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Exemples de questionnements pouvant favoriser la perception des caractéristiques musicales d'un extrait. (à compléter et adapter aux œuvres retenues…)

Espace
Y a-t-il un ou plusieurs interprètes ?
Les différents interprètes jouent-ils ou chantent-ils la même chose ?Combien y a-t-il de parties différentes superposées ?
Essayez de caractériser chacun de ces plans sonores par des termes précis.
Essayez de les représenter graphiquement.
Ont-ils tous la même importance ? Un plan sonore est-il particulièrement mis en valeur ?Percevez-vous des accords, un cluster ?
L’ensemble est-il plutôt consonant ou plutôt dissonant ?

Forme
Les interprètes jouent-ils ensemble ou les uns après les autres ? Dialoguent-ils ?
Entrent-ils en même temps ou en décalage ?
Y a-t-il des effets d’imitation ?
Y a-t-il un (ou des) motif, un (ou des) thème facilement reconnaissable ?
Peut-on le chanter, le frapper, le mémoriser ? Est-il répété ? Comment ?Combien y a-t-il d’épisodes différents ? Caractérisez chacun d’euxCertains sont-ils repris ? Combien de fois ?

Temps
La pulsation est-elle régulière ou irrégulière ? lente, modérée ou rapide ? impossible à discerner ?
Le temps est-il lisse ou strié ?
La carrure rythmique est-elle facilement perceptible ?
Le rythme est-il régulier ou irrégulier ? S’agit-il d’un rythme de marche, de danse, ou autre ?
Y a-t-il des accents ? Sont-ils réguliers ?
Percevez-vous un (ou des) motif rythmique caractéristique ? Peut-on le frapper ? Est-il répété ?Y a-t-il polyrythmie ?Le rythme joue-t-il un rôle prépondérant dans cet extrait ?

Couleur
Les nuances sont-elle uniformes ou variées ? Y a-t-il des contrastes importants d’intensité ?Quels timbres reconnaissez-vous ? Qualifiez-les.
Quel type de formation reconnaissez-vous ?S’il s’agit de voix, quelle langue est utilisée ?Les instruments, les voix, sont-ils utilisés d’une manière particulière ? Détaillez les différents modes de jeu.Tous ces éléments doivent permettre de justifier un climat ou un style.

Climat
Comment peut-on qualifier cet extrait ?Trouver les termes qui conviennent : paisible - recueilli - violent - statique - agressif - dynamique - mystérieux - inquiétant - répétitif - dansant - funèbre - serein - gracieux - solennel - rêveur , etc...Quels procédés musicaux permettent de créer ce climat ?Décrivez-les de manière précise en justifiant l’impression ressentieStyleRepérer pour chaque extrait quelques composantes musicales caractéristiques d’un pays, d’une époque, d’un style musical.

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Et si c'était le moment d'approfondir sa culture ? Voici un article maison sur les différents courants musicaux avec, à la fin, un quiz pour tester les connaissances.

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Avant d'aborder ces différents courants musicaux, il faut bien intégrer qu'ils ne débutent pas, ni ne finissent à une date précise. Un mouvement peut continuer à exister tandis qu'un autre prend naissance et se développe.
Le Moyen-Age (Vème siècle - XVème siècle)
Le chant grégorien est un chant religieux, en latin, a cappella (sans instruments) et monodique (les chanteurs chantent à l'unisson).
Au IXème siècle, se développe le chant polyphonique avec plusieurs voix, toujours sur la base d'un texte latin. L'a graphie musicale évolue : au début ce sont juste des indications sur la mélodie écrites avec un roseau : les neumes. Puis avec l'arrivée de la plume d'oie comme outil d'écriture, arrive la notation carrée (la pointe de la plume faisant des carrés). Il y a d'abord une ligne, puis deux, puis quatre. C'est ainsi qu'apparaît progressivement la portée.

Les trouvères (au nord, langue d'oïl) et les troubadours (au sud, langue d'oc) sont des compositeurs, poètes et musiciens qui mettent en musique des poèmes sur les thèmes de la chevalerie et de l'amour courtois. Ils accompagnent leurs chants d'instruments à cordes (vièle à roue, vièle, psaltérion, rebec) ou à vent (flûte à bec, chalumeau).
La Renaissance (Xvème - XVIIème siècle)
L'invention de l'imprimerie au milieu du XVème siècle permet une plus large diffusion de la musique. Si le Moyen-Age était essentiellement consacré au chant, la Renaissance permet l'émergence de la musique instrumentale. Au Moyen Age les intervalles utilisés étaient les quartes et quintes. A la Renaissance, ce sont les tierces et les sixtes.
La musique baroque (début XVIIème siècle - milieu XVIIIème siècle)
Orfeo de Monteverdi marque la début de la période baroque. C'est l'un des tous premiers opéras. Le style instrumental continue à se développer. Cette musique est marquée par l'art du contrepoint (mêler des lignes mélodiques de manière harmonieuse), de l'ornement (appoggiatures, trilles, mordants...). La musique n'est plus modale mais tonale (tonalité majeure ou mineure, utilisation des degrés musicaux tels qu'on les utilise encore aujourd'hui dans la musique populaire). Les principaux genres musicaux sont les suites de danse, les concertos, les chorals, les opéras, les cantates.

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Les courants musicaux, du Moyen-Age au début du XXème siècle - Animozar

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Avant d'aborder ces différents courants musicaux, il faut bien intégrer qu'ils ne débutent pas, ni ne finissent à une date précise. Un mouvement peut continuer à exister tandis qu'un autre prend naissance et se développe. Le Moyen-Age (Vème siècle - XVème siècle) La musique religieuse.

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Fantaisie en ré m de Mozart
Version 1

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Fantaisie en ré m de Mozart
Version 2

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Mozart / Wilhelm Kempff, 1962: Fantasia in D minor, K. 397 - DG Recording

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Fantaisie en ré m de Mozart
Version 3

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Mozart by Arrau  - Fantasy in D minor, K. 397

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Fantaisie en ré m de Mozart
Version 4

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Valse N°9 de Chopin dite "L'Adieu"
Version 1

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Chopin: Waltz No.9 In A-Flat Major, Op.69 No.1 "Farewell"

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Le piano est un instrument à clavier qui produit des notes de musique lorsque les cordes sont frappées par des marteaux. Caractérisé par son registre étendu et sa capacité à jouer librement des accords. C'est un instrument de musique très populaire.

