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Antonio Vivaldi (Venècia, 4 de març de 1678-Viena, 28 de juliol de 1741) va ser un compositor, violinista, empresari, professor i sacerdot catòlic venecià del Barroc (1600-1750).

Se'l considera un dels més grans compositors barrocs, la seua influència durant la seua vida es va estendre per tota Europa i va ser fonamental en el desenvolupament de la música.

Era sobrenomenat Il prete rosso («El capellà roig») per ser sacerdot i pèl-roig.

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Las Cuatro Estaciones (Four Seasons) - Vivaldi

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https://scherzo.es/el-violinista-espanol-javier-lupianez-descubre-una-nueva-sonata-de-vivaldi/

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El violinista y musicólogo español Javier Lupiáñez [en la foto], director del grupo Scaramuccia, ha conseguido reconocer los detalles del lenguaje de Vivaldi en una sonata para violín y continuo localizada en una biblioteca alemana. Actualmente, la sonata estaba atribuida a otro compositor por la propia la biblioteca donde se encuentra así como por el RISM (Repertorio Internacional de las Fuentes Musicales).

Ante el hallazgo, ocurrido este mismo verano, Lupiáñez se puso inmediatamente en contacto con su colega Fabrizio Ammetto, musicólogo italiano especialista en Vivaldi, y juntos elaboraron un artículo que se publicará en el próximo número (2023) de la revista Studi vivaldiani, además de la edición crítica que publicarán la editorial Ricordi y el Istituto Italiano Antonio Vivaldi. El consejo editorial del Istituto Italiano Antonio Vivaldi (IIAV) ya ha confirmado la autoría de Vivaldi de la nueva sonata para violín y bajo continuo, que actualmente se encuentra a la espera de recibir un número de catálogo oficial (RV).

Según el especialista Michael Talbot, se trata del ejemplo más explícito en Vivaldi de una "Sonate auf Concertenart", es decir, un tipo de sonata que Vivaldi usaba a modo de "tarjeta de presentación" para mostrar sus grandes habilidades como virtuoso. Estas sonatas son bastante inusuales en el repertorio italiano anterior a Tartini, lo cual hace de esta composición una sonata muy especial, ya que está datada en la segunda década del siglo XVIII.
(foto de Javier Lupiáñez: David Morales. Sobre estas líneas, detalle del manuscrito de la sonata recién atribuida a Vivaldi y descubierta por Lupiáñez)

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El violinista español Javier Lupiáñez descubre una nueva sonata de Vivaldi - Scherzo

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El violinista y musicólogo español Javier Lupiáñez [en la foto], director del grupo Scaramuccia, ha conseguido reconocer los detalles del lenguaje de Vivaldi en una sonata para violín y continuo localizada en una biblioteca alemana. Actualmente, la sonata estaba atribuida a otro compositor por la propia la biblioteca donde se ...

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Richard Wagner ( 22 de maig de 1813, Leipzig, Alemanya- 13 de febrer de 1883, Ca' Vendramin *Calergi, Venècia, Itàlia).

Va ser un compositor, director d'orquestra, poeta, assagista, dramaturg i teòric musical alemany del Romanticisme.

Va ser responsable de canviar l'orientació de l'òpera, mitjançant el desenvolupament d'obres compostes i concebudes orgànicament, l'ampliació dels recursos orquestrals, el foment de nous tipus de cantants i l'exploració de pràctiques teatrals innovadores.

L'obra més famosa de Wagner, «L'anell del nibelungo»

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El anillo del Nibelungo - El ocaso de los Dioses: Final

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Anécdotas sobre Wagner - Wagner fuente de curiosidades

ANÉCDOTAS SOBRE WAGNER - WAGNER FUENTE DE CURIOSIDADES

Introducción

Al tema de las anécdotas sobre Wagner le podríamos dedicar páginas y páginas, porque hay infinidad. Anécdotas y frases curiosas referidas a Richard Wagner las encontramos abundantemente. Unas son ciertas, otras creo que son más fruto de la imaginación que otra cosa. Hoy vamos a destacar dos.

Anécdotas sobre Wagner

Me puede hacer un resúmen?

La música de Wagner pronto se empezó a extender por todo el mundo. A uno de los sitios que llegó y despertó mucha curiosidad fue a Italia. En aquel momento eran tres las editoriales que estaban en competencia para captar más repertorios: Ricordi, Sonzogno y Lucca, mucho más modesta que las dos anteriores.

La Casa Lucca pasó a manos de la hija del fundador, Giovannina Lucca. Era buena profesional pero sus conocimientos musicales eran bastante limitados. Pensó que si lograba hacerse con la producción de Wagner y lograr introducirla en Italia, habría conseguido un triunfo más que notable. Así pues, se fue a ver a Wagner a Bayreuth, y tuvo la osadía de pedirle que hiciera una Tetralogía reducida que se pudiera ver en una sola noche. Recordemos que son unas diecisiete horas de música.

Me hubiera gustado ver la cara de Wagner y lo que le diría. De todos modos, esto de un resúmen se lo he oído decir a más de uno, o sea que no critiquemos tanto a la editora.

A mi Wagner me encanta

Esa es otra frase que parece que todo aficionado ( o no tan aficionado) tenga que decir sí o sí. Pasa algo si alguien dice que " A mi Wagner me cansa, o no soy capaz de escuchar una ópera entera?", pues probablemente no. Veamos lo que le pasó a un político español de la década de 1980. Tuvo lugar en Barcelona. Se pensó en inaugurar la temporada 1981-1982 con Lohengrin. A un alto representante político se le preguntó qué le parecía, o algo así. Su respuesta fue: "Yo soy un gran wagneriano, y me ha interesado mucho que inauguraran con Lohengrin, porque todavía no la conocía"

Pues señor mío, Lohengrin es de primero de wagnerismo.

Para unir estas dos anécdotas sobre Wagner vamos a escuchar el racconto de Lohengrin, In fernem land, pero cantado en italiano por Mario del Monaco. Estas traducciones, en Italia, no eran muy extrañas, por la red se encuentran otros ejemplos.

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Anécdotas sobre Wagner - Wagner fuente de curiosidades

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Artículo dedicado a dos anécdotas sobre Wagner. Richard Wagner ha sido fuente de muchas curiosidades y frases divertidas

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Johan Sebastian Bach (31 de març de 1685, Eisenach, Alemanya-28 de juliol de 1750, Leipzig, Alemanya).

Va ser un compositor, músic, director d'orquestra, mestre de capella, cantor i professor alemany del període barroc.

Les dues grans aportacions de Bach a la música clàssica són, d'una banda, els concerts per a teclat, una cosa mai vista fins llavors i, per un altre, les bases de l'harmonia moderna, assentades sobre els 12 tons del sistema temperat.

Johan va ser un compositor que mai va escriure una òpera.

