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Dal marmo bianco di Michelangelo alle sculture di Rabarama

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Dal marmo bianco di Michelangelo alle sculture di Rabarama

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Nelle vie e piazze della cittadina del marmo bianco c'è un autentico museo open air

Le creature di Rabarama hanno "occupato" Pietrasanta. Nel borgo del marmo bianco per antonomasia, tra le sue viuzze e nella piazza principale, queste sculture creano un museo open air di grande impatto visivo e ambientale. Abituato alle opere di Botero che qui ha fissato la sua dimora e officina, il paese versialiano è ora il palcoscenico anche dell'artista romana.

Sono figure imponenti e al tempo stesso ammantate di tenerezza, che nonostante le loro grandi dimensioni, appaiono come giovani adulti accortocciati su se stessi, quasi a voler suscitare in chi le guarda un sentimento di dolcezza: proprio la postura dei corpi raccolti quasi fossero nel grembo paterno contrubuisce a dare uno slancio ed elasticità a tutta l'opera.

Oltre alla piazza centrale, i lavori di Rabarama sono stati collocati anche in punti apparentemente più anonimi (svincoli stradali, parcheggi), luoghi trafficati proprio perchè all'interno di uno spazio meno classico e decisamente più grigio, il bianco delle sculture si esalta e nobilita lo spazio.

Paola Epifani, questo il nome vero di Rabarama, 59 anni, ha scelto di chiamarle Immortale, Il Grembo e Raccolto queste figure realizzate in marmo, bronzo e pietra, col Bianco di Carrara quale materiale più notile e rappresentativo di queste terre ove Michelangelo veniva a fare incetta della materia he avrebbe poi trasformato in immortale capolavoro.

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Rabarama, Pietrasanta Sino al 30 ottobre

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Le sculture di Rabarama vivono nel borgo di Pietrasanta - Icon

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Nelle vie e piazze della cittadina del marmo bianco c'è un autentico museo open air Le creature di Rabarama hanno "occupato" Pietrasanta. Nel borgo del marmo bianco per antonomasia, tra le sue viuzze e nella piazza principale, queste sculture creano un museo open air di grande impatto visivo e ambientale.

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RABARAMA: Sapere, scultura monumentale in marmo bianco di Carrara

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Confronto: la luce per Eliasson e per gli Impressionisti

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Confronto: la luce per Eliasson e per gli Impressionisti

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In occasione della conferenza delle Nazioni Unite sui cambiamenti climatici che si terrà a Parigi, Olafur Eliasson impiegherà 80 tonnellate di ghiaccio dalla Groenlandia per realizzare un'imponente installazione pubblica.

Un Olafur Eliasson sempre più motivato dalla convinzione che l'arte possa cambiare il mondo, contribuendo a renderlo un posto migliore, presenterà la sua prossima opera pubblica in occasione del UN Climate Summit (COP21), la conferenza delle Nazioni Unite sui cambiamenti climatici, in programma a Parigi dal 30 novembre all'11 dicembre.

Eliasson allestirà 80 tonnellate di ghiaccio estratti dai fiordi di Nuuk, la capitale della Groenlandia: un enorme monito agli effetti devastanti del riscaldamento globale e un invito ad agire in favore dell'ambiente, che l'artista ha concepito in collaborazione con il geologo danese Minik Rosing, con il supporto di Bloomberg Philanthropies e in partnership con l'organizzazione non profit britannica Julie's Bicycle, specializzata nel mettere d'accordo creatività e sostenibilità ambientale.

L'artista danese costruirà un enorme orologio, assemblando 20 blocchi di ghiaccio in Place de la Republique che pian piano si scioglieranno, allagando la piazza e portando così all'attenzione pubblica le conseguenze spaventose di un fenomeno reale.
Ice Watch - questo il titolo dell'installazione - sarà pronta dal 29 novembre, il giorno prima che i leader di tutto il mondo si riuniranno a Parigi per discutere di come assicurare la stabilità climatica alla generazioni che verranno.