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Guide Instruments de musique : Le piano - Yamaha - France

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Le piano est un instrument à clavier qui produit des notes de musique lorsque les cordes sont frappées par des marteaux. Caractérisé par son registre étendu et sa capacité à jouer librement des accords. C'est un instrument de musique très populaire.

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Valse n°9 de Chopin
Version 2

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Ashkenazy, Chopin The Waltz No.9 in A flat major, Op.69, No.1 "L'ADIEU"

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Vous trouverez ici toutes les partitions faites par lalalapiano : Cliquez sur la partitions de votre choix (classée par ordre alphabétique) dans le sommaire ci-dessous. Pour chaque partition vous ...

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Valse n°9 de Chopin
Version 3

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Frederice Chopin - Waltz for piano No 9 in A flat major Op. 69.

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Valse n°9 de Chopin
Version 4

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Chopin  Waltz No 9 in A flat major, Op  69 1,  L'Adieu

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         Le 4ème doigt: le récalcitrant!😉😁

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         Le 4ème doigt: le récalcitrant!😉😁

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J'ai récemment eu une nouvelle étudiante adulte dans mes cours qui souhaitait apprendre le " Clair de Lune " de Debussy. J'enseigne souvent cette pièce et j'ai une copie avec des doigtés. Elle a été horrifiée de voir que mes doigtés nécessitaient l'utilisation du quatrième doigt. -" Mais mon quatrième doigt est faible! "

D'une certaine manière, cette étudiante avait réussi à arriver au répertoire intermédiaire-tardif tout en évitant l'utilisation de ce doigt. Pourquoi avait-elle tellement peur de son quatrième doigt? Le mythe de "l'indépendance des doigts".

Quelle est l'indépendance des doigts?

L'indépendance des doigts est la croyance que chacun des doigts peut être formé pour être également " fort " en leur appliquant des exercices musculaires répétitifs. Généralement, de nombreuses quantités de Hanon et d'autres études sont prescrites.

Le terme est utilisé si souvent dans les méthodes de piano que lorsqu'il y a dix ans, j'ai lu un article sur "l'interdépendance", mon cerveau l'a automatiquement corrigé par "l'indépendance" et j'étais perdue durant la moitié de l'article avant de me rendre compte de mon erreur.

La structure de notre main est miraculeuse. Dans son livre " The Hand ", Frank R. Wilson soutient que le développement évolutif de la main est ce qui nous sépare des autres primates et est responsable de nous rendre humains. Il décrit comment les alpinistes utilisent leurs mains pour des tâches motrices grossières et les bijoutiers pour ses capacités motrices fines. Mais il se concentre en grande partie sur les musiciens, car nous représentons le summum de la coordination motrice fine.

Doigts "forts"

Nos doigts n'ont pas de muscles. Les muscles dans l'avant-bras se connectent aux tendons qui sont responsables de l'extension (allongement) et de la flexion (courbure) des doigts. Les fléchisseurs courent le long du bras du côté de la paume, les extenseurs dans la partie supérieure (dorsale). Les muscles intrinsèques de la main jouent également un rôle important. Les études sur la force de préhension montrent que les 2ème et 4ème doigts sont égaux dans leur capacité de serrer, mais nous avons encore un inconvénient mécanique lorsque nous essayons d'utiliser le quatrième doigt au piano. Ceci est dû au fait qu'en jouant, nous avons besoin de lever et de baisser les doigts.

Si vous faites un poing, vous constaterez que tous les doigts fléchissent sans contrainte. C'est parce que les fléchisseurs sont attachés à la main de la même manière.

Cependant, si vous placez les doigts sur le couvercle du piano et essayez de les soulever de façon indépendante, vous constaterez que le 2ème doigt peut le faire assez facilement, le 3ème et le 5ème moins, et le 4ème doigt à peine.

Cela est dû à la façon dont les tendons responsables de l'extension sont connectés à la main.

Une brève (hypothétiquement sans douleur) leçon d'anatomie

Le tendon responsable principal de l'extension est l' extensor digitorum. Vous pouvez le sentir fonctionner si vous levez les doigts et touchez sur le haut de votre avant-bras. Il traverse le poignet et se divise en trois branches.

La première branche se lie au deuxième doigt.

La deuxième branche se lie au troisième doigt.

La troisième branche se connecte au quatrième doigt.

Le cinquième doigt n'a pas de branche, mais il possède son propre tendon extenseur (extensor digiti minimi).

Tout va bien jusqu'à ce que nous remarquions qu'il y a des liens entre les doigts 3, 4 et 5. Cela limite considérablement la capacité du quatrième doigt à se soulever seul. Les 3ème et 5ème doigts peuvent s'élever mieux que le 4ème, mais pas aussi facilement que le 2ème.

Cela a provoqué tant de frustration pour les pianistes qu'il est connu que beaucoup en sont arrivés à prendre des mesures extrêmes, qui incluent la pratique d'études induisant la douleur, l'utilisation de poids sur les doigts, et même de subir une intervention chirurgicale pour couper ces connexions. Bien qu'il existe d'autres théories sur la cause des maux de Robert Schumann, l'histoire raconte qu'il a créé un dispositif pour "renforcer" son quatrième doigt qui a blessé sa main à un point où il ne pouvait plus jouer.

Exercices " notes tenues" (pour l'indépendance des doigts):

En raison d'un manque de compréhension de notre physiologie, les professeurs assignent souvent des exercices d'indépendance dans l'espoir que les doigts puissent être égalisés grâce à une intense répétition. Dans ces exercices, les doigts sont maintenus enfoncés, avec un doigt qui se soulève le plus haut possible de manière isolée.

Les muscles de l'avant-bras sont conçus par paires, de sorte que lorsqu'un muscle se contracte l'autre se libère et s'allonge. Quand on utilise les muscles fléchisseurs et extenseurs simultanément, il y a une contraction agoniste-antagoniste des muscles, ce qui provoque des tensions. Le poids de la main est vers le bas, mais le doigt doit tirer vers le haut contre ce poids. Le quatrième doigt est particulièrement mis sous contrainte par ces types d'exercices car il doit aller à l'amplitude extrême de son mouvement. En conséquence, ces "exercices" sont une cause fréquente de blessures chez les pianistes.

