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« Antigone » mise en scène par Nicolas Briançon

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Œdipe (Gr. Οἰδίπους Lat. Oedipus) est un héros thébain, fils de Laïos, roi de Thèbes et de Jocaste. (A noter qu'Œdipe devrait se prononcer Édipe et non pas Eudipe)

L'Oracle avait prédit que si Laïos avait un fils celui-ci tuerait son père et épouserait sa mère.
Jocaste, fille de Ménœcée et sœur de Créon, est parfois appelée Epicaste en particulier par Homère.

Œdipe exposé
© B.N.F.

N'ayant pas eu d'enfant de Jocaste, Laïos consulta l'Oracle de Delphes. L'Oracle prophétisa que le fils tuerait son père. Pour empêcher l'accomplissement de cette funeste prophétie, lorsque la reine Jocaste enfanta d'un fils, Laïos décida de l'exposer sur le mont Cithéron, auparavant il fit percer les chevilles de son fils et les attacher ensemble afin qu'il ne puisse pas ramper et qu'il soit facile de l'accrocher à un arbre. Si l'exposition en montagne est la plus fréquente dans les textes antiques, l'exposition sur l'eau est aussi attestée. La survie d'un enfant exposé à la mort est la promesse d'un destin prestigieux. Cependant, plutôt que de laisser l'enfant mourir d'exposition, comme Laïos l'avait demandé, le serviteur donna le bébé à un berger de Corinthe.

Comme le bébé avait les pieds enflés à cause des blessures il fut nommé Œdipe ce qui signifie " pieds enflés " racine que l'on retrouve dans œdème, le gonflement d'un tissu cellulaire. Le bébé arriva finalement à la maison de Polybe, roi de Corinthe, et de la reine Mérope, qui l'adoptèrent avec plaisir, car ils n'avaient eu pas d'enfants. Ils l'élevèrent comme leur propre fils.
Des années après, un homme pris de boisson le railla en disant qu'il ne ressemblait pas du tout à son père et qu'il devait être un bâtard. Choqué, il questionna ses parents qui affirmèrent qu'il était bien leur enfant.

Pour lever toute incertitude Œdipe décida d'aller consulter l'Oracle de Delphes et pour connaitre son avenir. Horrifiée, la Pythie s'écria : " tu vas tuer ton père et épouser ta mère " Comme il aimait Péribos et Mérope d'un profond amour filial, il décida de ne pas rentrer chez lui à Corinthe, mais de se rendre à Thèbes, qui était plus proche de Delphes.

Dans l'étroit défilé qui conduit à Thèbes il se querella à une fourche avec un conducteur qui voulait l'obliger à s'écarter en fonçant sur lui. Œdipe tua sans le vouloir le vieil homme. La première partie de l'oracle venait de s'accomplir car le vieil homme n'était autre que Laïos, son père biologique. Mais Œdipe n'en sut rien.
Le seul témoin de la mort du roi était un esclave qui s'était enfui d'une caravane d'esclaves qui transitait sur cette route.

Œdipe et la Sphinx par INGRES
© Musée de Montauban

La campagne autour de Thèbes était sous l'emprise de la Sphinx (ou Sphinge), un monstre venu d'Ethiopie. On ne sait pas exactement quel dieu l'avait fait venir. Selon Apollodore c'est Héra qui voulait punir Laïos d'avoir enlevé et violé son jeune élève Chrysippe, fils de Pélops, roi de Pise en Élide et de la nymphe Danaïs.
Euripide signale que c'est Hadès et pour d'autres c'est Dionysos et Arès qui voulaient ainsi punir Cadmos, fondateur de Thèbes du meurtre de Dragon.

La Sphinx soumettait les voyageurs à une des énigmes qu'elle avait apprise des Muses et étranglait puis dévorait quiconque ne pouvait pas la résoudre. Il est possible que l'énigme soit chantée car Sophocle qualifie la Sphinx de "chanteuse cruelle".

Un peu plus tard, Œdipe se trouva en face de la Sphinx qui lui posa cette énigme : " Quel être, pourvu d'une seule voix, a quatre pattes le matin, deux le midi et trois le soir ? ".
Œdipe trouva la réponse à l'énigme : " c'est l'homme, dit-il, car quand il est bébé il marche à quatre pattes puis il se redresse et marche sur ses deux jambes et au crépuscule de sa vie il lui faut un bâton pour le soutenir ce qui fait trois pattes. " Furieuse de se voir percée à jour, la Sphynx se précipita dans la vide du haut de son rocher. Comme cela avait été prévu.
Selon certains récits plus rares, citent une autre énigme : " Il y a deux sœurs : l'une enfante l'autre et qui, à son tour, enfante la première. Qui sont les deux sœurs ? " la réponse?

Créon, le frère de la reine Jocaste et régent de la ville avait annoncé que celui qui débarrasserait la contrée du Sphinx (elle avait déjà tué un de ses fils) serait fait roi de Thèbes et deviendrait l'époux de la reine Jocaste récemment veuve. C'est ainsi qu'Œdipe devint roi et épousa Jocaste, sa mère biologique sous les vivats de la foule heureuse d'être libérée du monstre. Ainsi la dernière partie de l'oracle venait de se réaliser.
Ils régnèrent assez longtemps et ils eurent quatre enfants : deux fils Étéocle et Polynice et deux filles Antigone et Ismène.
Jocaste a toujours dédramatisé les peurs d'Œdipe qui est hanté par les révélations de l'Oracle elle lui répond :

" Et qu'aurait donc à craindre un mortel, jouet du destin, qui ne peut rien prévoir de sûr, vivre au hasard, comme on le peut, c'est de beaucoup le mieux encore. Ne redoute pas l'hymen d'une mère : bien des mortels ont déjà dans leurs rêves partagés le lit maternel. Celui qui attache le moins d'importance à de pareilles choses est aussi celui qui supporte le plus aisément la vie." (Sophocle, Œdipe roi)

Oedipe s'exilant à Thèbes
Eugène HILLEMACHER (1843)
© Musée des B-A, Orléans

Plusieurs années après, un fléau s'abattit sur Thèbes affectant les cultures, le bétail et la population. Œdipe promit d'enrayer la peste et il envoya son beau-frère, Créon, chercher des conseils auprès de la Pythie de Delphes. A son retour Créon affirma que la faute incombait au meurtrier du roi Laïos. Créon suggéra de faire venir le devin aveugle Tirésias pour connaitre le nom du meurtrier. Dans un premier temps Tirésias l'avertit de surtout ne pas chercher le meurtrier de Laïos. Menacé, Tirésias révéla à contrecœur que le meurtrier du roi n'était autre qu'Œdipe qui ne savait même pas qui était ses vrais parents. Il s'en suivit un échange houleux entre le roi, Créon et Tirésias qui fut stoppé par l'arrivée de Jocaste. Elle raconta l'histoire de son fils premier-né et de son exposition sans réaliser vraiment qu'il pouvait être son fils vivant. Œdipe devint nerveux car il était possible qu'il soit le meurtrier de Laïos.
Soudain, un messager arriva de Corinthe avec la nouvelle de la mort du roi Polybe était mort. Malgré son chagrin Œdipe fut soulagé car il n'avait pas tué le père qu'il considérait comme son père biologique. Le messager précisa qu'Œdipe était, en fait, adopté. Jocaste, réalisant enfin qu'il était son fils, le pria d'arrêter sa recherche du meurtrier de Laïos. Œdipe a mal compris sa motivation, pensant qu'elle avait honte de lui parce qu'il était peut-être né de basse extraction. Jocaste s'enfuit et alla se pendre avec ses voiles.
Œdipe voulut enquêter sur cette histoire d'adoption et il interrogea le berger qui devait exposer le bébé. Ce dernier confirma qu'il avait sauvé le bébé; il montra même les langes et l'entrave sans oublier de demander une récompense, puis il confirma aussi son adoption par le roi de Corinthe.

La fin de cette tragédie dépend de l'auteur.

Œdipe maudit son fils Polynice
Emile FRIANT (1883)
© Musée des B-A de Rennes

* Dans les pièces d'Euripide Jocaste ne s'est pas suicidée en apprenant l'histoire d'Œdipe, et Œdipe fut rendu aveugle par un serviteur de Laïos.
* L'aveuglement d'Œdipe n'apparaît pas dans les sources antérieures à Eschyle. Certaines sources plus anciennes du mythe, y compris Homère, déclarent qu'Œdipe continua à gouverner Thèbes après les révélations et la mort de Jocaste.
* Pausanias raconte qu'Œdipe épousa une autre femme, Euryganie, fille d'Hyperphas ou bien la soeur de Jocaste donc la tante d'Œdipe. Il attribue à Euryganie les quatre enfants.