"In quanto artista, spero che i miei lavori tocchino le persone, che possano rendere più reale un problema che può sembrare piuttosto astratto. L'arte ha la capacità di cambiare le nostre percezioni e visioni del mondo. Ice Watch rende tangibili le sfide climatiche che stiamo affrontando. Mi auguro che ispirerà un impegno condiviso ad agire ", ha detto l'artista a proposito della sua ultima iniziativa.

[Immagine in apertura: Il recupero di un blocco di ghiaccio galleggiante nel fiordo di Nuup Kangerlua, Groenlandia. Photo: Jørgen Chemnitz © 2015 Olafur Eliasson]

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L'arte di Olafur Eliasson, contro il riscaldamento globale - Sky Arte - Sky

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In occasione della conferenza delle Nazioni Unite sui cambiamenti climatici che si terrà a Parigi, Olafur Eliasson impiegherà 80 tonnellate di ghiaccio dalla Groenlandia per realizzare un'imponente installazione pubblica.

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La Pittura illusionistica, che include tecniche come il sotto in su e la quadratura, è un genere pittorico del Rinascimento, del Barocco e del Rococò, nel quale il trompe l'oeil , la prospettiva e altri effetti spaziali vengono impiegati per creare l'illusione di uno spazio tridimensionale dal punto di vista dello spettatore, su una superficie piatta, semicurva o curva.

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Olafur Eliasson, artista danese-islandese, è conosciuto per le sue sculture e installazioni su larga scala, realizzate con materiali elementari quali la luce, l'acqua e l'aria, che hanno come scopo quello di intensificare e accrescere l'esperienza dell'osservatore. Con le sue opere, vuole stupire, confortare, disorientare e impressionare gli spettatori.

Questi materiali creano un dialogo con lo spazio dell'esibizione, e lo spettatore diventa protagonista degli scenari. Olafur Eliasson crede infatti fortemente nella creazione di spazi dove ognuno sente di appartenervi, vuole che gli spettatori si soffermino a percepire e a sentire quelle emozioni, non necessariamente positive, che si vengono a creare, mentre si osservano le sue opere, siano esse installazioni, dipinti, sculture, fotografie o film.

Nel 1995 fonda lo Studio Olafur Eliasson a Berlino, un vero e proprio laboratorio di ricerca spaziale in cui lavorano circa trenta professionisti tra architetti, ingegneri, artigiani che insieme creano, studiano e testano sculture e installazioni su larga scala.

Il suo lavoro è spinto dalla volontà di focalizzare l'interesse nella percezione, provocando una reazione negli spettatori. Molte delle installazioni hanno un unico punto di vista, un'unica prospettiva per ciascun spettatore: questo perché il fine ultimo dell'opera sono le loro ombre, i loro occhi, i loro movimenti.

La creatività si trova nella relazione con quello che abitualmente viene chiamata realtà con il mondo che ci circonda. E' una conseguenza di quello che facciamo.

Baroque Baroque un viaggio alla scoperta delle sensazioni

La personale su Eliasson, dal titolo Baroque Baroque, aperta il 21 Novembre 2015 nelle sale del Palazzo d'Inverno a Vienna, racchiude un'ampia selezione dei lavori dell'artista. I pezzi, selezionati dai curatori Mario Codognato e Daniela Zyman, provengono dalla collezione del museo Thyssen-Bornemisza Art Contemporary e dalla raccolta privata dei coniugi Juan&Patricia Vergez. La selezione dei pezzi vuole proporre una chiave di lettura inedita del lavoro di Eliasson, la cui curiosità per i fenomeni percettivi, sensoriali e luminosi, viene paragonata alla stessa curiosità degli artisti del '600 e del '700 per le scoperte scientifiche con l'utilizzo della camera ottica per il disegno prospettico.

