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https://www.youtube.com/watch?v=RuJ2ombRfHk

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Peut-on, sans scandale, être à la fois femme et artiste dans la société strictement codifiée du Second Empire ? Peut-on se frotter impunément à la bohème artistique et mener de front la vie brillante d'une aristocrate au lignage impeccable, fêtée à la cour ? Idéaliste, animée d'une fougue toute romantique, Adèle d'Affry, duchesse de Castiglione Colonna (1836-1879) mena de front ces deux vies et d'autres encore. Née dans une famille patricienne de Fribourg, elle épouse en 1856 Carlo Colonna, duc de Castiglione-Altibrandi qui meurt peu après. Installée à Paris à la fin des années 1850, elle fréquente l'élite artistique et littéraire. Reçue à la cour, elle devient l'amie de l'impératrice Eugénie. Liée à Berthe Morisot, elle refuse que Manet, qu'elle admire, fasse son portrait, jugeant imprudent d'ajouter un scandale à sa propre carrière hors norme. Nombreux furent les hommes, de Carpeaux à Thiers, qui demandèrent en mariage la flamboyante duchesse. Affaiblie par la tuberculose, elle meurt à 43 ans. Elle est enterrée, selon son souhait, dans une robe de Worth. Cette carrière météorique fut bordée de plus d'épines que de roses. Pour exposer incognito, et ne pas susciter les sarcasmes que son sexe et son rang risquaient de lui attirer, elle avait pris le pseudonyme de Marcello, en hommage au compositeur vénitien du XVIIIe siècle. Peine perdue ! Refusant de la juger sur son œuvre, les critiques et certains artistes la virent en riche femme du monde s'adonnant à un passe-temps. Elle ôtait le pain de la bouche des artistes professionnels ; elle pouvait, pensaient-ils, payer rubis sur l'ongle les plus beaux blocs de marbre quand les " vrais " artistes n'exposaient que des plâtres. On lui reprocha de faire tailler ses marbres par des praticiens, alors que c'était l'usage général. Ils ignoraient que, telle une simple bourgeoise, elle hésitait avant d'acheter une nouvelle toilette, et devait louer un fiacre pour aller aux Tuileries, faute de posséder voiture et chevaux. Car la famille Colonna avait refusé de lui verser son douaire : Carlo était mort avant de signer le contrat de mariage... Quant à la haute société, elle s'effarouchait de sa carrière, de ses amitiés artistiques, de sa liberté de ton et de costume, sans parler de ses accointances avec les révolutionnaires espagnols. Comble d'infortune, une autre Castiglione défraya la chronique du règne : la pulpeuse Virginia Oldoini, comtesse de Castiglione, émissaire de charme du gouvernement italien auprès de Napoléon III. L'indélicate faisait envoyer ses factures à la duchesse. La liaison de l'empereur avec la comtesse incita l'impératrice Eugénie à ne plus appeler son amie que duchesse Colonna...
Femmes fatales
Pour rendre justice à Marcello, il faut oublier la trop captivante biographie de cette héroïne pour contempler l'œuvre et retracer la carrière. Le Palais de Compiègne nous en offre une superbe occasion, avec cette exposition présentant 70 sculptures, peintures et dessins, et une exceptionnelle série de photographies d'époque. À l'âge de quatorze ans, Adèle avait formé le " vœu imprudent " d'être artiste. Autre imprudence, elle choisit le plus rude des métiers, le moins " féminin ", la sculpture. Veuve à vingt ans, elle modèle le portrait posthume de son époux, Carlo Colonna. Ses premières œuvres sont marquées par l'enseignement de son maître, le Suisse Heinrich Max Imhof. Auprès de ce disciple de Thorwaldsen, adepte d'un néoclassicisme élégant, elle oublie momentanément son seul vrai dieu avec Delacroix : Michel-Ange. Mais elle acquiert les solides rudiments du métier. Elle parfait son éducation artistique à Paris. Non pas à l'École des Beaux-Arts dont les ateliers sont bien sûr fermés aux femmes (il était hors de question de les confronter à l'étude du modèle nu !), mais auprès d'Auguste Clésinger. De celui-ci, Baudelaire écrira en 1859 : " Vice pour vice, je pense comme lui que l'excès en tout vaut mieux que la mesquinerie " Un commentaire qui s'applique parfaitement à notre duchesse et à ses œuvres. On se rapprochait de Michel-Ange ! Sur les conseils de Clésinger, elle suit des cours de dissection, déguisée en homme. Marcello est né ! Le masculin sied à celle qui se dit " fille de Guillaume Tell " et se rêve en guerrier suisse des temps héroïques. Exposé au Salon de 1863, le buste en marbre de Bianca Capello, flamboyante héroïne de la Renaissance, est un coup de maître et un immense succès. C'est " une de ces femmes fatales à qui rien ne résiste ", écrit Théophile Gautier, bon connaisseur en la matière. On se demande si le commentaire ne s'adresse pas davantage à l'artiste qu'à son modèle. La jeune femme maîtrise parfaitement le style noble et viril de la grande sculpture du temps. Elle poursuit dans cette veine avec d'autres " femmes fortes ", telle La Gorgone aux cheveux tressés de serpents. Marcello possède non seulement une bonne connaissance de l'anatomie, mais aussi l'expérience de la taille directe du marbre, péniblement apprise. Elle est ainsi particulièrement apte à diriger les praticiens qui traduisent ses œuvres en marbre. Un séjour à Rome, dans la proximité des artistes de la Villa Médicis, un autre à Madrid, marquent une spectaculaire évolution de son art, soudain dégagé de la grandiloquence académique. Dans l'exposition, ce virage radical est astucieusement marqué par la couleur des salles. Au rouge saturé évoquant l'art officiel et les salons, succède un vert inspiré. " Je ne veux plus des Grecs ", écrit-elle sans ambages. Posé par un authentique bandit romain, le Buste du Chef Abyssin campe un personnage farouche, au visage buriné, parent des guerriers peints par Delacroix. Perchée sur son trépied, La Pythie (1869) est un chef-d'œuvre maniériste, tourmenté par un feu intérieur. On en voit ici une réduction en bronze et un superbe buste en marbre qui appartint au couturier Worth. Acheté par l'État, le grand bronze est choisi par Charles Garnier pour son nouvel Opéra. Bel hommage ! Les amateurs savent que l'œuvre n'a pas quitté son emplacement d'origine, dans la grotte ornementale abritée sous la première volée de marches du grand escalier. On songe à Carpeaux devant le Buste du général Milans del Bosch y Mauri, auteur du putsch contre la reine d'Espagne Isabelle II. La matière est pressée dans une ferveur expressionniste qui creuse les ombres. Ce seul buste suffit à classer Marcello parmi les vrais sculpteurs de son temps. Excellente portraitiste, Adèle se montre au sommet de cet art dans ses bustes de Carpeaux, génie tourmenté, d'Adolphe Thiers, confondant de naturel, de la baronne de Keffenbrinck ou de la marquise de Tallenay. Elle offrira le masque de cette dernière à son ami Courbet (musée d'Orsay). Elle n'hésitait pas à faire revenir son modèle à l'atelier lors de l'exécution du marbre et à fournir aux praticiens des éléments de costume et des rubans, pour plus de véracité. L'exposition présente également des sculptures plus anecdotiques comme cette spirituelle effigie de Franz Liszt ou cette Rosina mutine, échappée du Barbier de Séville. Déconcertants, ses bustes historiques de Marie-Antoinette à Versailles et Marie-Antoinette au Temple, étranges hybrides de musée Grévin et de sculpture funéraire, intéresseront les historiens du goût. Le vigoureux Portrait de Berthe Morisot (1875) peint à l'huile ouvre une voie nouvelle. Ses forces déclinant, Adèle avait en effet décidé de délaisser la sculpture pour la peinture. " Son caractère impatient s'irritait de la longueur des procédés [du sculpteur], écrit Laure Chabanne, commissaire de l'exposition. Sa santé s'épuisait dans sa lutte contre la matière. Sa sensibilité ardente, parfois très directement exprimée par le modelage, se glaçait dans le marbre. Elle comparait les sculpteurs à des " pingouins sans pattes et sans ailes " tandis que les peintres pouvaient voler au gré de leur inspiration. "
Trois musées et une fondation
Après " Carrier-Belleuse, le maître de Rodin " en 2014, le musée de Compiègne offre une nouvelle et fascinante facette de la sculpture de la seconde moitié du XIXe siècle, continent encore largement sous-estimé. Riche de tant de souvenirs du Second Empire, le palais où la duchesse de Castiglione séjourna avec la cour à plusieurs reprises est le cadre idéal pour évoquer sa carrière. On y trouvera également un remarquable accrochage d'œuvres du peintre Thomas Couture, son contemporain, proche lui aussi du couple impérial avant sa terrible brouille avec Napoléon III. Une présentation de vases de Sèvres monumentaux sortis des réserves pour l'occasion, évoque par ailleurs le luxe des grands appartements lors des séjours de la cour impériale. L'exposition " Marcello " est le fruit d'une collaboration internationale. Par chance, la famille de l'artiste a pieusement conservé son fonds d'atelier à Givisiez, près de Fribourg, aujourd'hui administré par une fondation. " Après la mort de la duchesse Colonna, le château d'Affry s'est transmis de mère en fille pendant cinq générations, sans changements notables, explique l'historienne Monique von Wistinghausen, descendante de la sœur de l'artiste et présidente de la Fondation Marcello. Les deux ailes qu'elle avait ajoutées à la bâtisse d'origine, l'une destinée à son atelier, l'autre aux grands portraits des rois de France offerts à son ancêtre, colonel des Gardes Suisses, sont restées intactes. La Fondation Marcello est née au début des années 1960 du constat que, de par son importance historique et artistique, ce patrimoine ne pouvait se contenter d'une gestion purement familiale. Cette demeure reste une maison de famille, non un musée. Cependant, depuis 25 ans, nous pratiquons une politique d'ouverture, notamment en faveur des enfants des écoles locales et des chercheurs. Pour mieux répondre aux demandes de ces derniers, nous avons mis en dépôt aux Archives de l'État de Fribourg la volumineuse correspondance de la duchesse Colonna. Grâce à l'inventaire détaillé de ce fonds qui a été mené par l'équipe des Archives, elles sont désormais aisément accessibles, sur simple demande. " Faire connaître l'œuvre dans les années 50 et 60, alors que la sculpture du XIXe siècle était largement ignorée, voire méprisée, n'était pas une mince affaire : " Auparavant, nous devions promouvoir l'artiste, poursuit Monique von Wistinghausen, maintenant ce sont les musées qui viennent à nous. Une première exposition, de taille modeste, a eu lieu à Fribourg dès 1959. Une exposition plus importante a été organisée à Fribourg et au musée Rodin en 1980. Mais elle n'avait pas l'ampleur de l'exposition actuellement présentée à Compiègne. " Ajoutons qu'une fois par an, dans le cadre d'une " journée Marcello ", l'atelier de l'artiste au château d'Affry ouvre ses portes au public pour une visite organisée avec le musée d'Art et d'Histoire de Fribourg. L'exposition actuelle, qui présente la carrière parisienne de l'artiste, est le fruit d'une vaste " opération Marcello " impliquant, outre la Fondation et le Palais de Compiègne, trois institutions suisses : le musée d'Art et d'Histoire de Fribourg, dépositaire d'un important legs de l'artiste, le Museo Vincenzo Vela de Ligornetto, aménagé dans la maison du grand sculpteur tessinois, et le musée des Suisses dans le Monde à Pregny-Chambésy. " Nous avons initié le projet Marcello dès 2003, déclare Anselm Zurfluh, directeur de ce dernier musée où prendra place l'ultime des quatre étapes de la redécouverte du sculpteur. Nous avons déjà publié plusieurs ouvrages sur Marcello, dont un volume de correspondance publié à Paris avec la Fondation Custodia. Le projet a rapidement pris de l'ampleur grâce au musée d'Art et d'Histoire de Fribourg. " À Genève, la présentation de l'œuvre se doublera d'une évocation de la femme et de son cercle international d'amis et de relations, entre bohème et haute société. À Compiègne, l'idée de présenter l'œuvre du sculpteur était dans l'air depuis longtemps. Cette constellation de bonnes volontés, de savoir et d'appétit de découverte a abouti à cet heureux paradoxe : inconnue hier, Marcello bénéficie en 2015-2016 d'une visibilité que des artistes plus fermement établis dans la postérité pourraient lui envier. Ajoutons à cela les publications en cours par les universités de Fribourg et de Neuchâtel, des archives manuscrites de la duchesse. La volumineuse correspondance de celle qui tenta de concilier son admiration pour Napoléon III et son amitié pour Thiers livre un témoignage exceptionnel, tant sur la vie artistique et intellectuelle des années 1850-1870 que sur le destin exceptionnel d'une femme écartelée entre une brillante position sociale et une sensibilité artistique exacerbée. Les œuvres et les documents présentés au Palais de Compiègne reflètent parfaitement cette dualité. Mais surtout, elle rend justice à une expression plastique singulière, née des derniers feux du romantisme.
Voir en tête d'article le film de Stéphane Sapin, Marcello, l'artiste duchesse, production Constellation Equinoxe, durée 1h35.
- Le catalogue " Marcello. Adèle d'Affry (1836-1879), duchesse de Castiglione Colonna ", sous la dir. de Gianna A. Mina, Ed. 5 Continents, 192 pp., 135 ill., 35 €.

- La double vie de la duchesse Colonna, par Ghislain de Diesbach (1988), biographie rééditée cette année aux Ed. de Penthes/Musée des Suisses dans le monde, 422 pp.

- Marcello, sculpteur, une intellectuelle dans l'ombre, correspondance entre la duchesse Castiglione Colonna dite Marcello et le père Gratry, oratorien dans la collection Frits Lugt, par Christian Dotal, Fondation Custodia (avec le partenariat du Musée des Suisses dans le monde et les Ed. Infolio), 2008, 142 pp., 23 € env.

- Une sculptrice à l'œuvre. Correspondance I et Du Salon au musée. Correspondance II, sous la dir. de Pascal Griener et Pamella Guerdat, Archives de la Société d'histoire du canton de Fribourg, 2015, 440 pp. et 380 pp. env., CHF 45 chaque volume (35 € env.).

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Les dons d'Adèle à Compiègne | Connaissance des Arts

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Peut-on, sans scandale, être à la fois femme et artiste dans la société strictement codifiée du Second Empire ? Peut-on se frotter impunément à la bohème artistique et mener de front la vie brillante d'une aristocrate au lignage impeccable, fêtée à la cour ?

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RMN Grand Palais Dossier pédagogique Vigée le Brun

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RMN Grand Palais Dossier pédagogique Vigée le Brun

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Académie de Strasbourg Histoire de l'art- Charlotte Perriand

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Académie de Strasbourg Histoire de l'art- Charlotte Perriand

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Strasbourg Académie Histoire de l'art- Tina Modotti

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Strasbourg Académie Histoire de l'art- Tina Modotti

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L'histoire de Louise Bourgeois

Petites histoires de grandes artistes

Petites histoires de grandes artistes est un projet original de vidéos d'animation ludiques et éducatives, destinées aux enfants à partir de 7 ans ainsi qu'aux plus grands.

L'objectif de chaque épisode ? Faire découvrir en 3 min environ la vie et l'œuvre d'une artiste femme du XIX e ou XX e siècle. Imaginé par la scénariste Sophie Caron, chaque récit transmet l'originalité d'une démarche, son importance au sein d'un courant artistique, certains épisodes biographiques déterminants ainsi que les difficultés que l'artiste aura pu rencontrer dans l'exercice de sa pratique.

Dans un paysage où les publications sur l'art pour enfants et les animations jeunesse font la part belle aux artistes hommes, ce projet inédit et sans équivalent entend offrir des figures d'identification aux plus jeunes, au‑delà de tous stéréotypes de genre. Et au travers de la découverte de ces femmes artistes, c'est bien à la découverte de l'émotion que peut procurer l'art, que nous espérons convier le plus grand nombre.

