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Andy Warhol ha dato la massima notorietà alla serigrafia, tecnica di realizzazione di stampe, che aveva avuto un grande sviluppo in Oriente e che si era diffusa negli Stati Uniti d’America all’inizio del XX secolo. Successivamente, diventò uno dei massimi mezzi espressivi utilizzati nell’ambito della pop art. Il sostantivo serigrafia si riferisce chiaramente, a una scrittura (grafia) attraverso la seta (seri). E così risulta pienamente. Per ottenere le serigrafie si utilizza una stoffa a trama molto fitta, simile alla seta. L’artista, un tempo, stendeva un materiale isolante sulla tela. E toglieva con uno stilo il materiale stesso nei punti in cui voleva creare il disegno. Si otteneva così una parte impermeabile e un’altra permeabile. Là dove egli ha disegnato o dipinto, il colore di stampa sarebbe filtrato, attraverso una compressione, sul tessuto o sul foglio sottostante. Andy Warhol utilizzò, soprattutto, come matrice, fotografie stampate su un lucido, secondo una procedura rimasta concettualmente invariata, a livello industriale.
La stampa serigrafica può essere successivamente ritoccata dall’artista per ottenere, all’interno di una produzione multipla, un’opera che si distingue, a proprio modo, per unicità. Sotto il profilo stilistico questa tecnica influenzò notevolmente Warhol, orientandone l’espressione stilistica. Pochi colori e margini netti, come se le figure fossero ritagliate a livello di silhouette. Somiglianza alla cartellonistica pubblicitaria e possibilità di ottenere multipli di qualità.

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E' stato creato nel 1984 per celebrare la grande popolarità dell'album del cantante, Thriller, del 1982.
Il quadro, 76 centimetri per 66, ritrae Jackson sorridente con la giacca di pelle rossa indossata nel video di Thriller, forse il più famoso della sua carriera.
L’opera, risalente al 1984  custodita alla Vered Gallery di New York, sarà esposta prima della vendita al British Music Experience di Londra, nell’Arena O2, la stessa dove il re del pop avrebbe dovuto esibirsi per il suo atteso ritorno sul palco, se la sua vita non fosse stata stroncata dall’attacco cardiaco che lo ha ucciso.

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Warhol, ormai artista affermato, non aveva più molto da innovare e cercò piuttosto di trarre profitto dalla fama che si era creato negli anni precedenti: si mise a dipingere ritratti su commissione – per la famiglia dello Scià di Persia ma anche per attrici e musicisti celebri – e a concedere interviste in cui esaltava il ruolo del business artistico.

Nel 1973 decise quindi, probabilmente per attirarsi anche l’attenzione dei mass media, di dedicare una delle sue serigrafie a Mao Tse-Tung, il leader cinese che da poco era ritornato a esercitare il potere nel suo paese in seguito alla Rivoluzione culturale. L’intento di Warhol, secondo le sue parole di allora, era quello di stigmatizzare la mancanza di creatività che sembrava emergere, stando alle cronache, dalla società cinese dell’epoca.

La serigrafia, che comunque rispetto ai lavori precedenti presenta un uso del colore molto più forte grazie all’utilizzo di ampie pennellate, rielaborava un’immagine tratta dal famoso Libretto rosso di Mao.

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La ripetizione seriale del dipinto raffigurante l’attrice Marilyn Monroe trasformò il suo volto in una icona della società americana.

L’installazione intitolata Marilyn Monroe di Andy Warhol è formata da 9 serigrafie a colori. Il volto di Marilyn Monroe è ripetuto per ogni modulo con variazioni di colore. Fu in seguito alla morte prematura dell’attrice nel 1962, che Andy Warholdecise di trasformare il volto della donna in icona di massa.

Andy Warhol, Marilyn Monroe, 1967, serigrafia a colori, cm 91,5 x 91,5 ogni modulo. Colorado, Powers Art Center, Collezione John e Kimiko Powers.
https://www.analisidellopera.it/andy-warhol-marilyn-monroe/

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Le sue opere più famose sono diventate delle icone: Marilyn Monroe, Mao Tse-Tung, Che Guevara e tante altre. La ripetizione è diventata il suo segno distintivo: su grosse tele riproduceva moltissime volte la stessa immagine alterandone i colori. Prendendo immagini pubblicitarie di grandi marchi commerciali (famose ad esempio le sue bottiglie di Coca Cola), o immagini d’impatto come incidenti stradali o sedie elettriche, riusciva a svuotare di ogni significato le immagini che rappresentava proprio ripetendole più volte. La sua arte, che portava gli scaffali di un supermercato all’interno di un museo o di una mostra d’arte, è provocativa: secondo uno dei più grandi esponenti della Pop Art l’arte doveva essere ‘consumata’ come un qualsiasi altro prodotto commerciale. E’ stato anche fondatore della Factory, luogo in cui giovani artisti newyorkesi potevano trovare uno spazio collettivo per creare.

