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L'esprit satirique qui s'en prend aux vices et aux ridicules des individus et des sociétés est de tout temps et se retrouve dans une grande variété...

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La nouvelle est une " sorte de roman très court " selon le Littré, dictionnaire de la langue française.

Il n'y a pas de règle en ce qui concerne la longueur, elle peut varier d'une nouvelle à une autre. Ce récit succinct se centre généralement autour d'un seul événement, pour rester avec une intrigue simple, le tout avec peu de personnages. L'autre caractéristique est la dimension fictionnelle : la nouvelle est un récit inventé, dont les actions nous sont présentées par un narrateur.

Le genre se décline et crée plusieurs sous-genres. Il existe donc des nouvelles réalistes, fantastiques ou encore poétiques.

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La nouvelle est une " sorte de roman très court " selon le Littré, dictionnaire de la langue française. Il n'y a pas de règle en ce qui concerne la longueur, elle peut varier d'une nouvelle à une autre. Ce récit succinct se centre généralement autour d'un seul événement, pour rester avec une intrigue simple, le tout avec peu de personnages.

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Les mémoires, les confessions et le journal sont des récits de vie dont le sujet est l'auteur lui-même et qui se caractérisent par l'utilisation du " je ". Ces trois genres se distinguent par leur forme et leur visée.

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L'argumentatif a pour but de convaincre, de persuader. En réponse à une question explicite ou implicite (la problématique) à propos d'un thème (un suj

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L'autobiographie est un récit qu'une personne réelle fait de sa propre vie. Les lieux, les personnes et les événements présentés sont authentiques. Le

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L'épistolaire est un genre qui désigne à la fois un roman constitué de lettres et la publication d'une correspondance privée. Le roman épistolaire es

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La biographie est le récit d'une vie. Contrairement à l'autobiographie, l'auteur n'est pas celui qui a vécu les faits rapportés. Ce genre littéraire a

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Le terme ""fable"" vient du latin fabula qui signifie récit. À l'origine (dans l'Antiquité), on évoquait par ce qualificatif un contenu narratif. On l

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Au théâtre, le texte n'est qu'un outil de travail, destiné avant tout aux comédiens. Pour des raisons pratiques, il est divisé en actes et en scènes,

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Principalement de tradition orale, le conte, la légende, le mythe et l'épopée sont des récits imaginaires qui ont recours au merveilleux, au surnature

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Le roman est actuellement le genre littéraire le plus publié et le plus lu. C'est un long récit en prose dans lequel des personnages imaginaires (parf

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Encyclopédie Larousse en ligne - conte de conter

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Récit en général assez court de faits imaginaires Le conte est une narration généralement courte ayant pour sujet des aventures imaginaires ou fantastiques Le conte littéraire dérive directement du conte populaire mais à la différence de ce dernier qui appartient à la littérature orale et reste le plus souvent anonyme il est le fruit d'une véritable création littéraire et peut...

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# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les textes littéraires sont classés en différentes catégories qu'on appelle des genres. En classe de Sixième, on étudie surtout le récit et, plus particulièrement, le conte. Chacun de ces genres a des caractéristiques précises, ce qui permet au lecteur de les distinguer.

* Un récit est un texte qui raconte une histoire (un enchaînement d'événements). Celle-ci peut être fictive (c'est-à-dire imaginée, inventée, comme dans le conte, la nouvelle ou le roman) ou vraie (comme dans l'autobiographie, les mémoires ou le récit historique). Un récit peut prendre différentes formes : un conte, une fable, un roman ou encore une épopée.

* Un conte est donc une sorte de récit parmi d'autres. C'est un texte généralement court, qui fait la part belle à l' imaginaire. Les contes de fées, ou " contes merveilleux ", contiennent des éléments surnaturels qui jouent un rôle important dans l'histoire (objets enchantés, animaux qui parlent, métamorphoses, etc.).
Le conte met souvent en scène des couples de personnages dont l'un est bon, l'autre méchant. En règle générale, le bon finit par triompher.

* L' époque et le lieu du récit sont rarement définis, comme le montre l'emploi de la traditionnelle formule Il était une fois...
Ex. : " Il était une fois une reine qui accoucha d'un fils, si laid et si mal fait, qu'on douta longtemps s'il avait forme humaine. Une fée qui se trouva à sa naissance assura qu'il ne laisserait pas d'être aimable, parce qu'il aurait beaucoup d'esprit; elle ajouta même qu'il pourrait, en vertu du don qu'elle venait de lui faire, donner autant d'esprit qu'il en aurait à celle qu'il aimerait le mieux. Tout cela consola un peu la pauvre reine, qui était bien affligée d'avoir mis au monde un si vilain marmot. "
C. Perrault, Contes
Notons que, parmi les contes les plus célèbres, on peut citer ceux de Charles Perrault xvii e siècle), de Hans Christian Andersen ou des frères Grimm.

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Le vocabulaire des genres littéraires : conte et récit - Réviser une notion - Français - 6e

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Les textes littéraires sont classés en différentes catégories qu'on appelle des genres. En classe de Sixième, on étudie surtout le récit et, plus particulièrement, le conte. Chacun de ces genres a des caractéristiques précises, ce qui permet au lecteur de les distinguer. * Un récit est un texte qui raconte une histoire (un enchaînement d'événements).

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Le mot signifie à la fois conte de fées d'un fait ou un genre d'aventure fantastique et le (principalement par voie orale), qui comprend les histoires que l'on appelle. L'histoire, comme l'histoire peut être court ou long. Conçu pour divertir que pour construire, il porte un impact émotionnel puissant ou philosophiques. Depuis la Renaissance, les histoires sont en cours de réécriture, donnant lieu pendant des siècles à une écriture de genre dans son propre droit. Cependant, il est distinct du roman, le récit d'aventures nouvelles et son rejet de la probabilité.

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Il ya donc deux pratiques du genre littéraire de l'histoire orale et écrite. Les deux pratiques différentes dans leurs opérations (méthodes de création, de diffusion ...) comme dans son contenu, il doit être distingué. Le conte est un objet littéraire difficile à définir en raison de son hybride et polymorphe. Le genre littéraire que les récits eux-mêmes sont étudiées convocation connaissances associées, à la lumière des sciences humaines comme l'histoire littéraire, la sémiotique, la sociologie, l'anthropologie et la psychanalyse.

Par ailleurs, le terme " conte de fées" peut également se référer à l'activité de la narration, quel que soit le type d'histoire (épique, légende, conte, récit de vie, nouvelles ...). Le conte est alors l'art du conte.

Histoire d'un terme insaisissable

Origines du terme 'fée'

Etymologiquement du computar conte de latin qui signifie "compter", "garder une liste.' Initialement, le conte est une histoire qui est passé dans le temps par la parole.

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Mythe, légende et histoire: les liens et les différences

Le conte de fée se déroule dans un monde où l'improbable est acceptée, où le surnaturel ajoute au monde réel sans lui nuire. Les personnages sont des rôles bien définis et leurs aventures se terminent généralement bien. L'histoire peut générer une leçon de vie ou de morale.

Le conte fantastique commence par plonger le lecteur dans un monde qui ressemble en tous points à la réalité: un monde qui place, les personnages et les actions sont décrites avec une vue sur surnaturelle reality.The est une intrusion intolérable dans la réalité, causent une gêne et même la peur dans le lecteur.

Le mythe est une histoire inventée de répondre aux questions qui se posent au sujet des origines humaines et de ceux du monde pour expliquer les phénomènes naturels comme l'apparition de l'eau sur Terre. Le mythe impliquent presque toujours des êtres divins: ils sont alors une croyance d'une communauté de personnes.

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La légende est une histoire dans laquelle les actions, les lieux et les personnages sont liés à des faits historiques connus, mais ont été déformées, exagérées, embellie par l'imagination. Souvent, la légende est similaire au mythe, car il essaie d'expliquer un phénomène naturel. Contrairement au mythe, la légende ne repose pas sur les dieux.

Un terme, deux véhicules littéraire orale et écrite

Le conte oral ou folkloriques conte

La narration est souvent désigné par le conte des ethnologues et des historiens en raison de l'aspect traditionnel et de la communauté qui a longtemps régi la création et la circulation de ces histoires et l'importance qu'elle a pris dans l'émergence du nationalisme au XIXe siècle (voir le concept de ' peuple"). Ce type d'histoire fait partie de la famille de la littérature orale. Il comprend également la saga épique, le mythe, l'énigme, où la légende, la rime, le mémorat, la fable et la légende urbaine.

Ra conter des histoires est un genre narratif, contrairement à l'énigme, le proverbe ou une comptine. Il est aussi délibérément fictif, contrairement à la légende, la saga et mémorat qui se présentent comme vrai.Contrairement au mythe, le conte de la narration d'histoire orale est situé dans la principale le monde des hommes, même si elle, en particulier dans le cas du conte de fées, est souvent en contact avec l'autre monde des morts, les esprits, les gens petits ou dieux.

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Un nouveaux arts de la scène?

Habituellement associé aux arts de parler et public performant, cet art semble paradoxal. Alors qu'il est probablement l'une des plus anciennes formes d'expression dans l'histoire de l'humanité, il semble très jeunes comme une pratique formelle artistique. En effet, ce n'est que depuis la seconde moitié du XXe siècle, il est d'intérêt pour les théoriciens de l'art et cherche à se structurer avec une autre forme d'art. Depuis les années 1970 et le mouvement de renouveau de l'histoire, l'histoire terme est plus utilisé pour décrire l'art de ra conte r des histoires à un auditoire.

Le conte comme un genre d'écriture

Beaucoup de ces histoires transmises de bouche à oreille ont été depuis la Renaissance, la collecte et la réécriture par les écrivains. Ces approches geler ces histoires dans une version donnée, et les transformer en objets dans le domaine de la littérature écrite. Cela conduit les auteurs à se détacher progressivement des thèmes, des structures et des thèmes des contes oraux qui ils sont basés.Le conte est alors un récit littéraire court (contrairement au roman ou épiques), dans lequel les actions sont dit (non représenté comme dans le théâtre).

Selon Vial, peut être appelé Tale 'qui atteste de chaque histoire de l'écrivain pour but d'isoler la multitude de fonctionnalités qui constituent un événement ou le destin d'une personne, un objet et pour effacer le bénéfice de ce point unique.'

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Le conte littéraire terme n'est pas synonyme de conte de fée ou de la littérature pour enfants seulement, contrairement à sa nature heureuse et la fantaisie improbables souvent laissé penser. Cette forme littéraire peut adopter un contenu très diversifié et il ne veut pas nécessairement étonner le lecteur, mais peut aussi vouloir le construire ( conte moral, allégorie), effrayer (histoire d'horreur), le plaisir ( conte satirique), etc.

Un terme, deux véhicules littéraire orale et écrite

Le conte oral ou folkloriques conte

La narration est souvent désigné par le conte des ethnologues et des historiens en raison de l'aspect traditionnel et de la communauté qui a longtemps régi la création et la circulation de ces histoires et l'importance qu'elle a pris dans l'émergence du nationalisme au XIXe siècle (voir le concept de ' peuple"). Ce type d'histoire fait partie de la famille de la littérature orale.Il comprend également la saga épique, le mythe, l'énigme, où la légende, la rime, le mémorat, la fable et la légende urbaine.

Ra conter des histoires est un genre narratif, contrairement à l'énigme, le proverbe ou une comptine. Il est aussi délibérément fictif, contrairement à la légende, la saga et mémorat qui se présentent comme vrai. Contrairement au mythe, le conte de la narration d'histoire orale est situé dans la principale le monde des hommes, même si elle, en particulier dans le cas du conte de fées, est souvent en contact avec l'autre monde des morts, les esprits, les gens petits ou dieux.

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Un nouveaux arts d
e la scène?

Habituellement associé aux arts de parler et public performant, cet art semble paradoxal. Alors qu'il est probablement l'une des plus anciennes formes d'expression dans l'histoire de l'humanité, il semble très jeunes comme une pratique formelle artistique. En effet, ce n'est que depuis la seconde moitié du XXe siècle, il est d'intérêt pour les théoriciens de l'art et cherche à se structurer avec une autre forme d'art. Depuis les années 1970 et le mouvement de renouveau de l'histoire, l'histoire terme est plus utilisé pour décrire l'art de ra conte r des histoires à un auditoire.

Le conte comme un genre d'écriture

Beaucoup de ces histoires transmises de bouche à oreille ont été depuis la Renaissance, la collecte et la réécriture par les écrivains. Ces approches geler ces histoires dans une version donnée, et les transformer en objets dans le domaine de la littérature écrite. Cela conduit les auteurs à se détacher progressivement des thèmes, des structures et des thèmes des contes oraux qui leur sont conte based.The est alors un récit littéraire court (contrairement au roman ou épiques), dans lequel les actions sont dit (non représenté comme dans le théâtre) .

Selon Vial, peut être appelé Tale 'qui atteste de chaque histoire de l'écrivain pour but d'isoler la multitude de fonctionnalités qui constituent un événement ou le destin d'une personne, un objet et pour effacer le bénéfice de ce point unique.'

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Le conte littéraire terme n'est pas synonyme de conte de fée ou de la littérature pour enfants seulement, contrairement à sa nature heureuse et la fantaisie improbables souvent laissé penser. Cette forme littéraire peut adopter un contenu très diversifié et il ne veut pas nécessairement étonner le lecteur, mais peut aussi vouloir le construire ( conte moral, allégorie), effrayer (histoire d'horreur), le plaisir ( conte satirique), etc.

Bibliographie

Livre Cercles norvégiens a réuni 100 écrivains de 54 pays.Chacun a été demandé de choisir ce qu'il considérait comme les dix meilleurs ouvrages littéraires.
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Sommaire: 1 Histoire d'un terme insaisissable 1.1 Origines du terme 'fée' 1.2 Mythe, légende et histoire: les liens et les différences 2 Un terme, deux véhicules littéraire orale et écrite 2.1 Le conte oral ou folkloriques conte 2.2 Un nouveaux arts de la scène? 2.3 Le conte comme un genre d'écriture 3 Un terme, deux ...

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Genre littéraire: le conte philosophique

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Le conte philosophique est un genre apparu au XVIIIème siècle. Ce genre combine le divertissement et les caractéristiques du conte classique (récit court, fait de péripéties, héros simplistes mais symboliques, merveilleux, réalisme, picaresque,..) à la réflexion ...

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La biographie est l'histoire de vie d'une personne. Le mot provient d'un terme grec composé: bios (" vie ") et graphein (" écrire "). Le terme biographie peut être employé au sens symbolique. Par exemple: " La biographie de la présidente montre qu'elle n'a jamais vécu une telle situation ". Dans ce cas, la notion de biographie désigne l'histoire de vie en général, sans appui matériel.

Cependant, la plupart du temps, une biographie est un exposé qui résume les faits majeurs de la vie d'une personne. On entend aussi par biographie le genre littéraire dans le cadre duquel ces exposés sont mis en évidence.

Les biographies commencent normalement par la naissance du sujet en question (en général, une célébrité) pouvant y compris remonter aux antécédents familiers (arbre généalogique, ancêtres, etc.). Les biographies dont le protagoniste soit déjà mort vont jusqu'au moment de son décès, tandis que, dans les autres cas, l'auteur du récit peut choisir le moment jusqu'auquel il souhaite recouvrir.

En tant que genre littéraire, la biographie est narrative et expositive. Elle est rédigée à la troisième personne, à l'exception des autobiographies (où le protagoniste est celui qui raconte l'histoire). Même s'il est possible d'inclure des appréciations subjectives de l'auteur et des informations sur le contexte sous lequel la vie du protagoniste a lieu, la base de la biographie sont les données exactes et précises, telles que les dates, les noms et les endroits.

La structure basique d'une biographie comprend l'introduction (le personnage est présenté), le développement (les moments les plus importants de sa vie sont racontés) et la conclusion (il s'agit du segment le plus subjectif, avec une évaluation sur la transcendance du personnage).

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Définition de biographie - Lesdefinitions.fr

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La biographie est l'histoire de vie d'une personne. Le mot provient d'un terme grec composé: bios (" vie ") et graphein (" écrire "). Le terme biographie peut être employé au sens symbolique. Par exemple: " La biographie de la présidente montre qu'elle n'a jamais vécu une telle situation ".

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La mot "nouvelle" vient du terme italien "novella" qui signifie "récit court". Ce mot désigne tout d'abord un récit court d'évènements récents. Sur le plan littéraire, la nouvelle est un genre intermédiaire puisqu'il est plus long que le conte et plus court ...

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La nouvelle est un genre littéraire bien particulier et fascinant. En anglais, ont l'appelle "short story". Voici ses principales caractéristiques : Texte généralement court, variant de 3 à 50 pages. Histoire mettant en scène très peu de personnages. Parfois un seul. Intrigue basée principalement sur l'évolution psychologique du personnage central.

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Définition

* La nouvelle est un récit court, écrit en prose. Cependant, plus que sa longueur, c'est bien davantage la concision et l' efficacité de son écriture qui la caractérisent. En règle générale, les personnages d'une nouvelle sont peu nombreux et brièvement décrits. Son action est assez simple mais construite de façon à ménager un effet de surprise au dénouement : c'est ce que l'on appelle la chute.

Exemple

* Maupassant est l' auteur de très nombreuses nouvelles comme Une Partie de campagne, Le Horla, Le Parapluie, La Parure, etc.

* On peut citer également Les Histoires extraordinaires d'Edgar Allan Poe ou Les Diaboliques de Barbey d'Aurévilly.

Remarque

Comme le roman, la nouvelle est un genre littéraire qui se subdivise en sous-genres : nouvelle réaliste, fantastique, poétique, etc.

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Définition de " nouvelle " - Trouver la définition d'un mot - Français - 6e

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Définition * La nouvelle est un récit court, écrit en prose. Cependant, plus que sa longueur, c'est bien davantage la concision et l'efficacité de son écriture qui la caractérisent. En règle générale, les personnages d'une nouvelle sont peu nombreux et brièvement décrits.

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Lexique de la politique : Qu'est-ce que le pamphlet ?

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Objectif : connaître les différents genres argumentatifs.

Le pamphlet est un genre argumentatif, il appartient à la littérature d'idées. Il s'agit d'un ouvrage court qui s'attaque violemment à des idées ou à des personnes. Comme la satire, sa tonalité est très agressive. On applique parfois le terme de pamphlet à des textes qui ne sont pas des pamphlets au sens strict, mais qui en imitent l'aspect polémique. Par exemple, certains articles de journaux ou certains essais (le mot " essai " désigne en principe un écrit plus modéré que le pamphlet) ont un contenu qui relève plutôt du pamphlet.

" Polémique " vient du grec polemos qui signifie " guerre ". Quand on parle de registre polémique, on renvoie donc au caractère agressif d'un texte, aux attaques constantes auxquelles il se livre.

a. L'implication de l'adversaire

Pour attaquer un adversaire, l'auteur d'un pamphlet s'en prend souvent directement à la personne concernée. Un indice du registre polémique est donc l' usage de marques de la deuxième personne (du singulier ou du pluriel) comme les pronoms ou les adjectifs possessifs. De même, les périphrases dépréciatives sont souvent utilisées pour s'en prendre directement à ceux que l'on condamne.
Ainsi, dans l'article " Superstition " du Dictionnaire philosophique (1765), Voltaire attaque les superstitieux en multipliant les apostrophes agressives :

" Vous pensez que Dieu oubliera votre homicide si vous vous baignez dans un fleuve, si vous immolez une brebis noire, et si on prononce sur vous des paroles. Un second homicide vous sera donc pardonné au même prix, et ainsi un troisième, et cent meurtres ne vous coûteront que cent brebis noires et cent ablutions ! Faites mieux, misérables humains : point de meurtres et point de brebis noires. "

b. L'implication du lecteur

Pour donner plus de force à son message, l'auteur peut également prendre le lecteur à témoin de l'absurdité d'une idée, du ridicule d'une personne, de la cruauté d'une décision... Cette prise à témoin s'exprimera par des procédés tels que l'apostrophe au lecteur ou l'usage du pronom nous par lequel il se trouve associé à la prise de position de l'auteur.
On observe par exemple cet usage dans la critique du Ventre de Paris de Zola écrite par Barbey d'Aurevilly (publiée dans Le Constitutionnel en 1873) :

" Pour monsieur Zola, toute cette cochonnaille, qu'il nous étale et dont il nous repaît, et dont il finit par nous donner le mal au cœur, c'est de l'art. "

c. Les termes dépréciatifs

Pour attaquer (une personne, une idée, une œuvre, etc.), l'auteur de pamphlet utilise de nombreux termes dépréciatifs ou dévalorisants (il peut aussi utiliser des termes valorisants de façon ironique).
Ainsi, Romain Rolland, dans Au-dessus de la mêlée (1915), s'en prend violemment aux chefs d'Etats bellicistes en utilisant à leur sujet l'adjectif criminels et l'adverbe sournoisement :

" Ces guerres, je le sais, les chefs d'États qui en sont les auteurs criminels n'osent en accepter la responsabilité ; chacun s'efforce sournoisement d'en rejeter la charge sur l'adversaire. "

2. Quelques pamphlets célèbres

a. De l'horrible danger de la lecture de Voltaire (1765)

Dans ce pamphlet qui condamne les atteintes à la liberté d'expression, Voltaire fait parler un personnage imaginaire, Joussouf Chéribi, à qui il fait démontrer point par point que la lecture représente un " horrible danger " (pour le pouvoir politique, pour la religion, pour l'ordre de la société, etc.). Ce pamphlet présente la particularité d'être tout entier ironique. Pour comprendre le message de Voltaire, ce qu'il pense en réalité, il faut inverser le sens des paroles de son personnage.

b. J'accuse ! d'Emile Zola (1898)

Lettre ouverte adressée par Zola au président de la République Félix Faure, publiée dans le journal L'Aurore, J'accuse ! peut se rapprocher du pamphlet par son caractère fortement polémique. Cette dimension polémique s'applique notamment à la fin de la lettre, dans laquelle Zola commence toutes ses phrases par " J'accuse ". Ainsi, pour défendre le capitaine Dreyfus injustement condamné pour espionnage (en fait, condamné par antisémitisme), Zola s'en prend ouvertement à la hiérarchie militaire et à tous ceux qui la soutiennent.

c. A l'agité du bocal de Céline (1948)

Ce pamphlet attaque, de façon extrêmement agressive et grossière, l'écrivain Jean-Paul Sartre, désigné par la périphrase dépréciative du titre " l'agité du bocal ". Ce dernier avait écrit dans Portrait d'un antisémite : " Si Céline a pu soutenir les thèses socialistes des nazis, c'est qu'il était payé. " Ulcéré par cette phrase, Céline répond par un pamphlet d'une grande violence, désignant sans cesse son adversaire par des termes scatologiques : " la petite fiente ", " ce petit bousier ", " cette ventouse baveuse ", etc. Ici, les arguments disparaissent totalement, au profit de la seule injure.

L'essentiel

Le pamphlet est un écrit court qui attaque violemment une idée, une personne ou une attitude. Il a recours au registre polémique. De l'horrible danger de la lecture de Voltaire, J'accuse ! de Zola ou encore A l'agité du bocal de Céline sont des pamphlets célèbres.

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cours de français - le pamphlet - maxicours.com

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Cours de Français - Le pamphlet - Maxicours.com

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Objectif : connaître les différents genres argumentatifs. Le pamphlet est un genre argumentatif, il appartient à la littérature d'idées. Il s'agit d'un ouvrage court qui s'attaque violemment à des idées ou à des personnes. Comme la satire, sa tonalité est très agressive.

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Encyclopédie Larousse en ligne - genre pastoral

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Relèvent du genre pastoral toutes sortes d'œuvres poèmes idylles églogues pastourelles romans pièces de théâtre représentant dans un cadre champêtre...

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Méthodes et techniques ► Autres fiches techniques ► vous êtes ici
Fiche technique
Pistes pour raconter une histoire

Les ingrédients du récit

Déterminez le narrateur - le lieu, le temps, les personnages - l'enjeu de l'épisode - les étapes du récit.

La structure du récit

● Organisez la narration, choisissez entre :

un récit chronologique, propice à des effets de contraste, par exemple entre le tableau initial et la rupture produite par l'élément modificateur ;

une ouverture plus vivante ou dramatique en pleine action, ce qui supposera un retour en arrière pour expliquer la situation.

● Ménagez rebondissements et péripéties.

● Utilisez les ellipses narratives permettant de passer sous silence ce qui est inutile au récit ; la durée de l'action réelle sera indiquée par des repères temporels (" Deux mois s'écoulèrent... ").