Je vis aussi la belle Epicaste (Jocaste), mère d'Oedipe, qui commit par ignorance un grand forfait en épousant son propre fils, qui avait tué son père ; mais les dieux divulguèrent cela sur-le-champ. Comment les dieux auraient-ils divulgué cela sur-le-champ, si Œdipe avait eu de Jocaste ses quatre enfants, et non d'Euryganie, fille d'Hyperphas ? Ce fut en effet de cette dernière qu'il eut ses enfants, comme on le voit dans le poème nommé l'Oedipodie ; et Onatas dans le tableau qui est à Platée, a représenté Euryganie consternée à la vue du combat de ses fils. IX, 5,11

* Dans les pièces de Sophocle, Œdipe découvre que Jocaste vient de se suicider. Avec l'épingle d'une broche de la robe de Jocaste, il se creva les yeux et guidé par sa fille Antigone il partit à travers le pays; ils furent finalement accueillis par le roi Thésée. A Colone, Créon demande à Œdipe de revenir pour bénir son fils, Étéocle. En colère que son fils ne l'aime pas assez pour prendre soin de lui, il maudit Etéocle et Polynice, les condamnant à s'entre-tuer au combat.
Œdipe meurt d'une mort paisible ; Accompagné de ses filles et de Thésée, après s'être purifié et fait ses adieu il entra seul dans le bois des Euménides, où il disparut. On dit que sa tombe était sacrée pour les dieux.

Une autre tradition dit qu'Œdipe fut enterré à Céos mais un fléau s'abattit sur la région. Il fut alors transporté à Itone. Les Itoniens, peu désireux de l'avoir chez eux, consultèrent l'Oracle de Delphes qui les rassura. Œdipe était l'hôte de Démèter qui lui réserverait un accueil dans son bois sacré.

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❖ Filiation

Jocaste

Laïos

OEDIPE

Epouse

Enfants

Jocaste

Etéocle
Polynice

Antigone
Ismène

Euryganie

❖ Sources antiques

Apollodore, Bibliothèque: III, 5, 7 sqq

Diodore de Sicile: Iv, 64 sqq

Homère, Iliade: XXIII, 676 sqq

Homère, Odyssée: IX, 271 sqq

Hygin, Fables : 66 et 67

Pausanias, Périégèse: I, 27, 7; I, 30, 4; II, 20, 5; II, 36, 8; IV 3, 4; IV, 8, 8; V, 19, 6

Sophocle : Œdipe roi.

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La mythologie grecque est constituée de divers mythes sur les divinités auxquels croyaient les Hommes de la Grèce antique.

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« L'Antigone de Sophocle, lue et relue, et que je connaissais par cœur depuis toujours, a été un choc soudain pour moi pendant la guerre, le jour des petites affiches rouges N 1. Je l'ai réécrite à ma façon, avec la résonance de la tragédie que nous étions alors en train de vivre. »

— Jean Anouilh 2.

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Antigone - Sujet type brevet (ancienne version)

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Antigone - Sujet type brevet (ancienne version)

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Œuvres principales

Sophocle (en grec ancien Σοφοκλῆς / Sophoklễs), né à Colone en -495 et mort en -406, est l'un des trois grands dramaturges grecs dont l'œuvre nous est partiellement parvenue, avec Eschyle et Euripide. Il est principalement l'auteur de cent vingt-trois pièces (dont une centaine de tragédies), mais dont seules huit nous sont parvenues, dont une de façon fragmentaire ( Les Limiers). Cité comme paradigme de la tragédie par Aristote, notamment pour l'usage qu'il fait du chœur et pour sa pièce , il remporte également le nombre le plus élevé de victoires au concours tragique des grandes Dionysies (dix-huit), et n'y figure jamais dernier.

Son théâtre rompt avec la trilogie " liée " et approfondit les aspects psychologiques des personnages. Ses pièces mettent en scène des héros, souvent solitaires et même rejetés (, , , ) et confrontés à des problèmes moraux desquels naît la situation tragique. Comparé à Eschyle, Sophocle ne met pas ou peu en scène les dieux, qui n'interviennent que par des oracles dont le caractère obscur trompe souvent les hommes, sur le mode de l'ironie tragique.

Les détails de la vie de Sophocle sont connus, bien qu'assez mal, grâce à une compilation anonyme, la Souda et aux mentions d'auteurs comme Plutarque de Chéronée ou Athénée. Il est le fils d'un certain Sophilos, riche forgeron, et naît en 496 av. J.-C. selon la chronique de Paros, ou en 495 av. J.-C. selon son biographe anonyme, à Colone, village proche d' Athènes, où il situera sa dernière pièce Œdipe à Colone. Il reçoit une éducation très soignée, notamment en musique, où il profite des leçons du célèbre Lampros, et en gymnastique : à seize ans, il lui revient de conduire le chœur du triomphe de Salamine,.

Exact contemporain de Périclès, Sophocle connaît l'apogée athénienne, et participe à la vie politique : il est désigné parmi les hellénotames (trésoriers de la ligue de Délos) vers 443- 442 av. J.-C., et parmi les stratèges à deux reprises, notamment en 440 av. J.-C. lors de l'expédition contre Samos. À quatre-vingt-trois ans, il fait également partie des dix conseillers désignés après le désastre de Sicile.

Sophocle meurt en 406 ou 405 av. J.-C.. Il est le père de Iophon, fils de l'athénienne Nicostrata, et d'Ariston, fils de la sicyonienne Thoris. Suidas mentionne trois autres fils : Léosthénès, Stéphanos et Ménécléidès. Ariston est le père de Sophocle le Jeune, également doué pour la tragédie, sous les soins de qui est représentée la dernière pièce de son grand-père, Œdipe à Colone, en 401 av. J.-C.

La carrière d'auteur tragique de Sophocle débute au plus tôt en 468 av. J.-C.. Cette année-là, la trilogie dont fait partie son Triptolème est couronnée du premier prix, notamment devant Eschyle. Sophocle est le rival de ce dernier pendant douze ans, avant qu' Euripide le concurrence à son tour dès 455 av. J.-C.

Sophocle est l'auteur de cent vingt-trois tragédies,, ainsi que des drames satyriques. La plupart ont été perdues : cent quatorze titres sont parvenus jusqu'à notre époque, mais seulement sept pièces, ainsi que les fragments importants du drame satyrique Les Limiers, retrouvés en 1912. Sophocle remporte en 468 av. J.-C. sa première victoire, pour la trilogie dont fait partie Triptolème, battant Eschyle. Il remporte en tout dix-huit victoires aux grandes Dionysies (auxquelles il ne figure jamais dernier), et six autres aux Lénéennes, pour un total de vingt-quatre victoires, inégalé dans la Grèce classique. Il remporte la dernière en 409 av. J.-C., à quatre-vingt-sept ans, pour Philoctète. Seules trois des pièces de Sophocle qui subsistent sont datées avec certitude : Antigone ( 442 av. J.-C.), Philoctète ( 409 av. J.-C.) et Œdipe à Colone (représentation posthume en 401 av. J.-C.).

On peut remarquer que sur les pièces subsistantes, trois concernent directement le cycle thébain ( Antigone, Œdipe roi et Œdipe à Colone), trois concernent le cycle troyen ( Ajax, Électre et Philoctète), la dernière étant consacrée à Héraclès ( Les Trachiniennes). Mais une étude sur la récurrence des thèmes mythiques chez Sophocle devrait également prendre en compte les pièces perdues.

Outre ses pièces, Sophocle est l'auteur d'œuvres diverses, comme une ode à Hérodote ou, selon Plutarque, un traité Sur le chœur (Περὶ χοροῦ), dans lequel il discourait sur son propre style et son évolution. On lui attribue aussi un péan pour Asclépios, dont Sophocle participa à introduire le culte.

Peut-être représentée vers 445 av. J.-C., ce qui en ferait la plus ancienne des pièces de Sophocle conservées, Ajax (Αἴας / Aias) relate l'épisode de la folie d' Ajax : le guerrier a massacré le bétail de l'armée en croyant assassiner les chefs Atrides. Devant le chœur des marins de Salamine, Ajax revenu à ses esprits, désespéré, refuse la consolation de sa compagne Tecmesse, exhorte son fils Eurysaquès à l'honneur et annonce qu'il va se purifier. Il se suicide sur la scène même, seulement caché par un buisson. Ses proches constatant sa mort se lamentent, et Agamemnon accepte sur les supplications de Teucros la sépulture d'Ajax.

Antigone (Ἀντιγόνη / Antigónê) est datée avec précision de 442 av. J.-C.. Pour avoir enterré son frère rebelle Polynice, tué dans sa lutte avec son frère Étéocle, Antigone qui a enfreint le décret de Créon doit être punie de mort. Le tyran refuse de revenir sur sa décision malgré les lamentations du chœur des vieillards de Thèbes et les supplications de son propre fils Hémon, fiancé d'Antigone. Seuls les présages de Tirésias le font changer d'avis, mais il est trop tard : Antigone s'est suicidée. Hémon l'imite bientôt, suivi d' Eurydice, l'épouse de Créon.

