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Alliant théâtre et marionnettes, Simon Delattre signe un spectacle de toute beauté autour de l’amitié entre une vieille dame et une petite fille. Une création drôle et émouvante qui aborde avec finesse la question de la dépendance tout en r…

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Louise fêtera bientôt ses 100 ans, Julie va en avoir 8. Chacune est à une extrémité des âges de la vie, à un zéro près, partageant un même sort, celui des interdictions – l’une parce qu’elle est trop âgée, l’autre parce qu’elle est trop jeune. Entre la vieille dame indigne et la petite fille effrontée, un improbable coup de foudre d’amitié va avoir lieu… Comédien, marionnettiste et metteur en scène, Simon Delattre se distingue par l’humanité qu’il met dans tous ses projets. Dans ce texte signé de l’auteur anglais Mike Kenny, c’est le fantôme de l’irrévérencieuse Louise Bourgeois qui est convoqué à travers le personnage de la vieille femme. Artiste touche-à-tout, celle-ci a beaucoup interrogé la place des femmes dans la société. La figure de l’araignée, très présente dans son œuvre, est ambivalente : on peut la voir comme un être protecteur… ou menaçant… De cette araignée à la métaphore de la dépendance induite par le soin, il n’y avait qu’un pas. Et quoi de plus pertinent que la marionnette, nécessairement actionnée par son manipulateur, pour symboliser ce lien ? Simon Delattre nous raconte finalement une belle histoire d’émancipation, avec tendresse et sans faux-semblant. Car pourquoi perdre du temps à faire des manières quand il est urgent de vivre ?

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10 choses à savoir sur Louise Bourgeois - Culture Prime

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10 choses à savoir sur Louise Bourgeois - Culture Prime

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10 choses à savoir sur Louise Bourgeois - Culture Prime

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L'Eloge des ariagnées - Simon Delattre - Matthieu Edet-9

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L'Eloge des ariagnées - Simon Delattre - Matthieu Edet-19

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L'Eloge des ariagnées - Simon Delattre - Matthieu Edet-1

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En bref

Malgré une reconnaissance tardive, Louise Bourgeois (1911-2010) est aujourd'hui considérée comme une figure artistique majeure du XX e siècle. Artiste inclassable et touche-à-tout, son œuvre composée d'araignées monumentales, de femmes-maisons et d'éléments phalliques interroge la place des femmes dans l'espace domestique, ainsi que la porosité entre le masculin et le féminin. Ayant fait de sa propre vie sa source principale d'inspiration, Louise Bourgeois a influencé toute une génération d'artistes, de Sophie Calle à Christian Boltanski.

Elle a dit

" L'art est une garantie de santé mentale. "

Sa vie

Née en 1911, au sein d'une famille de restaurateurs de tapisseries anciennes, Louise Bourgeois se familiarise assez jeune avec les arts manuels en prêtant main-forte à ses parents dans leur atelier. Découvrant petite la liaison adultérine de son père avec sa gouvernante, elle fera plus tard de cet événement marquant une source d'inspiration artistique. Élève douée en sciences, elle s'oriente, après son baccalauréat, vers des études de mathématiques à la Sorbonne avant de s'inscrire à l'École des Beaux-Arts de Paris en 1933. Dans les années 1930, la jeune Louise Bourgeois fréquente les salons et ateliers parisiens, où elle rencontre des figures telles qu'André Lhote ou Fernand Léger. Dès 1936, elle suit des cours à l'École du Louvre.

Elle épouse l'historien d'art américain Robert Goldwater en 1938 et s'installe dans la foulée aux États-Unis. Après une tentative avortée d'entrer dans le cercle des surréalistes parisiens - André Breton s'y étant toujours opposé -, Louise Bourgeois rencontre Yves Tanguy et Joan Miró. Elle noue également des liens d'amitié forts avec Marcel Duchamp, l'architecte Le Corbusier et le poète Ruthven Todd. C'est aux États-Unis qu'elle commence réellement sa carrière artistique. À l'époque, ses œuvres questionnent déjà la maternité, la féminité et l'espace domestique.