● Ménagez effets de suspense pour retarder l'évènement redouté :

en marquant la progression du danger ;

en multipliant les repères temporels soulignant l'écoulement du temps ;

en intercalant des détails descriptifs, en notant les émotions, les interrogations du héros.

● Choisissez le dénouement : catastrophe inéluctable ou rebondissement heureux.

→ À consulter : Genres Littéraires : Le roman : La structure du récit.

La description de la couleur locale

Décrire c'est créer une atmosphère. Choisissez l'observateur et le type de description :

● la description subjective visera à rendre l'impression de l'observateur qui peut ne retenir que les détails qui le font rêver, se souvenir...
● la description objective, faite par un narrateur extérieur, visera la précision et le pittoresque. Déterminez d'où l'observateur regarde, le trajet du regard.

→ À consulter : Expression Écrite : La description.

Les personnages et leur discours

● Caractérisez rapidement les personnages secondaires.
● Présentez les protagonistes en mettant en valeur ce qui les caractérise ; soit dans un portrait statique (physique et moral), soit dans un portrait en action, à travers leur comportement (mimiques, gestes...). Veillez à les situer dans leur cadre et à respecter leur façon de parler ( registre de langue, tics de langage...).

→ À consulter : Expression Écrite : Le portrait.

Variez votre rédaction en alternant récit, description, paroles rapportées. Utilisez toutes les formes de discours, direct, indirect, indirect libre.

→ À consulter : Expression Écrite : Le dialogue et le discours rapporté.

Le jeu des temps

→ À consulter : Genres Littéraires : Le roman : Le temps.
Méthodes et techniques

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Méthodes et techniques ► Autres fiches techniques ► vous êtes ici Fiche technique Les ingrédients du récit Déterminez le narrateur - le lieu, le temps, les personnages - l'enjeu de l'épisode - les étapes du récit.

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Analyser un roman
Liste de leçons disponibles
Un roman est une œuvre narrative en prose. C'est un récit d' imagination. Lire un roman de façon approfondie implique d'être attentif à ses éléments constitutifs afin d'en dégager le sens. Un récit est une suite d'événements passés rapportés par un narrateur. Il se présente sous la forme d'une suite d'épisodes dont l'enchaînement constitue l'intrigue.

En plus, le récit rapporte des événements en les inscrivant dans un cadre spatio-temporel. L'intrigue s'inscrit dans la durée à travers les passages narratifs ; les passages descriptifs l'inscrivent dans l'espace.

Enfin, le personnage provoque, à travers le dynamisme de ses actions ou de ses projets, le dynamisme de la lecture. Comme s'il était un être réel, il a une origine sociale, une famille, un travail, un caractère. Bref, voici les principaux points qu'on doit repérer dans un roman...

La structure d'un récit

■ Les étapes d'un récit (le schéma narratif)

■ Les formes de l'intrigue

□ L'intrigue unique

□ L'intrigue complexe

□ L'enchâssement

■ Les modes de narration

□ Le narrateur-personnage

□ Le narrateur qui raconte à la 3e personnage

□ Le narrateur invisible

Les personnages

■ La présentation des personnages

■ Le rôle des personnages (le schéma actantiel)

L'espace et le temps

Le point de vue dans un récit

■ Sommaire

■ Le point de vue externe

■ Le point de vue interne

■ Le point de vue zéro

■ Tableau récapitulatif des points de vue

Préfaces des romans français du XIXe siècle

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Liste de leçons disponibles Un roman est une œuvre narrative en prose. C'est un récit d' imagination. Lire un roman de façon approfondie implique d'être attentif à ses éléments constitutifs afin d'en dégager le sens. Un récit est une suite d'événements passés rapportés par un narrateur.

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Les éléments constitutifs du roman

- Synthèse -

Définition du mot " roman "

À l'origine, le mot " roman " désigne la langue courante populaire, parlée en France avant l'ancien français, qui s'oppose au latin, la langue des érudits et des clercs. Puis il désigne un récit médiéval écrit en vers ou en prose adapté de la littérature latine.

Depuis le XIII e siècle, le roman est une " œuvre d'imagination constituée par un récit en prose d'une certaine longueur, dont l'intérêt est dans la narration d'aventures, l'étude des mœurs ou des caractères, l'analyse de sentiments ou de passions, la représentation du réel on de diverses données objectives ou subjectives ". ( Grand Dictionnaire encyclopédique, Larousse).

Le déroulement ou intrigue

Un roman est constitué d'événements qui s'organisent en une intrigue. Celle-ci est composée de plusieurs séquences, c'est-à-dire de passages qui forment une unité sur le plan du temps, des lieux, de l'action et de l'intervention des personnages. Une intrigue romanesque présente une structure-type représentée par le schéma suivant:

État initial ► Transformation ► État final.

→ Lire : Le schéma narratif.

● On distingue les personnages principaux des personnages secondaires. Si le personnage principal se signale par une destinée remarquable (heureuse on malheureuse), on peut le qualifier de héros.

● Le personnage de roman peut être appréhendé selon :
- son être : identité, apparence, psychologie ;
- sa fonction : rôle qu'il joue dans le roman.

● On distingue quatre fonctions possibles du personnage romanesque :
- sujet : c'est le héros de l'histoire ;
- objet : c'est celui que le héros cherche à atteindre ;
- adjuvant : c'est celui qui aide le héros à réaliser son désir ;
- opposant : c'est celui qui fait obstacle au projet du héros.

● C'est le cadre matériel dans lequel évoluent les personnages.
● Le roman présente un espace ouvert lorsque les lieux sont diversifiés, un espace restreint lorsque le lieu est unique. Certains lieux ont une portée symbolique : par exemple, dans La Peste d' Albert Camus, la mer est un symbole de pureté, d'espoir et de renaissance.
● Les lieux sont des marques qui permettent de situer une époque, un milieu social. Pour étudier les fonctions des différents lieux, il faut repérer les décalages, les jeux d'oppositions et les correspondances avec la psychologie et l'évolution des personnages dans le roman.

→ Étudier l'espace dans un roman.

● L'étude du temps dans un roman permet d'évaluer la durée des événements rapportés. Cette durée peut être brève ou étendue.
● Une narration ne rapporte pas toujours les faits dans leur déroulement chronologique. Le narrateur peut :
- ménager des " retours en arrière " on " anticiper " en racontant un événement ultérieur ;
- sauter une période: on parle alors d' ellipse ;
- résumer les événements marquants en quelques lignes, même s'ils ont duré longtemps : il s'agit du sommaire ;
- mettre un événement en valeur en s'y attardant : c'est ce qu'on appelle une scène.

→ Étudier le temps dans un roman.

Le narrateur

● Il existe deux mode de narration :
- le narrateur fait connaître sa présence: il s'adresse au lecteur à la première personne en conduisant son récit ;
- le narrateur est absent: l'histoire, racontée à la troisième personne, semble " s'écrire toute seule ". La plupart des romans réalistes du XIX e siècle suivent ce mode narratif.

● On peut parfois distinguer, à l'intérieur d'une œuvre, plusieurs voix narratives ou bien des récits emboîtés, pris en charge par d'autres narrateurs que le narrateur principal.

→ Lire : Les modes de narration.
Genres littéraires

Le roman français aujourd'hui : Transformations, perceptions, mythologies

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Définition du mot " roman " À l'origine, le mot " roman " désigne la langue courante populaire, parlée en France avant l'ancien français, qui s'oppose au latin, la langue des érudits et des clercs. Puis il désigne un récit médiéval écrit en vers ou en prose adapté de la littérature latine.

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Les genres romanesques

Introduction

Depuis les romans de chevalerie du Moyen Âge, le roman n'a cessé de se diversifier, montrant un dynamisme exceptionnel tout au long de son histoire.

Le roman répond au désir d'évasion du lecteur, mais il rencontre également les préoccupations du temps, anticipe sur les mutations de la société, dénonce les conventions sociales en leur opposant les vérités profondes des désirs et des passions. Humour, passion, engagement : la vitalité du roman se manifeste à travers le renouvellement des formes et des situations romanesques, à travers les prises de conscience qu'il suscite chez le lecteur, la quête des valeurs nouvelles qu'il lui propose.

La diversité des genres romanesques témoigne de cette formidable énergie du roman.

Le roman d'analyse

Le roman d'analyse se consacre à explorer les sentiments de personnages souvent partagés entre l'amour et la vertu, le désir et le renoncement. Dans un décor resserré, le roman d'analyse décrit leurs réactions devant une passion soudaine qui les déborde, un choix de vie difficile. Anxieux, tourmentés, les personnages interprètent les attitudes, les paroles, les regards des autres; ils s'analysent eux-mêmes, avec exigence, avec lucidité.

Écrit dans un style sobre et dépouillé, le roman d'analyse s'illustre au XVII e siècle avec La Princesse de Clèves de Mme de La Fayette, dans un siècle qui aime l'étude des caractères. On le retrouve à l'époque romantique, mais aussi au XX e siècle avec, par exemple, La Porte étroite d' André Gide.

Les personnages rapportent leurs découvertes, confient leurs émotions, entretiennent le dialogue avec un être cher. Si la lettre est l'occasion de rapporter directement un témoignage, d'exprimer un sentiment, elle est aussi moyen de séduction, conquête du destinataire. Dans le roman par lettres, l'échange des lettres multiplie les points de vue, fait avancer l'action. Lettres secrètes, perdues, interceptées : les intrigues se croisent, le roman progresse à travers le jeu subtil des correspondances.

Le roman par lettres connaît son plein essor au XVIII e siècle qui privilégie l'échange des idées et des sentiments. Ironie philosophique, exaltation des passions amoureuses, stratégies du libertinage, le roman épistolaire donne ses chefs-d'œuvre : les Lettres persanes de Montesquieu, La Nouvelle Heloïse de Rousseau, Les Liaisons dangereuses de Laclos.

→ Lire : La lettre (fiche technique).

Le roman autobiographique

Il ne faut pas confondre le roman autobiographique avec l'autobiographie d'un écrivain qui fait le récit de sa propre vie. Le roman autobiographique met en scène un personnage fictif qui, arrivé au terme de son existence, raconte son histoire au lecteur à la première personne. Avec ses succès, ses échecs, le héros traverse les milieux les plus divers, tandis que l'écrivain joue du regard que le narrateur vieillissant porte sur le jeune homme - enthousiaste, amoureux - qu'il a été.

Dans la première partie du XVIII e siècle se multiplient les romans autobiographiques: Gil Blas de Santillane de Lesage, Le Paysan parvenu de Marivaux. Chateaubriand le reprend dans René, Balzac dans Le Lys dans la vallée. Nombreux sont les écrivains qui aujourd'hui rapportent ainsi l'itinéraire social, sentimental de leur héros.

→ Lire : L'autobiographie. Analyser une autobiographie.

Le roman historique

Faire revivre le passé, recréer l'atmosphère d'une époque disparue: le romancier offre alors au lecteur un univers romanesque ancré dans l'Histoire. Les personnages fictifs croisent des personnages historiques, évoluent dans un cadre minutieusement reconstitué. Le pittoresque des lieux, des objets, le charme du dépaysement s'ajoutent à l'évocation des conflits politiques et militaires, des structures sociales, des confrontations idéologiques qui ont animé une époque.

Si dès le XVII e siècle les lecteurs apprécient les romans historiques, c'est au XIX e siècle que le genre triomphe: le siècle du Progrès se penche sur son Histoire. Les musées se multiplient; le mouvement romantique redécouvre l'Antiquité et le Moyen Âge. Des écrivains prestigieux, Hugo, Dumas, Barbey d'Aurevilly, Alfred de Vigny, des romanciers populaires comme Paul Feval illustrent ainsi le roman historique.

Le roman réaliste

L'écrivain réaliste construit son récit, présente ses personnages de manière à donner au lecteur l'impression de la réalité. Les lieux de l'action appartiennent au monde réel ; les personnages traversent des situations empruntées à la vie quotidienne.

Aux XVI e et XVII e siècles, le roman réaliste, proche de la farce satirique et burlesque, donne une grande place au corps. Il montre au XVIII e siècle le rôle de l'argent dans la société. Au XIX e siècle, Balzac, Flaubert, Maupassant, Zola, les frères Goncourt démontent les mécanismes sociaux qui écrasent les individus, soulignent l'influence du milieu et de l'hérédité, font place - parfois dans de vastes fresques romanesques - ceux qui sont exclus : le peuple, les pauvres, les prostituées.

Les romanciers du XX e siècle poursuivront l'héritage des écrivains réalistes et naturalistes : représenter la réalité et " fouiller le vrai ".

→ Lire : Le Réalisme et le Naturalisme.

Le roman d'aventures

Le roman d'aventures projette le lecteur dans un univers différent du sien. Il provoque le dépaysement à travers la diversité, la singularité des lieux ou entraîne l'action. Les rebondissements sont nombreux, les obstacles rencontrés obligent le héros à faire preuve d'audace et de courage, de ruse et de force.

Dans le roman de chevalerie, le héros part en quête de " l'aventure " pour montrer sa bravoure. Au XIX e siècle, Jules Verne intègre la science, associant l'exploration trépidante de la terre avec le développement des découvertes techniques. Au XX e siècle, Malraux et Saint-Exupéry renouvellent le roman d'aventures : refusant les médiocrités, les conventions sociales, l'aventurier s'engage dans un dépassement de soi. L'action est pour lui un défi qui donne un sens au monde. Tels sont les héros des Conquérants ou de Vol de nuit.

Le roman policier

L'usage de l'esprit scientifique, du raisonnement logique stimule par la découverte d'un crime fait le plaisir du roman policier. À la société civilisée qui veut bannir toute violence, effacer tout désordre, le crime lance un défi. Un vol, une disparition, une mort brutale conduisent le héros à trouver des indices et des mobiles, interroger les suspects, résoudre l'énigme. Au terme de son enquête, la violence a été déchiffrée, l'ordre restauré... Le roman policier évolue du plaisir intellectuel d'identifier le coupable à l'exploration de l'univers glauque des mégapoles modernes: du roman à énigme au roman noir. C'est que les grands détectives, Sherlock Holmes (de C. Doyle), Rouletabille (de G. Leroux), Hercule Poirot (d'A. Christie), Maigret (de G. Simenon) ou Philip Marlowe (de R. Chandler), ne traquent pas tel ou tel criminel, mais le Mystère lui-même. À travers le brouillard, l'épaisseur d'un milieu, dans l'ombre où s'agitent les pulsions refoulées du monde moderne.

→ Lire : Le roman policier.
Genres littéraires

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Le roman répond au désir d'évasion du lecteur, mais il rencontre également les préoccupations du temps, anticipe sur les mutations de la société, dénonce les conventions sociales en leur opposant les vérités profondes des désirs et des passions.

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Définition

L es Mémoires sont une sorte de composition historique ayant pour objet de relater des événements auxquels le narrateur, homme d'État, militaire, écrivain, artiste, s'est trouvé mêlé.

Mémoire : masculin ou féminin ?

1. Mémoire, substantif féminin

La mémoire désigne la faculté de conserver et de rappeler des états de conscience passés et ce qui s'y trouve associé ; l'esprit, en tant qu'il garde le souvenir du passé. Garder, recueillir, retrouver qqc. dans sa mémoire ; revenir à la mémoire.

En pyschologie, la mémoire est l'ensemble de fonctions psychiques grâce auxquelles nous pouvons nous représenter le passé comme passé (fixation, conservation, rappel et reconnaissance des souvenirs).

2. Mémoire, substantif masculin

Le mémoire, en droit, est un écrit destiné à exposer, à soutenir la prétention d'un plaideur.

Le mémoire, également, une dissertation sur quelque objet de science, d'érudition, de littérature rédigée à l'intention d'une société savante ou en vue d'un concours, d'un examen.

Le mémoire est une relation manuscrite ou imprimée qui rappelle la vie, les événements auxquels est associée une personne.
En particulier, au pluriel (avec une majuscule dans cette acception et dans le titre d'une œuvre), les Mémoires sont une œuvre littéraire, que fait une personne à partir d'événements historiques ou privés auxquels elle a participé ou dont elle a été le témoin.
Synonymes : commentaire, annales, chronique, autobiographie, journal, souvenirs, confessions, confidences, lettres...

Source : Le Petit Robert de la langue française (2010) et Le Trésor de la langue française.

Les Mémoires chez les Anciens

Les Mémoires n'étaient pas un genre littéraire inconnu aux Anciens. On en a un beau modèle dans l'Anabase de Xénophon, héros et historien à la fois de la magnifique retraite qu'il raconte. Dans un autre ordre d'idées, ses Mémorables, consacrés à retracer l'enseignement de Socrate dont il est le disciple et sa vie dont il est le témoin, appartiennent au genre des Mémoires non seulement par le sujet, mais même par le nom.

Chez les Romains, les Mémoires se produisent vers la fin de la république et se multiplient après l'établissement de l'empire, sous le nom de Commentaires. À côté de ceux de Sylla, de Lucullus, de Jules César, d'Auguste et de tant d'autres, on peut considérer comme l'équivalent de Mémoires historiques la suite des Lettres de Cicéron sur les événements dont il est l'un des acteurs ou le témoin et plus tard la victime.

Sous les premiers empereurs, un certain nombre de citoyens ont écrit pour eux-mêmes le récit des faits qu'ils voyaient s'accomplir sous leurs yeux, pour se dédommager de n'y pouvoir plus prendre de part par l'action ou par la parole, et ces documents particuliers ont fourni des matériaux aux historiens latins ou grecs dont les travaux plus littéraires nous sont parvenus. La trace en est sensible dans Tacite, Suétone, Valère Maxime, Plutarque. Appien surtout en a fait usage et a même conservé de précieux extraits des Mémoires d'Auguste. D'un autre côté, l' Histoire secrète de Procope semble faite pour mettre en contradiction la véracité libre des Mémoires avec les flatteries officielles de l'histoire.

Les Mémoires chez les Modernes

Chez les Modernes, les Mémoires ont formé toute une branche de littérature, et l'une des plus sérieuses et des plus attachantes. Ils sont devenus indispensables à connaître pour l'étude de l'Histoire. Ceux relatifs à l'histoire de France sont si nombreux qu'ils pourraient au besoin, classés dans l'ordre des temps, suppléer à toute histoire du pays.

Cette abondance n'a rien d'égal chez les autres peuples. Ne remontons pas aux chroniques écrites depuis Grégoire de Tours et Frédegaire, jusqu'à la Chronique de Simon de Montfort, où les auteurs figurent trop peu pour qu'on puisse considérer ces œuvres comme des Mémoires, sauf peut-être la Vie de Guibert de Nogent écrite par lui-même, et ne comptons nos auteurs de Mémoires que depuis Joinville et Bertrand du Guesclin, jusqu'à notre temps quelle accumulation de richesses historiques et littéraires ! Tous les grands noms y sont représentés. Tous les hommes marquants semblent avoir pris à tâche de se présenter eux-mêmes à la postérité Blaise de Montluc, Gaspard de Coligny, Marguerite de Valois, Philippe de Cheverny, le duc de Bouillon, le cardinal de Richelieu, Antoine Arnauld, la duchesse de Nemours, le cardinal de Retz, La Rochefoucauld, Bussy-Rabutin, Saint-Simon, le duc de Luynes, Mathieu Marais, le maréchal de Grammont, Mme de La Fayette, le duc de Richelieu et tant d'autres !

La valeur littéraire disparaît presque toutes les fois que les Mémoires ont été rédigés d'après des documents et des notes par un secrétaire, un serviteur fidèle, mais l'intérêt historique n'en diminue pas sensiblement.

Quelques types de Mémoires

Si l'on voulait étendre la mention des principaux Mémoires historiques, on ne pourrait se dispenser de citer les Mémoires du temps de la Révolution française, qui, comme toutes les époques de troubles et de passions politiques, a produit de nombreux écrits en ce genre les Mémoires de Mme Rolland, de Mme Campan, de Mme de Staël, etc., auxquels on peut ajouter les Mémoires de Mirabeau, rédigés d'après ses papiers, ceux de La Fayette, composés de même.

Il faudrait ensuite mentionner beaucoup de Mémoires militaires datant de l'Empire, ceux de Napoléon Ier lui-même, ceux du roi Joseph, du roi Jérôme, de Marmont, du général Pelet, etc. ; les Mémoires relatifs à l'administration et à la politique, comme ceux du comte Beugnot ; enfin, plus près de nous, les Mémoires d'outre-tombe de Chateaubriand, les Mémoires pour servir à l'histoire de mon temps de Guizot, etc., sans compter ceux qui ne doivent paraître, comme les Mémoires de Talleyrand, qu'à un long intervalle après la mort de leurs auteurs.

Nous avons aussi des Mémoires utiles pour la connaissance de l'histoire des Lettres, des arts et de la société française. Tels sont les Mémoires de littérature et d'histoire de Sallengre (1715-1717), continués par Desmollets (1726-1731) ; les Mémoires sur Port-Royal, les Mémoires secrets sur la république des Lettres de Mme Doublet et tant d'autres plus ou moins spéciaux, puis les Mémoires tout à fait personnels, ceux de Diderot, de D'Alembert, de Duclos, les Confessions de Jean-Jacques Rousseau, les Mémoires de Marmontel, de l'abbé Le Dieu, ceux de Mme de Staal-Delaunay, du comte de Ségur, de Lauzun, etc.

Les Mémoires familiers et anecdotiques, qui ont fait le plus de bruit, sont les Mémoires d'un bourgeois de Paris du docteur Véron, les Confidences de Lamartine, l' Histoire de ma vie de George Sand.

Les Mémoires dans les littératures étrangères

Nous ne pouvons indiquer que plus rapidement encore les Mémoires existant dans les littératures étrangères. Les Italiens ont ceux de Benvenuto Cellini, d'Alfieri, de Goldoni, de Carlo Gozzi, de Casanova, etc. Les Anglais ont ceux de lord Holland, de Mrs Elliot, de Garrick, de Cibber, de Wellington et une série spéciale de Mémoires relatifs à la Révolution d'Angleterre, qui ont été publiés par Guizot. Les Allemands ont aussi de nombreux Mémoires historiques depuis le XIIe siècle. Ils ont parmi les Mémoires plus connus, ceux de Gœthe, de Weber, du théologien Semler, de Gagern, d'Arndt, de Varnhagen von Ense, etc.

Les collections de Mémoires

La plupart des Mémoires français et étrangers ont pris place dans de grandes et précieuses collections comme la Collection des Mémoires relatifs à l'histoire de France depuis la formulation de la monarchie jusqu'au XIIIe siècle, traduits et annotés par Guizot (Paris, 1823) ; Collection des chroniques nationales françaises écrites en langue vulgaire, du XIe au XVIe siècle, publiée par Buchon (Paris, 1824), reproduite en partie dans le Panthéon littéraire ; Collection des Mémoires relatifs à l'histoire de France, depuis le règne de Philippe-Auguste jusqu'à la paix de Paris de 1763 par Petitot et Monmerqué (Paris, 1819) ; Choix de Mémoires relatifs à la Révolution française, par Berville et Barrière (Paris, 1820) ; Bibliothèque des Mémoires relatifs a l'histoire de France, par F. Barrière (Paris, 1867).

Les variantes des Mémoires

Il y a beaucoup d'écrivains qui ont laissé, au lieu de Mémoires, d'autres écrits qui en tiennent lieu : les Lettres de Mme de Sévigné valent les Mémoires les plus complets et les plus suivis ; la Correspondance de Voltaire contient sur sa vie et ses relations littéraires toutes les indications désirables, comme chez les Anciens, les Lettres de Cicéron. La Correspondance littéraire de Grimm ressemble encore plus à des mémoires par le cadre et la forme.

De véritables Mémoires se sont produits sous les noms divers de Commentaires, Confessions, Confidences, Autobiographies... Il n'est peut-être pas inutile de dire ici qu'il n'y a guère de genre littéraire qui ait produit autant de livres apocryphes que les mémoires.

La forme et le titre de Mémoires ont été aussi assez souvent adoptés pour des ouvrages de pure invention, comme les Mémoires d'un cavalier, par Daniel de Foë, les Mémoires du comte de Comminges par Mme de Tencin, les Mémoires d'un homme de qualité, par l'abbé Prévost, les Mémoires du comte de *** par Duclos, et tant d'autres publications analogues, volontiers indiscrètes, scandaleuses même, qui se sont multipliées. De tels ouvrages, aussi bien que les Mémoires du Diable de Frédéric Soulié, ne sont plus des Mémoires, mais une simple variété du roman.

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Définition L es Mémoires sont une sorte de composition historique ayant pour objet de relater des événements auxquels le narrateur, homme d'État, militaire, écrivain, artiste, s'est trouvé mêlé. Mémoire : masculin ou féminin ? 1.

