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Botticelli, Museo Gemäldegalerie, Berlino, 1490

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Botticelli, Museo Gemäldegalerie, Berlino, 1490

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Botticelli - Venus - Gemäldegalerie Berlin.jpg

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Botticelli, Ginevra, Svizzera, collezione privata, 1496

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Botticelli, Ginevra, Svizzera, collezione privata, 1496

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Le tre sorelle della Venere del Botticelli - Viaggiatrice Curiosa

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Le tre sorelle della Venere. Sandro Botticelli, Nascita di Venere, Gallerie degli Uffizi @ www.uffizi.it. La Nascita di Venere di Sandro Botticelli, opera su tela conservata alle Gallerie degli Uffizi, è un capolavoro indimenticabile. Ma sappiamo che la sua protagonista Venere ha tre sorelle?

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Le tre sorelle della Venere del Botticelli

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Botticelli, Calunnia, Uffizi, Firenze, 1496

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Botticelli, Calunnia, Uffizi, Firenze, 1496

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Anche all'interno di altre sue opere che non vedono come protagonista la Venere, Botticelli decide di utilizzarla come modello per la raffigurazione delle sue figure femminili.

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Confronto Venere capitolina e Venere di Botticelli

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Confronto Venere capitolina e Venere di Botticelli

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Botticelli prese ispirazione per la posa della sua Venere dal topos artistico della Venus Pudica

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La figura di Venere sembra quasi essere in due dimensioni, ricalcando i modelli dell’antica arte etrusca e della pittura parietale antica. Inoltre la figura è leggermente curva, dinamica e caratterizzata da lunghe linee che la rendono molto più moderna rispetto a tante altre figure dello stesso periodo. Questo gioco di linee e di curve è una caratteristica tipica dell’arte gotica.

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A livello anatomico il corpo della Venere è irreale in quanto il peso è caricato in modo eccessivo sulla gamba sinistra ed è impossibile riproporre la stessa posizione nella realtà.

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E' possibile notare, in tutte le figure dell’opera, l'assenza delle ombre sul terreno. Questa caratteristica ha lo scopo di evidenziare l’atemporalità e l’assenza di uno spazio definito all’interno del quale si colloca la scena, e allo stesso tempo di accentuare l'aspetto divino, tramite la mancanza di corporalità, dei personaggi.

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L’Ipotesi più accreditata vede la realizzazione della Venere intorno al 1485, in seguito al ritorno dell’artista dal soggiorno a Roma di Botticelli.

Vasari, nel 1550, citò il dipinto assieme alla Primavera nella villa di Castello, che all'epoca di Botticelli era di proprietà dei fratelli Giovanni e Lorenzo Pierfrancesco de' Medici, definiti i “Popolani”, cugini più di Lorenzo il Magnifico. Ciò ha fatto spesso supporre che il committente fosse Lorenzo il Popolano e che i due dipinti facessero parte di un medesimo ciclo mitologico.

A partire dal 1815, sia la nascita di Venere, sia la Primavera vennero spostate agli Uffizi, dove sono rimaste fino ad oggi, ad eccezione di un breve periodo durante il quale, ad inizio '900, erano ubicate nella Galleria dell’Accademia.

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Il committente fu Lorenzo Pierfrancesco de Medici, il quale, come si era soliti fare all’epoca, voleva mostrare il proprio potere e prestigio tramite la commissione di opere artistiche.

La Nascita di Venere venne molto probabilmente commissionata nel 1477, anno in cui a famiglia Medici acquistò la Villa di Castello.

Della collocazione dell’opera all’interno della suddetta Villa ce ne parla Vasari nelle sue Vitae. Inoltre, ad avvalorare l’ipotesi che il committente dell’opera sia da ricercarsi nella casata dei Medici, c'è la raffigurazione degli alberi di arancio, considerati un emblema mediceo per l’assonanza fra il nome della famiglia e quello con cui queste piante erano note, ossia ‘mala medica’.

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Molto probabilmente l’artista realizzò diverse opere raffiguranti la Venere ed altri soggetti mitologici che, tuttavia, andarono perse durante il “falò della vanità”, svoltosi il 7 febbraio 1497. Infatti in seguito alla cacciata dei Medici, i seguaci del frate domenicano Girolamo Savonarola sequestrarono e bruciarono pubblicamente migliaia di oggetti nella città di Firenze, durante la festa di martedì grasso. L'obiettivo di questa furia distruttiva era l'eliminazione di qualsiasi oggetto considerato potenzialmente peccaminoso, come per l’appunto raffigurazioni pagane tali quelle di Botticelli.

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La Nascita di Venere di Botticelli: l’amore e la bellezza come fonte di rinascita - Firenze - Arte.it

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Una Venere pudica, che cela le nudità con le mani e i lunghi capelli biondi, emerge dalla valva di una conchiglia, pura e perfetta con le sue sinuosità gentili bianco latte, simile a una perla splendente.…

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Lo scrittore latino Ovidio racconta che Venere, dea romana dell'Amore, nacque direttamente dalla schiuma dell'oceano, davanti alle coste dell'isola di Cipro. A questo mito si ispira uno dei capolavori della storia dell'arte. La Nascita di Venere è un dipinto a tempera su tela di 172 per 278 centimetri. Viene realizzato tra il 1483 e l'85 da Sandro Botticelli, uno degli artisti più rappresentativi del Rinascimento.Il termine "Rinascimento" indica un periodo nella storia della cultura europea a cavallo tra il XV e il XVI secolo. Sono gli anni nei quali i valori del tardo Medioevo lasciano spazio a una nuova concezione dell'esistenza. Al centro del mondo non c'è più la volontà di Dio, ma la gloria dell'uomo e delle sue creazioni. Attraverso le opere degli antichi greci e latini, gli artisti e i filosofi rinascimentali riscoprono gli ideali classici di bellezza e armonia, intese come strumenti per elevare lo spirito. La culla del Rinascimento è la città di Firenze, in Italia. Firenze è governata dalla famiglia dei Medici. E' proprio uno di loro, il banchiere Lorenzo di Pierfrancesco, che commissiona a Botticelli la Nascita di Venere.

Nel 1478 Botticelli ha già dipinto per la corte fiorentina la Primavera, una delle prime opere che catturano in modo consapevole l'essenza del Rinascimento. Allo stesso modo, la Nascita di Venere esprime il culto rinascimentale per la bellezza sublime e idealizzata. All'interno del quadro, sulla destra di Venere c'è Zefiro, il vento fecondatore, simbolo dell'amore carnale. Non a caso abbraccia una figura femminile, che forse è sua moglie Clori, o forse un altro vento, la Bora. Alla sinistra di Venere c'è una delle Ore, le ninfe che accompagnano la dea. La ninfa copre le nudità di Venere con un mantello: diventa, quindi, un simbolo di purezza dello spirito. Zefiro e la ninfa sono i lati di un triangolo, che la figura di Venere divide a metà. Così la dea forma un tramite fra amore terreno e spirituale: è la bellezza fisica che alimenta l'elevazione dell'anima. Una sintesi del pensiero rinascimentale. Ma le implicazioni filosofiche si mescolano a elementi biografici: la figura della dea è un ritratto di Simonetta Vespucci, amante di Giuliano dé Medici, cugino del committente. All'inizio la Nascita di Venere viene esposta alle pareti della Villa di Castello, la residenza di campagna della famiglia Medici, dove rimane almeno fino al 1761. Dopo quella data, il suo destino è incerto: si sa solo che in seguito viene spostata al Museo Fiorentino di Palazzo Pitti. Dal 1815 la Nascita di Venere può essere ammirata al Museo degli Uffizi di Firenze.

