# data[].attributes.body
Se le llama arte prehistórico a las distintas manifestaciones ornamentales, funerarias y religiosas elaboradas por el ser humano durante este periodo. Fue consecuencia de la expansión y diversificación de la especie humana categoría amplia en donde se encuentran diferentes manifestaciones plásticas y visuales de distinto tipo y procedencia temporal en cuevas y lugares primitivos.

Para realizarlo usaban pigmentos del carbón vegetal, heces, sangre y otros fluidos corporales.

En su gran mayoría priman en ellos solo algunos colores como: negros, rojos, amarillos y marrones los cuales se untaban sobre la piedra directamente con los dedos, aunque las figuras animales a menudo se raspaban con alguna piedra o herramienta para generar efectos de realismo y tridimensionalidad.

# data[].attributes.body
El arte paleolítico superior (30.000-10.000 a. C) realizadas al abrigo de cuevas y cavernas a base de pigmentos naturales.

Se trata de dibujos pre figurativos, a veces con alto nivel de detalle y otras veces abstractos, de figuras naturalistas, generalmente bisontes u otras criaturas de caza talladas en huesos y piedras.

# data[].attributes.body
En el mesolítico (10.000-5.000 a. C) período prehistórico entre el paleolítico y el neolítico en donde las pinturas rupestres se caracterizan por su pequeño formato, por el uso de siluetas estilizadas y por la tendencia a la monocromía. Los temas revelan cierto carácter narrativo e incluyen escenas de caza y recolección, danzas, batallas etc. La figura humana es protagonista. Se caracterizó por la aparición de formas geométricas y de cierta racionalidad para transmitir sus ideas en el cual el arte se vuelve más simbólico y abstracto.

# data[].attributes.body
Durante el Neolítico se producen numerosos cambio sociales, económicos y culturales que tienen su reflejo en las manifestaciones artísticas (generalización del comercio y la navegación, aparición de los primeros tejidos, de la cerámica y la arquitectura). La pintura del Neolítico suele compararse con la del arte paleolítico y definirse por aquello que las diferencia:

Una mayor variedad de temas.

La figura humana gana importancia sobre la de los animales.

Estas figuras se vuelven más estilizadas y próximas al simbolismo en vez de naturalistas.

Se organizan múltiples elementos para la representación de escenas.

Aparecen más elementos de la naturaleza asociados a la fertilidad.

# data[].attributes.body
Las obras de arte a menudo se creaban para honrar a los dioses, para servir en rituales religiosos o para conmemorar a gobernantes y eventos importantes.

Su estética puede variar enormemente entre diferentes culturas y períodos por lo que las características específicas pueden variar según la civilización y la época.

Las técnicas y medios utilizados en el arte antiguo incluyen la talla en piedra y madera, la fundición en metal, la pintura mural y de cerámica, la caligrafía en manuscritos, entre otros.

# data[].attributes.body
La pintura tiene un valor secundario en el arte egipcio, ya que se emplea como acabado de la escultura para decorar paredes de adobe de las tumbas y templos y en papiros.
La temática era muy variada y oscilaba entre las representaciones religiosas de carácter simbólico (dioses, ritos) y las escenas de la vida cotidiana ejecutadas con gran realismo. Además, la técnica principal fue la del fresco. Para conseguir los colores, los pigmentos se diluían en agua antes de ser aplicados sobre una pared húmeda.

Un rasgo típico de la pintura egipcia es que las figuras se dibujaban de perfil, quedando únicamente de frente el tronco y los ojos. También a los hombres se los representaban con piel más oscura que el de las mujeres.

# data[].attributes.body
El Arte Micénico, a comparación del Arte Minoico que le precedió, era de naturaleza bastante solemne, y juntas formaron la base del arte griego.

Pero al igual que la cultura minoica, los micénicos emplearon el estuco ejecutando sus obras con frescos coloridos tales como el rojo, el amarillo, el azul y el blanco principalmente, mientras que el color negro lo utilizaban para remarcar.

Los murales micénicos incluyen escenas cotidianas y representaciones de escenas bélicas y de cacería. Otro tema en común, eran las figuras geométricas empleadas.

