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París 2024 serán los Juegos Olímpicos de la paridad total

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Serán cinco mil 250 hombres y cinco mil 250 mujeres, ni uno más ni una menos, los que están previstos que participen en los Juegos Olímpicos de París 2024, los primeros con igualdad total en cuanto a número de inscritos.

Las cifras, producto de un trabajo de orfebrería llevado a cabo por el Comité Olímpico Internacional (COI) y las federaciones, mejoran de forma definitiva la práctica paridad que ya se alcanzó en la anterior edición, Tokyo 2020, en la que tomaron parte cinco mil 704 hombres y cinco mil 386 mujeres.

La igualdad que se vivirá en los Juegos Olímpicos de París 2024 tiene, además, un alto valor simbólico porque fue en esa ciudad, en los Juegos del año 1900, donde las mujeres comenzaron a participar en las pruebas olímpicas. Entonces fueron solo 22, un 2,2 por ciento de los participantes.

En las tres siguientes ediciones la proporción fue aún menor. No se superó el 10 por ciento hasta los Juegos de Helsinki 1952, el 25 por ciento hasta Seúl 1988 y el 40 por ciento hasta Atenas 2004.

"Esta es nuestra contribución a un mundo más igualitario en materia de género", ha manifestado el presidente del COI, el alemán Thomas Bach, al referirse a las cifras de París con motivo del Día de la Mujer.

Pese a contar con el mismo número de participantes, aún habrá en los Juegos Olímpicos del próximo julio cinco medallas más para los hombres que para las mujeres: 157 frente a 152. Veinte más corresponderán a pruebas mixtas, abiertas a ambos sexos.

Los deportes con mayor número de participantes hombres o mujeres serán natación (648 hombres y 722 mujeres, debido a la natación artística, si bien en waterpolo habrá 12 equipos de hombres y diez de mujeres), futbol (288/216, porque los equipos masculinos son 16 y los femeninos solo 12), gimnasia (112/206, por la gimnasia rítmica) y lucha (192/96, porque la especialidad grecorromana es únicamente masculina).

Respecto a los Juegos Olímpicos de Tokyo 2020, el avance ha sido significativo en tres deportes: atletismo, ciclismo y, sobre todo, boxeo. Al asumir el COI el control del boxeo olímpico, debido a las irregularidades de la federación internacional (IBA), lo que hace tres años fueron ocho pesos masculinos y cinco femeninos se han transformado en siete y seis, pero con el mismo número de participantes: 124 y 124. En Tokio hubo 206 boxeadores y 80 boxeadoras.

La equiparación en el cupo de deportistas está lejos de ser la misma en otros sectores. A la espera de conocer lo que ocurra en París 2024, en la última edición las mujeres fueron el 20 por ciento de los jefes de misión de los equipos, el 32 por ciento de los árbitros y jueces y el 13 por ciento de los entrenadores acreditados.

Los Juegos Olímpicos de París 2024 también modifican su calendario en busca de la equidad

El calendario de pruebas de los Juegos Olímpicos, que suele calcarse prácticamente una edición tras otra, también se modificó ligeramente en París para no dar siempre a las finales masculinas los mejores días y los mejores horarios en términos de audiencia y visibilidad.

Un ejemplo es el maratón femenino, que será por primera vez el que cierre el programa de competición, con la llegada de las corredoras al Estadio de Francia durante la ceremonia de clausura.

Aumentan asimismo las pruebas mixtas. En Tokio ya fueron 18 y en París serán 20, con la novedad del relevo de marcha y una clase más de vela.

"Estamos a punto de celebrar uno de los momentos más importantes de la historia de la mujer en los Juegos Olímpicos y en el deporte en general", añadió Thomas Bach. "Estamos deseando que llegue París 2024, donde veremos materializados los resultados de los enormes esfuerzos realizados por el Movimiento Olímpico y las mujeres pioneras".

"Nuestro compromiso con el avance de la igualdad de género no termina en París", advirtió el presidente.

"Seguiremos abriendo caminos a las mujeres y colaborando con las partes implicadas, animándolas a dar los pasos necesarios para hacer avanzar la igualdad de género en su ámbito de responsabilidad. El COI seguirá liderando el camino y utilizando el poder del deporte para contribuir a una sociedad más igualitaria e inclusiva".

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París 2024 tendrá como bandera la equidad de género

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Se prevé el mismo número de atletas varoniles que femeniles para París 2024, "es nuestra contribución a un mundo más igualitario en materia de género", indicó el COI. | TUDN Paris 2024 | TUDN

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Día Internacional de la Mujer 2024: Cinco deportistas referentes que quieren brillar en París 2024

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Descubre aquí cinco mujeres atletas que buscan seguir haciendo historia en los Juegos Olímpicos de París 2024.

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💃 Le flamenco est apparu en Espagne au 19e siècle, en partie grâce aux populations afro-descendantes qui vivaient en Andalousie à l’époque. Avec son... | By ARTE Info | Facebook

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Aitana Bonmati : "Je suis fière de dire que je suis une référence"

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La ciudad decreta siete días de luto por la muerte del artista. Es conocido como el mecenas y un artista clave en la transformación urbana

Colombian artist Fernando Botero presents a new sculpture of "The Bird" to replace an identical sculpture, background, that was destroyed by a bomb which killed 22 people in 1995, in Medellin on Wednesday, Jan. 5, 2000. Botero placed the new sculpture next to the remains of the original as a symbol of peace. (AP Photo) Associated Press

La transformación de Medellín está inexorablemente ligada a la obra de Fernando Botero. Es difícil imaginar a esta ciudad sin sus icónicas esculturas, sin el gato, la mujer reclinada, el Hombre a caballo, el Gladiador o la Gorda. Sus obras se alzan orgullosas en distintas plazas de Medellín y recuerdan también las heridas de la guerra, como pidió el mismo artista.

En 1995, cuando la ciudad vivía bajo las bombas del narco y un atentado dejó semidestruida la paloma de la paz que Botero había donado a la ciudad, el artista pidió conservarla así, abierta y llena de metralla. "Quiero que la escultura quede como recuerdo de la imbecilidad y de la criminalidad de Colombia", dijo en ese momento.

Nacido en 1932 en un ambiente humilde, Botero jamás se alejó de la Medellín. Hasta el final de sus días estuvo al tanto de los debates del modelo de ciudad. Recientemente, cuando el actual alcalde, Daniel Quintero, decidió poner vallas que rodeaban la plaza Botero, frente al Museo de Antioquia, Botero envió una carta pidiendo que lo reconsiderara. "He seguido con cuidado las noticias sobre la Plaza Botero, tanto aquellas que hablan de los problemas de seguridad, como estas últimas sobre su cerramiento. Por ello quiero expresar que desde siempre mi voluntad fue que este espacio fuera para toda la ciudadanía y que el Museo de Antioquia fuera su principal cuidador", expresó el artista en una carta que envió a la directora del Museo y pidió que le dieran traslado a la Alcaldía.

En 1997, cuando ya era un encumbrado artista, Botero donó a la ciudad 23 de sus esculturas y se dio inició a la construcción de la Plaza que lleva su apellido, y que cambió para siempre la imagen de Medellín. El espacio siempre fue habitado por trabajadoras sexuales y habitantes de calle y se inauguró en 2002. La plaza entonces se convirtió en epicentro de la cultura de la ciudad y también del turismo. Durante años allí coexistieron las trabajadoras sexuales, las esculturas y los turistas y visitantes que llegaban para tocar la lengua de la escultura del perro, el miembro del Gladiador.

Regalos para Medellín

Además de la plaza, Botero fue un mecenas para los museos. Botero siempre decía que su formación como artista la debía a los museos. En 2012, donó los cuadros originales de Vía Crucis, la serie que marca una transformación de las temáticas que había abordado desde los años cincuenta. En ella, representa la injusticia y el abuso de poder del hombre contemporáneo, una versión de la piedad que hace pensar en las madres que lloran a sus hijos asesinados y un cristo crucificado en medio del Central Park de Nueva York.

Aunque ya era un artista reconocido en el mundo, en 1974 Botero hizo una exposición individual en Medellín que es recordada por muchos. En una naciente sala de arte de la Biblioteca Pública Piloto, el artista presentó su obra y la entonces promotora del Museo de Zea (hoy Museo de Antioquia), Teresita de Santa María le dijo que querían comprarle un cuadro "a cuotas o por club (una forma de pago por talonario usada en la ciudad)". Botero se desternilló de la risa y desde ahí se gestaron las primeras de varias donaciones (terminó entregando 189 piezas en total), recuerda María del Rosario Escobar, directora del Museo de Antioquia en el podcast Distrito San Ignacio. Así llegó el Exvoto, una obra en la que se ve al artista arrodillado a una virgen rodeada de serpientes, con una nota: "Si el Museo crece les llegarán más regalitos".
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Así fue Botero para Medellín, un mecenas que la sacudió para siempre con su obra. Hoy los medellinenses le dedican siete días de luto y le hacen un homenaje, pero el regalo es su obra que pervive en las plazas y en las calles de la ciudad.

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La ciudad decreta siete días de luto por la muerte del artista. Es conocido como el mecenas y un artista clave en la transformación urbana

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Le peintre et sculpteur colombien Fernando Botero, célèbre pour ses personnages aux formes voluptueuses, est mort, a annoncé vendredi 15 septembre le président colombien Gustavo Petro. "Fernando Botero, le peintre de nos traditions et de nos défauts, le peintre de nos vertus, est mort", a annoncé sur le réseau X (anciennement Twitter) le chef d'Etat. Fernando Botero, né en 1932 à Medellin, dans le centre de la Colombie, est considéré comme l'un des plus grands artistes du XXe siècle. Jeune artiste, le Colombien rêvait d'" être comme Picasso". Il se décrivait comme le peintre des " volumes exaltés".

Le président Gustavo Petro n'a donné aucune autre précision sur le lieu de son décès. Selon la presse colombienne, qui saluait vendredi matin à l'unisson " le plus grand artiste colombien de tous les temps", le maître avait vu son état de santé s'aggraver ces derniers jours, souffrant notamment d'une pneumonie.

Artiste colombien le plus coté au monde

" Je pense souvent à la mort et cela m'attriste de quitter ce monde et de ne plus pouvoir travailler parce que je prends beaucoup de plaisir à mon travail", avait confié le "maestro" lors d'un entretien à l'occasion de ses 80 ans en 2012. Fils d'un représentant de commerce, il s'initie à l'art très tôt. À l'âge de 15 ans, il vendait déjà ses dessins de tauromachie aux portes des arènes de Bogota.

" Quand j'ai débuté, c'était un métier exotique en Colombie, qui n'était pas bien vu et n'offrait aucun avenir. Lorsque j'ai dit à ma famille que je comptais me dédier à la peinture, ils m'ont répondu: Bon d'accord, mais nous ne pouvons pas t'aider", racontait l'artiste colombien le plus coté au monde.

Fernando Botero présente ses travaux récents dans son atelier parisien à Paris le 7 novembre 2003 (POOL COCHARD/GAILLARDE / GAMMA-RAPHO)

Après une première exposition individuelle à Bogota dans les années 1950, il part pour l'Europe, séjournant en Espagne, France et Italie où il découvre l'art classique. Son œuvre est aussi influencée par l'art précolombien et les fresques du Mexique, où il s'installera plus tard.

Sa carrière décolle dans les années 1970 lorsqu'il rencontre le directeur du musée allemand de New York, Dietrich Malov, avec lequel il organisera plusieurs expositions à succès. " Totalement inconnu, sans même un contrat avec une galerie de New York, j'ai alors commencé à être contacté par les plus grands marchands d'art du monde", racontait-il.

Artiste du gigantisme

Les dimensions hors du commun de son art, qui deviendront sa marque de fabrique, se révèlent en 1957 dans le tableau Nature morte avec mandoline. Il peint alors l'ouïe centrale (ouverture) de la mandoline trop petite, en comparaison avec la taille de l'instrument. Ainsi, expliquait-il, "entre le petit détail et la générosité du tracé extérieur, une nouvelle dimension apparaît, plus volumétrique, plus monumentale, plus extravagante".

Pour l'artiste, le qualificatif de "gros" ne convenait pas à ses personnages. Amoureux de la Renaissance italienne, il se disait " défenseur du volume" en art moderne. Sa sculpture, également marquée par le gigantisme, a occupé une place très importante dans sa carrière, développée essentiellement à Pietrasanta, en Italie. Il a partagé pendant des années sa vie entre ce coin de Toscane, New York, Medellin et Monaco où il continuait de créer.