Louise Bourgeois délaisse ses pinceaux pour le marbre, le plâtre et le latex au début des années 1950. Elle sculpte alors des formes longilignes, des sortes de " totems ", qu'elle nommera plus tard ses " personnages ". Lorsqu'elle commence ces sculptures, Louise Bourgeois vit aux États-Unis depuis presque vingt ans : elles auraient été pour elle une manière " d'exorciser le mal du pays ". L'artiste qui n'a alors de cesse de placer sa vie personnelle et ses émotions au centre de son art considère son travail comme thérapeutique.

À partir des années 1970, les thèmes de la sexualité, la maternité, la féminité et le corps, en filigrane dans son œuvre depuis le début de sa carrière, deviennent omniprésents, et avec eux arrive une certaine reconnaissance. La forme du pénis est récurrente depuis la fin des années 1960. L'art est pour Louise Bourgeois le lieu où s'exprime les pulsions sexuelles et où s'effectue une certaine sublimation de celles-ci. En 1982, le Museum of Modern Art de New York lui consacre sa toute première rétrospective. Les expositions, notamment au pavillon des États-Unis de la Biennale de Venise, se poursuivront jusqu'à sa mort en 2010, à l'âge de 98 ans.

Ses œuvres clés

Ensemble de femmes-maisons, 1945-1947
D'inspiration surréaliste, la série Ensemble de femmes-maisons est la rencontre inattendue de différents objets organiques et architecturaux. Des corps sinueux s'y métamorphosent en maisons à l'architecture rigide, symboles du foyer et de la sphère privée, et encore associées à l'époque au genre féminin. Engagée, cette série dévoile aussi un autre pan du travail de l'artiste : l'autobiographie. Ici, la maison est aussi le lieu des souvenirs plus ou moins heureux de l'enfance. Ceux de Louise Bourgeois sont en grande partie liés à l'adultère de son père avec sa gouvernante anglaise Sadie, un événement qu'elle considère comme traumatique.

Fillette, 1968
Déjouant les attentes du spectateur, Fillette prend la forme d'un pénis. Un crochet situé au niveau du gland montre que l'œuvre était destinée à être suspendue, et indique comment Louise Bourgeois souhaitait que le public l'observe. Jouant sur l'ambiguïté du titre, l'artiste laisse à penser que cette sculpture - faite de plâtre et de latex - pourrait également représenter un torse de femme dont les deux formes sphériques seraient le haut des cuisses. Les genres masculin et féminin s'y confondent : Fillette exprime à la fois une force créatrice, sexuelle, mais aussi une fragilité propre aux attributs sexuels mâles, que la sculptrice considère comme " très délicats ".
Maman, 1999
Avec les années 1990 apparaît la figure de l'araignée dans le travail de Louise Bourgeois. Associée à la figure maternelle, l'araignée tisse sa toile de la même manière que la mère de l'artiste tissait lorsqu'elle restaurait des tapisseries. Animal ambivalent, il a toujours été une figure positive dans l'œuvre de la sculptrice, qui explique sur l'un de ses dessins que sa " meilleure amie était [sa] mère et qu'elle était aussi intelligente, patiente, propre et utile, raisonnable, indispensable qu'une araignée. [...] ". Comme de coutume, Louise Bourgeois joue sur l'ambiguïté : cette araignée pourrait également être perçue comme un être menaçant, prêt à emprisonner ses victimes dans sa toile.

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Artiste éclectique, Louise Bourgeois est une figure artistique majeure du XXe siècle. Durant sa carrière prolifique, elle n'a eu de cesse de placer sa vie...

