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La Escuela de Atenas, Rafael Sanzio, 1510-1511, Estancia del Sello 

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La representación de los espacios a través el tiempo en el arte

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La representación de los espacios a través el tiempo en el arte

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La representación del espacio a través del tiempo es un tema interesante ya que a través de esta podemos comprender la evolución histórica y cultural de diferentes sociedades, y la exploración de la percepción humana, entre otros.

Antes que nada, la evolución de la representación espacial en el arte puede llegar a estar ligada con avances tecnológicos y experimentación artística. Por ejemplo, en el Renacimiento, la anatomía y la matemática llevaron a una mayor exploración de la perspectiva (la perspectiva aérea o perspectiva cónica), mientras que antes de este periodo los espacios no tenían realmente una proporción en relación con el cuerpo humano. Además, a través de las obras de arte y del avance de las técnicas podemos comprender cómo percibimos el mundo que nos rodea, desde la representación iconográfica en el arte antiguo hasta las exploraciones abstractas contemporáneas. Esta evolución también puede estar relacionada a cambios sociales, creencias culturales y tendencias estéticas, que a su vez nos brindan una ventana a la exploración de la cultura y la historia.

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Cueva de Lascaux
Paleolítico superior (17.000 a 15.000 AC)
Sur oeste de Francia, cerca de Montignac (Dordoña).
Son más de 500 pinturas sobretodo de animales. La mayoría son caballos. Hay venados, cabras, felinos, entre otros animales y figuras geométricas
Pintaron la cueva con pigmentos minerales molidos como óxidos de hierro y manganeso, arcilla y yeso, carbón vegetal

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Colosos de Akenatón en Karnak
El faraón Akenatón fue conocido también como Amenofis IV o Amenhotep IV.
Los colosos de Tebas son fragmentos de 25 estatuas que van de 8.55 metros a 12,75 metros de altura.
Son de piedra arenisca
No hay fecha exacta pero se tallaron al inicio de su reinado entre 1353 a 1336 a. C. o 1351 a 1334 a. C. aprox

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Estandarte de Ur
ARTE SUMERIO
SIGLO XXVI AC aprox (época Arcaica Dinástica III)
Técnica de taracea (incrustación) de perlas, conchas, mármol adheridos con betún
El estandarte es una caja de madera de forma trapezoidal, cuyos paneles frontal y trasero, miden 21,59 cm de alto por 49,53 cm de largo
Representa una victoria militar pero su uso no es muy claro

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Cnossos es una ciudad portuaria de Creta, la mayor de las islas griegas. El palacio fue construido hacia 2000 a.C. o 1900 a. C. y su plano es tan complejo lleno de cuartos, pasadizos  y corredores, que se dice que podría ser el laberinto del famoso mito del minotauro (ser con cabeza de toro y cuerpo de hombre encerrado en el laberinto y al que Teseo logró matar) y como mi tema del semestre es el espacio, me interesa mucho este palacio. Se compone de patios, salas para la corte, sala del trono, escaleras, espacio para almacenaje. Hay un pequeño palacio y una vía principal que conduce hasta él.
El rey Minos logró convertir a Creta en un imperio mediterráneo de suma importancia.
El palacio fue descubierto y dado a la luz una vez que Creta fue liberada de los turcos en el siglo XIX.
Con la estructura arquitectónica, se descubrieron objetos como vasijas y tablillas con escritura minoica.
Los cretenses adoraban a los toros y tenían sus propias corridas. Son numerosas las cabezas de toro y pinturas representando a este animal.
El arquitecto principal, de apellido Arthur Evans fue muy criticado por la restauración al palacio ya que usó materiales modernos como concreto y hormigón (pero esto evitó su destrucción en el terremoto de 1926)
Fue la civilización minoica la que construyó esta maravilla de gran refinamiento. Creta dominaba el Mediterráneo.
La altura del palacio varía de 3 a 5 pisos de altura y está construido en la parte norte de la isla cerca de la ciudad de Heraklion. El palacio fue construido con piedra y mortero de barro y madera. Sus paredes tienen de 1 metro de espesor.

