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"Dans lʼentre-deux Mai 68 et 81, six peintres Henri Cueco, Lucien Fleury, Jean-Claude

Latil, Michel Parré, Gérard Tisserand et Christian Zeimert – ce dernier sera démissionnaire au bout dʼan – réactivent une forme collective issue du XIXe siècle, fondant une coopérative sous la forme dʼune association de type loi 1901, au sein de laquelle ils vont sʼemployer à produire une peinture politique et figurative dirigée contre la « Nouvelle Société » pompidolienne. Niant lʼindividualisme attaché à la figure romantique de lʼartiste solitaire, ces peintres produisent un art collectif, inscrit dans le quotidien et accessible sans intermédiaire, quʼils exposent dans des lieux non dédiés à lʼart et la culture, en le louant pour le soustraire au marché et pour se tenir à distance des institutions, comme lʼillustre leur participation, sous la forme dʼun décrochage/happening, à lʼexposition 72, 12 ans dʼart contemporain en France, organisée au Grand Palais, selon le vœu du président Pompidou"

Texte du Musée de Dole - la quasi totalité de la production des Malassis panneaux peints, sérigraphies, archives, est en dépôt dans ce musée.

Tous communistes et peintres figuratifs adeptes de l'aplat, ils s'engagent dans la Coopérative des Malassis, fondée par Gérard Tisserand sur le plateau des Malassis à Bagnolet en 1970, ainsi que dans un travail collectif où la part de chacun n'est pas facile à déterminer.

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Les Malassis, cinq artistes, regroupés en "coopérative laitière", ont mis en commun de 1970 à 1978 leurs moyens, pratiques et expériences afin de pervertir les règles des institutions culturelles, du marché de l'art et de la création individuelle.

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Buren, Morellet, Parmentier et Toroni

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Le groupe BMPT Buren Parmentier Mosset Toroni en 1967

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C'est un collectif de trois canadiens actif de 1967 à 1994.

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Art : rencontre avec l'une des Guerrilla Girls à Bruxelles

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Dominique Gonzalez-Foerster , Pierre Huyghe  & Philippe Parreno 

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Dominique Gonzalez-Foerster , Pierre Huyghe  & Philippe Parreno 

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Le Projet Ann Lee

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M/M, No ghost just a shell, image créée pour le projet collaboratif et évolutif Ann Lee de Pierre Huyghe & Philippe Parreno,
2000.

Art posters series. 3 colours silkscreened poster. 120 x 176 cm approx. (47 x 69").

Installation vidéo 3D sur DVD 4'.

Affiches, moquette, ampli, caisson de basses, 5 enceintes.

Acquisition 2000 | à la galerie Air de Paris, Paris.

Les films, les vidéos et les installations de Philippe Parreno traduisent principalement à travers la forme de la narration, de la fiction, un même enjeu : la représentation et ses significations. À travers une image ou une idée, qu'elle soit issue du champ médiatique ou du champ artistique, ce sont les procédures de fabrication et de légitimation qui sont à l'œuvre qu'il interroge, ainsi que les cheminements qui s'opèrent dans le passage d'un champ à l'autre et qui en modifient la nature et le sens. En 1999, Philippe Parreno et Pierre Huyghe achètent le personnage d'Ann Lee (caractère manga en deux dimensions) à une société japonaise qui fournit aux éditeurs de l'industrie du manga le dessin des personnages ainsi que leur profil psychologique, du héros au simple figurant destiné à disparaître au bout de quelques pages. Choisie sur catalogue comme une marchandise, Ann Lee, femme-enfant, est rachetée, libérée de l'industrie culturelle et réinvestie par le champ artistique. Anywhere out of the world (2000) en est la première "version", sorte de conte moderne proposé par Philippe Parreno. Image virtuelle (redessinée en 3D), simple coquille vide (d'imaginaire mais pas de sens), Ann Lee raconte (dans la langue internationale du business) non pas une histoire telle que l'on pourrait l'attendre d'un personnage de fiction mais son histoire en tant que produit destiné à faire vendre. Cette histoire critique (mais aussi tragique de la jeune fille dont l'enveloppe charnelle fait l'objet d'un commerce) met à jour et démonte l'ensemble des mécanismes économiques qui sous-tendent l'industrie de l'image (du cinéma aux jeux vidéo), matérialisés dans l'installation de l'artiste par le poster à l'effigie de la star (réalisé par les graphistes M / M), la moquette, le son Dolby Surround, comme autant d'éléments indispensables du marchandising promotionnel et de la mise en condition du consommateur de divertissements (pas uniquement) "culturels".
Héroïne contemporaine virtuelle, en attente d'une biographie, d'un scénario ou d'une histoire, on retrouve Ann Lee dans la vidéo No ghost just a shell de Pierre Huyghe et dans Ann Lee in anzen zone de Dominique Gonzalez-Foerster.

