2005), da banda escocesa Franz Ferdinand, é um exemplo de trabalho contemporâneo de influências construtivistas. A arte aplicada nos materiais relacionados ao álbum fazem uma releitura da famosa peça "Books!" criada por Rodchenko em 1924: tem como elementos gráficos a figura de uma mulher composta por retículas em preto e branco, formas geométricas dispostas de forma diagonal e inclinada além de uma tipografia forte e legível. A exemplo da peça do período soviético, a capa do álbum retrata a moça gritando o nome da banda, muito semelhante a obra de Rodchenko não somente na pose e nos elementos mas também no conceito e forma de destacar e posicionar a mensagem, inclusive reproduzindo de forma semelhante a característica de fotomontagem. A paleta de cores dessa vez, escolhida para representar todas as capas relacionadas ao segundo álbum, contém as cores preto, vermelho e verde (pistache), criando uma identidade pessoal.

Alex, o vocalista fala: "queríamos um esquema cromático reconhecível por cada nova série de canções (cada álbum), e um pouco mais de humanidade, e é por isso que usamos fotos de pessoas'.

Cartaz de 1926 para a revista Novyi Mir feito pelos irmãos russos Vladimir e Georgii Stenberg, célebres artistas da vanguarda Construtivista, mestres em criar pôster de filmes das décadas de 20 e 30. Enquanto o trabalho era muitas vezes brincalhão, sexy e humorístico, os artistas compreendiam intrinsecamente a função de um cartaz: atrair a atenção para si nos momentos mais breves.

A banda alemã Kraftwerk, uma das pioneiras da música eletrônica e sempre visualmente sábia. Certamente, pode-se dizer que eles tiveram bom gosto - os gráficos em suas capas eram consistentes com os visuais durante seus shows, também caia bem com o firme e constante ritmo eletrônico de sua música. Analisando o design da capa do álbum "Man Machine", de 1978, vemos a paleta de cores limitada em preto, branco e vermelho, onde preto e branco criam o contraste final e o vermelho funciona como o elemento dominante. O vermelho também tem significados radicalmente diferentes. Por um lado, está associado ao amor, ao calor e à energia, por outro - com guerra, violência e sangue. A composição da capa é dinâmica, com base em linhas diagonais e escorregões de perspectiva. As letras são sem serif, simples. Há também um uso fortemente visível da multiplicação, criando um ritmo repetitivo. Todas as características acima podem ser atribuídas aos principais traços estilísticos do movimento de vanguarda construtivista russo da década de 1920. A capa 'Man Machine' é, portanto, um pastiche, uma referência intencional à vanguarda russa dos anos 20 e mais especificamente ao cartaz dos irmãos Vladimir e Georgii Stenberg.

Também inspirado no cartaz de 1926 para a revista Novyi Mir feito pelos irmãos russos Vladimir e Georgii Stenberg, a capa do single The Fallen (2006), da banda Franz Ferdinand, trás os mesmos elementos do pôster e da capa do álbum Man Machine, do Kraftwerk. Paleta de cores limitada, dentro da proposta do preto, vermelho, verde (e agora um tom a mais, creme), composição com linhas dinâmicas com base em linhas diagonais e presença da perspectiva, além da letra sem serifa simples, o forte uso da multiplicação e do ritmo repetitivo.

Sempre com influências bem marcadas e com amor incondicional por estéticas antigas, como vimos acima na análise das capas o Franz Ferdinand reforça também em seus vídeos a identidade do som que os levou a patamares mais elevados. O Franz Ferdinand permanece até hoje ligado à ideia do uso do videoclipe como um ótimo veículo para expressar suas ideias criativas e continua a vê-lo como parte importante da identidade visual da banda.

O objetivo é apresentar dois videoclipes da banda Franz Ferdinand que trazem em comum a apropriação e, de certa forma, a homenagem a movimentos artísticos como o Dadaísmo, o Construtivismo e Suprematismo Russos, postos aqui para estudos nessa sequência didática. Esses videoclipes trazem um "real movimento" para aquele movimento que já se mostrava latente nas peças gráficas da época, agora em outra época e como forma de entretenimento mesclado a arte.