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Poseidón de Artemisión
Ca. 460 a.C.
Museo Arqueológico Nacional de Atenas
2,1 metros de altura
Fabricado en bronce mediante la técnica de fundición a la cera perdida

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Dibujo del arqueólogo Hermann Thiersch (1909)

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Título: Faro de Alejandría (también conocido como el Faro de Pharos)
Ubicación: Isla de Pharos
Construcción: Entre 280 a.C. y 247 a.C.
Altura: 100 metros de alto más o menos
Materiales: Bloques de piedra, ladrillos, mortero
Dato: El faro se derrumbó en el siglo IV d.C. por un sismo.

El Faro de Alejandría, una de las siete maravillas del mundo, nos proporciona una fascinante ventana hacia el pasado y, al mismo tiempo, ejemplifica cómo la Grecia helenística abordó la representación del espacio de manera magistral. Este faro refleja la destreza técnica y la importancia de la navegación en la antigua Alejandría.

Desde una perspectiva visual, el faro se erigía con una altura imponente de aproximadamente 100 metros, destacándose como una referencia en el paisaje costero de Alejandría. Su estilo arquitectónico helenístico, con atención meticulosa a la ornamentación y detalles decorativos en sus múltiples niveles escalonados, nos habla de la estética y el compromiso con la belleza en la arquitectura helenística.

Geométricamente, la forma cilíndrica de la torre central ofrecía solidez estructural, mientras que su altura impresionante para la época facilitaba la visibilidad desde largas distancias en el mar, destacando así la importancia de la geometría en la construcción de estructuras funcionales.

En cuanto a su función, el faro era esencial como guía de navegación, iluminando el camino de las embarcaciones durante la noche y utilizando el humo como señal visual durante el día. No era simplemente una obra arquitectónica grandiosa, sino una herramienta indispensable para la seguridad de los navegantes.

La orientación estratégica del faro hacia el mar, con la llama y las señales visuales dirigidas al agua, no solo cumplía su función como faro, sino que también lo convertía en un símbolo distintivo de Alejandría.

En resumen, el Faro de Alejandría encapsula la maestría helenística en la representación del espacio, combinando elementos visuales impresionantes, geometría funcional, cumplimiento de la función y orientación estratégica. Su legado perdura como un hito icónico de la antigüedad y una muestra sobresaliente de la arquitectura y el pensamiento de la Grecia helenística.

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Archivo:Lighthouse - Thiersch.png - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Basílica Emilia (Basílica Aemilia)
Foro Romano, Roma, Italia
Ca. 179 a.C. pero la reconstruyeron a lo largo de la República por incendios y saqueos.
Función: Edificio público (Administración de justicia, actividades comerciales, reuniones públicas)
Edificio rectangular con sala central

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Frescos de Pompeya
Pompeya, Campania, Italia
Entre siglos I a.C. y I d.C.
Pinturas murales realizadas con técnica de fresco (se aplica pintura sobre superficie húmeda de yeso, lo que hace que los colores se mezclen)
En estos frescos hay escenas mitológicas, escenas de la vida cotidiana, paisajes y elementos decorativos.

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Título: Iglesia de Santa Irene
Ubicación: Turquía
Antiguamente iglesia, hoy museo y salas de concierto
Fundación: Siglo VI
Restaurada en 548 por Justiniano I y en 740 por Constantino
Su planta es basilical con una nave central y dos laterales.