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"La Nascita di Venere" è un dipinto a tempera su tela di 172 per 278 centimetri, realizzato tra il 1483 e il 1485 da Sandro Botticelli. Raffigura la nascita di Venere, dea romana dell'Amore, circondata dalla schiuma dell'oceano, davanti alle coste dell'isola di Cipro. Dal 1815 si trova al Museo degli Uffizi di Firenze.

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Nota come "Nascita di Venere", la composizione raffigura più precisamente l'approdo sull'isola di Cipro della dea dell'amore e della bellezza, nata dalla spuma del mare e sospinta dai venti Zefiro e, forse, Aura. La dea è in piedi sopra la valva di una conchiglia, pura e perfetta come una perla. L'accoglie una giovane donna, identificata talvolta con una delle Grazie oppure con l'Ora della primavera, che le porge un manto cosparso di fiori; alla stagione primaverile rimandano anche le rose portate dai venti. Il tema del dipinto, che celebra Venere come simbolo di amore e bellezza, fu forse suggerito dal poeta Agnolo Poliziano.

E' molto probabile che il committente dell'opera sia da ricercarsi all'interno della casata dei Medici, sebbene non si abbiano notizie del dipinto prima del 1550, quando Giorgio Vasari lo descrive nella villa medicea di Castello, proprietà del ramo cadetto della famiglia Medici fin dalla metà del XV secolo. Avvalora questa ipotesi anche la raffigurazione degli alberi di aranci, considerati un emblema mediceo per l'assonanza fra il nome della famiglia e quello con cui queste piante erano note, 'mala medica'.

Diversamente dalla "Primavera", dipinto su tavola, la "Nascita di Venere" fu realizzato su tela, un supporto non di rado impiegato nel Quattrocento per pitture decorative destinate alle residenze signorili.

Botticelli prende ispirazione da statue di epoca classica per l'atteggiamento pudico di Venere, che copre la nudità con i lunghi capelli biondi, i cui riflessi di luce sono ottenuti tramite l'applicazione di oro; anche la coppia dei Venti che vola abbracciata è una citazione da un'opera antica, una gemma di età ellenistica posseduta da Lorenzo il Magnifico.

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La nascita di Venere di Botticelli | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Nota come "Nascita di Venere", la composizione raffigura più precisamente l'approdo sull'isola di Cipro della dea dell'amore e della bellezza, nata dalla spuma del mare e sospinta dai venti Zefiro e, forse, Aura.

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Chi era la Venere di Botticelli? | Viaggiatori Ignoranti

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La Nascita di Venere è un dipinto a tempera su tela di lino di Sandro Botticelli, databile al 1482-1485 circa. Realizzata per la villa medicea di Castello, l’opera d’arte è attualmente conservata nella Galleria degli Uffizi a Firenze. Opera iconica del Rinascimento italiano, spesso assunta come simb…

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Chi era la Venere di Botticelli?

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La Nascita di Venere è un dipinto a tempera su tela di lino (172,5 cm × 278,5 cm) di Sandro Botticelli. Realizzata per la villa medicea di Castello, l'opera è attualmente conservata nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

Opera iconica del Rinascimento italiano, spesso assunta come simbolo della stessa Firenze e della sua arte, faceva forse anticamente collegamento con l'altrettanto celebre sempre di Botticelli, con cui condivide la provenienza storica, il formato e alcuni riferimenti filosofici. Rappresenta una delle creazioni più elevate dell'estetica del pittore fiorentino, oltre che un ideale universale di bellezza femminile.

La Nascita di Venere è da sempre considerata l' idea perfetta di bellezza femminile nell'arte, così come il David è considerato il canone di bellezza maschile. Poiché entrambe le opere sono conservate a Firenze, i fiorentini si vantano di possedere i canoni delle bellezze artistiche all'interno delle mura cittadine.

Botticelli, Venere, Gemäldegalerie Berlin

Moneta da 10 centesimi italiana, raffigurante la Venere.

La ricostruzione storica delle vicende legate alla Nascita di Venere, ricostruite da Horne nel 1908, ha molte analogie con quella della Primavera.

Vasari, nel 1550, citò il dipinto assieme alla Primavera nella villa di Castello, che all'epoca di Botticelli era di proprietà dei fratelli Giovanni e Lorenzo de' Medici "Popolani", cugini più giovani di Lorenzo il Magnifico. Ciò ha fatto spesso supporre che il committente fosse Lorenzo il Popolano, che si era fatto dipingere la Primavera, e che i due dipinti facessero parte di un medesimo ciclo mitologico di cui faceva parte anche la Pallade e il centauro, sempre agli Uffizi, e Venere e Marte nella National Gallery di Londra. In realtà nessuna opera in cui sia riconoscibile la nascita di Venere è elencata negli inventari della villa del 1498, 1503 e 1516, per cui venne sicuramente lì trasportata in un secondo momento prima della visita di Vasari. Al tempo del riferimento vasariano l'edificio era di proprietà di Cosimo I de' Medici, che aveva sì potuto ereditare il dipinto dai suoi antenati del ramo "Popolano", ma anche averlo acquistato per conto personale o averlo sottratto durante una confisca di stato. La prima menzione in un inventario della villa risale al 1598.

La Nascita di Venere è in genere considerata opera anteriore alla Primavera. Secondo alcuni entrambe le opere risalgono a un periodo vicino, dopo il ritorno del pittore da Roma per affrescare alcune scene nella cappella Sistina ( 1482) o immediatamente prima del viaggio ( 1478 per Crowe e Cavalcaselle). Secondo altri la Primavera sarebbe stata dipinta prima e la Nascita di Venere dopo il viaggio. La Yashiro indicò il 1487, Salvini il 1484; la critica moderna propende oggi invece per il 1486.

Esistono alcune repliche di bottega del soggetto, databili entro la fine del secolo. Di queste repliche ne sono sopravvissute tre: una conservata alla Gemäldegalerie di Berlino, un'altra alla Galleria Sabauda di Torino e la terza che si trova in una collezione privata a Ginevra.

Nel corso dei secoli questo dipinto è diventato una delle icone della cultura italiana universalmente conosciute. Anche grazie a questo, un particolare della Nascita di Venere (il volto della dea) è utilizzato nella moneta euro italiana del valore di dieci centesimi.

Venus pudica, Museo archeologico nazionale, Atene

La fonte del mito fu quasi sicuramente una delle del Poliziano, a sua volta ispirata a Ovidio, alla Teogonia di Esiodo, al De rerum natura di Lucrezio e a un inno omerico. Contrariamente al titolo con cui l'opera è nota, essa non raffigura la nascita della dea, ma il suo approdo sull' isola di Cipro.

Venere avanza leggera fluttuando su una conchiglia lungo la superficie del mare increspata dalle onde, in tutta la sua grazia e ineguagliabile bellezza, nuda e distante come una splendida statua antica. Viene sospinta e riscaldata dal soffio di Zefiro, il vento fecondatore, abbracciato a un personaggio femminile con cui simboleggia la fisicità dell'atto d'amore, che muove Venere col vento della passione. Forse la figura femminile è la ninfa Clori, forse il vento Aura o Bora.

Sulla riva una fanciulla, una delle Ore che presiede al mutare delle stagioni, in particolare la Primavera, porge alla dea un magnifico manto rosa ricamato di fiori per proteggerla ( mirti, primule e rose). Essa rappresenta la casta ancella di Venere ed ha un vestito setoso riccamente decorato con fiori e ghirlande di rose e fiordalisi, i fiori che la dea Flora trovò vicino al corpo dell'amato Cyanus.