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Genres littéraires

La nouvelle

La Nouvelle (...) a sur le roman à vastes proportions cet immense avantage que sa brièveté ajoute à l'intensité de l'effet.

( Charles Baudelaire, Nouvelles histoires extraordinaires, 1857)

Qu'est-ce que la nouvelle ?

L a nouvelle est un genre de fiction narrative en prose, qui se différencie du roman par sa brièveté, par le petit nombre de personnages, la concentration et l'intensité de l'action, le caractère insolite des événements contés. Toutefois, on remarque aisément que cette caractéristique formelle ne suffirait pas à la distinguer d' un conte ou d' un roman court. En d'autres termes, les critères définitoires de la nouvelle, faute de trait générique véritablement distinctif, doivent inclure d'autres traits, notamment ceux concernant la construction dramatique.

La Nouvelle (...) a sur le roman à vastes proportions cet immense avantage que sa brièveté ajoute à l'intensité de l'effet.

( Charles Baudelaire, Nouvelles histoires extraordinaires, 1857)

[La Nouvelle] est de l'ordre du vrai ; mais inouï, révélateur, inédit, neuf − d'où son nom qui la rapproche de la nouvelle du jour : X est mort, c'est la guerre. A et B se marient. " Deux amis se quittent. Un corbillard qui passe. Une jeune amoureuse qui se met nue. Telle est la nouvelle ". Quelque chose de surprenant et de problématique, c'est-à-dire qui met en relation les valeurs contradictoires, de la vie et de la mort en ce qu'elles se dénient mutuellement.

(J. Stefan dans N.R.F., juin 1980 cité dans Universalia, 1981, p.437)

Si l'on peut utiliser le roman en débarras fourre-tout, c'est impossible pour la nouvelle. Il faut mesurer l'espace imparti à la description, au dialogue, à la séquence. La moindre faute d'architecture y apparaît. Les complaisances aussi. Parfois, je songe que la nouvelle m'épanouit parce que je suis d'abord un homme de théâtre. On sait depuis Tchekhov, Pirandello ou Tennessee Williams, que la nouvelle convient aux dramaturges. Pourquoi ? Le nouvelliste a le sentiment de diriger le lecteur : il l'empoigne à la première phrase pour l'amener à la dernière, sans arrêt, sans escale, ainsi qu'il est habitué à le faire au théâtre. Les dramaturges aiment la nouvelle parce qu'ils ont l'impression qu'elle ôte sa liberté au lecteur, qu'elle le convertit en spectateur qui ne peut plus sortir, sauf à quitter définitivement son fauteuil. La nouvelle redonne ce pouvoir à l'écrivain, le pouvoir de gérer le temps, de créer un drame, des attentes, des surprises, de tirer les fils de l'émotion et de l'intelligence, puis, subitement, de baisser le rideau.

(Eric-Emmanuel Schmitt, Concerto à la mémoire d'un ange, Journal d'écriture, 2010)

Définition et origine du genre

Le genre n'a été défini que tardivement, au XIXe siècle, lorsque la vogue de la nouvelle gagne les États-Unis. Avant cette période de théorisation du genre, le terme de " nouvelle " qualifiait tout simplement un type de récit court, le plus souvent en prose mais quelquefois en prose et en vers, dont le sujet, parfois satirique ou grivois, pouvait être tiré de la tradition populaire.

Ce sont les récits du Décaméron (1348-1353) de Boccace qui sont ordinairement considérés comme l'origine de la nouvelle. Le mot " nouvelle ", pour désigner une œuvre, et par extension un genre littéraire, est d'ailleurs emprunté à l'italien novella (1414), qui venait de Boccace et qui caractérisait un " récit concernant un événement présenté comme réel et récent ". L'anglais, au XVIe siècle, forme sur le mot italien novella celui de novel, qui devait ultérieurement prendre le sens plus général de fiction romanesque, cependant que short story se chargeait de la signification de novella. Les premiers récits du type de la novella étaient inspirés de Boccace. Ce sont d'abord les Contes de Cantorbéry (1386-1400) de Chaucer, vingt et un contes écrits pour la plupart en distiques héroïques. Viennent ensuite, au XVIe siècle, les contes de l'Heptaméron (1558) de Marguerite de Navarre.

XVIIe siècle : le petit roman

Au XVIIe siècle, ce furent les Nouvelles exemplaires (1613) de Cervantès, les Contes et Nouvelles (1665-1674) de La Fontaine, récits en prose et en vers mêlés d'une tonalité satirique et grivoise, inspirés de Boccace et de l'Arioste, puis les Nouvelles tragi-comiques (1655-1657) de Scarron.

Il n'y a que peu de liens, hormis la brièveté des histoires, entre ces récits et la nouvelle telle qu'elle sera définie au XIXe siècle. En revanche, au XVIIe siècle, contrastant avec les longs romans pastoraux du type de l'Astrée d' Honoré d'Urfé, parurent des œuvres plus brèves, comportant moins de digressions, d'histoires enchâssées et d'intrigues entrelacées : on les appelait " petits romans " et le modèle le plus illustre en est la Princesse de Clèves de Mme de La Fayette. En même temps que les petits romans parurent des récits encore plus brefs, sans rapport avec la veine satirique de Boccace et de La Fontaine : ceux-ci peuvent être appelés des nouvelles ; c'est le cas de la Princesse de Montpensier, de Mme de La Fayette.

XVIIIe siècle : le conte et la nouvelle

Le XVIIIe siècle vit se multiplier les récits courts intitulés contes. Les Romans et Contes de Voltaire illustrent le genre du conte philosophique. La nouvelle se différencie pourtant du conte en ce sens que, si elle peut être fantastique ou faire appel au surnaturel, elle ne comporte pas d'éléments relevant du merveilleux, puisqu'elle relate des événements réputés réels. En outre, la structure des contes comprend des invariants et des éléments codifiés qui sont des conventions définitoires du genre : les conventions génériques du conte, du conte de fées et du conte populaire, s'opposent à l'absence de conventions génériques qui caractérise la nouvelle. Il est vrai qu'un certain nombre de textes qui sont en fait des nouvelles peuvent s'intituler contes : c'est le cas des Contes cruels (1883) de Villiers de l'Isle-Adam, qui sont des récits dans la veine de ceux d'Edgar Poe, c'est le cas encore des Contes du chat perché (1934, 1950 et 1958) de Marcel Aymé, qui mêlent des éléments de merveilleux (les animaux qui parlent) à une évocation drôle de la vie à la ferme ; mais en réalité il s'agit là de variantes modernes et parodiques du genre du conte.

Plus complexe est l'interprétation générique des récits des romantiques allemands. Les contes de Tieck ( les Elfes, la Coupe d'or, le Runenberg), ceux d'Hoffmann ( le Vase d'or, Kreisleriana, la Princesse Brambilla) ou ceux de Friedrich de La Motte-Fouqué ( Ondine, la Mandragore), qui ne sont pas des contes traditionnels comme ceux de Grimm ou de Perrault ( Contes de Grimm et Contes de ma mère l'Oye), contiennent suffisamment d'éléments empruntés au féerique et aux légendes populaires pour former un sous-genre à part à l'intérieur du genre du conte.

XIXe et XXe siècles : définition du genre

C'est au XIXe siècle que la nouvelle est définie en tant que genre. Cette période marque le début de l'apogée de la nouvelle et simultanément le début de la réflexion sur ce type d'œuvre, répandu dans tous les pays d'Europe, et que les romanciers américains, tout particulièrement, contribueront à théoriser. Edgar Poe est un des auteurs à avoir produit une théorie du genre. Selon lui, la nouvelle se caractérise par une unité d'intrigue ; cette dernière doit en outre être tout entière conçue en vue de la chute. Les nouvelles de Poe sont exemplaires à cet égard. Ses Histoires extraordinaires (1839) notamment, qui sont très tôt connues en France grâce à la traduction de Baudelaire, illustrent parfaitement sa poétique de la nouvelle.

La construction dramatique de la nouvelle est caractérisée par une unité d'intrigue et par le petit nombre des personnages. Le début d'une nouvelle, si on le compare à celui d' un roman de facture traditionnelle (c'est-à-dire en gros à un roman dont le modèle narratif est le modèle balzacien), comporte des préliminaires très rapides et parfois un début in medias res. Le début in medias res (qui caractérise des œuvres aussi éloignées de la nouvelle que l'Odyssée ou Ulysse de Joyce) suppose une entrée en matière abrupte : il n'est pas obligatoire dans la nouvelle mais il lui convient bien. Les nouvelles les plus représentatives réduisent donc à quelques traits marquants les notations concernant le cadre spatio-temporel ou le cadre social ainsi que la description des personnages. Tout dans la narration est censé tendre vers un effet unique et vers une chute qu'une série d'indices permet de deviner par anticipation (ou bien ne permet pas de deviner, auquel cas la chute est une surprise).

Au XIXe siècle, les nouvelles des écrivains réalistes et naturalistes se multiplient, et entretiennent souvent des liens étroits avec le fantastique. Parmi les très nombreuses nouvelles écrites par Maupassant ( la Maison Tellier, 1881 ; Contes de la bécasse, 1883 ; Contes du jour et de la nuit, 1885 ; la Main gauche, 1889 ; l'Inutile Beauté, 1890), certaines, comme le Horla ou la Chevelure, sont des nouvelles fantastiques, qui instaurent une atmosphère d'angoisse croissante. Chez Barbey d'Aurevilly ( les Diaboliques), le réalisme s'accompagne également d'une inspiration fantastique, mêlée de mysticisme et d'un goût pour l'étrange qui trouve son expression dans le thème de la possession diabolique. Barbey d'Aurevilly aborde d'ailleurs le même thème dans son roman l'Ensorcelée : on constate que, de façon générale, il y a souvent une thématique identique dans la création romanesque et la création nouvelliste d'un même auteur.

Au XIXe siècle toujours, la veine réaliste-fantastique est illustrée par les nouvelles de Balzac ( Contes drolatiques, 1832-1837) et surtout celles de Mérimée ( Carmen, Colomba, l'Enlèvement de la redoute, Mateo Falcone, Tamango, la Vénus d'Ille, le Vase étrusque, la Partie de trictrac, Lokis, 1833-1845), qui sont caractérisées par leur densité, leur brièveté et la rapidité de la progression de l'intrigue.

La veine mystico-symboliste est représentée par Villiers de l'Isle-Adam ( Contes cruels, 1883 ; Histoires insolites, 1888 ; Nouveaux Contes cruels, 1888). Ses nouvelles les plus célèbres ( le Convive des dernières fêtes, la Torture par l'espérance, les Amants de Tolède, Véra, l'Amour sublime, la Maison du bonheur) sont caractérisées par un idéalisme mystique (plus romanesque que philosophique), par la création d'une atmosphère angoissante et par le caractère macabre du dénouement. C'est le tournant du siècle qui a inauguré le genre de la nouvelle humoristique, avec des auteurs comme Alphonse Allais ou Georges Courteline.

Il existe de nombreux concours de nouvelles en France, ouverts à tous. Les nouvelles demandées font généralement entre 4 et 50 feuillets. Les principaux prix décernés en France sont le prix Goncourt de la nouvelle, le prix Boccace et le prix Védrarias. Il existe également des prix pour les personnes mineures, comme le prix Clara (des éditions Héloïse d'Ormesson) et le prix Védrarias (de la ville de Verrières-le-Buisson).

Le domaine anglo-irlandais

Dans le domaine de la littérature anglaise, on doit à Oscar Wilde un recueil de contes et de nouvelles ( le Prince heureux, le Fantôme de Canterville, 1888) qui mêlent ironiquement le merveilleux et le quotidien. Il montre par exemple le terrifiant fantôme du manoir de Canterville aux prises avec une famille américaine particulièrement terre à terre, qui, parce qu'elle ne croit pas à l'au-delà, vient à bout de l'atmosphère gothico-médiévale du château.

La romancière néo-zélandaise Katherine Mansfield, qui passe toute sa vie en Europe, notamment en Angleterre, est l'auteur de nouvelles consacrées à l'évocation des moments fugitifs de l'existence, de ceux qui sont représentatifs de tous les autres ou de ceux où tout bascule ( Pension allemande, Prélude, Sur la baie, la Petite Gouvernante, Révélation, le Soleil et la Lune, Le vent souffle, la Maison de poupée). Ces récits ont été recueillis dans Prélude et autres histoires (1916), Félicité (1921) et la Garden Party (1922). Le seul recueil de nouvelles que l'on doit à James Joyce s'intitule Gens de Dublin (1914).

Parmi les nouvellistes américains, on citera naturellement Edgar Poe et ses Histoires extraordinaires (1839), parmi lesquelles on trouve des chefs-d'œuvre du genre, comme la Chute de la maison Usher, Bérénice, William Wilson ou Ligeia. Citons également Ambrose Bierce, auteur de nouvelles fantastiques, angoissantes et sardoniques ( Morts violentes, 1912) et Herman Melville ( Bartleby, Benito Cereno, 1856 ; Billy Budd, 1891). Henry James est l'auteur de plus d'une centaine de nouvelles ou de récits courts, parmi lesquels le Loyer du fantôme, la Pension Beaurepas, le Siège de Londres, Lady Barberina, Pandora, les Raisons de Georgina, les Papiers d'Aspern, l'Élève, l'Image dans le tapis, la Bête dans la jungle, les Deux Visages, Une série de visites, etc. Ces nouvelles, comme le reste de son œuvre, sont réunies et commentées par l'auteur lui-même dans des préfaces rétrospectives - en fait des postfaces - qui en exposent la structure narrative.

Depuis le début du XXe siècle, le genre de la nouvelle a donné naissance à une impressionnante quantité d'œuvres aux États-Unis, avec les quelque six cents nouvelles d'O. Henry, ( Des choux et des rois, 1904 ; les Quatre Millions, 1906 ; Cœurs du Far West, 1907 ; le Gentil Escroc, 1908), celles de Faulkner, de Sherwood Anderson ( Winesburg, Ohio, 1919), de Steinbeck ( Tortilla Flat, 1935 ; Rue de la Sardine, 1944), celles de Salinger ( Un jour rêvé pour le poisson-banane, 1950), de Carson McCullers ( la Ballade du café triste, 1951) et celles de Mary Flannery O'Connor ( A Good Man is Hard to Find, 1955 ; Complete Stories, 1971).

Si la nouvelle a été le genre par excellence de la littérature américaine, elle a été illustrée brillamment par les plus grands romanciers russes. Dostoïevski compose l'Éternel Mari (1870), Tchekhov la Cigale et la Chambre n° 6 (1891-1897), Tolstoï son Enfance (1852), les Cosaques (1863) ou encore la Sonate à Kreutzer (1891). Quant à Tourgueniev, on lui doit les Mémoires d'un chasseur (1852), Deux Amis (1854), Un coin tranquille (1854), Iakov Pasynkov (1855), Une correspondance (1856) et Premier Amour (1860).

Le domaine latino-américain

Les récits des écrivains argentins Borges et Adolfo Bioy Casares ont inauguré le genre de la nouvelle métaphysique et fantastique. Recueillies dans Fictions et dans l'Aleph, les nouvelles de Borges, Tlön Uqbar orbis tertius, les Ruines circulaires, Funès ou la Mémoire, Pierre Ménard, auteur du Quichotte, sont des récits érudits, savamment piégés, qui se jouent des conventions narratives mêmes : ils relèvent de la métaphysique-fiction. Dans les nouvelles de Bioy Casares, comme Six Problèmes pour don Isidro Parodi (1942), écrite en collaboration avec Borges, l'intrigue fantastique se double en revanche d' une enquête policière.

Nouvelle médiévale et classique

Nouvelle contemporaine

Arthur Conan Doyle (écossais, 1859-1930),

Luigi Pirandello (italien, 1867-1936)

Stefan Zweig (autrichien, 1881-1942)

Franz Kafka (1883-1924)

Jean de La Varende (1887-1959)

Paul Morand (1888-1976)

Katherine Mansfield (néo-zélandaise, 1888-1923)

Jorge Luis Borges (argentin, 1899-1986)

Marcel Aymé (1902-1967)

Marguerite Yourcenar (1903-1987)

Naguib Mahfouz (égyptien, 1911-2006)

Roald Dahl (gallois, 1916-1990)

Boris Vian (1920- 1959)

Daniel Boulanger (1922-)

Italo Calvino (italien, 1923-1985)

Éric-Emmanuel Schmitt (1960-)

Bernard Werber (1961-)

Amélie Nothomb (1967-)

Stephen King (1947- )

Ray Bradburry (1920-2012)

Charbel Tayah (libanais, 1953-)

Genres littéraires

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La nouvelle est un genre de fiction narrative en prose, qui se différencie du roman par sa brièveté, par le petit nombre de personnages, la concentration et l'intensité de l'action, le caractère insolite des événements contés. Toutefois, on remarque aisément que cette caractéristique formelle ne suffirait pas à la distinguer d'un conte ou d'un roman court...

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Genres littéraires

L'autobiographie

Présentation et définition du genre

L'autobiographie est un genre littéraire, qui se présente comme la biographie d'une personne réelle faite par elle-même.

Le mot autobiographie est formé de

auto-, élément provenant du grec autos qui veut dire " soi-même, lui-même " ;

biographie :

bio- élément provenant du grec bios qui signifie " vie ".

-graphie, élément du grec et veut dire " écrire ".

Les autobiographies, pour mériter leur titre, doivent être sincères et complètes avant tout. Elles pourraient se ranger, malgré ses innombrables nuances, sous trois rubriques qui représenteraient les principales tendances du cœur humain : les mystiques, les sceptiques, les sensualistes. Ces groupes sans doute n'ont rien d'absolu : les variétés sont infinies, et leurs couleurs chatoyantes mettraient souvent en défaut l'œil le plus exercé.

D'une autre part, l'autobiographie se caractérise par l'identité entre l'auteur (la personne qui écrit le livre), le narrateur (la personne qui dit " je " et qui relate l'histoire) et le personnage principal (l'auteur raconte sa vie, ses états d'âme, ses émotions, son évolution, il est le sujet de son livre). Cela suppose que l'auteur, le narrateur et le personnage principal aient le même nom.

Différenciation entre l'autobiographie et les autres formes voisines

La définition de l'autobiographie permet de différencier l'autobiographie de la biographie, où l'auteur raconte la vie de quelqu'un d'autre, généralement à la troisième personne (par exemple, la biographie consacrée à Chateaubriand par André Maurois, René ou la Vie de Chateaubriand). En outre, la biographie recherche l'objectivité et l'exactitude historique, alors que l'autobiographie est nécessairement subjective.

Il faut se garder, notamment, de confondre les autobiographies avec les mémoires, quoique dans ces derniers le narrateur se trouve aussi plus ou moins en scène. L'autobiographie est une confession, un développement psychologique, un drame intérieur mis à nu. L'auteur des mémoires n'est pas tenu de rendre compte de ce qui se passe au fond de l'âme. Il n'a promis au lecteur que des notes, des explications. Il écrit le commentaire de l'histoire. L'autobiographie, par contre, fait le roman du cœur.

L'autobiographie se distingue également de l'autobiographie fictive (ou autofiction) - où c'est un personnage différent de l'auteur qui dit " je " (les Mémoires d'Hadrien, de Marguerite Yourcenar) - et des mémoires, dans lesquels le narrateur et l'auteur sont bien une seule et même personne mais où le sujet qui dit " je " s'efface devant les événements, n'analyse pas sa personnalité et ne se présente que comme un acteur ou un témoin d'événements historiques (les Mémoires du cardinal de Retz, par exemple).

L'autobiographie se différencie aussi du journal par sa structure : le journal est certes une forme autobiographique, mais il n'est pas une autobiographie car il s'élabore au jour le jour, alors que celle-ci est un récit global et rétrospectif (le Journal d' André Gide n'est pas une autobiographie).

Enfin, si le roman autobiographique reprend des éléments très proches de la vie de l'auteur, il autorise des travestissements de la réalité (changement de noms de personnes, transformation de certains faits, etc.) que ne permet pas l'autobiographie : À la recherche du temps perdu, de Marcel Proust, n'est pas une autobiographie, car les noms des personnages, la structure chronologique et les faits ne correspondent pas exactement à la réalité.

En général, l'autobiographie se donne clairement comme telle : le mot " autobiographie " est souvent signalé sur la couverture du livre. Si cela n'est pas le cas, l'auteur indique de toute façon nettement au début de son ouvrage que c'est bien sa vie qu'il va raconter. Pour des raisons diverses (historiques, car le terme ne naît qu'en 1800 en Angleterre, ou idéologiques), certaines autobiographies s'intitulent parfois " Mémoires ", " Confessions ", " Journal " ou " Souvenirs ", c'est pourquoi il est nécessaire que l'auteur expose clairement la nature de son ouvrage. Il conclut alors avec le lecteur ce que le critique Philippe Lejeune appelle le " pacte autobiographique ", qui ne peut être implicite.

Évolution de l'autobiographie

L'autobiographie est issue de la culture européenne occidentale et chrétienne : elle hérite en effet de la pratique de la confession, qui est une analyse de l'individu par lui-même. Les premiers écrits proches du genre autobiographique sont d'ailleurs chrétiens : ce sont les Confessions de saint Augustin, qui présentent le tableau le plus vivant de ces âmes qui, longtemps ballottées entre le ciel et l'enfer, finissent par échapper an monde et à ses joies trompeuses, en se plongeant dans le sein de la divinité. Nous pouvons citer aussi les écrits (1561-1565) de sainte Thérèse d'Ávila, relayés plus tard par ce que l'on appelle les " vies ", comme la Vie de Cellini, par exemple.

Il faudra pourtant attendre le XVIIIe siècle et les Confessions de Jean-Jacques Rousseau pour voir apparaître la première autobiographie au sens moderne. Le genre autobiographique ne se développe en effet qu'avec l'émergence de la classe bourgeoise, qui va de pair avec celle de l'individu (l'individu étant une notion moderne et récente).

Le préambule des Confessions est riche d'enseignements sur la spécificité du projet autobiographique de Rousseau : l'individu s'y affirme dans son originalité, il veut peindre sa vie, sa personnalité, ses sentiments dans toute leur vérité, c'est-à-dire ne pas occulter les événements ou les aspects qui le montrent sous un jour peu favorable. L'objectif de Rousseau est de dégager a posteriori le sens de sa vie et de se justifier aux yeux de ses détracteurs.

À partir du XVIIIe siècle donc, les autobiographies, ainsi que les genres voisins comme le journal ou les Mémoires, se multiplient dans toute l'Europe. Au XIXe siècle, signalons les Mémoires d'outre-tombe de Chateaubriand, mais aussi la Vie de Henry Brulard, rédigée entre 1835-1836 par Stendhal (la transparence du pseudonyme Henry Brulard pour désigner Stendhal, Henri Beyle de son vrai nom, autorise à appeler ce texte une autobiographie).

Le genre a depuis assimilé l'apport des sciences humaines et de la psychanalyse, recentrant la problématique de l'autobiographie autour de l'analyse de la névrose et de la sexualité. Parmi les autobiographies importantes du XXe siècle, citons Si le grain ne meurt (1926), d' André Gide ; l'Âge d'homme (1939) et la Règle du jeu (4 volumes, 1948-1976), de Michel Leiris ; les Mémoires d'une jeune fille rangée (1958), la Force de l'âge (1960) et la Force des choses (1963), de Simone de Beauvoir, et les Mots (1964), de Jean-Paul Sartre.

Citons également Enfance (1983), de Nathalie Sarraute, le Miroir qui revient (1984), de Robbe-Grillet. Claude Roy et Marcel Jouhandeau ont également produit des textes autobiographiques.

Il semble que l'autobiographie et les genres autobiographiques voisins, dans une moindre mesure, soient devenus des sortes d'exercice obligé pour les auteurs contemporains.

→ À lire : Les confessions et les confidences. - Les Mémoires. - Les Confessions de J.-J. Rousseau. - La biographie.
Genres littéraires

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L'autobiographie est un genre littéraire, qui se présente comme la biographie d'une personne réelle faite par elle-même. Elle se caractérise par l'identité entre l'auteur, le narrateur et le personnage principal. Cela suppose que l'auteur, le narrateur et le personnage principal aient le même nom.