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Sansón con el arma de una mandíbula de burro masacra a 1000 filisteos
Ciudad: Roma – Catacumbas de via latina
Caís: Italia
Fecha: ca siglo iv - arte cristiano primitivo
Técnica: fresco

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CATEDRAL DE AQUISGRÁN (CULTO CRISTIANO) - en alemán Aachener Dom en francés Cathédrale d'Aix-la-Chapelle. Orifibalmente fue la Capilla Palatina(privada)  de Carlomagno en el siglo VIII y a su muerte, fue enterrado en ella.
Es una capilla en forma de basílica octogonal con una cúpula, consagrada en 804 por el Papa León III, construida bajo el modelo del monasterio de Centula, hoy Saint-Riquier: de ahí el nombre que recibe la ciudad en francés: Aix-la-Chapelle
País: Alemania
Ciudad: Aquisgran
Fundación Siglo ix (empezada entre 790 y 800)
Estilo: arquitectura Carolingia
Inlcuida en la lista de la Unesco como patrimonio de la humanidad en 1978

La Catedral de Aquisgrán, ubicada en Alemania, es un monumento de gran importancia histórica y arquitectónica que fusiona influencias romanas y bizantinas en su diseño. Su elemento más emblemático, la Capilla Palatina, fue construida durante el reinado de Carlomagno en el siglo IX, caracterizada por una impresionante cúpula y un trono imperial que resalta su función como lugar de coronación de los emperadores del Sacro Imperio Romano.
La cuidadosa elección de materiales, como la piedra caliza y el mármol oolítico, para la construcción de la catedral refleja la magnificencia y el prestigio del Imperio carolingio. Los mosaicos carolingios del interior, ricos en color y detalles, cuentan historias religiosas y espirituales, reforzando su papel como centro religioso.
Arquitectónicamente, la Catedral de Aquisgrán es una síntesis de influencias del mundo romano al mundo bizantino y carolingio, plasmadas en la Capilla Palatina. Sus columnas de mármol verde y blanco, combinadas con intrincados motivos carolingios, representan la convergencia de diferentes épocas artísticas.
Funcionalmente, la catedral no sólo cumplía una función religiosa, sino que también servía como faro de autoridad política. Fue escenario de coronaciones imperiales, lo que subraya su doble función como centro espiritual y político. A lo largo de los siglos, ha sido testigo fiel de los cambios en el panorama político europeo, manteniendo su lugar en la rica historia del continente.
En definitiva, la Catedral de Aquisgrán es un testimonio vivo de la evolución histórica y cultural de Europa. Su arquitectura, simbolismo, arte en constante evolución y capacidad de adaptarse con el tiempo, así como su uso continuo como lugar de culto, lo convierten en una evidencia tangible del rico patrimonio de Europa y su influencia duradera en el mundo contemporáneo.

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Título: Sainte-Chapelle
Ubicación: Ile de la cité, Paris
Arquitecto: Pierre de Montreuil
Construcción: Mitad del siglo XIII, encargada por Louis IX, o Saint Louis. Se construyó en tiempo record de menos de 7 años. Después de la Revolución francesa, la capilla se vio deteriorada, pero fue restaurada en el siglo XIX.
Su principal función era la de guardar las reliquias de La corona de espinas (Couronne d'épines), y un fragmento de la cruz de Cristo (Vraie Croix).

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Título: Sant Pau del Camp
Ubicación: Barcelona, España. En el barrio Raval.
Construcción: Finales del siglo X.
Es un antiguo monasterio benedictino que fue construido afuera de los muros que protegían la ciudad, por lo que fue destruido y construido varias veces a lo largo de la historia, hasta que en una ampliación del recinto amurallado medieval, quedó protegido. Cuenta con un claustro contruido en el siglo XIII.

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Análisis comparativo arte gótico y arte románico

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Análisis comparativo arte gótico y arte románico

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La Sainte-Chapelle y Sant Pau del Camp son dos edificios religiosos que encarnan la riqueza histórica y cultural de sus respectivas ciudades, París y Barcelona. Aunque ambas son estructuras religiosas, su apariencia, historia y contexto arquitectónico son diferentes.

