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La música de Brasil es un vivo reflejo de la diversidad cultural de este país, con influencias indígenas, africanas y europeas. Además de la samba y la bossa nova, famosas en todo el mundo, hay varios géneros paradigmáticos que identifican la música brasileña.
El choro (en portugués, choro), popularmente llamado chorinho, es un género musical, una música popular e instrumental brasileña, con más de 130 años de existencia. Los conjuntos que lo ejecutan son llamados regionais (regionales), y los músicos, compositores o instrumentistas, son llamados chorões. El choro es considerado «la primera música popular típica de Brasil», y su ejecución resulta ser muy difícil.
A pesar del nombre, el ritmo es generalmente agitado y alegre, caracterizado por el virtuosismo y la improvisación de los participantes, que precisan tener estudio y técnica y pleno dominio de su instrumento.
El conjunto regional está generalmente formado por uno o más instrumentos solistas, como la flauta o la mandolina, que ejecutan la melodía, junto al cavaquinho (un instrumento específico de la música portuguesa) que hace el centro del ritmo, y una o más guitarras (entre las que destaca por su singularidad la de siete cuerdas), además del pandeiro como marcador de ritmo.
Como forma musical surgió probablemente a mediados de 1870, en Río de Janeiro.
Alumnas: Ruiz Joana y Vera Lucero

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historia musical jamiquina (Medali Natalia)

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historia musical jamiquina (Medali Natalia)

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Cuando se habla de música popular jamaicana, mucha gente tiende a pensar en el Reggae. Éste tiene su origen allá por los años 40. Se debe entender el Reggae como algo dinámico, y no como algo estático, es decir, se ha de considerar una música que ha evolucionado y que sigue evolucionando, y que a cada etapa de esta evolución se la conoce con un nombre determinado (Sound System, Ska, Roots, Rock Steady, Ragga, Dub, Dancehall, Lovers Rock, Toasting ....). Es el “árbol genealógico” del Reggae. Su origen puede encontrarse en el Mento (folk africano), Jazz, Gospel, Soul Jamaicano, Blue Beat, Calipso e influencias de R&B.

El Big Bang del Reggae

Imagina Jamaica a finales de los años 50, invadida por la fiebre de la Independencia y preparándose para la izada de la bandera en 1962. En el centro de Kingston el boom de los Sound Systems y la competición por los sonidos más frescos es feroz. Como los sonidos importados del Rhythm & Blues americano no contentarían esas almas, el nacimiento de la música popular jamaicana para las masas era inevitable.

Pero esta combinación de nacionalismo y comercialismo tenía otro poderoso elemento: África. La religión (Iglesia Pocomania ), y los tradicionales tambores de Burru y Kumina se unieron en Jamaica donde el africanismo estaba ferozmente en alza y donde las revueltas esclavistas eran más numerosas que en cualquier otra isla del Caribe. Este africanismo emergió gracias al evangelista y empresario jamaicano Marcus Garvey, quien un domingo de 1927, profetizó en una iglesia de Kingston: “....mirad a África, donde un rey negro será coronado, pues la salvación está cerca”. La profecía se hizo realidad. En 1930 el Ras-Tafari Makonnen de Etiopía se hizo proclamar emperador argumentando ser descendiente del Rey Salomón. Fue proclamado emperador adoptando el nombre de Su Majestad Imperial Hailè Selassiè I (,Poder de la Santísima Trinidad) Rey de Reyes, Señor de Señores, León Conquistador de la Tribu de Judah. Los Rastas lo consideraban Jesucristo reencarnado (JAH). Más tarde, los sofisticados conjuntos de tambores rastafarianos serían un vivo ejemplo de estas antiguas tradiciones, mientras que la floreciente industria musical no paraba de absorber estas influencias. Este pensamiento resurgió con una fuerza sorprendente en lo años 70, tal y como señalaremos con posterioridad.

Sumado a esto, cabe destacar la generación de músicos de formación clásica que abrazaron el sentido aventurero del Jazz, y masas de gente que simplemente querían bailar. Fue algo sorprendente por el hecho de que esta pequeña isla, cuya población total es la mitad de la población londinense, se convirtiera en una fuerza tan importante en el panorama global de la música.

