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Periodo - Fecha: Prehistórico - Paleolítico - 11,000 B.C.E
Lugar: Cuevas de Adduara, Monte Pellegrino, Mondello, Provincia de Palermo

Técnica: Grabado sobre piedra

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Periodo - Fecha: Arte Egipcio c.2236 - 2150  B.C.E., Imperio Antiguo Tardío-Primer Período Intermedio
Técnica: Madera con pintura roja, blanca y negra.
Dimensiones: 106.7 x 45.8 cm
Lugar de origen: Meir, Egipto
Lugar: Walters Art Museum

Figura de un hombre parado es una estatua en madera perteneciente al Imperio Antiguo de Egipto fechada aproximadamente durante 2236 - 2150 B.C.E. A finales del Imperio Antiguo y a comienzos del Primer Período Intermedio, fue popular mostrar al propietario de la tumba sin ropa. Estas figuras representan al difunto en una fase de renovación frente al dios Osiris, señor del inframundo. Era su presentación en el juicio de los muertos. Actualmente esta pieza se encuentra en la colección privada del Walter Art Museum en Baltimore, Maryland.

Esta pieza en madera nos muestra la figura de un hombre parado desnudo, con el pie izquierdo hacia adelante. Vemos que el cuerpo está ligeramente inclinado hacia atrás, tal vez para dar una impresión de movimiento en la figura. Sus brazos, ambos muy largos y rectos con los hombros un poco hacia arriba dan la impresión de una escena muy seria e imponente. Al tener ambas manos cerradas, se puede llegar a pensar que puede estar sosteniendo algo importante.

El rostro es la parte de la estatua con más detalle. Sus cejas, los ojos, la boca y la nariz están talladas en relieve, también se puede ver hasta una especie de arrugas en el área de la nariz. Lleva un corte de pelo corto, dejando descubiertas sus orejas bastante grandes. El cuerpo está pintado de rojo, los pezones de negro, el cabello negro, los ojos de blanco y negro, y aunque se encuentre un poco desgastada, la base está pintada de negro en los costados y de rojo en la parte superior en donde vemos una inscripción que dice “el único compañero Ha'a”. Ha en el mitología egipcia, además de significar Dios del desierto occidental y el oasis fértil y estar asociado con el inframundo, el símbolo Ha, también significa el primer respiro. Simbología que se podría asociar al hombre desnudo en su fase de renovación. Caminando hacia un nuevo primer respiro.

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Fragmento de figura masculina desnuda en relieve.

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Fragmento de figura masculina desnuda en relieve.

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Periodo - Fecha: Arte Mesopotámico (Jemdet Nasr) - c. 3300–2900 B.C.E
Lugar: Mesopotamia meridional (ahora en el MET)
Técnica: Alabastro de yeso

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Periodo - Fecha: Minoico - c. 1700 B.C.E.
Lugar: Museo Nacional Arqueológico, Atenas
Técnica: Fresco
Dimensiones:

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Artista: Atribuido a Praxiteles

Técnica: Mármol de Paros

Dimensiones: 3,70 m de alto

Fecha:  370 - 330 A.C

Estilo o Corriente artística: Griego Clásico Tardío

Lugar: Museo Arqueológico de Olimpia

Fuente: https://joyofmuseums.com/museums/europe/greece-museums/olympia-museums/archaeological-museum-of-olympia/hermes-and-the-infant-dionysus/

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Artista: Giuseppe Giorgetti

Técnica: Mármol

Dimensiones: 2,15 m de alto

Fecha:  220 A.C

Estilo o Corriente artística: Griego Helenastico

Lugar: Munich, Glyptotek

Fuente: https://ancientrome.ru/art/artworken/img.htm?id=7777

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Arte Erótico Pompeya: Escena del Lupanar

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Arte Erótico Pompeya: Escena del Lupanar

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Artista:  -

Técnica: Fresco

Dimensiones: 175,3 x 193 cm

Fecha: 79 A.C

Estilo o Corriente artística: República Romana tardía

Lugar: Gabinetto segreto, Museo Arqueológico Nacional, Nápoles, Italia.