La mostra è un viaggio, un'esperienza che l'artista regala agli spettatori:

The presentation of my works at the Winter Palace is based on trust in the possibility of constructing reality according to our shared dreams and desires and faith in the idea that constructions and models are as real as anything (OE).

Il Palazzo d'Inverno a Vienna rappresenta l'estetica barocca. La meraviglia e l'artificio, elementi cardine dello stile barocco, se da un lato sono in contrasto con la ricerca della percezione della realtà di Eliasson, dall'altro, la personalità visionaria dell'abitante originario del Palazzo, il Principe Eugenio di Savoia, è in perfetta sintonia con le provocazioni delle opere dell'artista.

Le sue opere si riferiscono profondamente ai concetti di invenzione e di artificio dello stile barocco, effetti ottici, elementi materiali, immateriali ed effimeri diventano i protagonisti principali delle installazioni.

Il fine della mostra, e dell'artista, è di mettere alla prova le abitudini percettive degli spettatori e di stravolgere l'accezione comune della realtà proponendola come instabile e in continua evoluzione. La mostra si sviluppa e si articola all'interno delle sale del Palazzo d'Inverno, diventando vera e propria esperienza sensoriale per gli spettatori. La realtà viene trasformata, colorata modificata, per poi ritornare tale. Un viaggio all'interno delle proprie sensazioni che vengono stimolate ed enfatizzate dalle opere fatte di luce e colori.

Le opere esposte

L'opera Yellow Corridor, installazione di luce realizzata per gli ambienti della residenza invernale del principe, apre e introduce il percorso espositivo che in seguito prosegue, tra illusionismo e scienza, con i lavori più rilevanti realizzati dall'artista danese negli ultimi venti anni.

Yellow Corridor (1997), dalla collezione Juan & Patricia Vergez, è un'istallazione in cui vengono utilizzate lampade mono-frequenza che limitano la percezione dello spettro del visibile e creano una luce monocromatica. Questa luce gialla molto intensa rende la vista dello spettatore sensibile ai dettagli, infatti, dopo aver attraversato lo scalone, la vista dello spettatore si porta dietro un residuo bluastro che piano piano tende a svanire. Questo spiega come il singolo colore non restituisca mai la realtà.

Vedere un solo colore non significa che non ne esistano altri, non ha senso parlare del rosso se non ci sono altri colori con cui fare un confronto. Per essere percepito, il singolo colore necessita dell'esistenza di altri colori.

Sicuramente le opere più significative ed esplicative dei concetti base del lavoro di Eliasson sono rappresentate dalle installazioni: Kaleidoscope (2001), New Berlin Sphere (2009), Your welcome reflected (2003) e Seu planeta compartilhado (2011) le quali riflettono la ricerca continua dell'artista sui colori, sulle diverse percezioni, sulle trasformazioni e destrutturazioni, temi particolarmente interessanti se visti in relazione/contrapposizione con il contesto barocco.

Il Kaleidoscope (2001) dalla collezione di Juan & Patricia Vergez "ha la funzione di farci comprendere, che quello che si vede all'interno del suo meccanismo è relativo e mutevole". Dimostra come la nostra percezione delle cose possa essere facilmente destrutturata e riconfigurata.

New Berlin Sphere (2009) ha come principio il modello CMYK, modello sottrattivo del colore, utilizzato per la stampa a quattro colori. La sorgente all'interno della sfera fa scaturire una miriade di tonalità differenti che vengono proiettate sulle pareti della sala del Palazzo. Evidente la trasgressione dei confini esterno/interno e l'interazione dei colori con l'esperienza dell'osservatore.

Your welcome reflected (2003) dalla collezione di Arte Contemporanea Thyssen-Bornemisza. I dischi sospesi si muovono molto lentamente e non essendo sincronizzati proiettano colori che, sovrapponendosi, creano un'infinità di forme, ombre e luci. La luce di un potente proiettore è orientata verso i dischi, con funzione di filtri, e viene scomposta: una parte è riflessa sulle pareti, l'altra attraversa il filtro e proietta forme e colori all'interno della stanza.