La posa della dea, con l'equilibrato bilanciamento del "contrapposto", deriva dal modello classico della Venus pudica (cioè che si copre con le braccia il seno e il basso ventre) e Anadiomene (cioè "emergente" o nascente dalla spuma marina), di cui i Medici possedevano una statua classica fin dal 1375 citata da Benvenuto Rambaldi (non si tratta però della celebre Venere de' Medici, giunta in città solo nel 1677). Il volto pare che si ispirasse alle fattezze di Simonetta Vespucci, la donna dalla breve esistenza (morì a soli 23 anni) e dalla bellezza "senza paragoni" cantata da artisti e da poeti fiorentini mentre lo sfondo sembrerebbe ispirarsi al Golfo dei Poeti dove il pittore avrebbe conosciuto la sua musa ispiratrice.

Venere nascente in un affresco di Pompei

L'opera nasconde un' allegoria neoplatonica basata sul concetto di amore come energia vivificatrice, come forza motrice della natura.

Sicuramente la nudità della dea non rappresentava per i contemporanei una pagana esaltazione della bellezza femminile, piuttosto il concetto di Humanitas, intesa come bellezza spirituale che rappresenta la purezza, la semplicità e la nobiltà dell'anima. Non a caso è stato fatto un parallelismo tra Venere e l' anima cristiana, che nasce dalle acque del battesimo. Sarebbe dunque un'allegoria dell'amore inteso come forza motrice della Natura e la figura della dea e la posa di Venus pudica (ossia mentre copre la sua nudità con le mani ed i lunghi capelli rossi) rappresenterebbe la personificazione della Venere celeste, simbolo di purezza, semplicità e bellezza disadorna dell'anima. Un'altra interpretazione associa il quadro alla necessità di rappresentare la nascita di una Medici appena nata: Maria Margherita. Tra le varie interpretazioni recenti, sta emergendo l'idea che la rappresentazione sia interpretabile attraverso canoni cristiani con evidenti contaminazioni neoplatoniche derivate dall'influente accademia fiorentina, che rimanderebbero ad un pensiero di matrice geografica, che a sua volta, si collega agli avvenimenti preparatori della scoperta-disvelamento del Nuovo Mondo. (Claudio Piani, Diego Baratono 2011, Ilaria Sabbatini 2013, Sandra Marraghini 2015).

Questo era del resto uno dei concetti fondamentali dell'umanesimo neoplatonico, che ritorna sotto diversi aspetti anche negli altri dipinti a soggetto mitologico realizzati dal Botticelli all'incirca nello stesso periodo.

Anche Giulio Carlo Argan evidenzia, tra i significati impliciti del dipinto, la corrispondenza fra il mito della nascita di Venere dall'acqua marina e l'idea cristiana della nascita dell'anima dall'acqua del battesimo. La nudità di Venere significa semplicità, bellezza, purezza: è un bello spirituale. La natura è espressa nei suoi elementi (acqua, aria, terra); simbolica è anche la conchiglia. Il ritmo che permea l'opera è governato dal dèmone platonico, il furor che Marsilio Ficino chiamava malinconicus, in quanto generato dall'aspirazione a qualcosa che non si ha o dalla nostalgia di qualcosa che si è perduto.

Lumeggiature nella vegetazione

Botticelli usò per quest'opera il supporto della tela, estremamente insolito nella Firenze del Quattrocento. Due teli di lino vennero cuciti tra loro e in seguito venne aggiunta un'imprimitura a base di gesso tinto con un po' di blu, in modo da dare il particolare tono azzurrato a tutto il dipinto.

La pittura usa la tecnica della tempera magra, cioè dei colori sciolti in colle animali e vegetali come leganti, che diede una straordinaria luminosità avvicinandosi alla resa dell'affresco. Abbondante è l'uso dell'oro per le lumeggiature, steso essenzialmente con due tecniche: a "pennello", come nei capelli di Venere, e a "missione", cioè con l'aggiunta di mordente, sui tronchi e sulle foglie.

Nell'opera sono leggibili alcune caratteristiche stilistiche tipiche dell'arte di Botticelli, come ad esempio la ricerca di una bellezza e d'un'armonia ideale che porta ad una rappresentazione inesatta dell'anatomia della Venere; un esempio evidente n'è il suo lungo collo. Sacrificare anatomia in cambio di bellezza ed armonia sarà, infatti, un concetto basilare dell'Umanesimo.

La composizione è estremamente bilanciata e simmetrica: il soffio vitale offerto dai due venti e la ninfa sono i due lati ideali di un triangolo al vertice del quale si pone Venere che diviene quindi l'elemento mediano dell'intera scena. Ciò può anche sottintendere la necessità di equilibrio nell'esperienza amorosa, tra passione fisica e purezza spirituale, tra esaltazione dei sensi e elevazione dell'animo. Le figure ai lati di Venere compiono infatti azioni contrapposte, ma equilibrate nell'insieme.

Botticelli, seguendo probabilmente le istruzioni del di Leon Battista Alberti, limitò il numero delle figure e rese autonomi tutti gli elementi della composizione, quasi come semplicemente giustapposti.

Dettaglio

Il disegno è armonico, delicato; le linee sono elegantissime e creano, nelle onde appena increspate, nel gonfiarsi delle vesti, nel fluire armonico dei capelli della dea e nello stesso profilo della spiaggia, dei giochi decorativi sinuosi e aggraziati. Innegabile è la ricerca di bellezza ideale e armonia, che si attua nel ricorso in via preferenziale al disegno e alla linea di contorno (derivato dall'esempio di Filippo Lippi). Le forme sono nette, raffinatissime e trovano la loro sublimazione nel nudo statuario della dea, in cui le qualità morali e spirituali, secondo la dottrina neoplatonica, coincidono con la sua bellezza fisica. Tipica dell'artista è la vena leggermente malinconica, ma serena, che serpeggia negli sguardi.

Spazialità

La spazialità sostanzialmente è piatta o comunque poco accennata e dimostra l'allora nascente crisi degli ideali prospettici e razionali del primo Quattrocento, che ebbe il suo culmine in epoca savonaroliana (1492-1498) ed ebbe radicali sviluppi nell'arte del XVI secolo.

In ogni caso l'attenzione al disegno non si risolve mai in effetti puramente decorativi, ma mantiene un riguardo verso la volumetria e la resa veritiera dei vari materiali, soprattutto nelle leggerissime vesti. Il colore chiaro e nitido, derivato dalla particolare tecnica, intride di luce le figure, facendone risaltare la purezza penetrante della bellezza.

La forte plasticità dei singoli corpi bilancia gli appiattimenti dello sfondo e dei giochi lineari, generando anche un'originale rappresentazione del movimento: a ben guardare esso nasce infatti dalle linee, mentre le figure sembrano magicamente ferme e sospese. L'apparente distacco dalla sfera dei sensi unito a un'intesa emozione intellettuale sta alla base di alcune delle ragioni del fascino dell'opera.

Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell'arte, volume 2, Bompiani, Milano 1999. ISBN 88-451-7212-0

Bruno Santi, Botticelli, in I protagonisti dell'arte italiana, Scala Group, Firenze 2001. ISBN 88-8117-091-4

AA. VV., Galleria degli Uffizi, collana I Grandi Musei del Mondo, Roma 2003

Claudio Piani - Diego Baratono " I segreti delle antiche carte geografiche. Simbologie mariane e cartografie per il Nuovo Mondo" Albatros, Roma 2011, ISBN 978-88-567-4784-3

Ilaria Sabbatini, Conchiglia storia e simbolo in Rivista Antiquarium, maggio 2014.

Sandra Marraghini, Piero della terra Francesca. Il sole sorge a Firenze e tramonta a New York, Edizioni FirenzeLibri, Firenze 2015, ISBN 9788876222559

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La Nascita di Venere è un dipinto a tempera su tela di lino (172,5 cm × 278,5 cm) di Sandro Botticelli. Realizzata per la villa medicea di Castello, l'opera è attualmente conservata nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

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Voglio farti conoscere un capolavoro che non ha bisogno di alcuna presentazione, dato che è conosciuto in tutto il mondo. L'artista che ha dipinto questa bellissima tela è vissuto in Italia alla fine del '400, e nella sua carriera di pittore ha dipinto quadri su quadri, tutti caratterizzati da protagonisti con capelli fluenti e che negli anni seguenti sarebbero diventati famosissimi. Sto per farti conoscere Sandro Botticelli e quello che viene considerato uno dei suoi migliori lavori in assoluto: la Nascita di Venere.