La croyance erronée est qu'une technique virtuose est le résultat de nombreuses heures passées à faire de la musculation, comme si jouer du piano était une activité motrice grossière comme le sport ou l'escalade. Pourtant nous avons des enfants prodiges qui peuvent jouer avec la vitesse et la force d'un adulte. C'est parce que le jeu virtuose n'est pas le résultat de l'exercice musculaire mais de la coordination.

Si les exercices d'indépendance et de "renforcement musculaire" ne sont pas la solution, quelle est-elle ?

Malgré ces limites, de nombreux pianistes ont réussi à jouer avec facilité et compétence à 90 ans et au-delà, sans douleur ni fatigue. La solution est de travailler avec et non contre le design biomécanique du corps.

1. Jouer vers le bas: la première chose à reconnaître est que le clavier est au-dessous, pas au-dessus de la main. Les doigts ne doivent se soulever que pour provoquer la descente de la touche.

2. Soulevez tous les doigts disponibles: lorsque les doigts qui ne jouent pas se soulèvent en tant qu'unité, ils peuvent tous se soulever le même degré et la même hauteur sans effort.

Par exemple, si je joue legato entre les doigts 2 et 3, je soulève non seulement le 3ème doigt mais aussi le 4ème et le 5ème. Dans mes études avec la Dre Teresa Dybvig, elle me demande régulièrement si tous les doigts se lèvent et tombent en même temps. Aucun ne doit traîner derrière.

1. L'utilisation de l'avant-bras: lorsque l'avant-bras est équilibré derrière chacun des doigts, ils se sentent de force égale. Plutôt que de compter sur les doigts pour appuyer sur la touche, le poids et la vitesse de l'avant-bras peuvent être responsables de la dépression de la touche.

2. La rotation des avant-bras: Ainsi que l'a en premier évoqué Tobias Matthay et plus tard grandement développé Dorothy Taubman, la rotation de l'avant-bras à l'articulation du coude permet de soulever les doigts bien au-dessus du niveau des touches sans même impliquer les doigts.

Lorsque les doigts se lèvent activement et tombent simultanément avec la rotation de l'avant-bras, une hauteur considérable peut être obtenue sans contrainte ni nécessité d'étirer les phalanges.

C'est en maximisant la coordination et l'interdépendance de notre mécanisme de jeu que nous sommes capables d'atteindre les plus hauts niveaux de virtuosité.

(Traduction de l'article : "But my fourth finger is weak"- the myth of finger independence).

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Le mythe de l'indépendance des doigts (par Benjamin Steinhardt)

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J'ai récemment eu une nouvelle étudiante adulte dans mes cours qui souhaitait apprendre le " Clair de Lune " de Debussy. J'enseigne souvent cette pièce et j'ai une copie avec des doigtés. Elle a été horrifiée de voir que mes doigtés nécessitaient l'utilisation du quatrième doigt. -" Mais mon quatrième doigt est faible!

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Version 1

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Gnossienne N°1 Alexandre Tharaud (Erik Satie : Gnossiennes)

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Version 2

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Version 3

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Fichier video

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ALLURES 8 mesures pour un geste de Nathalie BERA-TAGRINE. Editions Van de Velde

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Progresser au piano en travaillant de bons gestes, cela en jouant un morceau musical de 8 mesures.

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Abécédaire pour musiciens en herbe_Theorie cycle 1

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Alice Sara Ott - Satie: Gnossiennes: 1. Lent

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lien pour le fichier sons
https://edu.billaudot.com/hit10056

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Grieg Etape 1      Reconnaitre les instruments de l'orchestre 

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Grieg Etape 1      Reconnaitre les instruments de l'orchestre 

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improve your sight-reading grade 1 Harri20180722200947831

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Debussy : Clair de lune par Philippe Cassard

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Maintenant que vous avez fait le travail d'écoute et de reconnaissance d'instruments, je vous propose de réécouter le morceau "Dans l'antre du roi de la montagne" de Grieg en suivant le conducteur (partition d'orchestre ci-jointe).
Quelaues précisions:
* télécharger le fichier et faire un clic droit puis rotation anti-horaire pour avoir les feuilles à l'endroit.
* Un système ne prend qu'une page donc à la fin de la ligne passer au système suivant en suivant les couleurs (1 couleur = 1 système).
Attention ça va vite!!

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Je lis mes notes (Site de défis de lecture)

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Je lis mes notes (Site de défis de lecture)

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Lire les notes de musique - Apprendre le solfège

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Exercices et vidéos permettant d'apprendre à reconnaître les notes de musique sur une partition et de comprendre le solfège, le piano et la guitare.

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Bienvenue sur le site partition-piano-gratuite.fr

Vous trouverez ci-dessous de nombreuses partitions piano gratuites à télécharger.
Pour chaque oeuvre, un fichier pdf et un fichier midi sont à votre disposition.
Comme vous pouvez le constater, elles sont classées par niveaux de difficulté.
Si vous recherchez une partition piano facile, ou une partition piano débutant alors choisissez le niveau 1.
Si vous êtes d'un niveau expert ou confirmé alors n'hésitez pas à vous lancer dans un niveau 5 !
Bref, si comme moi, vous êtes souvent à la recherche d'une bonne partition piano gratuite (libre de droit et légale...)
alors ce site est fait pour vous.

Musicalement

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Bienvenue sur le site partition-piano-gratuite.fr Vous trouverez ci-dessous de nombreuses partitions piano gratuites à télécharger.Pour chaque oeuvre, un fichier pdf et un fichier midi sont à votre disposition.Comme vous pouvez le constater, elles sont classées par niveaux de difficulté.Si vous recherchez une partition piano facile , ou une partition piano débutant alors choisissez le niveau 1.Si vous êtes d'un niveau expert ou confirmé alors n'hésitez pas à vous lancer dans un niveau 5 !

