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« Il est plus difficile qu’on ne pense de définir les monstres » Voltaire, 1764.

« La monstruosité n'est que lorsque l'humanité se regarde dans un miroir » Apollinaire

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Le monstre, de tout temps et en tous lieux...

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Le monstre, de tout temps et en tous lieux...

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Les monstres mythologiques:

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D'où provient notre fascination pour le monstrueux? 

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D'où provient notre fascination pour le monstrueux? 

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Les monstres sujets d'inspiration artistique

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Les monstres sujets d'inspiration artistique

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Au cinéma:
Edward aux mains d'argent de Tim Burton

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Edward aux mains d'argent  - bande-annonce VF

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Au moyen âge : "Dans le christianisme médiéval, le monstre est associé à la figure du mal"

XVII° et XVIII° siècles : la tératologie (étude scientifique des malformations

congénitales) avance alors à grand pas et écrase

les mythes en apportant des preuves issues des

dissections.

XXe siècle : avec la psychanalyse, le surréalisme : « les monstres se glissent progressivement à l’intérieur de chaque individu. »

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Mais sont-ils vraiment monstrueux?
Le personnage de Quasimodo ou de la créature du docteur Frankenstein

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C'est en Grèce que le théâtre a été inventé. Ce théâtre a eu une postérité dont nous sommes aujourd'hui encore les héritiers. Pourtant il est profondément différent du théâtre moderne par sa dimension religieuse , civique , par le caractère unique des représentations, lors de concours dramatiques pendant les fêtes religieuses, et par les conditions matérielles du spectacle.
I) UN SPECTACLE RELIGIEUX
1) L'ORIGINE DU THÉÂTRE

Comme toutes les manifestations antiques, le théâtre grec a une forte composante religieuse. Cet aspect s'explique par son origine. En effet il est né des hymnes en l'honneur de Dionysos , peu à peu transformés en pièces de théâtre : un chanteur se détache des autres et leur répond, puis un acteur donne la réplique au chœur (l'ensemble des chanteurs). Un deuxième acteur puis un troisième sont introduits par Eschyle puis par Sophocle. De cette origine religieuse, le théâtre conserve des scènes rituelles (scènes de deuil, de sacrifice, de supplication) et des chants en l'honneur des dieux. Sur la scène se trouve un autel dédié à Dionysos, intégré dans la mise en scène et dans l'action de la pièce. La statue du dieu est transportée au milieu de l' orchestra , là où évolue le chœur, et elle y reste pendant toute la représentation.

Hachette 6ème

2) LES CONCOURS TRAGIQUES L'origine du théâtre explique que les représentations aient lieu lors de grandes fêtes religieuses : les Lénéennes, les Grandes Dionysies, les Dionysies rurales. Les pièces, au Vème siècle, sont donc représentées une seule fois et participent à un concours qui dure quatre à cinq jours.

C'est seulement après la grande période classique, à partir du IV°siècle que les pièces qui ont remporté un concours sont rejouées et deviennent des pièces de répertoire. C'est d'ailleurs la raison pour laquelle elles nous sont parvenues, leurs manuscrits ayant été sans cesse recopiés. Les autres, c'est-à-dire la majorité, ont disparu.

3) LES SUJETS Les sujets des pièces font une très large part à la : le cycle troyen, la famille des Atrides, celle des Labdacides, Héraclès. Parmi les pièces conservées, une seule évoque un événement historique : les Perses d'Eschyle raconte la défaite des Perses à Salamine. mythologie libations
Les pièces n'ont donc aucun mal à intégrer dans la mise en scène l'autel de Dionysos présent sur la scène : , prières, sacrifices prennent tout naturellement place dans l'action. Les auteurs tragiques reprennent les thèmes déjà traités par Homère. Ce n'est pas l'effet de surprise qui est attendu par le public : celui-ci connaît l'histoire dans ses grandes lignes. La nouveauté réside dans le choix de telles ou telles variantes, dans l'accent mis sur tel ou tel personnage, sur un trait de caractère, sur un thème particulier... Le spectateur est donc dans un univers à la fois familier et original.
II) UN SPECTACLE CIVIQUE
1) LA CHOREGIE Le spectacle théâtral n'est pas seulement une activité religieuse ou un divertissement : il fait partie intégrante de la vie de la cité. C'est pourquoi une des façons de s'acquitter de ses impôts est la chorégie : recrutement et entretien du chœur, des acteurs, du joueur de flûte, achat des costumes et des masques...Ceci au même titre que l'armement d'un bateau de guerre : cela montre l'importance du théâtre dans la vie de la cité.