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VALNCIA, 31 Oct. (EUROPA PRESS) -

La Universitat de Valncia ha programado, para este lunes 4 de noviembre, un espectáculo en que el Orfeó Universitari de Valncia y los grupos Proletaris del Ritme, Luna de África y Tesa fusionarán la música clásica con música africana, el jazz y el rap.

El 6 de octubre de 1999, la Universitat de Valncia inauguró el Centre Cultural La Nau tras un proceso de rehabilitación integral de su sede histórica, y por ello, la institución ha organizado este espectáculo en conmemoración. Las invitaciones gratuitas pueden recogerse desde una hora antes en las taquillas del teatro, ha indicado la UV en un comunicado.

La actuación, titulada African Passion by JS Bach, es una fusión entre la música de Bach, los ritmos africanos y la música negra que el Orfeó presenta junto con Jesús Salvador 'Chapi'. El espectáculo, que conecta el canto coral con la realidad que le rodea, está "inspirado en la crisis migratoria que, el año pasado, dejó casi 2.000 muertos en el Mediterráneo".

Esta idea original dirigida por Jesús Salvador 'Chapi' y Francesc Valldecabres es una "novedosa y rompedora creación musical inspirada en la vida de Albert Schweitzer (1875-1965), un intelectual alsaciano -médico, teólogo y organista que escribió una de las bografías más interesantes sobre Johann Sebastian Bach- que viajó a África como misionero en 1911, y cuya labor antibelicista le otorgó el premio Nobel de la Paz en el año 52".

A partir de esta idea sobre la que ya existen diferentes proyectos musicales, African Passion by JS Bach trabaja con 'la Pasión según san Juan' del compositor alemán, fusionándola y haciéndola conversar con otras realidades y culturas. El texto, con la pasión y el dolor de fondo, enlaza con la realidad del Mediterráneo más actual.

Según ha señalado Valldecabres, esta producción se enmarca en una de las líneas de trabajo del Orfeó, que en los últimos años ha dedicado las producciones del festival Serenates a crear programas que reflexionan sobre aspectos sociales. Así, ha ofrecido programas como Dido and Aeneas, de Purcell, o Les Noces, de Stravinsky, sobre acoso escolar y matrimonios infantiles concertados.

'African Passion by JS Bach' es una producción propia en la que han trabajado conjuntamente el Orfeó Universitari de Valncia, dirigido por Francesc Valldecabres, y la participación de la soprano Saray García y el bajo Antonio Sabuco; la formación Proletaris del Ritme, con dirección de Jesús Salvador 'Chapi', quien también se ha hecho cargo de los arreglos; a la guitarra, Dani Flors; al trombón, Toni Belenguer; al contrabajo, Óscar Cuchillo; a la batería, Carles Salvador; Luna de África a la percusión, voces y danza, y la colaboración especial de la rapera Tesa.

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Una fusión de Bach con música africana, jazz y rap para celebrar el 20 aniversario de la Nau

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La Universitat de Valncia ha programado, para este lunes 4 de noviembre, un espectáculo en que el Orfeó...

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És un compositor, director d'orquestra, pianista i trombonista estatunidenc. Considerat un dels compositors més prolífics de bandes sonores de la història del cinema, ha compost algunes de les més famoses i recognoscibles de tots els temps com: Harry Potter, Star Wars, Tauró, Atrapa'm si pots, E.T., l'extraterrestre, Superman, Indiana Jones, Parc Juràsic, La llista de Schindler, El colós en flames, L'aventura del Posidó i Home Alone.

Ha treballat amb el cèlebre director Steven Spielberg des de 1974 i ha compost la música de tota la seua obra, a excepció de tres pel·lícules. També ha realitzat composicions musicals per a diversos Jocs Olímpics, nombroses sèries de televisió, noticiaris i diverses peces de concert.

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John Williams & Vienna Philharmonic – Williams: Imperial March (from “Star Wars”)

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El #FSOTour es nuestra gira homenaje a John Williams, uno de los mejores compositores de todos los tiempos, como ya os hemos comentado tantas veces. Es cierto que es muy conocido por haber compuesto alguna de las bandas sonoras de cine más famosas de la historia, pero seguro que hay algunos datos que no sabías de él y te sorprenderán:

1. Su padre fue un percusionista de jazz que tocó con el legendario quinteto de Raymond Scott. Para quienes no lo sepan, Raymond Scott fue un compositor neoyorquino, músico experimental, pianista, ingeniero de sonido e inventor de instrumentos musicales electrónicos.

2. En 1952, con 20 años, John Williams fue reclutado para la Fuerza aérea de los Estados Unidos, donde compuso y dirigió música para la banda de la fuerza aérea como parte de sus deberes.

3. Las primeras composiciones musicales que realizó en el cine fueron para películas de comedia, como fue "Cómo robar un millón", protagonizado por Audrey Hepburn y Peter O'Toole.

4. En 53 años de carrera ha compuesto un total de 102 bandas sonoras.

5. La mayor parte de sus composiciones han sido para dramas, le siguen de cerca las películas de aventuras y, en menor medida, acción y ciencia ficción.

6. Williams ha compuesto la música para 4 Juegos Olímpicos celebrados en los últimos 26 años.

7. Con sus 51 nominaciones a los premios Oscar es la persona viva que más veces ha optado a este galardón y la segunda persona más nominada en la historia de los premios de la Academia detrás de las 59 nominaciones de Walt Disney.

8. La banda sonora que compuso para Star Wars fue elegida por el American Film Institute en el 2005 como Mejor banda sonora de película norteamericana de todos los tiempos en una lista de 25 piezas musicales.

9. Ha ganado un total de cinco premios Óscar y cuatro premios Globo de Oro. Ha sido nominado en 21 ocasiones a los Globos de Oro y 59 veces a los premios Grammy.

10. El compositor comenzará a trabajar en 'Star Wars: Episodio 9' este verano. La película se estrenará en diciembre de 2019.

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10 datos curiosos sobre John Williams que seguro que no conocías

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El #FSOTour es nuestra gira homenaje a John Williams, uno de los mejores compositores de todos los tiempos, como ya os hemos comentado tantas veces. Es cierto que es muy conocido por haber compuesto alguna de las bandas sonoras de cine más famosas de la historia, pero seguro que hay algunos datos que no sabías ...

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És un compositor de bandes sonores alemany, que es caracteritza per la integració de música electrònica i arranjaments simfònic-orquestrals. Ha sigut creditor a reconeixements cinematogràfics com els Globus d'or, BAFTA, Emmy, Saturn, Grammy, a més de dos Óscar de l'Acadèmia pel seu treball en El rei lleó (1994) i Dune (2021), premis als quals ha sigut nominat en altres 10 ocasions des de 1988

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Harold Faltermeyer, Lady Gaga, Hans Zimmer, & Lorne Balfe – Top Gun Anthem

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El compositor alemán Hans Zimmer es uno de los más aclamados y que más fans acumula. Es un compositor que ha sabido llegar con sus partituras a los espectadores más jóvenes, quizás porque su peculiar estilo, lleno de fuerza (e iniciado en el sonido electrónico) ha sabido acompañar a buen puñado de títulos muy comerciales y de notable éxito internacional.