Sculpture et engagement

La sculpture s'inscrit dans la continuité de l'œuvre picturale de Botero." C'est une prolongation de mon travail de peintre, c'est plus facile de passer d'un volume irréel à un volume réel parce que ma peinture a déjà un certain volume", dit le peintre. En revanche, l'expression des visages est volontairement négligée. " Je ne veux pas faire une étude psychologique des personnages. Pour moi, une tête est un objet comme une main ou un pied", explique Botero pour lequel " la non-expression devient ainsi une expression".

Au-delà des scènes joyeuses et colorées, on trouve également des tableaux sombres et empreints de violence, guerres ou tremblements de terre. Botero se revendique artiste engagé qui fait " des tableaux pour la liberté et contre l'injustice".

Fernando Botero dans son petit atelier de Pietrasanta, réalisant des croquis de futures peintures en Italie, en août 2001 (POOL COCHARD/MERILLON / GAMMA-RAPHO)

L'artiste, qui disait ne jamais savoir ce qu'il allait peindre le lendemain, s'est inspiré de la beauté, mais aussi des tourments de son pays, marqué par un conflit armé de plus d'un demi-siècle. En 1995, une bombe placée au pied de sa sculpture L'Oiseau avait tué 27 personnes à Medellin. Cinq ans plus tard, il avait fait don d'une réplique baptisée L'Oiseau de la paix. Son œuvre met en scène guérillas, séismes, maisons de passe. Il a aussi peint une série sur les prisonniers du pénitencier américain d'Abu Ghraib, en Irak.

Botero et Picasso

Le peintre et sculpteur a eu droit à de nombreuses expositions en France dont Botero, dialogue avec Picasso à l'Hôtel de Caumont d'Aix-en-Provence. Il décrivait son admiration pour le peintre : "La dimension exaltée donne à l'objet une sensualité, une existence plus intense, une présence plus grande". Il considérait le maître comme " le plus grand peintre du 20e siècle" à ses yeux.

" Avec son génie, sa capacité à faire tous les styles, Picasso a inspiré tous les peintres du monde", assurait Fernando Botero qui admet avoir " vécu de nombreux moments sous son influence". Comme chez Picasso, les thèmes du cirque, de la corrida, des nus féminins, des natures mortes sont très présents dans l'œuvre de Botero. " Mais j'ai trouvé une façon de m'exprimer personnelle, qui n'a rien à voir avec Picasso", témoigne Botero.

Fernando Botero regarde le tableau "Massacre en Corée" de Pablo Picasso, le 22 novembre 2017, exposé à l'Hôtel de Caumont, à Aix en Provence, dans le sud de la France, dans le cadre de l'exposition "Botero, dialogue avec Picasso". (BORIS HORVAT / AFP)

Grand mécène

L'artiste a aussi été un grand mécène, avec des donations estimées à plus de 200 millions de dollars. Il a donné aux musées de Medellin et de Bogota nombre de ses œuvres, et des dizaines de tableaux de sa collection privée, dont des Picasso, Monet, Renoir, Miro... Pour ses 90 ans, sa ville natale lui avait consacré une exposition pour lui dire "merci".

Ses œuvres sont aussi visibles en plein air dans de nombreuses villes du monde, l'artiste estimant que les expositions dans les espaces publics sont un " rapprochement révolutionnaire" de l'art avec le public. Une idée qu'il avait étrennée en 1992 sur les Champs-Elysées à Paris, puis près du Grand canal de Venise et face aux pyramides d'Egypte. Ses statues ont aussi voyagé jusqu'en Chine en 2015.

Marié trois fois, la dernière à la sculptrice grecque Sophia Vari, le "maestro" a souffert de la mort de l'un de ses enfants, à l'âge de quatre ans, dans un accident de voiture. Son œuvre, de plus de 3 000 tableaux et 300 sculptures, démontre son insatiable appétit de créer. La seule idée d'abandonner les pinceaux " me terrorise plus que la mort", disait-il.

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Le peintre et sculpteur colombien Fernando Botero, célèbre pour ses personnages aux formes voluptueuses, est mort

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Le peintre, né en 1932 à Medellin, est considéré comme l'un des plus grands artistes du XXe siècle.

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3 DE MARZO DE 2022 10 mejores deportistas españolas de la historia.Las deportistas españolas y campeonas olímpicas que han marcado un antes y un después en la historia del deporte femenino español

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3 DE MARZO DE 2022 10 mejores deportistas españolas de la historia.Las deportistas españolas y campeonas olímpicas que han marcado un antes y un después en la historia del deporte femenino español

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Las deportistas españolas y campeonas olímpicas que han marcado un antes y un después en la historia del deporte femenino español

Desde tiempos inmemorables el deporte ha estado presente en nuestra sociedad, como un agente colectivo que unifica naciones y personas. España se sitúa como líder en muchas disciplinas deportivas como el motor, baloncesto, tenis, fútbol, ciclismo o muchos tipos de deportes diferentes y sobresalen nombres tan conocidos como Pau Gasol, Iker Casillas, Rafa Nadal, Ángel Nieto o Miguel Induráin.

Desde las más jóvenes que luchan por demostrar la figura de la mujer en el deporte, aquellas que marcaron un hito por sus logros, hasta las que no se ven pero que siguen buscando la igualdad. Hay muchas más mujeres deportistas españolas que destacan o destacarán en el deporte internacional y sea cual sea el tipo llámalo atletismo, fútbol, natación o tenis que siempre estarán dispuestas a abrirse un hueco en el mundo del deporte.

Desde IDSports te dejamos las 10 mujeres que han dejado huella en el deporte español.

Las 10 mejores mujeres deportistas españolas

Alexia Putellas

Uno de los iconos del fútbol femenino español. Alexia Putellas se ha convertido en un referente para todas aquellas chicas apasionadas por el fútbol y ha marcado un antes y un después al ser la primera mujer española en llevarse el Balón de Oro en 2021. Capitana y líder del mediocampo culé ya comenzó siendo un icono desde que la ficharon por el Barcelona a sus 18 años.

Mireia Belmonte

Reconocida por todo el país, Mireia Belmonte se ha consagrado como una de las mejores nadadoras españolas de la historia. Campeona olímpica, europea y mundial domina, como pez en el agua, las categorías de estilos, mariposa y libre. Ya apuntaba maneras en el 2006 cuando se proclamó Campeona del Mundial Junior en 400 m estilo libre ahora 16 años después cuelgan de su cuello 16 medallas mundiales, 24 europeas y 4 medallas Olímpicas. La deportista española más laureada de los JJOO.

Sus éxitos se reflejan en su pasión por la competición y sus ganas de ser la mejor en el agua, y así la consideramos: como una de las mejores deportistas que tiene nuestro país.

Carolina Marín

El bádminton no se puede entender sin el nombre de Carolina Marín. Cuenta con medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Rio 2016, tres mundiales y cinco europeos. En el 2014 con solo 21 años fue galardonada con el Premio Nacional del Deporte Reina Sofía.

En el 2019 tuvo la mala suerte de sufrir una grave lesión en la rodilla y no pudo participar en los Juegos Olímpicos de Tokio 2020 por una lesión en la recta final de su preparación.

Ana Carrasco

Cinco años después Ana Carrasco volverá a correr en el campeonato del Mundo de MotoGP en 2022 que se celebrará en Catar. De la mano del equipo español BOE SKX pondrá de nuevo una cara femenina en la parrilla de mundial de dos ruedas.

Arantxa Sánchez Vicario

Sandra Sánchez

En 2018 y 2021 peleó para conseguir el campeonato mundial de kata femenino y ha sido campeona de Europa seis veces seguidas, además de ser la primera campeona olímpica de la historia del kárate en los JJOO de Tokio 2020.

Blanca Fernández Ochoa

El hito de las mejores deportistas españolas de la historia y la primera de las más importantes, Blanca Fernández consiguió la primera medalla olímpica para el deporte femenino español. Es la primera mujer esquiadora española en haber conseguido una medalla en las olimpiadas, más concretamente en los Juegos Olímpicos de Inverno de Albertville.

Blanca lució el bronce en estos juegos de invierno después de su esfuerzo por lograrlo y convertirse, así, en la mujer extraordinaria y amante de la nieve que era, ahora se cumplen casi 3 años de su fallecimiento. El 2019 fue un año de luto para el deporte femenino.

Amaya Valdemoro

Ha jugado en varias ligas más allá que la española: como la estadounidense, brasileña, rusa y turca además de ser la única deportista en situarse 6 años seguidos dentro del top 5 de Mejor Jugadora Europea.

Ona Carbonell

Lydia Valentín

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10 mejores deportistas españolas de la historia- IDSPORTS

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Las deportistas españolas y campeonas olímpicas que han marcado un antes y un después en la historia del deporte femenino español Desde tiempos inmemorables el deporte ha estado presente en nuestra sociedad, como un agente colectivo que unifica naciones y personas.

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13 mujeres españolas que son referentes del deporte y han hecho historia

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13 mujeres españolas que son referentes del deporte y han hecho historia

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Un año más, en el Día Internacional de la Mujer, queremos recordar a las deportistas que han ido abriendo camino para otras mujeres, tanto profesionales como aficionadas. Ellas nos han inspirado, han actuado como modelo a seguir y nos han hecho creer que nosotras también podíamos.

En este caso, nos gustaría hablar de 13 mujeres españolas que no solo han hecho historia, sino que se han convertido en referentes para todas nosotras. Nos gustaría poder nombrarlas a todas, pero probablemente no acabaríamos. En cualquier caso, hay muchas más de las que no podemos olvidarnos, aunque no las mencionemos una a una en la lista, como Sandra Sánchez, Fátima Gálvez, Maialen Chourraut, Teresa Portela, Garbiñe Muguruza, Laia Palau, Gemma Mengual y muchas más.

Lili Álvarez

Si hay una referente de referentes y una pionera, esa es Lili Álvarez. En plenos años 20, cuando casi ninguna mujer practicaba deporte - y ya no hablemos de deporte profesional -, ella se armó con su raqueta y sus patines y participó en los Juegos Olímpicos de 1924, convirtiéndose en la primera mujer española en hacerlo. No solo eso, sino que practicaba deportes como el esquí, equitación, alpinismo e incluso llegó a pilotar coches de carreras. Si hablamos de abrir puertas a las mujeres en el deporte español, ella creó la puerta.

Blanca Fernández Ochoa

Y si hablamos de pioneras y de mujeres españolas que hicieron historia, Blanca Fernández Ochoa es un nombre propio en mayúsculas. Ella fue la primera mujer española en conseguir una medalla olímpica para España. Lo hizo en los Juegos Olímpicos de Invierno, en 1992. Su bronce en eslalon abrió el medallero para las mujeres españolas.

Miriam Blasco

Después de Fernández Ochoa, llegó Miriam Blasco consiguiendo la primera medalla para el deporte femenino en unos Juegos de Verano. Lo hizo en los Juegos Olímpicos de 1992, en Barcelona, y se alzó con el oro en yudo. Sus éxitos se siguieron acumulando los siguientes años en diferentes campeonatos del mundo y campeonatos europeos.

Arantxa Sánchez Vicario

En el mundo del tenis femenino de nuestro país, Arantxa Sánchez Vicario es, sin duda, uno de los mayores referentes. Después de ella vinieron otras, claro, pero ella fue la primera española en en conseguir el primer puesto de la WTA. Sus logros siguieron aumentando y su aportación al medallero olímpico español es innegable.

Edurne Pasabán

Conseguir 14 ochomiles es un logro prácticamente inalcanzable para el común de los mortales, pero Edurne Pasaban lo hizo y se convirtió en la primera mujer en conseguirlo. Es en una inspiración para todas las mujeres del mundo aficionadas al deporte y a la montaña.

Almudena Cid

Cuatro Juegos Olímpicos pueden no parecer muchos, pero cuando hablamos de gimnasio rítmica, participar en cuatro finales olímpicas es casi imposible. Tanto que solo una gimnasta lo ha conseguido: Almudena Cid. La deportista participó en Atlanta 1996, Sídney 2000, Atenas 2004 y Pekín 2008. No es de extrañar que sea una de las gimnastas rítmicas españolas más reconocidas. Además, puede presumir de haber creado su propio elemento, el "Cid Tostado".