Seu planeta compartilhado (2011) dalla collezione di Arte Contemporanea Thyssen-Bornemisza. Un altro kaleidoscopio esposto nelle sale del Palazzo. Il processo di osservazione dello spazio attraverso questo strumento produce una miriade di riflessioni segmentate. Qui viene nuovamente rappresentato il fine delle opere di Eliasson, il rapporto di intima connessione e di reciproca dipendenza fra percezione e spazio.

Due installazioni non utilizzano l'uso e l'artificio della luce e dei colori. Queste installazioni, realizzate con materiali tangibili, quali specchi e metalli, si propongono di creare la stessa destabilizzazione visiva e sensoriale dello spettatore.

Wishes versus wonder (2015) dalla collezione Thyssen-Bornemisza Art Contemporary è l'installazione più stupefacente ed enigmatica. La metà di un anello in ottone fissata ad una parete interamente di specchio, mette in scena un incontro forzato tra realtà, illusione e artificio barocco, presente nella sala dei dipinti di battaglie del Palazzo.

Fivefold tunnel (2000) dalla collezione di Arte Contemporanea Thyssen-Bornemisza. L'opera è uno splendido risultato della collaborazione fra l'artista e il matematico architetto islandese Einar Thorsteinn. Una struttura a tunnel che attraversa e connette due sale cerimoniali, nella sua forma vuole ricordare un porticato barocco. Un intreccio di cinque barre parallele tra loro, distanziate secondo il rapporto aureo, genera un andamento complesso creando un pattern che si sviluppa lungo tutta la lunghezza del tunnel.

Unica nel suo genere, all'interno della mostra, è la serie fotografica " The horizon series " (2004) dalla collezione di Arte Contemporanea Thyssen-Bornemisza. Qui sono esposte una serie di fotografie realizzate dall'artista durante i suoi viaggi in Islanda, fotografie incentrate tutte sul tema dell'orizzonte. Mentre molte serie fotografiche dell'artista evidenziano il rapporto fra terra e cielo, la serie esposta vuole mettere in primo piano questo dialogo, rendendolo il più minimale possibile.

Le ultime tre installazioni sono il frutto della combinazione tra colore e materia. In queste rappresentazioni il colore è il principale artefice delle destrutturazioni spaziali cui lo spettatore è l'inconscio protagonista Eye see you (2006), è un "forno solare", una lampada al sodio emette luce gialla mono-frequenza, due dischi di vetro bicromatici cambiano il colore della luce emessa secondo il punto di vista dello spettatore. La stanza dorata del Gabinetto riflette mille sfaccettature di luce dalle pareti, creando una distorsione visiva data dalla sovrapposizione delle due "trame" di luce, quella emessa dal "forno solare" e quella riflessa dalle pareti.

Die organische und kristalline Beschreibung (1996) dalla collezione di Arte Contemporanea Thyssen-Bornemisza. Una potente lampada a ioduri metallici emette luce attraverso una macchina che crea gli effetti delle onde, equipaggiata con un filtro giallo e blu, su di un filtro a specchio convesso. Questo sistema ingegnoso riflette una luce colorata e scintillante nel Vestibolo del Palazzo. L'installazione ben rappresenta la possibilità di destrutturare e riconfigurare gli spazi, destabilizzando la percezione dell'osservatore.

Five orientation lights (1999) dalla collezione di The Juan & Patricia Vergez. La sala che ospita l'installazione, viene illuminata con diversi colori. La luce fuoriesce da queste cinque scatole luminose, passando attraverso una lente speciale racchiusa in un vetro colorato. La lente in questione è una lente tipo Fresnel, originariamente studiata per aumentare la quantità di luce emessa. Le cinque scatole luminose sono state disposte, nella sala Superiore dei Marmi del Belvedere, molto vicine l'una all'altra in modo da creare sovrapposizioni di luci e colori.