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Take Me Out (2004) | Diretor: Jonas Odell Acessar em: https://www.youtube.com/watch?v=7-3HO8LoBx

*** O clipe da música Take Me Out foi dirigido por Jonas Odell, um dos fundadores da Filmtecknarna, coletivo de designers e artistas gráfico-moventes atuantes na Suécia. Especializou-se em fazer filmes mesclando imagens em live action e animações em variadas técnicas. Com seu trabalho com o Franz Ferdinand, recebeu o prêmio de Revelação no VMA 2004 e ainda uma indicação ao Grammy.

O videoclipe de Take Me Out, como citado anteriormente, traz referências do Dadaísmo e Construtivismo, além de elementos do futurismo, do neoplasticismo e algumas colagens. Alex, vocalista da banda, conta que a banda queria que o vídeo fosse como uma fotomontagem dadaísta, onde a perspectiva se distorcesse e formas mecânicas fossem reconstruídas simulando corpos, bem como membros humanos associados a essas estruturas. As formas lembram as pinturas de Francis Picabia. Ainda como heranças do movimento dadaísta são apresentadas animações tipográficas e composições a partir de fragmentos animados. Do Construtivismo Russo, as referências estão presentes nos elementos geométricos e na paleta de cores limitada. A ideia básica para o vídeo é a combinação de elementos animados 2D com gravação ao vivo da banda e cenário 3D - de modo a ser uma mistura de animação plana com material de filme, graças ao efeito de colagem. Apesar desta variedade, cada quadro é polido e pode ser um gráfico autônomo.

Em Take Me Out somos bombardeados por vários elementos marcantes dos anos 20/30. Segundo Alex o vídeo é pop sem deixar de ter valor artístico. O misto de animação vintage sofisticada com live action se tornou o rosto de um dos maiores hits da banda. Possui efeito de colagem instável, mas com texturas de metal e cores mais escuras para combinar com a música. Podemos reconhecer a estética da colagem Dadaísta e típica da liberdade de composição artística de vanguarda. As cores são reduzidas a preto, vermelho e branco, então também temos construtivismo russo. Além disso, há o efeito de papel amarelado para adicionar um aspecto mais vintage.

Nas animações, podemos ver inúmeras multiplicações, lineaturas se assemelham a jornais e letras cortadas dos jornais que voam ao redor. A tipografia composta espontaneamente, as vezes, vem das letras da música, sublinha seu ritmo e, às vezes, é apenas uma única palavra aleatória. Apropriar-se do acaso e sublinhar o absurdo, obviamente, uma das principais características das criações de Dadas. Nas animações do clipe existem muitos desenhos de máquinas, roda dentada, gráficos e diagramas. Estes são certamente inspirados pelo futurismo. Os futuristas italianos adoravam imagens técnicas, mas também havia alguns amantes da máquina entre os dadaístas, como por exemplo, a arte inicial de Francis Picabia e seus fantásticos desenhos mecânicos. Em seguida, temos uma luta de box - também um famoso motivo do movimento dadaísta. No vídeo, há uma luta de box entre Franz e Anti-Franz, que é uma bela metáfora da luta entre arte e anti arte, significado do Dadaísmo. Além disso, as divagações se o dadaísmo é arte ou não, continuam ainda hoje, em parte por causa dos próprios artistas Dadas, que de forma provocativa falaram sobre a morte da arte. Eles não queriam que sua arte fosse colocada galerias de museus, por se tornar ultrapassada. Então, o duelo do videoclipe não é tanto entre lutadores e sim entre valores.

O cenário em que os personagens animados se movem faz uso de muitas diagonais e encruzamentos de perspectiva, como nas pinturas de Giorgio de Chirico, precursor do surrealismo. No vídeo, também podemos ver flashes de montagens orgânicas, ou mesmo objetos prontos de Duchamp, como uma roda de bicicleta, além de espirais, escudos para atirar e outras composições centradas também estão presentes de vez em quando no clipe. Em movimento, eles parecem emitir ondas sonoras - e esse era exatamente o ponto, certamente inspirado pelas turbinas de Marcel Duchamp. Pessoas-robôs feitas de dezenas de moventes engrenagens não são apenas uma homenagem a Picabia, mas os anos vinte-vanguardistas.

"Take Me Out" trouxe a fama internacional ao Franz Ferdinand, e é uma prova de que às vezes é possível combinar o bom design com a parte comercial comércial.