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La biographie
de l'Antiquité au XXe siècle

Vies exemplaires

Le terme biographie (du grec bios, " vie ", et graphein, " écrire "), histoire de la vie d'un personnage, est apparu seulement au XVIII e siècle, mais il correspond à un genre littéraire très ancien. Durant l'Antiquité, on s'intéresse aussi bien aux vies des philosophes qu'aux vies des grands hommes politiques (comme les Vies parallèles de Plutarque ou les Vies des douze Césars de Suétone). Au Moyen Âge, le genre s'illustre notamment dans les nombreuses vies de saints (dont la célèbre Légende dorée rédigée par le dominicain italien Jacques de Voragine), qui jouent un rôle d'édification essentiel dans la vie religieuse. Il se prolonge et s'enrichit à la Renaissance et à l'époque classique : sur le modèle de Plutarque, se multiplient les vies des hommes illustres, grands conquérants ou martyrs chrétiens, artistes ou savants dont la vie paraît mémorable. Ces vies exemplaires ont alors une fonction éducatrice, et sont la source première d'une réflexion sur l'homme. Elles concernent des êtres jugés dignes d'admiration, et se rapprochent donc souvent du genre de l'éloge.

Vies d'écrivains

Cet intérêt pour les vies décline à partir du XVIII e siècle, ainsi qu'au XX e siècle, tandis qu'une autre conception de l'histoire se met en place. S'il existe encore d'importantes biographies, aux enjeux idéologiques importants - Chateaubriand propose la biographie édifiante d'un réformateur d'ordre religieux dans la Vie de Rancé ; Renan écrit en 1863 une Vie de Jésus où il présente le Christ comme un homme et non comme un Dieu -, le roman, jusqu'alors méprisé, prend le relais de la biographie : les grandes sommes romanesques du XIX e siècle, telle La Comédie humaine de Balzac, cherchent, par d'autres voies, à peindre l'homme. À la faveur du mouvement romantique, l'intérêt pour l'individu entraîne un autre déplacement, celui de la biographie vers l'autobiographie.

Avec le développement de la critique littéraire à la fin du XIX e siècle, les vies d'écrivains occupent une place nouvelle : le critique Sainte-Beuve y contribue en grande partie, en s'efforçant d'expliquer les œuvres par la vie de leurs auteurs.

La biographie en question

S'opposant à Sainte-Beuve, Proust soutient au contraire qu'on ne saurait confondre celui qui écrit (l'auteur) et celui qui vit. Son point de vue a eu un grand retentissement sur la critique littéraire de ces dernières décennies, qui a délaissé l'approche biographique des œuvres.

Le genre biographique, considéré comme peu littéraire, est par ailleurs assez méprisé au début du XX e siècle. On assiste cependant au retour en force de ce genre depuis les années quatre-vingts. Toutes sortes de biographies sont en effet publiées, aussi bien de personnages historiques (rois de France, présidents de la République, résistants...) que d'écrivains, de peintres ou de ces nouveaux héros du monde moderne que sont les vedettes du sport ou du cinema. Les biographes aussi se sont diversifiés: ils sont historiens, journalistes, critiques d'art on romanciers. À cela s'ajoutent des vies de petites gens, de gens ordinaires, en rupture avec la tradition des " hommes illustres ". Enfin, à côté de biographies marquées par un souci croissant d'exactitude, au point de ressembler parfois à de véritables enquêtes policières, on trouve des biographies romancées, voire de fausses biographies.
Genres littéraires

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Vies exemplaires Le terme biographie (du grec bios, " vie ", et graphein, " écrire "), histoire de la vie d'un personnage, est apparu seulement au XVIII e siècle, mais il correspond à un genre littéraire très ancien.

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La poésie : Les genres de poésie :

L'acrostiche

Qu'est-ce qu'un acrostiche ?

Un acrostiche (du grec akros, " extrême " ; stichos, " vers ") est un poème ou une strophe, dont les vers sont disposés de telle manière que la lecture des premières lettres de chacun d'eux, effectuée de haut en bas, révèle un nom, une devise, une sentence, en rapport avec l'auteur, le dédicataire, le sujet du poème, etc.

Types d'acrostiches

Nous distinguons cinq sortes d'acrostiches : l'acrostiche simple, l'acrostiche double, le quintuple ou le pentacrostiche, l'acrostiche à l'envers et l'acrostiche à l'hémistiche.

L'acrostiche simple est le plus commun. C'est une pièce de vers composée de telle sorte que les premières lettres de chaque vers mises bout à bout forment un mot, un nom ou une expression. Si une série de lettres finales ou intermédiaires forme également une entité, on parle d' acrostiche double. Le quintuple ou le pentacrostiche est un acrostiche dans lequel le mot se lit cinq fois de suite à l'initiale des vers. L'acrostiche à l'envers est un acrostiche dans lequel la lecture des lettres initiales s'effectue de bas en haut. Enfin, l'acrostiche à l'hémistiche est un acrostiche où les lettres qui composent le nom à lire, se trouvent à l'initiale de l'hémistiche.

💡 L'hémistiche est la moitié d'un vers alexandrin réparti en deux mesures rythmiques de chaque côté de la césure.
→ À lire : La versification.

L'usage de l'acrostiche

L'usage de l'acrostiche est ancien. Il a souvent constitué une signature dissimulée, comme dans la fin de ce poème de François Villon, la Ballade pour prier Notre-Dame :

Vous portâtes, digne Vierge, princesse,
Jesus regnant, qui n'a ne fin ne cesse :
Le Tout Puissant, prenant notre foiblesse,
Laissa les cieux et nous vint secourir,
Offrit a ma mort sa tres chere jeunesse,
Notre Seigneur tel est, tel le confesse :
E n cette foi je veuil vivre et mourir.

L'acrostiche était au Moyen-Âge le moyen employé pour signer son nom ou désigner discrètement les personnes auxquelles on voulait montrer de la sympathie ou qu'on désirait honorer. C'est ainsi que dans la Ballade pour Robert d'Estouville ( Le Testament, 1461), François Villon, sous le voile de l'acrostiche, célébrera l'épouse du prévôt de Paris ; indépendamment des pièces où Villon se nomme sous cette forme.

Eustache Deschamps avait fait de même (Cf. Œuvres, t. XI). Il n'a pas manqué de s'adonner à ce genre d'exercice poétique si en honneur au XIVe siècle, et a dans plusieurs pièces reproduit sous cette forme son nom et celui de personnages auxquels il voulait plaire.

Au XIIIe siècle, Adenet le Roi dans son roman de Cleomadès avait dissimulé sous un acrostiche le nom de ses deux collaboratrices. Il est intitulé " La Roysne de France Marie et Madame Blanche ". Les deux personnages sont : La reine de France Marie de Brabant (1254-1321) épouse du roi Philippe III le Hardi et Blanche de France (1253-1320), fille de Saint-Louis.

💡 Adenet le Roi est un ménestrel et poète né vers 1240 dans le Brabant et mort vers 1300. Il est aussi connu sous les noms de Roi Adam, Li Rois Adenes, Adan le Menestrel ou Adam Rex Menestrallus.
💡 Eustache Deschamps, né vers 1340 à Vertus en Champagne et mort entre le 21 juin 1404 et le début de l'année 1405), de son vrai nom Eustache Morel, est un poète français qui a contribué à fixer les formes considérées comme typiquement médiévales par sa réflexion théorique dans L'Art de dictier, premier art poétique écrit en langue d'oïl en 1392.

Exemples d'acrostiches

LAURE :

Le ciel, qui la sauva de son propre penchant,
A la beauté du corps unit celle de l'âme;
Un seul de ses regards, par un pouvoir touchant,
Rendait à la vertu le cœur de son amant.
E lle embellit l'amour en épurant sa flamme.

(Pétrarque)

LOU :

( Guillaume Apollinaire, " Adieu ! ", in Poèmes à Lou, 4 février 1915)

JÉSUS / IESUS ; exemple en latin d'un acrostiche double :

Jure pari regnat, communis conditor aev I,
Et cum patre pla regnat sublimis in arc E,
Sidereo sanctis insidit numine regni S,
Unde mare et terras solo videt omnia nut U,
Suggerit humanis, et donat munera rebu S

(Source inconnue - Poète latin chrétien)

La Royne de France Marie (la reine de France Marie de Brabant) et Blanche de France :

Les dames qui ce me contèrent
Afaire ceft livre monstrèrent
Royaurnent leur humilité.
Or me doinst Diex que à leur gré
Yaie ma paine emploié.
Se li pri qu'il m'y aie;
Nommer les vueil, qu'en couvent l'ai,
En celt livre, & je le ferai.
Dont me convient bien aviser
En ce que l'en ne puist trouver
Fourme ne voie qui enseigne
Riens nule qui leur nons enfeigne
A ceux qui querre les voudront,
Ne dons riens jà n'en trouveront
Chose escripte, n'en ai pas soigne,
En quoi l'on me truist en mençoigne
Mès en vérité le plaisant.
Ace fait bon estre entendant,
Riens ne vaut chofe mençoinable :
Ie me tiens à la véritable.
E Diex! donnez-moi sens par quoi
Nommer les puisse si com doi,
Maintenant, se Diex me conssaut,
Ai nommée une qui mulit vaut,
Dont me convient l'autre nommer.
A Diex! tant parfont à amer,
Mult est chescune bonne & sage
En fais, en dis & en usage
Bien doivent à Dieu obéir
Liement, & cuer & cors offrir.
A dès mouteplieront en bien ;
Ne croi qu'en ele faille rien.
Cel don leur donna Diex sans doute :
Haïr leur sist mauvestié toute.
En leur cuers mist, ainssi le croy,
Amours pour lui amer en foy.
Nommées les ai, ce sachiez :
Ne cuit pas qu'entendu l'aiez,
N e je ne quier ne ne l' voudroie.

(Adenet le Roi, " La Roysne de France Marie et Madame Blanche ", in Cleomadès)
Genres littéraires

366 jours de poésie

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L'acrostiche est un poème ou une strophe, dont les vers sont disposés de telle manière que la lecture des premières lettres de chacun d'eux, effectuée de haut en bas, révèle un nom, une devise, une sentence, en rapport avec l'auteur, le dédicataire, le sujet du poème, etc.

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La poésie : Les genres de poésie :

Qu'est-ce que le lai ?

Le lai est un mot qui signifiait, au Moyen Âge, chanson ou plutôt récit chanté. Il s'agit d'une forme poétique médiévale d'origine bretonne, narrative ou lyrique, qui a été illustrée notamment par Marie de France mais dont la forme a varié à travers les époques.

Nous distinguons deux sortes de lais : le lai narratif et le lai lyrique.

1. Le lai narratif est un conte relativement court en octosyllabes (huit syllabes), à rimes plates et souvent marqué par le merveilleux. C'est le cas des lais de Marie de France.
Les lais narratifs prennent pour sujet une aventure merveilleuse, qui se rattache en général aux légendes arthuriennes ou au cycle de la Table Ronde. On les disait en s'accompagnant de la harpe ou de la rote.

2. Le lai lyrique est une forme poétique et musicale de longueur variable, en strophes plus ou moins complexes, en usage surtout aux XIVe et XVe siècles, comme les lais de Guillaume de Machaut, de Christine de Pisan.
Les lais purement lyriques parviennent à leur perfection technique au cours des XIIIe et XIVe siècles. Ce sont alors des poèmes d'un nombre de vers variables, dépassant rarement 300, partagés en principe en 12 strophes hétérométriques.

Le lai est donc d'origine celte. En Bretagne, il était conçu pour être chanté et accompagné de musique. Au XIIIe siècle, c'est Marie de France qui adapte le lai breton pour lui donner la forme d'un récit en vers, alliant les styles lyrique et narratif. Les Lais de Marie de France, qui sont de loin les plus célèbres du genre, sont des récits merveilleux, composés en vers, qui chantent l'amour courtois et qui sont particulièrement remarquables par la part inédite accordée à l'étude psychologique. Le sentiment tendre et mélancolique imprimé par Marie de France au genre lui-même est parfaitement marqué dans ce passage du Lai du chèvrefeuille à propos de Tristan et d'Iseut :

D'euls deus fu il tut autresi,
Cume del chevrefoil esteit,
Ki à la codre se preneit :
Quant il est si laciez et pris
E tut entur le fust s'est mis,
Ensemble poient bien durer.
Mais ki puis les volt desevrer,
Li codres muert hastivement
Et chevrefoil ensemblement
- Bele amie, si est de nus :
Ne vus sanz mei, ne mei sanz vus.

↓ Traduction française :

Et lors tous deux sont-ils unis
Tel le chèvrefeuille enlacé
Avec le tendre coudrier :
Tant qu'il est étroitement pris
Autour du fût où il se lie,
Ensemble peuvent-ils durer,
Mais qu'on vienne à les séparer,
Le coudrier mourra bientôt
Et le chèvrefeuille aussitôt.
- Or, belle amie, ainsi de nous :
Ni vous sans moi, ni moi sans vous.

(Traduction de Françoise Morvan, Actes sud)

À partir de cet exemple, nous remarquons bien que les lais de Marie de France, comme ceux du même temps, sont en vers de huit syllabes et ne sont pas assujettis à aucune combinaison particulière de rimes. Bientôt, au lieu d'être un récit continu, le lai devient une chanson proprement dite, avec des stances distinctes, voire même avec refrain. Le Lai de la dame du Fael, du même siècle, remplit déjà cette double condition de la chanson.

Origine du lai

L'origine du lai et de son nom a été l'objet de contestations sans intérêt réel. Les récits chantés, héroïques comme les chansons de geste ou fantastiques comme les romand d'aventures, se retrouvent chez tous les peuples sortis de la fusion des races saxonnes et latines. Peut-être y sont-ils nés d'anciens souvenirs littéraires celtiques ; toujours est-il que les vieilles légendes bretonnes y tiennent une grande place. Toutefois, on y trouve à côté de la " matière de Bretagne ", comme on dit pour les gestes, les deux autres " matières de France et de Rome ". L'étymologie du mot ne peut guère éclairer sur l'origine de la chose. Quelques-uns font venir lai du mot allemand lied, qui aurait déjà produit en latin le mot leudus, employé dès le VIe siècle par Fortunat. Mais lied et leudus peuvent venir tous deux de langues de l'Europe plus anciennes...

Caractéristiques du lai

Dans l'ensemble, le lai est caractérisé par sa construction mélodique symétrique, ainsi que par l'usage de refrains (répétition de vers à l'identique) et de variantes (répétitions de la structure rythmique et mélodique mais lexique différent).

Au XIVe siècle, cet aspect symétrique et l'usage de refrains sont systématisés dans les lais de Guillaume de Machaut, tandis que l'aspect narratif s'estompe au profit de la dimension lyrique. Le lai est soumis à des règles fixes et précises. On lui impose, tour à tour, d'avoir douze ou vingt-quatre couplets et on détermine l'agrément des rimes et l'ordre des vers de rythmes différents. Il finit par être confondu avec le virelai, qui en est la dernière transformation artificielle et savante.

Le lai utilise, en outre, de façon privilégiée les vers impairs (mais les Lais de Marie de France sont en octosyllabes). Au XVe siècle, il est écrit dans des vers de plus en plus courts, qui deviennent caractéristiques de cette forme.
Genres littéraires

Amours et merveille.

Les Lais de Marie de France

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Qu'est-ce que le lai ? Le lai est un mot qui signifiait, au Moyen Âge, chanson ou plutôt récit chanté. Il s'agit d'une forme poétique médiévale d'origine bretonne, narrative ou lyrique, qui a été illustrée notamment par Marie de France mais dont la forme a varié à travers les époques.

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Genres littéraires

Qu'est-ce que l'épître ?

L' épître (nom féminin) est une lettre missive, en prose, écrite par un auteur ancien. Par extension, l'épître est un genre littéraire en vers traitant de sujets variés (littéraires, moraux, religieux, etc.) à la manière d' une lettre, avec parfois une pointe badine ou satirique, comme les Épîtres de Boileau. L'épître est également une lettre missive, en prose, écrite par un apôtre ou un père apostolique et destinée à une communauté chrétienne ou parfois à un particulier.

Ce genre littéraire, distinct du roman épistolaire ou roman par lettres, se développe dans l'Antiquité avec Horace, le fondateur du genre. Il n'est point de genre de poésie plus libre, soit dans le choix des sujets, soit dans le choix des sujets, soit dans le choix du style, qui peut prendre tous les tons, s'élever jusqu'au sublime et descendre jusqu'au familier.

Les règles de l'épître

L'épître a ses règles comme lettre, et ce sont les mêmes que celles du style épistolaire. La lettre, qui consiste dans un entretien par écrit entre deux personnes éloignées, demande du naturel, de la facilité, de l'abandon, mais aussi de la correction et de l'exactitude. Le style de la lettre est simple, seulement plus ou moins léger, plus sérieux et plus enjoué, plus libre, plus familier ou plus réservé, plus modeste, plus respectueux, selon les convenances.

Les règles de l'épître comme lettre en vers se réduisent aux suivantes : que la réflexion et le travail s'y montrent plus que dans la lettre, et qu'elle ait au moins un degré ou de force ou d'élégance, en un mot, un degré de soin au-dessus de celui qu'elle aurait eu si on ne l'eût mise en prose.

L'épître n'a point de style déterminé. Elle prend le ton de son sujet, et s'élève ou s'abaisse suivant le caractère des personnes. C'est ainsi que l'épître de Nicolas Boileau à son jardinier exigeait le style le plus naturel, tandis que l'épître à Louis XIV sur le passage du Rhin, demandait le style le plus héroïque.

L'épître peut embrasser toute espèce de sujets. On y peut traiter de la morale, de la littérature, des grandes passions, s'y livrer à des sentiments doux et affectueux, peindre les mœurs et les ridicules, plaisanter, disserter, philosopher, enseigner, louer, blâmer, raconter, en prenant le ton qui convient à chaque sujet et en employant la mesure de vers le plus propre et la plus agréable. Boileau a peint le paysage du Rhin en vers dignes de l'épopée. Il a fait les peintures les plus gracieuses des douceurs de la paix et des agréments de la campagne. Il a, à l'imitation d'Horace, développé dans un style noble et plein de dignité les lois de la morale et du goût. Jean-Baptiste Rousseau a manié habilement les armes de la dialectique dans son Épître conte les impies et les libertins. Beaucoup d'autres poètes ont embelli du coloris de l'imagination ou des grâces du sentiment, les choses les plus simples et les événements les plus communs. Il n'est presque point d'objet qui ne puisse servir de matière à l'épître.

On compte cinq sortes d'épîtres : l'épître noble ou philosophique, l'héroïde, l'épître familière, l'épître mixte et l'épître dédicatoire.

L'épître philosophique

L' épître philosophique ou didactique est celle qui roule sur la morale, la religion, la politique, la littérature, les arts, les sciences, sur quelque grande passion, ou sur quelque fait important, comme le passage du Rhin par l'armée française dans la IVe Épître de Boileau.

Dans l'épître philosophique, la qualité dominante doit être la justesse et la profondeur du raisonnement. C'est un préjugé dangereux pour les poètes et injurieux pour la poésie, de croire qu'elle n'exige ni une vérité rigoureuse ni une progression méthodique dans les idées. Il est encore incontestable que dans l'épître philosophique on doit pouvoir presser les idées sans y trouver le vide, et les creuser, les approfondir sans arriver faux. Par conséquent, le poète fera en sorte que les pensées soient toujours vraies, solides, lumineuses, et bien enchaînées, et il s'appliquera à concilier la vivacité de l'imagination et l'enthousiasme de la poésie avec la progression méthodique des idées et la marche régulière de la raison.
L'épître didactique ou philosophique demande encore beaucoup de concision et de rapidité dans le style, un ton vif et animé, une tournure piquante, une peinture vive des mœurs et des caractères, afin de frapper l'imagination et de tenir l'attention éveillée.

Les peintures vives des grandes passions, les descriptions brillantes et pleines de feu, jointes au raisonnement, font un très bel effet dans l'épître philosophique, quand elles sont analogues au sujet. C'est ce qu'on peut voir dans celle de sur l'utilité de la retraite pour les gens de lettres.

Peindre les mœurs et les ridicules

Lorsque le poète veut peindre les mœurs et les ridicules, il doit en saisir les traits les plus frappants, et les présenter sous des images peu communes. Il répandra en même temps sur sa critique tout le sel et tout l'enjouement, toute la délicatesse et toutes les grâces qui pourront la rendre non moins agréable qu'instructive. Le cardinal de Bernis, dans son Épître sur les mœurs, après avoir fait un parallèle ingénieux du siècle des Bayard et de celui où il vivait, peint d'une manière très vraie et très intéressante l'inconstance des Français, asservis aux caprices de la mode.

Le poète peut aussi, appréciant les choses en vrai philosophe, prendre un ton grave et sérieux, lancer des traits vifs et piquants contre les défauts et les vives des hommes, et les tracer avec des couleurs mâles et vigoureuses. C'est qu'à fait Gresset dans sa Chartreuse :

Pourrais-je, en proie aux soins vulgaires...
le trône et l'autel.

L' héroïde est une épître en grands vers, composée sous le nom d'un héros, d'une héroïne, ou de quelque personnage célèbre des temps héroïques, ou au moins d'une époque déjà éloignée, comme Pénélope, Phèdre, Hermione, Héloïse, etc. Le poète doit, dès les premiers vers, exposer en peu de mots la situation du personnage et les motifs qui le font parler. L'héroïde est susceptible de tous les sentiments qui animent la tragédie. L'amour et la haine, la générosité, la fureur, la fermeté, le désespoir, peuvent s'y trouver tour à tour. Cependant, il semble qu'on ait consacré l'héroïde uniquement à l'amour. C'est resserrer dans les limites trop étroites un genre qui peut s'étendre plus loin. Les récits sont déplacés dans ces sortes d'épîtres, à moins qu'ils ne constituent la plus grande partie de l'intérêt, et qu'ils n'offrent des tableaux touchants et pathétiques. Ces poésies de pure invention demandent à être animées par une grande chaleur de sentiment et embellies par une richesse d'expression. La frivolité du fond ne peut pas passer que moyennant la beauté de la forme.

Ovide est l'inventeur de ce genre de poésie. Il nous met quelquefois sous les yeux les situations les plus touchantes et les plus pathétiques, avec toute la chaleur qu'elles peuvent avoir dans la bouche des personnages intéressés. Cependant, ce poète cherche trop à briller par les grâces du bel esprit et le faste des ornements. Nous citerons de lui une lettre de Pénélope à Ulysse.

, né efn 1732, dans l'Orléanais, mort en 1776, s'est acquis une certaine réputation dans ce genre par son Épître d'Armide à Renaud, et surtout par celle d' Héloïse à Abailard.

L' épître familière est celle qui roule sur des sujets peu élevés. Elle doit avoir un air de négligence et de liberté. C'est même ce qui la caractérise. Elle ne souffre point d'ornements étudiés. Une élégante simplicité, une plaisanterie aimable, un badinage léger, de la vivacité, des saillies, des traits d'esprit, mais qui paraissent n'avoir rien coûté : voilà ce qui doit en faire le plus bel agrément. L'épître familière admet le récit des faits les plus ordinaires, les plus petits détails, la description des objets les plus communs, pourvu que tout y soit exprimé avec grâce, comme dans la lettre d'Horace à Mécène, I, 7. Boileau, dans sa VIe Épître, oppose avec un charme enchanteur les plaisirs de la campagne à la vie inquiète et agité qu'on mène à la ville. De même, Voltaire a admirablement peint et loué le militaire français dans une lettre bien connue, qu'il a écrit du camp de Philippsbourg.

L'épître mixte et l'épître dédicatoire

L'épître familière est quelquefois mêlée de prose, et on lui donne alors le nom d' épître mixte. Cette sorte d'épître rentre dans le genre épistolaire, et doit en suivre toutes les règles. On peut, cependant, y mettre plus de finesse, de délicatesse ou d'agrément, mais il faut en exclure toute fiction sérieuse, toute peinture magnifique, toute idée ou tout sentiment trop relevé. Il n'est pas facile de réussir dans cette espèce de composition, parce qu'il faut une grande flexibilité de ton pour passer sans effort, dans le même sujet, des vers à la prose et de la prose aux vers.

L'épître dédicatoire est une lettre en vers qui contient la dédicace d'un livre, c'est-à-dire par laquelle on fait hommage d'un ouvrage à quelqu'un.

Les principaux poètes épistolaires

Nous n'avons point d'épîtres des Grecs. Nous ne savons même pas si ce genre était cultivé chez eux.

Chez les Latins, nous mentionnerons Horace, qui nous a laissé des épîtres philosophiques remarquables. Ovide a illustré le genre en composant des épîtres sentimentales ( Héroïdes, v. 20 av. J.-C.-15 av. J.-C.), autobiographiques ( Pontiques) de facture élégiaque.