También su inquietud que le ha llevado a realizar muchas colaboraciones y arreglos y versiones, lo que le pone en el panorama de la música cinematográfico como un artista indispensable. A sus 65 años, Hans Florian Zimmer acumula bandas sonoras a lo largo de más de cuatro décadas y es uno de esos compositores indispensables en el Hollywood actual. Se ha ganado un reconocido puesto no sólo por su larga trayectoria sino por su versatilidad: cine de animación, acción, dramas, comedias...

Considero que es un gran compositor, quizás demasiado prolífico, lo que le hace acumular muchos trabajos y no siempre inspirados, pero esencial para entender el cine actual, al que ha sabido ponerle música y su personal estilo. Toca repasar las que considero sus diez mejores bandas sonoras hasta la fecha, aunque seguro todavía tiene un largo recorrido por delante.

'Rain Man' (1988)

En un año capital y ya con cierta experiencia a pesar de su juventud por aquel entonces, compuso esta notable partitura, que acompaña a un film de éxito en taquilla y también en la carrera de premios. Logra su primera nominación al Oscar y bien merecida.

No es una de las más notables pero por significar un importante paso en su trayectoria, lo cierto es que contiene momentos que particularmente aprecio y que son un buen encuentro con el estilo que seguiría desarrollando.

'Thelma & Louise' (1991)

Con Ridley Scott participaría en un buen número de películas, en esta, una de las grandes de la época inspirada del realizador. Sigue la estela del título anterior, en una banda sonora con una música incidental de escasa presencia y combinada con canciones, pero esa mezcla de tonos folk instrumentales es muy acertada para la historia.

'El Rey León' ('The Lion King', 1994)

Sus aportaciones al cine de animación han deparado quizás algunas de sus mejores composiciones. Para esta cinta de Disney supo capturar la esencia de África, con percusiones y coros que la convierten en una sobresaliente banda sonora. Premiado con el Óscar, posiblemente sea uno sus trabajos más destacados e inolvidables.

'Marea roja' ('Crimson Tide', 1995)

En esta ocasión trabaja para el otro Scott, Tony, que con esta cinta de intriga, con aires de thriller logra un trabajo excepcional. Su adecuación al ambiente claustrofóbico de la historia (y del submarino donde se desarrolla gran parte de la cinta) es muy apropiada. Con esta banda sonora ganó un Grammy, y es que la partitura es también uno de sus más grandes trabajos. La película gana enteros gracias a su música.

'La roca' ('The Rock', 1996)

Entre esta y la banda sonora de 'El Pacificador' tenía una cierta duda, pero quizás sea más popular la compuesta para el film de Michael Bay. Creo que es la perfecta adecuación de una música majestuosa, emocionante, trepidante y que no sólo subraya sino que eleva la emoción y la acción del film.

Un buen ejemplo de su gran aportación al cine más comercial (y muy identificativa de su estilo inconfundible) y parte esencial para convertir estas películas en auténticos éxitos de público.

'Mejor... imposible' ('As Good as It Gets', 1997)

Esta celebrada comedia con un sublime Jack Nicholson, tuvo una música magnífica. Una variación más dentro del recorrido de Zimmer, ahora fundiendo el tono de comedia, romántico, melodrama y ese punto de locura (subrayada a ritmo de pseudotango) del protagonista. Muy pegadiza.

'Gladiator' (2000)

Nuevo trabajo para Ridley Scott y nueva muestra de su genio. La película es más efectiva y emocionante por su música. No sé que tiene esta partitura pero quizás sea de las que más veces he escuchado en los últimos años.

Es vigorosa, potente, emocionante, ideal para levantar el ánimo y de las que se convierte en pieza de culto para distintos montajes de vídeo. Esencial y completa banda sonora. Eso sí, conviene puntualizar que aquí Zimmer comparte la gloria con Lisa Gerrard coautora de la partitura. Sube el volumen.

'La delgada línea roja' ('The Thin Red Line', 1998)

Excelente película de Terrence Malick y no menos sublime trabajo de Zimmer. Ahora su música se torna compleja, asfixiante para subrayar el tono de esta historia bélica. Brillante música de estilo inconfundible.

'El príncipe de Egipto' ('The Prince of Egypt', 1998)

Nueva incursión en el cine de animación, en esta ocasión para Dreamworks y su bíblica historia de Moisés. También se puede considerar una de sus obras cumbres, logró otorgar al relato el tono majestuoso, poderoso, melódico y envolvente (con coros grandiosos) que requería.

Su sello personal pero lleno de inspiración, muy completa con temas sobresalientes y me arriesgo a afirmar que es una de las mejores bandas sonoras de la década. Incluye un éxito cantado por Whitney Houston y Mariah Carey que ganó el Óscar.

'Piratas del Caribe: en el fin del mundo' ('Pirates of the Caribbean: At World's End', 2007)

Cualquiera de las compuestas para la saga ' Piratas del Caribe' son buena muestra, pero quizás la última sea con la que consigue un nivel más elevado, al aunar todo lo compuesto anteriormente y darle un empaque más contundente y notable. Por cierto, se atreve incluso con la guitarra eléctrica.

'El caballero oscuro' ('The Dark Knight', 2008)

Seguro muchos la echaban de menos, pero al ser una banda sonora coescrita junto a James Newton Howard, tiene que compartir la gloria. Aunque eso sí, bien merece reseñarla porque el trabajo aquí de Hans Zimmer, codo a codo con Christopher Nolan, le otorga quizás el punto más exacto y adecuado que requiere Batman en esta historia: el toque oscuro y siniestro.

Por cierto, ¿alguien duda de que Zimmer es un genio?

En Espinof | La música del pánico: las 24 bandas sonoras más inquietantes del cine de terror

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Las 11 mejores bandas sonoras de Hans Zimmer

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El compositor alemán Hans Zimmer es uno de los más aclamados y que más fans acumula. Es un compositor que ha sabido llegar con sus partituras a los...

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Va ser un compositor de música de cinema nascut als Estats Units en el si d'una família grega. Va nàixer el 21 d'agost de 1945 i va morir el 8 de novembre de 2006 a Los Angeles, Califòrnia, als 61 anys, a causa d'un càncer.

Va guanyar el premi Primetime Emmy a Millor Composició Musical en Minisèrie.