Cette pièce a inspiré de nombreux artistes, notamment Cocteau et Anouilh.

De datation imprécise mais considérée comme l'une des plus anciennes tragédies de Sophocle, Les Trachiniennes (Tραχίνιαι / Trakhíniai) a pour sujet la mort d' Héraclès. À Trachis, sa femme Déjanire, prévenue par son fils Hyllos du retour d'Héraclès, mais inquiète de voir ce dernier devancé par la jeune Iole pour laquelle il brûle, elle fait envoyer par le messager Lychas une tunique trempée dans le sang du centaure Nessos. Pensant ainsi se garantir l'attachement d'Héraclès elle tue en fait ce dernier. Apprenant l'événement, elle se suicide alors que son époux arrive à Trachis et, entendant de la bouche d'Hyllos la nouvelle de cette mort, ce dernier comprend qu'il meurt par la ruse d'un mort, Nessos, comme l'avait prédit un oracle.

Modèle, chef-d'œuvre d' ironie tragique, Œdipe roi (Οἰδίπους τύραννος / Oidípous Tyrannos) serait antérieur à 425 av. J.-C., objet d'une brève citation dans Les Acharniens d' Aristophane, et postérieur à l' épidémie athénienne de peste de 430- 429 av. J.-C., la pièce en rappelant probablement le souvenir. À Thèbes ravagé par la peste, Œdipe devenu roi cherche à connaître l'identité du meurtrier de Laïos, cause de la malédiction. Le devin Tirésias, sollicité, apprend la terrible vérité à Œdipe, meurtrier de son père et époux de sa mère Jocaste, mais celui-ci n'y voit qu'une injure inspirée par Créon. Des révélations successives viennent pourtant étayer la révélation, et Œdipe doit admettre qu'en tentant de déjouer l'oracle, il n'a fait que l'accomplir. La pièce s'achève sur le suicide de Jocaste et l'apparition d'Œdipe mutilé après s'être crevé les yeux, le visage ensanglanté, réclamant l'exil car il veut mourir.

La question de l'antériorité entre l' Électre de Sophocle (Ἠλέκτρα / Êléktra) et celle d'Euripide reste ouverte,. Reprenant le thème des Choéphores d' Eschyle (et conservant le chœur de jeunes femmes), Sophocle décrit le retour à Mycènes d' Oreste, vengeur de son père Agamemnon. Il y retrouve sa sœur Électre, qui attend son retour avec un désespoir grandissant et envisage d'accomplir elle-même la vengeance. La scène de reconnaissance intervient dans le dernier épisode et le meurtre de Clytemnestre, puis celui d' Égisthe, sont accomplis en exodos.

Précisément daté de 409 av. J.-C., le Philoctète (Φιλοκτήτης / Philoktḗtēs) remporte cette année-là le premier prix. Chargé par Ulysse de ramener à Troie Philoctète, blessé et abandonné jadis par Ulysse et les Atrides sur une île déserte, et son arc, le jeune Néoptolème, fils d' Achille, est confronté à un choix moral délicat. Sa mission est indispensable selon l'oracle, mais le jeune homme ne peut se résoudre à trahir le malheureux. Néoptolème rend l'arc après l'avoir volé, et tente de procéder par la persuasion honnête ; mais Philoctète entêté refuse de le suivre et de pardonner aux Atrides, bien qu'il lui fût garanti que sa blessure serait soignée à Troie. C'est l'apparition d' Héraclès qui vient sauver la situation et faire changer Philoctète d'avis.

Portrait de l'acteur Euiaon dans Andromède de Sophocle. Vers 430 av. J.-C.

Pièce jouée à titre posthume en 401 av. J.-C. par les soins du petit-fils de Sophocle, Sophocle le Jeune, et premier prix cette année-là, Œdipe à Colone (Οἰδίπους ἐπὶ Κολωνῷ / Oidípous epì Kolônỗi) décrit l'arrivée du réprouvé, aveugle et maudit, à Colone, près d' Athènes. Rejeté, ne pouvant compter que sur ses filles Antigone et Ismène, il s'efforce de se disculper des crimes dont on l'accuse. Œdipe doit aussi défendre sa liberté face à ses fils : Créon, envoyé par Étéocle, vient pour se saisir de lui et de ses filles, mais l'aide précieuse de Thésée, roi d'Athènes, les sauve. Puis c'est Polynice qui vient quémander son soutien pour la guerre des sept qui se prépare. Rejetant ses fils, Œdipe se prépare à mourir : accompagné de Thésée, il disparaît en un lieu secret en promettant sa protection à Athènes. À l'appel des dieux, le maudit est élevé au rang des héros.

Des fragments des (Ἰχνευταί / Ikhneutaí) ont été découverts en Égypte en 1912. Ils en représentent environ la moitié, ce qui en fait le drame satyrique le mieux conservé après le d' Euripide, transmis dans son intégralité. Les critères stylistiques et métriques font dater Les Limiers probablement d'avant 440 av. J.-C..

Les fragments permettent d'en reconstituer le résumé. Le sujet est le même que celui de l'Hymne homérique à Hermès, c'est-à-dire le vol des troupeaux d' Apollon par Hermès nouveau-né. La pièce débute par la plainte d'Apollon, que le chœur de satyres propose d'aider contre la promesse d'être libérés de l'esclavage. Les traces du bétail les conduisent à la grotte de la nymphe Cyllène, qui veille sur l'enfant. La fin du drame devait présenter la réconciliation entre Apollon et Hermès grâce à la lyre de ce dernier.

Sur les cent vingt-trois pièces écrites par Sophocle sont connus cent quatorze titres. Ci-dessous sont recensées les pièces dont ne sont connus que le titre et, parfois, quelques fragments.

L'innovation la plus remarquable de Sophocle, si l'on compare son œuvre à Eschyle, est l'abandon de la tragédie " liée ", puisqu'il n'en a composé à notre connaissance aucune. Ce changement accentue les enjeux individuels, l'analyse psychologique, à l'échelle d'une pièce, au détriment des décisions divines et des malédictions touchant les hommes sur plusieurs générations.

À cette évolution correspond aussi la création d'un troisième acteur (tritagoniste), attribuée à Sophocle par Aristote (ainsi d'ailleurs que l'adoption du décor) : " Avec Sophocle, il y eut trois acteurs et des décors peints sur la scène " ,,. Cette innovation, qui permet d'enrichir les interactions et oppositions entre personnages, a également pour conséquence de réduire significativement la part du chœur dans le déroulement de la tragédie,,. L'exemple du titre de la pièce sur le retour d' Oreste est parlant : alors qu'il met en avant le chœur chez Eschyle dans sa pièce Les Choéphores, la sœur d'Oreste passe au premier plan chez Sophocle (et le restera chez Euripide) : la tragédie prend le nom de l'héroïne, , et des héros comme elles donnent leur nom à toutes les pièces conservées de Sophocle sauf une (Les Trachiniennes).

Hormis les deux pièces de Sophocle consacrées à " Œdipe (où l'obstination du héros n'a pas de justification morale, et ne concerne pas une opposition de valeurs), le premier point commun entre les pièces conservées est la place centrale occupée par les enjeux moraux sous forme de choix. en est l'exemple le plus frappant, par l'opposition entre plusieurs " couples de devoirs " que recense Jacqueline de Romilly : famille et État, humanité et autorité, religion et respect des lois. Comme le remarque Jean-Pierre Vernant, le conflit ne se résume pas à celui de la loi des hommes et de la loi divine, " il n'oppose pas la pure religion [...] à l'irreligion complète, mais deux types différents de religiosité : d'un côté, une religion familiale, purement privée, [...] de l'autre, une religion publique où les dieux tutélaires de la cité tendent finalement à se confondre avec les valeurs suprêmes de l'État ". Le tort d' Antigone est de privilégier une religiosité par rapport à l'autre, la " dikē céleste ". dikē des morts " à la

L'autre grand exemple est : le meurtre de Clytemnestre et d' Égisthe n'intervient qu'à la toute fin de la tragédie, qui développe surtout la psychologie de l'héroïne, et le thème de la vengeance du père à travers le meurtre de la mère.

Des oppositions du même ordre traversent les trois autres pièces considérées. Dans , par le contraste entre le héros inflexible quant à sa conception de l'honneur et les lamentations dévouées de Tecmesse, puis par l'enjeu de la réhabilitation du héros par Agamemnon, enfin par l'opposition entre la modération d' Ulysse et l'orgueil d' Ajax ; dans Les Trachiniennes, par le contraste entre Héraclès et sa femme, Déjanire au caractère soumis, du même ordre qu'entre Ajax et Tecmesse. Enfin, le Philoctète est entièrement consacré au dilemme de Néoptolème, duquel Ulysse réclame au nom de l'intérêt des Grecs le vol de l'arc de Philoctète, blessé et affaibli. Le héros se refuse finalement à toute compromission : " L'honnêteté ici vaut bien mieux que l'adresse ".