Teresa Perales

Teresa Perales es, probablemente, una de las deportistas más importantes de natación paralímpica y, sin duda ninguna, una de las mejores deportistas españolas. Perales ha participado en cinco Juegos Paralímpicos y se ha alzado con 26 medallas olímpicas.

Lydia Valentín

La halterofilia femenina española tiene una representante única y, tal vez, irrepetible, en Lydia Valentín. La atleta ha participado en cuatro Juegos Olímpicos y ha conseguido medallas en tres de ellos (2008, 2012 y 2016). Sus logros en los Campeonatos del Mundo y Campeonatos de Europa la han convertido en un referente y su labor por visibilizar este deporte no ha pasado inadvertido.

Ruth Beitia

Otro referente del deporte español es Ruth Beitia. Ella ha sido la primera mujer española en conseguir una medalla olímpica en atletismo. Pero no solo eso, sino que es ella quien ostenta el récord de España en salto de altura femenina.

Mireia Belmonte

Los logros de Mireia Belmonte en natación no solo son de los mejores entre las nadadores españolas, sino en todo el mundo. Belmonte cuenta con cuatro medallas en su haber, dos platas en 2012 y un oro y un bronce en 2016. Pero el palmarés de la nadadora no acaba ahí. Sus logros en campeonatos mundiales y europeos son casi incontables. Solo en medallas de oro, cuenta en total con 22.

Ana Peleteiro

En los últimos años el nombre de Peleteiro no deja de repetirse y no nos extraña. Si ya es un referente del deporte español, no podemos esperar a saber qué vendrá en los próximos años y qué logros conseguirá. En 2019 se alzó con el récord de España en triple salto en pista cubierta. Pero en los Juegos Olímpicos de 2020 batió ese récord dos veces y, además, se alzó con la medalla de bronce. Sus logros deportivos y su carisma la han convertido en todo un referente.

Alexia Putellas

El fútbol ha sido, especialmente en nuestro país, un deporte mayoritariamente masculino. Pero, de unos años a esta parte, esto ha ido cambiando poco a poco y Alexia Putellas es una de los mayores representantes de esto. Este mismo año se ha convertido en la primera futbolista española en hacerse con el Balón de Oro. Pero no solo eso, sino que también ha recibido el FIFA The Best y el premio de Jugadora del Año de la UEFA.

Carolina Marín

El bádminton es un deporte muy minoritario en nuestro país y, precisamente por eso, es todavía más sorprendente todo lo que ha conseguido Marín. No solo ha superado a algunas de las mejores jugadoras de bádminton del mundo - provenientes de países con gran tradición en este deporte -. En su haber cuenta con un oro en los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro en 2016, pero también es tres veces campeona del mundo y cinco veces campeona de Europa. Un referente en todos los sentidos.

En Vitónica | Cómo ha evolucionado la presencia de la mujer en las salas de Fitness (y cómo los gimnasios pueden adaptarse más a ellas)

Imágenes | Gtres, Flickr, Wikimedia Commons

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13 mujeres españolas que son referentes del deporte y han hecho historia

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Un año más, en el Día Internacional de la Mujer, queremos recordar a las deportistas que han ido abriendo camino para otras mujeres, tanto profesionales como aficionadas. Ellas nos han inspirado, han actuado como modelo a seguir y nos han hecho creer que nosotras también podíamos.

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El poder de las mujeres en el deporte y en la vida | Amaya Valdemoro | TEDxBarcelonaWomen

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Actualmente las mujeres del ámbito deportivo tienen mucha más presencia en nuestra sociedad. Según el portal Statista, en 2019 y en toda España, había un total de 908.600 mujeres federadas y, concretamente en Catalunya, había 166.200 mujeres con licencia federada vinculada al deporte. Un dato que contrasta con el del año 2009, cuando en España había un total de 684.500 mujeres federadas.

Por otra parte, en el deporte de élite, las deportistas han conseguido también grandes logros, y en los JJOO de Río de 2016, por ejemplo, representaban el 45% de deportistas, es decir, aproximadamente 4.700 mujeres del total de 11.551 deportistas. Concretamente para el equipo español, del total de 17 medallas, 9 fueron para mujeres. Para llegar hasta aquí, ha sido fundamental el papel y la lucha constante que han protagonizado las mujeres.

Muchas de ellas han conseguido dejar huella en el ámbito deportivo individual, como la tenista Lilí Álvarez y la esquiadora Blanca Fernández Ochoa, dos deportistas españolas que han sido las mejores en su disciplina. Además, también en el ámbito colectivo ha destacado Amaya Valdemoro, que ha destacado por ser la mejor jugadora española de baloncesto de la historia. Todas ellas se dedicaron a una profesión que algunos no consideraban digna para las mujeres.

Ciertamente, las mujeres han logrado alcanzar muchos objetivos que anteriormente el sector deportivo no contemplaba, y no solo en el deporte de élite, también en el ámbito educativo, familiar y social, aunque todavía queda un largo camino por recorrer.

En España, hoy en día mujeres y niñas pueden dedicarse al deporte si así lo desean. Ya no hay leyes que prohíban practicar unas modalidades deportivas u otras, sino que hay una apuesta clara a nivel político de fomentar el deporte femenino. No obstante, sí que perduran los estereotipos de género, esas "normas no escritas" sobre lo que corresponde y se considera apropiado a hombres y a mujeres. Y expresiones como " Corres como una niña ", utilizadas en sentido negativo, aún siguen muy presentes en el entorno deportivo.

A pesar de los cambios respecto a épocas pasadas, y de la lucha llevada a cabo durante décadas para lograr la igualdad entre hombres y mujeres en el deporte, la discriminación por cuestiones de género sigue vigente en la actualidad. Un buen ejemplo es el análisis de la presencia de las mujeres en los cargos de responsabilidad del deporte.

Según el Observatori Català de l'Esport, este 2020, 177 mujeres ocupaban cargos directivos en las entidades deportivas frente a 679 hombres. Se trata de una cifra que supone un aumento si la comparamos con el año 2000, cuando 71 mujeres y 734 hombres lideraban diferentes entidades deportivas. Sin embargo, a pesar de este crecimiento, las mujeres siguen siendo minoría, ya que solo representan el 20,7%. Es por ello que es importante seguir luchando para alcanzar un trato equitativo.

Aunque cada vez son más las mujeres que hacen deporte y actividad física, este incremento no se refleja en la presencia de mujeres en los estudios y profesiones vinculados a las Ciencias de la Actividad Física y el Deporte. Son muchas las salidas laborales que existen en este campo profesional: en el ámbito de la educación, de la salud y el bienestar, de la gestión, del ocio y la recreación o del entrenamiento deportivo.

No obstante, estas son poco conocidas y a menudo se tiene una visión estereotipada, tal y como sucede en las carreras vinculadas a las tecnologías. Esta situación provoca que la presencia de mujeres estudiantes en el Grado universitario de Ciencias de la Actividad Física y el Deporte sea de un 20% aproximadamente. Así mismo, según el Observatori Català de l'Esport, el año 2019-2020 un 80,9% de las personas que cursaron enseñamientos de técnico de deportes en Catalunya eran hombres, frente a un 19,1 % de mujeres.

Sin duda, es un ámbito donde las mujeres pueden tener un amplio abanico de oportunidades, de modo que las mujeres que han cursado estos estudios animan a que otras chicas apuesten por ellos y encuentren en el deporte y la actividad física una buena oportunidad laboral.

Otro aspecto a analizar es la poca presencia del deporte femenino en los medios de comunicación. Son muy pocas las mujeres que son noticia en las principales televisiones, radios o periódicos del país por los méritos profesionales que han alcanzado en el ámbito deportivo.

En términos generales, el deporte femenino no recibe apenas reconocimiento mediático, ya que sobre las competiciones femeninas se informa con un seguimiento muy puntual y sin continuidad. Además, en la gran mayoría de las ocasiones, los méritos femeninos vienen camuflados entre los éxitos de los hombres en el deporte. Y es que existe una gran diferencia entre el espacio y tiempo que se dedica al deporte en los medios según el género al que pertenece el o la protagonista.

Un estudio de la Universidad Carlos III de Madrid recalca que la prensa deportiva dedica un 5,11% de su espacio a las mujeres deportistas. Además, de este porcentaje, en un 2,18% aparece sola y en un 2,93% acompañada por hombres. Pese a que el estudio analiza la situación hasta el año 2010, no se han producido muchos cambios. En la última década, la cifra de medios de comunicación que dedican espacio a las mujeres solo habría ascendido hasta un 6%, según publica la revista Compromiso empresarial.

Pero la ausencia del deporte femenino no solo se transmite en forma de silencio, sino que también viene dándose con espacios más limitados en periódicos, ausencia de portadas con información deportiva de mujeres, menor tiempo en las parrillas televisivas o incluso titulares que hacen referencia a otros aspectos personales de su vida. Por ejemplo, algunas mujeres han llegado a ser noticia por una ruptura sentimental o algún otro aspecto anecdótico de su vida privada y no por haber sido las mejores en su disciplina.

A pesar de que desde los gobiernos impulsan diversas políticas de género, todavía es muy necesaria la labor de otros colectivos, que siguen luchando por obtener una igualdad en el ámbito deportivo. El cambio debe producirse en la base, es decir, en las formas de gobernar y en la cultura de los estereotipos, que todavía sigue masculinizada.

Y es que la igualdad en el deporte ha evolucionado a lo largo de la historia de la humanidad, llegando a alcanzar situaciones que, en un pasado, eran impensables. Pese a ello, todavía queda un largo camino por recorrer, y día tras día las mujeres son las que luchan para afrontar estos cambios sociales con el objetivo de alcanzar la feminización del deporte.
Fuentes: Institut Nacional d'Educació Física de Catalunya (INEFC), Statista, Observatori Català de l'Esport, Wikipedia, Juegos Olímpicos y Género, Universidad Carlos III de Madrid.
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La igualdad en el deporte: un camino a medio recorrer

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Actualmente las mujeres del ámbito deportivo tienen mucha más presencia en nuestra sociedad. Según el portal Statista, en 2019 y en toda España, había un total de 908.600 mujeres federadas y, concretamente en Catalunya, había 166.200 mujeres con licencia federada vinculada al deporte.

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Diapo Maradona de BOUDON ET CHERIF-CAMARA

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Diapo Maradona de BOUDON ET CHERIF-CAMARA

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Visite de l'expo Frida Kahlo au palais Galliera

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AVISO DE PRIVACIDAD Y MANEJO DE DATOS PERSONALES DEL SITIO DEL MUSEO FRIDA KAHLO

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La música rap es el elemento vital de El Langui contra el acoso escolar

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El Langui - SE BUSCAN VALIENTES (Videoclip oficial)

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Buika - No Habrá Nadie En El Mundo (Videoclip oficial)

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Camaron de la isla & Paco de lucia - Bulerias

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Estrella Morente canta con los gitanos del Sacromonte

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Un día muy flamenco que abre las puertas de la cultura

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Dans les manuels de secondes Travail au CDI

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ECOSIA : Moteur de recherche qui respecte votre vie privée et plante des arbres

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ECOSIA : Moteur de recherche qui respecte votre vie privée et plante des arbres

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Lilo : Moteur de recherche qui respecte votre vie privée et finance des projets sociaux et environnementaux

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Lilo : Moteur de recherche qui respecte votre vie privée et finance des projets sociaux et environnementaux

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Il n'y a pas que google!

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Lilo, the search engine that funds social projects

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With Lilo, you can finance social and environmental projects free of charge thanks to your research.

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2022 Espagnol méthodo recherche  élève 

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Fotos: La vida de Diego Armando Maradona, en imágenes

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El astro argentino ha fallecido este miércoles a los 60 años

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Rodrigo Bueno - La mano de Dios │ HOMENAJE DIEGO MARADONA 2021

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Sustantivos

Adjetivos

Verbos

1. Observa la carátula y describe uno de los tatuajes representados.

2. Según la periodista, ¿cuál es la definición de un tatuaje?

3. ¿Cuáles son las claves de un buen tatuador?

4. ¿Por qué se niega el tatuador a hacer algunos tatuajes?

5. Encuentra ejemplos de tatuajes de moda (te puedes ayudar de la imagen o imaginar) y preséntalos oralmente.

Comment traduire " le front " ?