Fuente: https://www.dailyartmagazine.com/erotic-art-pompeii-herculaneum-nsfw/https://www.metmuseum.org/art/collection/search/

Los Frescos de arte erótico de Pompeya: Escenas del Lupanar, es una serie de frescos de grandes formatos que se encontraron en la ciudad enterrada de Pompeya, perteneciente a la República Romana fechado en el 79 A.C.  En el siglo XIX, los arqueólogos encargados de excavar Pompeya, dentro de los tesoros que encontraron, un porcentaje fueron estos frescos eróticos, que iban apareciendo entre las paredes, mas de lo esperado. Mayoría de estos murales eran pinturas que decoraban los burdeles, El más conocido se llamaba El Lupanar y tenía 10 habitaciones (cubículos, 5 por piso), un balcón y una letrina. Por otro lado, Hermes cargando a Dioniso, es una escultura, también de gran formato, 3,7 metros realizada durante el Periodo griego clásico tardío fechado entre 370 - 330 A.C. Este objeto, también cuenta la historia de la época, al igual que el fresco, pero con la diferencia que uno se cuenta desde una perspectiva más heroica que la otra.

La primera obra nos muestra a dos personas completamente desnudas sobre una cama. Es un hombre y una mujer, el hombre se encuentra acostado sobre la cama, mientras que la mujer se posiciona sobre él, dejando muy poco a la imaginación de los demás. La escena que se nos presenta no es una escena romántica, sino más bien erótica e incluso puede considerarse algo vulgar. Son dos personas teniendo relaciones sexuales de una manera muy explicita. Por el otro lado Hermes cargando a Dioniso, es una escena mas suave y amena para el ojo. Vemos en primer plano un hombre fuerte, desnudo completamente con el pelo crespo, ese hombre es Hermes, vemos que le hace falta el brazo derecho y en su brazo izquierdo se logra ver una túnica colgando entre su brazo y encima de ella vemos una figura de un bebe al que también le hacen falta sus pequeños brazos, ese bebe es Dioniso

Ahora bien, si la escultura de Hermes habla del mundo mitológico y el mural habla de nuestro mundo mortal, por más diferentes que puedan parecer, entre tanta diferencia, se pueden rescatar ciertas que las relacionan entre sí, y esas son las costumbres y la realidad de lo que pasaba en ambos mundos. En el fresco erótico de Pompeya habla de una época en la que el politeísmo, no el cristianismo, era la norma, el placer sexual, abrazado con orgullo por los mismos dioses que adoraban los romanos, era motivo de celebración. Para los griegos la desnudez no era vergonzosa sino era belleza y admiración y no tenían miedo de demostrarlo, por mas de que el mural fuera parte de un burdel, la sexualidad la afrontaban y la respetaban por igual. Pompeya era una sociedad donde el sexo no era algo que se consumiera sólo en un espacio privado. Mientras que la escultura es menos clara, ya al saber de quien se trata la escultura y su historia vemos como Hermes, hace lo que debe hacer por la protección de los Dioses, que es llevarlo a donde las ninfas, algo común en la mitología griega. Se dice que Hermes probablemente sostenía un racimo de uvas, haciendo una alusión al futuro de Dioniso como Dios del Vino.

Por mas diferentes que fueran las situaciones, el desnudo de ambos personajes, el hombre o Hermes, nos dan a entender quienes son y lo que están haciendo. A Hermes lo vemos completamente desnudo con todos sus atributos al aire y un cabello perfecto, lo cual nos  da a entender que es un Dios, pues usualmente asi son representados, mientras que el otro señor, aunque no se le ve la cara, su forma habla de lo importante que era la sexualidad durante esa época.

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Teseo Liberando a los niños del Minotaurio

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Teseo Liberando a los niños del Minotaurio

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Artista: -

Técnica: Fresco

Fecha: 50-79 D.C

Estilo o Corriente artística: Imperio Romano

Lugar: Museo Archeologico Nazionale di Napoli, Napoles

Fuente: 1001 Pinturas que hay que ver antes de morir, Stephen Farthing - F.F Yvars

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Artista: -

Técnica: Fresco

Fecha: Siglo III

Estilo o Corriente artística: Arte paleocristiano

Lugar: Catacumba de San Piretro y San Marcellino, Roma.