La Sainte-Chapelle, construida en el siglo XIII, es un ejemplo de arquitectura gótica. La construcción de la Sainte-Chapelle tuvo lugar en una época de ascenso de la monarquía francesa, durante el reinado de Luis IX. Esta época fue testigo de un fortalecimiento de laautoridad real y la devoción religiosa. La altura de 42 metros, la longitud de 36 metros y el ancho de 17 metros lo demuestran. La estructura gótica de la capilla destaca por sus avances tecnológicos en la construcción, como el uso de contrafuertes y arbotantes que permitieron muros altos con grandes vidrieras, lo que supuso un logro impresionante para la época. Las vidrieras de 15 metros de altura, que muestran 1113 escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento, en sí fueron una hazaña tecnológica gracias a los avances en la fabricación de vidrio. La Sainte-Chapelle ilustra cómo el poder real y los avances tecnológicos se fusionaron en una expresión de grandeza religiosa y monárquica.

Por otro lado, Sant Pau del Camp, construido en el siglo X, es un representante de la arquitectura románica. En esta época, Europa atravesaba una etapa diferente de su historia, caracterizada por una sociedad medieval en transición. La arquitectura románica era más austera y funcional y reflejaba una tecnología de construcción menos avanzada que la de la Sainte-Chapelle. Esto se ve reflejado en sus dimensiones y se diferencia notablemente de la Sainte-Chapelle; los muros son de únicamente 10 metros de alto. Estos últimos son macizos de piedra, los arcos de medio punto y los capiteles tallados son elementos románicos, pero a diferencia del gótico, se caracterizan por su sencillez. En aquel momento, la iglesia era un centro vital de la comunidad y la arquitectura de Sant Pau del Camp se adaptó a esta función esencial.

En el análisis comparativo de estas dos estructuras podemos observar la evolución de la sociedad a lo largo de la historia. La Sainte-Chapelle representa una sociedad poderosa y piadosa, donde la tecnología permitió la construcción de una estructura grandiosa y espiritualmente significativa. Por otro lado, Sant Pau del Camp ilustra una sociedad medieval en la que la funcionalidad y la comunidad eran prioridades y la tecnología constructiva era más limitada.

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Título: El jardín de las Delicias Terrenales

Artista: Hieronymus Bosch

Ubicación: Museo del Prado, Madrid, España

Técnica: Óleo sobre paneles de cedro

Dimensiones abierto: Aproximadamente 220cm x 389 cm

Dimensiones cerrado: 220 cm x 97 cm

Fecha: entre 1490 y 1510

Es un tríptico de 3 paneles que se pueden abrir y cerrar. El panel de la izquierda representa el Jardín del Edén, el del centro muestra un paisaje surreal y fantástico, y el panel izquierdo muestra el Infierno.

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Análisis visual- Arte renacentista italiano

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Análisis visual- Arte renacentista italiano

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Título: La Última Cena

Artista: Leonardo da Vinci

Fecha: entre 1495 y 1498

Ubicación: In situ, pared del convento Santa María delle Grazie, Milán, Italia

Técnica: Sfumato

Tamaño: 460cm x 880cm

zie. En el centro de la composición, una larga mesa se extiende en primer plano, en la cual podemos encontrar a Cristo y sus discípulos. Las figuras son de tamaño natural, lo que permite al espectador interactuar directamente con sus expresiones y gestos.

La perspectiva lineal entra en juego cuando las líneas del techo y el suelo parecen coincidir en un único punto de fuga situado justo detrás de la cabeza de Jesús. Estas líneas crean una sensación de profundidad y dirigen la mirada del espectador directamente al punto focal: la figura de Jesús.

Los discípulos están dispuestos en grupos de tres a cada lado de Jesús, y sus expresiones y posturas transmiten una variedad de emociones, desde el asombro hasta la incredulidad. El uso del claroscuro, el contraste de luces y sombras da tridimensionalidad a sus figuras, haciéndolas parecer sólidas dentro del espacio.

La perspectiva aérea, otra de las innovaciones de da Vinci, permite que el espacio pase a un segundo plano. A medida que la mirada se mueve hacia el otro extremo de la habitación, las figuras y elementos se vuelven progresivamente más claros, más confusos y más difusos. Las aberturas de las ventanas montadas en la pared revelan un paisaje más allá, contribuyendo a la sensación de un mundo expansivo fuera de la habitación.