En espagnol, lorsque le mot frente est au masculin, il désigne le " front de guerre ". Pour parler de la partie du visage, on utilisera frente au féminin.

➜ Trouve une phrase en français avec l'un de ces cas et fais-la traduire à ton/ta voisin(e).

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Sustantivos Adjetivos Verbos 1. Observa la carátula y describe uno de los tatuajes representados. 2. Según la periodista, ¿cuál es la definición de un tatuaje? 3. ¿Cuáles son las claves de un buen tatuador? 4. ¿Por qué se niega el tatuador a hacer algunos tatuajes? 5.

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El tatuaje más antiguo de la historia lo llevaba Ötzi, un hombre prehistórico de hace 5.300 años, también los aztecas (imperio del actual México que vivió entre 1325 hasta 1521) llevaban tatuajes para tener protección, coraje y honrar a los dioses.

Sustantivos

Adjetivos

Verbos y expresiones

1. Observa la ilustración y describe la escena representada.

2. ¿Qué te sugieren las formas, los colores?

3. Identifica los tipos de personas que se tatúan y explica por qué.

4. ¿Cómo considera Carlos el oficio de tatuador?

5. Identifica las zonas más dolorosas para tatuarse.

6. Explica: "cada dibujo es un sentimiento, una historia de vida grabada en el cuerpo de una persona".

7. Imaginad una razón para tatuarse completando la frase: Uno se puede tatuar para que... /porque quiere que...

8. Explicad si, según el vídeo y lo que veis en la ilustración, el tatuaje es arte.

El nuevo tatuaje...

Vais a crear un tatuaje por ordenador. Tenéis que: imaginar la forma, poner el tatuaje en JPEG. Luego, lo vais a presentar y explicar a la clase.

Pour créer le tatouage, vous pouvez utiliser l'application en ligne : editor.method.ac.

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El tatuaje: ¿un arte en la piel? | Lelivrescolaire.fr

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El tatuaje más antiguo de la historia lo llevaba Ötzi, un hombre prehistórico de hace 5.300 años, también los aztecas (imperio del actual México que vivió entre 1325 hasta 1521) llevaban tatuajes para tener protección, coraje y honrar a los dioses. Sustantivos Adjetivos Verbos y expresiones 1.

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HISTORIA DE LOS PIERCINGS Y TATUAJES EN LA AMÉRICA PREHISPÁNICA ♥

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Las cholitas de Bolivia que escalan montañas en faldas

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Lucha libre para reivindicar el rol social de las 'cholitas'

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La futbolista que se negó al minuto de silencio a Maradona: "Estoy recibiendo amenazas de muerte"

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DIEGO MARADONA documental - tráiler español

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Biografía de Diego Rivera Resumida | Diego Rivera Biografía

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El muralismo en México, antecedentes, representantes y obras más notables

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¿Conoces los orígenes del BAILE FLAMENCO? 💃🏻 ¡Te lo contamos aquí!

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Des Racines et des Ailes - France Télévisions

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♛ Antoni Gaudi. Biografía y obras del arquitecto + Análisis de la Casa Milà

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CULTURA AZTECA o CULTURA MEXICA - MÉXICO - AEDUCACION

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EL DESCUBRIMIENTO DE AMÉRICA | Vídeos Educativos para niños

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Día de la Hispanidad EXPLICADA - para niños y no tan niños

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De ALFONSO XIII a la GUERRA CIVIL ESPAÑOLA .

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Corría el año 1975 y por fin España cerraba la puerta al franquismo y se abría a la libertad. De manera espontánea en esta nueva forma de vida, surgió en Madrid un fenómeno artístico social que no tardó mucho en adoptar el nombre de la Movida Madrileña. La suma de talentos de distintos ámbitos artísticos hizo posible esta maravilla creativa con aire esperanzador.

Así, España pudo comenzar a expresarse. Malasaña en los 80 era un hervidero cultural. Este barrio madrileño, localizado al norte de Gran Vía, se convirtió en el centro neuronal del movimiento.

¿Qué fue?

Durante los primeros años de la Transición española hasta mediados de los años 80, la Movida fue un movimiento contracultural y artístico. Aunque surgió en Madrid, el espíritu liberador fue contagiando a otras ciudades españolas en la década de los 80.

Estaba caracterizada por ser una nueva forma de expresión, tanto verbal como estéticamente. Además, su carácter innovador y la libertad dotaban a este movimiento de una gran peculiaridad.

En esta época, los españoles rompieron sus cadenas y salieron a las calles a vivir y a disfrutar de una vez por todas. Encontraron su hueco en la música, el cine, la literatura, la fotografía, etcétera. Así, nuestro país comenzó a recuperar su voz, identidad y un futuro que se creía perdido.

La historia del movimiento

La Transición trajo consigo mejoras en todos los ámbitos de la sociedad española. los tiempos comenzaron a cambiar de una forma que nadie se habría imaginado.

Sin embargo, desde principios de siglo comenzaba a existir por parte de los jóvenes un interés inusual en las culturas alternativas. Estas habían llegado ya al resto de Europa y tras la caída de la dictadura llegaron a España.

La llegada de las culturas undergroud supusieron un cambio y una liberación cultural e ideológica que posteriormente se abriría a la mayor parte de la sociedad española.

Los inicios de la etapa se sitúan entre 1977 y 1978, en los grupos musicales de la Nueva Ola. Estos imitaban a lo que sucedía en las grandes ciudades anglosajonas como Londres, Nueva York e incluso Los Ángeles.

Todos los grupos que surgieron sonaban en los programas musicales de Onda 2 y así, comenzaron a hacerse oír.

Dicen que aquí en Malasaña, nació en El Rastro, y que se expande con las ondas de los conciertos de MM, fiestas, reuniones privadas, inauguraciones de galerías de arte...

Homenaje a Canito, el pistoletazo de salida

Se conoce como el pistoletazo de salida al concierto homenaje a José Enrique Cano Leal.

La Nochevieja de 1979 se llevó por delante la vida de Canito, el batería del grupo Tos, después conocido como Los Secretos. El joven murió en un trágico accidente de tráfico. Sus compañeros quedaron destrozados y se negaban a olvidarle, por lo que decidieron hacerle un homenaje como se merecía, un gran concierto que honrara su memoria.

En ese momento, Tos no era apenas conocido y el concierto estaba pensado para los amigos de los locales de ensayo de Tablada y de la Prospe. En ningún momento pensaron que ese concierto, sería el principio de algo nuevo.

El homenaje a Canito tuvo lugar el 9 de febrero de 1980. En el concierto participaron Nacha Pop, Alaska y los Pegamoides, Paraíso, Mamá, Los Bólidos, los Trastos, Mario Tenia y Los Solitarios y Mermelada.

El concierto fue transmitido a través de los micrófonos de Onda 2

Extensión de la Movida Madrileña

El momento cumbre esta etapa fue el 23 de mayo de 1981 en "El Concierto de Primavera". Organizado por los alumnos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid de la Universidad Politécnica junto a Klub.

Al concierto acudieron aproximadamente unas 15.000 personas que disfrutaron de más de 8 horas de música que les acercaba a una España moderna. Tocaron entre otros, los grupos Farenheit 41, Alaska y los Pegamoides, Los Modelos, Mamá, Los secretos y Nacha Pop.

A partir de este concierto, el fenómeno se extendió a niveles mucho mayores que la música y a otras capitales españolas que comenzaron a conectarse. El movimiento fue apoyado por los políticos, quienes pretendían que marcara un punto de inflexión entre la sociedad Franquista y la nueva sociedad de la democracia española. Entre ellos, Tierno Galván, que en ese momento era el alcalde de Madrid, intentó dar un lavado de cara a la imagen que de España que se veía en años de la dictadura.

Fue el comienzo para combatir internacionalmente la imagen que España había adquirido a lo largo de cuatro décadas de dictadura.

Además, la noche madrileña siempre fue activa, también gracias al interés de las culturas alternativas. Fue una parte del cambio cultural e ideológico que abría paso al resto de la sociedad española.

Expresión artística en todos los ámbitos

Música

La manifestación artística más conocida es la musical. Destacaron durante estos años grupos que hoy día siguen viniéndote a la memoria. Damos un pequeño repaso de los más importantes.

Alaska y los Pegamoides: El grupo estaba formado por la cantante Alaska, Nacho Canut, Carlos Berlanga, Ana Curra y Eduardo Benavente, que crearon la exitosa canción Bailando

Zombies: Fundado por el músico Bernardo Bonezzi, aunaban influencias del glam rock y de la new wave.

Radio Futura: Fue considerado el mejor grupo español de la década de los 80 por diversas emisoras de radio y revistas especializadas, y nombrado en 2004 "mejor grupo español de los últimos 25 años".

Nacha Pop: Ha vuelto a los escenarios este año 2018 tras renovación natural y atrevida del grupo. Además, viven en uno de sus mejores momentos profesionales.

Los Secretos: En 2015, tras dos años de trabajo, presentaron el disco de versiones Algo prestado, donde homenajean a los autores y canciones que les han inspirado en su carrera musical.

Además de estos grupos, también fueron muy escuchados Paraíso, Aviador Dro, Las Chinas, La Mode, Parálisis Permanente, Los Elegantes,...¿te suenan, verdad?

Todos estos grupos concretaban una escena musical ligada siempre a otras disciplinas artísticas. Además, se caracterizaban por utiliza el castellano en sus letras.

Televisión y cine

Los programas de televisión acercaron el espíritu a los hogares españoles. La Edad de Oro y la Bola de Cristal revolucionaron la televisión en una época en la que tan solo existía una cadena de televisión, TVE.

El cine cambiaría radicalmente. Con Franco teníamos un tipo de cine en el que predominaba la España rural, más campesina, más humilde. Pero cuando llegó la Transición en el año 1975, este tipo de cine cambiaba radicalmente. Los personajes protagonistas pasarían a ser totalmente distintos, descolocando a todos los espectadores. Eran personajes que no eran normales. Además cada ve se empleaba más el género dramático, y sobre todo el amor desdichado.

Comenzaría a hablarse de temas que no se habían hablado hasta la fecha, en especial las drogas, el sexo (explícito), la prostitución, etc. Todo esto hizo que el cine español no fuera lo que había sido durante esos años de dictadura franquista, sino que era algo totalmente renovado y fresco, y sobre todo con ganas de llamar la atención.

Pedro Almodóvar fue el máximo exponente. Con sus películas Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón contribuyó a que Madrid se convirtiera en pocos años en una ciudad de referencia. Además tenemos a otros directores como Fernando Trueba, Fernand Colomo o Manuel Iborra.

Pintura y fotografía

A la pintura de Guillermo-Pérez Villalta, Sigfrido Martín-Begué, Ceesepe y Costus. También se sumó la fotografía de Alberto García Alix, Ouka Lele, Pablo Pérez Minguez y Miguel Trillo.

A raíz de este movimiento, los nuevos artistas plásticos aparecieron por Vigo, Barcelona y Valencia. Expresaban en las ciudades todo lo que llevaban dentro.

Otros ámbitos de manifestación

Además de los ya mencionados, el fenómeno sedujo y creó otros ámbitos que afectaron a la sociedad en general. Historietas, literatura, prensa, editoriales, graffitis y locales se adaptaron a la gran revolución.

Un ejemplo lo recoge José Luis Gallero con Solo se vive una vez. Un libro que pone a disposición de los lectores el retrato de la ciudad de Madrid en esos momentos. Donde reinaba un clima de optimismo por la llegada de la democracia. Sólo se vive una vez, es la crónica de la Movida Madrileña.

Por último, no nos olvidamos de la moda. Destaca la famosa Ágatha Ruiz de la Prada, pionera de la onda fashionista. Era muy joven cuando se convirtió en una de las promotoras más importantes del movimiento. Aunque he de decir, que sus inicios no fueron exitosos hasta que El Corte Inglés compró sus productos.

¿Dónde nació y creció?

Un local muy importante que hizo que el movimiento creciera fue la Sala Rock Ola, en el que tocaron su música artistas como Loquillo y los Trogloditas, Alaska, Nacha Pop. También asistieron artistas internacionales como el reconocido Iggy Pop.

Aunque no solo era una sala de conciertos sino que también se exponían cuadros, fotos, desfiles, e incluso llegó a ser un cine fórum y un teatro. Aunque el local cerró en el año 1985, después de que ocurriera un asesinato por parte de un mod a un rocker.