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Il ritratto è in generale ogni rappresentazione di una persona secondo le sue reali fattezze e sembianze: propriamente si riferisce a un'opera artistica realizzata nell'àmbito della pittura, della scultura, del disegno, della fotografia o anche, per estensione, la descrizione letteraria di una persona.

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La figura umana è sempre stata un soggetto affascinante per gli artisti di tutti i tempi. Oggi grazie alla fotografia è possibile immortalare le persone in ogni fase della loro vita, ma prima della sua invenzione (1851), era comune eseguire ritratti nelle occasioni importanti, per preservare un ricordo del tempo che è stato, delle persone lontane o non più in vita.

Anticamente il ritratto era riservato ai grandi personaggi, sovrani, imperatori, ricchi esponenti dell'aristocrazia. Venivano realizzati busti e mezzi busti in marmo, che raffiguravano la fisionomia della persona con gran cura dei dettagli: le acconciature delle donne, la barba negli uomini, i gioielli, i drappeggi dei vestiti erano riprodotti con grande realismo, e oggi sono elementi utili per risalire alla cronologia delle opere. I ritratti che si sono conservati meglio nel tempo sono quelli su tavola, perché la pittura su legno perdura più a lungo rispetto ad affreschi e tele dipinte.

Durante il Medioevo le raffigurazioni erano principalmente dedicate alle figure sacre: Cristo, la Madonna, i Papi, i santi e i martiri erano i soggetti prediletti dell'iconografia medievale. Le figure divine erano ritratte in grandi proporzioni nelle tele, mentre i committenti, anch'essi raffigurati, si riducevano a miniature sproporzionate.

I ritratti non sono mai stati solo semplici rappresentazioni della fisionomia, ma vanno oltre la documentazione e mostrano sempre uno sguardo interpretativo dell'artista sul soggetto.

Nel corso dei secoli lo sguardo dell'artista è cambiato giungendo a soluzioni sempre nuove e inaspettate, passando per la pittura rappresentativa, realistica e astratta. Al giorno d'oggi un ritratto è considerato un oggetto di lusso, ancor più che nei secoli scorsi, e assume grande valore in quanto riesce a rappresentare l'essenza interiore del personaggio, dal punto di vista dell'artista: perché lo scopo dell'arte non si riduce alla mera rappresentazione oggettiva, ma deve indagare ciò che sta al di sotto dell'apparenza, deve lasciar trasparire il significato interiore.

La centralità dell'uomo nell'Umanesimo

Il ritratto nell'accezione moderna nacque nel Quattrocento, quando nell'arte fu riscoperta la centralità dell'uomo. Se fino ad allora i ritratti erano prerogativa della nobiltà, con l'Umanesimo si diffusero anche tra la nuova borghesia e diventarono uno status symbol, con una funzione che andava oltre quella di ricordo delle persone lontane o commemorazione.

Nella nuova cultura umanistica il ritratto riconosceva la centralità dell'uomo e la sua dignità di soggetto autonomo, i personaggi erano raffigurati con un realismo epidermico, caratterizzati nel loro ruolo sociale e posavano sempre con signorile compostezza.

Nel Quattrocento il ritratto si sviluppò in varie tipologie: busto, mezza figura, figura intera, di profilo, di famiglia, di gruppo. Apparvero nei ritratti anche le donne, non più come mero ideale di bellezza ma rappresentate in quanto persone con le proprie caratteristiche.

Piero della Francesca, ritratto di Federico da Montefeltro e Battista Sforza

Il ritratto a mezza figura era ideale per rappresentare il personaggio nel suo complesso, perché, senza soffermarsi solo sul volto, concentrava l'attenzione anche al modo di vestire, ai gesti, alla posa.

Si diffondeva anche il ritratto di profilo, che permetteva di mettere in risalto i tratti fisionomici caratteristici di una persona, e al contempo di idealizzare e stilizzare la figura, rendendola riconoscibile seppur eliminandone i difetti fisici.