Los detalles arquitectónicos, como el artesonado y el suelo de baldosas, subrayan la importante atención a la perspectiva. Estos elementos son de una gran precisión geométrica y añaden una sensación de realismo a la escena.

En conclusión, "La Última Cena" no es sólo una pintura; es una experiencia inmersiva que muestra las técnicas innovadoras de la perspectiva aérea y lineal. Cuando los espectadores se encuentran ante esta obra monumental, son transportados a la misma sala donde tuvo lugar la Última Cena. La profundidad espacial, la interacción de luces y sombras y la exquisita atención al detalle crean un poder narrativo que continúa cautivando hasta hoy en día. Además, sus grandes dimensiones muestran los avances técnicos que tenían los artistas durante el Renacimiento.

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Título: Villa Rotonda

Arquitecto: Andrea Palladio

Construcción: 1566-1571

Ubicación: Vicenza, Italia

Estilo: Arquitectura palladiana caracterizada por la simetría, proporción clásica y por la influencia de arquitectura romana y griega.

Dimensiones: 29x29 m

Es un edificio de planta cuadrada con un pórtico con columnas corintias. Todas las fachadas del edificio son iguales. En el centro encontramos una cúpula central.

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Título: Palacio de Versailles

Autor: Louis le Vau y después Jules Hardouin-Mansart

Fecha: construcción entre 1623 con Louis XIII, después expansión con Louis XIV hasta 1715, y después se le hicieron modificaciones durante el reinado de Louis XVI hasta 1783

Dimensiones: 67000 metros cuadrados

Ubicación: Versailles, Francia

Materiales: Piedra, mármol, madera, metales preciosos, cristal.

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Título: Puerta de Brandenburgo

Autor: Carl Gotthard Langhans

Fecha: entre 1788 y 1791

Ubicación: Berlín, Alemania

Materiales: Piedra arenisca principalmente, pero también hay detalles de bronce

Dimensión: 26 metros de alto, 65,5 metros de ancho y 11 metros de profundidad

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Análisis comparativo arte barroco y arte neoclásico

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Análisis comparativo arte barroco y arte neoclásico

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Las fachadas del Palacio de Versalles y la Puerta de Brandeburgo representan diferentes eras históricas distinta y transmiten narrativas totalmente opuestas. La comparación de estas estructuras, particularmente en términos de los espacios que crean, brinda un entendimiento más profundo de los valores contrastantes y los contextos históricos de Francia y Alemania.

El Palacio de Versalles, una obra de la arquitectura barroca, muestra una fachada extravagante que se integra con vastos jardines, personificando el lujo de la monarquía absoluta en la Francia del siglo XVII. La grandeza del Palacio, con su elaborada ornamentación y diseño simétrico, refleja la magnificencia asociada con el reinado de Luis XIV. El Salón de los Espejos, un espacio central dentro del Palacio, simboliza el apogeo del poder y prestigio real. El énfasis en amplios jardines realza la narrativa, subrayando una profunda conexión entre la majestuosa residencia y los espacios exteriores cuidadosamente diseñados. En este contexto, Versalles se convierte no sólo en un palacio sino en una manifestación de la autoridad absoluta y el gran estilo de vida de la monarquía francesa durante la época barroca.
Por otro lado, la Puerta de Brandenburgo, un ejemplo de diseño neoclásico, es un símbolo de unidad y transformación política en Alemania. La fachada, caracterizada por columnas dóricas y un carruaje monumental, evoca la sencillez y los ideales clásicos de la Ilustración. A diferencia de los extensos jardines de Versalles, la Puerta de Brandenburgo crea un espacio centralizado con Pariser Platz (Plaza de París), enfatizando la participación y la unidad del público. El carruaje se convierte en un símbolo de paz y victoria, en marcado contraste con el simbolismo militar a menudo asociado con períodos anteriores de la historia europea.