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Sculpture de Louise Bourgeois, MAMAN, 1999

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Sculpture de Louise Bourgeois, MAMAN, 1999

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Une histoire des arts de la marionnette 

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Une histoire des arts de la marionnette 

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Découvrir l'histoire de la marionnette grâce à ce dossier mêlant texte et vidéos

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo

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L'irrésistible extension d'un art populaire

Au milieu du XXe siècle, les artisans marionnettistes traditionnels, formés pour la plupart par transmission familiale, croisent un nouveau courant de manipulateurs dont la pratique est envisagée sous l'angle profondément différent de la recherche artistique, créant alors les prémices de la marionnette contemporaine. Ce courant est principalement issu des membres de la troupe des Marionnettes à la française, créée par le metteur en scène Gaston Baty (André Blin, Alain Recoing, Claude-André Messin, Maurice Garrel, Jean-Loup Temporal), et de celle des Comédiens routiers (Yves Joly, Georges Tournaire, Hubert Gignoux...). Les nouveaux venus à une profession librement choisie combattent pour l'obtention d'un vrai statut social et prennent peu à peu le pas sur les anciens. En 1956, Yves Joly devient le président du tout récent Syndicat national des arts de la marionnette et de l'animation. Leurs désirs sont vite partagés ou soutenus par un autre groupe, fédéré autour de l'amateurisme par Jacques Félix et les Petits comédiens de chiffon de Charleville-Mézières.

Les cabarets parisiens

À l'exception du Studio des Champs-Élysées qui reçoit les textes de Molière, Lorca, Cocteau, Courteline, joués par les marionnettes d'Hubert Gignoux - avant que celui-ci ne retourne au théâtre d'acteurs - et les grands spectacles de marionnettes à fils de Jacques Chesnais, la volonté de non-conformisme trouve son lieu d'expression dans les cabarets littéraires parisiens nouvellement créés.

Les marionnettistes y rencontrent un public d'adultes, avides de détente et de surprises, à travers des spectacles essentiellement visuels qui doivent constituer des ruptures entre deux prestations de poètes ou de chanteurs. Dès 1946, La Rose rouge présente les numéros à mains nues ou gantées d'Yves Joly qui remporte le premier prix du Concours des Jeunes Compagnies en 1948. À partir de 1951, Pierre Prévert programme pendant sept ans Georges Lafaye à La Fontaine des Quatre-Saisons. Celui-ci remporte un triomphe avec John et Masha, rencontre amoureuse, éclairée par un seul projecteur, d'un chapeau haut-de-forme et d'un boa en plumes. Lafaye vient d'inventer le castelet de lumière du théâtre noir.

L'Écluse accueille en 1951 la Compagnie des trois (Alain Recoing, Claude-André Messin, Maurice Garrel) et ses parodies de romans policiers, puis les Marottes d'André Tahon, la compagnie d'Yves Joly, Mathilde et Paul Dougnac, les Tournaire (Georges Tournaire et Henri Gouge) et, dans les années 60, les autruches de Philippe Genty ou les saynètes comiques de Jean-Paul Hubert.

On retrouve certains artistes dans d'autres cabarets : l'Échelle de Jacob, la Galerie 55, À l'Échanson où André Tahon reste trois ans, le Lapin agile... Il s'agit de capter en quelques minutes l'attention d'un public attablé, de maintenir un rythme très soutenu, d'être efficace et surprenant avec des moyens simples : plus de castelet à monter (Jean-Paul Hubert porte son " théâtricule " à la chinoise sur les épaules), parfois une " bande " symbolique, plus de décors, plus de poupées raffinées, un cadre noir et des matériaux en mouvement, des objets utilitaires détournés, des mains, des rais de lumière. Dans un espace scénique réduit à peu de mètres carrés se déploie déjà toute l'inventivité formelle et technique de la marionnette à venir. Mais, financièrement exsangues, les cabarets ferment leurs portes au cours des années 1960.