Fuente: https://www.thebodyissacred.org/origin-nude-adam-eve-early-christian-art/

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Artista: -

Técnica: Panel en relieve de marfil de Constantinopla,

Fecha: Siglo X

Estilo o Corriente artística: Arte Bizantino

Lugar: Museo BODE, Berlín

Fuente: https://www.fosterhistory.com/en/forty-martyrs-of-sebaste/

Analisis Visual

El panel en releve de marfil de los Cuarenta Mártires de Sebaste, es uno marfiles bizantinos que más se destacan dentro de las obras de esta época. El arte bizantino no se trataba sólo de mosaicos y frescos monumentales e impresionantes, sino también en los artefactos de menor escala, como lujosos marfiles, platería, cristalería y joyería. Detalles que exaltaban lo divino y se glorificaba el poder civil estableciendo paralelismos entre el poder sobrenatural y el humano. Este marfil, perteneciente de Constantinopla, el centro de comercio recibía todo tipo de riquezas de África, Medio Oriente, piezas que llegaban para ser transformadas por artistas locales en obras de arte. Uno de los productos más buscados era el marfil, la mayoría del cual llegaba a través de Egipto desde fuentes del este de África. Actualmente esta obra se encuentra en el Museo Bode en Berlín.

Este panel de marfil como varios de la época bizantina representan mediante figuras sagradas, íconos, que pueden ser parte de dípticos o trípticos. El marfil era un material facil de encontrar sin embargo parece haber sido bastante escasa entre los siglos VII y IX. Esta escasez puede haber sido causada por la conquista árabe de territorios bizantinos en el norte de África, Siria y Palestina, que interrumpió las relaciones comerciales, al mismo tiempo, el imperio bizantino se vio sacudido por una controversia religiosa interna relativa a la creación de imágenes religiosas, en particular, los iconos. Con la llegada del islam y su ascenso contra Bizancio llevó a reflexionar sobre si el uso de iconos había provocado que Dios castigara al imperio con la pérdida de territorios ricos.

Ahora bien, la obra se compone por varias figuras masculinas que se encuentran en la mitad inferior del panel. Todos los hombres se encuentran sin camisa con un pedazo de tela en sus caderas. Los rostros, aunque no están tan detallados, parecen estar inclinados hacia abajo, dando la alusión a la perdida, la decepción y la tristeza. Todos se encuentran muy pegados entre si casi que en posición fetal como si estuvieran con frio. Mientras que en la parte superior vemos a una figura, también masculina, pero esta está sentada cómodamente en una silla, completamente vestido rodeado de ángeles, mostrando una superioridad, contándonos que esa persona es la que tiene el poder en esta historia y que es el quien esta vigilando a los otros hombres. La superposición de las filas de todos los hombres le da una profundidad a la obra en donde se ven todos los hombres incomodos y apretados, dándole cierta inconformidad al espectador causando pesar.

Este panel cuenta la historia de los Cuarenta Mártires de Sebaste que fueron un grupo de soldados romanos de la Legio XII Fulminata que fueron   asesinados cerca de la ciudad de Sebaste, en la Pequeña Armenia (actual Sivas en Turquía), víctimas de las persecuciones de Licinio (c. 265-325), quien después del 316, persiguió a los cristianos de Oriente.

"Estos cuarenta soldados fueron condenados a ser expuestos en un estanque helado en una noche de invierno muy fría, para que murieran congelados. A punto de morir, exclamaron: Señor, cuarenta han entrado en la batalla, cuarenta coronas te pedimos. " Los cuarenta soldados afirmaron que ningún tormento momentáneo los separaría de su fe en Jesucristo. Era el 9 de marzo del año 320 d.C.

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Mosaico de la bóveda del Baptisterio de los Arrianos.

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Mosaico de la bóveda del Baptisterio de los Arrianos.

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Artista: -

Técnica: Mosaico

Fecha: Siglo XI

Estilo o Corriente artística: Alta Edad Media

Lugar: Baptisterio de los Arrianos, Ravena, Italia

Fuente: https://www.thebodyissacred.org/origin-nude-adam-eve-early-christian-art/

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Artista: Michelangelo

Técnica: Fresco (280 × 570 cm.)