En conclusión, las diferencias entre el Palacio de Versalles y la Puerta de Brandenburgo subrayan las diferentes influencias de las épocas históricas en la expresión arquitectónica. Mientras que Versalles resume la imponencia de la monarquía absoluta en el período barroco, la Puerta de Brandeburgo emerge como un símbolo de ilustración, unidad y cambio político en la Alemania neoclásica. 

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Título: El último viaje del Temerario

Artista: Joseph Mallord William Turner (J.M.W. Turner).

Fecha: 1839

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Dimensiones: La obra mide aproximadamente 90.7 cm x 121.6 cm.

Ubicación: Actualmente, "The Fighting Temeraire" se encuentra en la National Gallery de Londres, Reino Unido.

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Título: Los que rompen las piedras (The Stone Breakers o Les casseurs de pierres)

Artista: Gustave Courbet

Fecha: 1849

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 165 cm × 257 cm (aproximadamente)

Ubicación: Destruída durante la Segunda Guerra Mundial, originalmente ubicada en el Museo de Arte de Dresde, Alemania.

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Título: El Puente Japonés

Artista: Claude Monet

Fecha: 1899

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: Varían según la pintura específica; diferentes versiones fueron pintadas en diversos tamaños.

Ubicación: Varias versiones se encuentran en diferentes museos y colecciones privadas en todo el mundo.

"El puente japonés" de Claude Monet resume la fascinación de Monet por la luz, el color y los efectos atmosféricos de la naturaleza. El puente japonés, situado en el jardín de Monet en Giverny, desempeña un papel fundamental en esta obra maestra, ya que muestra los principios fundamentales del impresionismo.

Visualmente, vemos que el puente es una estructura ligeramente arqueada, que se extiende sobre un estanque adornado con nenúfares. Esta ligera curvatura del puente y su relación con el paisaje permiten al espectador imaginarse la presencia humana en ese espacio. Monet logra transmitir la sensación de un entorno íntimo y acogedor. El reflejo del puente en el agua, representado con trazos brillantes, crea la distinción entre lo permanente y lo efímero. La falta de contornos definidos y la fusión de colores contribuyen a la idea de que el espacio es percibido más que observado. El espectador se enfrenta a la tarea de reconstruir mentalmente la escena, lo que refleja la naturaleza subjetiva de la percepción del espacio.

Para Monet, el puente japonés y su entorno fueron una importante fuente de inspiración. Para el artista era muy importante mostrar la importancia de este espacio en sus obras, y su evolución cambiante a lo largo de las diferentes estaciones, o simplemente a través del tiempo.  El puente, motivo recurrente en sus obras, se convirtió en un conducto para la exploración de los efectos transitorios de la luz, las variaciones climáticas y la metamorfosis estacional del paisaje.

En lugar de adherirse a los límites de las representaciones tradicionales, los impresionistas abrazaron la inmediatez del momento. Monet, a través de "El puente japonés" y sus otras obras, rompió las nociones convencionales de espacio y plasmó su experiencia perceptiva. El énfasis en capturar la esencia de una escena en lugar de su representación fue un alejamiento radical de las normas académicas, lo que marcó un cambio de paradigma en la expresión artística. En "El puente japonés", el espacio se sugiere más que se define claramente. Las pinceladas se superponen para formar la imagen, y la mezcla de colores se utiliza para representar la variación de la luz en diferentes partes de la escena. Este espacio no es simplemente un telón de fondo, sino un sujeto en sí mismo.

"El Puente Japonés" no es simplemente una pintura; es un testimonio de la incesante búsqueda de Monet por capturar la belleza del mundo que lo rodea, en este caso de su mundo cercano. A través del impresionismo, Monet redefinió la importancia del espacio en el arte, yendo más allá de los límites de la tradición e influyendo en las generaciones de futuros artistas. Su capacidad para transmitir lo efímero en una sencilla escena de jardín habla del impacto duradero del impresionismo en la evolución de la expresión artística.

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Título: El Sueño

Artista: Pablo Picasso

Fecha: 1932

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 130 cm × 97 cm

Ubicación: Parte de una colección privada.

La modelo es Marie-Thérèse Walter