Ci sono un sacco di cose che devo dirti a proposito di questa tela, e così ho deciso di scrivere questo grande articolo. Cercherò di non complicarti troppo la vita e ti fornirò tutte le informazioni che ti servono.

Quando avrai finito di leggere questo mio articolo, ti garantisco che:

Conoscerai alla perfezione la storia completa di com'è nata la Venere di Botticelli

Scoprirai l'identità dei personaggi che stanno attorno alla dea protagonista

Capirai quale è il vero significato di questa tela

E molto altro ancora.

Sei pronto per conoscere per bene questa tela? Cominciamo!
Data di realizzazione: 1482-1485 Dimensioni: 172 x 278 cm Dove si trova: Galleria degli Uffizi, Firenze
Una delle più curiose a proposito di questo lavoro è la seguente: quali sono le ragioni che hanno portato alla realizzazione della Venere del Botticelli ?

Ora ti racconto tutto.

Siamo nel '400, e Sandro Botticelli è uno dei pittori più famosi in tutta la città di Firenze.

Tutti lo conoscono e le famiglie nobili della città fanno a gara per avere una sua opera.

Una famiglia, in particolare, è molto interessata al talento di Sandro: i Medici.

Quest'ultimi dominano senza timore su tutta Firenze e grazie alla loro influenza (ed alla loro ricchezza), possono fare tutto quello che vogliono.

Quale è il modo migliore per mostrare a tutti il proprio potere e prestigio?

Commissionare dei lavori costosi e di alta qualità che tutti possano ammirare.

Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici è un membro di questa celebre famiglia e non ci ha messo molto a riconoscere il talento di Botticelli e a fare in modo che diventasse uno dei suoi artisti prediletti.

Il nobile mette Sandro sotto la propria protezione e, molto probabilmente, è stato lui a commissionargli la Venere.

Per molti anni questa è stata la teoria più condivisa ed accettata dagli esperti a proposito della nascita e la commissione di questo capolavoro del Botticelli, ma, in tempi più recenti, cominciano a spuntare delle ipotesi alternative.

Non fraintendermi: è stata sicuramente la famiglia dei Medici a richiedere l'esecuzione di quest'opera; gli esperti non sono d'accordo sulla ragione che ha portato alla nascita di questo lavoro.

Potrebbe trattarsi di un omaggio, oppure di un quadro politico o di altro genere.

Non preoccuparti, più tardi tornerò a parlarti del significato di tutti i particolari che circondano la Venere del Botticelli.

Dove ero rimasto?

Ah, è vero. Ti stavo parlando dell'incarico che i Medici hanno assegnato a Sandro Botticelli.

Molto probabilmente è il 1477 l'anno in cui il pittore riceve questo importante compito.

Perché proprio in quell'anno?

Perché nel 1477 la famiglia Medici ha acquistato la Villa di Castello, un edificio all'esterno di Firenze, il quale sarebbe stata un'ottima dimora di campagna alla conclusione dei lavori di restauro.

E cosa c'era di meglio di un capolavoro di Botticelli per decorare una casa così importante?

Come ti ho già detto prima, i Medici dominano Firenze: Lorenzo il Magnifico è al potere ed i suoi avversari non hanno abbastanza potere per poterlo fronteggiare.

E chi ci dice che siano stati i Medici a richiedere questo lavoro a Botticelli?

Nessuno.

Non c'è alcuna prova schiacciante, ma ci sono alcuni importanti particolari che danno credito a questa ipotesi.

Prima di andare avanti, devi sapere che la nascita di Venere di Botticelli è stata descritta, per la prima volta, all'interno di un libro, da Giorgio Vasari.

Hai mai sentito parlare di lui?

Se la tua risposta è no, non preoccuparti, ti dico io chi è.

Si tratta di un pittore vissuto nel '500, il quale può essere considerato il primo storico dell'arte in assoluto.

Oltre ad essere un ottimo pittore, ha avuto la geniale idea di voler realizzare un libro in cui sono elencati gli artisti più famosi in ordine cronologico (cominciando da quelli più antichi fino ad arrivare ai suoi contemporanei).

Questo importante testo è intitolato ed ancora oggi costituisce uno dei manuali più importanti nella storia dell'arte (se sei curioso, ti suggerisco di leggere questo libro perché è straordinario e ricco di informazioni e curiosità su molti pittori ed i loro capolavori).

Perché ti dico tutto questo?

Perché nel 1550, all'interno della Villa dei Medici dove sarebbe stata posta la tela del Botticelli, c'era anche Giorgio Vasari.

Lo studioso/artista avrà avuto un sacco di occasioni per vedere di persona la Venere Botticelli.

Comunque, Sandro completa questo lavoro nel 1477, qualche tempo prima della sua partenza per Roma.

Cosa deve fare a Roma?

Lì lo attende un altro incarico che passerà alla storia: dipingere delle scene all'interno della Cappella Sistina insieme ad altri famosi artisti.

Sicuramente saprai che Sandro Botticelli è l'artista che ha realizzato anche un altro bellissimo quadro: la Primavera.

A questo proposito, devo svelarti un piccolo segreto: sapevi che la Venere di Botticelli e la Primavera sono rimaste sempre insieme?

Proprio così. Le 2 tele non sono mai state separate.

Sono state esposte all'interno della Villa di Castello e poi, nel 1815, sono state trasferite entrambe agli Uffizi.

Da quel momento sono rimaste sempre all'interno degli Uffizi?

A dirla tutta, agli inizi del '900, tutti e 2 i quadri di Sandro sono stati spostati, temporaneamente, nella Galleria dell'Accademia (quella dove oggi si trova il David di Michelangelo, per capirci); tempo dopo sono state riportate nella Galleria degli Uffizi dove puoi ammirarle oggi.

DESCRIZIONE

Dà un'occhiata alla Venere di Botticelli immagine.

"La nascita di Venere" Sandro Botticelli

Lascia senza parole, vero?

Adesso voglio farti conoscere l'identità dei personaggi ritratti in questo lavoro e quale è il loro ruolo.

Cominciamo dalla protagonista, ovvero la donna al centro, che come avrai potuto intuire dal titolo dell'opera, non è altro che Venere, la dea greca (e romana) della bellezza.

Hai notato che si trova su una gigantesca conchiglia? Cosa ci fa lì sopra?

Per spiegartelo, devo prima raccontarti un piccolo aneddoto che fa parte della mitologia greca.

Devi sapere che molto tempo fa, prima che Zeus (chiamato Giove dai romani) diventasse il signore degli dei dell'Olimpo, la Terra era dominata da suo padre Crono.

Quest'ultimo viveva nel costante terrore che uno dei suoi figli potesse spodestarlo (anche perché lui aveva ottenuto il potere in questo modo), e per prevenire ogni possibile attacco, ogni volta che la sua compagna Rea partoriva un bambino, Crono lo divorava.

È un'immagine molto forte, ma nonostante ciò, molti artisti nel corso della storia sono rimasti affascinati da questo mito.

Tra i vari lavori, ti consiglio di dare un'occhiata al misterioso quadro realizzato dal pittore spagnolo Francisco Goya ed intitolato Saturno che divora i suoi figli.

Chiusa questa piccola parentesi su Goya, torniamo alla storia che ti stavo raccontando.

Rea, vedendo morire i suoi figli uno dietro l'altro, vive un dolore sempre crescente, finché un giorno, stanca di questa tortura, decide di sostituire l'ultimo bambino che ha dato alla luce con un sasso.