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Lang Lang – Debussy: Suite bergamasque, L.75: III. Clair de lune

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Lieder ohne Worte Opus 38 n°2 MENDELSSOHN

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Lieder ohne Worte Opus 38 n°2 MENDELSSOHN

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Mendelssohn - Lied ohne Worte op.38 n°2 - Grinberg

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Apprendre le solfège - apprendrelesolfege.com

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Lieder ohne Worte Opus 38 n°2 MENDELSSOHN

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Lieder ohne Worte Opus 38 n°2 MENDELSSOHN

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F. Mendelssohn - Lieder ohne Worte - opus 38 nr. 2 in c-moll

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Lieder ohne Worte Opus 38 n°2 MENDELSSOHN

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Lieder ohne Worte Opus 38 n°2 MENDELSSOHN

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VERSION 3

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Barenboim plays Mendelssohn Songs Without Words Op.38 no.2 in C Minor

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Tout le monde peut faire de la musique !

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Qu'est-ce que la nuance ? (Ft. Robin Meys) & ASMR

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Pavel Kolesnikov: F. Chopin, Waltz n.19 in A minor, B.150, op. posth.

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Tomohiro HATTA plays Chopin Waltz in A minor KK.IVb-11

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Chopin: Waltz No. 19 in A Minor, Op. Posth.

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Frederic Chopin - Valse no.19 in A mineur

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Menuet est une ancienne danse que l'on croit originaire du Poitou, et qui eut une grande vogue en France, pendant tout le XVIII e siècle, durant les règnes de Louis XIV, de Louis XV et de Louis XVI, à la cour, dans la haute société, et sur le théâtre. Ce n'est qu'à l'époque de la Révolution que le menuet disparut. Il se dansait à deux, et commençait ordinairement le bal: il se composait essentiellement de quatre pas exécutés en forme de Z, avec un repos de quatre en quatre mesures, et deux reprises du même motif.

On donne aussi le nom de menuet à l'air qui accompagne cette danse, ainsi qu'à la partie en trois temps, d'un mouvement modéré, dans une symphonie ou un quatuor. On cite parmi les menuets, ceux d'Exaudet, de Fischer, et de Grétry, qui eurent une grande réputation. Mozart a placé un menuet dans le première finale de Don Juan, Meyerbeer dans le cinquième acte des Huguenots, et Verdi au début du premier acte de Rigoletto . Par la suite le scherzo a remplacé le menuet.
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Danseurs de menuet pendant le carnaval, par Tiepolo.

Danse .
Le principal caractère du menuet était une noble, une élégante simplicité. Il se dansait à deux, et c'était lui qui ouvrait le bal : assez lent, il comportait des mouvements des pieds et des bras très gracieux et un port droit et noble du corps. Compan décrit le menuet dans les détails le plus minutieux : il attribue à Pécourt, l'acteur de l'Opéra, l'ordonnance du menuet; celui-ci aurait changé la forme S qui était sa principale figure en Z; les pas comptés pour figurer cette lettre sont symétriques. Le pas de menuet se compose de quatre pas :

" le premier est un demi-coupé du pied droit et un du gauche; un pas marché du pied droit, sur la pointe et les jambes étendues; à la fin de ce pas on laisse doucement poser le talon droit à terre, pour laisser plier le genou, qui, par ce mouvement, fait lever la jambe gauche, laquelle passe en avant en faisant un demi-coupé échappé, ce qui est le troisième mouvement de ce pas de menuet et son quatrième pas. "
Il y a d'autres pas de menuet : le menuet en arrière, le menuet de côté ou menuet ouvert.
On cite un danseur célèbre, Marcel, qui attachait à cette danse une importance très grande. La légende veut que don Les airs de menuet sont à trois temps et d'un mouvement modérée, même lent. Les compositeurs de musique instrumentale introduisirent des menuets dans leurs Juan d'Autriche soit venu à Paris pour voir Marguerite de Bourgogne danser un menuet. On cite aussi le menuet que Louis XIV dansa en 1653, sur la musique de Musique . Lulli. symphonies, leurs quatuors, leurs sonates, après l' andante, et en firent un morceau d'école, d'une harmonie difficile.

Ces menuets se composent d'une première partie, qui comprend trois reprises, et d'une seconde, qui n'en a le plus souvent que deux, et qu'on nomme trio dans les quatuors parce que le violoncelle n'y concourt point; toutes ces reprises se répètent la première fois, et, au da capo, on va de suite jusqu'à la fin de la première partie, que l'on reprend toujours après le trio. Certains menuets ont une queue ( coda), que l'on exécute pour finir.

Le menuet d'Exaudet, regardé comme le chef-d'oeuvre du genre, a sauvé de l'oubli le nom de ce musicien : il date du XVIII e siècle; son auteur y a adapté des paroles de Favart :

Cet étang
Qui s'étend .
Dans la plaine, etc.
Cet air vieillot s'est joué pendant plusieurs générations dans toute la France.
Les airs de Fischer, de Grétry, surtout celui de la Dansomanie, ballet de Gardel, sont fameux.

Le menuet, introduit au théâtre, y est souvent charmant : celui que Mozart a écrit dans le premier final de son Don Juan est d'un goût très pur; celui par lequel débute le cinquième acte des Huguenots est des plus brillants.

Les compositeurs de musique instrumentale introduisaient autrefois des menuets, des gavottes, des gigues dans leurs pièces : mais les menuets seuls sont restés. On remarque dans les oeuvres de Boccherini qu'ils gardent le mouvement gracieux du menuet dansé. Mais, depuis, les musiciens allemands, notamment Haydn, Mozart, Beethoven, l'ont modifié en lui donnant une prestesse et une vigueur qui renient son allure si rapide, que bien que la mesure reste à trois temps, on n'en peut battre qu'un seul.

On appelle maintenant scherzo le menuet de symphonie ou de quatuor, morceau d'école, d'une harmonie cherchée qui contraste avec le gracieux andante qui le précède ou le suit. Le menuet comporte deux parties : la première a trois reprises; la seconde (appelée trio, car dans le quatuor, le violoncelle n'y concourt pas) n'a que deux reprises. Bach et Haendel ont contribué à ces modifications du menuet; c'est Haydn qui le premier l'introduisit dans la symphonie et lui donna plus de rapidité et de gaieté; Mozart y mit de la tendresse délicate; Beethoven le transforma en scherzo. (B. / Ph. Berthelot).

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© Serge Jodra, 2004. - Reproduction interdite.