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This Fire (2004) | Diretor: Stylewar Acessar em: https://www.youtube.com/watch?v=VHUxS8qkO8M

*** Mais uma produção influenciada pelo movimento artístico soviético das primeiras décadas do século passado denominado Construtivismo e também inspirações no movimento da Bauhaus e na arte totalitária. Há também influências do pop art (Roy Lichtenstein), as fileiras multiplicadas dos músicos se parecem com o exército do Terceiro Reich dos filmes de Leni Riefenstahl. Sob essa estética somos apresentados a um vídeo de dominação global. Realizado pelo coletivo Stylewar, o videoclipe de This Fire busca inspiração nos cartazes russos das décadas de 1920 e 1930 com certo espírito revolucionário. Visualmente esse clipe retoma o que Take Me Out deixou pra trás quando referenciava o estilo geométrico, maciço e esparso dos Construtivistas como Lissitzsky. Estão novamente presentes a paleta limitada de cores, a tipografia utilizada como imagem e os recursos gráficos de impressão (retículas) transpostos como linguagem estética. A ilustração cômica no traço dos quadrinhos da década de 1950 também surge animada em alternância às imagens em live action. O vídeo retrata os membros da banda como revolucionários vilões malvados, planejando conquistar o mundo com sua própria marca de "Franz Ferdinandism".

*** Cabe ressaltar que essas são informações exclusivas para uso do professor para guiar a discussão com os alunos em sala, após a execução das duas primeiras atividades, e de assistirem os videoclipes acima.

- RICKEY, George. Construtivismo - origens e evolução. São Paulo: Cosac & Naif, 2002.

- CHASE, Helen. An A-Z of Franz Ferdinand. Newcastle: Northumbria University Press, 2007.

- Zabala, Antoni. Os enfoques didáticos. In: COLL, César, MARTÍN, Elena... (org.). O construtivismo em sala de aula. São Paulo: Ática, 1996.

- BITTENCOURT, Circe. Ensino de História: fundamentos e métodos. SP: Cortez, 2004.

- FERNANDES, Antonia T.C. Documentos históricos em livros didáticos. (impresso), 2017.

Acessos internet, maio/junho 2017:

Manifiesto realista - Gabo y Pevsner, Moscú, 1920

En el torbellino de nuestros días activos, más allá de las cenizas y de las ruinas del pasado, ante las cancelas de un futuro vacuo, nosotros proclamamos ante vosotros, artistas, pintores, escultores, músicos, actores y poetas, ante vosotros, personas para las que el Arte no es solo una mera fuente de conversación, sino el manantial mismo de una real exaltación, nuestra convicción y los hechos.

Hay que sacar al Arte del callejón sin salida en que se halla desde hace veinte años El progreso del saber humano con su potente penetración en las leyes misteriosas del mundo, iniciada a comienzos de este siglo, el florecimiento de una nueva cultura y de una nueva civilización, con un excepcional (por primera vez en la historia) movimiento de las masas populares hacia la posesión de las riquezas naturales, movimiento que abraza al pueblo en estrecha unión, y, por último, pero no menos importante, la guerra y la revolución (corrientes purificadoras de una era futura) nos ha llevado a considerar las nuevas formas de una vida que ya late y actúa ¿Como contribuye el Arte a la época actual de la historia del hombre? ¿Posee los medios necesarios para dar vida a un nuevo Gran Estilo? ¿O supone acaso que la nueva época puede acoger una nueva creación sobre los cimientos de la antigua? A pesar de las instancias del espíritu renaciente de nuestro tiempo, el Arte se alimenta de impresiones, de apariencia exterior, y vaga impotente entre el naturalismo y el simbolismo, entre el romanticismo y el misticismo. Los intentos realizados por cubistas y por futuristas para sacar a las artes figurativas del fango del pasado solo han producido nuevos desencantos (Critica al cubismo y futurismo)

El cubismo, que había partido de la simplificación de la técnica representativa, acabo por encallar en el análisis. El revuelto mundo de los cubistas, despedazado por la anarquía intelectual, no puede satisfacer a quienes, como nosotros, ya hayan realizado la Revolución y están construyendo y edificando un mundo nuevo Se puede sentir interés por las experiencias de los cubistas, pero no adherirse a su movimiento, pues estamos convencidos de que sus experiencias solo arañan la superficie del Arte y no la penetran hasta sus raíces, y también nos parece evidente que su resultado final no conduce más que a la misma representación superada, al mismo volumen superado y, una vez más, a la misma superficie decorativa