Giulia Gobino, laureata in architettura al Politecnico di Torino, Già dal terzo anno di università segue workshop all'estero e corsi di formazione sui temi dell'illuminazione, fino a scrivere la tesi di laurea sul tema della riqualificazione urbana tramite l'illuminazione. Questa passione viene portata avanti ed approfondita con diverse esperienze professionali pre e post laurea, in azienda ed importanti studi professionali di lighting design, presso cui si forma come architetto specializzato nella progettazione della luce.

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BAROQUE BAROQUE alla scoperta del fenomeno percettivo * Luxemozione

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Olafur Eliasson, artista danese-islandese, è conosciuto per le sue sculture e installazioni su larga scala, realizzate con materiali elementari quali la luce, l'acqua e l'aria, che hanno come scopo quello di intensificare e accrescere l'esperienza dell'osservatore. Con le sue opere, vuole stupire, confortare, disorientare e impressionare gli spettatori.

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la pelle delle sculture

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Rabarama Official | Italian artist website

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Rabarama Official | Italian artist website

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Sito ufficiale dell'artista. Scopri tutte le opere, rimani aggiornato sulle esposizioni ed entra in contatto con l'Atelier ufficiale di Rabarama.

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Born in Siberia, Victor Lysakov fell in love with painting at an early age and appreciated that he could communicate his thoughts, feelings, and emotions through art. His early career was as an engineer and a cog in the Soviet machine, although he never stopped creating his art. His paintings of life, rich, colorful, and full of metaphor, were not of the style of the state-sanctioned Social Realism. It was too bizarre, too personal.

In the mid 1980's, with Gorbachev's Perestroika, for artists not sanctioned by the Communist regime, there were few places to show, and showing in unauthorized locations was forbidden. Lysakov and others founded ARBATR, the first independent artists' union to be granted that status and the permission to exhibit work. Their first exhibition was approved by the authorities and opened to the public on December 31, 1986. The artists involved wanted to promote freedom of expression and a revolutionary approach to art. They embraced abstraction, new realism, conceptual art, and the trans avant-garde. Within a year, the Secretary of the Artists' Union of the USSR, recommended that ARBATR lose its official status as an artists' union and was denied further access to a showroom.

After the dissolution of ARBATR, Victor found ways to show his work within the constrictions of the Soviet regime and, finally, outside the Soviet Union. Victor currently lives in Moscow, Russia, where he continues to create images that draw us into his world of dynamic composition, color, and story.

Contact: Randall Swanson
W: www.lysakovartcompany.com
E: rls63@comcast.net

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Spotlight Program | Artexpo New York | April 19-22, 2018

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Born in Siberia, Victor Lysakov fell in love with painting at an early age and appreciated that he could communicate his thoughts, feelings, and emotions through art. His early career was as an engineer and a cog in the Soviet machine, although he never stopped creating his art.

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Le sue gigantesche creature campeggiano in piazze, musei e giardini, in Italia e in giro per il mondo. Firenze, Atene, Smirne, Shanghai, Parigi, Pechino, per citarne alcune. Un elenco destinato ad allungarsi per Rabarama, un'artista al culmine della sua attività artistica. Lei crea, scolpisce, colora e dà vita a figure dalla corporeità classica e rese uniche da un'epidermide mascherata, rivestita, tatuata. Trame labirintiche, intrecci di di lettere, numeri e simboli che le rendono un nostro auspicabile alter ego.