Ce nouvel épisode des Petites histoires de grandes artistes nous fait voyager entre les États-Unis et la France à la rencontre de la célèbre artiste Louise Bourgeois. Échappant à toute classification, l'artiste a construit une œuvre polymorphe, profondément nouvelle mais reconnue que tardivement. Elle est enracinée dans son vécu.

" Tous mes sujets trouvent leur source dans mon enfance. Mon enfance n'a jamais perdu de sa magie, elle n'a jamais perdu de son mystère, ni son drame ". Louise Bourgeois traverse les mouvements mais reste autonome, aborde des sujets difficiles, souvent intimes, et que peu de femmes n'ont jamais abordés avant elle. Cette pionnière avance sans peur. C'est aussi une femme espiègle, amusante, souvent provocante !

Chaque épisode de la saison 2 est accompagné d'un dossier pédagogique à destination des enseignant·e·s du cycle 2, 3 et 4.

Un projet produit par AWARE et rendu possible grâce au soutien de la Délégation à la transmission, aux territoires et à la démocratie culturelle du ministère de la Culture et d'ENGIE.

Coordination : Mathilde de Croix avec l'équipe d'AWARE
Scenario et conception : Sophie Caron
Illustration et animation : Louise Nelson
Post-production : Waya Productions
Montage : Maggali Baraban
Voix : Melha Mammeri Bossard.

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L'histoire de Louise Bourgeois - AWARE Women artists / Femmes artistes

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Petites histoires de grandes artistes est un projet original de vidéos d'animation ludiques et éducatives, destinées aux enfants à partir de 7 ans ainsi qu'aux plus grands. L'objectif de chaque épisode ? Faire découvrir en 3 min environ la vie et l'œuvre d'une artiste femme du XIXe ou...

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artiste femme - Magazine Artsper - Page 2 sur 2

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Les best sellers d'Artsper

Vous ne la connaissez pas encore ou vous souhaitez la découvrir, voici 10 choses à savoir pour comprendre Cindy Sherman. Née en 1954, elle est aujourd'hui une photographe mondialement connue. Mise en scène et dénonciation des stéréotypes modèlent l'oeuvre de l'artiste.

1. Elle a commencé par la peinture

Elle rentre au college de Buffalo pour étudier l'art en 1972. Rapidement, elle trouve la peinture trop limitée. Elle ne se retrouve pas dans cette technique trop traditionnelle et tente d'autres approches. En 1977, elle décide de passer à la photographie et réalise sa première série de photos - Untitled A-E. Ses photographies en noir et blanc représentent une série d'autoportraits critiques de l'american way of life. On y voit Sherman déguisée selon les différents stéréotypes de la femme américaine (la femme d'affaires, la mère au foyer, la séductrice...).

2. La mise en scène est au coeur de son travail

La deuxième chose à savoir est que le travail de Cindy Sherman est fondé sur la mise en scène. Maîtrisant parfaitement l'art de la métamorphose, le spectateur la retrouve d'un cliché à l'autre dans un décors ou une thématique différente. Grâce à du maquillage, aux perruques ou encore à des costumes, elle nous apparaît complètement changée. Dans la série [History Portraits/Old Masters] elle va même jusqu'à porter des prothèses pour reproduire les corps de madones.

3. Une personne pour des centaines de visages

On n'est jamais mieux servi que par soi-même ! C'est bien un principe qu'applique Cindy Sherman. Effectivement, la très grande majorité de ses photos sont des autoportraits. Néanmoins, grâce à ses mises en scène, on redécouvre sans cesse l'artiste. De la forme de ses joues à la couleur de ses yeux, elle ne laisse rien au hasard. Le processus de transformation étant poussé à son paroxysme, le public a presque la dérangeante impression d'être confronté à quelqu'un d'autre.

4. Elle est une photographe engagée

Bien qu'elle ne se considère pas comme telle, son travail est souvent qualifié de féministe. Une importante part du travail de Cindy Sherman est la dénonciation des clichés féminins. En posant et en se photographiant dans telle ou telle situation misogyne, elle pose le doigt sur le problème. Le spectateur est directement confronté aux stéréotypes et ne peut que réagir. Son but étant de faire que le public se reconnaisse dans une situation et prenne conscience du sexisme qu'elle engendre.

Plusieurs séries traitent directement de ces problématiques. Dans [Sex Pictures], Sherman photographie des poupées gonflables dans des positions érotiques pour dénoncer la sexualisation constante de la femme dans les médias. Ici ce n'est pas par identification mais plutôt par répulsion qu'elle touche le visiteur. Il en est de même dans [Centerfolds/Horizontals] où cette fois elle réadapte les stéréotypes de la culture populaire américaine. Son travail mène donc à la réflexion.

5. Elle appartient au mouvement de l'art conceptuel

L'art conceptuel est un mouvement apparu dans les pays anglo-saxons dans les années 1960. Il place les idées que véhiculent une oeuvre devant son aspect esthétique. Il y a donc une volonté d'arrêter de faire du beau pour aller vers un art "plus intéressant". Parmi les travaux sur l'art conceptuel, nous comptons ceux de Duchamps avec le ready made ou les oeuvres de Sol LeWitt. Le travail de Sherman correspond au précepte du courant. Ainsi elle se focalise plus sur le message (féminisme, dénonciation...) pour amener à la réflexion plutôt que la beauté. Elle essaie d'être au plus proche de la réalité plutôt que de l'embellir.

6. Son travail s'articule en série

Une des particularités de Sherman est qu'elle travaille par série. Se focaliser sur une thématique lui permet d'en explorer toutes les facettes. Des séries B dans [Untitled Film Stills] aux [History Portraits/Old Masters], la photographe balaye un grand nombre de thématiques.

Une de ses séries les plus célèbres est "Clowns (2003-2004)". Elle fait ressentir le paradoxe entre une première approche festive (clowns, les couleurs) et une tristesse mélancolique.

Les séries permettent aussi à l'artiste de créer une narration, avec des personnages récurrents notamment dans [Pink Robes] de 1981/1982. On retrouve énormément de travail en série chez les artistes de l'art conceptuel.

7. Ses oeuvres battent des records de prix

3,89 millions de dollars ! C'est le prix de la très connue "Untitled #96 (1981)". La photo a été vendue chez Christie's en 2011. Elle fait parti des photographies les plus chères du monde au côté des clichés de Phantom de Peter Lik ou Rhein II (1999) d'Andreas Gursky.

Une autre édition de cette photographie avait déjà été vendue plusieurs millions en 2010. Un exploit car la photographie est souvent moins bien évaluée que les autres arts. L'univers militant de Sherman séduit toujours les collectionneurs.

8. Cindy Sherman a collaboré avec de nombreuses marques

Balenciaga, MAC, la photographe n'hésite pas à faire des collaborations étonnantes. On pourrait croire au premier abord que poser dans les campagnes publicitaires de luxe ou cosmétique est en désaccord avec le travail de l'artiste. En effet, la publicité est souvent vue comme véhiculant les stéréotypes.

En réalité, Sherman va à contrepieds de la démarche habituelle pour étonner... et séduire. En 2007, pour Balenciaga, l'artiste se déguise en de mannequins d'âge moyen prise en photo sur le vif. Les clichés dérangent le monde de la mode. Idem en 2011 pour MAC, elle crée trois personnages qu'elle ne cherche pas à embellir. Au contraire, elle joue plutôt du malaise. On est bien loin des créatures longilignes aux traits fins des magazines traditionnels. Bonne opération marketing ou coup de génie artistique ?

Une artiste reconnue mondialement certes mais peu de rétrospectives ont été organisées dans le monde. La majorité des expositions consacrées étaient à l'étranger, comme au MoMA en 2012. Hormis une exposition au jeu de Paume en 2006, les français n'ont pas eu l'occasion de voir ses oeuvres. Heureusement, la Fondation Louis Vuitton a décidé de réparer cette erreur en programmant du 2 avril au 31 août une exposition sur Cindy Sherman. On espère que cette exposition aura lieu après la réouverture des musées. Ce sera la plus grande organisée en Europe des 10 dernières années. Cet événement est très largement attendu puisque plus de 170 oeuvres issues de toutes ses séries seront disponibles. De plus, la période couverte s'étend de 1975 à 2020, il y aura donc de nombreuses photos récentes et inédites. Une chose est sûre, après cette exposition vous allez tout savoir sur Cindy Sherman.

10. Découvrez les photos de Sherman sur instagram

Vous trépignez déjà à l'idée de voir l'exposition ? En attendant vous pouvez découvrir son compte instagram. C'est une des bonnes choses à savoir car Cindy Sherman est très active sur les réseaux sociaux. Cette fois c'est avec selfie - l'autoportrait 2.0 - qu'elle revient. Fidèle à elle même, elle alimente son compte par des photos inédites où elle se met en scène. Elle réussit à s'approprier les codes du réseau social pour mieux les critiquer. Acerbe ou drôle, l'artiste de 65 ans n'a pas perdu de sa créativité.

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10 choses à savoir sur Cindy Sherman - Magazine Artsper

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La photographe américaine a marqué le monde artistique avec ses autoportraits, découvrez les 10 choses à savoir sur Cindy Sherman.

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LE 61e SALON de l’Union des femmes peintres

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Le Monde.fr - 1er site d’information sur l’actualité. Retrouvez ici une archive du 26 janvier 1945 sur le sujet LE 61e SALON de l’Union des femmes peintres

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23 oct. 2021 - Rien que pour Elles parce qu'Elles le valent bien !. Voir plus d'idées sur le thème femme artiste, artiste, femme.

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Atelier Conseil pour Artistes depuis 2009

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Après le succès inouï de l'article sur les "50 femmes artistes dans leur atelier" qui mettait uniquement en lumière des femmes artistes peintres regrettées et disparues, je me devais de publier une suite bien plus réjouissante. Cette fois-ci, je préfère partager un article coloré plein d'énergie et de vie.

Femmes artistes contemporaines

Voici donc aujourd'hui ma revue consacrée aux femmes artistes contemporaines les plus actives sur la scène internationale artistique. Des personnes qui travaillent encore et toujours. Des femmes artistes peintres bien VIVANTES en 2016 !

Elles sont peintres, plasticiennes, sculptrices, photographes, performeuses ...

Des femmes créatives débordantes d'idées, de vitalité et de charme. Ces artistes ont su se faire un nom auprès des galeries, des musées, des fondations. Les plus grands collectionneurs les suivent et leurs actualités sont très médiatisées. Je tiens à mettre en lumière leurs carrières artistiques exemplaires.

Contemporary Art : 60 female artists & active

After the success of the post about "50 female artists in their studio" which highlighted missing and regretted women artists, I had to publish a second post, full of effervescence, energy and life. Here, today, you'll find a focus on most active artists women within the international artistic scene.

They are painters, visual artists, sculptors, photographers, performers, creative women full of ideas, vitality and charm. We can find their artworks in galleries, museums or foundations. The Greatest art collectors and Press follow their news and I wanted to publish their exemplary artistic careers.

60/ Sarah Maple - 1986

59/ Cristine Guinamand - 1974

58/ Wangechi Mutu - 1972

57/ julie mehretu - 1970

56/ Jenny saville - 1970

55/ Liza Lou - 1969

54/ Cecily Brown - 1969

53/ Kara Walker - 1969

52/ Liliane Tomasko - 1967

51/ Tomma Abts - 1967

50/ Tacita Dean - 1965

49/ Janine Antoni - 1964

48/ Fiona Rae - 1963

47/ Tracey Emin - 1963

46/ Ghada Amer - 1963

45/ Rachel Whiteread - 1963

44/ Lisa Yuskavage - 1962

43/ Pipilotti Rist - 1962

42/ Fabienne Verdier - 1962

41/ Catherine Opie - 1961

40/ Beatriz milhazes - 1960

39/ Celia Paul - 1959

38/ Shirin Neshat - 1957

37/ Cady Noland - 1956

36/ Julie Heffernan - 1956

35/ Sylvie Koechlin - 1956

34/ Lydie Arickx - 1954

33/ Kiki Smith - 1954

32/ Cindy Sherman - 1954

31/ Nan Goldin - 1953

30/ Sophie Calle - 1953

29/ Marlene Dumas - 1953

28/ Mona Hatoum - 1952

27/ Bettina Rheims - 1952

26/ Jenny Holzer -1950

25/ Edith Vonnegut - 1949

24/ Sophie Ristelhueber - 1949

23/ Adrian Piper - 1948

22/ Isa Genzken - 1948

21/ Orlan - 1947

20/ Barbara Kruger - 1945

19/ Rebecca Horn - 1944

18/ Faith Wilding - 1943

17/ Annette Messager - 1943

16/ Clara Halter - 1942

15/ Ksenia Milicevic - 1942

14/ Lynda Benglis - 1941

13/ Elizabeth Murray - 1940

12/ Vija Celmins - 1938

11/ Paula REGO - 1935

10/ Rose Wylie - 1934

9/ Lee Bontecou - 1931

8/ Bridget Riley - 1931

7/ Faith Ringgold - 1930

6/ Ode Bertrand - 1930

5/ Yayoi Kusama - 1929

4/ Rita Letendre - 1928

3/ Margaret Keane - 1927

2/ Betye Saar - 1926

1/ Françoise Gilot - 1921

Au cours de mes recherches sur les femmes artistes peintres dans le milieu de l'art contemporain, j'ai souvent été saisie par des interrogations multiples et par des réflexions diverses.

Je vous livre une infime partie de ces interpellations et de mes pourquoi avec les questions qui suivent :

Pourquoi imaginer que les artistes du Paléolithique qui ont laissé leurs empreintes sur les murs des grottes étaient obligatoirement des hommes ?

Pourquoi falloir attendre le XXème siècle pour que des femmes artistes ouvrent vraiment une brèche dans le domaine de la représentation de la féminité ?

Pourquoi encore aujourd'hui constater que le pourcentage d'œuvres de femmes dans les collections publiques des musées est si réduit ?

Mais cependant à quoi bon nier que traverser l'Histoire de l'Art au côté des femmes est sûrement une révolution du regard ?

Et encore plus de femmes artistes dans leur atelier sur mon board Pinterest.

Je vous laisse éventuellement répondre dans l'espace commentaires consacré aux échanges entre nous.

Auteur : Amylee

https://www.instagram.com/amylee.fr

La passion d'Amylee Paris, artiste peintre, formatrice est de partager son art entre ses galeries d'art, ses collectionneurs et sa communauté d'artistes Famylee. Depuis 2009, Amylee a publié sur son blog de nombreux articles sur le métier d'artiste peintre. Ses e-books et coachings aident de nombreuses personnes à entreprendre sereinement dans le milieu de l'art.

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Art Contemporain : 60 Femmes Artistes & Actives

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Après le succès inouï de l'article sur les "50 femmes artistes dans leur atelier" qui mettait uniquement en lumière des femmes artistes peintres regrettées et disparues, je me devais de publier une suite bien plus réjouissante. Cette fois-ci, je préfère partager un article coloré plein d'énergie et de vie.

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Artistes peintres, plasticiennes ou sculptrices, 50 femmes créatives, aux parcours exemplaires mais surtout des vies consacrées aux Arts Plastiques. Cela fait plus ou moins longtemps que ces femmes exceptionnelles nous ont quittées. Heureusement les documents d'archives sont là, pour fixer à jamais leurs parcours et démarches artistiques remarquables.