En sus tiempos, se hubiera podido exaltar el futurismo por el nuevo aire que aporto su anunciada revolución en el Arte, por su critica demoledora del pasado; como único modo de asaltar las barricadas artísticas del buen gusto, exigía mucha dinamita; pero no se puede construir un sistema artístico sobre una sola frase revolucionaria. (Objetos= escencias, sus rítmos y órbitas)

Con la plomada en la mano, con los ojos infalibles como dominadores, con un espíritu exacto como un compás, edificamos nuestra obra del mismo modo que el universo conforma la suya, del mismo modo que el ingeniero construye los puentes y el matemático elabora las formulas de las orbitas.Sabemos que todo tiene una imagen propia esencial: la silla, la mesa, la lámpara, el teléfono, el libro, la casa, el hombre. Son mundos completos con sus ritmos y sus órbitas. Por esto, en la creación de los objetos les quitamos las etiquetas del propietario, totalmente accidental y postiza, y solo dejamos la realidad del ritmo constante de las fuerzas contenidas en ellos

1) Por ello, en la pintura renunciamos al color como elemento pictórico: el color es la superficie óptica idealizada de los objetos; es una impresión exterior y superficial; es un accidente que nada tiene en común con la esencia mas intima del objeto. Afirmamos que la tonalidad de la sustancia, es decir, su cuerpo material que absorbe la luz, es la única realidad pictórica.

2) Renunciamos a la línea como valor descriptivo: en la vida no existen líneas descriptivas; la descripción es un signo humano accidental en las cosas, no forma una unidad con la vida esencial ni con la estructura constante del cuerpo. Lo descriptivo es un elemento de ilustración grafica, es decoración. Afirmamos que la línea solo tiene valor como dirección de las fuerzas estáticas y de sus ritmos en los objetos.

3) Renunciamos al volumen como forma espacial pictórica y plástica: no se puede medir el espacio con el volumen, como no se puede medir un liquido con un metro. Miremos el espacio... ¿Qué es sino una profundidad continuada? Afirmamos el valor de la profundidad como única forma espacial pictórica y plástica.

4) Renunciamos a la escultura en cuánto masa entendida como elemento escultural. Todo ingeniero sabe que las fuerzas estáticas de un cuerpo sólido y su fuerza material no dependen de la cantidad de masas; por ejemplo: una vía de tren, una voluta en forma de T, etc. Pero vosotros, escultores de cada sombra y relieve, todavía os aferráis al viejo prejuicio según el cual no es posible liberar el volumen de la masa. Aquí, en esta exposición, tomamos cuatro planos y obtenemos el mismo volumen que si se tratase de cuatro toneladas de masa. Por ello, reintroducimos en la escultura la línea como dirección y en esta afirmamos que la profundidad es una forma espacial.

5) Renunciamos al desencanto artístico enraizado desde hace siglos, según el cual los ritmos estáticos son los únicos elementos de las artes plásticas. Afirmamos que en estas artes esta el nuevo elemento de los ritmos cinéticos en cuanto formas basilares de nuestra percepción del tiempo real. Estos son los cinco principios fundamentales de nuestro trabajo y de nuestra técnica constructiva.

Hoy proclamamos ante todos vosotros nuestra fe. En las plazas y en las calles exponemos nuestras obras, convencidos de que el arte no debe seguir siendo un

santuario para el ocioso, una consolación para el desesperado ni una justificación para el perezoso. El arte debería asistirnos allí donde la vida transcurre y actúa: en el taller, en la mesa, en el trabajo, en el descanso, en el juego, en los días laborales y en las vacaciones, en casa y en la calle, de modo que la llama de la vida no se extinga en la humanidad.

No buscamos consuelo ni en el pasado ni en el futuro. Nadie puede decirnos cual será el futuro ni con cuales instrumentos se le puede comer. Es imposible no engañarse sobre el futuro y sobre el se pueden decir cuantas mentiras se quieran. Para nosotros, los gritos sobre el futuro equivalen a las lágrimas sobre el pasado. El repetido sueño con los ojos abiertos de los románticos. El delirio simiesco del viejo sueño paradisíaco con atuendos contemporáneos.

Quien hoy se ocupe del mañana se ocupa en no hacer nada.

Y quien mañana no nos de nada de lo que haya hecho hoy no es de ninguna utilidad para el futuro.

El hoy pertenece al hecho.

Lo tendremos en cuenta también mañana.

Dejemos el pasado a nuestras espaldas como una carroña.