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Menuet est une ancienne danse que l'on croit originaire du Poitou, et qui eut une grande vogue en France, pendant tout le XVIII e siècle, durant les règnes de Louis XIV, de Louis XV et de Louis XVI, à la cour, dans la haute société, et sur le théâtre.

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Depuis quelques semaines je "rentre chez vous" et je constate que vous n'êtes pas forcément bien installés devant votre piano. Sur le lien suivant quelques rappels pour éviter des douleurs inutiles et améliorer votre jeu et votre son...

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Avoir une bonne assise au piano vous permet de partir sur de bonnes bases. Il existe plusieurs types de sièges, qui ne se valent pas tous (cf. choisir son siège de piano). Une fois votre siège choisi, encore faut-il bien le positionner et bien s'asseoir dessus !

Privilégiez une banquette ou une chaise de piano à un tabouret. Les tabourets ne fournissent pas assez de stabilité et de place pour pouvoir bien s'y installer et être à l'aise sur son clavier. De plus, les banquettes et chaises de piano sont souvent réglables et s'adaptent donc à votre taille. Sans compter qu'elles sont matelassées, ce qui est bien plus confortable lors de vos longues séances de travail.

Le siège se place de manière à être centré face au clavier. Si vous possédez un piano avec des pédales fixes, elles sont un bon moyen de repère. Une fois le siège bien positionné, assurez-vous qu'il ne soit ni trop loin, ni trop près du clavier. De manière à avoir un bon angle entre vos bras et vos avant-bras (sans atteindre l'angle droit). Cette position doit vous sembler naturelle et confortable.

Essayez de ne pas vous avachir sur votre siège, car mal se tenir, c'est le mal de dos assuré ! Pour cela, essayez de vous asseoir au bord de votre siège. De cette façon, vos jambes seront solidement ancrées dans le sol ! Ce qui permet de garder une bonne position lorsque vous jouez.

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Avoir une bonne assise au piano vous permet de partir sur de bonnes bases. Il existe plusieurs types de sièges, qui ne se valent pas tous (cf. choisir son siège de piano). Une fois votre siège choisi, encore faut-il bien le positionner et bien s'asseoir dessus !

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https://tous-au-piano.com/adapter-son-jeu-a-la-taille-de-ses-mains-ecartement-des-doigts/

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Petite histoire du piano, du Moyen-Âge à nos jours.

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Un résumé succinct, documenté en images et en extraits sonores, sur les ancêtres du piano, son émergence et ses évolutions techniques.

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Dans l'antre du roi de la montagne- Peer Gynt- Grieg

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Dans l'antre du roi de la montagne- Peer Gynt- Grieg

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Que vous arriviez à ce poste est un signe que vous voulez approfondir l'histoire et l'origine de cet instrument qui a aujourd'hui une grande importance.

L'inventeur du mécanisme original du piano est attribué à l'Italien Bartolomeo Cristofori. Bien que curieusement, bien qu'il soit son inventeur italien, ce pays a tourné le dos à cet instrument pendant un certain temps. Son principal développement se fait en Allemagne, c'est donc dans ce pays que le Piano ou Pianoforte est développé.

En Italie, le piano est lent ou lâche et la force est forte. C'est pourquoi le piano a la capacité de sonner plus fort ou moins fort en fonction de la force avec laquelle vous appuyez sur la touche est également appelé PianoForte.

Je suis sûr que vous serez intéressé par...
très populaires comme le clavecin, mais ils n'avaient pas la caractéristique principale du piano. Qui devait pouvoir régler le volume de la note en fonction de la force ou de la faiblesse de la touche. De cette façon, le piano changeait même la façon dont il jouait la musique.

On vous ment, le clavecin vous permettait de régler le volume et d'ajouter de l'expressivité à ce que vous jouiez, mais il avait très peu de puissance et de volume. Il n'a donc pas fonctionné pour le nouveau genre de musique qui était en train d'être créé. Beaucoup plus expressif et sentimental.

Et en quelle année le piano a-t-il été inventé ?

What will you find in this post?

Bartolomeo Cristofori a commencé à faire son invention en 1698, il y a presque trois cents ans. Bien que ce ne fût pas le piano tel que nous le connaissons aujourd'hui, il avait environ 4 octaves et aucune pédale pour maintenir la note. Et depuis lors, le système de marteaux a été amélioré.

Vous voulez savoir à quoi ressemblait le son du clavecin ? C'était l'instrument le plus populaire lors de sa création, et il a fallu encore longtemps pour que le piano le surpasse en popularité.

Le clavecin
La façon dont nous avons réellement nommé le piano auparavant a commencé à se développer en Allemagne, et au début il a été ignoré en Italie. C'est un personnage un peu excentrique appelé Gottfried Silbermann qui a construit le piano en Allemagne.

Silberman était un fabricant de clavecins renommé, mais il était aussi très blagueur et prenait des risques. Une fois, il a dû quitter Fribourg à toute vitesse parce qu'il avait tenté d'enlever une religieuse de façon très minable et a dû se cacher à Strasbourg. C'était une personne très habile pour les affaires mais son goût pour le sexe opposé lui a valu beaucoup d'ennuis, en bref, ces musiciens.....

Silberman a entendu parler du système de Cristofori et a construit l'un des premiers pianos qui ont existé. Certains d'entre eux appartenaient à Frédéric le Grand lui-même. Le même Jean-Sébastien Bach est venu essayer l'invention mais la vérité est qu'il ne l'a pas beaucoup aimé au début mais a donné son approbation des années plus tard.

Malgré cela, le piano a mis longtemps à l'emporter sur les autres instruments à clavier, mais c'est parce que la musique baroque était encore dominée par la polyphonie et le contrepoint.

Le piano de Silberman a ensuite été développé en Angleterre par d'autres fabricants qui ont réduit la taille de l'instrument et simplifié le mécanisme afin qu'il devienne abordable pour les classes moyennes. Cela a grandement influencé son développement et a étendu son utilisation et sa popularité.

Les grands pianistes

Avec la popularité croissante du piano à la fin du baroque et au début du romantisme, les grands compositeurs ont commencé à composer pour cet instrument puissant et expressif. Dans l'histoire, J.C. Bach et Dussek se distinguent comme des pionniers, mais Mozart est le premier des grands. On parle aussi de Clementi comme l'un des créateurs de la nouvelle façon de jouer et du piano.