2) LE PUBLIC Le prix des places était très modique et les plus pauvres pouvaient assister gratuitement au spectacle et recevaient même de l'argent pour compenser la perte de leur journée de travail.
Le théâtre n'est donc pas un spectacle réservé aux plus riches. C'est une cérémonie qui rassemble toute la cité.

3) LES SUJETS Le théâtre naît en Grèce à une époque où, bien que fortement imprégnés par la religion, le droit et la politique tendent à devenir autonomes . Le théâtre est contemporain et témoin de ce changement.. Désormais l'individu est jugé selon ses actes et doit répondre de ses faits et gestes et non de ceux de ses ancêtres. La justice, et avec elle la notion d'intention et de circonstances atténuantes, a remplacé la vengeance., de la légitimité du pouvoir...
Par exemple la trilogie d'Eschyle consacrée aux Atrides nous montre une justice archaïque, fondée sur la vengeance reproduisant la violence et le meurtre de génération en génération : Agamemnon sacrifie sa fille Iphigénie ; son épouse Clytemnestre la venge en faisant tuer Agamemnon par son amant Egisthe; ces derniers sont à leur tour assassinés par Oreste, fils d'Agamemnon et de Clytemnestre.. Dans la dernière pièce de la trilogie, la justice change radicalement, le cycle de la vengeance s'arrête définitivement : Oreste est jugé par un tribunal, celui de l' aréopage supériorité de la démocratie
D'autre part la politique est un sujet de discussion sur la scène théâtrale : on débat des questions d'actualité, de la définition du meilleur régime politique, de la tragédie . Dans la
La cité met en scène ses valeurs dans la comédie , au contraire, les valeurs de la cité sont critiquées, les hommes politiques dénoncés et caricaturés, même la religion n'est pas épargnée : les dieux sont représentés comme gloutons, peureux, menteurs... ; la société divine décrite par Aristophane est le reflet de la société humaine et de ses imperfections. En échange l'auteur propose une cité utopique.
III) L'ORGANISATION MATÉRIELLE
1) LE LIEU DU SPECTACLE Le théâtre grec se joue en plein air, dans un endroit choisi pour ses qualités acoustiques. Les gradins sont creusés à flanc de colline : c'est le théatron proprement dit, c'est-à-dire le lieu d'où l'on voit. Le spectacle a lieu dans deux endroits distincts : l' orchestra de forme ronde où évolue le chœur ( chants et danses) et le proskénion (proscenium) où jouent les acteurs, devant la skénè qui est le mur de scène (loge des acteurs) sur lequel sont accrochés les décors et derrière lequel se trouvent les coulisses.

Extrait de Hachette 6ème

2) LES ACTEURS Les acteurs sont au nombre de trois au maximum. Seul le protagoniste ( le premier rôle) est célèbre et est mentionné dans les inscriptions. Les deux autres ont des rôles secondaires et restent en retrait. Les costumes sont riches et voyants pour être faciles à voir de loin. Des accessoires permettent de reconnaître le personnage ( un sceptre pour le roi par exemple).masque permet aux acteurs de jouer les rôles féminins, de jouer plusieurs rôles puisqu'il n'y a que trois acteurs mais plus de trois personnages. Le masque sert aussi d'amplificateur pour la voix. Les traits grossis du masque sont visibles de loin et permettent aux spectateurs de deviner tout de suite le statut du personnage ( vieillard, esclave, roi...) ou ses émotions ( haine, colère, pitié...). Les ( chaussures à épaisse semelle de bois) grandissent l'acteur et lui donnent un air majestueux conforme aux rôle de rois ou de héros de la mythologie.
L'utilisation du cothurnes Voir le Savoir Plus sur les masques .