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cadena SER  Basil Poledouris, inventando la música de la protohistoria  El tiempo le ha hecho justicia y hoy en día la banda sonora de “Conan el bárbaro” está considerada no ya una de las mejores partituras de los...  .  25 oct 2013

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En realidad Basil Poledouris quería ser director pero fue en la Escuela de cine de California en la que estudió a finales de los 60 y principios de los 70 donde fue perfilando su verdadera vocación cuando, al ser el alumno con más dotes para la música, todos sus compañeros le encargaban las bandas sonoras de sus cortos. Fue así como acabó convirtiéndose en compositor cinematográfico. Uno de estos antiguos compañeros era el director John Milius que en 1981 había sido elegido para dirigir "Conan el bárbaro". Los productores querían que Ennio Morricone compusiera la banda sonora pero él, sabedor de la devoción que Basil sentía por Miklós Rózsa y la música épica, pensó que su amigo podría hacer un gran trabajo y les convenció para que apostaran por él.

Porque la épica sería muy necesaria ya que en la película abundarían los combates, los escenarios exóticos y los grandes espacios abiertos. Milius quería dar al personaje un tratamiento legendario, fuera de la historia y la geografía conocidas. Basil Poledouris lo explicaba así en una entrevista: "Conan suponía ciertos requisitos muy serios porque se trata de la protohistoria. John Milius imaginó que ocurría 10.000 años antes del comienzo de la historia. ¿Qué significaba eso musicalmente? Pues que teníamos que experimentar y trabajar con instrumentos antiguos. Pero ni siquiera eso era suficiente, había que inventar un sonido que no tuviera referencias conocidas; el medioevo es moderno comparado con Conan. Tenía que ser algo completamente nuevo. Queríamos también que la banda sonora tuviese un componente operístico ya que hay muy poco diálogo en la película y es la música la que realmente debe sostener el relato".

La banda sonora de "Conan el bárbaro" está llena de pasajes de gran brillantez. Prácticamente cada uno de los cortes del disco es una pequeña joya musical. El tema principal, vigoroso y lleno de percusiones, es el de los títulos de crédito, "Anvil of Crom". Es el tema del acero y de Crom, el dios al que venera el héroe. Jerry Goldsmith, como él mismo confesó, se inspiraría años después en esa pieza para crear el tema principal de "Desafío Total", una melodía que muchos reconocen hoy en día como sintonía deportiva de Canal Plus.

La música de "Conan el bárbaro" es épica y a la vez emotiva. Los coros brillan a lo largo de todo el disco. "Theology / Civilation" con su aire aventurero y su pegadiza melodía es una de las mejores piezas. Algo más inquietante resulta "Wheel of pain", el tema de la rueda del dolor a la que Conan es encadenado de niño. Sin diálogos y con esta música de fondo que expresa esfuerzo, constancia y sufrimiento, asistimos al crecimiento del muchacho a lo largo de los años, empujando sin cesar esa gigantesca rueda de molino. "Decidí usar sonidos metálicos para tratar de crear la idea de otro mundo, de esclavitud y cadenas -explicaba Poledouris- Usábamos un gong chino y el percusionista lo arañaba con una especie de rastrillo produciendo un sonido de raspadura metálica."

Hay temas de batallas y combates pero también hay temas de amor. Otro de los pasajes destacados es "Wifeing" una melodía romántica que ilustra el amor de Conan y Valeria, su amada guerrera.

Cuando Valeria muere en batalla llega otro de los momentos más destacados de la banda sonora, el tema de la pira funeraria, una melodía que transmite una profunda tristeza. Basil Poledouris explicaba cómo la compuso: "Tuve un sueño la noche anterior. Mi esposa y mis hijas había ido a Florencia y yo soñé que morían. Veía a la muerte encapuchada y con un rostro hecho a base de cuerdas. Recuerdo lo triste que me sentía en el sueño y la música salió casi sola. La compuse esa misma mañana tras despertarme."

Otro de los temas más conocidos del disco es "The Orgy". Se trata de un tema repetitivo que va en crescendo, un poco al estilo del bolero de Ravel. En él tuvo mucho que ver Zoe, la hija de ocho años de Basil Poledouris. "Estaba componiendo la parte de la orgía, la melodía de base -recordaba el compositor- cuando mi hija, que estudiaba flauta en el colegio, entró en el estudio que tenía en casa y empezó a tocar una contra-melodía inventada por ella sobre la base de piano que yo interpretaba. Y de repente pensé, 'es perfecta'. Así que adapté a esa música para que la interpretasen ocho trompas como al final quedó en la grabación.".

Curiosamente la banda sonora de "Conan el bárbaro" no tuvo una gran repercusión cuando se editó en su día. No fue nominada al Oscar ni a ningún otro premio destacado. El historiador cinematográfico Jon Burlingame cree tener la explicación: "Conan no tuvo el reconocimiento que se merecía cuando fue estrenada. Solo se fijó en ella un puñado de aficionados a la música de cine. El problema era que esta espectacular pieza coral y orquestal estaba unida a una película que no fue bien entendida por la crítica norteamericana, y eso hizo que la música no fuera apreciada ni apareciera en ninguna lista de honor de ese año. Pero hoy en día nos damos cuenta del gran clásico que era. La crítica norteamericana simplemente no entendió el género de Espada y Brujería que John Milius trasladó tan bien a la imagen y que Basil captó tan brillantemente con su música."

El tiempo le ha hecho justicia y hoy en día la banda sonora de "Conan el bárbaro" está considerada no ya una de las mejores partituras de los años 80 del siglo XX sino de toda la historia del cine. La obra maestra de Basil Poledouris, un compositor que también merecería más consideración popular de la que tiene.

En nuestras "Conversaciones en Clave de Sol" charlamos con Constantino Martínez-Orts, el director de la Film Symphony Orchestra que durante los meses de octubre y noviembre está recorriendo varias ciudades españolas ofreciendo conciertos de bandas sonoras. Han tocado ya en Madrid y Valencia. Este domingo están en el Auditori de Barcelona y el 23 de noviembre actuarán en el Fibes de Sevilla.

Constantino nos cuenta que la idea de la Film Symphony Orchestra nació en 2011, en la antigua Mostra de Cinema de Valencia que aquel año ofrecía un monográfico dedicado a James Bond. Coincidió además que poco antes había fallecido el compositor John Barry y la orquesta fue invitada para celebrar allí un concierto en homenaje al músico. Tuvieron un gran éxito que les animó el año pasado a iniciar su primera gira nacional de casi 20 conciertos, sobre la música de John Williams, al que se homenajeaba por su 80 cumpleaños. Este otoño han decidido continuar con el proyecto interpretando un repertorio en el que además de clásicos muy conocidos de Williams y Barry incorporan piezas de otros compositores de cine como Hans Zimmer.