Il ritratto di corte nacque con Giotto, che dipinse nella cappella degli Scrovegni a Padova una serie di pale dedicate a sovrani, santi di corte, donatori e committenti. I personaggi raffigurati avevano un ruolo centrale e assumevano dignità artistica anche grazie alle inquadrature che li ritraevano a mezza figura, con gran ricchezza di dettagli sugli abiti, gioielli e acconciature che ne rivelavano lo stato sociale; o ritratti di gruppo che mostravano l'abitazione e la famiglia al completo.

La pittura fiamminga

L'arte delle Fiandre ebbe grande importanza nell'evoluzione del ritratto e divenne la culla di un nuovo movimento pittorico promosso da Jan Van Eyck, che aprì la strada al ritratto realistico. Grande esempio è il celebre "I coniugi Arnolfini", che con il suo sguardo oggettivo, profondo e indagatore segnò lo sviluppo dell'intera ritrattistica rinascimentale.

La pittura fiamminga introdusse una nuova postura del personaggio raffigurato: si passò così dalla descrizione di profilo alla posa a tre quarti. Tale posizione permetteva una più minuta analisi fisica e psicologica del personaggio. Si passava quindi da una convenzionalità psicologica all'analisi del reale stato d'animo del soggetto.

Le influenze fiamminghe si sentirono anche in Italia, infatti l'impostazione dei ritratti cambiò radicalmente. I pittori si concentrarono sui tratti somatici e peculiari dei loro soggetti, ripresi con gran cura dei dettagli, e sulla rappresentazione di abiti e acconciature, che ci raccontavano la storia del personaggio, le mode e le usanze dell'epoca.

Iniziarono ad essere ritratte anche le donne. Se il ritratto maschile commemorava gesta e vittorie, quello femminile immortalava la donna nello splendore di un particolare momento della sua vita, che diventava un modello da imitare per le altre donne, elevandosi a nuovo canone di bellezza.

Il ritratto Rinascimentale

Le innovazioni della corrente umanista negli ultimi decenni del Quattrocento portarono allo sviluppo dell'arte figurativa rinascimentale. All'inizio del Cinquecento le trasformazioni accelerarono, grazie alle ricerche di artisti come Leonardo, Raffaello, Giorgione, Tiziano, che caratterizzarono il periodo e fecero scuola alla pittura rinascimentale.

I pittori veneti elaborarono il ritratto a mezzo busto, caratterizzato da un'attenzione introspettiva alla vita interiore e sociale del personaggio, che si rivelava attraverso simboli e allegorie. Grandi maestri di questo genere furono Tiziano, Tintoretto, Lorenzo Lotto, Gian Battista Moroni. In quel periodo si diffuse anche il ritratto ufficiale, con il sovrano a cavallo o sul trono, dal carattere solenne e celebrativo, che divenne una moda in tutta Europa. Raffaello fu un maestro del ritratto aulico e idealizzato, mentre Leonardo si concentrava sulla percezione psicologica del soggetto.

Nel Nord Europa la ritrattistica assumeva connotazioni proprie: principali esponenti furono Dürer e Holbein, i cui ritratti erano caratterizzati da una forte capacità di indagine e da una minuziosità quasi ossessiva.

Dürer diede inizio alla tradizione dell'autoritratto allo specchio, che è per l'artista un mezzo per conoscersi meglio ed esplorarsi, e all'osservatore permette di riflettersi nella figura che osserva, trovando delle somiglianze. L'indagine introspettiva di sé permessa dall'autoritratto corre parallela anche alla storia dell'autocoscienza artistica. Il pittore si elevava ad una posizione sociale elevata, diversa da quella del semplice artigiano. Nel celebre autoritratto la sua figura è inquadrata in una partitura di finestre e paesaggio cosicché l'attenzione si focalizzi sul personaggio. Sotto la finestra si legge "1498 feci questo secondo le mie sembianze quando avevo 26 anni".

Holbein realizzò una serie di emblematici ritratti dei mercanti, caratterizzati come esponenti di una precisa classe sociale. Ne evidenziò infatti i tratti di personalità affini alla condizione mercantile: sicurezza di sé, spirito calcolatore, crudo realismo. Nell'ambiente circostante sigilli, anelli, bilance di precisione indicano il contesto sociale.