François CURLET, Anne Lee, Écran témoin, 2000.

Dominique GONZALEZ-FOERSTER, Ann Lee in anzen zone, 2000.
Images de synthèse, animation virtuelle, multimédia d'un personnage de manga.
DVD-Vidéo, pal, couleur, sonore.Animation numérique. Projection DVD.Durée : 3'25''

Ann Lee, petite femme virtuelle qui nous est déjà devenue familière par les films de Philippe Parreno, Anywhere out of the world (2000), et de Pierre Huyghe, (2000), revient à la vie dans le film réalisé par Dominique Gonzalez-Foerster. Il n'y a pas si longtemps, Ann Lee reposait dans un catalogue de modèles de la firme graphique japonaise Kworks, sans autre avenir que d'attendre qu'un dessinateur en mal d'inspiration vienne animer sa mauve silhouette et ses grands yeux en amande. Philippe Parreno et Pierre Huyghe l'ont sortie de sa léthargie et lui ont donné un autre destin que celui d'un personnage secondaire de bande dessinée japonaise parfaitement codée en l'achetant pour en faire la créature d'un projet collectif, . Libérée, Ann Lee est confiée à l'imaginaire des artistes pour qu'ils travaillent avec ce " personnage bon marché, amené à disparaître très vite ", et pour qu'ils lui prêtent " un caractère, un texte, une dénonciation, le plaidoyer d'un procès. Faire en sorte que ce personnage puisse vivre différentes histoires. Qu'il puisse agir comme un signe, comme un logo actif... "

Sous la pluie qui strie l'écran, Ann Lee murmure en japonais, de sa douce voix synthétisée, une prophétie menaçante : " Il n'y aura pas de zone de sécurité ('anzen zone', en japonais), vous allez disparaître de vos écrans [...] Il n'y a nulle part où aller, absolument nulle part dans cet univers complètement perdu [...] Vous serez tous envoyés vers un lieu sans retour, c'est un voyage vers nulle part. " Errant dans un vide sidéral, fantomatique personnage aux yeux sans fond, Ann Lee retrouvant son identité originelle japonaise, se confond et se détache de son double anglophone, monologue, de sa voix indéfinie, promesse de disparition, avertissement glacial, menace programmée. Silhouette adolescente au déhanchement maladroitement mécanique, être-miroir absorbant nos projections imaginaires, Ann Lee se déplace sur l'écran dans une lenteur poétiquement mélancolique. Elle nous touche, parce que nous voulons voir ce simple signe, produit destiné à un marché, capable d'absorber et de réfléchir ce que notre imaginaire projette.

L'industrie plus ou moins culturelle avait destiné cette créature manga à n'être qu'une vague héroïne de fiction bon marché et la voilà devenue, par une émancipation décidée par des artistes, un personnage en devenir, endossant, le temps d'une intervention artistique, les questions que se posent les artistes devant une image, une fiction qui " instrumentalise l'imaginaire collectif ". Elle montre comment, artiste ou spectateur, nous réagissons lorsqu'une " coquille vide " - autrement dit un simple dessin séduisant la part de notre sensibilité restée infantile, comme nous en livre par poignées la science-fiction bas de gamme - est habitée par un imaginaire s'ouvrant aux autres et à toutes les interprétations possibles.

Art posters series. 3 colours silkscreened poster. 120 x 176 cm approx. (47 x 69"). Unlimited edition.

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M/M, No ghost just a shell, image créée pour le projet collaboratif et évolutif Ann Lee de Pierre Huyghe & Philippe Parreno,2000. Art posters series. 3 colours silkscreened poster. 120 x 176 cm approx. (47 x 69"). Installation vidéo 3D sur DVD 4'. Affiches, moquette, ampli, caisson de basses, 5 enceintes.

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Les prothèses dans l'art contemporain

Les prothèses, appareils et appareillages en tous genres ont pénétré dans l'art contemporain avec ce qu'ils ont de ludique, de terrifiant et de mystérieux. L'homme cherche-t-il a devenir de plus en plus performant avec ces prothèses ou alors ces oeuvres ne montrent-elles pas les limites du corps humain ? Les prothèses ne sont-elles pas aussi le témoignage, la preuve des horreurs passées de la guerre ? Volonté de puissance ou tout simplement souffrance, la prothèse est paradoxale et ambiguë.