La música no es el único legado que ha dejado Jamaica al mundo, pero es la manera a través de la cual muchos jamaicanos han elegido definirse e identificarse. Se habla de cómo la música y el canto levantaron sus espíritus frente a la esclavitud y el colonialismo, convirtiéndose en armas contra la corrupción y los desórdenes públicos. Dio a los pobres una voz y algo a lo que denominar como propio, festejar las alegrías de la isla y promulgar el One Love alrededor de todo el mundo.

Durante 50 años, el medio de difusión por excelencia eran las fiestas llevadas a las espaldas por los Sound Systems que emitían generalmente las canciones que más pegaban en la isla en las áreas más céntricas de los ghettos. Es por

ello por lo que durante tanto tiempo la música jamaicana ha estado arraigada al pueblo y a su entorno.

Sound Systems

La única manera de escuchar música era a través de los Sound Systems. Originalmente solían ser fiestas al aire libre en el centro de Kingston, con sus 27ºC a las dos de la madrugada y el bajo que hacía vibrar la botella de Red Stripe. El truco era estar con otra gente que pensaba igual que tú; tenías el poder de la música, el ambiente era tal que lo sentías antes de oirlo, el Deejay animaba al público y cada sonido hacía reaccionar a la gente con entusiasmo.

En la década de los años 50 los jóvenes jamaicanos estaban muy interesados por la música que llegaba de Estados Unidos, y que por las circunstancias sólo era posible escucharla gracias a las estaciones de música del Sur de Florida y los potentes vatios de los denominados Sound Systems.

Los Sound Systems sustituyeron a las orquestas de los locales de música de los años 50. ¿Por qué pagar a una banda cuando se podían sintonizar y poner canciones de R&B americano? El coste de disponer de un toca discos o radio propios se superaba poniendo sus altavoces en la calle para que todo el mundo escuchase música.

Duke "The Trojan" Reid y Clement "Sir Coxsone" Dodd y Vincet "King" Edwards fueron personajes fundamentales en el desarrollo del Sound System jamaicano de 1950. se encargaban de grabar sesiones para asegurarse un suministros de melodías exclusivas.  También cabe destacar la importancia de la comunidad china asentada en Jamaica, a la que pertenecían excelentes productores asociados a los dueños de los Sound Systems. Algunos de los más importantes fueron: Lesie Kong, Byron Lee, Charlie Moo y por supuesto Vincent "Randy" Chin. Otro personaje importante fue Cecil Campbell, conocido después como Prince Buster, quien fue el primero en tener la visión y darse cuenta de la necesidad de un nuevo estilo. Enfatizó el contratiempo, es decir no en el “beat” o golpe rítmico, sino después de éste. Es así como nace el Ska.

Los Sound Systems empiezan a grabar sus propias canciones para ganar ventajas competitivas entre ellos. La guerra entre Sound Systems escala al punto del envío de saboteadores por parte de la competencia para arruinar las fiestas. Estos saboteadores eran conocidos como Dance Hall Crashers. A pesar de la baja calidad de las grabaciones de Ska de este tiempo, los entusiastas de dicho ritmo lo llevan a un punto de popularidad altísimo. El Ska es reconocido como baile y música nacional de Jamaica.

Como los bailes de los Sound Systems eran una de las pocas cosas que la gente del ghetto podía denominar como algo propio, se convirtieron en uno de los ejes principales de la vida del centro de la ciudad, incluso en barómetro para medir los gustos de la gente. De repente los productores comenzaron a realizar grabaciones para la venta; probaban los nuevos estilos en sus Sound Systems y casi todo el desarrollo de la música jamaicana (Ska, Rock Steady, Reggae, Dancehall, Ragga...) ha sido como consecuencia de la competición entre los Sound Systems por encontrar algo nuevo para atraer a las multitudes. La competición que existía por aquellos tiempos por demostrar quién tenía el mejor equipo y la música más cañera, era feroz, y los Sound Clashes (concurso por los cuales 2 Sound Systems alternaban canciones y eran puntuados según la reacción de la gente que asistía al evento) en algunas ocasiones derramaban violencia. Los Sound Clashes son todavía parte de la cultura del Reggae

Algunos dubplates (discos de vinilo) tienen cortes ensalzando el nombre del Deejayj y su Sound System. Son canciones realizadas exclusivamente por algún artista para un Sound System en concreto, dándole un gran valor añadido.