Fecha: 1511

Estilo o Corriente artística: Renacimiento Italiano

Lugar: Capilla Sixtina, El Vaticano, Italia

La Creación de Adán es probablemente uno de los frescos mas famosos en el mundo. Creado por Miguel Ángel alrededor de 1511, se encuentra dentro de los Museos Vaticanos, específicamente dentro de la capilla mas importante, la Capilla Sixtina. Este Fresco tardo aproximadamente quince días en completarse, comenzó con la imagen de Dios y los Ángeles y termino con la figura de Adán, donde con las manos extendidas y Dios tocándole el dedo de Adán se le da la vida a la humanidad.  Compositivamente vemos de lado izquierdo a un hombre completamente desnudo (Adán) tendido en el suelo, y parece estar despertando, mientras que Dios del lado derecho viene del Cielo rodeado de ángeles. En cuanto a las expresiones vemos que la mirada de Dios, representado con una larga barba y cabello gris, es decidida, fuerte, dominante, mientras que la mirada de Adán representado como un joven fuerte, parece de ingenuo asombro, alguien que todavía no ha vivido y esta emocionado de hacerlo. Algo que es importante, es que a diferencia de todo el resto de la Capilla Sixtina que esta lleno de detalles sobre detalles, esta escena no contiene muchos detalles, tiene un fondo claro que hace que resalten aún más a los personajes y la escena se convierte en un claro mensaje icónico. Definitivamente lo mas importante de esta obra son los dedos de Dios y Adán, tocándose, al comienzo pareciera de manera muy forzada, pero al final, el dedo índice del Creador funciona con autoridad, con fuerza, parece estar listo para dar un impulso a la mano de Adán, que en cambio parece tan débil como si estuviera lista para recibir energía del Señor. En cuanto al desnudo masculino, vemos que solo esta desnudo Adán, que en este caso considero que funciona como una alusión al hombre que habita la tierra, con su órgano masculino que al final es signo de fertilidad y crecimiento de la población. Es el primer hombre de la tierra y es muy importante que en este caso se vea todo como Dios lo trajo al mundo. El impresionismo también empieza a estudiar mucho el funcionamiento del humano, como hace Da Vinci, empezamos a ver con mas naturalidad el cuerpo desnudo que al final también lo que hace es que uno como humano se pueda identificar mas con ciertas escenas en el arte.

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Artista: El Bosco

Técnica: Oleo sobre tabla

Fecha: 1500-1505

Estilo o Corriente artística: Renacimiento Nórdico

Lugar: Museo del Prado, Madrid, España

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Artista: Leonardo Da Vinci

Técnica: Dibujo con pluma y tinta

Fecha: 1492

Estilo o Corriente artística: Renacimiento del Siglo XIV

Lugar: Gallerie dell´Accademia, Vencia, Italia

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Marcantonio Pasqualini Crowned by Apollo

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Marcantonio Pasqualini Crowned by Apollo

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Artista: Andrea Sacchi

Técnica: Oleo sobre lienzo

Fecha: 1641

Estilo o Corriente artística: Barroco

Lugar: The Metropolitan Museum of Art

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Artista: Pierre Paul Prud'hon

Técnica: Tiza blanca y negra sobre papel azul

Fecha: 1810

Estilo o Corriente artística: Neoclasicismo

Lugar: The Metropolitan Musem of Art

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Artista: Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix

Técnica: grafito sobre papel

Fecha: 1855

Estilo o Corriente artística: Romanticismo

Lugar: The Metropolitan Museum of Art

“Seated and Standing Male Nudes” son una serie de bocetos en grafito por el reconocido artista del romanticismo Eugenè Delacroix. Delacroix fue un destacado artista francés conocido por su uso expresivo del color y composiciones dinámicas. En esta obra especifica vemos con un trazo muy rápido e irregular dos figuras masculinas desnudas, uno de estos hombres aparece sentado sujetando un palo con un rostro no tan definido, mientras que el otro está completamente parado, esta figura aparece sin las facciones de un rostro, como si hubieran sido borradas. La rapidez en la que parece estar hecho este dibujo, da la ilusión de era un ejercicio de bocetos en el que se tenía que dibujar estos dos modelos posando. Es importante recordar que, durante esta época, dominar la representación de la forma humana en poses convencionales era un objetivo central de la formación artística en las escuelas o academias de arte, y aunque el enfoque principal del arte romántico no era necesariamente el cuerpo humano, en ese entonces empieza a cobrar una nueva definición, era una nueva forma de estudiar y aprender sobre uno mismo, era un medio para explorar temas emocionales, simbólicos e individuales, la representación del desnudo permitía a los artistas explorar su propia interpretación de la forma humana sin adherirse a las restricciones clásicas, pues el arte romántico rechazó las estrictas reglas de composición y buscó la individualidad y la libertad creativa.