Crono non si rende conto della differenza e cade nella trappola; nel frattempo, il bambino sopravvissuto viene inviato, in gran segreto, su un'isola.

Chi è questo bambino?

Si tratta di Zeus, il quale, dopo essere diventato adulto, sa bene quale è il suo compito: vendicare i suoi fratelli e sorelle e spodestare il padre.

Dopo essersi lanciato all'attacco, Zeus con una falce evira suo padre, ed il membro tagliato cade nel mare, generando una grande schiuma da cui nasce Afrodite/Venere, la dea della bellezza.

Ecco spiegato il motivo per cui la nascita Venere avviene nel mare e perché si trova su una conchiglia a modi zattera.

Chi sono gli altri protagonisti?

L'uomo sulla destra, che giunge in picchiata ed abbracciato ad una donna, è Zefiro, il dio del vento; sta indirizzando il suo potente soffio verso la dea, mettendo in mostra il suo bellissimo volto.

Hai notato che dalla bocca di Zefiro sono disegnate delle piccole linee?

Si tratta di un piccolo "trucco" utilizzato da Botticelli per simboleggiare l'aria che Zefiro getta fuori con il suo soffio.

E la donna che lo abbraccia chi è?

È una bella domanda, ma prima di risponderti, ti consiglio di guardarla con attenzione.

È molto giovane, è dotata di ali ed è impegnata anche lei a soffiare verso la protagonista, anche se il suo sforzo non può assolutamente gareggiare con quello del suo compagno.

Per quanto riguarda la sua identità, dobbiamo fare riferimento ancora una volta a Giorgio Vasari, il quale nel suo libro ipotizza che dovrebbe trattarsi di Aura, la personificazione di una leggera brezza.

Ma perché Botticelli dipinge Zefiro ed Aura che soffiano verso la ?

Guardandoli così, potresti avere la sensazione che la stiano aggredendo, ma non fraintendere.

Il loro soffio, in realtà, serve a spingere la conchiglia della dea appena nata verso la vicina costa.

A proposito, hai dato un'occhiata a quella donna che sta proprio sulla destra e che è leggermente sollevata da terra?

In effetti, sembra che stia volando. Si dirige verso la protagonista ed ha tra le mani una bella mantellina decorata che servirà a coprire Venere appena giungerà sulla terraferma.

Chi è questa donna?

Anche lei appartiene al mondo della mitologia greca: è una delle 3 Horae. È una sacerdotessa legata alla divinità minore delle stagioni ed a Venere.

Ma quale delle 3 Horae è quella ritratta nel quadro?

Nel suo lavoro Sandro Botticelli la nascita di Venere ci sono tutti i dettagli necessari per rispondere con facilità a questa domanda.

Questa è la Sacerdotessa Hora della Primavera.

Da cosa lo si capisce?

Guarda da più vicino il vestito che indossa. È un tessuto decorato con tanti piccoli fiori, un simbolo molto chiaro e che ha a che fare con la primavera.

Come ti ho detto all'inizio di questo articolo, ho intenzione di farti conoscere tutto a proposito di questa tela, e ciò vuol dire che devo parlarti anche di altre possibili identificazioni delle protagoniste secondarie di questa tela.

Sull'identità di Zefiro, non ci sono dubbi.

Ma la mitologia greca è complessa ed esistono un sacco di versioni alternative dei racconti più celebri, altri personaggi e non possiamo sapere con certezza a quale tradizione si sia ispirato Botticelli per la sua Venere dei Medici.

A questo proposito, hai presente quell'Aura di cui ti ho parlato poco fa?

Bene.

Alcuni studiosi pensano che non si tratti di Aura, ma di Chloris, una ninfa floreale che in una storia alternativa ha sposato Zefiro.

E la sacerdotessa Hora è sempre lei o no?

In realtà potrebbe trattarsi di Flora, la versione complementare della ninfa Chloris.

Cioè? Sono 2 versioni della stessa persona?

Per farla semplice, si.

La curiosa storia di questa donna è narrata nel libro I Fasti dell'autore latino Ovidio, e poi è stata rappresentata anche nella Primavera dello stesso Botticelli.

Il succo della storia è rappresentato proprio nell'altro quadro di Sandro, all'interno del quale, Flora è una sacerdotessa amata da Zefiro.

Dopo averla inseguita e "catturata", comincia la trasformazione della donna, la quale abbandona il suo ruolo di sacerdotessa per diventare una figura mitica.

Ad essere sincero, trovo difficile pensare che Botticelli abbia dipinto 2 volte la stessa trasformazione in 2 lavori diversi, ma c'è un dettaglio che potrebbe dare credito a questa teoria.

La presenza delle rose.

Cosa significa?

Se guardi con attenzione, puoi notare che alla destra di Zefiro e Chloris stanno cadendo un sacco di rose.

Questo fiore è il simbolo di Chloris e potrebbe essere una prova valida che testimonia la sua identità.

Ma non finisce qui.

Sapevi che a questa tela, il titolo la nascita di Venere Botticelli gli è stato assegnato solo nel 19° secolo?

Gli studiosi hanno azzardato questo titolo dopo aver analizzato il soggetto rappresentato, ma molti anni prima anche Giorgio Vasari aveva avuto un'intuizione simile.

Una bellissima donna sulla conchiglia, delle ninfe ed una divinità dei venti non lasciano scampo ad altre interpretazioni.

Secondo la storia, quel pezzo di terra che si vede a destra dell'opera dovrebbe rappresentare l'isola di Cipro o Cythera (sono 2 isole del Mediterraneo tradizionalmente legate a Venere).

Devo dirti un paio di cose a proposito della tecnica con cui è stata realizzata questa Venere Botticelli.

Le dimensioni di questa tela sono minori rispetto a quelle della Primavera

La Primavera di Botticelli è stata dipinta su un pannello, questo invece su un supporto per tele decisamente meno costoso

Perché ha usato un supporto così economico?

Devi sapere che alla fine del '400 la tela sta diventando molto popolare e si considera ideale per i quadri che poi sarebbero stati esposti nelle case di campagna.

Per le tele che avrebbero decorato i grandi palazzi all'interno delle città, invece, vengono utilizzati dei materiali decisamente più pregiati.

Non pensi che questa tela sia un po' troppo grande rispetto al normale?

Mi riferisco alla lunghezza.

Stiamo parlando di una tela di 3 metri, poco comune al tempo.

Come se la è procurata?

Sandro ha utilizzato un piccolo stratagemma per la sua Nascita di Venere: prima di gettarsi con tutte le sue energie nella realizzazione del quadro, cuce 2 tele tra loro utilizzando un gesso di colore blu.

E cos'ha di tanto speciale questo lavoro da essere considerato uno dei più grandi capolavori di questo artista?

Ci sono diversi motivi in realtà.

Uno dei questi riguarda il suo essere unico. Pensaci su un momento: per realizzare questo lavoro utilizza una tecnica pittorica che riserva di solito alle opere su pannelli.

Vuoi un esempio?

Devi sapere che in questa scena non ha utilizzato il colore verde per le parti fresche; inoltre, grazie ad approfondite analisi condotte con macchinari moderni, abbiamo scoperto che Sandro ha avuto diversi ripensamenti mentre stava dipingendo il suo capolavoro.

Hai dato un'occhiata ai piedi nudi della donna sulla destra?

Ecco.

In un primo momento la sacerdotessa Hora/Chloris indossava dei normali sandali bassi, poi cancellati in seguito; inoltre, la mantella che sta porgendo a Venere ed il collare che indossa sono stati un'aggiunta successiva e non progettata fin dall'inizio.

E queste non sono le uniche modifiche all'interno del lavoro di Botticelli la Venere; ci sono altri perfezionamenti che riguardano proprio la protagonista.

Vuoi sapere quali sono?