Mozart a découvert dans le piano comment exprimer des sentiments avec des changements de volume. Il a créé un monde d'une beauté incomparable, mais c'est Beethoven qui a tout transgressé. Beethoven jouait d'une manière jamais vue auparavant, sauvage. On pourrait dire que c'était la version de Jimmy Hendrix de son époque, une vraie rockstar. Il était tout à fait normal qu'il détruise les claviers avec sa façon énergique de jouer.

Bien sûr, des personnages très importants allaient arriver plus tard et chacun d'entre eux a apporté son empreinte sur la musique composée pour le piano. Des artistes tels que Joseph Haydn, Schubert. En gros, ils ont fermé le baroque et ont ouvert la porte à une nouvelle musique avec une mélodie beaucoup plus singulière. Et il y avait aussi des chanteurs dans leurs soirées...

ET SOUDAIN, LE PIANO DEVIENT L'INSTRUMENT LE PLUS POPULAIRE AU COURS DU 19ÈME SIÈCLE.

Tout au long du XIXe siècle, le piano est devenu populaire à un niveau incroyable. Les classes moyennes commencent à l'acquérir et dans le monde entier, il n'y a pas une maison qui n'ait pas de piano dans son salon. Bien sûr, tout cela est favorisé par le fait que des modèles beaucoup moins chers et moins encombrants, comme les pianos droits, voient le jour. Qui ont tout le mécanisme monté dans le plan vertical. Pour les faire sonner plus fort, le couvercle supérieur est ouvert.

Nous devons garder à l'esprit qu'à cette époque, il n'y avait pas de télévision, pas de consoles, pas de radio. Le piano est devenu le centre des rencontres. Il divertissait les gens et était merveilleux parce qu'il empêchait que les discussions sur la politique ne se terminent par un plateau sur la tête de quelqu'un. Cela souligne l'importance du piano en tant qu'élément social.

On dit qu'au milieu du XIXe siècle seulement, à Paris, il y avait plus de 15 000 professeurs de piano. Des marques comme Steinway exportent leurs pianos à l'autre bout du monde et on peut ainsi voir des scènes de chameaux qui les transportent.

On peut dire que le XIXe siècle est l'âge d'or du piano. Dans tous les styles, c'était l'instrument le plus joué. El Vals, la musique populaire en tout genre... sans parler de son rôle dans la musique militaire. Très populaire ce style au cours du XIXe siècle, dont la fonction était de donner de la gloire aux campagnes militaires et d'augmenter le moral de la population. Dans certains cas, les notes pouvaient imiter des éléments de la guerre, tels que les tirs de canons.

Schubert par exemple a composé de la musique militaire, en voici un extrait.

Schubert Musique militaire nº 1 Op 51

Et dans le Far West, il devient aussi très populaire, il y avait toujours un piano dans le bar typique des cow-boys. Qui sera alors la bande sonore de ce genre. C'était déjà à la fin du XIXe siècle.

20e siècle : Jazz et Swing

Comme au XXe siècle, le piano est encore à son apogée. Surtout au début du XXe siècle, il n'y a pas de bar ou de maison sans piano. Cependant, de nouveaux styles de musique voient le jour, qui sont encore très vivants aujourd'hui. Il s'agit du Swing et du Jazz.

On peut dire que le Swing est un type de Jazz, mais il est aussi lié au style de danse qui est devenu si populaire aux États-Unis pendant la première moitié du XXe siècle.

Le piano commence à cette époque à partager le protagonisme avec la guitare comme principal instrument harmonique, mais il brille toujours de lui-même. De plus, le piano est généralement l'instrument de référence pour la composition et l'apprentissage de l'harmonie car il est beaucoup plus visuel en ce sens.

Il est vrai que toutes sortes de musiques pour piano sont encore composées au cours du XXe siècle, mais nous ne pouvons pas éviter de mettre l'accent sur le jazz et l'introduction de l'harmonie moderne. Ce changement est si important qu'il existe aujourd'hui des conservatoires de " classique " et d'autres de " moderne ". Cela est dû à l'introduction de l'harmonie moderne, qui est développée et créée au fur et à mesure de l'émergence des génies du jazz du XXe siècle. Les règles de l'harmonie classique sont brisées, créant de nouvelles règles et jouant avec les dissonances.

Certains noms qui changent les règles de la musique sont Bill Evans, Duke Ellington, Thelonious Monk

Les années 70 et l'arrivée du piano numérique et des synthétiseurs

Dans les années 70, il y a quelque chose qui va révolutionner la musique. Il s'agit des synthétiseurs et des claviers de piano. Grâce à la technologie numérique, il est possible de produire des sons à partir de zéro et de modifier leurs ondes. Cela ouvre un nombre incroyable de possibilités aux musiciens. C'est le début de la musique électronique et de ces claviéristes entourés de claviers de synthétiseurs partout. Un exemple de ce nouveau monde est celui de Herbie Hancock.

Herbie Hancock est l'un des meilleurs exemples de pianiste novateur. Ce grand musicien de jazz n'hésite pas à expérimenter les nouvelles technologies et devient un grand fan des synthétiseurs et de la musique disco. Nous vous laissons ensuite une vidéo où vous pouvez voir le saut de la planète que certains claviéristes donnent.

Eh bien, ce billet arrive à son terme, nous avons évidemment laissé beaucoup de choses dans l'encrier mais nous espérons vous avoir diverti et vous avoir donné un aperçu de l'histoire et de l'évolution de ce merveilleux instrument. Si vous avez aimé cet article et que vous pensez qu'il pourrait plaire à quelqu'un, n'hésitez pas à le partager.

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Un voyage amusant à l'origine et à l'histoire du piano. Qui a inventé le piano ?

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Que vous arriviez à ce poste est un signe que vous voulez approfondir l'histoire et l'origine de cet instrument qui a aujourd'hui une grande importance. L'inventeur du mécanisme original du piano est attribué à l'Italien Bartolomeo Cristofori. Bien que curieusement, bien qu'il soit son inventeur italien, ce pays a tourné le dos à cet instrument [...]