Actualmente los Sounds Systems internacionales a destacar son: David Rodigan, al que en el mes de Noviembre de 2002 tuvimos el privilegio de verle en Barcelona, Kilimanjaro, Stonelove, Matterhorn, Base Odyssey ...

En cuanto al panorama nacional nombramos algunos de los Sounds Systems más importantes: Ambassah (Bilbao-Santander), Almighty Lions (Barcelona), Fireinnalion (Madrid), Massive (Bilbao), Neblina (Barcelona), Nyahbingi (Barcelona), One Blood (Barcelona), Pastizal (Madrid), Rokersound (Barcelona), Rootsseeker (Madrid), Roots & Vibes (Barcelona) y Stereotone (Valencia).
Sound System

Ska

El Ska es la música movida y escandalosa que combinaba perfectamente el humor de la gente mientras se aproximaba la Independencia a comienzos del año 1960 y que deseaba anunciar su “jamaicanismo” con el mayor entusiasmo posible. Incluso sin la independencia, el surgimiento del Ska no hubiese sido algo sorprendente..

Los propietarios de los Sound Systems en Kingston estaban puliendo su propia versión del R&B y el boggie jamaicano (offbeat), especialmente grabados para ellos. Pero los músicos locales que usaban (en los estudios de grabación) eran músicos que buscaban su propio lucimiento únicamente buscando medios para su propia expresión. Era sólo una cuestión de tiempo antes de que las cosas diesen un giro de 180 grados.

¿Qué es lo que hicieron Prince Búster y Clement “Coxosone” Dodd? Buscando nuevos sonidos para animar al público de sus fiestas, cambiaron el énfasis y el ritmo del R&B, cambiaron el primer y tercer tiempo (ritmo) al segundo y cuarto, creando un estilo que se convirtió en la base del estilo jamaicano.

El grupo de Ska por excelencia era The Skatalites, gran parte de los cuales aprendieron en la Alpha Boys School, un reformatorio y orfanato católico de Kingston que sigue teniendo gran renombre hoy en día. Ellos empezaron su andadura como una gran banda de Jazz con una fuerte y disciplinada sección rítmica permitiendo a los solistas demostrar su genio. La idea era “golpear” a la gente que bailaba con mucho movimiento, pero manteniendo el ritmo por lo que nadie perdía la línea del baile.

Cuando The Skatalites estaban en lo alto fue prácticamente imposible mantener a músicos de la talla de Tomy McCook (saxo), Roland Alphonso (saxo), Dizzy More (trompeta) y el gran genio de la música jamaicana Don Drummond (trombón) que llevó la música a la estratosfera. De la misma manera, cuando Prince Buster convertía en grandes éxitos canciones como “Al Capone”, “Madness” o “Wash Wash” el nivel del entusiasmo social no caería.

The Skatalites
El renacimiento del Ska

Como el no va más del buen momento musical (energético y rebelde), el Ska era la obvia elección para hermanarse con la escena británica del Punk. Ello originó el resurgimiento del Ska, a finales de los años 70, cuyo comienzo tuvo lugar en Coventry. Es aquí donde Jerry Dammers instaló el sello musical Two Tone y la banda The Specials. Vestían influenciados por los originales trajes de los Rude Boys de los años 60, al estilo de los gangsters que éstos observaban en las películas y a los que consideraban como sus héroes. No faltaban para completar esta estética las gafas oscuras y los sombreros. Ésta era la estética, y la combinación de los colores blanco y negro fueron los emblemas de esta escena musical con bandas como Madness, The Beat, Bad Manners,....

Cabe señalar que el aún Ska sigue vivo y todavía es posible encontrar réplicas perfectas de la estética jamaicana de principios de los años 60.