Te li dico subito: i fluenti capelli di Venere caratterizzati dal pigmento colore oro, le ali della coppia che plana verso la protagonista, i tessuti, la conchiglia ed il terreno sulla destra sono degli importanti dettagli che Sandro ha aggiunto soltanto dopo che la tela è stata incorniciata.

Al resto, poi, ci ha pensato il tempo.

Le Veneri di Botticelli (mi riferisco alla protagonista della Primavera e di questa tela) sono vittime dello scorrere del tempo.

A cosa mi riferisco?

A come sono cambiati i colori nel corso dei secoli.

Devi sapere che il colore verde che vedi oggi nelle ali di Zefiro e della sua compagna e le foglie dell'albero di arance che stanno a terra sulla destra, non è lo stesso che aveva utilizzato Sandro in origine.

L'usura del tempo non ha risparmiato alcun particolare di questo lavoro: anche le foglie in alto a destra, nonostante fossero coperte dalla cornice, non sono riuscite a salvarsi dal passare degli anni.

E lo stesso discorso vale anche per il colore blu usato per il mare e per il cielo, i quali all'inizio erano più luminosi.

La nascita di Venere Botticelli analisi che stai leggendo, per essere completa, deve riguardare anche i modelli precedenti a cui si è ispirato l'artista.

Non penserai che il pittore abbia inventato questa scena da zero, vero?

C'è più di una cosa che Botticelli ha "copiato" dai colleghi che l'hanno preceduto.

Per esempio, dà un'occhiata alla posa di Venere: non la trovi un po' particolare?

Trovo abbastanza curiosa la posizione delle sue mani con cui copre il suo seno ed il suo pube.

In effetti, assomiglia molto ad un'antica statua chiamata Venere Pudica, molto popolare nell'età greco-romana.

Poi, è molto interessante il fatto che la figura di Venere sembra quasi essere in due dimensioni, ricalcando i modelli dell'antica arte etrusca e della pittura parietale antica.

Ma c'è di più: la figura di Botticelli Venere non sta messa dritta e bloccata, anzi, è leggermente curva, dinamica e caratterizzata da lunghe linee che la rendono molto più moderna rispetto a tante altre figure dello stesso periodo.

Questo gioco di linee e di curve è una caratteristica tipica dell'arte gotica ed è una prova di quanto Botticelli fosse abile e conoscitore di molteplici stili e tecniche artistiche da utilizzare all'interno delle proprie opere.

C'è un'altra cosa che devi sapere a proposito di questa Venere: a livello anatomico, il suo corpo è irreale.

Cosa voglio dire?

Te lo spiego subito: dà un'occhiata al collo ed al suo busto. È una posa impossibile.

È vero, ricalca le stesse movenze di una statua classica, ma il peso del suo corpo è caricato in modo eccessivo sulla gamba sinistra ed è impossibile riproporre la stessa posizione nella realtà.

Ma hai notato che nessuno dei personaggi è dotato dell'ombra?

Fa attenzione: Botticelli non se le è dimenticate.

La Venere di Botticelli immagine che vedi, in realtà è ambientata in una realtà alternativa che assomiglia molto alla nostra, ma non confonderti.

E c'è anche un'altra cosa che non quadra: in altri quadri Botticelli si vede chiaramente che non è un pittore maniaco dei dettagli della natura e dei paesaggi perfetti e curati in ogni particolare; bene, qui la storia cambia.

Gli alberi di alloro e l'erba a terra sono resi con uno splendido verde misto a dei tocchi d'oro, e poi le onde del mare sono geometricamente perfette.

Inoltre, a rendere tutto più strano è il fatto che i protagonisti siano alti come gli alberi circostanti.

INTERPRETAZIONE

Ma alla fine, quale è il significato del quadro di Botticelli nascita di Venere?

Ci sono un sacco di libri che cercano di dare una risposta a questa difficile domanda.

E quale è quella giusta?

Nessuna. Non c'è un'interpretazione perfetta in grado di soddisfare pienamente la critica e gli studiosi.

Quali sono le interpretazioni più quotate?

Non voglio entrare troppo nel dettaglio e riempirti la testa con tecnicismi, quindi, te la faccio breve.

Nella scena dipinta da Botticelli ci sono un sacco di riferimenti alla filosofia neoplatonica, una scuola di pensiero di moda nel '400 e che ha influenzato un sacco di artisti, studiosi e nobili.

Sandro è affascinato dalle teorie proposte da questa filosofia, e così, ha deciso di inserire all'interno della sua opera diversi riferimenti al neoplatonismo.

La protagonista nuda che sta al centro del quadro, secondo questa interpretazione, dovrebbe essere la rappresentazione dell'amore divino.

Secondo il filosofo Platone ed i seguaci della filosofia neoplatonica, Venere si può dividere in 2 parti:

La Venere terrena, amante degli uomini e simbolo dell'amore fisico e sensual

La Venere celeste, che simboleggia l'amore per la filosofia e l'intelletto

Mettiamo le cose in chiaro: non si tratta di 2 "donne" in contrasto tra loro, anzi, l'una ha bisogno dell'altra per permettere agli uomini di comprendere completamente la bellezza celeste.

Prova a metterti nei panni di un uomo o una donna del 15° secolo che si trovava davanti allo splendido lavoro di Sandro Botticelli la nascita di Venere.

Con il neoplatonismo al massimo della sua popolarità, sicuramente molti avranno interpretato quest'opera come uno stimolo ad elevarsi verso la Venere celeste.

Ma adesso guarda con attenzione le movenze dei protagonisti, ed in particolare quelli di Venere e della sacerdotessa sulla destra.

Quest'ultima sta avvicinando una mantella alla dea, ma hai notato che il suo braccio destro è molto vicino alla testa della protagonista?

Non ti sembra un gesto molto simile al tradizionale Battesimo di Cristo?

In effetti se il Battesimo simboleggia l'attività di Cristo sulla terra, questa replica con Venere potrebbe alludere alla sua presenza come simbolo dell'amore nel regno terrestre.

C'è un'altra teoria di cui ti voglio parlare: c'è chi pensa che la Primavera e la Nascita di Venere siano 2 opere che nascondano al proprio interno diversi simboli che alludono al matrimonio ed alla fertilità, un po' come il ritratto dei coniugi Arnolfini di Jan Van Eyck, per capirci.

Nel quadro del pittore fiammingo ci sono un sacco di elementi simbolici che alludono ad un matrimonio di successo ed alla fertilità.

Pensa che ci sono alcuni critici che hanno ipotizzato che l'alloro presente tra i capelli della sacerdotessa (oltre che ai già citati alberi di alloro) potessero alludere al nome "Lorenzo", ma non ci sono abbastanza dettagli per capire se si tratta di Lorenzo il Magnifico o di suo cugino Lorenzo di Pierfrancesco.

Ma l'ambiente della scena è stato inventato di sana pianta oppure Botticelli si è ispirato a qualche altro lavoro?

L'artista si è ispirato agli Inni Omerici, pubblicati a Firenze nel 1488 dal greco Demetrios Chalkokondyles. In una di queste poesie si legge:

Di agosto con il respiro d'oro e bellissimo
ad Afrodite io canterò a cui appartiene il dominio
di tutto ciò che è nei mari amati,
a Cipro dove, spinta dal respiro umido
di Zefiro, venne portata dalle
onde del clamoroso mare che schiuma sulla terra soffice.
L'Horae vestita d'oro l'accolse felicemente
e la vestì con abiti paradisiaci.

Non trovi che questa poesia rispecchi perfettamente la scena dipinta da Botticelli?

VERSIONI ALTERNATIVE

Il successo del lavoro di Botticelli nascita di Venere è una cosa nota, ma forse non sai che addirittura lo stesso Sandro è rimasto affascinato dal suo dipinto.