3) LES DÉCORS L'action se situe dans un palais, un temple pour la tragédie ou une maison pour la comédie. Les murs sont peints sur la skénè. Il y avait peu de changements de lieu : les événements extérieurs sont simplement racontés par un récit de messager ( batailles, meurtres, scènes de violence...). Autres éléments de décor : rocher, statue de dieu, tombeau... Les décors sont réutilisés plusieurs fois.
Une machinerie permet l'apparition ou la disparition dans le ciel de personnages : par exemple Médée s'envole sur son char ailé dans la pièce qui porte son nom.

Isabelle Didierjean, professeur agrégé de lettres classiques au collège public Jeanne d'Arc - Orléans.
Autre page sur le théâtre grec avec schémas et comparaison avec le théâtre romain

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C'est en Grèce que le théâtre a été inventé. Ce théâtre a eu une postérité dont nous sommes aujourd'hui encore les héritiers. Pourtant il est profondément différent du théâtre moderne par sa dimension religieuse , civique , par le caractère unique des représentations, lors de concours dramatiques pendant les fêtes religieuses, et par les conditions matérielles du spectacle.

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Étymologiquement "monstre" vient du latin monstranum, ce que l'on montrait notamment dans les foires ou les cirques

Monstre: http://www.cnrtl.fr/definition/monstre
Monstruosité:
http://www.cnrtl.fr/definition/monstruosit%C3%A9

Contrairement au monstre dans sa nature première, la créature fantastique est une création, consciente ou non, de l’imaginaire humain.

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Ce texte est extrait du site www.theatrons.com

Les drames grecs et romains sont souvent considérés comme les premières formes du théâtre.

Des premiers hommes aux Grecs

Naissance de la tragédie

Le plus ancien texte que nous connaissons sur l'art du théâtre est "la Poétique" d' Aristote (330 av. J.-C.).

La tragédie grecque serait née des "dithyrambes", hymnes à la gloire de Dionysos, dans lesquels se répondent deux voix, celle du chef du chœur seul et celle du chœur entier.

Quand on connait l'origine orientale de Dionysos (le siège du prêtre est d'ailleurs orné de lions, de griffons, de satyres et de raisins, en référence à cette origine; par ailleurs, ce dieu est coiffé d'un bonnet phrygien, tout comme Mirtha, ce qui atteste du fait que les Grecs le considéraient comme un dieu d'origine étrangère), on peut se demander si la tradition grecque ne s'inspirerait pas d'une tradition orientale antérieure, car plusieurs historiens situent l'origine du théâtre chinois aux environs de deux mille ans avant Jésus-Christ, et il semble que le théâtre indien trouve également sa source dans un passé immémorial.

Plutôt que de vouloir attribuer une origine précise à cet art, il est sans doute plus judicieux de considérer qu'il aussi ancien que la vie communautaire elle-même, dans la mesure où les danses de la pluie, où les récits au coin du feu, auxquels se livraient déjà probablement les premiers hommes, posaient, sans le moindre doute, les bases de la représentation théâtre.

Faute d'informations précises sur les formes antérieures du théâtre, c 'est en tout cas à Thespis, un choreute du vi e siècle av. J.-C., qu'on attribue l'invention de la tragédie, et donc de l'art dramatique. Il serait le premier à avoir introduit sur scène un personnage indépendant du chœur lors d'un dithyrambe. Interprétant le rôle principal de son histoire, Thespis aurait, pour la première fois, récité un monologue auquel aurait répondu le chœur.

Deux siècles plus tard, Aristote, dans sa Poétique, estime que c'est à partir de ces nouvelles formes de dithyrambes et grâce à l'intervention d'autres personnages et acteurs, que le théâtre a pu évoluer vers une forme autonome.

Dionysies, tragédie et comédie

A partir de 545 av. J.-C., des pièces sont jouées à Athènes lors des "Grandes Dionysies", festivités en l'honneur de Dionysos, auxquelles participe Thespis.

C'est la cité-État qui inite et gère ces concours : elle choisit les dramaturges, aide au financement du spectacle (les poètes et les acteurs reçoivent un salaire) et désigne le chorège et les choreutes ainsi que le poète victorieux. C'est également la cité-État qui permet aux plus pauvres d'assister aux représentations en leur accordant des compensations financières.