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Pourquoi les musées sont remplis de femmes nues à côté d'hommes habillés ? Pourquoi les grands génies sont tous des hommes ? Pourquoi l'art représente autant de scènes de viol ? Pourquoi on oublie souvent de parler des personnages noirs dans les tableaux ? Et pourquoi Picasso était-il si méchant ?
Vénus s'épilait-elle chatte déconstruit l'histoire de l'art occidentale, en proposant un point de vue féministe et inclusif. Largement basé sur le patriarcat et la colonisation, l'art a contribué à normaliser la domination masculine et la blanchité comme la référence unique et neutre, et c'est important d'en parler, pour mieux comprendre ce qu'on regarde, et se réapproprier tout ce patrimoine commun.
Au programme : un épisode par mois avec à chaque fois un.e spécialiste de la question.
Écriture et réalisation : Julie Beauzac
Illustration : Anna Wanda Gogusey, 2019
Musique : Kumbia Queers, "Chica de calendario", ("Kumbia Nena, 2007), © 2015 Horario Invertido Records
© Tous droits réservés

Pourquoi les musées sont remplis de femmes nues à côté d'hommes habillés ? Pourquoi les grands génies sont tous des hommes ? Pourquoi l'art représente autant de scènes de viol ? Pourquoi on oublie souvent de parler des personnages noirs dans les tableaux ? Et pourquoi Picasso était-il si méchant ?
Vénus s'épilait-elle chatte déconstruit l'histoire de l'art occidentale, en proposant un point de vue féministe et inclusif. Largement basé sur le patriarcat et la colonisation, l'art a contribué à normaliser la domination masculine et la blanchité comme la référence unique et neutre, et c'est important d'en parler, pour mieux comprendre ce qu'on regarde, et se réapproprier tout ce patrimoine commun.
Au programme : un épisode par mois avec à chaque fois un.e spécialiste de la question.
Écriture et réalisation : Julie Beauzac
Illustration : Anna Wanda Gogusey, 2019
Musique : Kumbia Queers, "Chica de calendario", ("Kumbia Nena, 2007), © 2015 Horario Invertido Records
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Vénus feat. YESSS : warriors et arts

Vénus feat. YESSS : warriors et arts

Dans cet épisode spécial réalisé en collaboration avec Yesss, le podcast qui célèbre les victoires sur le sexisme, Anaïs, Margaïd, Elsa et moi-même avons reçu des témoignages de personnes qui se sont battues pour exprimer leur créativité, leur force et leur courage, et ça nous a fait beaucoup de bien. Ensemble on a parlé d'éducation et de résistance dans les écoles d'art (12'50), des nombreuses représentations de viol dans l'art (36'20), de résilience (30'20), d'art queer (42'40), de précarité (46'54), de censure et de ouin-ouins (10'13), de vols de cuillères (06'05), de validisme (56'20) et des Guerilla Girls (57'48).

Pour bénéficier de 15% de réduction sur dansmaculotte.com c'est avec le code VENUS15

Références entendues dans l'épisode

Alice Coffin, Le Génie Lesbien, 2020, Grasset
John William Waterhouse, Hylas et les nymphes, 1896, Manchester Art Gallery / Article de Sonia Boyce sur son retrait de ce tableau
Balance ton école d'art
My art not my ass
Violences sexuelles dans le milieu de l'art : vers la fin de l'omerta ?, article de Magali Lesauvage et Marine Vazzoler paru dans Le Quotidien de l'art du 16 octobre 2020
Marie Bashkirtseff, Journal (1873-1877), 10/18
Claudine Cordani, La Justice dans la peau, 2020
Ovide, Les Métamorphoses, 1er siècle après JC
Sylvie Lecoq-Ramond et François-René Martin, Posséder et détruire : stratégies sexuelles dans l'art d'Occident, catalogue d'exposition, Louvre, 2000
Ana Mendieta, Rape Scene, 1973, Londres, Tate
Exposition We are here we are queer de Marion Cazaux à Pau en 2019
Goya, La Reine Marie-Louise à cheval, 1799, Madrid, Prado
José de Ribera, La Femme à barbe, 1631, Madrid, Prado
Les tribulations d'un Titou autiste, blog de Marie sur le quotidien de son enfant
Vidéo de présentation des Guerilla Girls
Jean-Auguste-Dominique Ingres, La grande Odalisque, 1814, Paris, Louvre
Vidéo de l'étudiante refusée au Musée d'Orsay à cause de son décolleté
Gustave Courbet, l'Origine du Monde, 1866, Paris, Musée d'Orsay
Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Source, 1856, Paris, Musée d'Orsay
Exposition elles@centrepompidou organisée en 2009 par Camille Morineau

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La grossesse, tabou de l'art

La grossesse, tabou de l'art

Les images de la grossesse dans l'art occidental sont très rares, et ce qui ressemble à un sujet de niche permet en réalité de s'interroger sur le tabou ancestral lié au corps dit "féminin", les origines mêmes du patriarcat (4'25), et l'importance de la culture judéo-chrétienne qui continue d'imprégner nos représentations. Dans cet épisode j'ai eu le plaisir de recevoir Emmanuelle Berthiaud, autrice de Enceinte, une histoire de la grossesse entre art et société. Ensemble on a notamment parlé d'utérus baladeur (3'40), de Trump (09'09), de l'opposition entre Ève et Marie (06'29), de classisme (23'40), de slut-shaming (28'01), de l'omniprésence du male gaze (39'55), de Nabilla (38'57), de dépression post-partum et des injonctions qui pèsent encore sur la grossesse et la maternité (46'45).

Écriture, réalisation et narration : Julie Beauzac
Mixage : Laureline Dabbadie
Illustration : Anna Wanda Gogusey, 2019
© Tous droits réservés
Les œuvres sont à retrouver sur Instagram

MUSIQUE
Kumbia Queers, Chica de calendario, 2007, © 2015 Horario Invertido
Josh Woodward, Sugar on My Tongue (Instrumental), © 2009
Anne Sylvestre, La faute à Ève, © 1979
Lily Allen, F*ck you, © 2009 Regal
Mike Post, Law & Order, © 1994
Danny Elfman, Desperate Housewives © 2005
Para One & Arthur Simonini, La jeune fille en feu, © 2019 Para One & Arthur Simonini
Brigitte Fontaine et Areski Belkacem, Patriarcat, © 1977 Saravah

EXTRAITS SONORES
Donald Trump, 2015
Étienne Chatiliez, La vie est un long fleuve tranquille, Téléma, MK2, FR3 Cinéma © 1988
Florence Foresti, Mother Fucker, © 2009

RESSOURCES

Sur l'histoire des sages-femmes on trouve énormément d'informations dans l'ouvrage pionnier Sorcières, sages-femmes et infirmières, et dans cet épisode de Passions Modernistes

Le travail de Marie-Hélène Lahaye sur son blog Marie accouche là a été précurseur pour la déconstruction des tabous liés à la grossesse, la maternité, aux violences obstétricales et à la fausse couche

Sur la dépression post-partum il existe le précieux podcast Le 4e trimestre, en particulier cet épisode avec Illana Weizman, créatrice du hashtag #monpostpartum, ainsi que le compte instagram postpartum_tamere

Étude sur le profil social des collectionneur-euses d'art contemporain
Leroy McDermott sur l'auto-représentation à la Préhistoire
Virginie Despentes, King Kong Théorie
Griselda Pollock, Differencing the canon
Colette Guillaumin, Pratique du pouvoir et idée de Nature

OEUVRES
Hugo van der Goes, Le péché originel, 1470, Vienne, KHM
Simone Martini, Annonciation, 1333, Florence, Musée des Offices
École castillane, La visitation, 15e siècle, Madrid, Musée Lazaro Galdiano
Vierge enceinte, 15e siècle, couvent de Panschwitz-Kuckau
Vierge enceinte, fin du 17e siècle, Cucugnan, église saint-Julien
Mannequin anatomique, 17e siècle, Écouen, Musée de la Renaissance
Honoré Fragonard, Fœtus écorchés dansant, ca 1772, Maison-Alfort, Musée vétérinaire
Clemente Susini, Vénus des médecins, ca 1780, Florence, Musée de la Specola
Les âges de la femme, ca 1900, Rouen, Musée national de l'éducation / Les âges de l'homme, 19e siècle, musées départementaux de la Haute-Saône
Gustav Klimt, Les trois âges de la femme, Rome, Galerie nationale d'art moderne
Titien, Diane et Callisto, 1566, Vienne, KHM
Giandomenico Tiepolo, fresque de la salle des paysans, 1755, Vicence, Villa Valmarana
Naudet, Les suites d'une piqûre, 19e siècle, Rouen, Musée Flaubert
Jean-Baptiste Carpeaux, Premières espérances, 19e siècle, Valenciennes, Musée des Beaux-Arts
Godefroy Engelmann, Un an de la vie d'une jeune fille, ca 1824, Paris, collection Bouvet
Charles Léandre, Chez l'avorteuse, 1902, L'Assiette au beurre
Gustav Klimt, Espoir I,

Découverte !

Super moment de culture et de découverte !

MERCI MERCI MERCI

Merci pour cette équipe incroyable, merci pour ces épisodes de GRAAANDE qualité, merci !

RIEN À DIRE!

1- la voix de Julie est vraiment apaisante, douce.

2- les épisodes sont très bien expliqués et avec des exemples pris.

3- permet de découvrir des tableaux et artistes intéressant.

4- très apprécié (personnellement) de parler de femme admirable avec de l'art.

5- chaque épisode plus intéressant et cultivant et agréable.

6- mon premier podcast et je ne suis pas déçue.

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‎Vénus s'épilait-elle la chatte ? sur Apple Podcasts

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‎Pourquoi les musées sont remplis de femmes nues à côté d'hommes habillés ? Pourquoi les grands génies sont tous des hommes ? Pourquoi l'art représente autant de scènes de viol ? Pourquoi on oublie souvent de parler des personnages noirs dans les tableaux ? Et pourquoi Picasso était-il si méchant ?...

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Villa Vassilieff - 21, avenue du Maine 75015 Paris (France) - info[at]aware-art[.]org - +33 (0)1 55 26 90 29

© 2022 Archives of Women Artists, Research and Exhibitions.
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Les grandes dames de l'art - AWARE Women artists / Femmes artistes

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Le podcast " Les grandes dames de l'art " donne la parole aux artistes femmes du XXe siècle. Elles parlent de leur œuvre, de leur vie, du monde qui les entoure et de leurs conquêtes. Partons à la recherche de leur présence, de leurs secrets....

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1. Des webséries qui réécrivent l'histoire de l'art

À la faveur du confinement et des savoirs réinventés en ligne, les historiens et acteurs de l'art ont eu l'idée de webséries inventives. Bonne nouvelle pour les paresseux : les formats sont courts, visuels, parfois même (très) amusants. En témoigne le dernier né d'Arte, " Merci de ne pas toucher ", qui passe les chefs-d'œuvre occidentaux au prisme d'une fine analyse queer, dans dix épisodes à peine plus longs que des clips musicaux. C'est notre coup de cœur, aussi bien pour la verve de sa créatrice Hortense Belhôte que pour son esthétique déjantée et sophistiquée. De son côté, le MOCO de Montpellier a imaginé Witch TV, dont les épisodes d'une vingtaine de minutes chacun explorent avec une certaine fantaisie visuelle l'histoire de la répression de la sorcellerie. Bien plus sage visuellement, " Vivantes ! ", la web-série documentaire du Frac Nouvelle-Aquitaine, signée Geörgette Power, est à peine plus élaborée qu'un diaporama PowerPoint mais se révèle très claire - à conseiller à un public plutôt jeune. Plus joli et toujours aussi didactique, " Petites histoires de grandes artistes " met en lumière avec élégance la vie et le travail d'artistes méconnues : Tarsila Do Amaral, Augusta Savage... Une web-série signée AWARE, une association de recherche et de diffusion des femmes artistes. M. C.-L.

À lire aussi : "Merci de ne pas toucher", la nouvelle web-série poilante et culottée d'Arte

2. L'œil écoute : des podcasts pour les femmes artistes !

L'histoire de l'art au féminin et les podcasts ont un point commun : ils n'ont jamais eu autant de succès ! Logique, donc, qu'ils se croisent de plus en plus. Tout nouveau tout beau, le podcast " Les grandes dames de l'art " en témoigne : conçu par AWARE, son premier épisode est sorti en février et se consacre à la sculpture à travers la figure de Niki de Saint Phalle. Un format parfait pour un trajet en métro (moins de 20 minutes). Chaque semaine depuis un an, " Femmes d'art " (qui est aussi un média en ligne) invite et interroge une plasticienne d'aujourd'hui ou une autrice racontant la vie d'une artiste disparue. Chez " PassionariArts ", le format s'ouvre à toutes les femmes de l'art : documentariste, universitaire, photographe... La palme du meilleur titre revient à " Vénus s'épilait-elle la chatte ? ", création explosive de Julie Beauzac qui aborde, à plusieurs voix, l'histoire de l'art, mais aussi des aspects actuels et problématiques du milieu de l'art contemporain et de ses codes. Idéal pour ne plus se sentir terrorisé.e lors d'un stage en galerie...

Les fanas de street art écouteront " Et si Banksy était une femme ", qui explorera en tout six villes (dont pour le moment Toulouse et Montpellier) en rencontrant les femmes qui investissent la rue - voire en font un support militant, comme les colleuses contre les féminicides. Côté culture pop, " Quoi de meuf " de Clémentine Gallot explore et critique séries, films, bandes dessinées, livres, ici encore à plusieurs voix - dont la liberté fait plaisir à entendre. Impossible sinon de ne pas citer " La Poudre " de Lauren Bastide et ses longs entretiens de comédiennes, musiciennes, politiciennes et écrivaines, qui offrent de superbes portraits intimes... Au creux de l'oreille. M. C.-L.

3. Nos initiatives coups de cœur

Si nous n'avions qu'une seule ressource à conseiller, ce serait bien sûr le très riche site de l'association AWARE : Archives of Women Artists, Research and Exhibitions. Dirigé par la conservatrice Camille Morineau, il donne accès à une impressionnante somme d'informations : fiches artistes, webinars, podcasts, articles... À noter : AWARE vient d'annoncer son partenariat avec le musée d'Orsay dans la rédaction de 40 nouvelles notices d'artistes du XIX e siècle. À compléter, en septembre, par les visites proposées par les " Journées du Matrimoine ", et dont le site donne lui aussi accès à d'intéressantes biographies de femmes artistes. Dans le même genre, Feminists in the city propose une offre en ligne étonnamment riche, en plus des visites guidées proposées par les jeunes Cécile Fara et Julie Marangé (prochain rendez-vous : " street art et féminisme " le 28 mars) : masterclasses (prochain rendez-vous le 11 mars à 20h30 : " Niki de Saint Phalle, artiste féministe ? "), ateliers d'écriture ou de découverte... Et, surtout, un grand " Sommet de la Sororité " du 18 au 21 mars 2021, avec des invitées comme l'historienne Michelle Perrot ou la poétesse Fia. Quelle ambition ! M. C.-L.

4. Deux moocs pour revoir ses classiques

Ludiques, instructifs et participatifs : les Moocs, ou cours en ligne, sont de précieux alliés pour apprendre sans se prendre trop au sérieux. En écho à l'exposition " Elles font l'abstraction ", qui devrait ouvrir ses portes le 5 mai, le Centre Pompidou a lancé en ce début d'année le Mooc " Elles font l'art ", entièrement dédié aux femmes artistes de 1900 à nos jours. La structure chronologique du cours permet de ne pas se perdre dans cette riche histoire de l'art trop longtemps passée sous silence. Avec quelques focus essentiels, comme celui consacré à l'historienne Linda Nochlin, qui signait en 1971 son fameux article " Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? ", ou encore celui consacré au fameux Baiser de l'artiste, une performance d'ORLAN qui a bien failli stopper net sa carrière... Mention spéciale pour les résumés de chaque séquence, dessinée par l'autrice de bandes dessinées Pénélope Bagieu. Forcément culotté et jubilatoire !

Autre Mooc à ne pas manquer cette saison, " Femmes peintres à travers les âges ", initié par la Rmn-Grand Palais et la fondation orange à l'occasion de l'exposition " Peintres femmes 1780-1830. Naissance d'un combat ", qui devrait ouvrir ses portes ce printemps au musée du Luxembourg. Structuré en trois grandes parties thématiques (" Du portrait à l'autoportrait ", " À la conquête de la peinture d'histoire " et " De la figuration à l'abstraction ") le cours, enrichi de reproductions d'œuvres, de vidéos et de textes écrits par des historiennes de l'art revient sur la trajectoire d'une vingtaine d'artistes, de Sofonisba Anguissola à Joan Mitchell en passant par Suzanne Valadon. La nouveauté ? " Mookids ", une partie entièrement dédiée aux enfants ! Les inscriptions sont ouvertes depuis le 8 mars à l'occasion de la journée internationale des droits des femmes. Début des cours le 29 mars ! I. B.