Otro de los lugares importantes de la Movida Madrileña fue la Escuela de Caminos de la Universidad Politécnica de Madrid el 9 de febrero de 1980. En él se homenajeó al primer batería de Los Secretos, que había muerto atropellado.

También encontramos como epicentro de la Movida La vía Láctea. En este local encontramos reproducciones psicodélicas de obras como la Capilla Sixtina y también imágenes de artistas de la reconocida e importante Holywood. Este local sigue abierto en la calle Velarde, 18. Toda su decoración sigue intacta.

Otras de las salas importantes fueron la Sala El Sol, que estaba situada a pocos metros de la Puerta del Sol, que sigue abierta como una sala de conciertos. Otros locales como la sala Clamores, Galileo Galilei, El Palentino y el Kwai aun siguen llevando a los nostálgicos directamente hasta esa época.

La Movida Madrileña no se olvida

Años después de esta época, TVE organizó a través de su página web una encuesta sobre los temas musicales más emblemáticos y populares.
Este es el top 10 de las canciones más votadas:

1. Escuela de calor - Radio Futura

2. Chica de ayer - Nacha Pop

3. Perlas ensangrentadas - Alaska y Dinarama

4. Bailando - Alaska y los Pegamoides

5. Déjame - Los Secretos

6. Salta - Tequila

7. Enamorado de la moda juvenil - Radio Futura

8. ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este? - Burning

9. Autosuficiencia - Parálisis permanente

10. Groenlandia - Los Zombies

Si no has escuchado ninguno de estos temas, te recomendamos que no pierdas más el tiempo y los escuches una y otra vez. Te aseguramos que te trasladarán a una época de revolución que marcó un antes y un después en la sociedad española.

El final de la Movida

El tiempo voló hasta 1986, cuando los músicos y cantantes que representaban esta época dorada alcanzaron el éxito comercial. En ese momento el cine de Pedro Almodóvar ya era un icono para la nueva cultura de España. Así que dejó de tener sentido como fenómeno y se convirtió en una marca común. Con un legado a sus espaldas incuestionable. Fue pieza clave del cambio radical en la forma de ser de los españoles.

Cuando tocó a su fin, pocos grupos musicales o artistas han continuado desarrollando ese espíritu. E incluso, en los años 90, la Movida fue ignorada y rechazada por las nuevas generaciones. Pero la marea siempre vuelve, y a partir de los 00, volvió a través de libros, documentales, reediciones y películas. A día de hoy es un momento de la historia muy seguido y admirado al que aún de vez en cuando podemos escapar a través de bares como el Penta.

El Penta era un mítico garito de Madrid que se nombra en la canción Chica de ayer. Aunque el interior del local no se parece mucho a lo que fue en otro tiempo. Hay algunas fotografías y cuadros de los conciertos que se celebraban en él. Muchos se acercaban a visitarlo para poner en marcha su creatividad.

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La Movida Madrileña, una auténtica revolución - Malasaña.com

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Hoy os contaremos todo sobre la Movida Madrileña, un fenómenos artístico social que surgió de una manera espontánea en la España de los 80, dejando atrás el franquismo. La suma de talentos y personajes hicieron posible que a mediados de los 70, España pudiera comenzar a expresarse.

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El nuevo “Erasmus+ 2021-2027” empieza aquí

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Texto en el que el autor aboga por ideas y saca conclusiones basadas en su interpretación de hechos y datos

El teleférico que une La Paz con la ciudad de El Alto ha contribuido a aliviar el tráfico caótico de dos de las ciudades más altas del mundo

Teleférico de La Paz (Bolivia). MINISTERIO DE COMUNICACIÓN DE BOLIVIA

Viajan por el cielo de la ciudad que toca las nubes. Suspendidas por un cable en las alturas, unas 80.000 personas parecen no prestar atención a las impresionantes vistas. Tampoco que sientan el efecto de la presión en sus oídos o cómo va cambiando la temperatura en el exterior. Están acostumbradas. Utilizan a diario este método de transporte. Se desplazan en el teleférico que une las ciudades bolivianas de La Paz y El Alto, la red de transporte urbano más alta y más larga del mundo. Y que, a 19 kilómetros por hora, les ahorra en promedio un 22% de tiempo de desplazamiento.

El transporte público es uno de los grandes desafíos para las ciudades de Latinoamérica, que siguen creciendo rápidamente en cuanto a población y tráfico. Se prevé que para 2030 tengan 130 millones de personas más de los que tenían en 2010, un año en el que por cada niño nacido se registraba una media en la región de 2,5 nuevos vehículos a motor. El Alto, por ejemplo, pasó de 11.000 habitantes en 1950 a un millón en la actualidad y, a 4.070 metros de altitud, se convirtió en la ciudad grande más alta del mundo. 15 kilómetros de distancia y 420 metros de altura la separan de La Paz. Un camino que recorren a diario cerca de medio millón de personas.

Muchos viajeros han logrado reducir el tiempo de desplazamiento gracias al teleférico, que en sus primeros dos años de operación transportó a 40 millones de pasajeros. Y el pasado diciembre alcanzo los 100 millones de pasajeros transportados desde el 2014.

El teleférico que une las ciudades bolivianas de La Paz y El Alto forma la red de transporte urbano más alta y más larga del mundo

Los retos de crecimiento y de movilidad han llevado a buscar alternativas a los modos tradicionales de transporte urbano, incluyendo esta clase de vehículos que, tradicionalmente, se han asociado a las estaciones de esquí y a atracciones turísticas. En la última década, numerosas ciudades del mundo han construido redes de teleférico para aliviar la presión del tráfico y facilitar los desplazamientos: Portland o la isla Roosevelt, en Estados Unidos; Medellín, Caracas o Río de Janeiro, en Sudamérica; Lagos o Constantina, en África; Hong Kong o Maokong, en Asia; y Koblenz, en Europa. son algunos de los ejemplos más claros de la presencia de líneas de teleférico en el transporte urbano en el mundo.

Todas ellas vieron en este sistema de transporte las ventajas de no requerir una infraestructura masiva, de poder integrarlo fácilmente a las redes de transporte existentes para crear sistemas multimodales, de salvar terrenos accidentados o de utilizar energía eléctrica para su funcionamiento. En el caso de Medellín (Colombia), además, se han realizado numerosos estudios que sugieren que los teleféricos mejoraron la integración urbana y modernización de vecindarios, accesibilidad y seguridad, calidad de vida, oportunidades de empleo y contaminación percibida.

Los teleféricos pueden suponer una reducción del tiempo de transporte urbano, factor que trae asociados otros efectos positivos como un mejor y más rápido acceso al mercado laboral o a servicios de salud y de educación, así como mayores oportunidades para la realización de otras actividades cívicas. En el caso del teleférico de La Paz a El Alto, un estudio realizado por el Banco Interamericano de Desarrollo demostró que, sin importar la distancia del traslado, usar este medio de transporte permitía ahorrar un 22% del tiempo total o una media de nueve minutos.

Este transporte, que se mueve a 19 kilómetros por hora, ahorra en promedio un 22% de tiempo de desplazamiento

Al igual que otras opciones de transporte, el teleférico tiene algunos puntos en contra. Los usuarios tienen que pagar cerca del doble de lo que cuestan los minibuses, las pequeñas furgonetas de transporte informal y, generalmente, de escasa calidad, que atestan las calles de la ciudad del altiplano. En un país como Bolivia, donde el 29% de la población urbana vive en situación de pobreza, esta es una de las principales desventajas de la red. El alto coste de ponerlo en funcionamiento y su reducida capacidad de viajeros comparada con otras opciones de transporte masivo actúan también como freno para que el teleférico se convierta en una alternativa para el transporte masivo de pasajeros. Pero en América Latina, que tiene muchas ciudades montañosas, la orografía juega a favor de esta forma de desplazarse.

En un día laborable, el sistema paceño puede mover 3.000 pasajeros por hora en cada dirección. 427 cabinas con una capacidad individual de diez usuarios entran cada 12 segundos en una de las 11 estaciones que conforman la red. Un alivio para el tráfico caótico de una ciudad cuyas características geográficas y topográficas requerían invertir en un sistema de transporte no convencional. Y un método eficaz para los habitantes de la localidad vecina de El Alto que necesitan una conexión adecuada con sus trabajos en la capital del país. Viajando por el cielo de una de las ciudades más altas del mundo.

Gador Manzano es especialista sénior de comunicación del BID.

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i Texto en el que el autor aboga por ideas y saca conclusiones basadas en su interpretación de hechos y datos Viajan por el cielo de la ciudad que toca las nubes. Suspendidas por un cable en las alturas, unas 80.000 personas parecen no prestar atención a las impresionantes vistas.

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Sitio oficial de turismo de la Ciudad de Buenos Aires

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Entre la calle-museo Caminito, los conventillos y la pasión por el club de fútbol Boca Juniors, descubrí un lugar único en el mundo.

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Biografía / Frida Kahlo / Arte para niños

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Hablamos de Acoso Escolar o Bullying cuando un/a compañero/a o varios/as tienen hacia ti conductas negativas. Estas conductas pueden ser insultos, chantajes, amenazas, difundir rumores sobre ti, ignorarte, robarte cosas o agredirte físicamente. Además, este tipo de actuaciones no ocurren de forma puntual, sino que son frecuentes y se alargan en el tiempo.

El Acoso Escolar puede ocurrir dentro del propio centro escolar (recreos, cambios de clase, aula, pasillos, baños...) y también fuera del colegio o instituto (en la entrada, de camino a casa, en la ruta...). Existe también la posibilidad de que este tipo de acoso se produzca a través de medios telemáticos (a través de tu móvil mandándote mensajes amenazantes o insultantes, o a través de las Redes Sociales.

Es importante que sepas que en el Acoso Escolar o Bullying hay distintos tipos de protagonistas: el/la chico/a que sufre el acoso, los/las agresores/as y los/las espectadores/as. Cada uno de ellos tiene un papel muy importante a la hora de evitar o frenar el acoso escolar.

Si eres víctima de Acoso Escolar debes tener muy claro que:

NADIE TIENE DERECHO A:

Pegarte, insultarte, humillarte, ignorarte, amenazarte, aislarte, difundir rumores sobre ti...

Hacerte sentir culpable de lo que te ocurre. Cuéntalo y pide ayuda (tutor, profesores, padres...), defiende tus derechos sin violencia

Si eres agresor en una situación de Acoso Escolar, debes saber que:

NO TIENES DERECHO A:

Pegar, insultar, humillar, ignorar, amenazar, aislar, difundir rumores...

Hacer daño a los/as demás. Pregúntate por qué necesitas hacer daño para sentirte bien. Tal vez quieras ser líder y crees que sometiendo a los demás, lo conseguirás. Sin embargo, si los demás se relacionan contigo por miedo, nunca tendrás relaciones sanas, sino basadas en intereses

Continuar intimidando a los/as demás sin plantearte cómo se sienten. Quizás lo que ocurre es que tú también has sufrido violencia y has aprendido a relacionarte así, o intentas evitar que te ataquen primero o tal vez por rechazo a lo que es diferente

En cualquier caso, debes pensar que necesitas ayuda para aprender a relacionarte de forma positiva con los demás y contigo mismo. Párate a pensar, ponte en su lugar, no hagas lo que no te gustaría que te hiciesen

Si eres espectador en una situación de Acoso Escolar,

ES IMPORTANTE QUE:

Sepas ponerte en la piel de ese compañero/a que está siendo acosado, mañana puede sucederte a ti y no te gustaría que te dejaran solo

Seas SOLIDARIO, que no es lo mismo que ser CHIVATO. Se trata de evitar una situación injusta. Si no lo haces, apoyas que el agresor se sienta más fuerte, más temido y siga haciendo daño a otros/as compañeros/as

Si estás sufriendo una situación de Bullying, hay pasos que tienes que dar para parar esta situación:

Tienes que saber que los centros escolares están obligados a parar situaciones de acoso entre sus alumnos/as porque cuentan con los recursos necesarios para ello

Habla con tu tutor/a y con el/la psicólogo/a orientador/a del centro escolar al que acudes para que te ayuden, apoyen en intervengan para parar la situación

Tus padres tienen que saber por lo que estás pasando. Ellos son los encargados de velar por tu bienestar y protección. Además, tienen que acudir a hablar con el/la directora/a de tu centro escolar para exigir que paren la situación que te está haciendo tanto daño

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GUÍA SOBRE BULLYING O ACOSO ESCOLAR PARA MENORES - Fundación ANAR

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Hablamos de Acoso Escolar o Bullying cuando un/a compañero/a o varios/as tienen hacia ti conductas negativas. Estas conductas pueden ser insultos, chantajes, amenazas, difundir rumores sobre ti, ignorarte, robarte cosas o agredirte físicamente. Además, este tipo de actuaciones no ocurren de forma puntual, sino que son frecuentes y se alargan en el tiempo.