The Specials

Rock Steady

Para muchos, el Rock Steady es la cumbre de la música jamaicana; en efecto, recientes composiciones están compuestas de ritmos del Rock Steady de mediados de los años 60. La época del Rock Steady viene después del Ska diferenciándose en muchos aspectos: ritmo más lento; esencialmente un estilo vocal; era deliberadamente americana, en oposición al Ska que había trabajado para establecer una identidad jamaicana. El Rock Steady era un tipo de música con matices del Soul, innovadora y de estilo más cercano a los amantes del Rock, que surgió para dar a las masas un respiro y para dominar las pistas de baile durante años.

Grupos como The Heptones, The Melodians, The Uniques, The Techniques, The Paragons y, por supuesto, The Wailing Wailers, que consiguieron su liderazgo con matices del Soul americano de The Impressions (que regularmente realizaban giras por Jamaica) y The Drifters. Mientras, artistas como John Holt, Slim Smith, Bob Andy, Ken Boothe y Alton Ellis adquirían gran relevancia con su estilo melódico.

Los productores más importantes eran Leslie Kong (Desmond Dekker, Jimmy Cliff, The Melodians), Duke Reid (The Techniques, The Paragons, Phillis Dillon) y Coxsone Dodd (The Heptones, Ken Boothe, Delroy Wilson). Ellos alteraron el sonido de la música en Jamaica para siempre, introduciendo bajos eléctricos y basando la composición de las pistas de apoyo en ello y en la percusión. Actualmente, muchas de estas pistas originales se mantienen tan fuertes que suelen servir de base para un gran número de éxitos de baile.

The Paragons

Dub

Si examinas el Reggae en esencia estarás de vuelta al bajo y a la batería, la base de todo lo que ocurre en música; pero si reconstruyes ese bajo y la batería con imaginación, con tu inspiración y la caja de mezclas de King Tubby, Lee Perry o Scientist, estarás haciendo Dubbing.

El arte del Dub es más que una mera remezcla. Es una destreza de los Dubmasters; es redefinir tonos y sonidos tomando sus elementos esenciales y reequilibrándolos de tal manera que el producto final tenga un significado totalmente diferente pero dentro de los mismos parámetros. Los Maestros del Dub por excelencia son Augustus Pablo y King Tubby con su clásico “King Tubby’s Meets Rockers Uptown”.

El Dub comenzó en Kingston a finales de los años 60, cuando los Deejays buscaban en las interpretaciones vocales sonidos (gaps) para ensalzarlos en sus Sound Systems. “Version” era el nombre que se le daba a estas caras instrumentales, pero gracias al rápido desarrollo tecnológico de los estudios de los años 70, ¿dónde estaba el mérito en simplemente quitar y poner voces?....la cosa fue a más y se buscaban nuevos retos.

Filtros, grabaciones multipistas y demás avances electrónicos permitieron que cualquier parte de la melodía pudiera ser adelantada o retrasada en la mezcla mientras que la resonancia y el efecto “eco” trajeron una nueva dimensión . De repente la caja de mezclas era el instrumento más importante del estudio y el hombre que la manejaba la más importante estrella. King Tubby, Scientist, King Jamy, Joe Gibbs&Errol T., Lee Perry, Mickey Dread, Gussie Clarke fue el principio de una generación de mezcladores jamaicanos que iniciaron el camino de las estrellas de la remezcla de hoy como Fatboy Slim, Armand Van Helden.

No queremos dejar de citar en este apartado a BDF-Basque Dub Foundation, colectivo musical fundado por Iñaki Yarritu, un vasco afincado en Londres. Este grupo, especializado en el Dub e influenciado, entre otros por, King Tubby y Augustus Pablo, ha llegado a alcanzar los sonidos más puramente jamaicanos. Así se demuestra en “Sustraidum Roots Dub” (1997) y en su más reciente trabajo “BDF meets Loud&Lone” (2002).

Augustus Pablo

Toasting

Hace 40 años si tenías un Sound System no podías aspirar a que la gente te admitiese si no tenías un Deejay decente al micro, haciendo vibrar a la gente, animando el ambiente, gritando al son de las canciones y halagando el Sound System.