Pensa che nel 1490 Botticelli (o gli allievi della sua bottega) ha dipinto una figura di Venere molto simile a quella rappresentata in questo lavoro, solo che nella variante più recente ha addosso una blusa leggera ed è in risalto perché alle sue spalle c'è uno sfondo del tutto scuro.

L'hai mai vista? Sai dove si trova?

È conservata nella Galleria Sabauda a Torino.

Ma le copie non finiscono qui. A Berlino ce ne è un'altra, mentre altre varianti sono andate distrutte a causa del Falò delle Vanità.

Ne hai mai sentito parlare?

Si tratta di un devastante incendio (volontario) in cui sono stati bruciati libri, opere e tanti altri oggetti considerati peccaminosi dal frate domenicano Girolamo Savonarola.

Questo grande falò è stato appiccato nel 1497, ma fortunatamente alcune delle copie della protagonista del lavoro di Botticelli si sono salvate e sono state studiate con attenzione da altri artisti.

Il successo della donna qui ritratta è stato talmente grande che lo stesso Sandro ha deciso di riutilizzarla anche in altre sue opere.

Dà un'occhiata al suo lavoro intitolato la Calunnia.

Notato niente di strano?

Guarda la donna nuda che sta sulla sinistra, non ti sembra che assomigli un po' troppo alla Venere ritratta nel suo quadro più famoso?

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La nascita di Venere di Sandro Botticelli: analisi

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Voglio farti conoscere un capolavoro che non ha bisogno di alcuna presentazione, dato che è conosciuto in tutto il mondo. L'artista che ha dipinto questa bellissima tela è vissuto in Italia alla fine del '400, e nella sua carriera di pittore ha dipinto quadri su quadri, tutti caratterizzati da protagonisti con capelli fluenti e che negli anni seguenti sarebbero diventati famosissimi.

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| Data: 1485 c.
| Museo: Gli Uffizi
| Collezione: Pittura
| Collocazione: Sala 10-14
| Tecnica: Tempera su tela
| Dimensioni: 172,5 x 278,5 cm
| Inventario: 1890 n. 878

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"Canterò la bella, veneranda Afrodite dall’aurea corona,
protettrice delle mura dell’intera Cipro circondata dal mare,
dove l’umido soffio di Zefiro la portò sull’onda del mare risonante,
tra la soffice spuma.
Le Ore dal diadema d’oro lietamente l’accolsero
e le fecero indossare vesti divine;
sul capo immortale posero una bella e lavorata corona d’oro
e ai lobi forati fiori di oricalco e oro prezioso;
adornarono il collo delicato e il petto fulgente con monili d’oro,
che le stesse Ore dall’aureo diadema indossano
quando si uniscono alla danza degli dei, nella dimora del padre.
E quando terminarono di adornare il suo corpo,
la condussero dagli immortali:
alla sua vista, essi le davano il benvenuto e levavano le mani in segno di saluto;
e ognuno desiderava farne sua legittima sposa e condurla alla propria casa,
ammirando l’aspetto di Citerea coronata di viole.
Salve, o dolcissima Dea dagli occhi brillanti:
concedimi la vittoria in questo agone e ispira il mio canto:
ed io canterò te e un altro canto."

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“Incantata dalla bellezza di Adone, non le importa più
delle spiagge di Citèra, non visita più Pafo, che sta in mezzo al mare, né la pescosa Cnido né Amatunte, ricca di metalli.
Sta anche lontana dal cielo: al cielo preferisce Adone.
Gli sta attaccata, non va che con lui, avvezza com’era a passare il tempo all’ombra e a curare la propria bellezza, accrescendola, gira per colli, per selve, tra rocce e cespugli spinosi, con la veste tirata su sopra il ginocchio come fa Diana”.

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"Aeneadum genetrix, hominum divumque voluptas,

alma Venus, caeli subter labentia signa

quae mare navigerum, quae terras frugiferentis

concelebras, per te quoniam genus omne animantum

concipitur visitque exortum lumina solis:

te, dea, te fugiunt venti, te nubila caeli

adventumque tuum, tibi suavis daedala tellus

summittit flores, tibi rident aequora ponti

placatumque nitet diffuso lumine caelum.

Nam simul ac species patefactast verna diei

et reserata viget genitabilis aura favoni,

aeriae primum volucres te, diva, tuumque

significant initum perculsae corda tua vi.

Inde ferae pecudes persultant pabula laeta

et rapidos tranant amnis: ita capta lepore

te sequitur cupide quo quamque inducere pergis.

Denique per maria ac montis fluviosque rapaces

frondiferasque domos avium camposque virentis

omnibus incutiens blandum per pectora amorem

efficis ut cupide generatim saecla propagent.

Quae quoniam rerum naturam sola gubernas

nec sine te quicquam dias in luminis oras

exoritur neque fit laetum neque amabile quicquam,

te sociam studeo scribendis versibus esse

quos ego de rerum natura pangere conor

Memmiadae nostro, quem tu, dea, tempore in omni

omnibus ornatum voluisti excellere rebus.

Quo magis aeternum da dictis, diva, leporem.

Effice ut interea fera moenera militiai

per maria ac terras omnis sopita quiescant.

Nam tu sola potes tranquilla pace iuvare

mortalis, quoniam belli fera moenera Mavors

armipotens regit, in gremium qui saepe tuum se

reicit aeterno devictus vulnere amoris,

atque ita suspiciens tereti cervice reposta

pascit amore avidos inhians in te, dea, visus,

eque tuo pendet resupini spiritus ore.

Hunc tu, diva, tuo recubantem corpore sancto

circumfusa super, suavis ex ore loquelas

funde petens placidam Romanis, incluta, pacem.

Nam neque nos agere hoc patriai tempore iniquo

possumus aequo animo nec Memmi clara propago

talibus in rebus communi desse saluti."

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A differenza di quanto si usava fare nella Firenze del suo tempo, e di quanto l’artista avesse fatto nella stessa Primavera - dipinto su tavola - Botticelli utilizzò per la sua Nascita di Venere, la tela, supporto impiegato nel Quattrocento per pitture decorative destinate alle residenze signorili. Furono cuciti tra loro due teli e in seguito venne aggiunta un'imprimitura a base di gesso tinto con un po' di blu, in modo da dare il particolare tono azzurrato all’intero dipinto. La pittura usa la tecnica della tempera magra. I colori vengono sciolti in colle animali e vegetali utilizzati come leganti. Questo espediente conferisce una straordinaria luminosità al dipinto, avvicinandolo molto alla resa dell'affresco. Il pittore ha fatto inoltre ricorso a un abbondante uso dell'oro, steso con due tecniche: a "pennello", come nei capelli di Venere, e a "missione", cioè con l'aggiunta di mordente, sui tronchi e sulle foglie.