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 Obra comentada: Las meninas, de Velázquez 

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 Obra comentada: Las meninas, de Velázquez 

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Obra comentada: Las meninas, de Velázquez

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Buscador multimedia - Museo Nacional del Prado

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Consulta los 21 Buscador multimedia de Museo Nacional del Prado

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GOYA EXPLICADO A 👧👦de PRIMARIA| HISTORIA con PLAYMOBIL | ARTE con PLAYMOBIL 🎨

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Buscador multimedia - Museo Nacional del Prado

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Consulta los 21 Buscador multimedia de Museo Nacional del Prado

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Aunque no es como tal un buscador, YouTube cuenta con su apartado “Education” perfecto para jóvenes estudiantes. Es uno de los mejores buscadores para estudiantes si lo que buscas es ampliar la información con contenido audiovisual. En este apartado de YouTube vemos vídeos de todo tipo con contenido didáctico de ciencia, de historia, de matemáticas, de idiomas… Se trata de recopilaciones de vídeos y canales donde podemos ir explorando los vídeos más educativos que pueden servir como apoyo para cualquier tarea, para los deberes, etc.

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Le tatouage, un art primitif devenu populaire

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Le tatouage, un art primitif devenu populaire

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Le tatouage fait de plus en plus d'adeptes. Selon un sondage IFOP réalisé en novembre 2016 pour le Syndicat national des artistes tatoueurs auprès de 1 002 personnes, 14 % des Français ont déjà été tatoués. Chez les 18-24 ans, cette proportion atteint même 26 %.

A l'occasion du Mondial du tatouage, qui se tient jusqu'au dimanche 11 mars à la Grande Halle de la Villette, à Paris, retour sur l'histoire de cet art dont les origines sont multiples.

Cet article a été initialement publié dans l'édition " Discover " du Monde sur l'application Snapchat.

Ötzi, plus vieux tatoué connu

Vieux de plus de 5 300 ans (il serait né vers −3 300 avant JC), l'" Homme des glaces ", retrouvé en 1991 momifié à la frontière italo-autrichienne, portait 61 tatouages. Il s'agissait essentiellement de traits parallèles, dont la plus grande partie était sur le bas des jambes.

Ces tatouages (probablement faits pour soigner l'arthrose dont souffrait Ötzi) étaient faits par incisions, dans lesquelles on frottait du charbon de bois.

Le " tatau " polynésien, l'origine du mot

Le tatouage a été pratiqué dans toutes les régions du monde et à toutes les époques. L'origine du mot vient de Polynésie : le tatau y est une pratique ancestrale très importante qui pourrait remonter à - 1 300 ans avant JC.

Un rite durant lequel on coloriait sa peau lors des étapes importantes de la vie en utilisant des dents de requin et des os taillés. Il était aussi un marqueur social, car essentiellement pratiqué par les classes supérieures.

Au Japon, de l'outil punitif à l'interdiction

Durant l'époque d'Edo (1600-1868), l' irezumi (tatouage japonais) devient synonyme de punition : les criminels sont tatoués de force sur le bras ou sur le front.

Malgré son image négative dans la société, l' irezumi se développe et des Japonais se recouvrent tout le corps de dragons, de personnages et d'autres motifs. En 1872, les tatouages seront finalement interdits par le gouvernement. Ils seront à nouveau autorisés à partir de 1948, lors de l'occupation américaine.

En Europe, une pratique réappropriée par les marins

Le tatouage est interdit en Europe, en 787, par l'Eglise, car jugé comme un symbole païen. Dans l' Ancien Testament (Lévitique 19:28), on peut lire :

" Vous ne ferez point d'incision dans votre chair pour un mort, et vous n'imprimerez point de figures sur vous. Je suis l'Eternel. "

Le tatouage réapparaîtra cependant au XVIII e siècle, après que des marins européens de retour de Polynésie s'approprient la pratique.

En Russie, un CV criminel sur la peau

En Union soviétique (dès 1922), le tatouage devient central dans les prisons et goulags. Par un système très codifié, les prisonniers se gravent leur parcours criminel sur la peau.

Les motifs et le nombre de tatouages donnent des indices sur la raison de leur séjour derrière les barreaux et instaurent une sorte de hiérarchie en prison. Les autorités soviétiques ayant commencé à déchiffrer certains symboles à partir des années 1960, le tatouage peut aussi trahir celui qui a la peau encrée.

1891 : invention de la machine à tatouer électrique

Le tatoueur américain Samuel O'Reilly est le premier inventeur d'une machine à tatouer électrique. Il s'inspire du stylo électrique, créé quelques années plus tôt par Thomas Edison, auquel il ajoute des aiguilles et un tube permettant d'insérer de l'encre dans la peau.

Brevet de la première machine à tatouer électronique déposé par Samuel O'Reilly, le 8 décembre 1891.

L'apparition du dermographe révolutionne l'art du tatouage, permettant d'aller beaucoup plus vite et de développer de nouvelles techniques.

De l'image du mauvais garçon à la pop culture

Si l'art et la technique évoluent, le tatouage reste jusqu'aux années 1980 une pratique underground. Aux Etats-Unis comme en Europe, il est souvent associé aux " mauvais garçons ", aux gangs, mais aussi au rock, au punk puis au rap.

Mais les stars de la musique vont lui donner une image " cool " qui le fera entrer dans la pop culture.

Lire aussi Japonais, hyperréaliste, tribal ou old school... l'essor sans fin du tatouage

La question inévitable de la douleur

Difficile de séparer tatouage et douleur. Mais selon la partie du corps à tatouer, les aiguilles pénétrant la peau peuvent être plus ou moins désagréables.

Si vous êtes sensible, mieux vaut donc éviter de demander un dragon sur le pied.

On peut se lasser de son tatouage ou le trouver gênant dans le monde du travail... L'augmentation du nombre de tatoués s'accompagne donc d'une hausse des détatouages.

Le détatouage au laser, pratiqué par les dermatologues, permet de casser les billes d'encre sous la peau. Cela peut être long, douloureux et pas toujours complètement efficace. En France, il n'est pas remboursé par la Sécurité sociale.

Lire aussi Des bulles et des pointes : l'histoire ancestrale du tatouage en BD

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Le tatouage, un art primitif devenu populaire

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Le tatouage fait de plus en plus d'adeptes. Selon un sondage IFOP réalisé en novembre 2016 pour le Syndicat national des artistes tatoueurs auprès de 1 002 personnes, 14 % des Français ont déjà été tatoués. Chez les 18-24 ans, cette proportion atteint même 26 %.

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Publié le 6 mars 2014 à 18h50

TENDANCE - À l'origine, le tatouage était un signe d'appartenance à un peuple. Popularisé par les populations marginales durant le XXème siècle, il est aujourd'hui devenu plus esthétique et touche beaucoup plus de monde. En France, une personne sur dix serait tatouée. Retour rapide sur l'histoire du tatouage.

Pratique universelle et ancestrale, le tatouage fait partie des coutumes de nombreux peuples. Les plus anciennes traces auraient été retrouvées sur un homme mort il y a plus de 5000 ans. Il arborait des petits traits parallèles, probablement pour leurs vertus considérées comme thérapeutiques.

Rite initiatique, signe d'identité ou marque protectrice chez les Celtes, les Japonais, les Egyptiens ou les Polynésiens, le tatouage avait presque fini par disparaître des traditions tribales au fil des siècles. Mais au XVIIIe siècle, il revient sur la peau des marins, inspirés par les coutumes tahitiennes découvertes dans le Pacifique par James Cook.
Le marquage des prisonniers
L'usage se propage alors en Occident et devient l'apanage des marginaux, notamment dans les prisons. Puis, peu à peu, les techniques ont évolué et la pratique s'est professionnalisée, permettant aux premières boutiques d'ouvrir à la fin du XIXe siècle. Mais le tatouage n'a pas toujours été choisi et fut parfois imposé en guise de punition.

Par exemple, dès l'Antiquité, les esclaves sont tatoués comme le bétail pour indiquer leur propriété. Cette pratique est d'ailleurs encouragée par le Code noir qui réglemente l'esclavage au XVIIIe siècle . Lors de la seconde guerre mondiale, ce sont les prisonniers du IIIe Reich, notamment les juifs, qui sont tatoués de force par des numéros permettant leur identification tout en appuyant leur déshumanisation.
Le phénomène "mauvais garçons"
En 1891, à New York, Samuel O'Reilly invente la première machine à tatouer électrique. Celle-ci fait souffler un vent de modernité sur la pratique du tatouage et le professionnalise un peu plus. En Europe, les premiers studios de tatouage ouvrent leurs portes au milieu du XXe siècle mais ne se généralisent qu'à partir des années 70. Ce sont alors les "mauvais garçons", bikers, rockers ou punks, qui sont touchés par le phénomène de la pigmentation de l'épiderme.

Autrement dit, une population marginale qui choisit d'en faire un signe de rébellion et de protestation. C'est au cours des années 90 que le tatouage devient finalement un phénomène de mode, revêtant une dimension plus esthétique. Les amateurs de décorations corporelles sont alors de plus en plus nombreux.
Une démarche artistique et populaire
Les boutiques se multiplient rapidement, passant par exemple de 15 boutiques en France au début des années 80 à plus de 2000 aujourd'hui. La popularisation de cette pratique a permis au matériel et aux techniques d'être considérablement améliorés. Les conditions d'hygiène sont aujourd'hui très encadrées par le code de la santé publique. Le tatouage devient plus sûr et plus sain. Le perfectionnement des graphismes et de la dimension artistique a fait évoluer les mœurs permettant à tout un chacun de se faire tatouer quasiment ce qu'il souhaite, transformant certains tatoués en véritable œuvre d'art.

Au fil des siècles, le tatouage est devenu tendance. Si sa pratique et sa symbolique ont considérablement évolué, la raison pour laquelle on choisit d'être tatoué reste sensiblement la même : se démarquer par une démarche artistique.

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TENDANCE - À l'origine, le tatouage était un signe d'appartenance à un peuple. Popularisé par les populations marginales durant le XXème siècle, il est aujourd'hui devenu plus esthétique et touche beaucoup plus de monde. En France, une personne sur dix serait tatouée. Retour rapide sur l'histoire du tatouage.

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 Le muralisme, entre œuvre d'art et éducation populaire (archive) 

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 Le muralisme, entre œuvre d'art et éducation populaire (archive) 

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Le muralisme, entre œuvre d'art et éducation populaire (archive)

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Le muralisme mexicain aux origines du street art latino-américain 

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Le muralisme mexicain aux origines du street art latino-américain 

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Como todo grafitero que se precie de tal, Inti Castro partió a los 14 años pintando murallas de manera clandestina en la noche, a escondidas de los carabineros. Apropiarse del espacio público era todo un ritual ilegal y un lance peligroso adrenalínico que se disfrutaba por lo arriesgado del ejercicio y por ser una performance incógnita, sin espectadores, desafiante del orden público. Sus primeros referentes fueron, como no, la Brigada Ramona Parra, y luego el colectivo DVE Crew y los brasileños Os Gemeos.

Conocida es su anécdota de aquellos tiempos que tras pintar una muralla en la noche en Valparaíso, descubrió al otro día que el dueño de casa, en lugar de molestarse por pintar sin su consentimiento, le había encantado. Y claro, en Valparaíso hay cultura de grafiti, y los porteños disfrutan viendo los muros llenos de colores.