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Liszt, J.S. Bach: La Vie De Liszt Racontée Aux Enfants: L'Enfance De Liszt

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Apprendre le solfège - apprendrelesolfege.com

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Les altérations - apprendre le solfège et la musique

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Offert le temps du confinement, pleins de jeux sympa en ligne

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Excellent pour l'indépendance des mains. Ne pas hésiter à mettre sur pause la video pour s'entrainer...

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Both Hands Challenge - Quarter notes (10 levels)

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Allez vous entrainer au moins 3 fois par semaine

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...Piano ! Why notes ?! Le jeu de lecture de notes

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Avec le jeu Why notes ?! entraînez-vous à lire la musique en clef de sol, clef de fa, les deux à la fois, le tout avec une difficulté progressive, des tas de smileys et des statistiques démentielles !

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Envoyez-moi vos valses en commentaire ci-dessous ou par sms, sous la forme A2-B5... et retrouvez dans la section "Vos Valses".

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Pour les plus jeunes... et pour t'aider vas regarder la video "les intervalles" (colonne 3)

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Après avoir trouvé les 2 mots mystérieux aller écouter la video suivante et lire le document: https://www.youtube.com/watch?v=rgvqc5rDGDw
http://www.lamusiqueclassique.com/tag/periode-classique/

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Votre cerveau quand vous jouez!

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Partitions de variété etc.

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Chopin - Fantaisie Impromptu, Op. 66 (Rubinstein)

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Colorier les touches correspondant aux notes proposées.

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Rigolletto Bella figlia del amor... Le plus beau quartet de la Terre du monde de l'univers...

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Rigoletto - "Bella figlia dell'amore" - Beczala & Nucci

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Du génie! Observez la partition... Je vous assure que le pianiste n'a bien que 2 mains!🤪

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Franz Liszt ‒ Venezia e Napoli, Années de pèlerinage II, Supplément, S.162

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"Pourquoi je n'arrive pas à rejouer les anciens morceaux?"

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"Pourquoi je n'arrive pas à rejouer les anciens morceaux?"

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Une phrase que j'entends si souvent!!

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Curieux comme question. Comment pourrait-on régresser au piano alors qu'on continue à travailler ? Et pourtant... D'où vient ce phénomène et comment y réagir pour ne plus tomber dans ce piège ? C'est ce que je vais tenter d'éclaircir ici.

La sensation de régresser avec un ancien morceau

Ça nous est tous déjà arrivé. Un jour, on reprend un vieux morceau qu'on avait bossé pendant des heures, des semaines... Et on n'arrive plus à le jouer comme avant. Des fautes qu'on ne faisait pas, des gestes qui ont disparus de notre mémoire...

On a alors la cruelle sensation d'avoir régressé, l'impression d'avoir bossé pour rien puisque les résultats ne tiennent pas. Cette perte peut être plus ou moins grande et provoquer un découragement proportionnel.

Mais que peut-on y faire, à part recommencer ? Ou repartir sur un autre morceau, en espérant cette fois que quelque chose de différent se produira, comme par magie ?

La sensation de régresser avec un morceau actuel

Cette sensation de régression est vécue encore plus douloureusement lorsqu'il s'agit du morceau que l'on travaille sans relâche depuis des semaines.

Au départ très motivé, partant de 0 avec un nouveau morceau, notre progression est souvent rapide. Quand les choses deviennent plus difficiles, on fourni plus d'efforts. Mais la courbe d'évolution se fait de plus en plus lente, jusqu'à stagner et atteindre une sorte de limite. Et pire, à un moment, alors que nous ne tarissons pas d'effort, elle semble s'inverser !
Ô misère, désespoir ! Comment est-ce possible ?
Du calme ! On va en parler 😉 Ayant moi-même vécu ces étapes, j'en ai tiré ma propre analyse et mes propres conclusions. C'est ce que je vais partager avec vous dans cet article. Cela fait partie maintenant de mes outils de travail en tant que pianiste mais aussi en tant que professeur.

Le jugement sur notre performance

Jugement subjectif

Tout d'abord, gardons en mémoire que notre jugement sur notre résultat ou performance est toujours subjectif.

En tant que grand auto-critique, et je sais que je ne suis pas le seul ;), je peux vous garantir que la différence entre mon jugement sur ma performance et celui des autres peut être vraiment grande. Je ne parle pas d'auto-complaisance. Loin de là.

Pour vous donner un exemple, à ma sortie de conservatoire, à l'examen de piano pour obtenir mon prix, j'étais totalement persuadé d'avoir échoué. Je jugeais ma performance plus que médiocre. J'étais honteux. Pourtant, j'ai non seulement obtenu mon prix, mais également reçu des retours plus que positifs de certains membres du jury...

Cela ne veut pas dire que ma performance était parfaite, loin de là. Ni que ce que je ressentais comme des erreurs et maladresses n'existaient pas. Mais l'importance que j'y accordais était disproportionnée.

Il est très important de se rappeler que notre jugement nous appartient et qu'un jugement objectif sur soi est souvent difficile. Cela nous permet de mieux évaluer les résultats de notre travail et de rester rationnel dans notre avancée.

Si vous voulez en savoir plus, je vous invite à lire ce billet sur cette compétence particulière qu'est l'auto-évaluation.

jugement évolutif

Il me semble important de parler aussi du côté évolutif de notre jugement, de nos critères. C'est un aspect qui passe souvent inaperçu.

Plus vous devenez "expert" en un domaine, plus vous devenez exigeant. Non ? Ça paraît logique. Dites-vous bien alors que plus vous progressez sur un morceau, plus votre niveau d'exigence s'affine, sans forcément que vous vous en rendiez compte.

En devenant de plus en plus exigeant envers vous-mêmes, et qu'en même temps votre progression ralentit, vous pouvez avoir l'impression logique de régresser.

Ben oui, si au début votre niveau d'exigence est relativement bas et votre marge de progression énorme, il est facile d'imaginer qu'avec quelques efforts vous soyez rapidement satisfait du résultat ! Mais plus ces deux tendances s'inversent, plus le résultat semble insuffisant !

Régression des connaissances ou des performances ?

Bon ok. Mais même en relativisant son jugement, il est possible de constater un ralentissement, une limite dans la progression, et même une régression dans une performance par rapport à une autre. Oui, mais il s'agit d'une régression de votre performance, pas de vos connaissances.