Hai appena concluso un'esperienza oltreoceano, a Las Vegas con il Cirque du Soleil in occasione dell'evento One night for one drop. La tua arte ha ispirato quella circense, qual è la sinergia di questo incontro? "Anche quest'anno, come già accaduto nel 2013 e nel 2014, sono stata invitata dal Cirque e da One Drop per collaborare a questo grande evento che coniuga arte, spettacolo e beneficenza. Nel 2013 il Cirque ha realizzato una parte dello spettacolo ispirandosi direttamente alle mie opere della serie I Ching. Questa relazione con il Cirque è iniziata anni fa, grazie al fatto che il fondatore del Cirque, Guy Laliberté, è un collezionista delle mie sculture. L'intesa personale è stata immediata! La mia opera e quella del Cirque si incontrano senz'altro nell'attenzione verso la corporeità ed il colore e, se mi permetti, nella volontà di trasmettere un'energia vitale e creativa e devo dire che i pochi giorni passati a Las Vegas accanto a persone così intense mi ha dato una grande carica per il futuro!".

One Drop s'impegna a garantire acqua a migliaia di persone. Nel tuo prossimo lavoro, Project Blue sarà ancora l'acqua protagonista? " Project Blue è un'idea a lungo termine, una corrente concettuale e ideale per la mia creatività e presto inizierà a prendere forme concrete. Project Blue è esattamente incentrato sull'acqua, nella sua valenza simbolica di culla della vita, di luogo del mistero (quanto poco conosciamo ancora degli oceani della nostra Terra!) e di incontro con creature meravigliose come i cetacei che forse avrebbero molto da raccontarci circa la saggezza di una vita armoniosa. Questo progetto sarà anche il mio tributo alle altre forme di vita senziente del nostro pianeta, un'operazione artistica rivolta non solo al pubblico umano. Voglio anche sottolineare che tutto questo è aperto anche verso una globalità più vasta: quest'anno sarà quello delle grandi scoperte nel sistema solare, gli occhi di tutto il mondo sono rivolti agli oceani su Europa, Ceres ed altre lune e pianeti. Chissà..."Ci son più cose in cielo e in terra, Orazio, che non sogni la tua filosofia!"".

Tornando nel nostro paese, si concluderà ad aprile un'esperienza made in Italy da tutti i punti di vista. Le tue statue sono state realizzate con il marmo del Monte Altissimo, il marmo di Michelangelo. Che esperienza è stata? "Ad aprile terminerà ufficialmente la lunga esposizione di mie opere monumentali nel contesto di VolareArte, in collaborazione con la Fondazione Henraux. Sono state esibite a Lucca, hanno fatto da cornice ad un incredibile concerto di Giovanni Allevi nelle cave del Monte Altissimo e ora sono a Pisa, all'aeroporto Galileo Galilei fino alla fine di questo mese. Per una scultrice come me, avere l'opportunità di esporre in luoghi così importanti per la cultura mondiale e realizzare le mie creature con il marmo migliore del mondo è un successo enorme. La percezione di dare loro forma con la stessa pietra nobile che fu scelta dai più grandi scultori della storia mi dà una profonda sensazione di continuità del tempo e mi fa percepire, cambiando prospettiva, come quelle montagne e la meraviglia della natura continuino a guidare e ispirare la creatività artistica verso il sogno di una bellezza assoluta. So che ci sono molte polemiche sulla situazione delle Alpi Apuane, ma voglio mettere in rilievo che la sola attività legata all'arte non creerebbe problemi ambientali e che un rapporto armonioso con la natura può sempre essere cercato".