Albrecht Dürer, autoritratto allo specchio

Jan van Eyck, "I coniugi Arnolfini" 1434

Il ritratto di gruppo

I pittori fiamminghi del Seicento diffusero la moda dei ritratti di gruppo: esponenti della nuova borghesia mercantile, compagnie militari, gruppi di professionisti, coppie di sposi o fidanzati, ritratti di famiglia. Erano molto comuni i ritratti di gruppo in ambiente domestico o nel paesaggio, che raffiguravano le persone in conversazione.

Numerosi pittori italiani presero ispirazione dagli artisti fiamminghi. Piero della Francesca ritrasse Federico da Montefeltro e la moglie Battista Sforza in un dittico di profilo. L'influenza fiamminga traspare dagli elementi paesaggistici indagati con cura minuziosa, come il fiume tortuoso popolato dalle barche sullo sfondo. Anche Antonello da Messina, nel "Ritratto d'Uomo", riprendeva a sua volta la gamma di colori bruciati tipica dell'arte delle Fiandre.

Grandi esponenti del ritratto di gruppo furono Rembrandt, Gainsborough, Hogarth, Renoir, Degas, Sargent. In Spagna spicca Velàzquez che eseguì diversi ritratti degli esponenti della casa reale, e una realistica serie di ritratti ai buffoni di corte. Pittori come Carracci, Guercino e Bernini diedero inizio all'arte della caricatura, che fu poi portata avanti da vari artisti come arma di satira politica e sociale; in Inghilterra ad esempio fanno strada William Hogarth e Joshua Reynolds.

Nel Settecento il gusto neoclassico si proiettava anche nei dipinti, che divennero caratterizzati da tonalità chiare e luci limpide, linee semplificate e pulite, tratti somatici equilibrati e idealizzati, con richiami all'arte greca. Grandi artisti di questo stile furono Antonio Canova, Ingres e Jacques-Louis David.

Entravano nei dipinti anche i soggetti comuni, ritratti in composizioni pittoresche e dallo stile popolare. Questi personaggi non erano committenti dell'opera ma attiravano l'attenzione dell'artista che voleva esplorare la varietà degli esseri umani; grande novità fu la serie dei malati mentali ritratta da Théodore Géricault, e lo sperimentalismo di Francisco Goya della "Maja Desnuda".

Il ritratto moderno e l'influenza della fotografia

Nell'Ottocento i ritratti si diversificano nella corrente "classica", sulle orme di David; nella corrente "romantica", di Delacroix, e in quella politica di Courbet. L'invenzione della fotografia aprì nuovi scenari nella ritrattistica, che divenne sperimentazione di luci e colori, dell'espressione del subconscio mentale e delle visioni personali.

Nel Novecento l'arte ritrattistica veniva influenzata dalla corrente astratta, che poneva il "sé interiore" al centro del ritratto e al di sopra della rappresentazione oggettiva della fisionomia. Grandi artisti moderni furono Modigliani, Mirò, De Chirico, Picasso.

Eseguire un ritratto prima della fotografia, richiedeva molto tempo. Gli artisti facevano posare i soggetti per diverse ore, a volte anche in più sedute. Si narra che Cézanne, obbligasse i suoi protagonisti a posare anche per 100 volte. Goya preferiva fare una seduta unica lunga l'intera giornata; altri pittori disegnavano il volto dal vivo e completavano successivamente in studio il corpo, gli abito, lo sfondo.

La prima preoccupazione del ritrattista era far stare a proprio agio il protagonista, in una posizione che fosse il più possibile naturale e intrattenendolo in conversazione per non alterare l'umore.

Spesso i pittori, nella scelta dello stile e dei colori, prendono in considerazione il luogo in cui il ritratto verrà appeso e le decorazioni circostanti, per far sì che non stonasse con l'ambiente.

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Il ritratto e la sua evoluzione dall'Umanesimo alla modernità

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Prima che fosse inventata la fotografia, era comune ritrarre le persone nelle occasioni importanti. Al giorno d'oggi il ritratto è un oggetto di lusso...

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Andy Warhol, considerato a pieno titolo uno dei più grandi geni artistici del suo secolo, nasce a Pittsburgh (Pennsylvania) il 6 agosto 1928: figlio di immigrati slovacchi di etnia Rutena, il suo nome vero è Andrew Warhola. Si trasferisce poi a New York dove lavora come grafico pubblicitario presso alcune riviste: "Vogue", "Harper's Bazar", "Glamour".