En réalité, on progresse toujours. Notre cerveau enregistre sans cesse de nouvelles informations. Ce n'est que la performance qui peut être moins bonne.

Je vais vous expliquer ce qui peut créer le plus souvent une régression dans la performance. Et plus important, ce qui la plupart du temps crée une limite et un ralentissement dans notre progression des informations.

La répétition sans conscience

Je ne rentrerai pas dans cet article dans les détails du sujet sur la mémoire. J'y consacre un autre article à part entière. Mais la grande grande majorité du temps, le ralentissement de la progression est due à un travail devenu inconscient, basé sur la répétition.

Comme je l'ai dit, il n'y a jamais selon moi, régression des informations. Mais son évolution peut être de plus en plus lente, pendant que la courbe d'exigence peut se faire plus élevée, elle. Ce qui donne l'impression de régression.

La répétition non consciente se met de plus en plus en place naturellement, dès que l'on acquiert certains repères dans notre morceau. Certes, elle permet une progression des informations, mais de manière beaucoup plus lente. Voilà pourquoi on a l'impression qu'il faut parfois beaucoup répéter.

En réalité, c'est une mauvaise démarche. Elle est peu productive, demande beaucoup d'efforts pour peu de résultats, et ne tient pas dans le temps. C'est la mémorisation consciente qui tiendra et donnera plus d'assurance.
Mais pour moi ça marche très bien la répétition.
La répétition permet l'acquisition d'information, mais de manière plus lente. Son efficacité dépendra du niveau de difficulté auquel vous vous confrontez. Plus l'obstacle est grand, moins la répétition inconsciente sera efficace.

Attention je parle bien de répétition inconsciente, pas de répétition tout court. La répétition est nécessaire et très profitable tant qu'elle est dirigée par notre esprit dans un but précis. Cette vigilance, cette attention, c'est ce que j'appelle un travail conscient.

Le travail conscient

La routine est ce qui favorise le glissement vers un travail basé sur l'inconscient et la répétition. Toute la difficulté est de conserver cette attention au fil du temps.

Cette attention, ce travail conscient c'est créer du sens, du lien entre les différents éléments musicaux. Cela peut être visuel, sonore, kinesthésique, etc.

Pensez à un peintre qui étudie le même sujet pendant des années parfois ! Un arbre, un oiseau, un paysage... Imaginez la dose d'amour et de désir pour pénétrer les secrets de ces formes qu'il admire. Il va chaque fois chercher plus loin, un détail, une idée...

Le but est de ne pénétrer chaque fois plus en profondeur, dans le sujet, mais aussi en soi à travers celui-ci. C'est une recherche.

La compréhension et l'utilisation des accords et harmonies est un outil fantastique pour s'approprier les notes et leur donner du sens. En les rangeant dans des concepts qui communiquent entre eux et s'entre croisent, vous créez également des liens dans votre esprit et donc travaillez en conscience. Si cela vous intéresse, j'ai créé une initiation à la compréhension et l'utilisation de cet outil dans mon guide à télécharger.
En savoir plus sur le guide "Comprendre et improviser au piano grâce aux accords !"
Le manque d'écoute

Vous l'aurez compris, les facteurs sont multiples et à différents niveaux. Avant de conclure et de vous en rappeler la liste, il reste un facteur important dont je n'ai pas encore parlé.

A force de travail, de répétition, on perd parfois le contact sonore avec le morceau. On ne l'écoute plus. Notre cerveau a été habitué à enclencher toute sorte d'autres récepteurs qu'on a estimé favorable à notre progression. L'habitude de la répétition et le confort de la solitude ont pu contribuer à nous éloigner de cette écoute.

Ce manque d'écoute lors de notre performance peut créer à elle seule, en plus d'un manque de musicalité, des erreurs ou imprécisions de toute sorte, et même techniques.

Alors n'oubliez pas de toujours écouter ce que vous jouez 🙂

Conclusions

liste des facteurs de l'impression de régression

le jugement subjectif

le jugement évolutif

la répétition inconsciente

l'ennui

le manque d'écoute

La routine, l'habitude, si elle est confortable, en plus de ralentir les résultats, ennuie. C'est aussi une des causes du découragement.

A force de vouloir y arriver, et sans savoir comment travailler en conscience, on répète on répète... On glisse de plus en plus vers un travail inconscient, avec de moins en moins de résultat, et de plus en plus d'ennui et de frustration !

C'est cela, en parallèle de nos jugements subjectifs et évolutifs, qui créent la grande majorité du temps l'impression de régression.

Garder l'envie de comprendre le morceau, de ressentir nos gestes, nos doigts, de faire du lien entre chaque chose... Non seulement permet de maintenir en éveil notre curiosité et notre soif naturelle d'apprendre, mais aussi de continuer à progresser de manière pérenne.

Si vous avez déjà lu certains de mes articles, vous savez déjà que ce blog dédié à la libération de votre potentiel au piano se base sur la compréhension ! Une démarche consciente, qu'elle soit conceptuelle ou non, amène toujours des résultats positifs. Dans la vie comme au piano !

Augmenter son niveau de conscience, j'en parle déjà dans mon premier article qui traite de ma démarche pédagogique et des ambitions de ce blog. Je vous invite à aller y jeter un œil si ce n'est pas encore fait 🙂

Bon travail amis pianistes !

Et vous, avez-vous aussi vécu cette situation ? Qu'en pensez-vous ? Partager votre expérience ou votre avis sur la question en commentaire 🙂

Coaching Individuel

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Comment ne plus régresser au piano - Libérer son Piano

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Schubert Ständchen : Camille Thomas and Beatrice Berrut

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Solfego.fr - lecture de notes : ammeliorez votre lecture musicale

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lecture de notes : ameliorez votre lecture musicale. entrainez-vous a la lecture de notes dans les cles de sol, fa, ut et dans les systemes a deux cles

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Une question?

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Téléchargez des partitions de piano gratuites - Recherche de partition

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Tous les styles, tous les genres

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😍 et en plus il est beau! 😜

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La première chanteuse que j'ai entendue quand j'avais...5 jours! et ses compères... Brel, Brassens, Ferré, Ferrat, Anne Sylvestre etc.

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on peut dire que je suis une grande fan!!

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Et parce que j'adore les trucs hyper débiles! Didier Super...

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sans commentaire...merci!🤣

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