La Toscana ti aveva già visto protagonista nel 2011 a Firenze con ANTIConforme. Un lungo evento di urban art in luoghi diversi della città, in cui le tue opere hanno dialogato con architetture e giardini rinascimentali. Di quel periodo hai in comune la centralità dell'uomo come forza trasformatrice? "Sì, un grandissimo evento (e con le sue grandissime polemiche...nulla di nuovo!). Firenze è il simbolo mondiale del Rinascimento e quindi dell'Umanesimo e della riscoperta dell'uomo e le mie opere sono riuscite a dialogare proprio con le persone, con gli uomini, donne e bambini che le trovavano sul loro cammino. Ancora oggi moltissime persone pubblicano su Internet le foto del loro incontro con le mie creature quell'anno a Firenze! Al di là di ogni altra considerazione, posso dire che ANTIconforme è stato un enorme successo nel mettere in relazione la storia, le persone e l'arte contemporanea rispettando l'anima di Firenze come culla dell'Umanesimo. Certo le mie opere affrontano la questione da un nuovo punto di vista, che si forma in questa nostra età contemporanea, ove la scienza, la tecnologia, i nuovi media aggiungono delle nuove nuances alla eterna domanda: chi siamo? Ma la storia è un continuo divenire e non può essere sezionata e divinizzata solo in alcuni suoi momenti".

AntiConforme è stato qualcosa di nuovo, portando moltissime persone (anche e finalmente) fuori dai circuiti museali. Il consenso si è misurato con altri strumenti anziché con l'acquisto di un biglietto di museo. Un consenso verificabile su Internet, nuova vox populi, che ne pensi? "Internet è molto di più che la vox populi, sta diventando sempre più la parte fondamentale e dinamica della cosiddetta noosfera (sfera del pensiero umano). Ha questa particolarità affascinante, e ancor più per me visto che è un motivo centrale della mia ispirazione, di essere un luogo in continua mutazione autonoma e sempre più parte indelebile della nostra realtà: certamente noi generiamo Internet ma non dimentichiamoci mai di quanto Internet (come entità) modifichi noi persone. Ormai le mie creature, che io realizzo con la materia metallica o marmorea, prendono autonomamente vita anche nella rete, condivise, commentate, modificate, rivissute... è un fenomeno che sarebbe apparso incredibile pochi decenni fa. Vedere come ancora oggi, a distanza di quattro anni da ANTIconforme, quell'evento sia ancora vivo e in atto su Internet dovrebbe far capire a tutti come il mondo (e anche quello specifico delle mostre d'arte) sia profondamente mutato".

Il 2011 è stato anche l'anno in cui sei stata selezionata per il Padiglione Italia alla 54esima Biennale di Venezia. Quale opera è stata ospitata negli spazi dell'Arsenale? "Fu Abbandono, una scultura monumentale ispirata al tema universale della Pietà, ma che non si ferma a questo. Nel titolo dell'opera è esplicitata la mia idea che solo il donarsi completamente può rendere la vita degna di essere vissuta. E donarsi totalmente significa abbandonarsi all'altro, in un amore universale che è il completamento della nostra singolarità, il superamento dei nostri limiti. Nelle fasce verticali, a volte in luce a volte in ombra, vi è la coincidenza degli opposti, dello Yin e Yang come insegnano gli orientali".

La tua arte si è intrecciata con altre discipline che rendono protagonista il corpo, come l'arte circense o la body art. Tu stessa sei stata coinvolta in una performance con Hikari Kesho. "Hikari Kesho è un grande artista con un senso non comune della forma e delle armonie del corpo, che segue una particolarissima via di ricerca. E' stata una collaborazione proprio sul corpo, quello delle mie sculture e il mio. Un modo di realizzare un'unione altrimenti impossibile tra corpi di metallo, pietra e carne...attraverso il colore e le corde dell'antica arte dello shibari. Vederne il risultato finale mi ha molto emozionata e finalmente mi sono vista entrare nelle mie creature.