# data[].attributes.body
La pintura fue estrictamente decorativa, teniendo como objetivo principal decorar y embellecer la arquitectura.

Los temas pictóricos más desarrollados eran relacionados al culto de las divinidades, así como temas de la conquista. De igual manera se representaban tanto personas como animales y monstruos, e incluso figuras geométricas.

Los colores empleados eran escasos, considerando que no eran muchos los materiales con los que contaban para generar color. Básicamente dominaban tres colores: el rojo, el blanco y el azul.

Todas sus imágenes carecen de perspectiva.

No se hace uso de las sombras.

La técnica usada es el temple.

El tamaño de sus imágenes era proporcional según la jerarquía de quién se representara. La realidad objetiva de las cosas no era de su interés.

# data[].attributes.body
El Arte en la Edad Media cubre un arco temporal que va del siglo IV al Gótico Internacional (primera mitad del siglo XV), centrándose en los nexos históricos y culturales, los momentos centrales y las líneas de desarrollo de las artes más significativas durante toda la Edad Media en el territorio de la Europa occidental.
El arte medieval tiene un carácter fundamentalmente religioso. El arquitecto construye catedrales y el pintor y el escultor completan la decoración.

# data[].attributes.attachment_caption
"Mosaico de la Virgen y el niño, Santa Sofia"- Haiga Sophia Research team

# data[].attributes.body
En un principio el arte bizantino se inspiró en el arte paleocristiano. Al igual que este, reflejó el interés en el estilo grecorromano del Imperio, del que se sentía heredero. Al mismo tiempo, asimiló la influencia del arte oriental. Pero a su ves, se caracteriza por un alejamiento del naturalismo de la tradición clásica, hacia lo más abstracto y universal, por una clara preferencia por las representaciones bidimensionales, y por un predominio de las obras de arte de contenido religioso.

Mediante la utilización de piedras brillantes, mosaicos dorados, vívidas pinturas murales, marfil esculpido de forma intrincada y metales preciosos en general, los artistas bizantinos lo embellecieron todo, desde edificios hasta libros, y su principal legado, y también el más duradero, son sin duda los iconos (representaciones de figuras sagradas), que continúan decorando iglesias cristianas en todo el mundo. Las figuras se representan de forma totalmente frontal, ya sea de cuerpo entero o solamente cabeza y hombros, mirando fijamente al observador como si estuvieran diseñadas para facilitar la comunicación con la divinidad. A menudo tenían un nimbo o halo a su alrededor, para hacer énfasis en su santidad.

Una de las técnicas mas usadas fue la encáustica, en la que se mezclaban los pigmentos con cera y se aplicaban en caliente sobre la madera, donde quedaban incrustados.

# data[].attributes.attachment_caption
Beato de Facundus. Babilonia reducida por las llamas.

# data[].attributes.body
El término «mozárabe» se refiere a los cristianos que vivían en territorio musulmán durante este período, y su arte refleja tanto sus creencias religiosas como su interacción con la cultura dominante. Aunque fue influenciado en gran medida por el arte islámico, también conservó elementos distintivos de la tradición cristiana, creando un estilo artístico único. Se caracteriza por:

-Influencias mixtas: combina elementos visigodos, romanos y árabes en un estilo híbrido que refleja la diversidad cultural de la Península Ibérica durante este período.

-Decoración intrincada: están adornadas con motivos geométricos, vegetales y florales, así como con inscripciones en árabe y caracteres visigodos, que crean un efecto visualmente impresionante. No hay profundidad ni volumen en las figuras.

-Abstracción simbólica: utiliza formas abstractas y símbolos religiosos para representar conceptos espirituales y doctrinales, como la trinidad cristiana o la naturaleza divina de Cristo.

-Uso de materiales y técnicas: Los artistas mozárabes utilizaron una variedad de materiales, incluyendo yeso, madera, metal y pergamino, así como técnicas como la pintura al fresco, el relieve y la caligrafía, para crear obras de gran belleza y profundidad espiritual. Uso de colores primarios estridentes.