Por el otro lado vemos también el boceto “Standing Male Nude (verso)” por el artista francés Pierre Paul Prud'hon, quien dibuja a un hombre de pie, fornido completamente desnudo. Al igual que las obras románticas de Eugenè`Delacroix, el hombre del dibujo parece estar también posando para ser dibujado como una escultura de la antigua Grecia y Roma, solo que en este caso vemos una intención por hacer mas detalle. Se logra ver en el torso y en la cara una búsqueda de representación de la luz en la obra. Esto mencionado anteriormente es una clara característica de la representación del desnudo en el neoclasicismo, los artistas se inspiraron en la estética de la Antigua Grecia y Roma, buscando regresar a los principios clásicos. Esto se reflejó en la representación del cuerpo humano, que estaba sujeta a una fuerte idealización.

Los artistas del neoclasicismo buscaban crear figuras que encarnaran la perfección, la armonía y la proporción, tomando como referencia las esculturas clásicas de la Antigüedad. Las figuras se representaban con posturas elegantes y equilibradas, mientras que en el romanticismo los artistas buscaron representar el cuerpo de una manera más emocional y expresiva. Se enfocaron en capturar las emociones humanas, la pasión y la introspección. Las figuras humanas eran a menudo representadas en situaciones dramáticas o sentimentales para evocar respuestas emocionales en el espectador. En el romanticismo los artistas empiezan a buscar una relación mas directa con el espectador para que se sienta mas identificado con lo que está viendo. Esto también es evidente ya que hay un rechazo hacia la rigidez de la académica del Neoclasicismo, ahora se empieza a centrar en una libertad artística y la expresión individual. Los artistas románticos desafiaron las normas establecidas y experimentaron con estilos más libres y expresivos.

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Artista: Thomas Eakins

Técnica: Oleo sobre lienzo

Fecha: 1885

Estilo o Corriente artística: Realismo del siglo XIX

Lugar: Amon Carter Museum of American Art

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Artista: Gustave Caillebotte

Técnica: Oleo sobre lienzo

Fecha: 1884

Estilo o Corriente artística: Impresionismo

Lugar: Museum of Fine Arts Boston

“Man at His Bath” realizado por el artista francés Gustave Caillebotte en 1884. Gustave Caillebotte estuvo asociado con el movimiento impresionista pero también fue conocido por su estilo realista. Esta obra en particular se considera un ejemplo temprano de su exploración de la vida urbana moderna. “Man at his Bath” forma parte de la colección del Museo de Orsay de París, que alberga una extensa colección de obras maestras impresionistas y postimpresionistas. Esta pintura refleja el interés de Caillebotte por representar la vida contemporánea, tema que recorre gran parte de su obra, incluidas escenas del París urbano y las actividades de ocio de la época.

En la obra vemos en un primer plano a un hombre de espaldas en lo que parece un baño, ya que vemos una tina en el fondo y unas huellas que parecen estar húmedas en el suelo como si alguien se acabara de salir de bañar. El hombre se encuentra completamente desnudo secándose su cuerpo después de bañarse, una escena que para nosotros puede llegar a ser un momento muy privado en la vida de una persona. La composición de la obra nos da inferir que el protagonista no posa para el cuadro ni tiene intención de ser visto, somos nosotros los espectadores quienes se entrometen en su espacio privado, guiado por el pintor.

Aunque la obra hace parte de movimiento impresionista con sus pinceladas rápidas y grandes, la atención al detalle y el juego de luces en la superficie con las huellas húmedas muestran la habilidad de Caillebotte para capturar escenas cotidianas con precisión. Ahora bien, esta obra al ser un desnudo, mas especifico un desnudo masculino jugo un papel importante en el movimiento impresionista, contribuyendo a un cambio en las convenciones artísticas y reflejando actitudes sociales cambiantes hacia el arte, la estética y la forma humana, antes los desnudos eran un tema común en el arte académico, pero normalmente se representaban en contextos históricos o mitológicos, adhiriéndose a normas establecidas, sin embargo los artistas impresionistas intentaron romper con estas limitaciones académicas tradicionales. Su objetivo era capturar la vida contemporánea y las escenas cotidianas, incluido el cuerpo humano, de formas más naturales e inmediatas. En el impresionismo se buscaba una representación más natural y no idealizada del cuerpo, lo que refleja un movimiento hacia una mayor autenticidad y un rechazo de los estándares de belleza convencionales.

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Artista: Pablo Picasso

Técnica: Oleo sobre lienzo

Fecha: 1906

Estilo o Corriente artística: Cubismo

Lugar: Barnes Foundation