Dejemos el futuro a los profetas.

Nosotros nos quedaremos con el hoy.

Bien mirado, tras la fachada del futurismo solo había un vacuo charlatán, un tipo hábil y equivoco, hinchado de palabras como patriotismo, militarismo, desprecio por la mujer y parecidas sentencias provincianas.

En cuanto a los problemas estrictamente pictóricos, el futurismo no pudo hacer más que repetir los esfuerzos, que ya fueron inútiles con los impresionistas, por fijar en el lienzo un reflejo puramente óptico. Hoy todos sabemos que el simple registro gráfico de una secuencia de movimientos momentáneamente fijados no puede recrear el movimiento.

Solo recuerda el latido de un cuerpo muerto. El pomposo eslogan de la velocidad fue un clarín de guerra para los futuristas. Admitimos la sonoridad de tal eslogan y comprendemos muy bien que es superior al más potente eslogan provinciano.

Pero intentad preguntar a un futurista como se imagina la velocidad, e inmediatamente aparecerá todo un arenal de locos automóviles y depósitos de chirriantes vagones y alambres intrincados, el estruendo y el ruido de calles atestadas de vehículos. ¿Es necesario convencer a los futuristas de que todo ello no ocurre por la velocidad y sus ritmos?. Mirad un rayo de sol, la más inmóvil de las fuerzas inmóviles. Tiene una velocidad de 300000 kilómetros por segundo. Observad nuestro firmamento estelar que el rayo atraviesa... ¿Que son nuestros depósitos comparados con los del universo? ¿Que son nuestros trenes terrestres comparados con los veloces trenes de las galaxias?

Ciertamente, todo el estruendo de los futuristas acerca de la velocidad es un hecho demasiado sabido, pero desde el momento en que el futurismo proclamo que Espacio y Tiempo son los muertos de ayer, se hundió en la oscuridad de las abstracciones. Ni el futurismo ni el cubismo han ofrecido a nuestro tiempo lo que se esperaba de ellos.

Salvo estas dos escuelas artísticas, nuestro pasado reciente no ha ofrecido nada importante ni interesante.

Pero la vida no espera; las generaciones no cesan de crecer, y nosotros, que sucedemos a los que entraron en la historia y poseemos los resultados de sus experiencias, sus errores y sus éxitos, después de años de experiencias semejantes a siglos, proclamamos: Ningún movimiento artístico podrá afirmar la acción de una nueva cultura en desarrollo hasta que los mismos fundamentos del Arte estén construidos sobre las verdaderas leyes de la vida, hasta que todos los artistas digan con nosotros: Todo es ficción, solo la vida y sus leyes son autenticas, y en la vida solo lo que es activo es maravilloso y capaz, fuerte y justo, porque la vida no conoce belleza en cuanto medida estética. La más grande belleza es una existencia efectiva. La vida no conoce ni el bien ni el mal ni la justicia como medida moral..., la necesidad es la mayor y más justa de todas las morales.La vida no conoce verdades racionales abstractas como metro de conocimiento: el hecho es la mayor y más segura de las verdades.Estas son las leyes de la vida. ｿ Puede el Arte soportar tales leyes si se construye sobre la abstracción el espejismo, la ficcion?

Espacio y tiempo han renacido hoy para nosotros.

Espacio y tiempo son las únicas formas sobre las cuales la vida se construye, y sobre ellos, se debe edificar el Arte.

Perecen los Estados y los sistemas políticos y económicos; las ideas se derrumban bajo la fuerza de los siglos, pero la vida es fuerte y crece y el tiempo prosigue en su continuidad real. ¿Quien nos mostrara formas mas eficaces que estas? ¿Quien será el genio que nos de cimientos más sólidos que estos?

¿Que genio nos contara una leyenda más maravillosa que la fábula prosaica que se llama vida?

La actuación de nuestras percepciones del mundo en forma de espacio y tiempo es el único objetivo de nuestro arte plástico.