Cette fête, qui évoluera jusqu'au siècle de Périclès, dure sept jours (deux réservés aux processions en l'honneur de Dionysos, un consacré au dithyrambe, un à la comédie et trois à la tragédie). Pendant les 3 jours consacrés à la tragédie, outre une trilogie de tragédies, chaque poète désigné par concours doit présenter un drame satyrique (bouffonnerie mettant en scène les dieux d'une façon parodique et obscène).

Les "Grandes Dionysies" ont largement participé au développement des différents genres dramatiques tels que la comédie et la tragédie.

La tragédie antique grecque

La tragédie grecque connait son apogée au v e siècle av. J.-C. La première tragédie connue est "les Perses" d' Eschyle (472 av. J.-C.), la dernière est "Œdipe à Colonne" de Sophocle (401 av. J.-C.). Sur plus de mille tragédies écrites entre ces dates, il n'en reste que 32, composées par Eschyle (7 conservées alors qu'il en a probablement écrit plus de 80), Sophocle (7 conservées alors qu'il en a probablement écrit plus de 120) et Euripide (18 conservées alors qu'il en a probablement écrit plus de 80).

C'est Eschyle, qui, le premier, à l'idée d'introduire un second acteur, le "deutéragoniste", instaurant ainsi un dialogue entre deux acteurs. Il est considéré comme le père de la tragédie antique dont il a jeté les bases. Il a également introduit les décors et les costumes.

Ces tragédies antiques partagent une structure très rigide, une composition en vers et une division en "épisodes" (scènes), où s'intercalent des dialogues et des poèmes lyriques chantés par le Chœur.

Les récits sont le plus souvent issus de la mythologie et de l'histoire antique, avec lesquelles les poètes prennent toutefois des libertés. Les pièces posent des questions politiques et métaphysiques. Etant donné le faible nombre de comédiens, les événements sont souvent rapportés par le dialogue et les chants du chœur. Le théâtre grec n'en est pas moins un véritable spectacle où la musique, la danse et les costumes (déguisements du chœur) agrémentent le texte.

C'est encore Aristote, dans sa "Poétique", qui définit a posteriori la tragédie antique. Selon lui, elle partage avec l'épopée la première place dans la hiérarchie des genres et représente une imitation de la vie des hommes grace à l'action qui se déroule sur scène. Ses personnages sont illustres et vivent des combats, des passions, des douleurs exceptionnels auxquels leur position de prince apporte une dimension collective, qu'expriment les commentaires chantés et dansés par le chœur.

La fin funeste du personnage, inévitable sanction de ses erreurs, doit susciter chez le spectateur des sentiments de pitié et de terreur, et opérer la purgation de ses propres passions("catharsis").

La comédie antique grecque

La comédie naît, en 486 av. J.-C., lors des Grandes Dionysies. Il semble qu'elle soit issue des jeux comiques improvisés lors des processions phalliques en l'honneur de Dionysos. Les plus anciennes comédies conservées sont celles d' Aristophane. Celui-ci ne semble pourtant appartenir qu'à la troisième génération de poètes comiques.

La comédie appelée "ancienne" suit un schéma très simple, dont on place l'origine aux anciens rites de fertilité. Il s'y ajoute des plaisanteries triviales ou scatologiques, des tirades satiriques dirigées contre les personnages publics et une caricature des dieux.

La comédie cherche d'abord à provoquer le rire. Elle use de tous les artifices (jeux de mots, déguisements outranciers, etc.) pour y parvenir. Les comédies d'Aristophane, maître dans le genre "ancien", et initiateur du genre "moyen", se moquent avec délectation de la vie politique et intellectuelle athénienne.

La "comédie nouvelle"

Les comédies traitant d'un sujet athénien et les tragédies orientées sur la philosophie, perdent peu à peu de leur attrait. Il se crée alors une forme de comédie locale (appelée "comédie nouvelle"), dont il ne reste qu'un seul exemple complet : "l'Avare ou le Misanthrope" (317 av. J.-C.), de Ménandre.