Un nouveau public

Alors que le Théâtre des Nations s'est ouvert aux marionnettes lors de la saison 1959, alors que la télévision appelle des marionnettistes à s'y manifester (Marcel Temporal dès 1950, puis Frédéric O'Brady, ainsi que Robert Desarthis, suivi d'Alain Recoing et toute son équipe avec Martin-Martine), les conditions de vie des praticiens de plus en plus nombreux restent très précaires au sein d'une activité menée pour l'essentiel, pendant une décennie, dans un cadre atypique sur le plan artistique : le milieu scolaire. Les fourches caudines des commissions pédagogiques, à la recherche d'un répertoire de qualité prenant en compte les récents acquis psychologiques dans la conception de l'enfant, vont néanmoins mettre la barre haute sur le fond et sur la forme, ce qui permettra aux marionnettistes d'être principalement choisis dans les programmes pour jeune public lorsque les centres culturels et les théâtres de la décentralisation s'en préoccuperont - les Maisons des jeunes et de la culture (MJC) furent des pionnières en la matière.

De nouvelles équipes font ainsi leurs preuves : les Monestier, les Roche qui renouvellent l'utilisation des ombres en couleurs, les Bazilier, Pascal Sanvic et Jacky Beffroy, la compagnie de Raymond Poirson à Metz... Lorsque les troupes arrivent sur les grandes scènes théâtrales, des nécessités s'imposent : tenir compte de l'éloignement des spectateurs, agrandir les scénographies, modifier les échelles des figures, tirer parti des potentiels sonores et lumineux... Les marionnettistes s'intègrent au monde du spectacle officiel.

Pendant ce temps, l'année 1961 voit la création du premier Festival international des théâtres de marionnettes à Charleville-Mézières, organisé par Jacques Félix avec le soutien du Syndicat.

Dix ans plus tard, une nouvelle génération est en activité, venue des arts plastiques ou du théâtre, prête d'emblée à poursuivre les recherches scénographiques et dramaturgiques qui traversent l'ensemble des arts de la scène. Très vite, la mobilité des artistes favorisée par la prolifération des festivals (création des Giboulées de Strasbourg en 1977, de la Biennale de Cergy-Pontoise en 1979, de la Biennale des jeunes compagnies de Caen et des Semaines de la Marionnette à Paris en 1981...), ou les rencontres internationales provoquent un brassage des esthétiques, des cultures, et favorisent la découverte des créateurs par un panel étendu de programmateurs. La marionnette entre dans les théâtres nationaux, les spectacles de Philippe Genty attirent un très grand public et les Guignols d'Alain Duverne s'installent à la télévision. Cet élargissement constant de l'audience appuie la longue requête des artistes à obtenir de l'État la mise en place d'une formation continue des praticiens et une formation initiale des postulants. Jacques Félix y ajoutant toute son énergie, la ville de Charleville-Mézières accueille l'Institut International de la Marionnette en 1981 et l'École Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette en 1987.

Des techniques multiples

Les troupes connaissent alors une augmentation exponentielle. Les techniques les plus diverses sont utilisées ou adaptées. Elles sont originaires de l'étranger comme les bunrakus japonais : compagnies Houdart-Heuclin, François Lazaro, Nada Théâtre, Ches Panses vertes ; ou la gaine chinoise : Théâtre sans toit, et Théâtre du Chemin creux.

Ce peut être des techniques anciennes rénovées, comme l'ombre : compagnie Jean-Pierre Lescot, Amoros et Augustin ; le théâtre de papier : Papierthéâtre, Théâtre de l'Arc-en-terre ; la tringle ; la gaine lyonnaise : Théâtre aux mains nues, le Fust, Cirkub'U ; les marionnettes habitées : compagnie Hubert Jappelle, Houdart-Heuclin.

Ce sont aussi des techniques inventées, comme la marionnette sur table : Flash Marionnettes, Arketal. C'est enfin des manipulations spécifiques à la déclinaison infinie de nouveaux matériaux et machines : compagnie Philippe Genty, GarinTrousseboeuf, La Licorne, Médiane...