El pasado mes de septiembre se cumplieron 10 años de la muerte de Johnny Cash y antes, en mayo, también se cumplió una década del fallecimiento de su mujer, la también cantante June Carter. Por eso en nuestra sección "Bio-Music-Pics", dedicada a las películas biográficas sobre músicos y cantantes, queremos recordarles esta semana con la película que cuenta parte de su vida: "En la cuerda floja", dirigida por James Mangold en 2005.

La película se centra en los primeros treinta años de la vida del cantante norteamericano, en especial en su ascenso vertiginoso a la fama, su divorcio de su primera mujer, el infierno que vivió a causa de las drogas y la redención final gracias a su compañera definitiva, la cantante June Carter miembro de una de las sagas más clásicas de la música country: The Carter Family. Joaquim Phoenix y Reese Whiterspoon dan vida a los cantantes con el reto añadido de interpretar sus canciones sin recurrir al playback. Aunque los dos fueron nominados al Oscar, la estatuilla solo la ganaría ella, logrando sacudirse así la imagen de rubia inocentona que le ha acompañado en muchos títulos. La ambientación y el rigor biográfico de la película son bastante notables. Se basa en la autobiografía de Johnny Cash, y detalles como los 56 trajes diferentes que luce Phoenix fueron diseñados siguiendo una meticulosa investigación en los archivos de la familia Cash.

En nuestra "Música de estreno" le damos una escucha a la banda sonora de "Turbo", la película de animación de Dreamworks que tenéis en las carteleras desde hace algunos días. El autor es Henry Jackman un músico que proviene de la factoría de bandas sonoras que dirige Hans Zimmer, Remote Control Productions, y que poco a poco se está convirtiendo en uno de los discípulos más destacados del compositor alemán. Aunque compone para todos los géneros (la música de "Capitán Phillips" es suya, por ejemplo) Jackman se está revelando como un especialista en música para películas de animación con títulos como "El gato con botas", "Winnie Pooh", "Rompe Ralph" y ahora este "Turbo".

Henry Jackman ha escrito una partitura muy agradable que mezcla orquesta sinfónica con guitarras eléctricas, baterías o bajos y también con electrónica. Los primeros cortes del disco son temas suaves y de aire soñador que ponen fondo a los anhelos del caracol de convertirse en un as de la velocidad. Cuando éste al fin se transforma y accede al mundo de las carreras, la música se transforma en trepidante y alegre.

Nuestra sección de "Parecidos Razonables" entre bandas sonoras se la dedicamos hoy por entero a la saga de Piratas del Caribe.

En ella vemos distintos tipos de parecidos razonables relacionados con Hans Zimmer. Por ejemplo, esta música la firma Klaus Badelt, otro de sus pupilos de Remote Control Productions, y autor de la banda sonora de la primera película, "Piratas del Caribe, la maldición de la Perla Negra", pero parece inspirarse en alguna banda sonora de su mentor, por ejemplo en "Gladiator". También Hans Zimmer recurre a la inspiración propia. Esta melodía pertenece a "Piratas del Caribe 2, el cofre del hombre muerto" y en ella Zimmer echó mano de otra banda sonora que había compuesto un par de años antes, la de la película "El rey Arturo". Aunque también Zimmer acude a otros compositores para sacar ideas. El tema se titula "Parley" y está incluido en la banda sonora de "Piratas del Caribe 3, en el fin del mundo". ¿Y a qué nos recuerda? Pues al tema de la gran masacre en el western "Hasta que llegó su hora" que compuso Ennio Morricone. Tendremos también en el programa el "Popurrí" y la película que destacamos de la programación de TCM. En este caso se trata de una película de culto de los años 80, "Videodrome", dirigida por David Cronemberg y protagonizada por James Woods y Deborah Harry, la cantante del grupo Blondie.

"Videodrome" es un film de terror pero también una fantasía surrealista que tiene algo de ciencia-ficción y thriller. En los años 80 Cronemberg quería hablar de la influencia de las televisiones y el poder perturbador de las imágenes. Se inspiró entonces en un pequeño canal de televisión canadiense que emitía en Toronto películas de porno suave a medianoche para contar la historia de un productor televisivo que, de forma casual, captura la emisión de un programa de torturas que parecen reales. Así llegará a descubrir que se llama Videodrome y es un experimento que utiliza esas transmisiones de televisión para alterar la percepción de sus espectadores causando alucinaciones y daños en sus cerebros. La película contiene imágenes muy impactantes, como la de James Woods introduciendo una pistola en sus entrañas, y la inquietante banda sonora a base de música electrónica que compuso Howard Shore.

"Notas de cine" se emite en la madrugada del sábado al domingo de 5 a 6 en el dial de la Cadena SER y a partir del domingo podréis encontrar el audio en los podcast de cadenaser.com y canaltcm.com

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Basil Poledouris, inventando la música de la protohistoria

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En realidad Basil Poledouris quería ser director pero fue en la Escuela de cine de California en la que estudió a finales de los 60 y principios de los 70 donde fue perfilando su verdadera vocación cuando, al ser el alumno con más dotes para la música, todos sus compañeros le encargaban las bandas sonoras de sus cortos | Cadena SER

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Concierto homenaje a Basil Poledouris -  Robocop

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Va nàixer el 10 de novembre de 1928, Roma, Itàlia

Va morir el 6 de juliol de 2020, Campus Bio Medique University of Rome, Itàlia.

Va ser un compositor i director d'orquestra italià, conegut per haver compost la banda sonora de més de cinc-centes pel·lícules i sèries de televisió. Va rebre un Óscar honorífic en 2006 i va guanyar l'Óscar a la millor banda sonora en 2016 per la cinta The Hateful Eight.

Les seues composicions s'inclouen en més de vint pel·lícules guardonades, a més de realitzar també peces simfòniques i corals. Destaquen, entre altres, els seus treballs en pel·lícules del spaghetti western, de la mà del seu amic Sergio Leone, com Per un grapat de dòlars de 1964, Per qualche dollaro in più de 1965, El bo, el lleig i el dolent de 1966 o C'era una volta il West de 1968.

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La carrera de Ennio MORRICONE en 11 bandas sonoras

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 RTVE.es Cinco curiosidades sobre Ennio Morricone Aunque todos conocemos sus inolvidables composiciones para el cine, os vamos a desvelar cinco curiosidades que quizá no sabíais sobre él. .6 jul 2020

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cinco curiosidades sobre ennio morricone

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Cinco curiosidades sobre Ennio Morricone

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Aunque todos conocemos sus inolvidables composiciones para el cine, os vamos a desvelar cinco curiosidades que quizá no sabíais sobre él.

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Alan Anthony Silvestri és un compositor musical de bandes sonores estatunidenca. Silvestri és conegut per les seues nombroses col·laboracions amb Robert Zemeckis, especialment Forrest Gump, la trilogia de Back to the Future, Contact, Nàufrag, The Polar Express i Beowulf.

Va nàixer el 26 de març de 1950 a Nova York, els Estats Units, té 74 anys.