Ces pièces sont bâties autour d'une situation familiale associant amour, argent et quiproquos, et de types sociaux caricaturés et faciles à identifier : le père avare, labelle-mère acariâtre, etc.

Le théâtre romain

Les jeux scéniques

La Rome antique adore le spectacle, et dès le iv e siècle av. J.-C. le théâtre romain prend une très grande importance. Au début de l'Empire, les Romains ont droit à deux jours par an de théâtre. A la fin de l'Empire, ils ont droit à cinquante-cinq jours de théâtre et de cirque par an.

Le théâtre romain, appelé "ludiscaenici" (jeux scéniques), prend son importance en 364 av. J.-C. lorsque des danseurs et musiciens venus d'Étrurie présentent un spectacle devant une "scaena" (mur de scène). Vers 240 av. J.-C, LuciusLivius Andronicus inaugure les "jeux grecs" en traduisant et représentant des comédies et des tragédies grecques.

De la comédie au pantomime

Un théâtre romain original, festif, ludique et musical, se développe alors. Toutefois, contrairement au théâtre antique grec qui l'a inspiré, ce nouveau théâtre exclue toute réflexion d'ordre politique ou philosophique.

Les représentations sont d'abord associées aux fêtes religieuses, mais elles en deviennent peu à peu indépendantes.

C'est la comédie qui se développe surtout au ii esiècle av. J.-C., avec par exemple les pièces de Plaute et de Térence, adaptées de la comédie nouvelle grecque. Ces pièces mettent généralement en scène une intrigue domestique, à laquelle s'ajoutent parfois (chez Térence), des intentions morales. Elles se composent pour l'essentiel de dialogues, dont un à deux tiers sont chantés.

La comédie romaine s'affranchit rapidement de l'héritage de la comédie nouvelle grecque, et se moque de la vraisemblance, brouillant les rapports entre le vrai et le faux.

Au premier siècle, c'est l'art du mime et de la pantomime qui domine les genres classiques et qui reçoit les faveurs du public.

La tragédie romaine

Parmi les tragédies romaines écrites à cette époque, les seules qui ont survécue sont celles de Sénèque, qui datent du i er siècle apr. J.-C. Il s'agit de "tragédies de salon" (pièces écrites pour être récitées, mais non représentées), le goût du public pour la tragédie étant alors limité.

Les pièces de Sénèque se basent sur les mythes grecs, mais mettent l'accent sur des éléments surnaturels, et en y ajoutant violence et passions extrêmes. Le héros romain est furieux (de furor, c'est-à-dire non responsable de ses actes), à l'image de Médée.

La structure des tragédies romaines (cinq actes entrecoupés de monologues et d'oraisons poétiques) a exercé son influence sur les auteurs de la Renaissance.

Le déclin du théâtre classique

Au ii e siècle apr. J.-C., le théâtre littéraire est supplanté par des spectacles populaires. Les combats de gladiateurs eux-mêmes sont théâtralisés par le biais d'intrigues, de décors et de costumes.

Compte tenu de la réputation licencieuse de certains acteurs, et en particulier des actrices, ainsi que des sarcasmes des mimes contre les chrétiens, l'Église chrétienne des premiers temps condamne le théâtre romain, contribuant à son discrédit et à celui des acteurs (qu'elle excommunie).

Avec la chute de l'Empire romain en 476 apr. J.-C., le théâtre classique disparait de la culture occidentale pendant près de cinq cents ans. Il ne survit que par l'intermédiaire des bateleurs, jongleurs et ménestrels de l'époque médiévale.

Note :

* dans son Essai historique, politique et moral, sur les révolutions, Chateaubriand écrit : "On a découvert parmi les Indiens une foule de pièces de théâtre écrites dans la langue sacrée (...). S'il était possible de douter de la haute civilisation des anciennes Indes, cette particularité seule suffirait pour la prouver, en même temps qu'elle dépouille les Grecs de l'honneur d'avoir été les inventeurs du genre dramatique."