5. Sur Instagram, les femmes artistes en force !

Souvent réduit à son côté superficiel et marketing, on en oublierait presqu'Instagram est aussi une formidable mine d'or lorsqu'il s'agit de se renseigner sur les femmes artistes. Preuve en est avec le compte de Margaux Brugvin, qui depuis un an brosse le portrait, en vidéo, de grandes créatrices, dont pour certaines, la postérité n'est pas à la hauteur de leur talent. Également collaboratrice de Projets, elle présente Exposée, un format vidéo dont le premier épisode est consacré à Christine Safa. Vous pouvez également d'ores et déjà vous abonner au compte d'Eva Kirilof, créatrice de l'inspirante newsletter " La Superbe " et qui explore les thèmes de la représentation du corps féminin en peinture, du fameux " male-gaze " ou encore des mères dans l'art. Tout aussi inspirant, le compte du projet, une plateforme de recherche (initiée par Julie Crenn et Pascal Lièvre) consacrée à la visibilité des archives féministes d'artistes et militants. On peut également citer The Great Women Artists (en anglais) de Katy Hessel, créatrice du podcast éponyme, et côté français Femmes d'art, qui relaie l'actualité de ce média en ligne (un site et un podcast) fondé par la journaliste Marie-Stéphanie Servos, entièrement consacré aux femmes du monde de l'art, qu'elles soient artistes, commissaires, collectionneuses ou galeristes. Une liste non-exhaustive qui ne fait que s'allonger, et c'est tant mieux ! I. B.

À lire aussi : 9 comptes Instagram où le féminin l'emporte
Visuel à la une : Pénélope Bagieu pour le Mooc " Elles font l'art " du Centre Pompidou. © Pénélope Bagieu

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Podcasts, web-séries, Moocs... Le meilleur du web au féminin

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À la faveur du confinement et des savoirs réinventés en ligne, les historiens et acteurs de l'art ont eu l'idée de webséries inventives. Bonne nouvelle pour les paresseux : les formats sont courts, visuels, parfois même (très) amusants.

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♀️artistes • artistes ♀️ (@artistesfemmeslepodcast) on Instagram

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Podcast 🇫🇷 | Communauté | Inspirations ♀️
Parler d’art, oui, mais avec nos tripes 🐆
#FAAFlepodcast
Hôtesse : @a_felka

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Au lendemain du verdict très attendu du procès d' Harvey Weinstein aux Etats-Unis, pour une affaire que Geneviève Fraisse définissait elle-même en 2017 comme n'étant pas "un dérapage" mais comme "faisant partie du système", la philosophe de la pensée féministe revient avec nous sur l'évolution des mentalités en lien avec l'histoire de l'émancipation des femmes artistes depuis le XIXe siècle.

Dans La Suite de l'Histoire, publié au Seuil en septembre dernier, elle voit dans la lutte des femmes pour l'émancipation artistique une remise en question fondamentale des normes esthétiques masculines, qu'elle appelle " dérèglement des représentations".

Je me situe moins du point de vue de la justice que du point de vue de l'écriture de l'Histoire. (...) Ça me paraît plus subversif.
(Geneviève Fraisse)

J'ai voulu rendre visibles les femmes, alors qu'on les a invisibilisées dans l'Histoire. Mais ça n'est pas suffisant, ça va plus loin : l'art plus que l'économie, plus que la politique va ébranler les représentations, amener un dérèglement des représentations.
(Geneviève Fraisse)

Pour elle, ces artistes se sont réapproprié les récits masculins sur les femmes dans le même temps qu'elles se réappropriaient leur corps. Et puisque Geneviève Fraisse se réclame d'un héritage foucaldien de la " provenance", elle commence par remonter à Platon et sa conception du "double Eros", ainsi que Kant et Rousseau pour leur exclusion systémique des femmes de l'art.

En outre, elle retrace l'évolution historique des artistes féminines et leur lutte difficile pour l'émancipation, de Colette, George Sand ou Joséphine Baker à Frida Kahlo, Cindy Sherman ou encore Louise Bourgeois. Des artistes à la fois collectives et individuelles, uniques et multiples, dans ce que Geneviève Fraisse revendique comme une " lignée" de femmes artistes servant de repères utiles pour questionner la manière dont l'art peut, plus encore que la politique ou l'économie, s'attaquer à la question de fond : la symbolique masculine.

On est extrêmement superficiels dans la question de l'homme et de l'œuvre. Or c'est une fusée à plusieurs étages : il faut rentrer dans les contenus. (...) On reproche encore aujourd'hui aux femmes de mélanger la femme et l'œuvre, mais pas aux hommes.
(Geneviève Fraisse)

Cofondatrice de la revue Les Révoltes logiques avec Jacques Rancière en 1975, un temps déléguée interministérielle aux Droits des femmes puis députée européenne, Geneviève Fraisse a publié de nombreux ouvrages sur la pensée féministe incluant Du Consentement (Seuil, 2007, réédité en 2017), La sexuation du monde, réflexions sur l'émancipation (Presses de Sciences Po, 2016) et très récemment Féminisme et philosophie (2020, Folio Essais).

Extraits sonores :

France 24, 24/02/2020, "Harvey Weinstein reconnu coupable"

Annette Messager, "Les Matins de France Culture", 24 février 2017

Madonna lors de sa remise de prix aux Billboard Women in Music, 2016

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Au lendemain du verdict très attendu du procès d' Harvey Weinstein aux Etats-Unis, pour une affaire que Geneviève Fraisse définissait elle-même en 2017 comme n'étant pas "un dérapage" mais comme "faisant partie du système", la philosophe de la pensée féministe revient avec nous sur l'évolution des mentalités en lien avec l'histoire de l'émancipation des femmes artistes depuis le XIXe siècle.

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Plusieurs millions de documents consultables et téléchargeables gratuitement : livres, manuscrits, cartes et plans, estampes, photographies, affiches, revues, fascicules de presse et journaux, enregistrements sonores, partitions

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Temps de lecture: 5 min

Cette semaine, j'ai été invitée chez Christie's. La maison de vente aux enchères. Ce n'était malheureusement pas pour m'offrir un livre de Balzac signé de sa main, mais c'était tout de même très intéressant. S'y organisait pour la première fois en France une vente uniquement consacrée aux artistes femmes.

Vous allez me dire que c'est en passe de devenir l'idée la plus courante, sachant qu'en ce moment on peut voir l'exposition Elles font l'abstraction au centre Georges Pompidou et Peintres femmes, 1780-1830 naissance d'un combat au musée du Luxembourg.

Mais comme l'ont expliqué deux employées de la maison de vente aux enchères, Alice Chevrier (spécialiste du département des livres rares et des manuscrits) et Bérénice Verdier (du département des tableaux anciens), il s'agit d'abord que les femmes du milieu de l'art prennent leurs responsabilités. Disons d'une certaine manière qu'elles fassent leur part. Puisque les institutions ont invisibilisé les femmes artistes, les ont souvent exclues et donc à terme faites disparaître, charge à elles désormais de les mettre en lumière, et peut-être même plus que les hommes, pour rattraper le retard.

Dans le cas de Christie's, en outre, il y a une dynamique propre au marché de l'art. Le but, c'est évidemment que, à terme, on ne se pose plus la question du genre de l'artiste et que tout se mêle. Mais on en est très loin. Pour l'instant, quand on présente à une vente des œuvres d'hommes et de femmes, les premières ont tendance à éclipser les secondes. Ainsi, j'ai appris qu'en matière d'argent (puisque nous sommes dans un marché économique) les tableaux de Picasso se sont vendus plus chers que l'addition de toutes les œuvres de toutes les femmes de toutes les époques. (Si vous ne l'avez pas déjà fait, je vous recommande très chaudement d'écouter le génial podcast Vénus s'épilait-elle la chatte?, qui consacre un épisode à l'artiste: "Picasso, séparer l'homme de l'artiste". Vous regarderez différemment ses tableaux.) (D'ailleurs, à l'exposition il y avait une œuvre de Dora Maar qui, avant d'être la "muse" de Picasso et une femme qu'il a détruite, était une artiste -mais c'est un fait que l'on a oublié parce que le rôle des femmes en art se réduisait à nourrir la créativité des hommes.)

Donc autant dire qu'on part d'assez loin. L'intérêt de cette vente non mixte, c'est de mettre en lumière ces femmes artistes. Une fois que l'on aura découvert leurs œuvres, que l'on s'y sera vraiment intéressé, certaines verront bien sûr leur cote monter -ce qui n'aurait sans doute pas pu se faire tant qu'elles restaient dans l'ombre. On me parlera peut-être d'effet de mode, mais franchement, le marché de l'art est-il vraiment autre chose? On voit que l'effet de mode fonctionne également à plein avec des artistes hommes. À l'extrême avec Picasso.

Ce qui était intéressant dans cette vente, c'était la diversité du catalogue, notamment en matière de périodes historiques.

On trouvait ainsi face-à-face deux poitrines différentes: D'un côté Adélaïde Labille-Guiard avec un tableau de 1783 représentant une femme allaitant un de ses enfants.

Et de l'autre, une photo de Bettina Rheims de 1994.

Je suis toujours très sensible à la manière dont les femmes représentent d'autres femmes. Quelque chose me touche dans cette démarche de regard de femme sur une de ses semblables. (Autant vous dire quePortrait de la jeune fille en feu m'a tétanisée d'émotions.)

S'est vendue aussi une nature morte absolument remarquable d'une certaine Louyse Moillon, datant de 1636. Preuve que les femmes ont vraiment sans cesse créé.

Un exemple de son travail:

Elle est l'une des rares femmes peintres françaises du XVII e siècle dont l'œuvre soit aujourd'hui bien identifiée. Pourtant, au XX e siècle, elle avait été transformée en Louis Moillon.

En règle générale, le destin des œuvres de femmes peut se résumer ainsi: on commence toujours par minimiser leur réussite en faisant inévitablement passer leur travail pour des œuvres mineures. Si vous demandez à n'importe qui de vous citer les dix œuvres d'art les plus importantes du l'histoire, on peut parier qu'il n'y aura pas une femme dedans. L'idée sous-jacente, c'est notamment que les femmes sont fortes pour faire des enfants, mais que créer quoi que ce soit d'autre serait au-delà de leurs capacités. Comme si la nature nous avait prédestinées physiquement soit à procréer, soit à créer. Si vous avez un utérus, vous ne pouvez pas avoir la puissance créatrice artistique.

Pour celles qui se sont obstinées malgré tout à créer, leurs œuvres se retrouvent face à plusieurs avenirs possibles:
- On les oublie carrément.
- On raconte qu'elles ne sont pas vraiment d'elles, et que tel homme talentueux n'y est pas pour rien dans leur réalisation.
- On transforme les créatrices en homme.

Mais cet intérêt pour les femmes artistes du passé et la volonté de les remettre en lumière ne doit pas justifier qu'on se désintéresse des artistes contemporaines. Ce serait pas mal qu'on n'oublie pas les femmes qui créent de nos jours.

Ainsi, dans la vente, j'ai été frappée par ce tableau de Zena Assi, une artiste libanaise née en 1974. Datant de 2021, intitulé Gargouilles sur ma cité, il représente Beyrouth après l'explosion de l'an dernier. (Malheureusement, la photo ne rend pas sa puissance.)

Enfin, toute une salle était consacrée à Inès Longevial (une artiste née en 1990). Je n'y connais rien en peinture, mais dans cet autoportrait, j'ai reconnu une inquiétante étrangeté du féminin quand il s'affranchit du regard érotisant des hommes. Ça m'a terriblement parlé. (On dirait moi le dimanche matin.) (J'ai horreur des dimanches matin.)

C'est en allant voir les expositions consacrées aux femmes artistes qu'on s'offre la possibilité d'avoir un coup de foudre, un choc esthétique devant une œuvre et que, si on vous demande un jour les dix plus grandes œuvres d'art au monde, vous pourrez citer une femme. Il ne faut jamais oublier qu'on ne trouve que ce que l'on cherche. En l'état actuel des choses, si on ne fait pas la démarche consciente et volontaire d'aller voir des œuvres de femmes, elles nous resteront inconnues.
Ce texte est paru dans la newsletter hebdomadaire de Titiou Lecoq.

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Pour qu'enfin, on soit capable de citer une femme parmi les plus grands peintres au monde

# data[].attributes.attachment_link.description
Temps de lecture: 5 min Cette semaine, j'ai été invitée chez Christie's. La maison de vente aux enchères. Ce n'était malheureusement pas pour m'offrir un livre de Balzac signé de sa main, mais c'était tout de même très intéressant. S'y organisait pour la première fois en France une vente uniquement consacrée aux artistes femmes.

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Marie Bruno, alors étudiante en licence d'Histoire de l'Art à Rennes 2, a réalisé un stage en début d'année à HF Bretagne. Elle se préparait à intégrer le master d'études sur le genre de Paris 8, un des seuls en France à intégrer le champ de l'Histoire de l'Art. Ensemble, nous nous sommes interrogées sur la transmission de l'Histoire de l'Art dans l'enseignement supérieur. En effet, il est fréquent, dans le cadre de nos travaux ou conférences sur le Matrimoine, que des étudiant.es s'alarment de leur méconnaissance sur la place des femmes artistes dans l'Histoire de l'Art, grave lacune constatée de façon uniforme dans l'ensemble de l'enseignement supérieur, et pas uniquement en Histoire de l'Art : la littérature, le théâtre, l'Histoire mais aussi les matières scientifiques. Avec Marie, nous avons d'abord cherché à objectiver ce qui n'était qu'un ressenti (pourtant indéniable), en comptant le nombre de femmes et d'hommes artistes étudié.es au cours de ses 3 années de licence en Histoire de l'Art du 18ème siècle à nos jours. Ce comptage porte sur un panel trop faible pour avoir une valeur scientifique, mais il a le mérite de donner un point de repère : 6% de femmes artistes étudiées. (Voir ici la synthèse : Comptage des artistes femmes étudiées lors d'un cursus de Licence en Histoire de l'Art à Rennes 2 ) Depuis, Marie Bruno poursuit ses recherches dans le cadre de son master en Études de genre à Paris 8. Elle a poussé ces premiers travaux de comptage vers une analyse qualitative, passionnante à lire et riche d'enseignement que nous partageons ici avec vous, avec son aimable autorisation, enrichie de la bibliographie sur laquelle elle s'est appuyée. Un document utile pour réfléchir, en particulier à destination des enseignant.es et des directions d'écoles supérieures.
LA REPRÉSENTATION DES FEMMES ARTISTES DANS UN CURSUS UNIVERSITAIRE DE LICENCE EN HISTOIRE DE L'ART

par MARIE BRUNO
INTRODUCTION
Des peintres des cavernes aux créatrices les plus contemporaines de notre époque en passant par les religieuses qui enluminaient les manuscrits médiévaux et par les portraitistes des ateliers de la Renaissance : les femmes ont toujours été des artistes.

Pourtant, en France, il est relativement rare de croiser une œuvre produite par une femme dans les expositions permanentes et temporaires de nos musées. Le constat fut le même durant mes trois années en licence d'histoire de l'art à l'Université de Rennes 2. Mon objectif n'est pas ici de fustiger mon ancien département universitaire mais bien de questionner les tenants et aboutissants du discours inégalitaire qui m'y a été transmis.

Car en effet, pendant ma licence, l'étude des femmes artistes et de leur œuvre fut trop rare. Trop rare pour donner l'illusion d'avoir exploré tout le panorama de l'histoire de l'art de l'antiquité à l'époque contemporaine. Pour être précise, sur la période allant du XVIIIème siècle à nos jours, les femmes représentaient seulement 6% des artistes et théoricien.nes étudié.es (1). Pour toute la période précédant le XIXème siècle c'est simple : aucune femme n'a jamais été abordée autrement que comme modèle ou muse.