Así fueron los comienzos de este graffitero porteño que en la actualidad, a sus treintitantos, lejos de la clandestinidad y del riesgo ilegal, se pasea por el mundo pintando grandes murales. Su nombre ha ganado reconocimiento y su obra ha conquistado espacios. Literalmente, porque esos mismos espacios ajenos de los que en un principio se apropiaba, hoy en día le son cedidos para plasmar su arte públicamente a voluntad. Tan así, que en 2102 el artista pintó un mural de 47 metros de alto, en una torre de 16 departamentos en el centro de París, invitado ni más ni menos que por el alcalde de la ciudad, Bertrand Delanoë, y gestionado por su galería Itinerrance, con la que trabaja hace tres años. Antes ya había pintado en Argentina, Brasil, Estados Unidos, Suecia, Noruega, Perú, Bolivia y ha sido invitado a distintos festivales internacionales de street art en Polonia y Beirut

Su estilo sincrético se ha hecho distintivo dentro del mundo del street art, mezclando elementos de la cultura española con otros precolombinos. De esta mezcla, fiel reflejo de una estética latinoamericana, sale un resultado potente y único, cuya fuente de inspiración dice haberla encontrado en Bolivia, observando la riqueza creativa de los trajes de los bailarines del Carnaval de Oruro, lograda a partir de la escasez de elementos. "Me apropié del kusillo, un bufón altiplánico que he ido transformando hasta hacerlo mío. Mi pintura refleja lo que es Latinoamérica, donde el sincretismo es clave" dijo en una entrevista el año pasado a La Tercera.

Por fin fin al "mural" de Agatha Ruiz de la Prada y su trabajo en el extranjero

Si su obra ha sido admirada por los ciudadanos de diversas ciudades del mundo, esta semana fue el turno de los santiaguinos, que han visto por estos días cómo el chileno ha ido bosquejando una figura humana y llenando paulatinamente con colores la muralla a la salida del metro Bellas Artes, como parte de una más de las actividades del festival de intervenciones urbanas "Hecho en Casa". Y la expectación y satisfacción de los santiaguinos fue doble, pues por fin se ponía término a esa decoración sin contenido que se hacía pasar por mural, obra o publicidad de Agatha Ruiz de la Prada, y se daba paso a un trabajo artístico de calidad.

Al mismo Inti en un principio no le gustaba la idea de hacer su obra sobre otro "mural", pero tras escuchar varios comentarios de santiaguinos se terminó convenciendo de acabar con esa publicidad, como comentó en una entrevista en la televisión.

Cuenta que el desarrollo de su trabajo en el extranjero se fue dando de manera orgánica, no partió de una decisión personal de "me voy a ir de Chile, quiero vivir afuera. En el mundo del grafitti se viaja mucho y se está mucho en contacto con gente de otros países a través de las redes sociales, con lo que se logran amplias redes de amigos. Y como se trabaja en la calle, siempre estás pensando en nuevos lugares donde poder realizar tus trabajos y por ello empiezas a viajar" comenta Inti. Su periplo internacional comenzó en Argentina por amigos argentinos que conoció acá en Chile, y luego continuó por Brasil y se fue ampliando hasta viajar a Estados Unidos y después a diversos países de Europa. "Estos viajes se empezaron a extender, extender, hasta que finalmente no sabia si vivía acá o en Francia, pues pasaba la mitad del año acá y la otra allá; y ya el último año te puedo decir que vengo de visita a Chile".

Esta red internacional del graffiti, Inti la explica por muchas cosas en común que se comparten, salvo la estética y el lenguaje, dice. "Creo que lo único que nos une son los modus operandi que tenemos, los medios de producción a los que recurrimos para trabajar. El lenguaje que se desarrolla en la calle es muy particular de la persona, y algo muy atractivo del trabajo urbano actual es que tú ves particularidades, y eso me parece muy interesante. Te encuentras con cosas muy diferentes, independiente del país. Cada uno está intentando desarrollar un lenguaje único. Eso es lo que todos buscamos, pero no tratando de reflejar grandes verdades, ni todos tratando de ser parte de un gran colectivo. Creo que las diferencias son muy bien vistas dentro del movimiento".

Lo clandestino e ilegal del graffitero underground

Según el artista, el trabajo del graffitero incógnito, clandestino e ilegal aún perdura y mucho, más fuerte que antes. "El movimiento del graffiti puro y duro es súper fuerte, lo que pasa es que se sigue manteniendo underground, uno no lo ve. En el caso mío yo provengo del mundo del graffiti y en algún momento quise dejar de ponerle nombre a las cosas, me pregunté: ¿qué es lo que estoy haciendo? Unos me decían que era graffiti, otros me decían que no era graffiti, otros me decían: dejaste de hacer graffiti hace mucho tiempo, y la verdad le encuentro la razón a todos".

"Creo que no vale la pena colocarle nombre a lo que estoy haciendo. Entonces de ahí a decirte que el graffitero de hoy en día está siendo aceptado o no, tendría que decirte que yo soy graffitero y no lo podría afirmar, porque no sé lo que estoy haciendo, sólo sé que estoy pintando en la calle, que intento hacer algo novedoso, que intento continuar con mi trabajo y hacerlo evolucionar, sin saber muy bien todavía hacia donde va. Lo único que sé es que si le coloco un nombre voy a limitarme en las posibilidades de que ese trabajo pueda realmente evolucionar, y si lo dejo sin nombre, sin saber lo que estoy haciendo, las posibilidades son infinitas. Entonces, yo no sé si lo que estoy haciendo es graffiti o no. De que hay toda una nueva generación que ha logrado profesionalizar su trabajo y si eso sigue siendo graffiti o no, no lo sé", afirma.

Acerca de la temática latinoamericana de su obra explica que corresponde a una propuesta personal,y que los artistas del graffiti o del street art no son representantes de las grandes verdades ni de derecha ni de izquierda. "Lo que hay con Latinoamérica, en lo particular en mi trabajo, está relacionado con ser honesto con lo que soy, con mi ser social, entonces Latinoamérica con sus temas religiosos, las culturas originarias, el uso del color, la alegría, el carnaval, la resistencia latinoamericana, todos los temas políticos sin colores, todo eso es parte de mi ser, e intento que esté reflejado dentro de mi trabajo. No es que Latinoamérica sea el punto central de mi trabajo, pero sí es muy importante dentro de mi ser", aclara el porteño..

En lo que concierne al modo de ejecutar sus trabajos confiesa que trabaja solo. "Cuando los trabajos son muy grandes utilizo a alguien que me ayude a trabajar la máquina para no hacer muy largo el trabajo, pero la producción del muro ya no la hago yo, porque cuando hacía eso gastaba un 80% de mi energía en la preparación del muro y un 20% en la pintura. Ahora como mi nombre se ha hecho conocido en el mundo y me invitan a distintos festivales, tengo la posibilidad de sólo pintar y no perder tiempo y energía en la producción".

Nueva forma de entender el espacio público

Inti cree que este florecimiento de los movimientos que se dedican a el arte urbano tiene que ver con un proceso de cambio de lo que entendemos como espacio público. "Las personas están empezando a entenderlo de otra forma, se están dando cuenta de que esta especie de invasión del espacio público no es con malas intenciones, sino que la mayoría de las veces es constructivo, que es positivo también ver la realidad de los otros plasmada en la calle y que se genere una interacción que no necesariamente es invasiva.

"La gente está empezando a aceptar este movimiento, que desde el punto de vista plástico no podríamos decir que es muy innovador, pero su soporte que es la calle sí es novedoso y también esto está empezando a ser entendido y aceptado dentro de los circuitos artísticos, al igual que la gente común y corriente, cada uno con distintas motivaciones. A algunos les gusta porque plásticamente es muy bueno, a otros les interesa porque es contestatario. Es tan variado, que la gente puede interesarse en distintas cosas" explica con claridad.

Inti tiene claro que el trabajo del street art nunca ha sido contrario al arte de la academia, pues el hecho de trabajar en la calle lo sitúa fuera de la institución artística. Para él "es la institución artística la que se está negando. Ahora, si bien el street art ha generado su propia institución artística -lo que va totalmente en contra del discurso que lo generó-, sigue siendo contra la institución oficial", dice.

"La institución artística del street art no se ha impuesto dentro de los grandes conglomerados del arte. La gente que trabaja en la calle desconoce las reglas y normas que pone la institución para definir lo que es arte o no. Desde la calle está diciendo: "¿por qué no?", y eso se puede entender como una rebeldía, porque estás dejando de lado ese beneficio económico que te podría dar el estar dentro de los circuitos tradicionales".

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De graffitero clandestino a muralista reconocido internacionalmente: Inti

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Inti es su nombre, Castro su apellido. Este artista del street art se ha hecho un nombre en la escena mundial. El año pasado fue invitado por el alcalde de París a pintar un mural de 47 metros de alto en una torre de 16 departamentos en el centro de la ciudad.

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Cet article est extrait de l'ouvrage Larousse " Dictionnaire de la peinture ".

Ce courant artistique du xx e s., essentiellement mexicain, est caractérisé par l'exécution de grandes peintures murales dont l'inspiration puise aux sources populaires et nationales.

Se référant à la tradition de la peinture murale précolombienne et porté par le mouvement de revendication sociale issu de la révolution de 1910, le muralisme mexicain se donne pour ambition de créer un " art monumental et héroïque, humain et populaire " (Siqueiros). L'exaltation de la conscience nationale à travers le passé préhispanique et les héros de l'indépendance fournit les thèmes didactiques d'œuvres puissantes, souvent baroques et expressionnistes, destinées à des bâtiments publics. Né dans les années 20 (fresques collectives de l'École nationale préparatoire de Mexico, 1922-1925), le courant muraliste a encore permis quelques réalisations intéressantes après la Seconde Guerre mondiale (décoration de la cité universitaire de Mexico, 1952 ; Polyforum culturel de Mexico inauguré en 1972 [Siqueiros] ; fresques du Musée national de Mexico, du même artiste). Aux principaux artistes représentatifs de ce courant, Diego Rivera (1886-1957) auquel on doit la décoration de la salle des Actes de l'École nationale d'agriculture à Chapingo, José Clemente Orozco (1883-1949), qui décora notamment en 1939 la coupole de l'Hospicio Cabañas de Guadalajara, David Alfaro Siqueiros (1896-1974), il convient d'ajouter la démarche parallèle de Jesús Guerrero (1910-1973) et de Carlos Merida (1893-1984). L'influence de ce courant n'est pas absente des œuvres publiques commandées par l'administration des États-Unis d'Amérique à l'époque du New Deal (" Federal Arts Project ", 1934-1943). Depuis les années 70, un art mural populaire, presque toujours collectif, réapparaît aux États-Unis dans le contexte de luttes sociales et ethniques (Noirs, Chicanos, etc.) ; son esprit communautaire est caractéristique, tout comme dans les réalisations sud-américaines ou irlandaises. Des artistes américains ou européens (coopérative des Malassis) manifestent également un regain d'intérêt pour la peinture murale.

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Cet article est extrait de l'ouvrage Larousse " Dictionnaire de la peinture ". Ce courant artistique du xx e s., essentiellement mexicain, est caractérisé par l'exécution de grandes peintures murales dont l'inspiration puise aux sources populaires et nationales.

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Qui est Frida Kahlo ?

Frida Kahlo est une peintre née le 6 juillet 1907 à Mexico. Sa vie entière ne fut que souffrances. Ce destin décida de sa vocation de peintre et lui fournit, dans le même temps, le sujet de nombre de ses tableaux.

L'accident

À 6 ans, elle contracte la poliomyélite, une maladie qui déforme le corps définitivement.
Sa jambe droite atrophiée - son pied ne grandira jamais - et sa colonne vertébrale la rendent boiteuse.

Le 17 septembre 1925, elle est victime d'un terrible accident. Le bus qui la ramène du lycée percute un tramway. Plusieurs morts sont à déplorer. Elle est, pour sa part, grièvement blessée : abdomen perforé, jambe fracturée, bassin, côtes et colonne vertébrale brisés. Immobilisée sur un lit d'hôpital durant de très longs mois, ses proches, pour la distraire, lui offrent du matériel de peinture. Un miroir est suspendu au-dessus de son lit. Elle devient alors son propre modèle. La pratique de l'autoportrait l'accompagnera toute sa vie. Contrainte de porter des corsets et de subir de nombreuses opérations chirurgicales, elle est alitée très souvent et peint donc beaucoup.

Une vie d'artiste

Son charme, son charisme et sa beauté ne sont pas entamés par sa condition physique. En 1929, elle épouse Diego Rivera, artiste mexicain déjà reconnu pour ses grandes peintures murales, de 21 ans son aîné. Ils décident de partir s'installer à San Fransisco, mais elle finit par se sentir mal aux États-Unis. À la fois communiste et fière d'appartenir à la nation mexicaine, elle ne se fait pas à la culture américaine. Ils retournent au Mexique en 1933. Frida ne peut avoir d'enfant, ce qui lui causera une peine immense.