Alors qu'ils pèsent de tout leur poids sur le théâtre d' Eschyle, les dieux ont un tout autre rôle chez Sophocle. Car il est incontestable qu'ils sont chez lui plus distants, éloignés des événements : " le climat de ses pièces ne baigne plus dans le ritualisme religieux des origines du théâtre ". Hormis Athéna au début d', les dieux n'apparaissent pas dans les pièces conservées. Mais cette distance a pour conséquence de souligner le contraste entre le monde des hommes, qui évoluent sur la scène, et celui des dieux, comme le souligne le chœur d' ou celui d',. À l'inverse, Sophocle qualifie l'homme d' et souligne son sort dérisoire devant le temps qui passe : comme le chantent les marins du chœur d' Ajax, " Il n'est rien que n'efface le temps tout puissant ".

La distance ainsi établie n'empêche pas l'intervention divine. Seulement celle-ci intervient par des oracles et le théâtre de Sophocle porte non plus sur la " justice divine " comme chez Eschyle, mais sur le sens de ces oracles, qui sont le seul indice dont les hommes disposent sur la décision divine. Au début des Trachiniennes, Déjanire annonce l'oracle qui concerne Héraclès : " Ou il trouvera là le terme de sa vie, ou il triomphera et dès lors à jamais passera dans le calme le reste de ses jours " ; dans Ajax, le présage de Calchas est rapporté par le messager, la colère d' Athéna ne doit poursuivre le héros qu'" un seul jour " : " s'il survit pourtant à cette journée, peut-être le sauverons-nous, avec l'aide de quelque dieu ". Selon les mots d'Héraclès, Philoctète ne peut être guéri qu'à Troie : mais y parviendra-t-il ? Comme on le voit les oracles sont souvent imprécis, obscurs, ils " laissent donc place à l'espérance et à l'erreur ". Parfois, c'est le rapprochement entre plusieurs oracles qui donne la solution, comme le constate Héraclès au moment de mourir : comme cela a été prophétisé à son père, il meurt par le fait d'un mort, Nessos, dont le baume mortel a été appliqué par Déjanire sur sa chemise. Par cette place laissée à l'erreur font irruption la surprise et la péripétie, mais surtout le spectacle du destin de l'homme en train de se jouer : " toute la dramaturgie de Sophocle repose sur l'idée que l'homme est le jouet de ce que l'on pourrait appeler l'ironie du sort ", une " ironie tragique, dont le sens s'inscrit en clair sous les yeux des spectateurs, alors que les personnages n'en distinguent pas toujours le sens ", et propre à Sophocle. Cette ironie qui fait de Déjanire l'instrument de la mort d'Héraclès, qui fait intervenir la mort après les chants d'espoir et de joie du chœur dans Les Trachiniennes, dans Ajax, dans Antigone. Chez Eschyle ou Euripide, l' ironie tragique peut faire d'un personnage le dupe d'un autre, mais chez Sophocle les hommes ne se dupent pas entre eux, sauf à de rares exceptions : c'est par les dieux qu'ils sont abusés.

Cette distance et cette ironie tragique trouvent leur illustration la plus aboutie dans , " quête tragique " d'Œdipe qui apprend ce qu'il est, c'est-à-dire meurtrier de son père et époux de sa mère, et qui, ayant tout fait pour fuir l'oracle prononcé contre lui, l'a réalisé dans l'ignorance complète de la portée de ses actes. La portée religieuse de cette perfection de l'ironie, particulièrement dans Œdipe roi, ne doit cependant pas être considérée comme le fait de dieux cruels ou indifférents (le destin d'Œdipe devenu protégé des dieux dans Œdipe à Colone l'interdit d'ailleurs). Chez le pieux Sophocle, " les hommes n'ont pas à comprendre, mais à adorer ". Créon, Œdipe ou Jocaste paient leur irrespect des devins et des oracles, la tragédie est le fait de l'erreur des hommes.

Or, on peut rappeler que l'homme est au cœur du théâtre de Sophocle, comme en témoignent les évolutions formelles. Le héros donne généralement son nom à la pièce et se trouve en opposition à d'autres personnages : c'est même là ce qui définit son statut de héros, son " isolement progressif de toute aide et de tout soutien humains ". Antigone invite d'abord sa sœur à une action conjointe, mais le refus d' Ismène l'enferme dans le rejet de toute assistance, même lorsqu'il s'agit pour Ismène de se joindre à elle devant la colère de Créon : " Tu n'as pas voulu, toi, me suivre, et je ne t'ai pas, moi, associée à mon acte ". Antigone est donc dès lors seule, " sans amis, sans mari ", " abandonnée des [siens] ". Le chœur constatant son acte la croit folle, d'une folie comparable à celle d' Ajax au début de sa tragédie : malgré le chœur de marins, malgré Tecmesse et son fils, il refuse toute consolation, il " fait paître dans son cœur la solitude ", et la pièce s'articule autour de la scène elle-même solitaire de son monologue et de son suicide. Les adieux d'Ajax sont effectués sans quiconque pour les entendre, et ne s'adressent à aucun homme mais au Soleil, à Salamine, à Athènes, au paysage troyen.

On retrouve ces éléments dans : rejetée par sa famille et par le chœur, sa solitude culmine lorsqu'elle croit Oreste mort et que, comme dans Antigone, sa sœur Chrysothémis lui refuse son aide. Alors Électre prend sa décision : " Eh bien ! c'est moi qui, de ma main et toute seule, achèverai l'entreprise ". Comme le note Jacqueline de Romilly, c'est donc de la solitude que naît le statut héroïque. Philoctète enfin est seul, abandonné, et n'a plus que son arc dont Néoptolème vient le priver.

C'est encore une fois en Œdipe que Sophocle trouve la meilleure application de ses choix. Dans Œdipe à Colone, le héros est un vagabond aveugle, rejeté par ses fils et fui des hommes. Une solitude de fait (aggravée au cours de la pièce par Créon, qui prive Œdipe de ses filles), à laquelle s'ajoute une solitude morale, Œdipe affirmant ainsi à plusieurs reprises avoir subi bien plus que commis ses actes. Sophocle ne change pas fondamentalement cette solitude : Œdipe meurt seul et sans témoins, il demeure en marge. Mais cette solitude devient un signe de supériorité, de privilège divin. " Il est comme les héros des autres tragédies, un être à part. Mais il l'est un peu plus que les autres : il est à part des hommes ".

Le musée du Vatican possède un buste de Sophocle.

Sur les autres projets Wikimedia :

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Œuvres principales Sophocle (en grec ancien Σοφοκλῆς / Sophoklễs), né à Colone en -495 et mort en -406, est l'un des trois grands dramaturges grecs dont l'œuvre nous est partiellement parvenue, avec Eschyle et Euripide. Il est principalement l'auteur de cent vingt-trois pièces (dont une centaine de tragédies), mais dont seules huit nous sont parvenues, dont une de façon fragmentaire ( Les Limiers).

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Les classes grammaticales

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Jean Anouilh () est un dramaturge et scénariste français né le à Bordeaux ( Gironde) et mort le à Lausanne ( Suisse). Son œuvre théâtrale commencée en 1932 est particulièrement abondante et variée : elle est constituée de nombreuses comédies souvent grinçantes et d'œuvres à la tonalité dramatique ou tragique comme sa pièce la plus célèbre, , réécriture moderne de la pièce de Sophocle.

Anouilh a lui-même organisé ses œuvres en séries thématiques, faisant alterner d'abord Pièces roses et Pièces noires. Les premières sont des comédies marquées par la fantaisie comme Le Bal des voleurs (1938) alors que les secondes montrent dans la gravité l'affrontement des " héros " entourés de gens ordinaires en prenant souvent appui sur des mythes comme (1941), (1944) ou (1946).

Après la guerre apparaissent les Pièces brillantes qui jouent sur la mise en abyme du théâtre au théâtre (La Répétition ou l'Amour puni en 1947, en 1951), puis les Pièces grinçantes, comédies satiriques comme Pauvre Bitos ou le Dîner de têtes (1956). Dans la même période, Jean Anouilh s'intéresse dans des Pièces costumées à des figures lumineuses qui se sacrifient au nom du devoir : envers la patrie comme Jeanne d'Arc dans (1953) ou envers Dieu comme Thomas Becket (Becket ou l'Honneur de Dieu en 1959). Le dramaturge a continué dans le même temps à servir le genre de la comédie dans de nombreuses pièces où il mêle farce et ironie (par exemple Les Poissons rouges ou Mon père ce héros en 1970) jusque dans les dernières années de sa vie.