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“Venne il grande Urano, portando con sé la notte; desideroso d’amore, si coricò su Gaia e si stese su lei coprendola. E suo figlio dal luogo d’imboscata distese la mano sinistra e con la destra afferrò la falce mostruosa, lunga e dal dente affilato, e ratto tagliò i genitali di suo padre, gettandoseli dietro perché venissero portati via. Essi non volarono via dalla sua mano invano, perché tutte le gocce sanguinose vennero accolte da Gaia, che col volgere delle stagioni diede alla luce le impetuose Furie e i grandi giganti dall’armatura lucente e con le lance in mano, e le Ninfe che chiamano Ninfe dei frassini sulla terra sterminata. I genitali, una volta tagliatili con l’adamante, li gettò via dalla terra nell’abisso turbolento; e così traversarono il mare per lungo tratto, e bianca spuma si levò dalla carne immortale. In essa prese vita una fanciulla, che prima si appressò alla sacra Citerea, poi a Cipro cinta dal mare […]”

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"Né mai le chiome del giardino eterno
tenera brina o fresca neve imbianca;
ivi non osa entrar ghiacciato verno,
non vento o l’erbe o li arbuscelli stanca;
ivi non volgon gli anni il lor quaderno,
ma lieta Primavera mai non manca,
ch’e suoi crin biondi e crespi all’aura spiega,
e mille fiori in ghirlandetta lega. (72)

Con tal milizia e tuoi figli accompagna
Venere bella, madre delli Amori.
Zefiro il prato di rugiada bagna,
spargendolo di mille vaghi odori:
ovunque vola, veste la campagna
di rose, gigli, violette e fiori;
l’erba di sue belleze ha maraviglia:
bianca, cilestra, pallida e vermiglia.(77)"

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"Tutti sappiamo che non c’è Afrodite senza Amore. Ora, se ci fosse una sola Afrodite, unico sarebbe Amore; ma dal momento che ve ne sono due, ne consegue che vi sono anche due Amori. E come potrebbero non essere due, le dee? Una è più antica e non ha madre, in quanto figlia del Cielo, ed è quella che chiamiamo [Afrodite] Celeste [o Urania]; l’altra è più recente ed è figlia di Zeus e di Dione, ed è quella che chiamiamo Pandemia [Popolare]. Ne consegue che anche l’Amore complice di quest’ultima sia correttamente detto Popolare, per distinguerlo dall’altro Celeste. […] E così, dunque, l’atto di amare e Amore stesso non è ovunque e comunque bello e degno di essere elogiato, ma solo quello che ama osservando la bellezza."

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Venere è la bellezza spirituale (simulacrum spiritualis): l’armonia del disegno, la grazia delle linee, lo sguardo interiore e incomunicabile della dea, la purezza e semplicità della sua nudità, la gestualità classica la rendono immagine perfetta, astratta e assoluta. In una luce rarefatta che si diffonde uniformemente su tutte le forme e superfici (“la luce è estesa per uno spazio infinito che riempie tutto con la sua onnipresenza”, afferma Ficino), la dea mostra affinità con la platonica Venere Celeste (Venus coelestis), che appartiene a una sfera immateriale e la cui bellezza è lo splendore primario ed universale della divinità. Nel commento del Filebo di Platone, Marsilio Ficino, esponente del neoplatonismo, interpreta il mito della nascita della dea come la nascita della bellezza, simbolo del divino: non appena l’anima è stata così resa fertile, crea entro di sé la Bellezza con un moto ascendente di conversione verso le cose sopraintellegibili mentre con un moto discendente dà origine al fascino delle cose sensibili nella materia. Questo convertirsi nella bellezza e la sua nascita dall’anima si chiama Venere.

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Mostra tutti gli articoli di lartedeipazzi

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Tutti sappiamo che non c’è Afrodite senza Amore. Ora, se ci fosse una sola Afrodite, unico sarebbe Amore; ma dal momento che ve ne sono due, ne consegue che vi sono anche due Amori. E come po…

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ArtandtheCities - Storia dell'arte e viaggi

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La donna più bella nell'arte? NASCITA di VENERE di Sandro Botticelli [ANALISI]

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Questo dipinto raffigura l'arrivo di Venere, dea romana dell'amore, della bellezza e della fertilità, sull'isola di Cipro. Tutt'intorno a lei ci sono segni della primavera, che è un periodo di nuovi inizi e di rinascita. La Venere di Botticelli incarna l'ideale rinascimentale della bellezza. E quello che la rende così affascinante è sicuramente la sua posa e la sua posizione a destra al centro della composizione perfettamente bilanciata.

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La figura femminile a destra di Venere è generalmente identificata come Flora, la dea dei fiori, che sembra essere vestita in maniera molto simile alla Primavera di Botticelli, o con una delle 3 Horae, sacerdotesse legata alla divinità minore delle stagioni ed a Venere.

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Alla sinistra di Venere ci sono altri due personaggi. Una è la personificazione del vento di ponente, il dio greco alato Zefiro che porta soffiando movimento alla scena. Le sue guance sono gonfie e mentre soffia il mare si increspa e le onde portano Venere verso la riva.

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Secondo alcune interpretazioni Flora sta dirigendo il suo braccio verso Venere come per effettuare il “Battesimo” della divinità stessa. In effetti se il Battesimo simboleggia l’attività di Cristo sulla terra, questa replica con Venere potrebbe alludere alla sua presenza come simbolo dell’amore nel regno terrestre.

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La Nascita di Venere da sempre incuriosisce i critici d’arte ed il pubblico indistinto. Uno dei motivi di questa sfrenata curiosità risiede nel tentativo d’interpretare quale personaggio femminile possa aver posato per il pittore, donando ai posteri l’immortale bellezza. Molti ritengono d’aver trovato in Simonetta Vespucci la ragazza che fece perdere la testa alla Firenze rinascimentale. Nell’aprile del 1469, quando aveva appena sedici anni, sposò il giovanissimo Marco Vespucci. Dopo il matrimonio, la coppia si stabilì a Firenze, città dei Vespucci.

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L’arrivo degli sposi coincise con l’assunzione di Lorenzo il Magnifico a capo della Repubblica. Si susseguirono brevi anni di feste e ricevimenti in una vita sontuosa di cui la corte medicea era il centro. L’apice si raggiunse con il \”Torneo di Giuliano\”, un torneo cavalleresco svoltosi in Piazza Santa Croce nel 1475. Qui Giuliano de’ Medici, secondo quanto immortalato dal poemetto Stanze per la giostra di Giuliano de’ Medici di Agnolo Poliziano, vi vinse un ritratto di Simonetta, messo in palio. Simonetta fu la trionfatrice e fu proclamata \”regina del torneo\”. La sua grazia aveva ormai conquistato tutti a Firenze, in primis Giuliano che divenne il suo amante. Circa un anno dopo il trionfo nel Torneo di Giuliano, del 1475, morì a causa della tisi, o della pesta. Gli occhi si chiusero a soli ventitré anni, creando dolore nella Firenze rinascimentale.

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Lorenzo il Magnifico dedicò alla ragazza un sonetto dove l’immagina salita in cielo ad arricchire il firmamento. Simonetta, in breve tempo, divenne la personificazione del concetto di bellezza. Simonetta rappresentò la musa ispiratrice anche dei pittori fiorentini? In questo caso le certezze svaniscono

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Simonetta Vespucci come Cleopatra di Piero di Cosimo

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Simonetta Vespucci come Cleopatra di Piero di Cosimo

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Accantonando Botticelli, esistono opere di altri artisti che ritraggono Simonetta Vespucci? La più celebre è il Ritratto di Simonetta Vespucci come Cleopatra di Piero di Cosimo, nato nel 1462. Quando la ragazza morì, nel 1475, Piero aveva appena 13 anni. Si potrebbe pensare che l’opera sia un omaggio postumo alla bellezza della ragazza? Concludendo, quale può essere la verità circa Simonetta Vespucci nelle vesti della Venere di Botticelli? Non esiste un solo documento che provi che Simonetta abbia posato per Botticelli.

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Probabilmente Botticelli prende ispirazione da una copia romana della Venere di Cnido, opera dello scultore greco Prassitele, che faceva parte della collezione Medicea. Questo elemento va ad avvalorare le ipotesi che attribuiscono ad i Medici la committenza dell’opera di Botticelli.

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Abbracciata a Zefiro c’è una donna, probabilmente Clori, una ninfa mortale rapita da Zefiro per essere la sua amante e sposa, complementare alla stessa Flora, mentre secondo Giorgio Vasari dovrebbe trattarsi di Aura, la personificazione di una leggera brezza.

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Il blu dei fiordalisi presenti sul vestito di Flora deriva dal blu oltremare, pigmento ricavato a partire dai lapislazzuli, una pietra particolarmente pregiata che va a sottolineare la ricchezza dei committenti.