Va guanyar el premi Grammy a la millor cançó escrita per a mitjans visuals.

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ALAN SILVESTRI // LAS MEJORES BANDAS SONORAS

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Érase una vez un niño de madera que podía hablar. Un niño de madera que, pese a estar vivo, quería ser real. En 1940, Disney encandiló al mundo adaptando el clásico cuento italiano de ' Pinocho'. La cinta es una de sus obras más legendarias, y generación tras generación los niños del mundo la han visto, disfrutado, y aprendido que, si mientes, te crece la nariz. Ahora, en el afán de realizar remakes de todos su Clásicos animados, la Casa del Ratón otorga vida a la película. Con Robert Zemeckis a los mandos y Tom Hanks como Gepetto, el filme ya puede verse en Disney+.

Como le pasa a la mayoría de estas readaptaciones, el live-action de ' Pinocho' no consigue acercarse a la magia de la original. Pero lo que tampoco puede ponerse en duda es que todos sus integrantes han dado el máximo para, al menos, hacer que la película se sostenga. Hay en el equipo muchas más leyendas al margen de los mencionados Zemeckis y Hanks. Peor también hay un joven que está por delante de todos ellos. Benjamin Evan Ainsworth, de tan solo 13 años, tiene la misión de darle voz al protagonista de la fábula.

Acercarse al Clásico

"Fue un reto encontrar la voz porque es muy icónica y tienes que parecerte a ella", cuenta Evan Ainsworth en una entrevista con eCartelera, "Dickie Jones es Pinocho. Así que fue difícil dominar eso". El pequeño se sumergió en la ardua tarea con las ideas muy claras y con un proceso de repetición y mímica constante. "Estuve viendo mucho la película original e intentando poner mi energía en ella. Llevó un tiempo pero al final conseguí lo que quería", asegura encantado. Además, también insiste una y otra vez en que trabajar con Zemeckis fue muy sencillo y se entendieron a la perfección: "Colaboramos mucho en el tema de la voz. Me dio instrucciones como 'sí, Ben, ve por ahí, trabaja en la nivelación...' hasta llegar a donde él quería". Tanto le gustó que actualmente no sabe si prefiere actuar delante de las cámaras o como actor de doblaje. "No se si podría elegir una de las dos. Ambas tienen sus cosas buenas", anticipa. Y tiene muy claro lo que hay que sacar de una película así: "La enseñanza que se da a las generaciones de ahora es que el mundo es un lugar genial, y que debes ser bueno y honesto mientras lo exploras".

Ponerle voz a un personaje tan reconocible como el Pinocho de Disney puede ser un peso muy duro, pero el actor lo llevó sorprendentemente bien. "Me sentía sobre todo honrado por estar en esta posición. Me llevó mucho tiempo hacerlo bien, lo necesitas con un personaje tan icónico. Pero llevé la presión bien. En el set me lo pasé muy bien, fue muy divertido", desvela encantado. No fue el único que se sintió así. Los compositores de la banda sonora de la cinta son Glen Ballard y el ilustre Alan Silvestri (' Regreso al futuro', ' Forrest Gump', ' Náufrago', ' Los Vengadores'...). Y para ambos trabajar con un director de la talla de Zemeckis fue un alivio.

"Teníamos que honrar algo que todo el mundo conoce y ama. Un Clásico de Disney icónico. Pero es el tipo de presión buena porque teníamos a un gran director que sabe cómo hacerlo. Y junto a Alan Silvestri hacen todas sus películas juntos", desvela Ballard. Por su parte, Silvestri va más allá y agradece la labor de su director y amigo: "Robert Zemeckis siempre va por delante, como hace un buen líder. La presión en él para reinventar 'Pinocho' tuvo que ser enorme. Glen y yo le mirábamos y decíamos 'Lo está llevando bien, así que vamos a seguirle y estaremos bien'. Y así es como lo hicimos. Bob lleva la mayoría de la presión por sí mismo". Finalmente, Ballard matiza que "como decía Alan, la presión estaba fuera de nosotros porque Robert tenía una visión. Nosotros solo teníamos que ayudarle a alcanzarla. Y hemos triunfado en eso".

Actualizar el cuento

Una de las claves que se buscaron en la película fue la de encontrar, a través del respeto por la obra clásica, elementos que pudieran modificarse y conectar con el mundo actual. Chistes sobre influencers, bromas sobre el nombre de Chris Pine... Y también nuevas canciones en la mítica banda sonora. "Lo primero que busqué fue algo fresco, que saliera del corazón. Utilizamos algunas de las canciones clásicas de Disney que todos conocemos. Pero Robert Zemeckis quería traer a Pinocho a la vida hoy, una aproximación actual. Ese fue el espíritu en el que se hizo todo. La escritura de la música, de las canciones junto a Glen Ballard. Queríamos que fuese una experiencia lo más fresca posible", explica Silvestri.

Su compañero agrega una idea similar, declarando que "Robert Zemeckis ha hecho una película para estos tiempos, así que obviamente el acompañamiento tenía que ser música y canciones que tuvieran sentido". De hecho, Ballard se atreve incluso a pronosticar cómo será recordada la cinta: "No quiero decir que es mejor que la original pero es una gran compañía".

Posteriormente, Silvestri insiste en la necesidad de encontrar un tono actualizado en todas las partes integrantes de 'Pinocho'. "No solo es cuestionar estilos, usar esto o lo otro. La música es diferente en las películas de ahora a como era en 1940. Cuando decides empezar una pieza, y lo que hace, dónde acaba, es muy diferente ahora. Es natural. No puedes coger la versión de Robert Zemeckis de 'Pinocho' y grabar la banda sonora como en la cinta original porque la música no serviría en una película moderna. No es tan difícil como parece porque nuestras sensibilidades son muy distintas ahora con la música y el cine", reflexiona el compositor.

La ilusión de un niño

Evan Ainsworth tuvo tiempo de contar brevemente cómo fue su trabajo en la película. un proceso que disfrutó más que nadie al verse rodeado de nombres tan aclamados en todos los ámbitos. "Primero grabé solo mi voz. Pero luego también pude ir al set y verle rodar desde detrás de las cámaras", expone, "fue increíble. Hay tanta gente espectacular en este reparto. Y trabajar con Robert fue genial. Aprendí mucho sobre cómo funciona el CGI, los efectos especiales y visuales". La posibilidad de ir a descubrir las entrañas de la cinta fue para él "lo más divertido. Estar ahí y ver a todo el mundo actuar mientras estaba detrás de las cámaras, porque mi personaje es CGI. Genial".