On attribue à des troupes françaises, dans les années 1980, la paternité du théâtre d'objets largement répandu depuis lors : Manarf, le Vélo théâtre, le Théâtre de Cuisine, Turak. Des structures deviennent programmatrices privilégiées. Tout d'abord le TJP à Strasbourg, le Théâtre Massalia à Marseille, le Théâtre de la Marionnette à Paris, puis divers théâtres missionnés.

Une dramaturgie en phase avec l'époque

En 1993, les actions fédératives des amateurs (UNIMA France) et des professionnels (CNM) sont réunies au sein de l'Association nationale des théâtres de marionnettes et arts associés (THEMAA). L'un des principaux axes de travail des artistes est alors la mise en évidence de la corrélation étroite entre le traitement que les auteurs dramatiques contemporains font subir à la langue et l'art vivant du montage et du démontage qu'est la marionnette. À cela, s'ajoute l'aspiration légitime à dialoguer avec leur époque.

Par le passé, de premières collaborations entre marionnettistes et dramaturges avaient eu lieu entre Alain Recoing et son fils Éloi, entre Monique Créteur et l'écrivain Victor Haïm, entre la compagnie Houdart-Heuclin et Gérard Lépinois, mais cette fois le terrain d'échanges entre manipulation de la matière et manipulation des mots s'est considérablement étendu.

Beaucoup d'auteurs ont conscience du nouveau champ qui leur est offert. Les nouvelles compagnies ne se montrent plus rétives au véhicule du sens et s'aventurent avec l'aide de leurs aînés sur les voies exigeantes d'une vraie dramaturgie théâtrale.

Un horizon élargi

De profonds changements de perspectives ont marqué la fin du XXe siècle et le début du suivant. Les marionnettistes ne se spécialisent plus dans l'utilisation d'une technique mais choisissent celle qui leur convient pour le propos du moment, quitte à montrer des mélanges ou des inventions à un public qui n'est plus désarçonné. Le travail spécifique de l'interprète - le terme a remplacé celui de manipulateur - est mis en valeur. Souvent " à vue " des spectateurs, il est formé comme un acteur à qui l'on demande d'intégrer les notions de distanciation (au sens de Diderot) ou de délégation à un objet de certaines fonctions du personnage, en plus d'une recherche d'excellence en manipulation. Les marionnettistes s'initient au langage de la vidéo, de la danse, de la musique et l'intègrent à leurs compositions...

Cette polyvalence suscite de plus en plus l'intérêt des metteurs en scène de théâtre ou des réalisateurs de films qui élargissent ainsi les débouchés des artistes et commencent à faire appel aux marionnettistes dans la formation des acteurs ou dans leurs spectacles mêmes, au théâtre comme au cinéma. Les vocabulaires des autres arts sont empruntés par les marionnettistes mais, réciproquement, les autres arts s'inspirent parfois des codes visuels et dramaturgiques de la marionnette et la convoquent de plus en plus sur leurs propres scènes.

Pour en savoir plus

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo - Une histoire des arts de la marionnette - Ina.fr

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Au milieu du XXe siècle, les artisans marionnettistes traditionnels, formés pour la plupart par transmission familiale, croisent un nouveau courant de manipulateurs dont la pratique est envisagée sous l'angle profondément différent de la recherche artistique.

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Atelier : réaliser des marionnettes à partir de contes traditionnels

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Atelier : réaliser des marionnettes à partir de contes traditionnels

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Même ouvrage - A.M Quéruel

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Techniques marionnettiques

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Vidéo réalisée par le Manège

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Marionnettes et théâtre d'objets Manège 22

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Les différentes techniques de la marionnette

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Les différentes techniques de la marionnette

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Marionnettisme, une introduction au monde merveilleux de la marionnette Maria Reyes, ed. L'Harmattan

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Quelques conseils pour mieux apprécier la sortie au spectacle. A lire en classe avant la venue de la classe au Manège