No medimos nuestro trabajo con el metro de la belleza y no lo pesamos con el peso de la ternura y de los sentimientos

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Vanguardas Artísticas Históricas: Dadaísmo, Construtivismo e Bauhaus

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UNIVERSIDADE DE SÃO PAULO FACULDADE DE FILOSOFIA, LETRAS E CIÊNCIAS HUMANAS DEPARTAMENTO DE HISTÓRIA Simone Pavia Goldenberg Nº USP: 9052280 - Noturno SEQUÊNCIA DIDÁTICA I Análise de obras de Arte Visual no ensino de História VANGUARDAS ARTÍSTICAS HISTÓRICAS Dadaísmo, Construtivismo e Bauhaus Trabalho apresentado ao curso de Bacharelado e Licenciatura em História, na Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas, Departamento de História, pertencente à Universidade de São Paulo, a título de aproveitamento de nota na disciplina de Ensino de História: Teoria e Prática, ministrada pela professora Profa.

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O Dadaísmo surgiu, em meio a Primeira Guerra Mundial, uma situação em que a humanidade aparentava ter perdido o controle sobre si mesma. A proposta do Dadaísmo  era romper com os modelos estéticos, tirando a lógica, a tradição e a beleza imposta pelo academicismo de épocas passadas. De maneira que, a criação de colagens desconexas, objetos comuns do dia a dia, se transformaram em obras não compreendidas, causando estranhamento, incômodo, confusão e reflexão por serem fora do padrão estético. O Dadaísmo mostra que a arte não precisa obedecer modelos pré-existentes ou impostos pela sociedade. Ela pode ser um grito autêntico, um sussurro, um silêncio ou até um vazio mesmo em meio ao caos .Os dadaístas não tinham o objetivo de criar ou recriar um estilo, mas sim desfazer todos os estilos estéticos pregados na sociedade e no contexto de conflitos globais. Para eles, a arte verdadeira surge da espontaneidade, do acaso, porque essas coisas não podiam ser manipuladas pelo sistema, era um manifesto de liberdade de expressão e artística. Por fim, o mais importante não era que a arte apresentada fosse entendida, mas que ela conseguisse causar alguma reação em quem os via. Principais ideias do movimento: A arte não precisa fazer sentido; A lógica e a razão são vistas como causas da guerra e da destruição; O Dadaísmo é um protesto radical contra a sociedade, os valores burgueses e a cultura tradicional; Usa o absurdo, o acaso e a provocação como formas de expressão; Eles queriam mostrar que a arte podia ser qualquer coisa, inclusive nada;  Palavras-chave que definem o Dadaísmo: Ruptura - Absurdo - Nonsense - Provocação - Antiarte - Liberdade. Objetivos no Campo da Arte e da Literatura: O Dadaísmo queria desconstruir tudo que era visto como arte; Valia tudo: colagens com jornal, objetos do cotidiano como escultura (como o mictório de Duchamp), poemas feitos ao acaso, e performances caóticas; Na literatura, os textos eram sem lógica, sonoros, feitos para quebrar expectativas; O objetivo era fazer o público reagir: rir, estranhar, questionar ou até se incomodar. A arte virou protesto, crítica e liberdade radical.

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MANIFESTO E PROPOSTA ESTÉTICA do Dadaísmo

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MANIFESTO E PROPOSTA ESTÉTICA do Dadaísmo

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Referência - ARTEREF. Os 7 principais artistas do dadaísmo. Disponível em: https://arteref.com/movimentos/os-7-principais-artistas-do-dadaismo/. Acesso em: 21 de julho de 2025.       -  Marcel Duchamp (1887-1968) Nascido em Blainville-Crevon, na França, Duchamp foi um pintor, escultor e poeta que se tornou um cidadão dos Estados Unidos em 1955, levando uma vida boêmia e apaixonada por xadrez. Iniciou sua carreira no Cubismo e percorreu diversos outros movimentos artísticos, porém, seu nome ganhou grande destaque no Dadaísmo ao atribuir valor artístico a objetos comuns, chamando-os de ready mades e revolucionando a arte do século XX. Teve um grande papel na arte conceitual pois incentivava debates sobre o real significado da arte e era contra a “arte retiniana”, a qual só agrada a vista. Obras principais:1. Fonte – Marcel Duchamp, 19172. L.H.O.O.Q. – Marcel Duchamp, 1919      - Hans Arp (1886-1966) foi um pintor, escultor, artista gráfico e poeta francês, nascido em Estrasburgo que ganhou grande destaque no Dadaísmo, Surrealismo e Abstracinismo ao explorar a simplicidade e a pureza das formas. Tornou-se famoso por suas produções utilizando o acaso (como as colagens produzidas com os recortes distribuídos espontaneamente no papel) e por se importar apenas com a “forma pela forma”, deixando de lado a expressão plástica.Obras principais:1. Colagem com Quadrados segundo a Lei do Acaso – Hans Arp, 1916-172. Concreção Humana – Hans Arp, 1935      - Francis Picabia (1879-1953)Induzido pelo Impressionismo e Fauvismo, Picabia foi um pintor e poeta nascido em Paris, na França, que caminhou por diferentes estilos artísticos. No Dadaísmo, foi o responsável por fundar uma revista chamada de “391” onde publicava obras carregadas de humor ácido e expressava suas críticas ao mundo da arte. Foi bastante notado por suas pinturas mecânicas e era amigo próximo de Duchamp, ajudando-o a espalhar o Dadaísmo pela França e Estados Unidos. Obras principais:1. Retrato de uma Jovem Americana em Estado de Nudez – Francis Picabia, 19152. Imagem Muito Rara na Terra – Francis Picabia, 1915.