Ancora body art. L'edizione 2014 dello Rabarama Skin Art Festival ispirato unicamente alle tue creazioni. Un'esperienza che si ripeterà nel 2015? "Sì, ci stiamo lavorando con Kryolan proprio in queste settimane. La nuova edizione ( www.rabaramaskinartfestival.com) avrà come tema per la finale il concetto di catarsi e sarà aperta anche a body artist internazionali. La prima edizione è stata un successo notevole e ha sicuramente contribuito ad avvicinare tipi diversi di pubblico e ad aiutare ad affermare lo status di forma d'arte di un certo body paint. Da questa energia forte e positiva è nato anche il Manifesto della Skin Art, permettimi di citarne un paragrafo: "Il corpo è il tempio vivente dell'armonia, del Bello, della vitalità e certamente anche il luogo dello scontro con tutto ciò che vuole negare la sua importanza e la sua stessa esistenza. Il corpo, come luogo in cui la spinta creativa contemporanea può ritrovare quel primigenio rapporto con la bellezza che era proprio dell'arte più antica, ove l'armonia della Natura era vista come più alto modello e ispirazione di Bellezza". Un'esperienza per me importante, essere musa per un marchio mondiale come Kryolan e per così tanti notevoli artisti".

Da qualche tempo hai deciso di fare arte in maniera indipendente, senza l'appoggio esclusivo di gallerie. Il motivo di questa scelta è legata al contesto italiano o ha altri presupposti? "Nel corso degli anni ho capito bene che un'artista per lavorare serenamente deve essere libero e non incatenato da vincoli e scadenze commerciali. Sono mondi complementari, ma troppo diversi. Riconosco che non sia una scelta facile (e infatti ha dovuto avere il suo giusto tempo di "maturazione") per un'artista come me che ha già una lunga carriera alle spalle, ma posso oggi senz'altro dire che la scelta è stata più che positiva e continua a darmi un'energia creativa che temevo si stesse affievolendo. Ed anche la possibilità di avere un contatto diretto e non mediato con chi apprezza quello che faccio è una fonte di gioia continua".

Info: www.rabarama.com

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Le sue gigantesche creature campeggiano in piazze, musei e giardini, in Italia e in giro per il mondo. Firenze, Atene, Smirne, Shanghai, Parigi, Pechino, per citarne alcune. Un elenco destinato ad allungarsi per Rabarama, un'artista al culmine della sua attività artistica.

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Olafur Eliasson ( Icelandic: Ólafur Elíasson ; born 1967) is an Icelandic- Danish artist known for sculptures and large-scale installation art employing elemental materials such as light, water, and air temperature to enhance the viewer's experience. In 1995 he established Studio Olafur Eliasson in Berlin, a laboratory for spatial research.

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Rabarama Official | Italian artist website

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Rabarama Official | Italian artist website

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Sito ufficiale dell'artista. Scopri tutte le opere, rimani aggiornato sulle esposizioni ed entra in contatto con l'Atelier ufficiale di Rabarama.

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One-Way Colour Tunnel by Olafur Eliasson

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One-Way Colour Tunnel by Olafur Eliasson

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http://theinspirationgrid.com/one-way-colour-tunnel-by-olafur-eliasson/

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Olafur Eliasson, Beauty, 1993 Installation view Moderna Museet/Arkdes, Stockholm 2015 

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Olafur Eliasson, Beauty, 1993 Installation view Moderna Museet/Arkdes, Stockholm 2015 

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Olafur Eliasson, The Weather Project (2003) – Londra, Tate Modern

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Olafur Eliasson, The Weather Project (2003) – Londra, Tate Modern

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Il portale di RAI Cultura dedicato all'arte e al design

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Olafur Eliasson è celebre per i suoi progetti artistici di larga scala, presentati in musei ma anche in spazi pubblici. Inoltre ha ideato numerose installazioni architettoniche in tutto il mondo. L'artista, ...

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video in cui l'artista Olafur Eliasson spiega il proprio metodo di lavoro

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video in cui l'artista Olafur Eliasson spiega il proprio metodo di lavoro

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Olafur Eliasson: Giocare con spazio e luce

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Nei progetti a larga scala per i quali e' famoso (come "Waterfalls" (cascate) nel porto di New York),Olafur Eliasson crea arte grazie ad un mix di spazio, distanza, colore e luce. Questo discorso ricco di idee comincia con un esperimento sulla natura delle percezioni.