Pero si de alguien se lleva un gran recuerdo es de Tom Hanks. Pese a no rodar escenas juntos, sí mantuvieron una muy buena relación que les ayudó a entrar en el ambiente de la película. "Tom Hanks, qué leyenda. Fue increíble trabajar con él, es muy simpático. Me dio el apodo de 'Benocho', que es muy mono", desvela entre risas. "Hubo un momento en el que Tom Hanks estaba en una barca de mentira, rodeado de agua y con una pantalla verde alrededor, y vi cómo su imaginación lo hacía real. Estaba muy comprometido, como si estuviese en el mar. Y era muy divertido ver cómo esa barca falsa se balanceaba, el agua le salpicaba en la cara... Yo estaba como 'oh Dios mío, esto es real'", concluye.

Encontrar la magia de la música

Tal y como comentaban, para Silvestri y Ballard las canciones deben salir, sobre todo, desde dentro. Si no les convence algo, seguramente es que esté mal. "Lo que he descubierto con los años es que si, por ejemplo, el director quiere que el público llore en una escena, si yo no lloro mientras la escribo, no he encontrado la respuesta. Cuando encuentro las notas, estoy solo en una habitación llorando. Puedes llamarlo momento de Eureka. Más o menos sé que emocionalmente funciona", indica Silvestri.

El compositor continúa lanzando un piropo a su compañero: "cuando trabajo con el gran Glen Ballard también lo sé porque puedes verlo en su cara, ves cuándo encuentra la respuesta o respuestas. Nuestras mentes y cuerpos son los parámetros para saber si funciona. Tiene que funcionar para nosotros para que le funcione al resto". Ballard se suma sencillamente comentando que "hasta que una banda, orquesta, cantante o lo que sea la interpreta, no lo sabes, todo es especulación".

Como en cualquier trabajo creativo, los nervios y la incertidumbre siempre sobrevuelan las cabezas, por muy condecorado que haya sido todo el trabajo anterior. "No lo llamaría bloqueo creativo. Lo llamaría auténtico terror, pánico. Y siempre pasa", reconoce Silvestri, "lo único que funciona es decirte 'lo has hecho cientos de veces antes. y siempre viene ese terror y ese pánico. Tienes que sentarte y empezar a poner notas en un papel. Lo siguiente que descubres es que el pánico y el terror han desaparecido y la música es la que guía. Pero siempre me siento intimidado y preocupado por no encontrar nunca más una buena nota. Es la naturaleza del proceso".

Un equipo a la altura

Por último, los compositores quisieron dejar claro que su trabajo es mucho más fácil si al otro lado tienen a intérpretes tan brutales a su disposición. "Luke Evans y Cynthia Erivo son dos cantantes sensacionales. El único inconveniente que tuvimos fue el COVID. Su talento, lo que traían cada día al set, era trascendental", dice Ballard. Silvestri primero quiere hablar de Hanks, al que define como una fuerza imparable: "Cuando tienes a alguien como Tom Hanks, sabes que, más allá de cantar, vas a tener una actuación increíble que va a ser orgánica a la escena y la película. Fue interesante cuando, en una canción, él estaba conmigo y me di cuenta de que no puedes retener a alguien como Mr. Hanks para seguir el flow de una pieza musical. Tienes que dejarle cogerla, interpretarla y actuar. Es magnífico lo que hizo en esa pieza y en cualquiera en general. Las hace suya y actúa de manera excepcional".

Pero más que con Ballard o Hanks, con quien Silvestri guarda una profunda relación es con el director. Han trabajado juntos en incontables ocasiones y son una de las mejores y más prolíficas duplas de la historia del cine. El neoyorkino se deshace en elogios ante Zemeckis de la siguiente manera: "La mejor analogía que encuentro en nuestra relación es un matrimonio. Tienen que haber cosas emocionantes en la relación, y tienen que haber también cosas en común en lo referido a cómo se cuenta una historia y a cómo uno siente las necesidades de la historia. Robert Zemeckis es un narrador magistral. Tuvimos nuestra primera cita en 'Tras el corazón verde' (1984) y fue bien. Así que hubo otra, y después otra, y otra más. Y ya llevamos 22 o 23. Es magnífico porque la confianza ahora, como en cualquier relación duradera, es sensacional. Y es una alegría tener la oportunidad de estar juntos en ese sentido".

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Alan Silvestri sobre la banda sonora de 'Pinocho': "Busqué fue algo fresco, que saliera del corazón"

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Entrevistamos al actor principal del remake de 'Pinocho', Benjamin Evan Ainsworth, y a los ilustres compositores de la película Alan Silvestri y Glen Ballard.

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Va nàixer el 18 d'octubre de 1946 a Toronto, el Canadà, té 77 anys.

Ha guanyat un Oscar a la millor banda sonora Howard Leslie Shore és un compositor i saxofonista canadenc, conegut per les seues bandes sonores per a pel·lícules. Ha compost les partitures de més de huitanta pel·lícules, entre elles El silenci dels corders i les pel·lícules del Senyor dels Anells.

És oncle del també compositor Ryan Shore. Va estudiar música en el Berklee College of Music, a Boston (Massachusetts, els Estats Units). Des de 1969 fins a 1972 va formar part del grup musical Lighthouse, on va escriure lletres i músiques, va tocar el saxofon, la flauta i la trompeta, i a vegades va fer de vocalista.

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El señor de los anillos/ la comunidad del anillo - BSO - Howard Shore

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Howard Shore: “Componer la banda sonora de ‘El señor de los anillos’ supuso todo cuanto sé sobre hacer cine y música”

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Ha estado presente en las salas de cine de todo el mundo, en las televisiones de infinidad de hogares y ha contribuido a desarrollar la imagen de la Tierra Media. Y, aunque sale en una de las películas de la trilogía, pocos humanos corrientes serían capaces de reconocer a Howard Shore, uno de los músicos cinematográficos más importantes de todos los tiempos y compositor de la banda sonora de

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Naixement: 10 de juliol de 1895, Munic, Alemanya

Defunció: 29 de març de 1982, Munic, Alemanya.

Va ser un compositor alemany, el treball del qual pot ser emmarcat dins del corrent del neoclassicisme musical. És especialment conegut per la seua obra Carmina Burana i per desenvolupar un sistema d'ensenyament musical per a xiquets, conegut com Orff Schulwerk o mètode Orff.

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 Carmina Burana - Carl Orff www.youtube.com › watch

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 El Correo La sombra nazi sobre Carl Orff, el creador de 'Carmina Burana' La cantata Carmina Burana, un superventas absoluto de la música clásica, continúa abarrotando auditorios y encendiendo entusiasmos. .Hace 1 mes

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La cantata Carmina Burana, un superventas absoluto de la música clásica, continúa abarrotando auditorios y encendiendo entusiasmos. Su creador, Carl Orff, fue el inventor de un estilo propio, un renovador de la pedagogía musical y -según cuentan sus discípulos- un sabio dedicado a un único sacerdocio: el ritmo. Pero aún hoy en día no se han disipado del todo las sombras de este genio que triunfó en la Alemania nazi.