Pourtant, des femmes artistes, il y en a toujours eu. Le succès que rencontrent les quelques expositions qui leur sont consacrées, à l'instar de celle sur Niki de Saint Phalle au Grand Palais en 2014 ou plus récemment celle sur Berthe Morisot au musée d'Orsay (de juin à septembre 2019), témoigne d'une réelle appétence des publics pour leurs travaux et du désir d'en apprendre davantage sur elles. Les visiteurs et visiteuses sont las des musées se présentant comme des mausolées à la gloire de quelques " grands artistes " (2), hommes évidemment.

Ainsi, à une époque où publics comme étudiant.es réclament qu'un nouveau souffle soit donné à l'histoire de l'art, il est permis de s'interroger : qu'est-ce qui pousse les institutions à perpétuer ce panégyrique des hommes artistes ?

Plutôt que de m'intéresser à mes professeur.es et aux raisons sociologiques qui auraient pu les pousser individuellement à faire perdurer cette vision masculiniste de l'histoire de l'art, j'ai choisi de me focaliser sur la discipline en tant que telle. Il s'agira dans un premier temps d'expliquer pourquoi si peu d'informations nous sont parvenues sur les femmes artistes par rapports aux hommes artistes. En second lieu on se concentrera sur les raisons multiples qui entravent l'introduction des apports des études sur le genre dans le champ de l'histoire de l'art en France. Enfin, dans une troisième et dernière partie nous étudierons quelles peuvent être les conséquences produites par l'enseignement de cette histoire de l'art lacunaire et inégalitaire. L'objectif est de comprendre, en finalité, quels sont les enjeux de la représentation des femmes artistes au sein du premier cycle universitaire en histoire de l'art.
Première partie : pourquoi si peu d'informations sur les femmes artistes nous sont elles parvenues ?
Le peu de documentation dont on dispose sur les femmes artistes peut constituer un premier élément de réponse pour expliquer la moindre prise en compte de leur œuvre dans l'enseignement de l'histoire de l'art à l'Université. Mais comment expliquer que si peu d'informations nous soient parvenues ?

S'il y a effectivement eu des femmes créatrices tout au long de l'histoire, il faut cela-dit relativiser en soulignant que leur existence en tant que telle n'allait pas nécessairement de soi. Ayant été reléguées exclusivement à la sphère domestique jusqu'à il y a encore peu de temps, avoir une pratique artistique n'était pas possible pour la grande majorité des femmes pendant des siècles. En effet, comme l'a dépeint Virginia Woolf dans sa célèbre Chambre à soi, être artiste demande de bénéficier d'un espace à soi dédié à la création. Mais même quand des conditions économiques favorables permettaient aux femmes de déléguer la charge du soin de leurs enfants et de l'entretien de leur foyer à des domestiques, et les faisaient bénéficier des ressources nécessaires pour créer, les exigences sociales qui leur incombaient faisaient qu'une activité artistique professionnelle n'était pas la priorité. Bien sûr celles-ci étaient louées dans les cercles aristocratiques mais n'étaient jamais considérées autrement que comme un loisir.

C'est ce qu'explique Linda Nochlin dans son éminent article " Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ? ", démontrant ainsi que les ressources pécuniaires, qu'elles soient trop faibles ou trop importantes, régissaient la possibilité pour les femmes d'exercer le métier d'artiste.

Ainsi, si les femmes ont toujours été artistes il faut tout de même insister sur le fait qu'elles étaient bien moins nombreuses que les hommes.

Et pour cause ! Par-delà ces conditions matérielles d'existence en tant que créatrices, le chemin de la reconnaissance pour les femmes artistes était et reste semé d'embûches.

Cette reconnaissance passe à partir de 1648 par l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture qui est créée sous le règne de Louis XIV, remplacée en 1816 par l'Académie des Beaux-Arts. Tout l'enjeu est d'y entrer et de correspondre, de facto, à ses critères. Or, c'est à cette même période que s'institue la hiérarchie des genres, plaçant à son sommet la peinture d'Histoire - peinture d'Histoire au sein de laquelle le nu masculin s'édifiait.

L'Académie Royale de Peinture et de Sculpture reçut en tout et pour tout quinze femmes en son sein jusqu'à sa dissolution en 1793. C'est peu, mais elles ont le mérite d'y être entrées, contrairement à la corporation des peintres et imagiers à laquelle l'Académie succédait. Toutefois, il est primordial de souligner que si quelques femmes y ont été acceptées, aucune ne fut jamais admise dans la catégorie supérieure des peintres d'Histoire et ce car elles n'étaient pas autorisées à suivre les enseignements permettant d'accéder à ce titre, notamment les travaux d'après modèle qui comprenaient des nus masculins.

À cette hiérarchie des genres excluante pour les femmes s'ajoute une hiérarchie des techniques de création tout autant marginalisante. Ainsi, tous les arts se rapprochant davantage, historiquement, de l'artisanat sont méprisés, à l'instar des arts textiles dans lesquels les femmes se sont particulièrement illustrées.

Aux conditions matérielles d'existence en tant que femmes artistes déjà très complexes s'ajoutaient donc des difficultés instituées par l'Académie qui ne permettaient pas aux femmes d'être perçues comme de grandes artistes. De ce fait, on peut expliquer le manque d'informations disponibles sur les femmes artistes par le fait qu'on ne jugeait pas digne de garder des traces de leurs travaux, de leur garantir une certaine prospérité.

Mais s'il peut s'agir là d'une énième raison expliquant le manque de documentation dont nous disposons sur les femmes artistes, elle en fait apparaître une nouvelle. En effet, si l'Histoire n'a gardé que très peu de traces de ces femmes, il est pertinent de s'interroger sur qui a écrit cette histoire de l'art excluante.

Des Vies de Giorgio Vasari (1560 et 1568) aux nombreux ouvrages de Daniel Arasse, en passant par les Entretiens d'André Félibien (1666-1668), ce sont les hommes qui ont massivement écrit l'histoire de l'art. Libre à eux d'y inclure ou non les femmes s'étant illustrées en tant qu'artistes, mais, au regard des ouvrages qui nous sont parvenus, on peut convenir que la tendance était plutôt à l'éviction des créatrices.

Il faut également noter que nombre de travaux réalisés par des femmes se sont vus appropriés par des hommes (un père, un mari, un frère, un maître) en ayant le consentement des autrices ou non, ce qui réduit encore davantage le champ des femmes artistes.

Ainsi donc, si nous n'avons aujourd'hui que très peu d'informations relatives aux femmes ayant exercé une pratique artistique au cours de l'histoire on peut d'abord expliquer que c'est parce qu'il y en a eu peu en comparaison avec les hommes. En plus de cela, le peu qu'elles étaient ont dû faire face aux nombreuses embûches semées sur le chemin de la reconnaissance - reconnaissance à laquelle elles ne parvenaient que rarement, en témoigne le nombre de nom de femmes artistes que l'histoire et l'histoire de l'art ont retenu, les auteurs de cette dernière n'ayant pas aidé à garantir la prospérité de l'héritage des créatrices.

Cela étant dit, depuis les années 1970, et particulièrement à partir de la publication de l'article de Linda Nochlin " Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes ? " en 1971, de plus en plus de travaux se sont penchés sur la question de ces femmes artistes, les grandes oubliées de l'histoire de l'art. Les études sur le genre qui se développent également à partir de ce moment ont fourni de nouvelles perspectives pour penser les arts, notamment vis à vis des contenus qui ne demandent qu'à être réévalués. Ainsi, Linda Nochlin (3), Griselda Pollock (4) mais encore Rozsika Parker (5) et bien d'autres invitent au travers de leurs ouvrages à renouveler les savoirs et les pratiques artistiques.

Ces apports théoriques apparaissent comme du pain béni pour donner un nouveau souffle à l'histoire de l'art. Mais alors, pourquoi ne sont-ils pas utilisés au sein du champ universitaire français ?
Deuxième partie : qu'est ce qui entrave l'introduction des apports des études sur le genre dans le champ de l'histoire de l'art en France ?
De façon globale, en France, les études sur le genre sont considérées comme une importation étatsunienne dont il faut, du fait de cette origine, se méfier. En effet, tout concept provenant des États-Unis irradierait, dans l'esprit français, une volonté partisane qui serait réductrice. Pourtant, il serait intéressant de souligner plus souvent que les études sur le genre sont en partie issues du post-structuralisme français et du retentissement des travaux de penseurs tels Michel Foucault, Gilles Deleuze ou encore Jacques Derrida dans le champ des sciences humaines et sociales aux États-Unis. S'ils ont eu un succès considérable outre-Atlantique, en France leurs recherches ont surtout été étudiées dans le champ de la philosophie sans jamais trop s'ouvrir à d'autres disciplines.

Pour en revenir à l'aspect partial des concepts nord-américains, il est important de souligner que si ceux-ci sont si mal reçus en France c'est parce qu'ils ne font qu'alimenter l'éternelle querelle entre l'universalisme républicain français et le différencialisme caractéristique de l'Amérique du nord. Les études sur le genre, en tant qu'approches minoritaires du savoir, remettent en question le rationalisme et l'universalisme républicain français. Ce dernier, fondé sur l'idée d'un universalisme abstrait, postule que les citoyens et citoyennes doivent tous et toutes être traité.es de la même façon et donc qu'aucune différence de traitement ne saurait être faite entre elles et eux, en dépit de l'existence de groupes minoritaires subissant des discriminations.

Prenant pour base le concept de genre qui permet de penser le processus de construction sociale, identitaire et symbolique hiérarchisant selon les sexes, les études sur le genre vont inévitablement à l'encontre cette tradition politique ancestrale remontant à la Révolution française et à la Déclaration des droits de l'homme et du citoyen (1789). Ainsi, la culture républicaine française est assez hostile à la prise en compte de la dimension sexuée des pratiques sociales.

Notons que cette hostilité à l'égard des études sur le genre est également perceptible dans le manque de traductions des articles et ouvrages de référence en la matière, retardant ainsi considérablement leur diffusion ou ne la permettant tout simplement pas si le lecteur ou la lectrice français.e ne comprend pas l'anglais. À titre d'exemple, Trouble dans le Genre de Judith Butler fut traduit seulement quinze ans après sa publication aux États-Unis.

Un autre exemple significatif pour le champ de l'histoire de l'art lié à celui des études sur le genre est la traduction extrêmement tardive de Old Mistresses par Griselda Pollock et Rozsika Parker qui ne se fera qu'en 2020, soit 39 ans après sa publication originale outre-Atlantique. Et quand bien même quelques ouvrages émérites aient été traduit en France, rien ne garantit la pérennité de leur édition. Ainsi, le célèbre Femmes, Art et Pouvoir de Linda Nochlin n'est plus édité depuis sa première parution en France en 1993.

À ces " obstacles " intellectuels quant à une plus large prise en compte des études sur le genre dans le champ scientifique français s'ajoute, en histoire de l'art, une volonté affichée d'élitisme. Celle-ci s'explique par deux raisons principales.

D'abord, comme l'explique Bourdieu et Darbel, la France est un pays où " la tradition artistique est à la fois ancienne et vivante, donc profondément inscrite dans les mœurs des classes privilégiées (6). " De fait, introduire le concept de genre pour penser la structuration sexuée et hiérarchisée inhérente aux productions et parcours artistiques peut apparaître comme particulièrement dommageable pour l'élite cultivée si cette démarche vient remettre en cause les hiérarchies culturelles qui sont communément admises - ce qu'elle fait le plus souvent. Il est donc assez compréhensible que l'histoire de l'art, portant très haut les valeurs culturelles de l'élite française, soit réfractaire à l'intrusion perturbatrice du genre en son sein.

Ensuite, l'histoire de l'art est considérée comme la discipline la plus fragile des sciences humaines et sociales du fait de l'absence d'agrégation en histoire de l'art. On connaît l'importance de cet examen dans la reconnaissance du champ disciplinaire, en cela qu'il permet de contrôler le niveau de connaissance de celles et ceux qui le passent avec succès mais également d'en réguler le nombre. Ne pouvant s'appuyer sur l'agrégation pour gager de la scientificité de la discipline, les historien.nes de l'art insistent et mettent tout en œuvre pour garantir la rigueur de leur matière qui ne saurait, de fait, se laisser perturber par les apports proposés par d'autres champs d'étude.

Ainsi, c'est l'interdisciplinarité qui est rejetée du champ de l'histoire de l'art qui ne peut, de facto, pas prendre en compte, en l'état, les problématiques soulevées par les études sur le genre. L'hostilité à l'interdisciplinarité ajoutée à l'opposition aux études nord-américaines font que l'histoire de l'art française se ferme aux nouveaux courant initiés outre-Atlantique en la matière, tels que la Social Art History, la New Art History ou encore les Visual Studies.

En conséquence, l'histoire de l'art en tant que discipline se referme complètement sur elle-même dans la sphère intellectuelle française, manquant terriblement de dynamisme et d'innovation. En effet, l'approche formaliste et positiviste qui est massivement pratiquée aussi bien à l'Université qu'au sein des musées empêche l'introduction de dimensions transdisciplinaires et transhistoriques. Utiliser des outils contemporains pour analyser des représentations ou des parcours artistiques anciens apparaît comme impensable.

Ainsi, aborder l'histoire de l'art à travers le prisme du genre permettrait au champ français en la matière de s'émanciper de l'auto-référentialité qui le caractérise afin de prendre en compte la complexité des rapports sociaux, des contextes historiques et culturels desquels découlent les productions artistiques. Mais il semble que le combat soit loin d'être gagné.

Troisième partie : quelles peuvent-être les conséquences produites par l'enseignement de cette histoire de l'art lacunaire et inégalitaire ?

Puisque la route semble encore longue avant de parvenir à une incorporation totale des études sur le genre à la construction des discours en histoire de l'art, il paraît important de présenter les conséquences du discours lacunaire qui nous est transmis jusqu'à présent.

Cette histoire de l'art écrite par et pour les hommes, évinçant de son récit tout artiste ne correspondant pas au modèle de celui que l'on souhaitait célébrer - à savoir l'homme blanc occidental - a été largement acceptée pendant des siècles où le pouvoir des uns sur les autres n'était presque jamais remis en cause, sa légitimité étant communément admise.

Depuis la conceptualisation du marxisme et la théorisation des questionnements qui en ont découlé, et notamment les interrogations relatives au genre, cette légitimité a brutalement été questionnée, si bien qu'aucune forme de domination ne saurait aujourd'hui se justifier. Pour autant, cela ne signifie pas qu'il n'existe plus aucun rapport de pouvoir dans nos sociétés, simplement, de nos jours, la légitimité se place désormais du côté de celles et ceux qui cherchent à les déconstruire.

Cela s'explique par le fait que les sociétés contemporaines sont multiculturelles du fait de la colonisation et de l'immigration. Ainsi, les immigré.es constituaient 9,7% de la population française en 2018 et les populations étrangères 7,1% (7).

Avec une population aussi hétéroclite, comment garantir une cohésion sociale si la société ne repose pas sur une culture commune ? Celle-ci se doit d'être fondée non pas sur un universalisme abstrait et excluant mais bien sur l'interaction entre toutes les cultures présentes sur notre territoire. Le manque d'une histoire commune se fait cruellement ressentir à l'Université comme au sein des musées qui sont complices du maintien des dynamiques de domination d'une certaine hégémonie. Sans une réelle coopération de ces institutions à participer massivement à la création d'une histoire et d'une culture commune à tout un pays, voire à toute une planète, le vivre ensemble est inatteignable.

En se fermant aux questionnements soulevés par les études sur le genre et par tous les champs disciplinaires qui en sont issus (les études post-coloniales, les queer studies, etc.), l'histoire de l'art est condamnée à reproduire un discours inégalitaire qui ne fait que retracer l'histoire du pouvoir.