# data[].attributes.attachment_caption
Madonna, temple y oro sobre madera, de autor anónimo de la escuela de Lucca

# data[].attributes.body
La pintura se supedita a la arquitectura, que es lo fundamental. Su función era narrativa, por lo tanto la mayor preocupación de los artistas era la claridad y la expresividad de las imágenes. Estas toman formas esquemáticas y sintéticas, con rasgos convencionales que se repiten en distintas obras. Están realizadas con la técnica del fresco, algunas tienen decoraciones con mosaico, un trazo dibujístico grueso, silueteando las figuras en negro o rojo. Representación de figuras hieráticas, sin movimiento. Carencia de profundidad, es decir, sin perspectiva

# data[].attributes.body
El arte moderno se compone de varios movimientos artísticos (cubismo, futurismo, surrealismo, impresionismo, expresionismo, art brut, etc.), pero su característica común es que estos movimientos están en ruptura con las reglas y cánones del arte clásico, especialmente en lo que se refiere a la figuración. En efecto, durante este periodo, los pintores, escultores o dibujantes ya no intentan representar la realidad de forma fiel, como sucedía en los siglos anteriores, sino mostrarla de forma diferente o liberarse de cualquier deseo de realismo observando escrupulosamente la naturaleza que los rodea, y buscan o crean nuevas técnicas para plasmar lo que descubren, alejándose así de la visión divina del mundo, que admitía una única interpretación y representación. Como por ejemplo, el desnudo, la fidelidad al pasado (en cuanto a ropajes, armas, etc.), el abandono de la visión frontal, la consideración del ser humano como medida básica, o la perspectiva matemática. Esto hizo que el repertorio de temas y géneros se enriqueciera con la incorporación del retrato, los paisajes, los temas históricos y mitológicos, las naturalezas muertas, etc.

# data[].attributes.attachment_caption
La última cena(L'ultima cena), Leonardo Da Vinci (1495-1498),4.60 m x 8,80 m ; fue realizada con témpera y óleo sobre una preparación de yeso  Santa Maria delle Grazie, Milán, Italia.

# data[].attributes.body
El arte del Renacimiento surge en el siglo XV como epicentro en Italia destacando rápidamente por su gusto por los valores clásicos de la Antigüedad, de Grecia y Roma.

En el Renacimiento se buscaba principalmente la simetría y la perfección en las proporciones, siguiendo un canon clásico.

Este movimiento y sus obras destacan por las siguientes características:

La recuperación de temas y aspectos propios de la cultura greco-romana, como la armonía, la mitología griega o la perfección de las proporciones como símbolo de belleza.

El ser humano como centro del universo.

Pérdida del poder de la Iglesia en favor de la idea de la razón. La fe pasa a un segundo plano.

Creencia en que el conocimiento es la causa principal de la felicidad del ser humano y, a su vez, el sufrimiento es una consecuencia de su ignorancia.

Búsqueda de la perfección y la simetría con líneas proporcionadas, en artes como la pintura o la escultura, para la representación del cuerpo humano.

Una revaloración de ciencias como las matemáticas, la geometría, la anatomía, la filosofía o la botánica.

Temáticas mitológicas y relacionadas con el cuerpo humano, la historia, la religión y la naturaleza.

En pintura, el empleo de la técnica del óleo sobre lienzo.

Dentro de la literatura, la creación de un nuevo género: el ensayo.

La realización de encargos por mecenazgo a grandes artistas para decorar palacios e iglesias.

# data[].attributes.attachment_caption
“La muerte de Sócrates”, 1787,Jacques-Louis David, Técnica: Óleo sobre lienzo, 129,5 x 196,2cm. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos

# data[].attributes.body
El neoclasicismo (desde la década de 1760 hasta la de 1830) es el movimiento que nace cuando está llegando la Revolución Francesa.

Es el arte que se impone sobre el rococó (que expresa el modo de vida del antiguo régimen), expresando los nuevos ideales que aspiran al orden, a la armonía, a la pureza, a la exaltación de los valores morales y a la racionalidad. En cuestiones artísticas: una vuelta a los ideales de la Antigüedad clásica.

-Perfección formal, armonía.

-Escenas sobrias, austeras. Búsqueda de la pureza, lejos de lo abarrotado y lo sofisticado de las obras barrocas y rococó (movimientos precedentes).

-El dibujo se impone sobre el color. Líneas puras.

-Pincelada meticulosa, nada espontánea.