Pero Deejays como Count Machuki, Sir Lord Comic y King Stitt se convirtieron en la principales sesiones de baile, y era sólo cuestión de tiempo antes de que empezasen a grabar.

Cuando una generación de Deejays liderados por U-Roy, Dennis Alcapone y Scotty, empezaron a grabar, revolucionaron la música jamaicana. Mientras, los productores empezaron a omitir los “gaps” en la mezcla y dejando caras en blanco (”version”) para que posteriormente el deejay combinase sus gaps con la multitud que asistía a las sesiones de baile. Lo hicieron yendo directamente desde los bailes de los Sound Systems a los estudios de grabación donde reflejaban, fielmente y con rimas, la vida que transcurría a su alrededor, los estilos, los bailes, jergas, la política,....etc.

Con una fuerza sorprendente la época del Roots vino anunciada por Deejays como Big Youth, Jah Stitch, I Roy, Prince Jazzbo, Trinity y Dr. Alimantado quienes dieron a la nueva onda una voz con su Toasting comprometido y consciente (Conscious Toasting) en los Sound Systems antes de que cualquier productor les grabase.
Big Youth

Roots

Diez años después de la independencia y la gente se empezó a dar cuenta de que vivía peor en vez de la teórica mejor vida que debía haber significado la Independencia. A pesar de la Independencia la economía de Jamaica siguió en lo años posteriores supeditada al capitalismo británico, canadiense y americano. La nación fue asolada por el desempleo, el crimen y la violencia, y la emergente generación jamaicana, que creció con la fiebre de la Independencia, era víctima de ello y reaccionó con el arma más potente que tenían: la música.

En los años 70 el contenido cambió para dar voz a las protestas. La gente quería protestar contra el gobierno, mientras que emergía su hermandad para cumplir el camino de la rectitud.

Un gran número se convirtieron al movimiento Rastafari considerándose no sólo como un movimiento contra el gobierno, sino como una sólida doctrina pacifista, de amor y de anticorrupción y presentando, además, una forma de vida dentro de la miseria absoluta que por aquel entonces estaba muy extendida en la isla. Propugnaban la doctrina de Marcus Garvey: autoayuda y repatriación a la Mama Africa , doctrina que les proporcionaba esperanza e ilusión. Mientras muchos músicos daban la espalda a este ideal, la influencia Rasta en las canciones se convirtió en algo evidente.

Musicalmente los elementos y sonidos “alegres” del Reggae se convertían en sonidos más profundos y secos: el bajo más grave, profundo y pronunciado; el ritmo más lento; y las letras parecían echar fuego.

También fue el período en el que el Reggae era tomado de manera más seria por los fans del Rock y como una música que tenía algo que decir. Los punks en Gran Bretaña adoptaron el Roots en gran parte de sus canciones, identificándose muy estrechamente con su sensación de marginación. Un ejemplo de esta simbiosis fueron The Clash.

Durante la época del Roots, artistas y grupos como Burning Spear, Culture, The Congos, The Mighty Diamonds, Dillinger, Tapper Zukie, Lee Perry, The Ethiopians y Max Romeo se convirtieron en héroes de culto, mientras que la máxima referencia del Roots, el Honorable Bob Marley, se convertiría para siempre en el Jamaicano más famoso de la Isla.

Bob Marley

Lovers Rock

Cuando el Roots trajo el cambio en los años 70, algunas comunidades de jóvenes de color y mujeres de Gran Bretaña tenían un dicho: “Rastafari es Rasta para Él, pero no para Nosotros”. En otras palabras, había una gran parte de la juventud que no se sentía parte del Roots y de todo lo que significaba. Representaban un movimiento en alza, no querían volver a África, escuchaban Soul, les gustaba vestirse de manera elegante los Sábados por la noche, eran gente abierta, incluso dispuestos a dejarse influenciar por su entorno, pero se sentían tan orgullosos de ser negros como cualquier Rasta.