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Biografia * Le banalità di un mito

Andy Warhol, considerato a pieno titolo uno dei più grandi geni artistici del suo secolo, nasce a Pittsburgh (Pennsylvania) il 6 agosto 1928: figlio di immigrati slovacchi di etnia Rutena il suo nome vero è Andrew Warhola. Tra il 1945 e il 1949 studia al Carnegie Institute of Technology della sua città. Si trasferisce poi a New York dove lavora come grafico pubblicitario presso alcune riviste: "Vogue", "Harper's Bazar", "Glamour". Fa anche il vetrinista e realizza le sue prime pubblicità per il calzaturificio I. Miller.

Le prime mostre

Nel 1952 tiene la prima personale alla Hugo Gallery di New York. Disegna anche scenografie. Nel 1956 espone alcuni disegni alla Bodley Gallery e presenta le sue Golden Shoes in Madison Avenue. Compie poi alcuni viaggi in Europa e Asia.

Gli anni '60

Intorno al 1960 Warhol comincia a realizzare i primi dipinti che si rifanno a fumetti e immagini pubblicitarie. Nei suoi lavori compaiono Dick Tracy, Popeye, Superman e le prime bottiglie di Coca Cola.

Inizia a utilizzare la tecnica di stampa impiegata nella serigrafia nel 1962, rivolgendo l'attenzione alla riproduzione di immagini comuni, degne del titolo di "icone simbolo" del suo tempo, comprese le lattine di zuppa. Tratta anche temi carichi di tensione, come i Car Crash (Incidenti automobilistici) e Electric Chair (sedia elettrica). Dal suo stile "neutro" e banale prende il via la cosiddetta Pop-art.

Come scrive Francesco Morante:

La sua arte prende spunto dal cinema, dai fumetti, dalla pubblicità, senza alcuna scelta estetica, ma come puro istante di registrazione delle immagini più note e simboliche. E l'opera intera di Warhol appare quasi un catalogo delle immagini-simbolo della cultura di massa americana: si va dal volto di Marilyn Monroe alle inconfondibili bottigliette di Coca Cola, dal simbolo del dollaro ai detersivi in scatola, e così via.

In queste sue opere non vi è alcuna scelta estetica, ma neppure alcuna intenzione polemica nei confronti della società di massa: unicamente esse ci documentano quale è divenuto l'universo visivo in cui si muove quella che noi definiamo la "società dell'immagine" odierna. Ogni altra considerazione è solo conseguenziale ed interpretativa, specie da parte della critica europea, che in queste operazioni vede una presa di coscienza nei confronti del kitsch che dilaga nella nostra società, anche se ciò, a detta dello stesso Warhol, sembra del tutto estraneo alle sue intenzioni.

Negli anni successivi decide di abbracciare un progetto più vasto, proponendosi come imprenditore dell'avanguardia creativa di massa. Per questo fonda la "Factory", che può essere considerata una sorta di officina di lavoro collettivo. Iniziano i rapporti di lavoro con Leo Castelli.

Nel 1963 inizia a dedicarsi al cinema e produce due lungometraggi: "Sleep" ed "Empire" (1964). Nel 1964 espone alla Galerie Sonnabend di Parigi e da Leo Castelli a New York. Per il Padiglione Americano alla Fiera mondiale di New York realizza i Thirteen Most Wanted Men. L'anno successivo espone all'Institute of Contemporary Art di Philadelphia.

Le collaborazioni artistiche

Fallito il tentativo di fondare un gruppo musicale con La Monte Young e Walter de Maria (due dei più celebri compositori d'avanguardia del periodo), nel 1967 si lega al gruppo rock dei Velvet Underground (di Lou Reed), di cui finanzia il primo disco. Anche la nota copertina del disco, una semplice banana gialla su sfondo bianco, è sua.

L'attentato

Nel 1968 rischia la morte, all'interno della Factory, per l'attentato di una squilibrata, tale Valerie Solanas, unico membro della S.C.U.M. (società che si propone di eliminare gli uomini). Espone al Moderna Museet di Stoccolma. Pubblica il romanzo "A: a novel" e produce il primo film in collaborazione con Paul Morissey. Si tratta di "Flash", cui seguiranno "Trash", nel 1970, e "Heat", nel 1972.