Jean Anouilh a également adapté plusieurs pièces d'auteurs étrangers, Shakespeare en particulier. Il a aussi mis en scène certaines de ses œuvres (par exemple en 1974), en même temps qu'il travaillait à des scénarios pour le cinéma ou à la télévision.

Biographie

Le lycée Chaptal, au croisement de la rue de Rome et du boulevard des Batignolles.

Jean-Marie-Lucien-Pierre Anouilh est le fils de François Anouilh, tailleur, et Marie-Madeleine Soulue, professeur de piano et pianiste d'orchestre à Arcachon. C'est en 1923 au lycée Chaptal que son amour pour le théâtre se manifeste. C'est également là qu'il fera la connaissance de Jean-Louis Barrault. Des rencontres littéraires essentielles interviennent. Tout d'abord, vers 1926, celle de Jean Cocteau avec Les Mariés de la tour Eiffel. Jean Anouilh relate lui-même cette découverte en ces termes :

À cette époque, Anouilh se nourrit des lectures de Paul Claudel, Luigi Pirandello et George Bernard Shaw. Deuxième grande découverte celle de Jean Giraudoux en 1928, au poulailler de la comédie des Champs-Élysées, à travers sa pièce , qu'Anouilh finit par apprendre par cœur.

Après avoir travaillé quelques semaines au bureau des réclamations des Grands Magasins du Louvre puis pendant deux ans dans l'agence de publicité Étienne Damour avec, entre autres, Jacques Prévert, Georges Neveux, Paul Grimault et Jean Aurenche, Anouilh, succédant à Georges Neveux, devient entre 1929 et 1930, le secrétaire général de la comédie des Champs-Élysées, que dirige alors Louis Jouvet. Anouilh est chargé de rédiger des notes sur les manuscrits reçus et de composer la salle pour les générales. La collaboration entre Anouilh et Jouvet est houleuse, Jouvet sous-estimant les ambitions littéraires de son employé. Ni Anouilh lui-même, qu'il surnomme " le miteux ", ni son théâtre ne trouveront grâce aux yeux de Jouvet. Après la lecture de , il déclare à Anouilh : " Tu comprends mon petit gars, tes personnages sont des gens avec qui on ne voudrait pas déjeuner ! "

En , Jean Anouilh est mobilisé et part faire son service militaire à Metz puis à Thionville. Après deux mois de service, il est réformé temporaire et revient à Paris. Anouilh vit alors, dans un atelier à Montparnasse puis dans un appartement rue de Vaugirard, meublé avec l'aide de Jouvet, avec qui il s'est provisoirement réconcilié. Il emménage avec la comédienne Monelle Valentin, qui créera entre autres le rôle-titre d' en 1944, et dont il aura une fille, Catherine, (1934-1989), et qui deviendra elle aussi comédienne (elle créera la pièce que son père écrira pour elle Cécile ou l'École des pères en 1954). Le couple se sépare en 1953 et Anouilh épouse la comédienne Nicole Lançon qui deviendra sa principale collaboratrice et avec laquelle il aura trois enfants : Caroline, Nicolas et Colombe.

En 1932, Jean Anouilh fait représenter sa première pièce, Humulus le muet, écrite en collaboration avec Jean Aurenche en 1929. C'est un échec. Quelque temps après, il propose à Pierre Fresnay qui accepte immédiatement de la jouer. Le a lieu la création de L'Hermine, au théâtre de l'Œuvre, mise en scène par Paulette Pax. 90 représentations seront données. L'adaptation cinématographique de lui procure 17 000 francs de droits qui lui permettent de faire déménager ses parents " vers la banlieue de leurs rêves ". Les deux pièces qui suivent, , créée en 1933 au théâtre de l'Athénée, et Y'avait un prisonnier en 1935 au théâtre des Ambassadeurs (dans une mise en scène de Marie Bell), sont des échecs. Ce sont à nouveau les droits cinématographiques de Y'avait un prisonnier, acquis par la Metro Goldwyn Mayer, qui permettent à Anouilh de vivre convenablement pendant un an en Bretagne, avec Monelle Valentin et sa fille, période au cours de laquelle il retravaille et écrit Le Voyageur sans bagage. C'est en 1935 également que Jean Anouilh rencontre pour la première fois Roger Vitrac, avec qui il se lie d'amitié et dont il reprendra, en 1962, la pièce Victor ou les Enfants au pouvoir.

Premiers grands succès : du Voyageur sans bagage (1937) au Rendez-vous de Senlis (1941)

En 1936, Louis Jouvet, à qui Anouilh espère confier la création du Voyageur sans bagage, le " fait traîner avec des proverbes de sagesse agricole ". Furieux lorsqu'il apprend que Jouvet préfère finalement monter Le Château de cartes de Steve Passeur, Anouilh transmet le jour même son manuscrit à Georges Pitoëff, directeur du théâtre des Mathurins. Il raconte :

Créé le dans une mise en scène de Georges Pitoëff, Le Voyageur sans bagage est le premier grand succès d'Anouilh, avec 190 représentations. Les acteurs principaux sont Georges et Ludmilla Pitoëff. Darius Milhaud en écrit la musique de scène, sous forme d'une Suite pour violon, clarinette et piano (op.157b). Dès lors, Anouilh gardera toute sa vie une réelle affection pour les Pitoëff et notamment Georges, celui qu'Anouilh décrit comme l'" étrange Arménien dont le Tout-Paris bien pensant se moquait " et à propos duquel Jouvet avait dit " Je n'aime l'Arménien que massacré ".

Jean Anouilh en 1937. Photo d'identité (Sacem).

En 1938, il obtient deux nouveaux succès critiques et publics avec deux pièces écrites au début des années 1930 et retravaillées à plusieurs reprises au cours des années suivantes : (créée le au théâtre des Mathurins, à nouveau dans une mise en scène de Georges Pitoëff et avec une musique de scène de Darius Milhaud) et Le Bal des voleurs (créée le au théâtre des Arts), pièce par laquelle Anouilh inaugure sa collaboration avec André Barsacq, qui dirige alors la compagnie des Quatre-Saisons et qui sera son principal interlocuteur et metteur en scène, pendant plus de quinze ans. L'accueil de la critique est très favorable pour ces deux pièces, reconnaissant unanimement Anouilh comme un grand dramaturge, La Sauvage générant toutefois des oppositions idéologiques plus fortes, principalement en raison de la place occupée par la religion dans la pièce. Colette écrit en 1938 :

Cette même année 1938, Anouilh participe à la création de la revue La Nouvelle Saison avec notamment Jean-Louis Barrault, René Barjavel et Claude Schnerb, qui publie Humulus le muet (jamais publiée depuis sa création en 1932), avec des dessins de Raymond Peynet, ainsi que sa nouvelle Histoire de M. Mauvette et de la fin du monde. Toujours la même année, il rencontre Robert Brasillach (dont il demandera la grâce en 1945) " dans les coulisses, chez Pitoëff ". Anouilh décrira ainsi cette rencontre en 1955 dans Défense de l'Occident :

En , Anouilh est rappelé en service auxiliaire et affecté à la garnison d' Auxerre, comme secrétaire d'un commandant. Fait prisonnier en juin, il est finalement libéré grâce à l'oubli du tampon sur son livret militaire lors de son incorporation, faisant croire à son arrestation comme civil, alors qu'il se rendait à une visite médicale dans sa garnison. Anouilh rejoint alors à Paris sa femme et sa fille.

En , Le Bal des voleurs est repris par André Barsacq qui vient de succéder à Charles Dullin à la direction du théâtre de l'Atelier. Suivent en l'espace de quelques mois, deux nouveaux succès pour Anouilh. Le premier, grâce à , montée au théâtre de la Michodière par Pierre Fresnay, qui appréciait le talent d'Anouilh depuis le succès du Voyageur sans bagage. La création a lieu le avec Yvonne Printemps et Pierre Fresnay dans les premiers rôles, sur une musique de Francis Poulenc (op.106) et dans des décors et des costumes d'André Barsacq. Brasillach rappelle alors à Anouilh sa promesse et obtient la publication de Léocadia dans Je suis partout, étalée sur cinq numéros. Le second, avec Le Rendez-vous de Senlis, créé au théâtre de l'Atelier par André Barsacq le . Les deux pièces font chacune l'objet d'environ 170 représentations.

Antigone et l'Occupation (1941-1945)

L'Antigone classique, contrastant avec " la maigre jeune fille noiraude et renfermée que personne ne prenait au sérieux " d'Anouilh.