Clément Marot mène l'épître à un sommet ( Épître au roi, 1519 ; Épître de Fripelipes, Épître du Dépourvu). Au XVIIe siècle, si François Le Métel de Boisrobert, désireux de maintenir l'ordre dans le domaine des lettres, s'attache à faire de l' Épître un modèle de discrétion, Paul Scarron, ennemi des genres sérieux, et Vincent Voiture, féru de galanterie, la modernisent. Nicolas Boileau, après avoir " abjuré " la satire pour l'épître, s'y fait plus serein pour dire son amour de l'" écriture polie " et sa haine de l'équivoque. Sachant choisir " avec discernement la forme littéraire appropriée ", Voltaire révèle dans l'épître un incontestable talent, tandis qu'outre-Manche Alexander Pope, poète horacien par excellence, conférait à ses Épîtres morales (1731-1735) une étonnante modernité.

Vingt et un livres du Nouveau Testament sont des épîtres attribuées, selon la tradition, aux apôtres ( Épître aux Romains, aux Corinthiens, aux Éphésiens, aux Hébreux). Dans la liturgie antérieure au Concile de Vatican II, l'épître est un passage de l'Ancien ou du Nouveau Testament et, le plus fréquemment, d'une Épître du Nouveau Testament, lu ou chanté à la messe ou début de la liturgie de la parole.

Notices biographiques

▪ Jacques Delille
Jacques Delille, souvent appelé l'abbé Delille, né à Clermont-Ferrand (Puy-de-Dôme) le 22 juin 1738 et mort à Paris dans la nuit du 1er au 2 mai 1813, est un poète et traducteur français. Sa gloire est assurée d'un coup par sa traduction en vers des Géorgiques de Virgile, qu'il publie en 1770. Delille est élu à l'Académie française en 1772, mais le maréchal de Richelieu intervient auprès de Louis XV pour faire annuler son élection au motif qu'il est trop jeune. Réélu en 1774, il est, cette fois, reçu par l'illustre compagnie. En 1782, la publication du poème des Jardins, sans doute l'œuvre la plus célèbre de Delille, est un nouveau triomphe, amplifié par le talent avec lequel l'auteur savait lire ses vers à l'Académie, au Collège de France ou dans les salons. Il meurt d'une attaque d'apoplexie dans la nuit du 1er au 2 mai 1813. Son corps est exposé pendant trois jours sur un lit de parade au Collège de France, le front ceint d'une couronne de laurier et, considéré comme le plus grand poète français, il reçoit des funérailles grandioses, suivies par une foule immense. Il est enterré au cimetière du Père-Lachaise.

▪ Charles-Pierre Colardeau
Charles-Pierre Colardeau, né à Janville le 12 octobre 1732 et mort le 7 avril 1776 à Paris, est un poète français. Les meilleurs poèmes de Colardeau - l'imitation de la Lettre d'Héloïse à Abailard de Pope, la traduction des deux premières Nuits d'Young notamment - portent témoignage de la sensibilité préromantique du XVIIIe siècle. Il a en outre créé le terme " héroïde " pour désigner les lettres en vers imaginaires de personnages célèbres. La minceur relative de son œuvre doit être attribuée selon les uns à une santé fragile - que confirme un décès prématuré à 43 ans - et pour les autres à une paresse proverbiale.

▪ Christine de Pizan
Christine de Pizan (ou, dans des textes plus anciens, Christine de Pisan), née à Venise en 1364 et morte au monastère de Poissy vers 1430, est une philosophe et poétesse française de naissance italienne. Elle est considérée comme la première femme écrivain de langue française ayant vécu de sa plume. Son érudition la distingue des écrivains de son époque, hommes ou femmes. Veuve et démunie, elle doit gagner sa vie en écrivant.
C'est une auteur prolifique, elle compose des traités de politique, de philosophie et des recueils de poésies. Elle se retire dans un couvent à la fin de sa vie, où elle écrit un Ditié de Jeanne d'Arc. On lui doit, entre autres, Cent ballades d'amant et de dame et la Cité des dames. Son travail majeur est accompli entre 1400 et 1418.

▪ Vincent Voiture
Vincent Voiture, né le 24 février 1597 à Amiens et mort le 24 mai 1648 (à 51 ans) à Paris, était un poète et prosateur français. Il obtient la protection du frère du roi, le duc d'Orléans, et fréquente l'Hôtel de Rambouillet où les " précieuses " lui font un succès. Voiture est élu à l'Académie Française le 27 novembre 1634. Sa " Lettre sur la prise de Corbie " attire sur lui l'attention favorable de Richelieu et il devient " Maître d'hôtel du Roi ". Ses écrits sont considérés comme représentatifs de la " préciosité ".

▪ Jean-Baptiste Rousseau
Jean-Baptiste Rousseau est un poète et dramaturge français, né à Paris le 6 avril 1669 (ou 1670) , et mort à Bruxelles le 17 mars 1741. Rousseau s'était essayé au théâtre mais sans succès. Plusieurs de ses Odes sacrées et de ses Odes profanes sont au nombre des plus beaux morceaux lyriques de la langue française ; il est cependant plus habile versificateur que grand poète. Il a créé la Cantate, et y a excellé ainsi que dans l'Épigramme, où il a souvent étalé un cynisme dont il s'est repenti plus tard. On a encore de lui des Épîtres et des Allégories fort médiocres. Sa Correspondance a été imprimée pour la première fois en 1749. Pour ses contemporains, Rousseau était considéré comme " le prince de nos poètes lyriques ". Lorsqu'il mourut, Lefranc de Pompignan lui consacra une ode magnifique dont Sainte-Beuve a dit avec malice qu'elle était la plus belle ode due à Rousseau.

▪ Jean-Baptiste Gresset
Jean-Baptiste-Louis Gresset, né le 29 août 1709 à Amiens où il est mort le 16 juin 1777, est un poète et dramaturge français. Dès 1730, il publie une Ode sur l'amour de la patrie. Un peu plus tard, il découvre le genre littéraire où il excellera : ce sera la poésie badine. Il a l'honneur d'être admis à l'Académie royale de Berlin, tout en déclinant l'offre du roi de Prusse de s'établir dans sa capitale. Il fonde, en 1750, l'Académie des sciences, des lettres et des arts d'Amiens, dont il est nommé président perpétuel. Il se marie en 1751.

▪ Le cardinal de Bernis
François-Joachim de Pierre, cardinal de Bernis, né le 22 mai 1715 à Saint-Marcel-d'Ardèche et mort le 3 novembre 1794 à Rome, est un diplomate, homme de lettres et prélat français qui était ambassadeur à Venise (1752-1755), ministre d'État (1757), secrétaire d'État des Affaires étrangères (1757-1758), chargé d'affaires auprès du Saint-Siège (1774-1794). Bernis est resté célèbre pour ses Mémoires, écrits dans le style plaisant de l'époque, où il conte les aventures de sa vie, dénonçant ses ennemis comme Mgr de Fleury et restant fidèle à ses amitiés, par exemple avec Mme de Pompadour.

▪ Ponce-Denis Écouchard-Lebrun, dit Lebrun Pindare, est un poète français, né le 11 août 1729 à Paris où il est mort le 31 août 1807. En 1760, Lebrun rencontre une nièce de Corneille, qui traversait une situation difficile, et écrit une ode pour la recommander à Voltaire qui adopte la jeune fille. Lebrun publie son ode et la correspondance qu'il avait eue avec Voltaire à cette occasion pour se glorifier de sa bonne action ce qui lui vaut les moqueries de Fréron à qui il riposte par deux violents pamphlets : La Wasprie (1761) et L'Âne littéraire (1761), qu'on attribue aussi à son frère, Jean-Étienne Écouchard-Lebrun de Granville. La versatilité politique d'Écouchard-Lebrun a durablement terni sa réputation jusqu'à faire oublier son œuvre poétique, dont les mérites sont pourtant réels, surtout dans un siècle peu doué pour la poésie. Il est l'un des rares poètes lyriques de son époque, méritant le surnom un peu ridicule de " Pindare français " qui lui est donné peut-être avec un peu de malice. Avec ses défauts et son mauvais caractère, il avait certes une haute idée de lui-même, mais elle était inséparable d'une haute idée de la poésie.

Bernard de Bonnard, dit le chevalier de Bonnard, né à Semur-en-Auxois le 22 octobre 1744 et mort dans la même ville le 13 septembre 1784, est un poète français. L'épreuve sentimentale subie à quinze ans donne à la poésie de Bonnard un caractère propre au XVIIIe siècle : à la différence de celle de ses amis Bertin, Dorat ou Pezay, elle n'est jamais libertine et se veut au contraire grave et élégiaque. On peut citer parmi ses poésies l'Épître à M. de Boufflers et l'Épître à un ami revenant de l'armée. Elles ont été publiées par Sautereau de Marsy en 1791 (1 vol. in-8º).

▪ François Le Métel de Boisrobert
François Le Métel de Boisrobert, né en 1589 à Caen et mort début avril 1662 à Paris, est un poète et dramaturge français. Boisrobert a composé 18 pièces de théâtre, dont 9 tragi-comédies. L'une de ses comédies, La Belle plaideuse (1655) est remarquable et passe pour avoir inspiré l'Avare de Molière. Il est également l'auteur de nombreuses poésies. Il a édité les Œuvres de Théophile (1627) et le Parnasse royal, ou Poésies diverses à la louange de Louis XIII et du cardinal de Richelieu (1635, 2 vol.). D'après Bernard de La Monnoye, il serait l'auteur des Contes licencieux qui ont paru sous le nom de son frère, Antoine Le Métel d'Ouville.
Genres littéraires

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Qu'est-ce que l'épître ? L' épître (nom féminin) est une lettre missive, en prose, écrite par un auteur ancien. Par extension, l'épître est un genre littéraire en vers traitant de sujets variés (littéraires, moraux, religieux, etc.) à la manière d' une lettre, avec parfois une pointe badine ou satirique, comme les Épîtres de Boileau.

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Les genres de poésie :

L'épitaphe

Qu'est-ce que l'épitaphe ?

Issu du grec epitaphios, " sur une tombe ", le terme désigne les inscriptions figurant sur les tombes ou sur les pierres tombales, mais également un petit poème célébrant la mémoire d'une personne disparue. Le poète y fait le plus souvent l'éloge du mort et il doit alors y mettre les grâces et les délicatesses du madrigal en prenant, cependant, un ton plus noble et plus élevé, et en résumant d'un trait la vie et le caractère de la personne qui en est l'objet.

L'épitaphe, étant faite pour être lue en passant, doit encore présenter un sens clair, précis et très facile à découvrir.

L'épitaphe à la gloire d'un mort est de toutes les louanges la plus noble et la plus pure, surtout lorsqu'elle n'est que l'expression vraie du caractère et des actions d'un homme de bien. Les vertus privées ont droit à cet hommage, comme les vertus publiques. Et les titres de bon parent, de bon ami, de bon citoyen, méritent bien d'être gravés sur le marbre.

Selon Agnès Verlet, " l'épitaphe donne à voir, sur l'espace de la pierre, l'inscription d'un nom, qui situe le mort dans l'histoire et préserve momentanément sa mémoire en lui accordant un peu de vie posthume. Elle met en espace le lien précaire qui unit la mémoire, le corps, la mort. Elle est mémoire de pierre. " (Agnès Verlet, " Épitaphes vagabondes ", 2000)

Dans la Grèce antique, l'épitaphe est un genre littéraire : c'est un éloge funèbre ancien. En littérature française, l'épitaphe est aussi un genre littéraire rimé : c'est surtout ce que l'on aimerait inscrire sur la pierre tombale de quelqu'un que l'on admire, ou, au contraire, que l'on n'apprécie guère. Supposée être inscrite sur le tombeau lui-même, une épitaphe peut débuter par ou par la formule plus moderne ou par leur pluriel ci-gisent et ici reposent.

Clément Marot, Pierre de Ronsard, Jean Antoine de Baïf ont écrit des épitaphes. Satiriques chez Marot, elles ont alors la forme de l'épigramme. Chez les poètes de La Pléiade, leur ton est plus recueilli et plus élégiaque.

L'épitaphe épigrammatique ou satirique

Parmi les épitaphes épigrammatiques, les unes ne sont que naïves ou plaisantes, les autres sont mordantes et cruelles. Voici un exemple d'une épitaphe amusante :

Ci-gît le vieux corps usé,
Du lieutenant civil rusé.

Lorsque la plaisanterie ne se porte que sur un léger ridicule et que l'objet est indifférent, on la pardonne et on peut en rire. Mais les épitaphes mordantes, insultantes et surtout celles qui sont calomnieuses, sont de tous les genres de satire le plus noir et le plus lâche. Il n'y a que les méchants et les scélérats flétris par l'histoire, dont l'honnête homme puisse se permettre de faire la satire sur leur propre tombeau. On peut citer en ce genre les épitaphes de l'Arétin et de Voltaire. L'épitaphe doit alors avoir toute la finesse et tout le piquant de l'épigramme.

Exemples d'épitaphes

Pluton ! Rabelais reçois,
Afin que toi, qui es le roi
De ceux qui ne rient jamais,
Tu aies un rieur désormais.

Il combattit les athées et les fanatiques. Il inspira la tolérance, il réclama les droits de l'homme contre la servitude de la féodalité. Poète, historien, philosophe, il agrandit l'esprit humain, et lui apprit à être libre.

Jean s'en alla comme il était venu,
Mangeant son fonds après son revenu,
Croyant le bien chose peu nécessaire.
Quant à son temps bien sut le dispenser,
Deux parts en fit, dont il soulait passer,
L'une à dormir, et l'autre à ne rien faire.

Mes chers amis, quand je mourrai,
Plantez un saule au cimetière.
J'aime son feuillage éploré ;
La pâleur m'en est douce et chère
Et son ombre sera légère
À la terre où je dormirai.

Priez le Je ne sais Qui - j'espère Jésus Christ

Sagan Françoise. Fit son apparition en 1954, avec un mince roman, Bonjour tristesse, qui fut un scandale mondial. Sa disparition, après une vie et une œuvre également agréables et bâclées, ne fut un scandale que pour elle-même.

Genres littéraires

366 jours de poésie

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Qu'est-ce que l'épitaphe ? Issu du grec epitaphios , " sur une tombe ", le terme désigne les inscriptions figurant sur les tombes ou sur les pierres tombales, mais également un petit poème célébrant la mémoire d'une personne disparue.

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Les genres de poésie :

L'épigramme

Qu'est-ce que l'épigramme ?

L'épigramme est une petite pièce de poésie qui présente, avec grâce et précision, une pensée délicate, fine, ingénieuse, quelquefois naïve, mais le plus souvent mordante et satirique et toujours intéressante.

La matière de l'épigramme est très étendue : elle s'élève à ce qu'il y a de plus noble dans tous les genres, elle s'abaisse à ce qu'il y a de plus petit ; elle loue la vertu, censure les vices et les abus, fronde les ridicules, venge le public des impertinences d'un fat, d'un sot. Il semble, cependant, qu'elle se trouve beaucoup mieux dans les genres simples ou médiocres que dans les genres " élevé ", parce que son caractère est l'aisance et la liberté.

Le caractère de l'épigramme

L'épigramme, chez les Anciens, n'était le plus souvent qu'une simple inscription. Ce caractère de simplicité est d'autant plus sensible qu'on remonte plus avant dans l'Antiquité. D'abord, il suffisait que l'épigramme fût courte, d'un sens clair et juste. Peu à peu, on a y mis plus d'art et de finesse, et on a cherché à en aiguiser la pointe. Les nombreuses épigrammes des Grecs, réunies sous le nom d' Anthologie ou bouquet de fleurs, ne sont guère que des inscriptions pour des offrandes religieuses, pour des tombeaux, des statues, des monuments. Elles sont pour la plupart d'une extrême simplicité. C'est assez souvent l'exposé d'un fait, quoiqu'il ne soit pas rare d'en trouver de très délicates, de très ingénieuses et de très fines.

Exemple d'une épigramme sur la rose : " La rose n'a qu'un instant de vie : passez-vous sans la cueillir, vous avez beau la chercher ensuite, au lieu de roses, vous ne trouverez plus qu'un buisson. "

Chez les Latins, Catulle (né à Vérone, 86 av. J.-C.) a fait un grand nombre d'épigrammes qui se distinguent souvent par un tour heureux et délicat, ainsi que par la douceur, le sentiment et la naïveté.

Martial (né en Espagne, l'an 40) a laissé 13 livres d'épigrammes sur lesquelles il a porté lui-même le jugement suivant :

Je t'offre, ami lecteur, au livre que voici
Du bon, du médiocre et du mauvais aussi.
Tu riras de l'aveu ; n'importe.
Hé ! Quel livre est fait d'autre sorte ?

Martial a aiguisé l'épigramme plus que ses prédécesseurs. Il est plus vif, plus fort et plus serré que Catulle ; mais l'un et l'autre ne doivent être lus qu'avec une grande précaution à cause des obscénités qu'ils renferment.

En France, il n'y a guère de poètes qui n'aient fait quelques épigrammes. On estime celle de Marot, de Saint-Gelais, de Gombaut, surtout pour la naïveté ; celles des autres auteurs, comme Maynard, Racine, Boileau, Rousseau, sont dans le genre gracieux ou satirique, selon le caractère du poète ou l'occasion qui leur a donné naissance. Depuis le XVIe siècle, et surtout aujourd'hui, l'épigramme, si elle s'applique encore parfois à une pensée ingénieuse, ou même à une naïveté, est le plus souvent mordante et satirique.

Les différentes parties de l'épigramme

Il y a nécessairement deux parties dans l'épigramme : l'une qui est l'exposition du sujet, de la chose qui a produit ou occasionné la pensée ; et l'autre est la pensée même, ce qu'on appelle la pointe, c'est-à-dire ce qui pique le lecteur, ce qui l'intéresse.

La première partie doit être simple, claire, aisée, et doit rejeter tout ce qui est languissant et superflu. La pensée ou pointe qui consiste dans un trait plaisant, ingénieux ou inattendu, et qui constitue ce qu'on appelle le sel de l'épigramme, doit être rendue d'une manière vive et agréable.

Un certain sot de qualité,
Lisait à Saumaise un ouvrage,
Et répétait à chaque page :
Ami, dis-moi la vérité.
Ennuyé de cette fadaise,
Ah ! Monsieur, répondit Saumaise,
J'ai de bons auteurs pour garants
Qu'il ne faut jamais dire aux grands
Des vérités qui leur déplaise.

L'épigramme doit-elle être intéressante ?

La pensée de l'épigramme doit toujours être intéressante. C'est même le trait distinctif de ce poème. L'intérêt, d'ailleurs, ne lui vient pas seulement de la chose elle-même, mais aussi de la manière dont la chose est présentée. Ainsi il y a deux manières d'intéresser dans l'épigramme : par le fond et par le tour.

Les défauts de l'épigramme

Sans parler de certaines obscénités contenus dans les épigrammes, on peut signaler la diffamation et quelques défauts qui ont rapport au goût, comme la fausseté dans les pensées, les équivoques tirées de trop loin, les pensées basses et les hyperboles exagérées.
Genres littéraires

La poésie moderne et la structure d'horizon

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Qu'est-ce que l'épigramme ? L'épigramme est une petite pièce de poésie qui présente, avec grâce et précision, une pensée délicate, fine, ingénieuse, quelquefois naïve, mais le plus souvent mordante et satirique et toujours intéressante.

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Les genres de poésie :

Qu'est-ce que l'élégie ?

L'élégie est une forme littéraire qui est définie, dans l'Antiquité, par sa métrique, avant d'être associée à une thématique où domine l'expression de la souffrance et de la mélancolie.

À l'origine, le mot " élégie " désigne dans la littérature grecque et latine un poème composé en distiques (strophe de deux vers) formés d'un hexamètre (vers de six pieds) et d'un pentamètre (vers de cinq pieds). Les élégies classiques étaient souvent des chants de lamentation (comme l'indique son étymologie latine, elegia, du grec elegeia, " chant de deuil "), mais elles traitaient en réalité de thèmes fort divers comme l'amour, la guerre ou la vie de la cité. Chez les Anciens, des poètes comme l'Alexandrin Callimaque et le Latin Catulle pratiquent l'élégie sous sa forme d'origine, mais pour exprimer exclusivement la souffrance.

C'est à partir de la Renaissance que l'élégie, introduite en France par le traité Défense et Illustration de la langue française (1549) de Joachim Du Bellay, cesse d'être déterminée par sa forme pour se distinguer davantage par sa thématique : invariablement mélancolique, voire funèbre, elle évoque la nature heureuse et menacée, le désespoir amoureux du poète et l'angoisse de la fuite du temps. C'est dans cette veine que Pierre de Ronsard compose ses Élégies, mascarades et bergeries et Du Bellay ses Regrets.

À l'époque classique, il n'y a que de rares auteurs, comme Mathurin Régnier, Théophile de Viau ou Jean de La Fontaine, pour pratiquer l'élégie ; les poètes français dans leur ensemble, tels François de Malherbe et Nicolas Boileau, se montrent plus enclins à codifier la versification et les genres poétiques qu'à exploiter la sensibilité élégiaque. Boileau, dans son Art poétique, consacre d'ailleurs l'élégie comme un genre poétique secondaire au même titre que le sonnet, l'ode ou l'idylle, par opposition aux grands genres, que sont la tragédie, l'épopée ou la comédie.

Il faudra attendre le XVIIIe siècle et la Renaissance néoclassique pour voir l'élégie renaître et réinvestir l'inspiration poétique, notamment avec André Chénier et Évariste Parny.

Bien que considérée comme une expression mineure de la poésie lyrique, la poésie élégiaque a depuis lors animé des œuvres poétiques fort diverses, telles que celles de Maurice de Guérin, Lamartine, Marceline Desbordes-Valmore, mais aussi certains textes en prose de Sainte-Beuve et de George Sand. C'est cette même veine qui inspire les complaintes de Verlaine, la spiritualité bucolique de Francis Jammes, le symbolisme sentimental d'Albert Samain.

En Angleterre, à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle, l'élégie a plus de succès qu'en France, car les poètes élisabéthains, Edmund Spenser, sir Philip Sidney, John Donne notamment, travaillent à donner ses lettres de noblesse au genre, puis Milton établit cette forme avec Lycidas (1637). En outre, la plus célèbre pièce en langue anglaise reste l'Élégie écrite dans un cimetière de campagne (1751) de Thomas Gray. Ajoutons à cette liste les noms de Tennyson et de Shelley, qui, avec sa lamentation pour Keats, Adonais (1821), prolonge cette tradition élégiaque.

La marche de l'élégie

L'élégie a une marche très irrégulière et très difficile à saisir. Elle se refuse à tout ordre, à tout arrangement ; tandis que dans l'ode, on peut encore se tracer un plan, et parcourir un cercle déterminé. Il ne faudrait pas croire cependant que tout soit permis dans l'élégie, et que le succès y soit facile. Ce genre de poème, en effet, doit toujours être naturel ; par conséquent, il réprouve et les excès de l'imagination, et l'exagération du sentiment, et l'abus de l'esprit, parce que ces défauts ont pour résultat de le rendre froid, fade, langoureux, ou chargé d'ornements frivoles, non moins ridicules que déplacés.

La véritable douleur n'a point de langage étudié, de style pompeux. Le style de l'élégie doit être simple, naturel, sans apprêt, doux et tendre. Les images riantes ont aussi leurs grâces particulières, quand elles forment un contraste avec la situation du poète ou de ses personnages ; mais elles doivent être employées avec beaucoup de retenue, parce qu'il s'agit moins ici de peindre des objets gracieux que d'exprimer des sentiments délicats et tendres. Un certain désordre, un air de négligence et d'abandon vont bien à la douleur. Mais tout ce qui offre l'appareil de l'étude et du travail, tout ce qui sent l'affectation et la recherche est opposé au caractère de l'élégie, non seulement lorsqu'elle exprime la douleur ou de la tendresse, mais encore lorsqu'elle décrit en passant des objets gracieux. Que le cœur soit vivement pénétré, et il suggérera à l'esprit des pensées, des images, des comparaisons analogues et proportionnées au sentiment. Toutes ces règles trouvent leur application dans une élégie de Mollevaut sur la mort de sa sœur, dans celle de Millevoye intitulée l'Anniversaire, où l'on trouve une exquise sensibilité et une douce mélancolie, et dans les plaintes de La Fontaine sur la disgrâce de Fouquet.

La forme de l'élégie, chez les Grecs et les Latins, était le distique. Les Anciens appelaient poème élégiaque celui qui était en vers hexamètres et pentamètres entrelacés, et le nom d'élégie tenait alors à la forme du poème aussi bien qu'au fond des choses.

En France, il n'y a point de forme particulière pour ce genre de poésie ; et on ne le distingue guère que par la nature même du sentiment qui y est exprimé. Le poète élégiaque est toujours parfaitement libre dans le choix du mètre ; mais assez souvent il adopte la forme de l'ode.