Gli anni '70

Nel 1969 fonda la rivista "Interview", che da strumento di riflessione sul cinema amplia le sue tematiche a moda, arte, cultura e vita mondana. A partire da questa data, fino al 1972, esegue ritratti, su commissione e no. Scrive anche un libro: "La filosofia di Andy Warhol (Dalla A alla B e ritorno)", pubblicato nel 1975. L'anno seguente espone a Stoccarda, Düsseldorf, Monaco, Berlino e Vienna. Nel 1978 a Zurigo. Nel 1979 il Whitney Museum di New York organizza una mostra di ritratti di Warhol, intitolata " Andy Warhol: Portraits of the 70s".

Gli anni '80

Nel 1980 diventa produttore della Andy Warhol's TV. Nel 1982 è presente alla Documenta 5 di Kassel. Nel 1983 espone al Cleveland Museum of Natural History e gli viene commissionato un poster commemorativo per il centenario del Ponte di Brooklyn. Nel 1986 si dedica ai ritratti di Lenin e ad alcuni autoritratti. Negli ultimi anni si occupa anche della rivisitazione di opere dei grandi maestri del Rinascimento: Paolo Uccello, Piero della Francesca, e soprattutto Leonardo da Vinci, da cui ricava il ciclo "The Last Supper" ( L'ultima cena). Realizza anche alcune opere a più mani con Francesco Clemente e Jean-Michel Basquiat, il "maledetto" della scena artistica newyorchese.

La morte

Andy Warhol muore a New York il 22 febbraio 1987 durante una semplice operazione chirurgica.

Nella primavera del 1988, 10.000 oggetti di sua proprietà vengono venduti all'asta da Sotheby's per finanziare la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Nel 1989 il Museum of Modern Art di New York gli dedica una grandiosa retrospettiva.

Le opere di Andy Warhol

Quelle che seguono sono alcune delle opere più significative della carriera dell'artista americano, che abbiamo approfondito singolarmente con articoli dedicati.

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Andy Warhol, considerato a pieno titolo uno dei più grandi geni artistici del suo secolo, nasce a Pittsburgh (Pennsylvania) il 6 agosto 1928: figlio di immigrati slovacchi di etnia Rutena il suo nome vero è Andrew Warhola. Tra il 1945 e il 1949 studia al Carnegie Institute of Technology della sua città.

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Nel 1952 tiene la prima personale alla Hugo Gallery di New York. Disegna anche scenografie. Nel 1956 espone alcuni disegni alla Bodley Gallery e presenta le sue Golden Shoes in Madison Avenue. Compie poi alcuni viaggi in Europa e Asia.

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Intorno al 1960 Warhol comincia a realizzare i primi dipinti che si rifanno a fumetti e immagini pubblicitarie. Nei suoi lavori compaiono Dick Tracy, Popeye, Superman e le prime bottiglie di Coca Cola.

Inizia a utilizzare la tecnica di stampa impiegata nella serigrafia nel 1962, rivolgendo l'attenzione alla riproduzione di immagini comuni, degne del titolo di "icone simbolo" del suo tempo, comprese le lattinedi zuppa. Tratta anche temi carichi di tensione, come i Car Crash (Incidenti automobilistici) e Electric Chair (sedia elettrica). Dal suo stile "neutro" e banale prende il via la cosiddetta Pop-art.

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La pop art nasce nella seconda metà del ventesimo secolo ed è chiamata così poiché deriva proprio dal termine inglese “popular art“, che tradotto in italiano, vuol dire arte popolare. Si fa infatti riferimento all’oggetto che viene prodotto in serie, legato alla massa e non al singolo individuo.
Quale elemento poteva rappresentare al meglio l’arte di massa se non gli oggetti appartenenti al mondo del commercio? Coca-cola, lattine, riviste e molto altro: tali oggetti non possiedono un vero e proprio volto, ma al contempo sono conosciuti da tutta la società consumistica.
La società consumistica degli anni Cinquanta faceva sia da cornice che da musa per tutti gli artisti della pop art, i quali riuscirono a trasformare in arte ogni singolo aspetto di quel mondo che, quotidianamente, veniva sempre più invaso dai mass media, dalla fusione dell’arte e la comunicazione dei mass media, nasce la popart.
I nomi delle persone che molto spesso vengono associate al concetto di pop art sono davvero numerosi (si parla di circa sessanta artisti), ma nella mentalità comune, la pop art viene spesso associata al nome di Andy Warhol. Questo artista viene considerato l’artista pop per eccellenza, se non addirittura il maestro indiscusso di tale movimento.