À l'été 1941, Anouilh et sa femme se réfugient à Salies-de-Béarn, où ils resteront jusqu'en ; Anouilh y travaillera à ce qui sera sa prochaine pièce, . Tous deux tentent de protéger Mila, femme juive d'origine russe d' André Barsacq. Ils l'hébergeront plusieurs mois dans leur appartement de l' avenue Trudaine à leur retour à Paris.

C'est en pleine Occupation allemande qu'Anouilh fait jouer deux Pièces noires, tout d'abord Eurydice, créée le , puis , créée le , toutes deux au théâtre de l'Atelier dans une mise en scène, un décor et des costumes d' André Barsacq, avec Monelle Valentin dans le rôle-titre.

Au sujet d'une potentielle portée politique des deux pièces, et tout particulièrement d' Antigone, Anouilh n'a officiellement pris position ni pour la Collaboration ni pour la Résistance et il est vraisemblable qu'il n'ait eu, jusqu'à la création d' Antigone, qu'une vague idée de ce qu'était réellement la Résistance. Pour autant, un faisceau d'éléments amène à voir dans Antigone une forte allusion aux excès et drames de la Collaboration, et du moins plus qu'à une apologie de la Résistance. Plusieurs dizaines d'années plus tard, Anouilh donne des explications allant dans ce sens. Ainsi, il écrit dans La vicomtesse d'Eristal n'a pas reçu son balai mécanique :

" Antigone, commencée d'écrire le jour des terribles affiches rouges, ne fut jouée qu'en 1944 [...]. Plus perspicace, un écrivain allemand [...] alerta, m'a-t-on dit, Berlin, disant qu'on jouait à Paris une pièce qui pouvait avoir un effet démoralisant sur les militaires qui s'y pressaient. "

Toujours à l'appui de cette thèse, la de couverture d'Œdipe ou le Roi boiteux (écrite par Anouilh en 1978 et publiée en 1986) indique :

" L' de Sophocle, lue et relue, et que je connaissais par cœur depuis toujours, a été un choc soudain pour moi pendant la guerre, le jour des petites affiches rouges. Je l'ai ré-écrite à ma façon, avec la résonance de la tragédie que nous étions alors en train de vivre. "

Autre indice allant dans ce sens, le , Anouilh écrit à Barsacq :

" S'il en est encore temps avant de donner Antigone, relisez le manuscrit en pensant à la censure et si vous repérez des phrases dangereuses (les affiches, le discours du chœur à la fin), envoyez-le-moi. Il vaut mieux que cela ne soit pas tripatouillé sur le manuscrit qu'on enverra. "

Malgré cela, quelques critiques et résistants ont voulu voir au contraire dans " Antigone une apologie de la collaboration,. Parmi les reproches faits à Anouilh à la Libération : son amitié pour Pierre Fresnay, les textes publiés dans des journaux collaborationnistes ou encore son soutien actif à la demande de grâce en faveur de Robert Brasillach. Parmi les ennemis d'Anouilh figuraient Armand Salacrou et le journal clandestin Les Lettres françaises, qui écrivit : Antigone est une pièce ignoble, œuvre d'un Waffen-SS " ,. Anouilh restera marqué à vie par ces accusations, qu'il considérait comme profondément injustes,,.

A contrario, pour les tenants de l'interprétation anti-collaborationniste, la plus couramment adoptée et répandue aujourd'hui, le personnage d' Antigone, inspiré du mythe antique mais en rupture avec la tradition de la tragédie grecque, devient l' allégorie de la Résistance s'opposant aux lois édictées par Créon / Pétain, qu'elle juge iniques. Si l'allégorie est réelle, le parti de l'auteur n'était vraisemblablement acquis, lui, à aucun des deux camps. Le personnage de Créon, oncle de l'héroïne Antigone, rappelait le maréchal Pétain qui tentait, sans succès, de ramener à la raison la résistante courageuse, si ce n'est téméraire, et devait, malgré lui, faire appliquer à l'égard de sa nièce la sentence de mort, comme à toute autre personne qui contreviendrait à son commandement, serait-il inique.

Les " deux " premières d'Antigone, celle antérieure à la Libération de Paris le , comme celle postérieure le , furent toutes deux des succès. La pièce est jouée 226 fois en un peu moins d'un an.

À la Libération, Anouilh s'érige contre l' épuration. Tentant de sauver la tête de Robert Brasillach, au même titre que 50 personnalités dont Albert Camus, François Mauriac, Paul Valéry ou Colette,, il participe activement au recueil des signatures. Anouilh n'est revenu qu'assez tardivement sur ces épisodes, qui ont toutefois constitué une réelle blessure :

" La liste inutile (on aurait eu autant de chance en la déposant au pied d'une statue de Bouddha au musée Guimet) portait, je crois me souvenir, cinquante et une signatures célèbres. Je m'honore d'en avoir décroché sept, sur une douzaine de visites. J'aurais donc fait, on me l'a assuré, un assez bon représentant en clémence - article difficile à placer entre tous, on le constate encore de nos jours, à des gens en proie à l'indifférence et à la frousse, ces deux maladies des guerres civiles. Je suis pourtant revenu vieux - si vieux que je n'ai même plus envie de dire à cause de qui et pourquoi. "

En 1945, Anouilh contribue indirectement à la création des éditions de la Table ronde en confiant à son jeune fondateur Roland Laudenbach, neveu de son ami le comédien Pierre Fresnay. L'année suivante, alors qu' Antigone est jouée à New York avec Katharine Cornell dans le rôle-titre, Roméo et Jeannette est mise en scène par André Barsacq au théâtre de l'Atelier ; il s'agit de la première pièce interprétée par Michel Bouquet qui deviendra l'acteur-fétiche d'Anouilh, mais aussi par Jean Vilar, Suzanne Flon et Maria Casarès. Malgré sa distribution prestigieuse et 123 représentations, Anouilh qualifie cette pièce de four mémorable. En 1947, Anouilh s'installe en Suisse, à Chesières, près de Villars-sur-Ollon, dans le canton de Vaud. Renouant avec les Pièces roses, il écrit L'Invitation au château, montée la même année, toujours par Barsacq, et avec une musique de scène de Francis Poulenc (op.138). La pièce reste à l'affiche pendant plus d'un an, bien accueillie quasi-unanimement par la critique et le public réunis. Elle sera reprise plusieurs fois, notamment en 1953 avec Brigitte Bardot, qui fait ses débuts à la scène.

Par la suite, la fécondité de l'auteur ne tarit plus. La carrière d'Anouilh sera accompagnée de nombreux succès pendant une trentaine d'années. En , sa première pièce, Humulus le muet, qui n'avait jamais été montée, est créée au théâtre de la Cité universitaire de Paris. 1948 est aussi l'année d'une rencontre importante, celle de Jean-Denis Malclès qui deviendra son décorateur attitré jusqu'aux dernières pièces, à l'occasion de la création, à la comédie des Champs-Élysées, de Ardèle ou la Marguerite (classée par son auteur parmi les Pièces grinçantes) et de Épisode de la vie d'un auteur, toutes deux mises en scène par Roland Piétri. C'est aussi à l'occasion de ces deux pièces qu'Anouilh s'éloigne du théâtre de l'Atelier et d'André Barsacq, plus orientés vers le théâtre d'avant-garde (même si en 1951 et en 1953 y seront montées). En 1948, Anouilh rencontre aux cours Simon celle qui sera sa seconde épouse, Nicole Lançon. En , c'est la naissance de Caroline, la première des trois enfants issus de son union avec Nicole. La même année, il adhère à l'Association des amis de Robert Brasillach.

Chaque année qui passe voit la création d'une pièce et l'écriture de la suivante : La Répétition ou l'Amour puni en 1950, en 1951, La Valse des toréadors en 1952 (qui sera reprise avec Louis de Funès en 1973), (dernière collaboration avec André Barsacq) et en 1953, Cécile ou l'École des pères en 1954 (dont le rôle-titre est joué par la propre fille de Jean Anouilh, Catherine) et Ornifle ou le Courant d'air en 1955. Toutes sont des succès et sont accompagnées d'une réception critique plus ou moins enthousiaste, mais jamais négative.

En 1952, Anouilh s'installe avec Nicole, leurs deux enfants (Nicolas, son fils, est né en ) et Catherine, sa première fille, dans une maison à Montfort-l'Amaury. À la fin de l'année 1953, Catherine se marie avec Alain Tesler, assistant réalisateur (notamment sur Deux sous de violettes et Le Rideau rouge, films dans lesquels joue Monelle Valentin et aux dialogues desquels a travaillé Jean Anouilh). Le , Anouilh épouse Nicole en Angleterre. Leur troisième enfant naîtra deux ans plus tard. Toute la famille s'installe en 1954 à Paris, rue de Furstenberg dans le ,

Controverse autour de Pauvre Bitos (1956-1958)

Créée le au théâtre Montparnasse-Gaston Baty, dans une mise en scène conjointe de Roland Piétri et d'Anouilh lui-même, avec notamment Michel Bouquet, Pierre Mondy et Bruno Cremer, Pauvre Bitos ou le Dîner de têtes imagine un dîner dont les protagonistes sont déguisés en personnages de la Révolution française. Le convive qui joue Robespierre, Bitos, est un ancien camarade de classe des autres convives, celui qui raflait tous les premiers prix, le seul roturier de la bande, mais également celui devenu procureur qui a requis, après la guerre, contre tous les collaborateurs ou ainsi présumés.