Heureusement, si les apports théoriques proposés par les études sur le genre ne sont pas pris en compte par la très grande majorité des professeur.es dans le cadre des cursus de licence en histoire de l'art, ce sont les étudiant.es qui les intègrent de plus en plus dans leurs travaux, et notamment dans le cadre de leurs mémoires de recherche produits lors du master. Ainsi, les institutions se font rattraper par la demande croissante de renouvellement des savoirs et d'inclusion des minorités aux discours. Si les changements ne viennent pas des sphères supérieures de la discipline, via les professeur.es, chercheur.euses et les institutions muséales, ils seront nécessairement imposés par les étudiant.es et les publics.
CONCLUSION
En trois ans d'études en licence d'histoire de l'art, les travaux de Frida Kahlo ne m'ont jamais été présentés. J'estime que cet exemple est particulièrement porteur de sens car il signifie bien toute la réticence des professeur.es à intégrer à leur histoire de l'art des femmes artistes, mais plus encore des artistes racisé.es, non-occidentaux ou occidentales, non valides, etc. En trois ans, faire l'impasse sur une des artistes les plus populaires de l'histoire de l'art ne peut qu'être volontaire.

Ainsi, on l'aura compris, la représentation des femmes artistes au sein du premier cycle universitaire en Histoire de l'Art constitue intrinsèquement un enjeu politique puisqu'elle sous- entend de repenser entièrement la manière dont on fait l'Histoire de l'Art, et plus globalement encore l'Histoire.

L'objectif de toute cette démarche, restant à être entreprise, d'incorporation des apports théoriques fournis par les études sur le genre et tous les champs disciplinaires qui en découlent n'est pas d'inclure de façon parcimonieuse quelques artistes issu×es des minorités de sexe, de race, de classe, d'identité sexuelle, etc., mais bien de proposer de repenser de manière bien plus large la manière de faire l'histoire de l'art. Celle-ci ne peut plus se contenter de nourrir le culte de quelques grands hommes artistes en perpétuant une certaine omerta autour de toutes celles et ceux qui sont resté×es et restent toujours dans leur ombre.

Les institutions, qu'il s'agisse de l'Université aussi bien que de nos musées, vont devoir réévaluer et reconstruire leurs discours si elles souhaitent rester légitimes, pas seulement aux yeux de l'élite culturelle mais bien de toutes les personnes composant nos sociétés. Le plus grand enjeu pour les institutions culturelles est, désormais, de produire des discours s'adressant à toutes et tous, où les cultures se rencontrent, échangent et produisent du contenu, ensemble.

(1) Comptage que j'ai moi-même réalisé dans le cadre d'un stage au sein d'HF Bretagne à partir de mes cours en histoire de l'art contemporain, arts actuels et histoire de la photographie sur mes trois années de licence.

(2) LARUE Anne, Histoire de l'art d'un nouveau genre, Paris, Éditions Max Milo, 2014.

(3) NOCHLIN Linda, Femmes, Art et Pouvoir, et autres essais, (1989), Nîmes, éd. Jacqueline Chambon, 1993.

(4) POLLOCK Griselda, Differencing the Canon: Feminism and the Histories of Art, Londres, Routledge, 1999.

(5) POLLOCK Griselda, PARKER Rozsika, Old Mistresses; Women, Art and Ideology, Londres, Routledge & Kegan, 1981.

(6) BOURDIEU Pierre, DARBEL Alain, L'Amour de l'Art, Paris, Éditions de Minuit, 1969, pp. 64-66.

BIBLIOGRAPHIE

BOURDIEU Pierre, DARBEL Alain, L'Amour de l'Art, Paris, Éditions de Minuit, 1969, pp. 64-66.

CREISSELS Anne, ZAPPERI Giovanna, " Histoire de l'art en France et gender studies : un mariage contre nature ? ", Perspective, N°4, 2007.

DUMONT Fabienne, La Rébellion du Deuxième Sexe. L'histoire de l'art au crible des théories féministes anglo-américaines (1970-2000), Paris, Les Presses du Réel, 2011.

LARUE Anne, Histoire de l'art d'un nouveau genre, Paris, Éditions Max Milo, 2014.

NAUDIER Delphine, ROLLET Brigitte, Genre et Légitimité culturelle, Paris, L'Harmattan, 2007.

NOCHLIN Linda, Femmes, Art et Pouvoir, et autres essais, (1989), Nîmes, éd. Jacqueline Chambon, 1993, version française, traduit de l'anglais par Oristelle Bonis.

POLLOCK Griselda, Differencing the Canon: Feminism and the Histories of Art, Londres, Routledge, 1999.

POLLOCK Griselda, PARKER Rozsika, Old Mistresses; Women, Art and Ideology, Londres, Routledge & Kegan, 1981.

RENNES Juliette, Encyclopédie Critique du Genre, Paris, La Découverte, 2016.

SOFIO Séverine, " Histoire de l'art et études genre en France : un rendez-vous manqué ? ", dans IMESCH Kornelia, JOHN Jennifer, MONDINI Daniela, SCHADE Sigrid, SCHWEIZER Nicole (dir.), Inscriptions/Transgressions, Kunstgeschichte und Gender Studies, Peter Lang Verlag, 2008, pp. 149-162.

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RESSOURCE - Histoire de l’art : La représentation des femmes artistes dans l’enseignement supérieur, par Marie Bruno

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Marie Bruno, alors étudiante en licence d'Histoire de l'Art à Rennes 2, a réalisé un stage en début d'année à HF Bretagne. Elle se préparait à intégrer le master d'études sur le genre de Paris 8, un des seuls en France à intégrer le champ de l'Histoire de l'Art.

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ISBN : 9782358801423 - novembre 2020

210 x 240 mm - 60 pages

DADA n°250

Artemisia Gentileschi, Élisabeth Vigée-Lebrun, Rosa Bonheur, Niki de Saint-Phalle, Sonia Delaunay, Camille Claudel, Cindy Sherman... et tant d'autres ! Les femmes ont dû lutter pour être reconnues, dans la vie comme dans l'art. On les a souvent cantonnées au rôle de muse ou de modèle. Quand ont-elles pu accéder aux formations artistiques ? Comment ont-elles réussi à s'emparer de tous les genres, et pas seulement ceux considérés comme mineurs ? Quels combats ont-elles menés pour être reconnues et exposées ? Malgré toutes ces difficultés, des artistes femmes, il y en a eu et de tout temps. Du Moyen Âge à nos jours, voici des œuvres qui valent bien ces tableaux, ces dessins, ces sculptures, ces photographies créés par des hommes et que l'on voit partout reproduits. Car tout cela est une " histoire " et il est temps d'en écrire de nouvelles pages.

En stock

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Boutique | Revues: Artistes femmes - Revue Dada

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ISBN : 9782358801423 - novembre 2020 210 x 240 mm - 60 pages DADA n°250 Artemisia Gentileschi, Élisabeth Vigée-Lebrun, Rosa Bonheur, Niki de Saint-Phalle, Sonia Delaunay, Camille Claudel, Cindy Sherman... et tant d'autres ! Les femmes ont dû lutter pour être reconnues, dans la vie comme dans l'art.

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Il est rare que l'on puisse dire d'une publication d'histoire de l'art qu'elle a changé le monde, pourtant c'est précisément ce que Linda Nochlin a fait en 1971 avec son texte " Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? ". À l'époque, par mon travail de recherche en autodidacte, j'avais déjà eu l'occasion de me rendre compte que les certitudes sur la rareté des grandes artistes étaient erronées. Mais pour la profession, ce texte fut une véritable révélation : de celles qui engendrent des générations d'historiens de l'art féministes, lesquelles ont commencé à fouiller dans le passé, et en faisant cela, à révolutionner le canon encore en vigueur. " - Judy Chicago
Qui est Linda Nochlin ?

Avant de devenir historienne de l'art, professeure d'université, théoricienne de l'art, ... Elle obtient en 1951 un baccalauréat en philosophie tout en se formant aux études grecques et d'histoire de l'art.

Un an plus tard, elle est titulaire d'une maitrise en littérature anglaise du XIIe siècle à l'université de Colombia.

En 1963, elle obtient un doctorat en histoire de l'art à l'université de New York.

Entre 1980 et 1992, elle enseigne l'histoire de l'art au collège Vassar et la New York University Institut of fine Art et l'histoire de l'art et les sciences humaines à Yale.

En 1988, Linda Nochlin participe à l'organisation d'une exposition : Courbet Reconsired " pour le Brooklyn Muséum, où est exposé la table : Origine du monde ".

Mais Linda Nochlin est aussi connue pour l'article " Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? " publié en 1971 dans ARTnews sous le titre anglais " Why Have There Been No Great Women Artists? ". Un essai essentiel, traduit en français en 1993. Et donne en 1976 envie à l'autrice d'aller plus loin en travaillant sur la présentation d'une exposition au musée d'art de Los Angeles avec Ann Sutherland Harris : Women Artists - 1550-1950.

Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ?

Le livre se compose de cette façon :

Introduction de Catherine Grant

Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? ARTnews, janvier 1971.

Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? Trente ans plus tard Women Artists at the Millennium.

Linda Nochlin capte l'attention des lecteur/ice/s dès les premières lignes :
" Si la montée récente du féminisme dans notre pays a bien été une libération, sa force a surtout été de nature émotionnelle - personnelle - psychologique et subjective à l'instar des autres mouvements radicaux auxquels le féminisme est lié. Elle a porté sur le présent et ses besoins immédiats plutôt que sur l'analyse historique des questions intellectuelles élémentaires qui sont immanquablement soulevées par les féministes dans leur remise en cause du statu quo. Pourtant, comme toute révolution, celle du féminisme devra se confronter aux fondements intellectuels et idéologiques des différents disciplines - histoire, philosophie, sociologie, psychologie ... de la même manière qu'elle interroge les idéologies des institutions sociales de son époque. "
Le but étant d'apporter une réponse adéquate, de créer une réaction afin d'englober les hypothèses répandues dans un champ de recherche. Car la question " Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? " est visiblement que la partie émergée d'un iceberg fait de contresens et de malentendus.
" Sous la surface s'étend une grosse masse sombre d'idées reçues bancales sur l'art et ses implications, sur les capacités humaines en général et la perfection humaine en particulier, et sur le rôle que l'ordre social vient jouer dans tout cela. "
" Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? " se fait l'écho de l'écho de l'énergie politique et l'optimiste de cette époque.

Un travail de recherche, truffé de références et d'exemples de femmes artistes, écrit aux premières heures grisantes du mouvement de libération des femmes en 1970.

Des mots, des lignes, des pages riches et enrichissantes, à lire.

Bien que 50 ans après sa parution des femmes travaillent encore sur ce sujet afin de continuer à faire bouger les lignes.

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Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? - Linda Nochlin

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Publié en 1971 dans la revue ARTnews sous le titre " Why Have There Been No Great Women Artists ? " par l'historienne de l'art américaine Linda Nochlin. Ce texte, traduit en français en 1993 est aujourd'hui considéré comme un essai essentiel dans l'histoire de l'art.

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Pourquoi dans l'histoire des arts ne connaît-on pas de grand génie féminin de la peinture ? Pourquoi n'y a-t-il pas de Léonarda da Vinci, de Nicole Poussin, ou de Paulette Cézanne ? Linda Nochlin a été la première à poser la question, en 1971. Jusque là, visiblement, le problème n'avait attiré l'attention de personne. Par Carine Chichereau

En réalité, les femmes ont toujours créé. Comme les hommes. La mythologie grecque prête même l'invention du dessin à une femme : Callirrhoé de Sicyone, qui aurait dessiné au charbon le profil de son amant sur un mur. Alors surgit une nouvelle question : pourquoi dans la plupart de nos musées et de nos livres d'art sont-elles absentes ? Où sont-elles donc passées ? Combien demeurent aujourd'hui parmi toutes celles qui été englouties dans les oubliettes de l'Histoire ? Est-il encore possible de les sauver ?

Dans l'Antiquité comme au Moyen Âge, on connaît encore le nom de certaines artistes. Les peintures antiques, dans l'ensemble, ont disparu, mais on a toujours la trace des enlumineuses (Anastaise, Bourgot, Guda), qui vers 1400 à Paris représentaient entre 10% et 15% des artistes exerçant cette profession. C'est vers la fin du Moyen Âge que l'on commence à différencier artistes et artisans, et à trouver leurs noms répertoriés. La Renaissance, dans le domaine de la peinture, ne laisse hélas pas beaucoup de place aux femmes. Mais dès le XVI e siècle, sans doute à la faveur des grands ateliers vénitiens et romains, elles recommencent à faire leur apparition. Ainsi, en Italie, Marietta Robusti, dite la Tintoretta, fille de Tintoret, que Philippe II d'Espagne voulut faire venir à sa cour (son père refusa). Ou aux Pays-Bas espagnols, Catharine van Hemessen, qui serait la première à s'être représentée dans l'acte de peindre, avant même ses collègues masculins. Dans presque tous les cas, les femmes qui réussirent à faire une véritable carrière en tant que peintres étaient elles-mêmes filles de peintres, telles Artemisia Gentileschi, ou Lavinia Fontana. Elles peignaient, elles avaient leur place au sein de l'atelier, mais rares furent celles qui parvinrent à se singulariser comme Sophonisba Anguissola, qui se rendit bel et bien à la cour de Philippe II d'Espagne, elle, et peignit entre autres un grand nombre de portraits.

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Série peintres françaises : une introduction. Pourquoi n'y a-t-il pas de Léonarda da Vinci, de Nicole Poussin, ou de Paulette Cézanne ? - Livre infos-Choses lues

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Pourquoi dans l'histoire des arts ne connaît-on pas de grand génie féminin de la peinture ? Pourquoi n'y a-t-il pas de Léonarda da Vinci, de Nicole Poussin, ou de Paulette Cézanne ? Linda Nochlin a été la première à poser la question, en 1971. Jusque...

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Organisation de femmes pour les femmes artistes

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Camille Claudel - 14 œuvres d'art - sculpture

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Cindy Sherman, Selfie Queen - Culture Prime

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Présentant des œuvres majeures de la photographe américaine de renommée mondiale Dorothea Lange (1895, Hoboken, New Jersey ; 1966, San Francisco, Californie), dont certaines n'ont jamais été exposées en France, l'exposition " Dorothea Lange. Politiques du visible " est articulée en cinq ensembles distincts. Ceux-ci mettent l'accent sur la force émotionnelle qui émane de ces photographies ainsi que sur le contexte de la pratique documentaire de la photographe. Plus d'une centaine de tirages vintage, réalisés de 1933 à 1957, sont mis en valeur par des documents et des projections qui élargissent la portée d'une œuvre déjà souvent familière au public grâce à des images emblématiques de l'histoire de la photographie comme White Angel Breadline (1933) et Migrant Mother (1936). Les tirages exposés appartiennent pour l'essentiel à l'Oakland Museum of California, où sont conservées les archives considérables de Lange, léguées par son mari Paul Schuster Taylor et sa famille.

À l'instar du célèbre roman de John Steinbeck paru en 1939, Les Raisins de la colère, l'œuvre de Dorothea Lange a contribué à façonner notre vision de l'entre-deux guerres aux États-Unis et à affiner notre connaissance de cette période. Mais d'autres aspects de sa pratique, qu'elle considérait comme archivistique, sont également mis en avant dans l'exposition. Resituant les photographies de Lange dans le contexte de son approche anthropologique, l'exposition offre au public la possibilité de comprendre que la force de ces images s'enracine également dans les interactions de la photographe avec son sujet, ce qui se manifeste à l'évidence dans les légendes qu'elle rédige pour accompagner ses photographies. Lange a ainsi considérablement enrichi la qualité informative de ses archives visuelles, produisant une forme d'histoire orale destinée aux générations futures.