Les différentes sortes d'élégies

L'élégie, chez les Anciens, s'est quelquefois confondue avec d'autres genres, à cause de la grande liberté dont elle jouissait alors. C'est ainsi que nous la voyons prendre la forme de la pastorale dans l'idylle de Moschus sur la mort de Bion, ainsi que dans la Mort de Daphins, par Virgile ; et celle de l'ode, dans la pièce adressée à Virgile, par Horace, sur la mort de Quintilius Varus, leur ami. La poésie dramatique, elle-même, nous offre des pièces élégiaques, par exemple, le monologue si beau et si touchant qui sert de début à l'Andromaque d'Euripide. Mais, si nous voulons spécifier davantage le genre élégiaque, nous trouverons deux sortes d'élégies : l'élégie ou poésie érotique, qui est le chant de l'amour heureux ou malheureux ; et l'élégie proprement dite, qui s'étend à tout le reste. Ces deux espèces d'élégies suivent également les règles que nous avons fait connaître.

Les genres de l'élégie

Le ton de l'élégie varie en étendue et en élévation suivant que l'impression, produite ordinairement par le malheur, est plus ou moins forte, et donne au cœur plus ou moins de puissance pour exprimer ses sentiments. C'est pour cela qu'on a partagé l'élégie en trois genres : le passionné, le tendre et le gracieux. En général, le sentiment domine dans le genre passionné. On fait un usage trop fréquent de la mythologie, et on montre quelquefois trop d'érudition et d'art. L'imagination domine dans le genre gracieux. Le poète est généralement doué de beaucoup de goût, de grâce et de naturel. Enfin, l'émotion douce et tranquille règne dans l'élégie tendre.

Exemples d'élégies

● Joachim Du Bellay

Je cherche le repos, et trouver ne le puis,
J'embrasse le plaisir, et n'éprouve qu'ennuis,
Je n'aime à discourir, en raison je me fonde :

J'ai le corps maladif, et me faut voyager,
Je suis né pour la Muse, on me fait ménager :
Ne suis-je pas, Morel, le plus chétif de monde ?

( Joachim Du Bellay, Les Regrets, XXXIX, 1558)

● Guillaume Apollinaire

Vienne la nuit sonne l'heure
Les jours s'en vont je demeure

Vienne la nuit sonne l'heu
Les jours s'en vont je demeure

Vienne la nuit sonne l'heure
Les jours s'en vont je demeure

Vienne la nuit sonne l'heure
Les jours s'en vont je demeure

(Guillaume Apollinaire, Alcools, 1912)

Genres littéraires

366 jours de poésie

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Qu'est-ce que l'élégie ? L'élégie est une forme littéraire qui est définie, dans l'Antiquité, par sa métrique, avant d'être associée à une thématique où domine l'expression de la souffrance et de la mélancolie.

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Les genres de poésie :

L'ode héroïque ou pindarique

Qu'est-ce que l'ode ?

L'ode (n.f.) était le nom donné, chez les Grecs, à tout poème lyrique qui pouvait être chanté, et qui se distinguait en cela de l'élégie. Telles sont les odes de Pindare et d'Anacréon. Chez les modernes, l'ode est un petit poème lyrique, dans lequel le poète exhale les sentiments les plus intimes de son âme, et qui est partagé en un certain nombre de stances ou strophes presque toujours semblables ou symétriques pour le nombre et la mesure des vers, ainsi que pour la combinaison des rimes.

Qu'est-ce que l'ode héroïque ?

L'ode héroïque ou pindarique est un poème lyrique qui traite de sujets grandioses, dans un style noble. Elle célèbre les hauts faits, le génie, les talents, les vertus éclatantes des grands hommes dans tous les genres, des héros vainqueurs dans les combats, des souverains, des hommes d'État, des magistrats illustres, etc. Elle peut s'étendre aussi à tout ce qui intéresse vivement les nations, comme les événements heureux ou malheureux ; et alors elle comprend toutes les odes qui ont pour principe et pour base l'amour de la patrie.

ℹ️ Info ℹ️
L'ode héroïque est appeléeode pindarique parce que Pindare s'est distingué dans ce genre d'ode.

Quel est le caractère dominant de l'ode héroïque ?

La nature du sujet qui est grand et élevé, demande que l'ode héroïque, comme l'ode sacrée, ait pour caractère dominant la noblesse, l'élévation et même le sublime dans les pensées et dans le style. Cette ode aime une marche libre et fière de la verve et de la chaleur, de la richesse dans les images, de la variété dans les mouvements. Si elle chante la gloire des vainqueurs, elle doit inspirer la valeur, le mépris de la mort, l'amour de la patrie, de la liberté et de la gloire. Dans ce genre, les chants prussiens sont à la fois des modèles d'enthousiasme et de discipline. L'ode héroïque doit avoir en même temps un caractère religieux.

Quelles sont les plus belles odes héroïques ?

Les odes de Pindare sont des odes héroïques. Horace en a aussi un certain nombre, parmi lesquelles on doit ranger les plus belles du livre III, et quelques-unes du livre IV. Il en est de même de J.-B. Rousseau, dont nous ne nommerons ici que l'ode au prince Eugène de Savoie, celles qui sont adressées aux princes chrétiens, sur l'armement des Turcs contre Venise en 1715, à Malherbe contre les détracteurs de l'antiquité, et l'ode sur la bataille de Péterwaradin. On trouve anssi des odes héroïques chez les poètes dont les noms suivent Tyrtée, Ossian, Malherbe, Théophile, Lefranc de Pompignan, Lebrun, Casimir Delavigne, Victor Hugo, Chênedollé, Lamartine, Gleim, Klopstock et Arriaza.

Supplément : Qui est Pindare ?

Pindare (518-438 av. J.-C.) est un poète lyrique grec, qui a connu, de son vivant, un immence succès.

Issu d'une grande famille d'aristocrates doriens, il est né à Cynocéphales, près de Thèbes, et a étudié l'art lyrique avec la fameuse poétesse Corinne, qui lui aurait déconseillé d'avoir systématiquement recours aux allusions mythologiques dans ses œuvres.

Ses quatre livres d'odes triomphales ( Épinicies), dédiées aux vainqueurs des quatre grands jeux nationaux, sont parvenus jusqu'à nous ( Olympiques, Pythiques, Néméennes, et Isthmiques).

On lui doit aussi des hymnes, des péans, des thrènes et des dithyrambes, qui sont souvent des œuvres de commandes et qui témoignent de sa réputation dans l'ensemble du monde hellénique. Celle-ci a dépassé même les frontières et lui valut notamment d'être invité en Sicile par le roi de Syracuse, Hiéron Ier.

On dit que dans les dernières années de sa vie, sa renommée était si grande que lorsque Alexandre le Grand a mis Thèbes à feu et à sang, en 335 av. J.-C., il a épargné sa maison.
Note
1. Anacréon (en grec ancien Anakréôn), né vers 550 av. J.-C. à Téos, en Ionie, mort vers 464 av. J.-C., est l'un des plus grands poètes lyriques grecs avec Alcée de Mytilène et Sappho. Il est surnommé Le chantre ou le vieillard de Téos. ▲
Genres littéraires

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L'ode héroïque ou pindarique est celle qui célèbre les hauts faits, le génie, les talents, les vertus éclatantes des grands hommes dans tous les genres, des héros vainqueurs dans les combats, des souverains, des hommes d'État, des magistrats illustres, etc.

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Les genres de poésie :

Qu'est-ce que l'ode ?

L'ode (n.f.) était le nom donné, chez les Grecs, à tout poème lyrique qui pouvait être chanté, et qui se distinguait en cela de l'élégie. Telles sont les odes de Pindare¹ et d'Anacréon. Chez les modernes, l'ode est un petit poème lyrique, dans lequel le poète exhale les sentiments les plus intimes de son âme, et qui est partagé en un certain nombre de stances ou strophes presque toujours semblables ou symétriques pour le nombre et la mesure des vers, ainsi que pour la combinaison des rimes.

Tout ce qui agite l'âme avec violence, tout ce qui lui cause une émotion douce, tout ce qui l'impressionne et fait naître en elle un enthousiasme véritable, peut devenir la matière de l'ode.

Ce poème n'est pas distingué des autres genres par la nature des sujets qu'il traite, puisque ces sujets sont très variés ; la seule différence qui existe, c'est que, dans les autres poèmes, le récit des actions est plus fréquent, tandis que dans l'ode, ce sont les sentiments portés jusqu'à l'enthousiasme qui dominent. L'ode est un chant, c'est un cri produit par l'énergie du sentiment ; le poète y paraît agité, échauffé par un sujet qui l'inspire. C'est en cela qu'elle diffère aussi des autres poésies lyriques, et surtout de l'élégie, où le poète s'abandonne languissamment au sentiment qui l'occupe.

Quel est le principal caractère de l'ode ?

Le caractère essentiel, l'âme de la poésie lyrique, et surtout de l'ode, c'est l'enthousiasme, c'est l'inspiration.

L'enthousiasme ou fureur poétique eat un sentiment vif et profond d'admiration, de joie, de colère, de tristesse, etc., produit par une idée vive et saillante dont l'imagination est fortement frappée à la vue de l'objet qu'elle se représente. L'enthousiasme ne consiste pas dans un délire factice qui porte pour certains poètes à parler de leur feu, de leur sainte ivresse, etc., ni dans des apostrophes comme celles-ci : Que vois-je ? qu'entends-je ? où-suis je ? où vais-je ? quel transport m'égare ? Ces formules supposent l'enthousiasme, mais elles ne peuvent ni le faire naître, ni le supplier.

Quel sont les privilèges et les règles de l'ode ?

L'enthousiasme est le caractère principal de l'ode ; mais il n'est pas le seul. La marche si vive et si libre de l'enthousiasme donne lieu à des débuts hardis, à des écarts et à des digressions qui produisent un certain désordre apparent : c'est ce qu'on appelle les caractères ou les privilèges de l'ode. D'un autre côté, l'enthousiasme, à cause de son impétuosité, ne peut durer longtemps, et le poète, malgré ses écarts, rapporte tout au sentiment qui le domine : de là se déduisent lea deux règles de l'ode : la brièveté et l'unité.

Quel doit être le début de l'ode ?

Le début de l'ode doit être en général hardi, saisissant, pompeux et solennel. En effet, quand le poète saisit la lyre, on le suppose fortement frappé des objets qu'il se représente : son sentiment est alors porté au plus haut point. Dans cette situation de l'âme, comment pourrait-il s'annoncer par un début simple, tranquille, mesuré ? Emporté par la fougue de son imagination brûlante, et par les mouvements de son cœur vivement ému, il part comme un torrent qui rompt sea digues, et chante tout à coup sur un ton élevé. On voit dès le début toute la chaleur de son âme, et tout l'enthousiasme dont elle est remplie. Les premiers vers doivent toujours être du nombre des plus beaux ; et Ie poète, s'il a du goût, doit s'arrêter dès qu'il commence à descendre. L'ode n'est pas toujours également passionnée : il est clair que dans les sujets moins élevés, le début n'aura point un ton si imposant, puisqu'il doit être en harmonie avec l'ensemble du morceau.

Quel doit être la conclusion de l'ode ?

L'ode doit s'élever, dès le début, à un haut degré de magnificence, et à cause de l'enthousiasme du poète, et à cause de l'impression qu'il est obligé de faire tout d'abord sur les esprits. Il n'est donc guère possible que l'ode monte plus haut que son début. En général, on demande que le poèe se soutienne jusqu'à la fin à la même élévation. C'est un athlète qui s'est élancé dans la carrière, et qui doit toujours courir avec la même vitesse : s'il ralentit sa course, iI perd la couronne qui l'attendait. Le poète lyrique nous a fait dans son début une impression des plus vives : il faut que cette impression soit durable. Son âme échauffée d'un feu divin, nous a embrasés de la même flamme : il faut que ce feu conserve jusqu'au bout sa force et son activité.

Quel doit être le style de l'ode ?

Le style de l'ode varie suivant la diversité des sujets. Dans les sujets nobles et élevés, le poète, après nous avoir ouvert tous les trésors de la poésie, doit en étaler à nos yeux toute la richesse et toute la magnificence. C'est alors qu'il nous élève, nous enchante et nous transporte, en unissant au sublime des sentiments et à la hardiesse des pensées toute l'énergie et la pompe des expressions, tous les charmes d'une harmonie soutenue et toujours ravissante. Tantôt ce sera une peinture qu'animeront lea traits les plus vifs et les plus frappants, et que suivront de grandes et nobles idées rendues avec une singulière véhémence de style, comme dans les strophes de l'Ode a la fortune, de Jean-Baptiste Rousseau : " Quels traits me présentent vos fastes... Juges insensés que nous sommes... " Tantôt ce seront des comparaisons riches et multipliées qui nous présenteront les objets dans toute leur grandeur, dans toute leur beauté, comme celle que nous offre l'Ode aux princes chrétiens sur l'armement des Turcs : " Comme un torrent fougueux... La Palestine enfin, après tant de ravages... " Tantôt, ce sera un enchaînement de figures vives et saillantes qui donneront aux pensées un nouveau degré de force et d'élévation.
Si le sujet est simple et riant, le style aura de la douceur, de l'élégance et de la variété.
" Tantôt, comme une abeille ardente à son ouvrage,
L'ode s'en va de fleurs dépouiller le rivage. "

La forme de l'ode antique

La forme de l'ode a varié suivant le goût des différents peuples. Chez les Grecs, elle était ordinairement partagée en stances, qu'ils appelaient " formes ". Ces stances avaient différents noms. Il y avait la strophe, l'antistrophe et l'épode. Les strophes symétrisaient avec les antistrophes, et les épodes entre elles. La strophe commençait, mais venaient l'antistrophe et l'épode, et ainsi de suite jusqu'à la fln du morceau. Ces stances étaient toujours accompagnées du chant et de la danse. Les danseurs tournaient à droite pendant la strophe ; pendant l'antistrophe ils tournaient à gauche en revenant sur eux-mêmes ; enfin, pendant l'épode, qui était toujours plus courte, ils faisaient tous leurs mouvements sans tourner ni d'un côté ni de l'autre. C'est dans cette forme que sont faites les odes de Pindare, et la plupart des chœurs dramatiques.

Alcée⁴, Sappho⁵ et d'autres lyriques avaient inventé avant Pindare d'autres formes, où on mêlait des vers de différentes espèces, avec une symétrie qui revenait beaucoup plus souvent. Ce sont ces formes qu'Horace⁶ a suivies.

La forme de l'ode moderne

Chez les modernes, et chez les Français en particulier, presque toujours les stances qui partagent l'ode sont régulières ou symétriques. L'assortiment et le nombre des vers est à peu près au choix et à la disposition du poète ; mais la première strophe, dans le premier cas, et les deux premières dans le second, une fois assorties, doivent servir de règle à toutes les autres. On rencontre aussi, mais beaucoup plus rarement, des odes à strophes irrégulières, qui sont regardées comme irréprochables, et qui paraissent même devoir leur succès à cette liberté d'allure. Il faut en conclure que la règle véritable pour la forme de l'ode, est qu'elle soit bien adaptée au sentiment que l'on veut exprimer, c'est-à-dire qu'elle soit régulière ou symétrique, si le sentiment a une vigueur soutenue, et irrégulière, si la vivacité de la pensée ou du sentiment produit des variations dans la marche.

Combien compte-t-on d'espèces d'odes ?

On compte quatre espèces d'odes :

dans le genre religieux, l'ode sacrée, à laquelle se rattache l'hymne et le cantique ;

dans le genre guerrier, l'ode héroïque ou pindarique ;

dans le genre tempéré, l'ode morale ou philosophique ;

enfin, dans le genre doux et gracieux, l'ode badine, qui comprend aussi l'ode anacréontique.

Notices biographiques
1. Pindare (en grec ancien Píndaros), né à Cynocéphales, Béotie, en 518, mort à Argos en 438 av. J.-C., est l'un des plus célèbres poètes lyriques grecs. Pour plus d'infos : Qui est Pindare ? ▲

2. Anacréon (en grec ancien Anakréôn), né vers 550 av. J.-C. à Téos, en Ionie, mort vers 464 av. J.-C., est l'un des plus grands poètes lyriques grecs avec Alcée de Mytilène et Sappho. Il fut surnommé Le chantre ou le vieillard de Téos. ▲

3. Jean-Baptiste Rousseau est un poète et dramaturge français né à Paris le 6 avril 1670 et mort à Bruxelles le 17 mars 1741. ▲

4. Alcée : Alcée de Mytilène (en grec ancien Alkaĩos, en latin Alcaeus), appelé aussi Alcée de Lesbos, est un poète grec de l'époque archaïque, représentant de la poésie lyrique monodique. Le Canon alexandrin voit en lui le second des poètes lyriques grecs. ▲

5. Sappho est une poétesse grecque de l'Antiquité qui a vécu au VIIe siècle av. J.-C. à Mytilène, sur l'île de Lesbos. ▲

6. Horace (en latin Quintus Horatius Flaccus), né à Venosa le 8 décembre 65 av. J.-C. et mort à Tivoli le 27 novembre 8 av. J.-C., compte parmi les plus illustres poètes de tous les temps. Mais son œuvre, à double niveau d'écriture, fait aisément l'objet de malentendus et de contresens, comme en témoigne par exemple le détournement de la fameuse devise Carpe diem, ou de la non moins célèbre formule Aurea mediocritas (" juste milieu précieux comme l'or "), tirées respectivement des Odes, I, 11 et II, 10. ▲
Genres littéraires

366 jours de poésie

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L'ode (n.f.) était le nom donné, chez les Grecs, à tout poème lyrique qui pouvait être chanté, et qui se distinguait en cela de l'élégie. Chez les modernes, l'ode est un petit poème lyrique, dans lequel le poète exhale les sentiments les plus intimes de son âme...

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Les genres de poésie :

La poésie ou le genre lyrique

Qu'est-ce que la poésie lyrique ?

La poésie lyrique ou le genre lyrique est un genre littéraire noble, adapté à l'expression des sentiments élevés, dont l'acception a évolué au cours des siècles. Les sentiments ou les émotions sont généralement liés à des thèmes religieux ou existentiels dans des formes rythmiques permettant le chant ou la déclamation avec accompagnement musical.

La poésie lyrique peut exprimer des sentiments très divers, comme l'élan de la reconnaissance et de l'admiration à la vue de la bonté de Dieu, des merveilles de la création, des charmes et des prodiges de la vertu, ou les émotions ardentes de la victoire, ou les douces et agréables rêveries ; et ce sera toujours avec une verve, avec des mouvements qui la caractérisent entre toutes les expressions poétiques.

Le poème lyrique privilégie l'expression plus ou moins vive de la subjectivité ou de thèmes existentiels au moyen des ressources de musicalité, de rythme, d'évocation visuelle ou affective propres au langage.

Le genre lyrique renferme six genres de poèmes : l'ode qui est la plus haute expression de cette sorte de poésie, l'élégie, le dithyrambe, la
cantate, la chanson et l'épithalame.

Aperçu historique

Dans l'Antiquité, on désigne traditionnellement comme " lyrique " toutes les parties des poèmes destinées à être chantées, afin de les distinguer des genres épiques, tragiques, comiques ou satiriques, fondés sur des différenciations d'attitudes et d'émotions.

Au XVIe siècle, le déclin des genres fait évoluer cette définition. Ainsi, pour les membres de la Pléiade, le terme " lyrique " caractérise-t-il surtout l'ambition d'une poésie d'inspiration élevée, opposant la lyre, le noble instrument d'Apollon, à la vulgaire flûte des bergers.

L'expression des sentiments opposés à l'action, qui définit au XIXe siècle encore la poésie lyrique par rapport à la poésie épique, sert bientôt à distinguer le langage poétique de la langue ordinaire et de la prose (cet " universel reportage " dont parle Mallarmé). Le lyrisme romantique compte des poètes aussi différents que Vigny, Lamartine, Pétrus Borel, Victor Hugo. L'Aurélia de Nerval est typiquement une muse lyrique, que sacre l'union désespérée de l'amour et de la poésie. Charles Baudelaire, dans son sonnet des Correspondances, confie aux sons, aux parfums et aux couleurs " une magie suggestive " empreinte de lyrisme.

Cette " voie " lyrique fait aussi celle de l'" alchimie du verbe " et des sens d' Arthur Rimbaud, celle encore, plus intimiste, de Paul Verlaine ou, plus caustique, de Tristan Corbière. Au brusque silence d' Arthur Rimbaud s'appose la quête du Livre unique par Stéphane Mallarmé, qui pousse le poème lyrique à son point le plus irréductible, en prônant la disparition du motif et, par là même, celle du poète.

Pourquoi cette poésie est appelée " lyrique " ?

Cette poésie a été appelée lyrique ( lyre), parce que, dans le principe, elle était non seulement chantée, mais composée aux sons des instruments de musique ainsi David s'aidait de la harpe, Pindare s'accompagnait de la lyre pour composer les poésies admirables qu'ils nous ont laissées.

Le poète est musicien. Il prélude, il s'anime au son de ce prélude, il se donne à lui-même la mesure, le mouvement, la période musicale les vers naissent avec le chant, et de là, l'unité de rythme, de caractère et d'expression entre la musique et les vers : c'est ainsi qu'une poésie chantée est naturellement soumise au nombre et à la cadence. C'est, du reste, dans l'origine, le privilège de toute poésie ; mais lorsque, dans la suite, la poésie se sépare de la musique, et que les poètes commencent à faire des ouvrages en vers pour les lire et non pour les chanter, on réserve le nom de lyrique aux poèmes destinés à être unis à la musique ou au chant.

Avantage de la poésie lyrique

Dans les autres poèmes, l'écrivain ne remplit point le personnage de poète, l'art même consiste à le faire oublier. Mais dans le genre lyrique, c'est le poète lui-même qui s'annonce et qui va chanter, le poète inspiré par les muses, et qui doit en parler le plus riche et le plus magnifique langage.

Il est vrai que dans l'épopée, on suppose aussi le poète inspiré ; mais son inspiration est tranquille, la Muse raconte et le poète écrit. Dans la poésie lyrique, au contraire, le poète est tout rempli, possédé de la Muse ou du Dieu qui s'est emparé de ses sens. Aussi a-t-il besoin, pour réussir dans ce
genre, de ces qualité si rares et si précieuses qui, suivant Horace, font le véritable poète un génie créateur, un esprit presque divin, et une diction toujours riche, noble, majestueuse et souvent sublime.

Les genres dans la poésie lyrique

On distingue deux genres de poèmes lyriques l'un est grave, héroïque, solennel. Il vient d'une admiration excitée par de magnifiques spectacles, d'une joie vive, d'une émotion profonde. C'est alors un transport d'enthousiasme, un ravissement de l'âme. Ce genre, dit Nicolas Boileau,

Élevant jusqu'au ciel son vol ambitieux,
Entretient dans ses vers commerce avec les dieux ;
Aux athlètes dans la Pise il ouvre la barrière,
Chante un vainqueur poudreux au bout de la carrière.

L'autre genre est simple, tendre et gracieux. Il naît d'objets plus ordinaires, comme la vue d'une fête, l'aspect des fleurs c'est un chant gracieux et
doux qui, d'après le même poète, Nicolas Boileau,

Peut peindre les festins, les danses et les ris.

Le but de la poésie lyrique

La poésie lyrique, comme toute poésie, doit avoir pour but non seulement de plaire, mais encore d'instruire. Par conséquent, loin de chercher à flatter les inclinations vicieuses de notre nature déchue, le poète lyrique vraiment digne de ce nom se rappellera que ces accents, quelle que soit la puissance de leur harmonie, ne seront que des sons funestes, s'ils ne présentent pas à notre âme, créée pour la vertu, des exemples et des leçons salutaires.

Il se fera donc un devoir, dans ses chants harmonieux, de mêler l'utile à l'agréable, en faisant goûter à notre cœur les préceptes de la morale la plus pure, et à notre intelligence les principes de la philosophie la plus saine, en nous excitant, par ses élans et ses transports pieux, à l'admiration et à la gratitude envers le Créateur, et en cherchant dans ses accords à réjouir saintement les âmes vertueuses et à procurer la gloire
de Dieu.
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Anthologie de la poésie

lyrique française
des XIIe et XIIIe siècles

Anthologie de la poésie

lyrique latine de la Renaissance

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Qu'est-ce que la poésie lyrique ? La poésie lyrique ou le genre lyrique est un genre littéraire noble, adapté à l'expression des sentiments élevés, dont l'acception a évolué au cours des siècles. Les sentiments ou les émotions sont généralement liés à des thèmes religieux ou existentiels dans des formes rythmiques permettant le chant ou la déclamation avec accompagnement musical.

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Les genres de poésie :

Qu'est-ce que la ballade ?