Anouilh dénonce ainsi à nouveau, sous la figure des excès de la Terreur, ceux de l'épuration d'après-guerre, dans un contexte français de montée de la violence en Algérie. Il règle ses comptes, en quelque sorte, avec ceux qui, dix ans plus tôt, l'accusaient d'avoir collaboré. Au-delà, la pièce est un manifeste contre tous les exercices abusifs du pouvoir, quels qu'ils soient, et les critiques contemporains s'accordent sur une vision plus intemporelle de la pièce que celle qui a prévalu à sa création.

Tandis que la générale laisse supposer un échec (silence tout au long de la pièce, quelques applaudissements à la fin, un timide rappel, fureur et bagarres à la sortie), la pièce connut un réel succès auprès du public (308 représentations). De même, dès le lendemain les critiques se déchaînent, accablant Anouilh et voyant notamment dans Pauvre Bitos un pamphlet contre la Résistance. Des voix contraires s'élèvent (notamment dans la presse d'extrême-droite, mais pas seulement), certains autres journaux " comptant les points " et recensant les pour et les contre.

Le triomphe de Becket (1959-1961)

Enluminure du XIII e siècle représentant le meurtre de Thomas Becket.

L'année 1959 est une année importante dans la carrière de Jean Anouilh. Il reçoit le prix Dominique de la mise en scène et fait monter trois nouvelles pièces : L'Hurluberlu ou le Réactionnaire amoureux, La Petite Molière et Becket ou l'Honneur de Dieu. Fidèle à son habitude, Anouilh change plusieurs fois d'avis dans le choix des comédiens pour L'Hurluberlu et fait finalement appel à Paul Meurisse. Les trois pièces remportent l'adhésion du public et de la critique.

Écrite en 1959, Becket ou l'Honneur de Dieu est créée au théâtre Montparnasse-Gaston Baty le , toujours dans une mise en scène de Roland Piétri et de l'auteur lui-même, et toujours également avec des décors de Jean-Denis Malclès. Daniel Ivernel y joue le rôle de Henri II et Bruno Cremer celui de Thomas Becket. La pièce reste presque deux ans à l'affiche et fait immédiatement l'objet de reprises et de tournées. Très rapidement, elle est créée à l'étranger, notamment au Royaume-Uni et aux États-Unis, avec le même succès. En 1964, elle fait l'objet d'une adaptation cinématographique avec Peter O'Toole et Richard Burton dans les rôles principaux, avant de rentrer au répertoire de la Comédie-Française en 1971. Louée quasi-unanimement par la critique, Becket restera comme l'un des plus grands succès de Jean Anouilh.

La création de la pièce suivante, La Grotte, est vécue comme un échec par Anouilh. Bien qu'ayant tenu l'affiche quatre mois, elle reçut en effet un accueil plutôt négatif de la critique.

Pendant les six années qui suivent, Anouilh n'écrira plus ou presque. Du moins, aucune des pièces qu'il commencera pendant cette période ne sera montée, les deux pièces qui sont créées en à la comédie des Champs-Élysées, L'Orchestre et La Foire d'empoigne, ayant été écrites les années précédentes. Il se consacre principalement à la mise en scène et à des traductions et adaptations de pièces étrangères.

Ainsi, en 1960, il monte Tartuffe avec, en lever de rideau, un impromptu de sa composition, Le Songe du critique. En 1962, il adapte L'Amant complaisant de Graham Greene avec sa femme Nicole. La même année, il met en scène au théâtre de l'Ambigu Victor ou les Enfants au pouvoir de Roger Vitrac, créé en 1929 par Antonin Artaud et qui rencontre enfin le succès, alors que la pièce n'en avait pas réellement eu jusque-là. En 1963, c'est L'Acheteuse de Stève Passeur qu'Anouilh monte à la comédie des Champs-Élysées. Puis, en 1964, Richard III de Shakespeare au théâtre Montparnasse-Gaston Baty. À cette époque, Pauvre Bitos est montée à l'étranger avec des fortunes diverses : succès en Angleterre, seulement 17 représentations aux États-Unis.

À l'occasion du procès de Jacques Laurent en 1965, condamné pour offense au chef de l'État ( Charles de Gaulle) en raison de son pamphlet Mauriac sous de Gaulle, Anouilh signe avec une vingtaine d'écrivains, parmi lesquels Jules Roy, Emmanuel Berl, Jean-François Revel ou son ami Marcel Aymé, une pétition contre son inculpation. L'Ordalie ou la Petite Catherine de Heilbronn de Heinrich von Kleist, qu'Anouilh traduit et monte en 1966 au théâtre Montparnasse, est un échec, qui signera la fin des adaptations et de la mise en scène des pièces des autres. Anouilh se consacrera de nouveau à l'écriture et à la mise en scène de ses propres pièces pour l'essentiel.

L'année suivante, au cours de l'été, Anouilh écrit 47 fables, dans l'esprit de celles de La Fontaine, dont certaines seront montées sous forme de spectacle de marionnettes au théâtre de la Gaité-Montparnasse en 1968, sous le titre de Chansons Bêtes. Jean Anouilh se sépare de Nicole à cette époque.

Le est créée à la comédie des Champs-Élysées Le Boulanger, la Boulangère et le Petit Mitron. Tous les partenaires des succès passés (et futurs) sont là : Roland Piétri pour la mise en scène, Jean-Denis Malclès pour les décors et les costumes, Michel Bouquet dans le rôle principal (dont ce sera toutefois le dernier rôle dans une création d'Anouilh). Comme cela aura fréquemment été le cas avec Anouilh, la critique est partagée, mais l'accueil du public est favorable.

En 1969, sa nouvelle compagne, Ursula Wetzel, une jeune femme suisse, donne à Jean Anouilh son cinquième enfant : une fille, Anouk,.

Les pièces se succèdent : Cher Antoine ou l'Amour raté en 1969 (avec Jacques François et Hubert Deschamps), Les Poissons rouges ou Mon père ce héros en 1970 (avec Jean-Pierre Marielle et Michel Galabru). En l'espace de deux ans, Anouilh reçoit le prix de la Critique dramatique pour la meilleure création française ( Les Poissons rouges), le prix mondial Cino del Duca pour son message " d'humanisme moderne " et le prix du Brigadier de l' Association des régisseurs de théâtre. Toujours en 1971, Anouilh entre au répertoire de la Comédie-Française à l'initiative de Pierre Dux avec , jouée par Robert Hirsch et Georges Descrières. Comblé et malgré les approches de ses confrères, Anouilh refusera l'idée d'entrer à l' Académie française.

Les succès se poursuivent avec Ne réveillez pas Madame en 1971, qui tient l'affiche à la comédie des Champs-Élysées pendant presque deux ans (600 représentations) ou Le Directeur de l'Opéra en 1972 avec Paul Meurisse. Créations et reprises alternent au théâtre Antoine, au théâtre des Mathurins et à la comédie des Champs-Élysées. En 1973, il remonte sur le nom de Louis de Funès La Valse des toréadors, une pièce en laquelle il croit beaucoup mais qui avait été assassinée par la critique en 1952. Ayant beaucoup apprécié son Machetu dans en 1956, il avait tenté vainement d'écrire une pièce pour de Funès pendant plusieurs années. La manière dont Anouilh met en scène sa pièce déroute l'acteur : il dirige les répétitions de façon trop distante, avec peu d'indications, données une fois la pièce entière jouée, alors que le comédien préfère la méthode de Raymond Rouleau de reprendre chaque réplique. Par ses inventions, qui plaisent au dramaturge, Louis de Funès allonge la durée de pièce. La pièce est un triomphe critique et commercial et tient 198 représentations, jusqu'à ce que le comédien, épuisé, soit rattrapé par des problèmes de santé.

En 1974, Anouilh soutient la création de la première (et unique) pièce de son gendre, Franck Hamon de Kirlavos (mari de Caroline). Bien qu'il ne vive plus à leurs côtés, Anouilh conserve des relations aussi bien avec Monelle Valentin (dont il se préoccupera de la santé jusqu'à sa mort) qu'avec Nicole Lançon, à qui il confie les mises en scène de Monsieur Barnett et de Vive Henri IV ! ou la Galigaï en 1977. Chers zoiseaux, Le Scénario et seront ses trois derniers grands succès à la fin des années 1970 et au début des années 1980.