En 1932, pendant la Grande Dépression débutée en 1929, Lange, observant dans les rues de San
Francisco les chômeurs sans-abris, abandonne son activité de portraitiste de studio, la jugeant désormais inappropriée. Au cours de deux années qui marquent un tournant dans sa vie, elle photographie des situations qui décrivent l'impact social de la récession en milieu urbain. Ce travail novateur suscite l'intérêt des cercles artistiques et attire l'attention de Paul Schuster Taylor,
professeur d'économie à l'université de Californie à Berkeley. Spécialiste des conflits agricoles des
années 1930, et plus particulièrement des travailleurs migrants mexicains, Taylor utilise les photographies de Lange pour illustrer ses articles, avant que les deux ne travaillent ensemble à partir de 1935 au profit des agences fédérales instituées dans le cadre du New Deal. Leur collaboration durera plus de trente ans. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Lange pratique sans discontinuer la photographie, documentant les problèmes majeurs de l'époque, notamment l'internement des familles nippo-américaines, les évolutions économiques et sociales imputables aux industries engagées dans l'effort de guerre, la justice pénale vue par le truchement du travail d'un avocat commis d'office.

Si les images emblématiques prises par Dorothea Lange durant la Grande Dépression sont bien connues, ses photographies des Américains d'origine japonaise internés durant la Seconde Guerre mondiale n'ont pas été publiées avant 2006. Présentées ici pour la première fois en France, elles illustrent parfaitement comment Dorothea Lange a créé tout au long de sa carrière des images aussi intimes qu'émouvantes visant à dénoncer les injustices et infléchir l'opinion publique.

Parallèlement aux tirages exposés, différents objets ayant appartenu à la photographe, notamment des planches-contacts, des carnets de notes prises sur le terrain et diverses publications, replacent son travail dans le contexte de cette période troublée. L'exposition du Jeu de Paume ouvre une nouvelle perspective sur l'œuvre de cette artiste américaine de renom, dont l'héritage demeure vivant aujourd'hui encore. Tout en soulignant les qualités artistiques et la force des convictions politiques de la photographe, elle invite le public à redécouvrir l'œuvre de Dorothea Lange et son importance capitale dans l'histoire de la photographie documentaire.

Commissaires : Drew Heath Johnson, Oakland Museum of California, Alona Pardo, assistée de Jilke Golbach, Barbican Art Gallery et Pia Viewing, Jeu de Paume.

Exposition produite par l'Oakland Museum of California. La présentation européenne a été co-produite par le Jeu de Paume, Paris, et la Barbican Art Gallery, Londres.

L'exposition est en partie soutenue par l'Oakland Museum Women's Board, la Henry Luce Foundation, le Susie Tompkins Buell Fund, Ann Hatch et Paul Discoe.
La Banque Neuflize OBC, mécène historique du Jeu de Paume,
etFIDAL ont choisi d'apporter leur soutien à l'exposition " Dorothea Lange. Politiques du visible " à Paris.
Cette exposition a été rendue possible grâce à la contribution de laTerra Foundation for American Art.

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Présentant des œuvres majeures de la photographe américaine de renommée mondiale Dorothea Lange (1895, Hoboken, New Jersey ; 1966, San Francisco, Californie), dont certaines n'ont jamais été exposées en France, l'exposition " Dorothea Lange. Politiques du visible " est articulée en cinq ensembles distincts.

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Camille Claudel - 10 infos insolites - Culture Prime

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3 coups de pinceau : SOFONISBA ANGUISSOLA

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Musée d'arts de Nantes Tamara de Lempicka

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Musée d'arts de Nantes Tamara de Lempicka

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#serie Femmes artistes : Tamara de Lempicka - Musée d'arts de Nantes

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Expo/Tours : Rétrospective de la russe Alexandra Exter

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Les secrets d'une femme peintre - Mary Cassat | Culture Peinture

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Femmes artistes : Sonia Delaunay - Musée d'arts de Nantes

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Georgia O'Keeffe talking about her life and work

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Visite exclusive de l’exposition Georgia O'Keeffe | Centre Pompidou

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Musée des Beaux-Arts de Rennes Femmes créatrices

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Musée des Beaux-Arts de Rennes Femmes créatrices

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Exposition "FEMMES CREATRICES" au Musée des Beaux arts de Rennes

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Comment a-t-on écarté les femmes des académies royales ? du métier d'artiste ? Quelles sont les qualités "féminines" que l'on a longtemps et exclusivement reconnues aux œuvres des femmes ? Quel que soit le genre artistique dans lequel elles avaient choisi de s'exprimer - peinture, musique ou littérature - quels sont les genres réputés "mineurs" auxquels on les a longtemps cantonnées ? Mais les femmes ne sont pas que des victimes des rapports de domination masculin/féminin, elles sont nombreuses à avoir été actrices de leur carrière, à avoir réussi à affirmer leur droit à créer - et pas seulement à procréer - et cela bien avant l'invention de la notion d' empowerment. Retour en quatre émissions sur la place des femmes dans l'histoire de l'art.

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Femmes artistes - série de podcasts à écouter - France Culture

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Comment a-t-on écarté les femmes des académies royales ? du métier d'artiste ? Quelles sont les qualités "féminines" que l'on a longtemps et exclusivement reconnues aux œuvres des femmes ? Quel que soit le genre artistique dans lequel elles avaient choisi de s'exprimer - peinture, musique ou littérature - quels sont les genres réputés "mineurs" auxquels on les a longtemps cantonnées ?

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Film de l'exposition "Cindy Sherman à la Fondation"

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Experimental female designer, Eileen Gray | V&A

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Musée d'art moderne  Afrique(s) artistes femmes

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Musée d'art moderne  Afrique(s) artistes femmes

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Femmes d'art visite “The Power of My Hands”, la prochaine expo du Musée d'Art Moderne de Paris 💥🤎

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Le média des femmes qui font le monde de l'art

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Yayoi Kusama – Obsessed with Polka Dots | Tate

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Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 presents the work of 120 women artists and collectives active in Latin America and the United States during a key period in Latin American history and the development of contemporary art. The artists represent fifteen countries and include emblematic figures such as Lygia Clark, Ana Mendieta, and Marta Minujín as well as lesser-known contemporaries such as the Cuban-born abstract artist Zilia Sánchez, the Colombian sculptor Feliza Bursztyn, and the Brazilian video artist Letícia Parente. The exhibition is the first survey of radical and feminist art practices in Latin America and among Latina artists in the United States.

For women artists in Latin America, the decades covered by the exhibition were a time of both repression and liberation. Most countries in the region were ruled by dictatorships or riven by civil war at some point during these years. The lives of many of the artists featured in Radical Women were thus enmeshed in experiences of authoritarianism, imprisonment, exile, torture, violence, and censorship. Yet this period also saw the emergence of new sensibilities. While few Latin American women artists identified as feminists, their works and their lives often manifested a vision of the female universe at odds with the region's repressive regimes and deeply rooted patriarchal values. The Latina and Chicana artists working in the United States developed an aesthetic that addressed the marginalization of women and of their own communities in American society. Many of them participated in the civil rights, antiwar, gay rights, and feminist movements. Whether based in Latin America or the United States, the artists embraced the expanded possibilities of the era, with some contributing to the revitalization of traditional mediums such as painting and sculpture and others taking up new disciplines such as video art, performance, and conceptual practices.

Central to the diverse works in Radical Women is the notion of the political body. The themes around which the exhibition is organized-the self-portrait, the relationship between the body and landscape, the mapping of the body, the erotic, the power of words, the performative body, resistance and fear, feminisms, and social places-serve to render visible the shared concerns of artists across a vast geographic region.

Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 presenta el trabajo de 120 mujeres artistas y colectivos, ambos activos en América Latina y los Estados Unidos durante un período clave en la historia de Latinoamérica y en el desarrollo del arte contemporáneo. Las artistas representan a quince países, y la selección incluye figuras emblemáticas como Lygia Clark, Ana Mendieta y Marta Minujín, así como artistas coetáneas menos conocidas como la artista abstracta cubana Zilia Sánchez, la escultora colombiana Feliza Bursztyn y la vídeoartista brasilera Letícia Parente. Esta exposición representa el primer panorama de las prácticas radicales y feministas desarrolladas tanto en América Latina como por las artistas latinas radicales en los Estados Unidos.

Las artistas de América Latina vivieron momentos tanto de represión como de liberación durante las décadas que abarca la muestra. Casi todos los países de la región estaban bajo dictaduras o fueron divididos por guerras civiles en algún momento durante ese período. Muchas de las artistas de Radical Women por lo tanto vivieron experiencias de autoritarismo, encarcelamiento, exilio, tortura, violencia y censura. Sin embargo, en esta etapa también surgieron nuevas sensibilidades. Si bien pocas mujeres artistas latinoamericanas se autoidentificaron como feministas, a menudo manifestaron en sus vidas y obras una visión del universo femenino contraria a la de los regímenes represivos firmemente arraigados en valores patriarcales. Las artistas latinas y chicanas que trabajaban en los Estados Unidos, desarrollaron propuestas estéticas que abordaron temas de marginalización de la mujer y de sus propias comunidades en la sociedad norteamericana. Muchas de ellas participaron en los movimientos de apoyo a los derechos civiles, contra la guerra, en pro de derechos homosexuales y feministas. Bien fuese viviendo en América Latina o en los Estados Unidos, las artistas abordaron las posibilidades más amplias del momento, y mientras algunas contribuyeron a la renovación de los medios tradicionales como la pintura y la escultura, otras se dedicaron a nuevas disciplinas como videoarte, performance y prácticas conceptuales.

El núcleo central de las obras que conforman Radical Woman es la noción del cuerpo político. Los ejes temáticos en torno a los cuales fue organizada la exposición -el autorretrato, la relación entre el cuerpo y el paisaje, el cuerpo cartografiado, lo erótico, el poder de las palabras, el cuerpo actuando, miedo y resistencia así como feminismos y el lugar social - sirven para ilustrar los intereses y las problemáticas compartidas de estas artistas a través de una vasta región geográfica.

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Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 | Hammer Museum

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Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 presents the work of 120 women artists and collectives active in Latin America and the United States during a key period in Latin American history and the development of contemporary art.

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elles@centrepompidou - Artistes femmes dans les collections du Musée national d'art moderne

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La présentation de 'elles@centrepompidou', qui a accueilli plus de 2 millions de visiteurs depuis son ouverture, s'appuie sur la première collection européenne d'art moderne et contemporain, l'une des premières au monde.

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Artistes femmes, les grandes oubliées de l'histoire de l'art ?

Les grandes questions de l'histoire de l'art

La place et l'importance des artistes femmes dans l'histoire de l'art ne va pas encore de soi pour tou·te·s. Le Gombrich (première édition en 1950), ouvrage de référence en histoire de l'art, en est un bon exemple : il ne cite aucune femme dans ses éditions anglaises et françaises et seulement une dans celle en allemand. Pourtant, dès les années 1970, des initiatives de (re)découvertes des artistes femmes, portées par des chercheur·euse·s comme Linda Nochlin, ont donné lieu à des expositions mettant en lumière le travail de plasticiennes telles que Some Canadian Women Artists en 1975 à la National Gallery of Canada à Ottawa, Elles@centrepompidou au musée national d'Art moderne - Centre Georges Pompidou en 2009, ou plus récemment, Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 initialement organisée au Hammer Museum à Los Angeles en 2017.

Aujourd'hui encore, et bien que ces dernières années de grandes figures d'artistes femmes aient émergé, celles-ci souffrent d'une reconnaissance tardive en comparaison de leurs confrères. Par exemple, Louise Bourgeois (1911-2010), artiste française-états-unienne majeure du XX e siècle, est âgée de 70 ans lors de sa première rétrospective au Museum of Modern Art (MoMA) à New York en 1981, mais ce n'est qu'en 2008 qu'une institution française d'envergure, le musée national d'Art moderne - Centre Georges Pompidou, monte une exposition de ses œuvres. Nil Yalter (née en 1938), pionnière de l'art vidéo doit attendre 2016 avant que le 49 Nord 6 Est - Frac Lorraine accueille sa première rétrospective. D'autres artistes connaissent une renommée posthume, comme la photographe surréaliste Claude Cahun (1894-1954), exhumée dans les années 1990, plus de 30 ans après sa mort.

À l'image de la reconnaissance institutionnelle, celle du marché de l'art se fait également tardive pour les plasticiennes. La question financière se reflète dans certaines carrières, comme pour celle d'Hilma af Klint (1862-1944) partagée entre académisme vendeur et peinture médiumnique où elle s'illustre en tant que pionnière de l'abstraction. Elle n'est redécouverte qu'en 1986, 42 années après sa disparition, lors de l'exposition The Spiritual in Art, Abstract Painting 1890-1985 à Los Angeles. Selon le souhait de l'artiste, son testament stipulait que l'œuvre devait rester secrète au moins 20 ans après sa mort mais il faudra attendre 2008 pour qu'elle bénéficie de sa première rétrospective au Moderna Museet à Stockholm. Citons aussi l'exemple de la peintre et sculptrice cubaine Carmen Herrera (1915-2022) qui vend sa première œuvre en 2004 à 89 ans, s'en suit un succès institutionnel et l'inauguration en 2016 d'une grande rétrospective au Whitney Museum of American Art à New-York.

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Artistes femmes, les grandes oubliées de l'histoire de l'art ? - AWARE Women artists / Femmes artistes

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La place et l'importance des artistes femmes dans l'histoire de l'art ne va pas encore de soi pour tou·te·s. Le Gombrich (première édition en 1950), ouvrage de référence en histoire de l'art, en est un bon exemple : il ne cite aucune femme dans ses éditions...

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Expo virtuelle Suzanne Valadon au Monastère de Brou

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Expo virtuelle Suzanne Valadon au Monastère de Brou

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Fermeture de l'alerte

Attention

Le monument ouvrira exceptionnellement ses portes à 10h les 9 et 15 novembre prochain. Merci de votre compréhension.

Plongez depuis chez vous au cœur de l'exposition " Valadon et ses contemporaines " installée au monastère royal de Brou !

En attendant la réouverture du monument l'exposition " Valadon et ses contemporaines " a été reconstituée virtuellement.

Une manière de patienter et de la découvrir à distance, depuis chez vous ! Grâce à cette immersion au plus près des œuvres, il y en a pour tous les goûts et tous les âges.

Dans cette visite virtuelle, vous pourrez :

vous promener dans les salles, découvrir les 6 sections de l'exposition et accéder aux cartels des 100 œuvres exposées,

visualiser en détail 26 œuvres,

vous amuser grâce au parcours ludique en 7 énigmes, destiné aux enfants,

découvrir en vidéos 9 œuvres de l'exposition commentées par plusieurs membres de l'équipe du monastère royal de Brou

Nous ne doutons pas que tout cela vous donnera envie de la voir en vrai, dès la réouverture du monument !
Accédez à la visite virtuelle Visite virtuelle réalisée par Calyptone et ImmersiVR. Exposition organisée en partenariat avec le BAL - Musée des Beaux-Arts de Limoges et produite par la Ville de Bourg-en-Bresse et le Centre des monuments nationaux.
Informations pratiques
Tarif

9.5 €

gratuit pour les - de 26 ans (billet donnant accès à l'ensemble du monument)

Exposition à découvrir dès la réouverture du monument.

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Visite virtuelle de l'exposition " Valadon et ses contemporaines "

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Fermeture de l'alerte Attention Le monument ouvrira exceptionnellement ses portes à 10h les 9 et 15 novembre prochain. Merci de votre compréhension. Plongez depuis chez vous au cœur de l'exposition " Valadon et ses contemporaines " installée au monastère royal de Brou !

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Exposition « Valadon et ses contemporaines » au monastère royal de Brou

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Impossible de venir voir l'expo au Musée du Luxembourg ? C'est donc l'expo Peintres femmes qui vient à vous grâce à la visite en ligne !

Une visite virtuelle autonome avec audioguidage (tarif 5€, frais internet offert) : jusqu'au 31 août 2021
Visitez l'exposition en ligne quand vous le voulez, aussi souvent que vous le voulez, en vous connectant pendant les 7 jours de la période que vous aurez réservée ! Cette visite virtuelle autonome avec audioguide vous permettra de circuler à votre rythme, de salle en salle. Au cours de votre parcours, découvrez l'ensemble des œuvres de l'exposition dont 36 en haute définition avec possibilité de zoom profond. Pour 25 d'entre elles, vous bénéficiez de contenus complémentaires grâce à des commentaires audio, disponibles également au format texte. Chaque période de visite commence un mercredi et se termine le mardi suivant.