A lire également sur d'autres sites :

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Ce texte est extrait du site www.theatrons.com Naissance de la tragédie Le plus ancien texte que nous connaissons sur l'art du théâtre est "la Poétique" d' Aristote (330 av. J.-C.). La tragédie grecque serait née des "dithyrambes", hymnes à la gloire de Dionysos, dans lesquels se répondent deux voix, celle du chef du chœur seul et celle du chœur entier.

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Médée la sorcière, Médée la vengeresse. C'est comme cela que l'on présente le plus souvent cette servante d'Hécate, princesse de Colchide. Pourtant son nom signifie la rusée, celle qui médite.
Nancy Peña et Blandine Le Callet, conteuse et dessinatrice de talent, proposent leur vision du mythe. Celui d'une femme forte, dont la puissance d'esprit dérange et effraie.

Dans le tome 1, Médée grandit dans le royaume de son père jusqu'à devenir celle, qui par son intelligence et son audace, permettra à Jason de s'emparer de la Toison d'or (tome 2). Cette série est remarquable, avec un scénario qui ne se contente pas d'énoncer les épisodes mythologiques mais en propose une réécriture, situant les enjeux au-delà des péripéties. Portée par la voix interne du personnage qui nous livre elle-même son histoire, depuis la grotte où elle a trouvé refuge au crépuscule de sa vie.

L'Epouse barbare a pour décor le palais d'Iolcos, dont le trône est revendiqué par Jason, alors qu'il a été usurpé par un seigneur décati et souffrant d'une maladie de peau qui lui procure une apparence aussi miteuse et délabrée que celle de son royaume. Et qui s'accroche au pouvoir comme un lambeau de papier peint tenace à un mur. Tandis que Jason prône la patience et la diplomatie, convaincu de tirer les bonnes ficelles dans l'ombre, Médée perçoit déjà l'échec total de son mari qui atteint ses limites. Elle le dépasse à nouveau en clairvoyance et ne tarde pas à mettre au point un plan pour échapper à cette situation qui l'étouffe d'immobilisme. Machiavélique diront certains. Rusé, diront d'autres. Et ayant comme ressort principal la bêtise et la crédulité des princesses d'Iolcos, ces imbéciles aux " yeux de vaches ". C'est le fameux épisode du bélier.

Les dessins sont superbes, cultivés et élégants. Puisant dans différentes esthétiques. On pense à Jan Toorop pour l'utilisation du doré sur fond noir, des compositions décoratives aux motifs stylisés. Ainsi qu'à d'autres peintres symbolistes tels que Carlos Schwabe ou Gustave Moreau pour les gestuelles dramatiques des protagonistes, leurs corps allongés et leurs chevelures ondoyantes. Et à Klimt bien sûr, notamment dans une scène très réussie où l'on pénètre dans la psychée complexe de Médée comme dans un labyrinthe. Au cœur de la pénombre le bracelet serpent autour de son bras prend vie et esquisse les courbes de ses sombres desseins.

- J'ai l'impression qu'il ne faut pas compter sur ton mari pour se salir les mains.
- Que veux-tu, il n'a pas le goût du sang... Ce n'est pas grave. J'ai pris ma décision : j'agirai à sa place.

Des silhouettes de pins dans la brume évoquent des estampes japonaises. Tandis que les personnages sont drapés et finement détaillés comme ceux des céramiques à figures rouges antiques. Quant à Médée, c'est de l'espièglerie et de la vivacité d'esprit qui transparaît dans ses grands yeux noirs encadrés d'une épaisse chevelure sauvage qui crie son aspiration à la liberté et à l'autonomie. Etre maître de son destin. Voilà la vraie richesse. Même si cela lui coûtera plus qu'elle n'aurait pu prévoir.

Médée, Tome 1 et 2 parus. Tome 3 : L'Epouse Barbare, à paraître le 31 août. Nancy Peña et Blandine Le Callet. 64 pages, chez Casterman.

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Le mythe de Médée raconté au féminin pluriel

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Médée la sorcière, Médée la vengeresse. C'est comme cela que l'on présente le plus souvent cette servante d'Hécate, princesse de Colchide. Pourtant son nom signifie la rusée, celle qui médite. Nancy Peña et Blandine Le Callet, conteuse et dessinatrice de talent, proposent leur vis