La ballade, de baller, qui voulait dire " danser ". On trouve ce mot pour la première fois en français chez Adam de la Halle en 1260.

La ballade est une espèce de rondeau composé de trois couplets et d'un envoi, en vers égaux, avec un refrain, c'est-à-dire avec le retour du même vers à la fin des couplets, ainsi qu'à la fin de l'envoi. Les trois couplets sont symétriquement égaux, soit pour le nombre des vers, soit pour l'enlacement des rimes. Le couplet est une stance de huit, de dix ou de douze vers, divisée en deux parties égales, c'est-à-dire qui présente un sens complet au milieu. L'envoi, qui répond ordinairement à la seconde partie de la stance, n'est qu'un demi-couplet, de sorte que la pièce entière se compose de 28, 35 ou 42 vers. Il faut noter aussi que l'envoi nomme le dédicataire du poème : " Prince ", " Princesse " ou " Sire ". Bref, les parties correspondantes des trois couplets sont sur les mêmes rimes; et l'envoi conserve les rimes de la partie à laquelle il répond.

Ce petit poème a de la grâce et de la régularité dans sa forme ; et quand le refrain en est heureusement amené à la fin des couplets, il leur donne un tour très piquant. Les anciens poètes, comme Villon et Marot, n'y ont employé que les vers de dix et de huit syllabes, celui de douze étant trop grave et trop pesant pour un poème qui doit garder la naïveté du vieux temps.

Les deux formes les plus fréquentes de la ballade sont :

la petite ballade : trois huitains d'octosyllabes suivis d'un quatrain ;

la grande ballade : trois dizains de décasyllabes suivis en principe d'un quintil, telle la célèbre ballade de Villon " Pour prier Notre Dame ", ornée dans l'envoi (de sept vers) du nom du poète en acrostiche.

On parle aussi de ballade balladante qui est un cas particulier de ballade, avec trois septains d'heptasyllabes (ababbc) et un envoi de quatre vers (bbcc). Après une longue période de très grand succès (du XIVe au début du XVIe siècle), la ballade est en désuétude dès le milieu du XVIe siècle et, au siècle suivant, Molière fait dire à Trissotin (personnage des Femmes savantes) :

La ballade à mon goût est une chose fade
Ce n'en est plus la mode, elle sent son vieux temps.

On trouve la ballade au XIXe siècle mais sans forme fixe sous la plume de Victor Hugo ( Odes et Ballades) ou encore de Musset (" Ballade à la lune ") ; ce sont les Parnassiens qui reviennent au schéma originel.

Exemples de ballade

En voici une de Jean de La Fontaine, qui donne à la fois le précepte et l'exemple :

Trois fois dix vers, et puis cinq d'ajoutés,
Sans point d'abus, c'est ma tâche complète :
Mais le mal est qu'il ne sont point comptés.
Par quelque bout il faut que je m'y mette
Dussé-je entrer an fond d'une tour,
Nenni, ma foi, car je suis déjà court.
Si que je crains que n'ayez rien du nôtre
Quand il s'agit de mettre une œuvre au jour,
Promettre est un, et tenir est un autre.

Sur ce refrain, de grâce permettez
Que je vous conte en vers une sornette...

Dans les huit vers suivants, La Fontaine raconte la sornette, et achève ainsi le second couplet. Ensuite il ajoute :

Sans y penser j'ai vingt vers ajustés,
Et la besogne est plus qu'à demi faite.
Cherchons-en treize encore de tous côtés,
Puis ma ballade est entière et parfaite.
Pour faire tant que l'ayez toute nette,
Je suis en eau, tant que j'ai l'esprit lourd ;
Et n'ai rien fait si, par quelque bon tour,
Je ne fabrique encore un vers en ôtre ;
Car vous pourriez me dire à votre tour :
Promettre est un, et tenir est un autre.

Envoi
O vous, l'honneur de ce mortel séjour,
Ce n'est pas d'hui que ce proverbe court ;
On ne l'a fait de mon temps ni du vôtre :
Trop bien savez qu'en langage de cour,
Promettre est un, et tenir est un autre.

( Jean de La Fontaine, Ballade à Mr ...)

On peut citer encore une gracieuse ballade de Clotilde de Surville à son époux, une de Charles d'Orléans, celle de Villon sur les Dames du temps jadis, plusieurs de Marot, de La Fontaine, etc.
Genres littéraires Articles connexes

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La ballade, de baller, qui voulait dire " danser ". On trouve ce mot pour la première fois en français chez Adam de la Halle en 1260. La ballade est une espèce de rondeau composé de trois couplets et d'un envoi, en vers égaux, avec un refrain, c'est-à-dire avec le retour du même vers à la fin des couplets, ainsi qu'à la fin de l'envoi.

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Les genres de poésie :

Qu'est-ce que le rondeau ?

Le rondeau est une espèce de sonnet dont le caractère principal est la naïveté.

Mais cette naïveté n'exclut pas la délicatesse, la finesse même, pourvu qu'elle ne s'y trouve pas aux dépends de l'aimable simplicité. Ce petit poème, qui tient quelquefois de l'épigramme et plus souvent du madrigal, est un cercle charmant pour une pensée et convient principalement aux sujets badins.

La forme du rondeau

Le rondeau est composé de treize vers de dix ou de huit syllabes, qui roulent sur deux rimes dont huit sont féminines et cinq masculines, ou huit masculines et cinq féminines.

De quelque manière que l'on dispose ces rimes, il s'en rencontre à quelque endroit trois féminines ou masculines. Ces trois rimes semblables se trouvent beaucoup plus souvent aux cinquième, sixième et septième vers, qu'aux cinq derniers. Il doit y avoir, après le cinquième vers, un repos ou un sens complet. Le premier hémistiche ou les premiers mots du rondeau, doivent se trouver à la suite du huitième et du treizième vers, pour servir de refrain. Il est nécessaire que ce refrain qui, dans les vers de dix syllabes, est de quatre, et dans ceux de huit, de trois et quelquefois de deux, soit lié avec la pensée qui précède, amené délicatement et termine le sens d'une manière naturelle. Il plaît surtout quand ramenant les mêmes mots, il présente des idées un peu différentes.

Exemples de ce genre de poésie

● Le rondeau suivant est celui de Vincent Voiture. Il est bien connu parce qu'il explique tout le mécanisme de ce petit poème :

Ma foi c'est fait de moi, car Isabeau
M'a conjuré de lui faire un rondeau :
Cela me met en une peine extrême.
Quoi! treize vers, huit en EAU, cinq en ÊME!
Je lui ferai aussitôt un bateau.
En voilà cinq pourtant en un monceau.
Faisons-en sept en invoquant Brodeau,
Et puis mettons en quelques stratagèmes

Ma foi, c'est fait.

Si je pouvais encor de mon cerveau
Tirer cinq vers l'ouvrage serait beau.
Mais cependant me voilà dans l'onzième,
Et si je crois que je fais le douzième,
En voilà treize ajustés de nouveau.

Ma foi, c'est fait.

Notice biographique de Vincent Voiture (1598 - 1648)

Né à Amiens en 1598 - Décédé en 1648.

Le père de Vincent Voiture était marchand de vin à Amiens. Vers 1600, il ouvre une boutique rue Saint-Denis à Paris : " Le Lion d'Argent ". Sa réputation lui vaut la protection de Marie de Médicis. Cette situation permet au jeune Vincent Voiture de suivre ses études à l'Université d'Orléans.

Il obtient la protection du frère du roi, le duc d'Orléans, et fréquente l'Hôtel de Rambouillet où les " précieuses " lui font un succès.

Élu à l'Académie Française le 27 novembre 1634.

Il est cité par Boileau, Voltaire et Sainte-Beuve.

Sa " Lettre sur la prise de Corbie " attire sur lui l'attention favorable de Richelieu et il devient " Maître d'hôtel du Roi ".

Ses écrits sont considérés comme représentatifs de la " préciosité ".

Genres littéraires

La poésie moderne et la structure d'horizon

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Le rondeau est une espèce de sonnet dont le caractère principal est la naïveté. Le rondeau est composé de treize vers de dix ou de huit syllabes, qui roulent sur deux rimes dont huit sont féminines et cinq masculines, ou huit masculines et cinq féminines.

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Les genres de poésie :

Qu'est-ce que le sonnet ?

Le sonnet est un petit poème destiné à renfermer une pensée intéressante, profonde ou gracieuse, qui se prépare dans les onze premiers vers, et qui se manifeste dans les trois derniers, en présentant quelque chose de frappant et de relevé.

La forme mécanique ou artificielle du sonnet, qui consiste dans l'arrangement et la qualité des rimes, est absolument invariable. il est composé de quatorze vers de même mesure. Les huit premiers sont partagés en deux quatrains et roulent sur deux rimes. Les six derniers vers forment deux tercets avec trois rimes différentes. Le premier tercet commence par deux rimes semblables ; l'arrangement des quatre derniers vers est arbitraire. Le sens doit être complet après chaque quatrain et chaque tercet.

Boileau a bien exprimé les principales règles de la structure matérielle du sonnet, lorsqu'il a dit qu'Apollon

Voulut qu'en deux quatrains de mesure pareille
La rime avec deux sons frappât huit fois l'oreille,
Et qu'ensuite six vers artistement rangés
Fussent en deux tercets par le sens partagés.

Quand le sujet du sonnet est grave et sérieux, on doit y employer des vers alexandrins ; quand il ne l'est pas, on peut employer des vers de dix, et même de huit et de sept syllabes. Le sonnet paraît être le cercle le plus parfait qu'on puisse donner à une grande pensée, et la division la plus régulière que l'oreille puisse lui prescrire.

Les qualités que doit avoir un sonnet

Outre les règles précédentes, qui regardent la forme mécanique du sonnet, il y a des règles très importantes qui concernent sa forme naturelle. Boileau nous apprend, en effet, que le dieu des vers,

Voulant pousser à bout tous les rimeurs françois
Inventa du sonnet les rigoureuses lois.
Partout de ce poème il bannit la licence ;
Lui-même en mesura le nombre et la cadence,
Défendit qu'un vers faible y pût jamais entrer,
Ni qu'un mot déjà mis osât s'y remontrer.

Ainsi, tout doit être exact, poli, châtié dans ce petit poème. On n'y souffre ni le moindre écart du sujet, ni un vers faible ou négligé, ni une expression impropre ou superflue, ni la répétition du même mot. La précision et la justesse des pensées, l'élégance des expressions, l'harmonie des vers, la richesse des rimes n'y doivent rien laisser à désirer. En un mot, tout doit y être d'une beauté achevée. On trouve cependant des sonnets dont le sujet n'est pas si relevé : le style est alors nécessairement dans le genre simple.

Quelques sonnets

● Le sonnet suivant, quoique dans le genre simple, n'est pas sans mérite, parce qu'il fait connaître les règles du genre, et donne ainsi le précepte et l'exemple :

Doris, qui sait qu'aux vers quelquefois je me plais,
Me demande un sonnet, et je m'en désespère ;
Quatorze vers, grand Dieu! le moyen de les faire ?
En voilà cependant déjà quatre de faits.

Je ne pouvais d'abord trouver de rimes, mais
En faisant, on apprend à se tirer d'affaire.
Poursuivons, les quatrains ne m'étonneront guère,
Si du premier tercet je puis faire les frais.

Je commence au hasard, et si je ne m'abuse,
Je n'ai pas commencé sans l'aveu de la Muse,
Puisqu'en si peu de temps, je m'en tire si net.

J'entame le second et ma joie est extrême ;
Car des vers commandés, j'achève le treizième.
Comptez s'ils sont quatorze, et voilà le sonnet.

(L'abbé A. Piron)

● En voici un autre sonnet plus littéraire. Il est intitulé " Le beau voyage " :

Heureux qui, comme Ulysse, a fait un beau voyage,
Ou comme celui-là qui conquit la toison
Et puis est retourné, plein d'usage et raison,
Vivre entre ses parents le reste de son âge !

Quand reverrai-je, hélas ! de mon petit village
Fumer la cheminée, et en quelle saison
Reverrai-je le clos de ma pauvre maison,
Qui m'est une province, et beaucoup d'avantage ?

Plus me plaît le séjour qu'ont bâti mes aïeux,
Que des palais romains le front audacieux,
Plus que le marbre dur me plait l'ardoise fine ;

Plus mon Loire gaulois que le Tybre latin,
Plus mon petit Liré que le mont palatin,
Et plus que l'air marin la douceur angevine.

( Joachim Du Bellay)

Genres littéraires

366 jours de poésie

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Le sonnet est un petit poème destiné à renfermer une pensée intéressante, profonde ou gracieuse, qui se prépare dans les onze premiers vers, et qui se manifeste dans les trois derniers, en présentant quelque chose de frappant et de relevé.

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La versification
- Métrique, rythme et sonorités -
Introduction

est l'ensemble des règles et des techniques concernant l'écriture du poème. Vers le milieu du XIX e siècle, les poètes se sont affranchis de ces règles et ont créé leurs propres normes poétiques.

Dans le langage ordinaire, les sons des mots sont secondaires : c'est leur sens qui compte. Les poètes, eux, travaillent les sonorités pour qu'elles contribuent à la création du sens et à la musique des vers.

Enfin, le langage poétique a souvent recours à des comparaisons et des métaphores. Ces images rapprochent deux réalités plus ou moins éloignées ; elles s'adressent à l'imagination du lecteur.

Bref, la poésie veut être une puissance d'enchantement qui charme profondément l'auditeur ou le lecteur. C'est pourquoi la poésie est conçue, dès son apparition, pour être chantée ou récitée, comme le font au Moyen Âge ménestrels et troubadours. Elle entraîne l'élaboration d'un nouveau langage qui repose sur le rythme et les sonorités, l'unité du vers et celle de la strophe...

L'étude des vers et des strophes

Pour mesurer un vers, il faut compter les syllabes prononcées (ou mètre) :
C'était l'heure tranquille où les lions vont boire. ( Victor Hugo)
► c'é / tait / l'heu / re / tran / qui / lle où / les / li / ons / vont / boire.

Cependant, il faut tenir compte de trois particularités : 1)- la règle du "e" muet, 2)- La synérèse, 3)- la diérèse.

La règle du - e - muet

À l'intérieur d'un vers, on compte la syllabe qui se termine par un " e " muet si la syllabe suivante commence par une consonne, on ne la compte pas si la syllabe suivante commence par une voyelle. À la fin d'un vers, on ne compte jamais le " e " muet.
Exemple : ( Victor Hugo)
- Les - e- colorés en bleu sont comptés
- Les - e- colorés en rose ne sont pas comptés

La diérèse

Deux sons habituellement prononcés groupés doivent parfois se prononcer séparément, en deux syllabes: c'est la diérèse qui, en ralentissant la prononciation du mot, l'adoucit.
million → | mi | lli | on|, nation → | na | ti | on|

La synérèse

Deux sons habituellement prononcés séparément doivent parfois se prononcer en une syllabe : c'est la synérèse, qui abrège le mot, le durcit.
Exemple : lion → | lion |

Les différents types de vers

La désignation de la plupart des vers provient du décompte des syllabes :

Les vers ont le plus souvent un mètre pair (les plus fréquents ont douze, dix, huit syllabes) :

Le vers de douze syllabes, l'alexandrin. C'est le plus long vers régulier. Il peut donner du calme ou de la majesté au sujet traité.

Le vers de dix syllabes, le décasyllabe. C'est le vers le plus couramment employé. C'est un alerte, léger, qui convient surtout à des poèmes courts.

Le vers de huit syllabes, l'octosyllabe. On l'emploie encore aujourd'hui pour la poésie légère, pour les chansonnettes.

Les vers de six, quatre, deux syllabes s'emploient rarement en série continue. Ces vers très courts sont utilisés pour contraster avec des vers plus longs et créer ainsi un effet de surprise, de brièveté. Dans tous les autres cas, on parle de vers impairs.

Du vers à la strophe

La strophe

La strophe est l'ensemble constitué par un nombre de vers limité, avec une disposition fixe des rimes (voir ci-dessous) et des mètres, et, qui peut se reproduire indéfiniment.
La strophe comprend en général de quatre à quatorze vers. En principe, le poète choisit librement le schéma de la première strophe qu'il est tenu de respecter dans la suite du poème.

La forme de la strophe

● Des strophes carrées : (composées de 6 vers de 6 syllabes, 8 octosyllabes, 10 décasyllabes, 12 alexandrins) qui donnent l'impression de la force, de la plénitude et de la cohésion.
● Des strophes horizontales : (composées de 4, 5 ou à la rigueur 6 alexandrins) qui donnent l'impression de la durée, de l'étendue, de la majesté. C'est la strophe de la nostalgie, des regrets, c'est la stance des adieux à la vie.
● Des strophes verticales : (par exemple: 8 vers de deux syllabes, 10 vers de trois syllabes, 12 vers de 4 syllabes) qui donnent l'impression d'un écoulement rapide, d'une succession d'actes précipités, parfois fougueux et violents et parfois badins et légers. C'est la strophe de la clochette et de la cascatelle.
● La strophe hétérométrique : elle est généralement en forme de cône renversé c'est-à-dire qui va des vers longs aux vers courts. La phrase tend à s'achever sur les vers qui représentent comme l'épuisement du souffle.

L'architecture sonore : l'étude des sonorités

La rime : cas particulier d'écho sonore

Définition de la rime

Homophonie ( identité des sons) de la dernière voyelle accentuée du vers, ainsi que des phonèmes qui, éventuellement la suivent.
Elle est en elle-même une sorte particulière d'accent, en tant qu'elle est constituée de sons remarqués ou remarquables : elle est un accent phonétique. C'est-à-dire que la rime ne saurait se contenter de sonorités banales et qui passent inaperçues, sans trahir sa mission qui est de se faire entendre, de ponctuer le vers soit en frappant soit en charmant l'oreille.

Qualité de la rime

Le genre des rimes et leur alternance

La disposition des rimes

Elle est déterminée par leur succession. Plusieurs combinaisons sont possibles.

La rime intérieure et les régularités sonores du vers libre

Elle répète au milieu du vers la rime située à la fin du vers. Elle crée un écho sonore dans le vers.
Les vers libres ne respectent pas les règles concernant les rimes. Ils leur substituent d'autres régularités sonores, variables selon les poètes.

Définition

L'unité sonore est la réunion d'allitérations et d'assonances dans un ensemble de mots ou de vers. Elle met en évidence une unité de sens et peut opposer un ensemble de mots ou vers à un autre ensemble, ce qui crée des effets de sens.

L'allitération

L'allitération est la répétition du même son-consonne. Son rôle essentiel est de rythmer le vers, de constituer une trame sonore du poème. Elle peut créer une harmonie imitative: elle évoque alors le bruit que ferait ce dont le poème parle. Elle peut aussi suggérer une impression: c'est l'harmonie suggestive. Elle peut enfin produire un effet humoristique. L'allitération sert d'abord à mettre en évidence une unité de sons.
Exemple : ( Pierre Corneille). L'allitération en " f " et en " v " exprime le bruit des bateaux sur l'eau.

L'assonance

L'assonance est la répétition du même son-voyelle. Elle instaure des échos entre les mots et, par là-même, installe des correspondances de sens entre eux. Combinée à l'allitération, elle crée une musique des vers et met en évidence une unité de sons.
Exemple : ( Charles Corm). Les voyelles nasales " an, on, ym " évoquent une musique éclatante.

L'hiatus consiste dans la rencontre de deux voyelles appartenant au même mot (c'est l'hiatus interne) ou à deux mots successifs (c'est l'hiatus externe).
Exemple : po||ïs.

Le rythme du texte en vers

À l'origine, la poésie était toujours accompagnée de musique. Les vers ont conservé ensuite le rythme, donné par le jeu de l'accent, la coupe, l'enjambement, le rejet et le contre-rejet.

C'est l'augmentation de l'intensité de la voix sur une syllabe. En français, il porte sur la dernière syllabe non muette d'un mot long ou d'un groupe de mots courts. Par ailleurs, dans un groupe nominal ou verbal, le mot le plus important porte un accent de coupe. Le nombre et la place des accents sont déterminants pour le rythme. On distingue deux genres d'accents :

L'accent fixe

Aux XVII e siècle, le vers classique supportait deux accents : l'un en son milieu qui est la et l'autre à sa fin qui est la rime. Ces deux accents divisent le vers en deux parties qu'on appelle hémistiches . Mais au XIX e siècle le vers ne supporte plus de césure.
Exemple :

L'accent mobile

Le rythme est le mouvement du poème; il peut être l'image musicale du mouvement de la pensée.
Le rythme régulier peut être binaire lorsqu'il est coupé en deux par la césure (c'est le cas de l'alexandrin classique), ternaire (comporte trois accents) ou tétramètre (comporte quatre accents). Mais le rythme peut être aussi entrecoupé, lent, rapide, progressif et peut exprimer la régularité, la monotonie ou la tristesse...
Et vous donc Kadicha, multiple amphithéâtre,
Où le cœur s'abandonne au vertige des cieux... ( Charles Corm).

C'est un repos, une pause dans le vers. Elle se situe après chaque syllabe accentuée et marque la fin d'une mesure. Les vers longs comportent plusieurs coupes: la plus importante placée au milieu est appelée (voir l'exemple de l'accent fixe). Dans l'alexandrin classique, la césure se situe après la sixième syllabe prononcée. Chacune des deux moitiés de l'alexandrin s'appelle un hémistiche comme on a déjà vu dans l'accent fixe ci-dessus.

L'enjambement

Quand la pause finale n'accomplit pas le sens du vers et que l'on doive le continuer dans le vers suivant, on dit qu'il y a enjambement.
Depuis huit jours, j'avais déchiré mes bottines
Aux cailloux des chemins. J'entrais à Charleroi. ( Arthur Rimbaud)

Le rejet et le contre-rejet

On dit qu'il y a rejet lorsque le sens du vers se termine au début du vers suivant.
Exemple : Il est pris. - Oh! quel nom sur ses lèvres muettes
Tressaille ? Quel regret implacable le mord ? ( Arthur Rimbaud)
Lorsque le sens du vers commence à la fin du vers précédent, on dit qu'il y a contre-rejet.
Exemple : Souvenir, souvenir, que me veux-tu ? L'automne
Faisait voler la grive à travers l'air atone. ( Paul Verlaine)

Les images poétiques

Contrairement au discours scientifique qui utilise les images pour expliquer ou/et pour ramener l'inconnu au connu, la poésie emploie pour court-circuiter le langage ordinaire, ou pour restituer dans toute sa force une émotion, une impression que le langage ordinaire ne peut exprimer. La nouveauté et l'originalité des images poétiques créent un effet de surprise.

La comparaison en poésie

La comparaison rapproche deux réalités à partir d'une caractéristique commune : le comparé, ce dont il est question, et le comparant, ce dont on rapproche le comparé. Elle est une image explicite, marquée par un mot précis indiquant la comparaison.
J'aime la lune, ardente et rouge comme l'or. ( Victor Hugo)

La métaphore en poésie

Elle établit une analogie entre deux réalités différentes à partir d'une caractéristique commune que le poète peut parfois rendre inattendue. En effet, pour avoir un fort pouvoir de suggestion, la métaphore poétique doit surprendre.

● La métaphore avec présence du comparé. Elle met en rapport direct le comparé et le comparant au moyen d'une attribution (A est B), d'une apposition (A, B ou B, A), ou d'un complément de nom (A de B ou B de A). Elle ne s'applique donc qu'à des noms.

● La métaphore avec absence du comparé. Le comparé est complètement effacé; seul reste le comparant qui lui laisse deviner ce qu'il représente. Plus difficile à repérer, cette métaphore se signale par un écart entre le champ lexical auquel appartient le comparant et les autres champs lexicaux du poème.

● La métaphore filée est une métaphore qui se prolonge dans plusieurs vers ou plusieurs phrases avec des termes appartenant au même réseau lexical.

● Les fonctions de la métaphore. Sous une forme condensée et plus brillante que la comparaison, la métaphore crée une analogie. Elle peut être descriptive et pittoresque quand l'analogie porte sur la forme, la taille, la couleur, le mouvement de l'objet décrit. Elle peut être esthétique et sensuelle quand l'analogie porte sur une impression ou une sensation. Elle peut enfin être éclairante et profonde quand l'analogie porte sur des idées et rend compte d'une vision du monde et des croyances du poète.
Exemple de métaphore : Tu fais des bulles de silence dans le désert des bruits. ( Paul Éluard)

La personnification et l'allégorie

La personnification

C'est un procédé consistant à faire d'un être inanimé ou d'une idée abstraite un personnage réel, doué de vie et de sentiments. Elle crée l'impression que les choses vivent et pensent, que les idées ont une existence autonome, indépendamment des hommes.
Exemple : Mes rêveuses pensées pieds nus vont en soirée. ( Guillaume Apollinaire)

L'allégorie

C'est un procédé consistant à représenter une idée, une abstraction, sous une forme concrète, le plus souvent un personnage ou un animal. L'allégorie rend les idées moins abstraites, plus accessibles ; elle donne un sens symbolique ou allusif au poème.
Exemple : Ô douleur ! ô douleur ! Le temps mange la vie... ( Charles Baudelaire)
Genres littéraires

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Métrique, rythme et sonorités - Introduction est l'ensemble des règles et des techniques concernant l'écriture du poème. Vers le milieu du XIX e siècle, les poètes se sont affranchis de ces règles et ont créé leurs propres normes poétiques. Dans le langage ordinaire, les sons des mots sont secondaires : c'est leur sens qui compte.