Pour accéder depuis chez vous à la visite autonome avec audioguide, il est nécessaire de disposer d'une bonne connexion au réseau internet, d'un ordinateur de type Mac ou PC, ou d'une tablette récente, ainsi que d'un navigateur compatible (version à jour du navigateur Chrome, Safari ou FireFox).
Découvrez un aperçu de ce qui vous y attend !

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Visitez l'expo Peintres Femmes depuis chez vous

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Impossible de venir voir l'expo au Musée du Luxembourg ? C'est donc l'expo Peintres femmes qui vient à vous grâce à la visite en ligne ! Une visite virtuelle autonome avec audioguidage (tarif 5€, frais internet offert) : jusqu'au 31 août 2021 Visitez l'exposition en ligne quand vous le voulez, aussi souvent que vous le voulez, en vous connectant pendant les 7 jours de la période que vous aurez réservée !

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Extrait MOOC Femme peintre à travers les âges

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Extrait MOOC Femme peintre à travers les âges

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Séquence 3 : De la représentation du réel à l'abstraction : du XVIIe au XIXe siècle.

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Les expositions et propositions de découvertes des créations de femmes au traves des siècles sont de plus en plus nombreuses. On a fait une sélection pas du tout exhaustive de quatre propositions à expérimenter en ce moment. Les femmes sont partout, dans tous les styles et toutes les avant-gardes.

"Mutter", oeuvre de Hannah Höch -1920 © Capture, Mooc "Elles font l'art"

En 2019, moins d'un tiers des artistes exposés en France étaient des femmes. Le retard est tel en matière de visibilité du travail des artistes et des créatrices, que l'on ne risque pas d'excès en se consacrant exclusivement à des productions féminines. Productions féminines ne veut pas dire qu'il y a en un art masculin différent d'un art féminin. Parcourir des expositions, des livres, des mooc, pour découvrir le travail des femmes permet de se rendre compte qu'il y a autant d'art que d'artistes, quelque soit leur genre.

Le mooc du Centre Pompidou : "Elles font l'art"

Si le XXe siècle vous intéresse plus que la Renaissance ou le XIXe siècle, foncez sur l e cours en ligne gratuit du Centre Pompidou en partenariat avec l'Université du Québec à Montréal (UQAM). Plasticiennes, peintres, photographes, vidéastes ou performeuses de toutes nationalités, elles ont fait ou font encore l'art des XXe et XXIe siècles. On y apprend pour commencer le piètre état de la représentation des créations des femmes.

Dans les musées américains leurs travaux représentent 11% des acquisitions, et 14% des expositions. Elles ne représentent que 4% des ventes. En France, il a fallu attendre 2018 pour que les achats d'œuvres de femmes soient aussi importants que ceux d'œuvres d'hommes. Après 10 ans d'efforts, nous dit-on dans ce mooc, le Centre Pompidou a fait passer la part des œuvres d'artistes femmes dans ses collections de 18 à 21%. Dix ans, pour 3 points de progression, ce qui pourrait faire qu'à ce rythme la parité soit atteinte dans un demi-siècle. Le Centre, comme l'ensemble des institutions publiques, a donc encore beaucoup de progrès à faire pour se libérer du poids de l'histoire.

Ce MOOC se compose de 5 séquences ouvertes jusqu'au 25 juin 2021.

L'exposition virtuelle "Peintres femmes, 1780-1830, naissance d'un combat"

L'exposition Peintres femmes, 1780-1830, que le public ne peut pas voir en ce moment au Musée du Luxembourg, se dévoile dans une visite virtuelle. Ce parcours montre comment les femmes se sont battues pour être formées aussi sérieusement que les hommes, pour qu'on ne les renvoie pas en permanence à la soi-disant "faiblesse de leur genre". Moins nombreuses que les hommes, elles ont tout de même produit des chefs d'œuvres, comme le démontre bien la sélection faite par la commissaire Martine Lacas. Si Elisabeth Vigée Le Brun liée à l'Ancien Régime nous est familière dans les expositions, ce n'est pas le cas des artistes de la même époque et des décennies suivantes. Le grand talent d'Elisabeth Lorimier, contemporaine de Ingres et tout aussi virtuose que lui, la maitrise d'Adélaïde Labille-Guiard, et les paysages de Louise Joséphine Sarazin de Belmont, nous sont inconnus. Les commentaires audio de la visite virtuelle s'arrête sur 25 de ces œuvres, et 11 d'entre elles bénéficient d'un visionnage en très haute définition. Il faut réserver sa visite (tarif : 5 euros).

Le mooc "Peintres femmes à travers les âges"

Dans le prolongement de l'exposition du musée du Luxembourg, le mooc gratuit lancé par la RMN Grand Palais/fondation Orange retrace l'histoire des créatrices depuis la Renaissance et va un peu au-delà du XIXe siècle.

Dans Peintres Femmes, à travers les âges, on découvre par exemple le parcours d'une artiste comme Lavinia Fontana, au XVIe siècle à Bologne, ville connue pour son université, son élite érudite et humaniste, et son ouverture aux femmes. Fontana s'est imposée par son talent, malgré les conventions de l'époque qui l'auraient cantonnée à quelques amabilités artistiques. Dans son cas, son mari est devenu son assistant.

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Gérer mes choix

Pour Sonia Brunel et Françoise Besson, les deux historiennes de l'art de la Réunion des Musées Nationaux qui ont conçu ce parcours, pas question de généraliser sur le thème "de tous temps le talent des femmes a été minoré". La réalité est plus complexe, varie selon les époques et les pays. Certaines ont eu des carrières brillantes, l'histoire les a oubliées, d'autres ont arrêté leur carrière quand elles se sont mariées.

Le mooc évoque des artistes jusqu'au début du XXe siècle. Par exemple Vieira da Silva, artiste d'origine portugaise, arrivée à Paris en 1928. Ses sources d'inspiration vont des azulejos (carreaux traditionnels portugais) à la peinture de Pierre Bonnard. Son œuvre oscille entre réalité et abstraction.

L'exposition virtuelle, "Valadon et ses contemporaines"

Le monastère royal de Brou organise une exposition consacrée à Suzanne Valadon et ses contemporaines. Là aussi faute de visite publique, il faut passer par l'immersion virtuelle au milieu des tableaux. Valadon est la célèbre peintre de Montmartre, connue pour ses tableaux aux couleurs vives, et ses personnages dont les formes sont surlignées de noir. Elle est morte en 1938. Le début du XXe siècle est marqué par les avant-gardes, c'est une période particulièrement riche artistiquement, qui a vu éclore l'impressionnisme, le cubisme ou l'abstraction. En prenant appui sur la notoriété déjà acquise de Suzanne Valadon, l'exposition met en lumière les artistes de son époque et questionne les réseaux artistiques auxquels elles appartiennent, les sujets dont elles s'emparent et leur contribution aux mouvements d'avant-garde dans une société où les femmes n'ont toujours pas le droit de vote, ni celui de posséder un compte en banque par exemple.

Visite virtuelle de l'exposition "Valadon et ses contemporaines" au monastère royal de Brou / Capture

L'exposition réunit près de 50 artistes : célèbres comme Camille Claudel, Marie Laurencin, Sonia Delaunay, Séraphine de Senlis ou Tamara de Lempicka, et d'autres moins connues ou parfois oubliées par la postérité. Par exemple, Louise Abbéma, peintre, sculptrice et graveuse, connue pour ses portraits de Sarah Bernhardt. Avec le portrait de Blanche Moria par Blanche Polonceau, on découvre deux artistes. Blanche Moria sculptrice de la fin du XIXe siècle, et Blanche Polonceau, portraitiste, morte en 1914.

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Quatre expositions virtuelles ou mooc pour découvrir des dizaines d'artistes femmes pas assez connues

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Les expositions et propositions de découvertes des créations de femmes au traves des siècles sont de plus en plus nombreuses. On a fait une sélection pas du tout exhaustive de quatre propositions à expérimenter en ce moment. Les femmes sont partout, dans tous les styles et toutes les avant-gardes.

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SERIE | L'expo "Peintres femmes" décryptée par Margaux Brugvin (1/5)

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La place des femmes dans l’art | Centre Pompidou

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ELISABETH LOUISE VIGEE LE BRUN - Itinéraire d'une femme peintre !

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La représentation de la femme dans l’art européen

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ART et FÉMINISME : Women House à la Monnaie de Paris

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Midi et quart, histoire de l’art : Portrait d’une femme noire de Marie-Guillemine Benoist

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Découvrez ici une sélection de nos vidéos autour de la thématique de la femme (artistes femmes, femmes qui ont marqué l'histoire, femmes muses etc.).

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NaRt : Femmes artistes, artistes féministes - Partie 1

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Le Centre Pompidou ouvre son nouveau MOOC " Elles font l'art ".
Ce cours en ligne gratuit et ouvert à tous, constitué de vidéos, de quiz et d'activités, se consacre cette année aux femmes artistes de 1900 à nos jours.

Plasticiennes, peintres, photographes, vidéastes ou performeuses de toutes nationalités, elles ont fait et elles font encore l'art des 20 e et 21 e siècles.

À travers un parcours chronologique, nous vous invitons à découvrir une autre histoire de l'art moderne et contemporain dédiée aux créatrices. C'est une nouvelle manière pour le Centre Pompidou d'affirmer avec force son engagement auprès des femmes, et en faveur de l'égalité entre les genres.

Les séquences du MOOC :

Introduction : Pourquoi " Elles " ?
Séquence 1 : Où sont les femmes dans l'histoire de l'art ?
Séquence 2 : Elles font les avant-gardes 1910-1930
Séquence 3 : Le tournant féministe 1960-1970
Séquence 4 : Troubles dans les genres 1980 à nos jours
Séquence 5 : Et maintenant ?

Ce parcours en cinq séquences entre en résonance avec la grande exposition " Elles font l'abstraction " organisée de mai à août 2021.

Préparez votre visite !

Début du cours : 25 janvier 2021

Fin de l'animation : 25 juin 2021

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mooc (massive open online course) (cours en ligne ouvert et massif)

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Le Centre Pompidou ouvre son nouveau MOOC " Elles font l'art ". Ce cours en ligne gratuit et ouvert à tous, constitué de vidéos, de quiz et d'activités, se consacre cette année aux femmes artistes de 1900 à nos jours.

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14837 inscrits

Peintres Femmes à travers les âges

En peinture comme en bien d'autres choses, les femmes sont ultra-minoritaires. De là à penser que l'art est une chose trop sérieuse et digne pour être confiée à des femmes, il n'y a qu'un pas, que les académies engoncées dans leurs règlements protecteurs se sont empressées de franchir, au moins jusqu'à la fin du XIX e siècle.

Pourquoi les femmes ont-elles dû rester à la porte de ces nobles institutions ? Quelles stratégies ont mises en place celles qui, en dépit de tout, ont souhaité exercer et faire connaître leur art ? Et les hommes, que pensaient-ils de ces peintres femmes ?

Ce MOOC vous invite à découvrir des dizaines de peintres femmes dont les œuvres sont parvenues jusqu'à nous et jouissent désormais d'une reconnaissance méritée. Il vous permettra également de parcourir les époques et de mesurer les changements d'attitudes devant les velléités artistiques féminines. Vous constaterez enfin que bien des peintres hommes ont emboîté le pas de leurs consoeurs dans des voies innovantes et peu conventionnelles.

Ce MOOC vous propose d'explorer le sujet au travers des vidéos, des ressources complémentaires et des diaporamas familiers à ceux qui sont fidèles aux cours réalisés avec la Rmn-Grand Palais. Chaque séquence vous présentera un genre dans lequel les peintres femmes ont excellé, et plusieurs artistes incontournables.

Ce MOOC offre en outre une nouveauté de taille : une section "enfants" ! Le MOOKids permettra aux 8 - 12 ans d'aborder des œuvres de manière ludique, et de gagner des badges, comme les adultes. Petits et grands auront l'occasion de partager leurs coups de cœur artistiques et d'exercer leur créativité dans des activités ouvertes.

Enfin, au fil des pages, vous pourrez collecter des points, relever des défis et tenter de gagner des prix !

Le MOOC vous est proposé par la Rmn-Grand Palais, avec le soutien de la Fondation Orange.

Introduction

Pourquoi connaît-on si peu de peintres femmes ? Un panorama général de la difficile condition de peintre femme au fil du temps.

1

De l'autoportrait au portrait

Les femmes, se voyant interdire la peinture des corps, se concentrent sur les visages. Elles travaillent le plus souvent sur commande, pour une clientèle aisée, jusqu'à l'invention de la photographie. Plus tard, elles renouvellent le genre avec des audaces formelles.

2

La peinture d'histoire

La peinture d'histoire est le genre noble par excellence et donc, réservé aux hommes. Certaines femmes parviendront pourtant à contourner les règles, ou s'épanouiront dans les rares espaces qui leur sont favorables. Le début du XX e siècle voit enfin s'ouvrir les portes des académies... alors que ces dernières perdent leur toute-puissance.

3

De la figuration à l'abstraction

Puisque la peinture d'histoire leur est interdite, les femmes excelleront dans les scènes de genre et la nature morte, genres dits mineurs qui sont devenus extrêmement populaires. L'abstraction permettra aux peintres femmes de libérer leur créativité et d'accéder peu à peu à une reconnaissance légitime.

Le MooKids

Tu as entre 8 et 12 ans ? Tu aimerais en savoir plus sur la peinture ? Suis-nous dans ce cours consacré aux peintres femmes !
Dans chaque séquence, une page t'est réservée. Tu y découvriras une œuvre étonnante ou mystérieuse. Tu pourras toi aussi peindre ou dessiner. Nous te proposerons aussi quelques pages à consulter sur Internet. Enfin, les quiz te permettront de gagner des récompenses !
Intéressé.e ? Alors, demande à un adulte de s'inscrire au MOOC et repère les pages marquées MooKids !

Qui peut suivre ce MOOC ?
Tout le monde peut suivre ce MOOC, gratuitement.
Quels que soient votre âge, votre équipement informatique, votre utilisation d'Internet, votre connaissance de la peinture... vous êtes les bienvenus sur le MOOC Peintres femmes. Pour apprendre avec nous, il suffit d'être curieux !

Mon matériel est-il adapté ?

Vous pouvez suivre le MOOC sur un ordinateur, une tablette, un smartphone. Il vous suffira pour cela d'utiliser votre navigateur Internet. Pour une navigation optimale, utilisez Chrome, Firefox, Edge, Safari ou leurs versions mobiles. Utilisateurs d'Internet Explorer, il vous faudra une version supérieure à IE 10.

Puis-je évaluer mes connaissances ?

Oui ! A la fin de chaque séquence centrale (au nombre de 3 dans ce MOOC), vous pouvez tester vos connaissances avec un quiz. Chaque quiz réussi vous donne droit à un badge, qui s'affiche sur votre page profil. Si vous obtenez vos 3 badges, vous aurez accès au super-badge et à une attestation téléchargeable.

Mais tout ça, c'est très sérieux ?

Pas tant que ça ! Bien sûr, les contenus ont été préparés par les experts de la Rmn. Mais ils ne sont pas tristes ! En plus, vous pourrez jouer tout au long du MOOC, accumuler des points, défier les autres participants... Avec fair play et bonne humeur !

Pendant le MOOC, retrouvez ses organisateurs et les participants sur les réseaux sociaux !

Sur Twitter : @ MoocCulture, @ FondationOrange, @ GrandPalaisRmn
Sur Facebook : @ FondationOrange, @ GrandPalais.RMN
Sur Instagram : @ le_grand_palais

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14837 inscrits En peinture comme en bien d'autres choses, les femmes sont ultra-minoritaires. De là à penser que l'art est une chose trop sérieuse et digne pour être confiée à des femmes, il n'y a qu'un pas, que les académies engoncées dans leurs règlements protecteurs se sont empressées de franchir, au moins jusqu'à la fin du XIX e siècle.