Era una generación que se consideraba a sí misma como “Black British”. Ellos fueron los que crearon el Lovers Rock, el primer estilo autóctono de música negra británica. Aunque gracias a su línea musical estaba claro que era Reggae, admitía influencias como el Soul y el Pop y sus letras se centraban casi exclusivamente en el amor y en los sentimientos; de ahí su denominación de Lovers Rock. Se encontró con un gran mercado que las principales empresas musicales nunca supieron que existía, y sellos discográficos como Lovers Rock, Arawak, Santic y Hawkeye pusieron en el mercado una gran cantidad de producciones entre finales de los 70 y principios de los 80.

Había Sound Systems que únicamente daban cobertura al Lovers Rock, y en más de una ocasión tuvo cabida en las listas de éxito nacionales. Mientras que las producciones eran aparentemente sofisticadas, en muchos casos los vocalistas no lo eran, pero eran un fiel reflejo de la audiencia (chicas y chicos jóvenes). El trío Brown Sugar iban todavía a la escuela; otro grupo se llamaba 15,16,17 por sus edades, mientras que las veteranas y grandes damas del Lovers Rock, Janet Kay y Carroll Thompson, todavía no habían cumplido los 20 años. Hasta algunos muchachos destacaron en esta corriente como por ejemplo Victor Romero Evans con su “Slacks and Sovereigns” y Trevor Hartley con “Hanging Around”.

El Lovers Rock es también un caso poco común de cómo el Reggae británico ha influenciado en la música jamaicana, incluso artistas de la talla de Dennis Brown, Gregory Isaacs y Johnny Osbourne pasaron mucho tiempo en Londres introduciéndose en la onda del Lovers Rock y llevándosela a Jamaica.
Dancehall

Se llama así porque muchos de los discos se aceptaron para la radio y por lo tanto fueron considerados únicamente válidos para la salas de baile (Dance Hall). Y la controversia no acabó aquí.

El Reggae del Dancehall se estableció gracias a personajes como Yelloman y General Echo. Este liderazgo pareció que llegaba a su punto álgido en 1980 cuando el poeta apodado Mutabaruka aseguraba que “... si el Reggae de los 70 era rojo, verde y amarillo (oro), en la siguiente década va a tener cadenas de oro”. Tan alejado estaba de la visión amable y hippie de del Roots & Culture que los puristas debatieron furiosamente si era realmente Reggae o no.

Este era el quid de la cuestión. El Dancehall representó una nueva generación de público nobel de Reggae que reclamaba la música para ellos mismos después de 10 años de Roots en los que: no habían hecho mucho por cambiar la manera en la que vivían y que había sido tan adoptado por la corriente internacional que ya no parecía “suyo”, algo puramente jamaicano.

Esto fue una nueva manera de reaccionar a la dureza del ambiente y derivó en la rudeza del Hip-Hop para expresarse con una impaciencia que no se veía en el Roots. Se necesitaba un acercamiento radical para sacar al Reggae de su complacencia y el Dancehall optó por no satisfacer a nadie que estuviera fuera de las masas musicales.

Productores como Henry Junjo Lawes y King Jamy llevaron a cabo producciones con la crudeza que deseaba el público con Deejays como Yellowman, Josey Wales, Lone Ranger, Eek-A-Mouse y Brigadier Jerry. No sólo había Deejays sino también cantantes como Barrington Levy, Little John, Cocoa Tea y Frankie Paul que tuvieron que luchar duro para ser escuchados.

Por supuesto el rápido desarrollo de la tecnología de los estudios jugó un papel importante ya que los discos podían hacerse más rápido y más baratos, y así era más fácil versionar un riddim una vez elaborado. Esto se tradujo en una corriente de nuevos talentos que aseguró que el Dancehall continuaría fresco durante años.

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Celia Cruz/Soy Cubano Proud to be Latino..We miss u And We love u..Para Siempre

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La música cubana es la expresión de ritmos y melodías originales de la isla de Cuba, ya sean éstos autóctonos o introducidos por los colonizadores españoles y los africanos que arribaron desde el siglo XVI. También puede señalarse cierta influencia asiática. La presencia de este último componente étnico puede notarse en el uso de la corneta china en la conga de los carnavales, un hecho que comenzó con la llegada de los primeros inmigrantes chinos a la isla. A partir de 1848 llegaron numerosos culíes chinos a Cuba y para 1874, año en que concluyó la contratación de trabajadores agrícolas de China, había en Cuba 132, 435
La cultura Cubana es una combinación de América, Europa y África. Cuba es un punto de encuentro entre culturas europeas, africanas y norteamericanas. Desde 1959 (cuando empezó la revolución cubana) la cultura cubana ha cambiado en muchos aspectos.