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La sombra nazi sobre Carl Orff, el creador de 'Carmina Burana' - XL Semanal

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La cantata Carmina Burana, un superventas absoluto de la música clásica, continúa abarrotando auditorios y encendiendo entusiasmos. Su creador, Carl Orff, fue el inventor de un estilo propio, un renovador de la pedagogía musical y -según cuentan sus discípulos- un sabio dedicado a un único sacerdocio: el ritmo.

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James Roy Horner (Los Angeles, Califòrnia; 14 d'agost de 1953-Bosc nacional Els Pares, Califòrnia; 22 de juny de 2015) va ser un dels millors compositors de bandes sonores i director d'orquestra estatunidenca. Entre les més de cent partitures per a cinema que va crear destaquen les de Titanic, que és la banda sonora més venuda de la història,2​3​ i la d'Avatar, la pel·lícula més taquillera de tots els temps, 4​ tots dos films del director James Cameron.

Va ser nominat als Premis Óscar en 10 ocasions, dos d'elles en l'apartat de millor cançó original, per An American Tail (1986) i Titanic, per la cançó «My Heart Will Go On» (1997), i huit en l'apartat a la millor banda sonora: Aliens (1986), Field of Dreams (1989), Braveheart (1995), Apol·lo 13 (1995), Titanic (1997), A Beautiful Mind (2001), Casa d'arena i boira (2003), Avatar (2009) i The Amazing Spider-Man (2012). Les seues dos estatuetes són per la pel·lícula Titanic.

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 135- LAS MEJORES BSO DE JAMES HORNER www.youtube.com › watch

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 Cinescopia Los 10 Mejores Temas de James Horner ¡Oh sí! El terror y la acción en el espacio en el poder de las notas de Horner. Es difícil imaginar a otro individuo en esta tarea, sobre todo... .14 ago 2022

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Quizá Horner para las nuevas generaciones signifique poco, sin embargo el autor de temas como Aliens, Braveheart, Willow, In the name of the Rose, entre otras, fue un acompañante constante en la vida del cinéfilo durante la década de los 80 y 90, época en la cual logró sus mayores éxitos de entre más de 150 trabajos como compositor entre cine y televisión que abarcaron desde 1979 hasta 2015, año de su trágico fallecimiento al estrellar su avioneta en Santa Barbara

Un talento prodigio tras las partituras, el caso de Horner en muchas ocasiones dio de que hablar al ser lo más digno de toda la producción cinematográfica, incluso siendo el nombre con más respeto y/o más referenciado dentro de blockbusters o churros que en su parte visual fueron dignas del olvido. De 6 nominaciones al Oscar, pudo alzar la presea de 1997 gracias a su colaboración en de James Cameron, siendo también parte indiscutible y socio artístico tanto del mencionado director como de nombres como Joe Johnston, Don Bluth, Ron Howard y Jean Jaques Annaud.

47 reconocimientos más redondean un carrera que el cinéfilo nunca olvidará, sobre todo aquel que creció en las mencionadas décadas, pues Horner seguramente es parte de su colectivo memorial causando con sus acordes una gama de sentimientos que van desde el suspenso y la épica acción hasta la honesta desesperanza y perdida.

A manera de homenaje, vamos repasando 10 de los temas más importantes y más recordables de James Horner. Puede ser que en algunos casos se preguntes "¿Era él?", mientras que en otros tengan una dulce regresión a su niñez, ya verán el porqué

Una emotiva cinta que seguramente fue parte de nuestra vida familiar y televisiva (para su servidor un poco injustamente olvidada). Aunque de muchos altibajos, precisamente los pocos buenos momentos son recordables gracias a las partituras de Horner

¡Oh sí! El terror y la acción en el espacio en el poder de las notas de Horner. Es difícil imaginar a otro individuo en esta tarea, sobre todo al recordar la trepidante tensión y suspenso musicalizados durante el escape de los 4 sobrevivientes delante de una Madre Alien lo suficientemente encabronada para destruir todo.

Un excelente tema de una animación injusta y casi totalmente olvidada sino fuera por los recuerdos de toda una generación. Poderosa sin lugar a dudas, la esperanza y su antónimo se conjugan en el teorema musical de Horner de manera exquisita para narrar la historia del ratón Fievel y su llegada a América ¡Pero esperen! Aún no es tiempo de llorar

De nuevo en asociación con Bluth, ahora si es tiempo de echar la lagrima con las aventuras de Piecito, una historia cruda aún para los niños que es aderezada con unos temas que parecieran ser un switch para desquebrajar a cualquier corazón.

Una buena idea mal llevada a cabo en aquel tiempo y que posteriormente serviría como base para el guion de la aceptable Captain America de Marvel. Sin duda Horner destaca con esas aventureras partituras.

Horner también escribió partituras para telenovelones melodramáticos ñoños y románticos, y lo hizo dentro de lo cabe de excelente manera ¡Y para muestra un botón! Las mujeres añoran esta cinta, pero los hombres no se hagan, que más de uno podrá tararear el tema sin problema

Mucho le debe Mel Gibson a James Horner ¡Mucho! Y es que sin su colaboración la oda del héroe escoces nunca hubiera llegado a los planos que la posicionaron como una de las épicas más recordables del cine. Hay un montaje en especial que es hermoso, justo el de esta pista en la cinta. Como dirían sabiamente en South Park, Mel Gibson puede estar loco, pero sabe cómo dirigir

No me dejarán mentir, pero tal vez lo que más recordemos de Jumanji no son los animales, los efectos especiales y ni siquiera la participación de Robin Williams, sino la composición musical de James Horner ¿No lo creen?

Tal vez la peor película de Annaud (aunque la parte introductoria y la conclusión la salvan del total desastre), Horner le hace los honores al francés para que este pueda encausar con un poco de dignidad toda la somnolienta e inútil narración de este cuento bélico sobre francotiradores. Las notas de Horner encuentran un equilibrio perfecto dotando a la película de la acción que supone

Mismo caso que la anterior, solo que ahora basada en la épica mitológica. Horner le hace los honores a un Petersen que nunca supo encausar este blockbuster a buen puerto (aunque casi todos concordamos que la pelea de Pitt y Bana es uno de los momentos favoritos del cine)

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Acerca del autor

El más realista y cabrón crítico de cine que pueda existir. Ente sin misericordia que tiene el halago de transmitir a los mortales su sentir y sabiduría en el mejor recinto sobre el séptimo arte. Cinéfilo de corazón y crítico crudo por vocación. Alter ego del Licenciado en mercadotecnia y RRPP Oscar M Rodríguez (FB) Sigueme en twitter @El_Fett

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Quizá Horner para las nuevas generaciones signifique poco, sin embargo el autor de temas como Aliens, Braveheart, Willow, In the name of the Rose, entre