Trotski, André Breton... Beaucoup d'intellectuels sont hébergés par le couple à la Casa azul, la maison dans laquelle Frida est née et où elle va mourir. Auprès d'André Breton, elle se défend d'être surréaliste. Elle lui explique qu'elle ne peint pas ses rêves mais sa réalité.

En 1938, sa première exposition à New York est un succès. Son exposition à Paris l'année suivante lui laisse en revanche un souvenir amer. Elle déteste la ville, le milieu intellectuel français, et plusieurs de ses tableaux ne sont pas accrochés par le galeriste, qui les trouve trop crus.

Autoportrait avec couronne d'épines et colibri
Iconographie
Sa vie personnelle est très chahutée. Elle divorce de Diego puis se remarie avec lui l'année suivante. C'est à cette époque qu'elle peint Autoportrait avec couronne d'épines et colibri. Ici, elle ne se représente pas handicapée mais si la nature qu'il l'entoure donne au tableau une allure décorative, il suffit d'observer le regard de Frida, l'oiseau pendu et le sang qui dégouline le long de son cou, pour que, par contraste, toute la mélancolie du modèle nous émeuve.

Les opérations de la colonne vertébrale continuent, encore et encore, lui infligeant des mois entiers de douleur et de nombreuses cicatrices.

Sa première exposition monographique est organisée au Mexique en 1953. Elle est obligée d'être transportée sur son lit jusqu'à la galerie pour le vernissage. La même année, on lui ampute la jambe droite. Elle plonge dans une grave dépression.

Le 13 juillet 1954, épuisée, elle meurt d'une pneumonie, à seulement 47 ans. On retrouvera dans son journal ces mots : " J'espère bien ne jamais revenir. " Selon ses dernières volontés, elle est incinérée, afin de ne pas être enterrée couchée, position dans laquelle elle a souffert toute sa vie.

Réalisateur : Valentine Dubois

Nom de l'auteur : Mark Molk

Producteur : Corner Prod, France Télévisions

Année de copyright : 2017

Année de production : 2017

Publié le 17/05/18

Modifié le 02/03/23

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Qui est Frida Kahlo ?Frida Kahlo est une peintre née le 6 juillet 1907 à Mexico. Sa vie entière ne fut que souffrances. Ce destin décida de sa vocation de peintre et

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Comment lutter contre le harcèlement scolaire ?

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Moqueries, insultes, coups, humiliations… Chaque année, des milliers de jeunes sont victimes de harcèlement scolaire. Un cercle vicieux…

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Diego Maradona est l'un des meilleurs joueurs de l'histoire du football. Cet argentin a permis à son pays de remporter la coupe du monde en 1986. À sa mort, à l'âge de 60 ans, l'Argentine ( pays où le football est très populaire) a même décrété un deuil national de 3 jours.

Mais pourquoi Maradona est-il si célèbre ?

Car il a grandi dans un bidonville de Buenos Aires avant de devenir une légende : le roi des dribbles et des passes de génie. À 16 ans, ce prodige passe professionnel avec l'équipe d'Argentinos junior, puis dans l'équipe nationale, du jamais-vu ! Son pays l'adore et le surnomme " El pibe de oro " : le gamin en or ! Diego intègre ensuite l'équipe de Barcelone où il est sacré meilleur joueur du championnat d'Espagne avant de rejoindre celle de Naples, une équipe modeste qui devient, grâce à lui, double championne d'Italie ! Maradona est aussi connu pour avoir marqué un but de la main en quart de finale de coupe du monde, appelé " la main de Dieu ". Pourtant, ce joueur tombe dans l'enfer de la drogue et accumule les problèmes de santé. Dans les années 90, il arrête le foot et reçoit un ballon d'or d'honneur pour son incroyable carrière. Il devient alors l'entraîneur de l'équipe d'Argentine mais ne la mènera pas au sommet. Dans l'équipe de Naples, le numéro 10 de son maillot ne sera jamais plus porté pour rendre hommage à ce footballeur inégalé !

Réalisateur : Jacques Azam

Nom de l'auteur : Jacques Azam

Producteur : Milan Presse, France Télévisions

Année de copyright : 2020

Année de production : 2020

Année de diffusion : 2020

Publié le 14/12/20

Modifié le 18/03/22

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Diego Maradona est l'un des meilleurs joueurs de l'histoire du football. Cet argentin a permis à son pays de remporter la coupe du mo...

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Les origines du flamenco

Entendez-vous les guitares, les pieds, les mains qui frappent ? C'est le flamenco qui vous invite à danser. Les origines de cette danse qui est aussi un chant, restent floues.

Un art méprisé, né du métissage culturel

Dès le XIII e siècle et surtout à partir du XV e, des gitans, peuple nomade originaire d'Inde, s'installent en Espagne pour fuir des persécutions. Dans leurs bagages, ils emportent avec eux de la musique et des danses. Quand ils arrivent en Andalousie, ils découvrent une terre éprise de musique et de chant, qui fait écho à leur passion... Ainsi est né le flamenco, du métissage culturel du folklore musulman, chrétien, juif et gitan que connut l'Andalousie.

Au début du XVIII e siècle, le flamenco s'exprime dans les lieux de travail ou dans les réunions familiales puis dans les tavernes et les fêtes publiques. Gitans et paysans en sont alors les principaux interprètes car la société cultivée méprise cet art.

Le succès du flamenco

Mais le succès est inévitable et vers 1850, il alimente le spectacle des cabarets chantants qui se créent à Séville, Xérès, Cadix, Málaga et partout en Andalousie. À tel point qu'entre 1920 et 1950, l'envie de satisfaire un public croissant et la guerre civile entraînent une période de décadence. À la radio, au cinéma et sur scène, le flamenco, qui perd son authenticité, est mis à toutes les sauces. Heureusement, dès la fin des années 50, de nombreux artistes et intellectuels œuvrent à la redécouverte des styles plus authentiques et plus profonds du flamenco. Et leurs efforts sont récompensés : de nouveaux interprètes reprennent le flambeau et des écoles voient le jour.

L'engouement pour cet art andalou dépasse alors les frontières de l'Espagne. La reconnaissance vient en 2010 quand l' Unesco reconnaît officiellement cet art unique en inscrivant le flamenco au patrimoine culturel immatériel de l'humanité.

Réalisateur : Laure Coeroli Fernandez

Nom de l'auteur : Anne-Laure Gérôme

Producteur : France 3 Corse ViaStella

Diffuseur : France 3 Corse ViaStella

Année de copyright : 2018

Année de production : 2018

Année de diffusion : 2018

Publié le 02/08/19

Modifié le 27/12/22

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Les origines du flamencoEntendez-vous les guitares, les pieds, les mains qui frappent ? C'est le flamenco qui vous invite à danser. Les ori...

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Découvre la signification de cette célèbre œuvre du XVIIe siècle, le portrait le plus célèbre...

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En bref

Le plus célèbre des maîtres espagnols du XVII e siècle est aussi l'un des principaux acteurs du baroque européen, auteur d'une œuvre majeure de l'histoire de l'art : Les Ménines (1656-1657), commenté de tout temps. Diego Vélasquez (1599-1660) était le grand peintre du règne de Philippe IV. Adulé pour sa capacité à saisir la lumière naturelle et la psychologie de ses modèles, ce grand d'Espagne s'est démarqué de la tradition italienne en refusant l'idéalisme. Portraitiste exceptionnel, autant du roi que de ses bouffons, des puissants que des indigents, Vélasquez a porté le réalisme espagnol, fortement influencé par l'héritage flamand, à son plus haut degré !

On a dit de lui

" Le plus grand peintre qui ait jamais existé. " - Édouard Manet

Sa vie

Diego Vélasquez est né à Séville, dans le milieu favorisé de la petite noblesse. Doué pour le dessin, il intègre divers ateliers dont celui de Francisco Pacheco, auteur d'un traité sur L'Art de la peinture (Vélasquez épousera sa fille). Séville, ville et port prospère grâce au commerce avec les Amériques, est à cette époque un haut centre culturel et religieux. Les premières commandes de l'artiste lui sont passées par des ecclésiastiques.

À 24 ans, Vélasquez s'établit à Madrid et entre au service du roi, jusqu'à obtenir rapidement, en 1628, la plus haute reconnaissance : peintre de chambre de Philippe IV, ce qui implique de grandes responsabilités, comme celles de décorer les appartements royaux et de portraiturer la cour. L'artiste est très bien rémunéré et bénéficie de nombreux avantages, notamment celui de pouvoir travailler pour des commanditaires privés. En 1644, il est nommé surintendant des travaux royaux.

Comme son ami Pierre-Paul Rubens, Vélasquez occupe des fonctions diplomatiques en cette fin des années 1640. En Italie, il acquiert pour le roi une importante collection d'œuvres d'art, ce qui lui permet de se familiariser davantage avec les maîtres italiens découverts lors d'un premier séjour, 20 ans plus tôt. Il admire Giorgione, Michel-Ange, Raphaël.

Le peintre n'a cessé de travailler la lumière, son obsession. Adepte des clair-obscurs au début de sa carrière (il adhère au ténébrisme baroque), il adopte une touche plus rapide et légère au fil des années et gagne en naturel. Vélasquez parvient à saisir l'atmosphère, à représenter l'espace qui entoure les personnages, ce qui fera de lui un artiste adoré des réalistes français et des impressionnistes au XIX e siècle, notamment d' Édouard Manet.

Il développe un réalisme saisissant dans ses portraits et capte parfaitement la psychologie de ses modèles, les émotions qui les traversent. C'est aussi un remarquable peintre animalier, comme en témoignent ses tableaux équestres et les représentations des chiens du roi d'Espagne.

Les œuvres majeures de la carrière de Vélasquez ( Le Portrait du Pape Innocent X, Les Ménines), correspondent au temps de sa maturité et de sa gloire. Le roi Philippe IV apprécie tant son génie qu'il l'anoblit en 1659. Vélasquez accède au titre de gentilhomme ( hidalgo en espagnol). Malheureusement, le peintre meurt l'année suivante, probablement d'épuisement à l'âge de 61 ans.

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Ses œuvres clés
Vénus au miroir, 1647-1651
Il est possible que cette peinture soit une commande du roi à son peintre pour immortaliser le souvenir d'une courtisane demeurée anonyme. Ce nu (genre très rarement abordé dans l'Espagne catholique du XVII e siècle) sensuel, allongé, est une évocation des vénus de l'art antique et italien. Mais il s'en démarque par la position de dos et par le réalisme du reflet dans le miroir. Le visage reflété, relativement épais et brouillé, apparaît en décalage avec le corps idéalisé de la déesse. Elle est, en quelque sorte, la métaphore du désir, inaccessible, toujours fuyant.
Portrait du Pape Innocent X, vers 1650
Peint durant le second séjour de Vélasquez en Italie, ce portrait du pape est saisissant de naturel. Le souverain pontife, qui avait d'ailleurs posé en personne pour le peintre, apparaît tendu. Cette impression est renforcée par l'usage des tons rouges, omniprésents dans le vêtement et le décor, qui accentuent l'agressivité du personnage. La touche est d'une grande liberté. Le peintre anglais Francis Bacon, fasciné, a réalisé 45 variations autour de ce portrait dans les années 1950.
Les Ménines, 1656-1657
Tableau le plus célèbre de l'artiste, Les Ménines est un portrait de groupe à la composition particulièrement complexe. Au palais royal de Madrid, une cour entoure l'infante Marguerite-Thérèse d'Autriche. Derrière eux, Vélasquez se représente peignant, tandis qu'à l'arrière-plan un miroir reflète le couple royal et qu'un personnage s'efface par une porte. Le peintre livre une œuvre magistrale qui témoigne de sa grande maîtrise de la composition, de la perspective et des effets de lumière. Conservée au musée du Prado, c'est l'une des plus célèbre toile de l'histoire de l'art.

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Le plus célèbre des maîtres espagnols du XVII e siècle est aussi l'un des principaux acteurs du baroque européen, auteur d'une œuvre majeure de l'histoire de l'art : Les Ménines (1656-1657), commenté de tout temps. Diego Vélasquez (1599-1660) était le grand peintre du règne de Philippe IV.

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