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Jose Alfredo Jimenez - Camino De Guanajuato

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Buralli Sofia, Jura Juria Lis
La música en México es una de las más ricas en variedad de géneros, ritmos y temas. Es fruto del mestizaje entre las tradiciones europea y americana, pero tiene profundas raíces de lo prehispánico y de nuestra tercera raíz (África), que aunque poco reconocida en otros ámbitos culturales es en la música donde adquiere mayor relevancia.

El mariachi, organización musical que identifica actualmente a México, es una forma de expresión artística que unifica a través de sus sonidos al país, sus habitantes y las emociones y sentimientos que se muestran en una serenata o fiesta popular, está presente en todos los eventos sociales.

El mariachi es un género de música tradicional originalmente del occidente y norte de México y difundido ampliamente en el mundo para muchos mexicanos. Por extensión, se conoce también como mariachi1 a las y los músicos dedicados a este género —nombrados también como mariacheros— y a los conjuntos musicales en sus expresiones conocidas como mariachi tradicionaly mariachi moderno. En noviembre de 2011 la Unesco inscribió a El Mariachi, música de cuerdas, canto y trompeta como integrante de la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

El mariachi cuenta con dos manifestaciones reconocibles: el denominado tradicional, que conserva el atuendo típico campesino y la instrumentación con las cuales se desarrolló desde la época novohispana; y el moderno, basado en el primero —de mayor medida en la variante regional de Cocula como influencia prototípica — pero que se modificó sustancialmente a partir de la década de los treinta hasta convertirse en una manifestación propia. A mediados del siglo XX alcanzó una difusión nacional en su país de origen gracias a su aceptación en el gusto popular mediante su incursión en la radio, la televisión, el cine y la industria discográfica, para convertirse con el paso de los años en popular en muchos países del mundo. La música y vestimenta del mariachi moderno son las más famosas en todo el mundo. Su música se acostumbra en México en fiestas públicas tales como el día de las Madres o el de la Virgen de Guadalupe (12 de diciembre), reuniones familiares, fiestas o serenatas. Entre los autores y/o intérpretes de canciones para mariachi más importantes están: Jorge Negrete, Antonio Aguilar, Pedro Infante, Miguel Aceves Mejía, José Alfredo Jiménez, Juan Gabriel, Tomás Méndez, Rubén Fuentes, Gilberto Parra Paz, Vicente Fernández y Manuel Esperón. La vestimenta tradicional del mariachi moderno es el traje de charro.

En la época contemporánea hay cerca de 30 mil músicos dedicados a este género en México, pero se encuentra ampliamente extendido en los Estados Unidos, y hay presencia de agrupaciones de mariachi en decenas de países del orbe

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Además de la samba y la bossa nova, famosas en todo el mundo, hay varios géneros paradigmáticos que identifican la música brasileña. La música de Brasil es una mezcla de muy diversas influencias, gestando a lo largo de su historia una gran variedad de ritmos regionales
Se integra de dos corrientes: una tradición escrita y erudita, de raíz europea, y otra no escrita, popular, producto de la aculturación entre las músicas europeas, africanas e indígenas. Las fusiones genuinas entre diversos estilos y géneros han devenido en el crisol de ritmos brasileños que conviven en la actualidad, con el samba y la bossa nova como estandartes nacionales. Al conjunto de ritmos típicos de Brasil se le conoce como MPB, “Música Popular Brasileña”.
Algunos de los géneros musicales brasileños son

Choro, Samba, Bossa-nova, Tropicalismo, Música Popular Brasileña, Música de Pará, Baião (música), Música sertaneja, Pagode (estilo musical) ,Rock brasileñ, Maracatu, Manguebeat, Frevo, Forró, Géneros gauchos ,Lambada