-Posturas contenidas y serenas. Serenidad, calma.

-Paleta donde predominan los colores primarios. En contraposición a la artificiosa paleta de colores pastel del rococó.

-Temas predominantes: la historia y la mitología. La mitología, recuperando los valores de la antigüedad clásica. Y la historia, fundamentalmente referida a la Revolución Francesa.

-Exaltación de los valores de la Antigüedad clásica.

# data[].attributes.attachment_caption
Rembrandt van Rijn, La ronda de noche o La compañía del Capitán Frans Banning Cocq, 1642, óleo sobre lienzo, 363 × 437 cm., Rijksmuseum, Ámsterdam.

# data[].attributes.body
Los artistas del barroco plasman la realidad tal y como la ven, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo. Los temas más usados eran los religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el bodegón. Éste, se caracterizará por una gran expresividad en cuanto a las figuras mostradas y por la intensa diferencia claroscuro. (intensidad de colores y uso de luces y sombras)

En el arte barroco hay dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo

# data[].attributes.body
El término contemporáneo significa lo que ocurre en la época presente y comprende toda la creación artística de la actualidad. Este es un tipo de arte complejo debido a la variedad de movimientos y disciplinas que abarca. Los artistas contemporáneos realizan sus obras de múltiples formas y están influenciados por diversos temas y cuestiones sociales, a diferencia de los artistas del pasado que solían basarse en cuestiones de la religión o de la mitología.

El panorama muestra una gran diversidad y comprende un conjunto muy heterogéneo de prácticas artísticas, así como diferentes abordajes a la hora de acotar el período que comprende. Entender el arte contemporáneo es entender conflictos, realidades y sociedades. Conocer el arte nos lleva indefectiblemente a entender al hombre.
Características:

Comprende las expresiones artísticas que rompieron con los estilos tradicionales y con los conceptos socialmente aceptables.

Refleja innovación, tanto por su modo de expresión como por sus técnicas.

Está basado en un estilo experimental y con influencias del arte abstracto.

Es una crítica a la nueva sociedad materialista basada en el consumo masivo.

Considera al arte como un fin en sí mismo, y no como una mercancía más de consumo.

# data[].attributes.attachment_caption
"El Gran Canal de Venecia" de Édouard Manet

# data[].attributes.body
Técnica utilizada: Óleo

Soporte: Lienzo

Año: 1875

Cuadro en que el artista francés interpreta el paisaje veneciano del Gran Canal con una góndola típica del lugar.

Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas bastas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, que es la obra en sí. Por ello, al observar los lienzos es necesario tomar cierta distancia, para que aparezcan las luces sombras y figuras. Se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar.

Los impresionistas se centraron en la pintura al aire libre, buscando plasmar el cambio de la luminosidad y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba.

# data[].attributes.attachment_caption
"Guitarra y mandolina" José Victoriano González-Pérez (Juan Gris)

# data[].attributes.body
Técnica utilizada: Óleo sobre lienzo

Año: 1919

El cubismo fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Nació en el año 1907 y finalizó en 1914 de la mano de los pintores Pablo Picasso y Georges Braque. Su impacto fue tal que se le considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido contemporáneo. Rompió con el estilo renacentista y resulto una de las mas influyentes para las corrientes siguientes.

El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los objetos no se representan como “son” o como se "ven", sino como han sido concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas geométricas esenciales. El cubismo yuxtapone diferentes planos en uno solo.

# data[].attributes.attachment_caption
 "La diagonal del 25 de mayo (para Robert Rosenblum)" de Dan Flavin

# data[].attributes.body
Año: 1963

El movimiento surgió en la década de 1960 en Estados Unidos y estuvo conformado por un grupo de jóvenes artistas que esperaban innovar a través de la simpleza.

Son aquellas obras que se construyen a través del mínimo de elementos, despojándose de todo aquello que no resulte esencial. No buscan generar pensamiento crítico o plantear consignas, sólo quieren explorar la naturalidad y pureza de los objetos.

En aquellos años el Pop Art dominaba la escena artística, y lo hacía a través del exceso, de los colores y la saturación de información. En forma de respuesta, esta nueva tendencia abogaba por el carácter objetual del arte y por una expresión austera y sobria.