Anouilh est à nouveau récompensé, par le Grand prix du théâtre de l' Académie française en 1980 et par le Grand prix de la Société des auteurs et compositeurs dramatiques en 1981.

En 1980, Anouilh est atteint d'une maladie virale qui lui détruit la thyroïde. En 1983, il est victime d'une crise cardiaque. Très affaibli, il se retire de manière définitive en Suisse, où il vit auprès d'Ursula. Ses pièces continuent à être jouées à Paris, mais Jean Anouilh ne peut plus participer à leur mise en scène. Il écrit jusqu'en 1986 ses souvenirs dans un récit autobiographique, La vicomtesse d'Eristal n'a pas reçu son balai mécanique. En 1987, il reprend son scénario de Thomas More ou l'Homme libre, qui sera publié quelques mois après sa mort. Au début du mois d', il entre à l'hôpital de Lausanne pour une transfusion et renoue avec son fils Nicolas, avec qui il s'était brouillé, avant de mourir le .

Il a écrit 47 pièces de théâtre.

À partir de 1942, Jean Anouilh a classé la majeure partie de son œuvre dramatique par qualificatifs : Pièces roses, Pièces noires, Pièces brillantes, Pièces grinçantes, Pièces costumées, Pièces baroques, Pièces secrètes et Pièces farceuses.

L'auteur traite presque toujours les mêmes thèmes : la révolte contre la richesse et contre le privilège de la naissance, le refus d'un monde fondé sur l'hypocrisie et le mensonge, le désir d'absolu, la nostalgie du paradis perdu de l'enfance, l'impossibilité de l'amour, l'aboutissement dans la mort.
Anouilh ne verse pas dans la pièce à thèse, mais diversifie ses créations depuis la fresque jusqu'à la satire en passant par la tragédie. Il place avant toute chose le jeu théâtral [réf. nécessaire].

Note: Les dates suivantes sont celles de publication ou à défaut de rédaction.

En 1942, Anouilh étrenne ses séries " thématiques " avec les Pièces roses qu'il fait alterner avec les Pièces noires. Ce sont des comédies savoureuses, où l'auteur se laisse aller à sa fantaisie.

Dans l'univers " rose " d'Anouilh, il y a deux catégories de personnages : " les marionnettes ", qui sont pour la plupart des vieux ridicules et inconsistants et " les amoureux ", des jeunes gens sincères qui croient à leur amour.

.

Dans Colombe (1951), Anouilh reprend son procédé favori : le " théâtre dans le théâtre ".

Après la Libération, la production dramatique d'Anouilh est marquée par les Pièces grinçantes (depuis Ardèle ou la Marguerite jusqu'au Nombril). Son cadre de prédilection y est celui de la comédie satirique, où se meut surtout la race plus ou moins vulgaire des " gens de tous les jours ".

Le meurtre de Thomas Becket (détail du vitrail de la cathédrale de Canterbury).

La race des " héros " réapparaît dans deux Pièces costumées publiées après la Libération, et Becket, ainsi que dans Thomas More ou l'Homme libre sa dernière pièce publiée en 1987, mais on n'y retrouve plus l'univers angoissant de ses premières Pièces noires.

Jeanne d'Arc ( L'Alouette), Thomas Becket et Thomas More sont des figures lumineuses qui acceptent de se sacrifier non pas pour des raisons existentielles, mais au nom du devoir : envers la patrie (Jeanne) ou envers Dieu (Becket et More).

Adaptations

Jean Anouilh a adapté et traduit plusieurs pièces d'auteurs étrangers dont :

Outre son travail d'auteur, Jean Anouilh a aussi travaillé au théâtre comme metteur en scène, le plus souvent en collaboration.

mise en scène avec Roland Piétri, Comédie des Champs-Élysées

1962 : L'Orchestre de Jean Anouilh, co-mise en scène avec Roland Piétri, Comédie des Champs-Élysées

1962 : Le Boulanger, la Boulangère et le Petit Mitron de Jean Anouilh, co-mise en scène avec Roland Piétri, Comédie des Champs-Élysées

1962 : Victor ou les Enfants au pouvoir de Roger Vitrac, théâtre de l'Ambigu puis théâtre de l'Athénée

1973 : La Valse des toréadors de Jean Anouilh, co-mise en scène avec Roland Piétri, Comédie des Champs-Élysées

1976 : Le Scénario de Jean Anouilh, co-mise en scène avec Roland Piétri, théâtre de l'Œuvre

L'œuvre littéraire de Jean Anouilh comprend un recueil de fables, quelques récits, plusieurs livrets d'opéra ainsi que de nombreux scénarios et adaptations cinématographiques et télévisuelles.

Il est aussi le créateur de la revue La Nouvelle Saison avec Jean-Louis Barrault et René Barjavel en 1939.

1962 : Fables

1987 : La vicomtesse d'Eristal n'a pas reçu son balai mécanique, autobiographie

2000 : En marge du théâtre, recueil d'articles, de préfaces et de présentations de ses œuvres théâtrales, publié de manière posthume, sous la direction d'Efrin Knight.

Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données IMDb.

1953 : Le Loup, ballet de Henri Dutilleux, argument de Jean Anouilh et Georges Neveux, chorégraphie de Roland Petit, créé au théâtre de l'Empire en

1961 : Colombe, " comédie lyrique " en quatre actes et 6 tableaux de Jean-Michel Damase, livret de Jean Anouilh d'après sa pièce, créée le à l'Opéra de Bordeaux avec Maria Murano, dans une mise en scène de Roger Lalande, décors et des costumes de Jean-Denis Malclès

1970 : Madame de..., " comédie musicale " en deux actes de Jean-Michel Damase, livret de Jean Anouilh, créée le à l'Opéra de Monte-Carlo avec Suzanne Sarroca dans une mise en scène d'André Barsacq

1971 : Eurydice, " drame lyrique " en 3 actes de Jean-Michel Damase, livret de Jean Anouilh d'après sa pièce, créé en 1971 dans le cadre du Festival de mai de Bordeaux puis repris l'année suivante à l'Opéra de Bordeaux

1999 : Antigone, opéra en deux actes de Míkis Theodorákis, livret du compositeur d'après la pièce de Jean Anouilh, créé le à Athènes

Distinctions

Adaptations de l'œuvre

Plusieurs pièces d'Anouilh ont été adaptées au cinéma, notamment :

Notes et références

Sur les autres projets Wikimedia :

Paul Ginestier, Anouilh, Paris, Seghers, coll. " Seghers Théâtre ", 1971.

Pol Vandromme, Jean Anouilh, un auteur et ses personnages, Paris, La Table ronde, 1972.

Caroline Anouilh, Drôle de père, Paris, Michel Lafon, 1990.

Christophe Mercier, Pour saluer Jean Anouilh, Paris, Bartillat, 1995.

Jacqueline Blancart-Cassou, Jean Anouilh : Les Jeux d'un pessimiste, Aix-en-Provence, Publications de l'Université de Provence, coll. " Textuelles ", 2007.

Jean-Louis Aussibal, Le voyageur sans bagage de Jean Anouilh est-il l'amnésique de Rodez ? La preuve par le texte, Etudes Aveyronnaises 2007, p. 103 à 112, Recueil des travaux de la Société des Lettres,Sciences et Arts de l'Aveyron, ISSN 1271-6081.

Anca Visdei, Anouilh, un auteur " inconsolable et gai ", Paris, Les Cygnes, 2010.

Bernard Beugnot (dir.), " Anouilh aujourd'hui ", Études littéraires, vol. 41, 1, Département des littératures de l'université de Laval, Canada, 2010.

Michel Mourlet, " Anouilh l'hurluberlu ", , réédition augmentée, Paris, France Univers, 2011.

Benoît Barut et Élisabeth Le Corre (dir.), Jean Anouilh, artisan du théâtre, Rennes, Presses universitaires de Rennes, coll. " Interférences ", 2013.

Jacqueline Blancart-Cassou, Anouilh, Paris, Pardès, collection " Qui suis-je ? ", 2014.

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Jean Anouilh () est un dramaturge et scénariste français né le à Bordeaux ( Gironde) et mort le à Lausanne ( Suisse). Son œuvre théâtrale commencée en 1932 est particulièrement abondante et variée : elle est constituée de nombreuses comédies souvent grinçantes et d'œuvres à la tonalité dramatique ou tragique comme sa pièce la plus célèbre, , réécriture moderne de la pièce de Sophocle.

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La faute est souvent associée à un orgueil important. C'est ce qu'on appelle l'hybris (la démesure) dont sont responsables les héros qui se comparent aux dieux, qui se croient supérieurs aux autres hommes, etc. La tragédie montre comment la fatalité écrase le héros : " jamais homme avant toi n'aura plus durement été broyé du sort " dit le devin Thirésias à Œdipe.