*SAMBA es un género musical de raíces africanas surgido en Brasil, del cual deriva un tipo de danza. Es una de las principales manifestaciones de la cultura popular brasileña y un símbolo de la identidad nacional. A pesar de su presencia en varias regiones brasileñas bajo la forma de diversos ritmos y danzas populares regionales de origen africano, especialmente en los estados de Bahía, Pernambuco, Maranhão, Minas Gerais y São Paulo, como género musical es considerado una expresión musical urbana de la ciudad de Río de Janeiro, donde este formato de samba nació y se desarrolló entre fines del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX. Los instrumentos mas usados son diversos instrumentos de cuerdas, como cavaquinho, varios tipos de guitarra, pandeiro, surdo y tamborim

Alumna Eberle Sol

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Samba - Brasil - Batucadas - Carnaval .wmv

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La música colombiana contiene diversos géneros que identifican cada región del territorio haciéndose muy frecuente el hallazgo de varios estilos musicales en cada una de las regiones. Esta rica diversidad musical se origina en la fusión de razas, pueblos y culturas que originó la actual sociedad y cultura colombiana.
La música folclórica colombiana tiene orígenes muy diversos. En efecto nació de una mezcla de varias culturas, esencialmente de tres: primero encontramos la cultura de los indígenas Americanos, a la cual se añadieron luego (después del descubrimiento de América) la cultura de los Africanos, que llegaron al continente americano a causa del tráfico de esclavos (trabajaban en las plantaciones de café y en las minas), y la cultura de los blancos Europeos (españoles en particular). También hay que mencionar las influencias del Caribe con Cuba, Trinidad y Tobago y Jamaica, y la cultura de los Árabes (vinculada por los españoles). De tal manera que hoy, la música colombiana es el resultado de un verdadero mestizaje cultural. A las razones humanas, hay que añadir el factor natural.Alumnas: - Ludmila Monserrat
- Marianela Exner

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Musica instrumental venezolana. Joropo venezolano, "Sr. Camacaro" de Rafael Casanova

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Musica instrumental venezolana: Les entregamos este Joropo Llanero Pasaje venezolano, dedicado al reconocido compositor de musica venezolana Pablo Camacaro, por Rafael Casanova, autor, cuatrista de Armonias de Venezuela.

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Hepp Aimara, Trujillo Lola, Marignac Zoe
El joropo es una forma tradicional de música y baile que identifica plenamente al venezolano. Antiguamente “joropo” se refería a una fiesta y con el pasar del tiempo se identifica más bien como una forma de música y baile.
El Joropo es actualmente un símbolo emblema de identidad nacional. Sus orígenes se remontan a mediados de 1700 cuando el campesino venezolano prefirió utilizar el término “joropo” en vez de “fandango” para referirse a fiestas y reuniones sociales y familiares. Fandango es un término de origen español, el cual identifica unos de los cantos y bailes más populares dentro del flamenco.
El joropo no solo es un estilo musical, también es baile y danza, y representa además una fiesta popular, es un baile alegre que divierte y reúne a sus participantes, en cada zona geográfica toma su propia esencia, y desarrolla diferentes paso y figuras en el baile, existiendo sin embargo figuras básicas que los identifican.
Las principales figuras del joropo son el valsiao, el escobillao y el zapatiao.
En el país identificamos, el joropo llanero, central y oriental. Igualmente en la región de Guayana, centro-occidental y de los andes se encuentra en cada una un tipo de joropo con características especificas que identifican la región.
El Joropo Llanero se caracteriza por tocarse con arpa de cuerdas de nylon, cuatro y maracas, sin embargo en muchas ocasiones se sustituye el arpa por la bandola llanera.
El Joropo Central se toca con arpas de cuerdas de metal, maracas y buche (voz), el cuatro como instrumento acompañante desaparece lo que da origen a una sonoridad mas melodiosa pero menos rítmica.
En el Joropo Oriental se adicionan otros instrumentos como la guitarra y el bandolín, el cuatro y algunas veces el acordeón y algunas veces la cuereta que es un tipo de acordeón pequeño de origen europeo. El joropo oriental se denomina también golpe.