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Obra 1 -  Cadeau (Presente) - Man Ray -  1921 - É considerada uma peça emblemática do movimento Dadaísta e Surrealista, desafiando a função utilitária do objeto e propondo novas leituras sobre arte e realidade, transformando a peça como ameaçadora e sem utilidade prática. A escolha do objeto confere um tom de humor negro, convidando o observador a questionar o mundo ao seu redor e a confrontar o absurdo e o irracional.   Obra 2 - A fonte - Marcel Duchamp - 1917 -  A obra é considerada um marco do Dadaísmo e um exemplo do conceito de ready-made, onde um objeto comum do cotidiano é retirado de seu contexto é apresentado como arte. A Fonte está  ligada ao movimento Dadaísta, que surgiu como uma reação à Primeira Guerra Mundial e questionava os valores tradicionais da sociedade e da arte. Obra 3 - Desfile Amoroso - Francis Picabia - 1917 -   A obra é representativa do movimento dadaísta, que surgiu como uma reação à Primeira Guerra Mundial e à lógica e racionalidade que levaram ao conflito. Picabia, através de "Desfile Amoroso", questiona as convenções artísticas e os valores   burgueses da época. A obra também reflete a fascinação de Picabia pela tecnologia e pela industrialização, com elementos que remetem a máquinas e engrenagens. Obra 4 - A Roda de bicicleta - Marcel Duchamp - 1913 - Duchamp utilizou a roda de bicicleta como um "ready-made assistido", onde dois objetos (a roda e o banco) são combinados para criar a obra. A obra questiona o que é arte, o que é criação artística e qual o papel do artista na produção de obras. A roda giratória também é considerada um precursor da arte cinética, devido ao movimento da roda. Obra 5 - L.H.O.O.Q - Marcel Duchamp - 1919 - O ato de Duchamp é considerado uma provocação e uma crítica à arte estabelecida, desafiando a noção de originalidade e genialidade da arte. Ao “corrigir” a Mona Lisa com o bigode e cavanhaque, Duchamp também sugere uma interpretação irônica da obra levando questões sobre gênero e sexualidade, além de questionar o próprio conceito de beleza e idealização na arte.

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O Dadaísmo, embora não tenha sido representado diretamente na Semana de 1922, influenciou o espírito do movimento modernista brasileiro, principalmente por meio de sua atitude de ruptura com as formas tradicionais de arte e literatura. Os artistas da Semana, como Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Tarsila do Amaral, absorveram esse impulso de rebeldia, crítica ao academicismo e busca por liberdade criativa, características centrais do dadaísmo
Mário de Andrade é o autor de "Pauliceia Desvairada", publicada em 1922. A linguagem é livre, experimental e retrata a cidade de São Paulo de forma caótica e moderna, refletindo o espírito de renovação artística que dialoga com ideias vanguardistas como o Dadaísmo.
Oswald de Andrade escreveu o "Manifesto Pau Brasil" em 1924. O manifesto valoriza o cotidiano, a ironia e o humor como formas de expressão, recursos próximos dos usados pelos dadaístas para romper com o padrão europeu e criar algo novo e autenticamente nacional.
Tarsila do Amaral é a criadora da obra "Abaporu", pintada em 1928. A obra representa a figura humana de forma distorcida e inovadora, com elementos visuais que rompem com o academicismo e se aproximam da estética vanguardista. A obra traduz, em imagem, o mesmo impulso de ruptura e criação que o Dadaísmo inspirava nas artes visuais europeias. 