Raoul Hausmann réalise un assemblage, L'esprit de notre temps en 1920 (bois et matériaux divers 32,5x21x20cm), qui montre un visage avec des objets collés dessus. Certes, il interroge le statut des mesures anthropométriques de l'époque mais ne s'agit-il pas également de prothèses ?

Marcel Duchamp, dans " En prévision du bras cassé " expose une pelle qui peut évoquer une prothèse. L'artiste est plein d'humour !

Otto Dix, dans les joueurs de Skat, 1920, montre les ravages de la guerre sur les soldats. Les joueurs ont des membres en bois et diverses prothèses. (oeil, oreille, bouche) Ce tableau nous montre les horreurs de la guerre. En effet, les personnages sont tous blessés, ils ont des prothèses à la place des machoires, des jambes etc ... Pourtant, ils sourient. La guerre retire toute humanité aux combattants. Ces hommes sont coupés du monde. Ils sont exclus de la société car ils font peur.

Philippe Ramette défie l'horizon avec sa boîte-lunettes.
Didier Faustino
Marie Chouinard, une chorégraphie avec des béquilles et autres prothèses. Stupéfiant.

Rebecca Horn a imaginé quantité de prothèses faciales et corporelles. Véritables extensions du corps, l'artiste interroge les limites du corps humain qu'elle décuple. Très sculpturales, ces prothèses à la fois mystérieuses et élégantes sont créatrices de formes nouvelles.

Amplified Body/Third Hand, Stelarc, (cf : Performance, Body Art)

Michael Burton et Michiko Nitta, AlgaCulture, 2012.

Michael Burton, Nanotopia, 2006.

Javier Pérez réalise un masque de séduction plutôt étrange et inquiétant.

Le duo LucyandBart en performance post-body art, avec leurs prothèses déglinguées et mutantes

Sascha Nordmeyer, Hyperlip propose des prothèses buccales étranges qui déforment la perception du visage. Ses sortes de sourires figés défigurent les traits. Comment ne pas songer aux peintures de Yue Minjun avec ses éclats de rire terrifiants ?

Les prothèses sont objet d'opérations plastiques diverses et variées. Mais de ce thème riche et porteur, n'est-il pas important de se souvenir des souffrances de ces hommes de la guerre 14-18, ces gueules cassées qui ont été rejetées par la société tant elles étaient effrayantes ?

Mais dans cette aventure, une artiste a réussi à rendre beau une extension qui à priori ne l'est pas. Rebecca Horn réussit à rendre poétique des prothèses qui re-dessinent le corps et l'espace en les rendant à la fois plastiques et très graphiques. La prothèse dans ses oeuvres acquièrent de la grâce et de la poésie. Ses prothèses sont des extensions graphiques alors que d'habitude, elles défigurent le corps, comme des excroissances hideuses et rebutantes. La prothèse ne fait plus peur, elle devient objet de chorégraphie spectaculaire avec Marie Chouinard.

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Les prothèses dans l’art contemporain

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Les prothèses dans l'art contemporain Les prothèses, appareils et appareillages en tous genres ont pénétré dans l'art contemporain avec ce qu'ils ont de ludique, de terrifiant et de mystérieux. L'homme cherche-t-il a devenir de plus en plus performant avec ces prothèses ou alors ces oeuvres ne montrent-elles pas les limites du corps humain ?

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Le baiser de l'artiste

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Dans Renverser ses propres yeux, Penone tente l’expérience de l’aveuglement, pour sentir sa propre enveloppe, sa présence au monde (hors la vue) un peu comme… un arbre ! Dans cet autoportrait on pourrait dire qu’il nie l’ego pour chercher à se mettre à l’unisson avec les forces de la nature, et explorer d’autres sens comme le toucher et l’odorat…

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Lygia Clark, «Diálogo: Óculos», 1968, © Lygia Clark

Lygia Clark recherche des processus interactifs avec le spectateur. Ceci l’a conduit à concevoir des objets utilisés comme moyen de communication. Les «lunettes» – (voir aussi «Máscaras sensoriais») – permettent d’affiner la vision et proposent une nouvelle façon de voir. Ce dispositif portable, place Lygia Clark en compagnie « des  chercheurs de perception ». Cela n’est pas sans compter sur l’aspect sensuel dû à la proximité avec le spectateur. Ces lunettes font partie du projet «Oculos.»

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Cranach,1535, huile sur toile, 77/52cm

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L'âge d'or

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Jacopo Zucchi, 1560

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Hendrik Van Limborch, 1718, huile sur toile, 64/84cm