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Repères historiques

Le poète lyrique

Au Moyen Âge, le poète s'accompagnait d'une lyre pour chanter ses sentiments. Homère, dans l'Antiquité, allait de ville en ville, racontant aux populations des histoires empreintes de fureur, de tristesse et d'allégresse. Le poète n'a pas tardé à découvrir que son cœur même pouvait faire office d'une lyre. Parmi les sentiments, il y en a un qui jouera un rôle privilégié chez les poètes romantiques : c'est la souffrance, qui permet, à travers son malheur personnel, d'embrasser l'humanité entière. Musset a dit : " Rien ne nous rend si grands qu'une grande douleur. " Et aussi : " Les plus désespérés sont les chants les plus beaux. "

→ Pour en savoir plus : La poésie lyrique. - Courant littéraire : Le Romantisme.

Le poète parnassien

En réaction au romantisme, les poètes du mouvement parnassien prônent, à partir des années 1860, une poésie impersonnelle, objective et maîtrisée. L'écriture poétique est un véritable travail artisanal, analogue à celui du bijoutier. Ces poètes ont accordé la primauté à la fabrication du vers et à sa structure. Ils établissent le culte de la beauté impassible. Théophile Gautier ferme un poème intitulé L'Art sur cette strophe :

" Sculpte, lime, ciselle ;
Que ton rêve flottant
Se scelle
Dans le bloc résistant ! "

La figure la plus talentueuse du groupe des poètes parnassiens fut José-Maria de Hérédia (1842-1905) dont les 118 sonnets rassemblés dans le recueil Les Trophées furent considérés comme les plus parfaites illustrations de la " doctrine " parnassienne.

→ Courant littéraire : Le Parnasse.

Le poète mage

C'est le poète conducteur du peuple et sonneur de clairons. Victor Hugo a défini cette attitude, en particulier dans deux poèmes des : Ibo (j'irai) et Les Mages. Le poète est un être élu et le possesseur d'un trésor qui l'égale à Dieu : le verbe. Il lui est donné d'interroger ce que Hugo appelle la " bouche d'ombre ", c'est-à-dire le mystère de l'univers, qu'il traduit dans un langage clair : il fait alors œuvre de visionnaire.

" J'irai lire la grande bible ;
J'entrerai nu
Jusqu'au tabernacle terrible
De l'inconnu. "

Le poète symboliste

Au poète mage et visionnaire succède le poète symboliste dont les représentants sont Charles Baudelaire et Arthur Rimbaud ( Illuminations).

Pour Baudelaire, la poésie est différente de la vérité, qui est " la pâture de la raison " ; c'est cette aspiration vers une beauté supérieure qui reste le but et le principe de la poésie.

Le sonnet des " Correspondances ", dans , apparaît comme une théorie de la création poétique. Derrière des éléments et des perceptions multiples et éclatées qui constituent le monde réel, se profile un ordre plus pur qui sera l'expression infaillible de l'âme du poète. Cet ordre se développera sur trois plans, d'abord celui du monde sensible, puis un autre plus élevé, pour arriver à l'univers des " choses " de l'esprit.
Ainsi naît vraiment lesymbolisme qui définit les techniques du verbe poétique par l'unité indissoluble du signe et du sens, du dire et de l'être.

Le poète voyant

Dans ses Lettres de 1871, Arthur Rimbaud écrit : " Je veux être poète et je travaille à me rendre voyant [...] Il s'agit d' arriver à l'inconnu par le dérèglement de tous les sens. " Il veut " trouver une langue ".

Dans " Alchimie du verbe " ( Une saison en enfer), il dit : " Je me flattai d'inventer un verbe poétique accessible, un jour ou l'autre, à tous les sens. Je réservais la traduction. Ce fut d'abord une étude. J'écrivais des silences, des nuits, je notais l'inexprimable. Je fixais des vertiges. "

Selon Rimbaud, le poète est un " voleur de feu " et il a une mission auprès de l'humanité. Mais la poésie aurait aussi le pouvoir de " changer la vie ", c'est-à-dire de créer un monde nouveau : " Des êtres parfaits, imprévus s'offriront à tes expériences... ta mémoire et tes sens ne seront que la nourriture de ton impulsion créatrice. "

Le poète surréaliste

Tristan Tzara est l'initiateur du mouvement dada à Zurich, élan de révolte littéraire et esthétique né après la Première Guerre mondiale. Les surréalistes rompent avec ce mouvement vers 1920. Ils rejettent toute construction logique de l'esprit pour toucher an monde intérieur qui vibre en nous, à l'inconscient.

Dans le Premier Manifeste du surréalisme, André Breton écrit à propos de l'imagination : " Chère imagination, ce que j'aime en toi, c'est que tu ne pardonnes pas [...] réduire l'imagination à l'esclavage [...] c'est se dérober à tout ce qu'on trouve au fond de soi de justice suprême. La seule imagination me rend compte de ce qui peut être. "

Avec les surréalistes, l'imagination se met donc à faire " le cheval échappé " ( Montaigne), elle s'aventure dans une zone interdite, dans laquelle on va enfin pénétrer de force afin de découvrir les démons et les merveilles. Cette imagination est exploratrice de la surréalité de l'homme.

Un nouveau mode d'expression poétique était né dont voici une définition : " Surréalisme, automatisme psychique pur par lequel on se propose d'exprimer soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée. Dictée de la pensée en l'absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale. "

Le Surréalisme utilise l'écriture automatique et exploite les ressources du hasard, de l'humour, du merveilleux, de la folie. Parmi les principaux artistes surréalistes, citons les écrivains André Breton, Paul Éluard, Robert Desnos et les peintres André Masson et René Magritte.

L'écriture automatique
C'est une méthode d'écriture inventée par André Breton et caractéristique du mouvement surréaliste. Inspiré par les travaux de Freud et désireux de libérer la puissance de l'inconscient, André Breton imagina cette technique consistant à écrire tout ce qui lui passe par la tête sans aucun souci de cohérence, de grammaire ou même de respect du vocabulaire.

Le poète engagé

La poésie engagée exprime des prises de position et dénonce les atteintes aux droits humains. La Seconde Guerre mondiale donne naissance à une nouvelle génération de poètes, en contact direct avec les événements historiques : l'expression poétique devient le refuge de la grandeur et de la sincérité. Robert Desnos, Louis Aragon, Paul Éluard écrivent des textes qui sont des appels à la Résistance à l'occupant allemand.

Après la Libération, la poésie reste en contact avec l'actualité. Les poètes sont soutenus par diverses revues poétiques et éditions spécialisées.

Parmi les plus connus, citons :

Henri Michaux : il compose des œuvres dans une prose lapidaire et désarticule le langage. Il veut s'affranchir, par la violence des mots, de l'hostilité qu'il ressent dans le monde qui l'entoure. Parmi ses recueils : La nuit remue, Face à ce qui se dérobe.

Guillaume Apollinaire renouvelle et enrichit la poésie française d'images insolites et neuves avec son recueil Alcools, notamment. Il est l'un des initiateurs de l'art moderne.

Jacques Prévert utilise habilement la technique de l'énumération : son principal recueil est Paroles. Issu du surréalisme, il se fait délibérément le poète du quotidien dans ce qu'il a de nature et d'insolite.

Saint John Perse marque un retour à la poésie de l'âme. Il traduit la beauté du monde dans un langage luxuriant. Il utilise des images foisonnantes et des symboles exotiques dans des œuvres où l'ampleur de la vision est exceptionnelle. Voici quelques-uns de ses titres : Anabase, Exil, Neiges, Vents.

Genres littéraires

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La poésie : repères historiques - EspaceFrancais.com

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Le poète lyrique Au Moyen Âge, le poète s'accompagnait d'une lyre pour chanter ses sentiments. Homère, dans l'Antiquité, allait de ville en ville, racontant aux populations des histoires empreintes de fureur, de tristesse et d'allégresse. Le poète n'a pas tardé à découvrir que son cœur même pouvait faire office d'une lyre.

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La poétique

Qu'est-ce que la poétique ?

L a poétique ou l'art poétique est un traité de l'art de la poésie. On donne ce nom à la collection des règles, à l'ensemble des préceptes relatifs à la poésie, sa nature, aux qualités qu'elle exige du poète, à sa forme, ainsi qu'aux caractères, aux tons distincts des différents genres qu'elle renferme. L'art poétique est la théorie de la poésie, comme la rhétorique est la théorie de l'éloquence : il sert à diriger le poète dans ses ouvrages, et fournit aux critiques les moyens d'apprécier les diverses compositions poétiques.

La poésie a-t-elle précédé la poétique ?

Dans tous les arts, les modèles ont devancé les préceptes. Les hommes de génie ont considéré la nature et l'ont embellie en l'imitant ; puis des esprits observateurs ont analysé ces productions, et après avoir découvert le secret de leurs beautés, ont fait part aux autres hommes du résultat de leurs investigations, et leur ont indiqué la voie qu'ils devaient suivre. Ainsi, de même que l'éloquence a précédé la rhétorique qui en fait connaître les règles, de même la poésie a précédé la poétique, qui n'est autre chose qu'un recueil d'observations basées sur les compositions poétiques les plus célèbres. Homère avait été sublime longtemps avant que Longin eût essayé de définir le sublime ; et les chefs-d'œuvre d'Euripide et de Sophocle avaient vu le jour lorsque Aristote traçait les règles de la tragédie.

Quelles sont les poétiques les plus célèbres ?

Les quatre poétiques les plus célèbres sont celles d'Artistote, d'Horace, de Marco Girolamo Vida et de Nicolas Boileau.

Aristote

La plus ancienne poétique connue est celle d' Aristote, célèbre philosophe, né à Stagire, en Thrace, l'an 384 avant J.-C., et mort à Chalcis en 322 avant J.-C.

Ce vaste génie, qui embrasse toutes les sciences et qui est toujours preuve d'une incontestable supériorité, a laissé un art poétique, en prose, dont une partie est perdue.

Dans les 25 chapitres qui nous restent, l'auteur recherche les causes originelles de la poésie, qu'il croit trouver dans notre penchant pour l'imitation, et dans notre goût pour le rythme ; puis il trace en détail les règles de la tragédie. Il dit peu de chose de la comédie et de l'épopée, parce qu'il se réservait d'en parler plus longuement dans la partie de son ouvrage qui a disparu.

Horace

Horace, célèbre poète latin, est né à Vénose (Sud de l'Italie) le 8 décembre 65 av. J.-C, et mort à Rome le 27 novembre 8 av. J.-C.

Horace entreprend de tracer les règles de la poésie ; mais son Art poétique n'est, à proprement parler, qu'une longue lettre versifiée qu'il adresse aux Pisons sous ce titre : Epistola ad Pisones. La dénomination pompeuse d' Art poétique, qui lui fait donnée plus tard par Quintilien, a été ratifiée par l'usage.

Dans cet ouvrage, Horace ne s'asservit à aucune méthode, s'exprime avec familiarité et abandon, et se contente de donner à ses préceptes de la chaleur et de l'agrément et d'inspirer partout le goût du simple, du beau et du naturel. On y trouve principalement les règles du genre dramatique chez les Romains.

Longtemps après, paraît une autre Poétique latine, qui a pour auteur un contemporain de Léon X. Marco Girolamo Vida, évêque d'Albe, né à Crémone (Italie), vers 1470, et mort en 1566, à Alba (Italie).

Vida est un des poètes modernes qui ont le plus approché de la versification de Virgile. Admirateur enthousiaste du prince des poètes latins, il ne pense qu'avec ses expressions, il imite toutes formes, et quelquefois, dans ses beaux moments, il réunit son génie heureux à la brillante fécondité d'Ovide.

Son Art poétique est divisé en trois chants. Il a été mis, dans quelques pays, au nombre de livres classiques. Une imagination riante, un style léger et facile rendent ce poème très agréable. On y trouve des préceptes utiles et des détails pleins de justesse et de goût sur les études du poète, sur son travail, sur les modèles qu'il doit suivre. Ce que l'auteur dit de l'élocution poétique est rendu avec autant de force que d'élégance.

Enfin, Nicolas Boileau, dit aussi Boileau-Despréaux, né à Paris, en 1636 et mort dans la même ville en 1711, a fait un Art poétique en quatre chants.

Ce poème, écrit avec une haute raison et le plus harmonieux langage, a valu à son auteur le titre de législateur du Parnasse français, et passe communément pour son chef-d'œuvre. Trois choses surtout concourent à donne une valeur considérable à la poétique de Boileau : la difficulté de l'entreprise, la beauté des vers et l'utilité de l'ouvrage. De plus, ce poème offre une ordonnance bien plus parfaite que l'épître d'Horace, et présente les règles de la poésie d'une manière plus complète et plus détaillée.

Dans le premier chant et dans le quatrième, Boileau donne les règles générales de la poésie : qualités du style, versification, nécessité de corriger son travail et de consulter des critiques éclairés. Une courte digression renferme l'histoire de la poésie française depuis Villon jusqu'à Malherbe.

Le second chant traite du genre pastoral, de l'élégie, de l'ode, du sonnet, de l'épigramme et de quelques autres poésies fugitives, et de la satire.

Dans le troisième chant, le poète expose en détail les règles relatives à la tragédie, à l'épopée et à la comédie.

Boileau est beaucoup plus complet que ses prédécesseurs. Cependant, il n'a parlé ni de la fable, ni de l'opéra, ni de la poésie didactique.

→ Biographie de Nicolas Boileau.

Les grandes divisions d'une poétique complète, ainsi que les divisions secondaires, par la définition qui est en tête de cet article, peuvent se réduire à deux :

la première comprendra ce qui concerne la poésie considérée d'une manière générale, c'est-à-dire, sa nature, sa forme et les qualités qu'elle exige du poète ;

la seconde renfermera ce qui regarde la poésie considérée en particulier ou les différents genres qu'elle renferme, genres principaux ou grands genres, et genres secondaires.

Genres littéraires

366 jours de poésie

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La poétique ou l'art poétique est un traité de l'art de la poésie. On donne ce nom à la collection des règles, à l'ensemble des préceptes relatifs à la poésie, sa nature, aux qualités qu'elle exige du poète, à sa forme, ainsi qu'aux caractères, aux tons distincts des différents genres qu'elle renferme.

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Le conte

Définition et présentation

Le conte est un récit court (en prose ou en vers), un récit de faits qui pose un regard sur la réalité par le biais du merveilleux ou du fantastique. Le conte est généralement destiné à distraire, à instruire en amusant.

Le mérite principal du conte consiste dans la variété et la vérité des peintures, la finesse de la plaisanterie, la vivacité et la convenance du style, le contraste piquant des événements.

Dans le conte, on n'observe ni unité de temps, ni unité d'action, ni unité de lieu. Le conte ouvre à l'imagination une vaste et libre carrière. Là, rien ne gêne l'auteur, qui peut prendre et déposer à son gré la baguette des fées, l'anneau des enchanteurs, et, s'élançant du monde idéal vers le monde réel, passer tour à tour du palais des rois à la chaumière du pauvre. Tout lui est permis pourvu qu'il amuse, et tant qu'il remplit cette condition, il n'accepte de lois que de son génie et du siècle dans lequel le hasard l'a placé.

→ À lire : Les fées. - Les ogres et les ogresses. - Les créatures fabuleuses et les divinités.

Aperçu historique

À l'origine oral, le conte passe de la tradition populaire à la tradition littéraire. On a pu reconnaître des structures semblables entre les différents contes de l'Europe et de l'Inde. Ainsi, le conte schématise ses personnages, multiplie les péripéties initiatiques, sème sur le chemin du héros des obstacles, arme parfois les protagonistes de pouvoirs surnaturels. La finalité du conte est essentiellement morale ou philosophique. À l'issue du conte, le monde perturbé reprend un visage quotidien.

Les types de contes

Il existe plusieurs types de contes :

le conte de fées, qui fleurit au XVIIe siècle sous les plumes de Mme d'Aulnoy et de Charles Perrault, présente, dans un cadre rêvé, une action schématique, des personnages en petit nombre facilement identifiables en " bons " et en " méchants ", un propos éducatif ;
→ À lire : Les fées.

le conte philosophique, que Voltaire a pratiqué dans Zadig, Micromégas, etc., présente des situations voisines du réel, des personnages quasi familiers ; il est le porte-parole des conceptions philosophiques de son auteur, l'exemple imagé de ses thèses ;

le conte fantastique, voisin du conte de fées, en faveur auprès des romantiques (Nodier, Grimm, Hoffmann) puis des écrivains de la fin du XIXe siècle (Maupassant, Mérimée), s'alimente d'une équivoque entre le réel et l'irréel, guettant la faille du quotidien ;
→ À lire : Inventer une récit fantastique.

le conte noir (et aussi le conte d'horreur) utilise la forme du conte tout en cultivant l'illusion du réalisme, et en s'inspirant des thématiques proches du cinéma de genre ;

le conte étiologique est un récit qui explique un phénomène de la vie ordinaire (pourquoi les oiseaux ont-ils des ailes ?) en le rapportant à une origine mythique ou fictive. C'est un type de récit très fréquent dans la tradition orale, mais beaucoup d'écrivains se sont saisi du genre (Ovide, Kipling, etc.) ;

le conte plaisant ou facétieux qui veut amuser le lecteur ;

le conte satirique veut l'amuser, mais aux dépens de quelqu'un ou de quelque chose. Le conte satirique vise à ridiculiser l'adversaire du héros.
→ À lire : La satire.

De nos jours, si les écrivains produisent encore des contes, ils se sont peu à peu tournés vers la science-fiction.

Les caractéristiques d'un conte

● Un conte commence généralement par une formule d'ouverture (" Il était une fois " - " Il y a bien longtemps " - " En ce temps-là " - " Au temps où toutes les choses parlaient ").

● Le conte se termine par une formule de clôture (" et ils vécurent désormais heureux avec leurs enfants pour ne plus se séparer" - " et il épousa la princesse et ils vécurent fort longtemps dans un bonheur parfait" " et ils se marièrent et eurent beaucoup d'enfants ").

● Le conte a une fin heureuse : les héros rentrent chez eux après avoir éliminé les forces du mal, les amoureux se marient finalement, les enfants perdus se jettent au cou de leurs parents, les pauvres s'enrichissent, le bon est récompensé...

● Le conte implique l'évolution d'un personnage à travers une succession d'états différents provoquée par les transformations de ces états à travers diverses phases de la narration.

● Les éléments constants, permanents dans le conte sont les fonctions des personnages qui constituent les parties fondamentales du conte et dont le nombre est limité. La fonction est l'action d'un personnage définie du point de vue de sa signification dans le déroulement de l'intrigue.

● La mise en narration, dans un conte, comprend le plus souvent :

● Le changement des fonctions s'effectue à partir des étapes successives suivantes :

Méfait initial : le héros est défavorisé à cause d'une action nuisible qui se produit contre lui.

Départ du héros : apparition du danger et confrontation aux épreuves.

Acquisition d'un auxiliaire magique qui lui fournit de l'aide.

Combat victorieux (rarement échec et défaite).

Retour triomphal.

● Dans un conte, les personnages ont rarement un nom ; ils sont plutôt désignés par un surnom caractérisant un trait physique (le Petit Poucet, Barbe Bleue), un accessoire (Cendrillon) ou un vêtement (Peau d'Âne, Le Petit Chaperon Rouge, Le Chat Botté). Parfois, ils sont désignés par leur fonction sociale (le roi, la princesse, la reine, le prince, le marquis, le pêcheur...) ou bien par leur situation familiale (la veuve, l'orphelin...)
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Le conte est un récit court (en prose ou en vers), un récit de faits qui pose un regard sur la réalité par le biais du merveilleux ou du fantastique. Le conte est généralement destiné à distraire, à instruire en amusant.

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De la récitation des fables pour les enfants

par Germain-Étienne Coubard d'Aulnay (1804-1863)

Définition de la fable

Du latin " fabula " qui signifie récit, fiction. La fable peut être définie " un petit récit, généralement allégorique, qui contient une leçon morale ". Dans ce sens, elle est synonyme d'apologue, mot issu du grec " apologos " et qui veut dire " récit à intention moralisatrice ".

De la récitation des fables pour les enfants

C'est surtout dans les fables de l'inimitable La Fontaine qu'on doit prendre les sujets de lecture et de récitation pour les enfants.

Je ne connais pas, dit l'abbé Maury, d'ouvrage plus propre aux premiers exercices de lecture et de débit que le recueil des fables de La Fontaine. Il réunit au plus haut degré les nuances les plus variées pour avertir et pour diriger, à chaque ligne, le goût du lecteur par la simplicité et le naturel des récits, le mélange des tours, la rapidité des traits, la pompe de certaines descriptions, l'intérêt d'un dialogue coupé, vif et serré, qui s'élève quelquefois à la plus haute poésie et à la plus sublime éloquence. C'est après ces premiers essais qu'on peut lire ou débiter avec autant de confiance que de profit les poètes et les orateurs.

La récitation des fables plaît tellement à tout le monde, dit Sabatier, qu'on l'aime jusque dans la bouche des enfants. Que dis-je, leur débit simple et naïf fait souvent goûter mille charmes, surtout quand on a donné quelques soins à leur langage et qu'on leur a facilité graduellement l'intelligence de ce qu'ils récitent. Il ne sera donc pas déplacé que, sur ce point, beaucoup plus délicat qu'on ne le pense communément, nous donnions quelques avis aux personnes qui sont chargées des soins du premier âge.

Comme il est impossible que l'enfant, de quelque conception heureuse que nous le supposions doué, saisisse de lui-même toutes les finesses de sens de la fable, il faut lui en donner d'abord une explication légère.

Il ne serait pas non plus raisonnable de lui demander qu'il la récitât avec tous les tons qui lui conviennent ; on ne pourrait l'exiger que d'une personne à qui il n'échapperait aucune des finesses de l'apologue, ou l'obtenir d'un enfant qu'après l'avoir longtemps seriné, lui avoir longtemps répété soi-même la fable, l'exerçant à imiter jusqu'aux moindres nuances de nos intonations. Cette méthode, employée malheureusement encore par quelques professeurs inhabiles, parce qu'elle est plus facile, est détestable. En effet, le maître, possédât-il lui-même l'art des intonations, habitue son élève à une imitation servile, il en fait un froid copiste.

Au lieu de cette instruction machinale qui consiste dans celles de La Fontaine et de Florian, nous y avons du moins glané quelques épis dignes de la belle gerbe à laquelle ils sont réunis.

On peut dire des auteurs étrangers, et principalement des fabulistes allemands, dont nous avons joint quelques-unes des productions à celles des auteurs de notre pays, pour ajouter leur richesse à la nôtre, ce qu'un de leurs traducteurs dit de Krummacher en particulier :

Ils renferment des tableaux pour l'imagination, des maximes pour la raison, des idées pour l'intelligence de la vie, de la profondeur pour l'âme, de la nourriture pour tous.

Germain-Étienne Coubard d'Aulnay, Nouveau choix de fables en vers et en prose : contenant une moralité mise à la portée des plus jeunes intelligences, et suivies d'un vocabulaire des mots des fables à expliquer aux enfants, Institution de M. Hortus, 2e édition, Paris, 1855.
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De la récitation des fables - EspaceFrancais.com

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De la récitation des fables pour les enfants : La récitation des fables plaît tellement à tout le monde, dit Sabatier, qu'on l'aime jusque dans la bouche des enfants. Que dis-je, leur débit simple et naïf fait souvent goûter mille charmes, surtout quand on a donné quelques soins à leur langage et qu'on leur a facilité graduellement l'intelligence de ce qu'ils récitent.

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Jean de La Fontaine et la fable

Définition

La Fontaine ne renie pas ses sources antiques. Au contraire, il les revendique. Mais d'emblée, il précise que son " imitation n'est point un esclavage ". Il puise chez les modèles anciens la matière première de son œuvre mais apporte au récit et à la moralité des modifications qui rendent son original. Le fabuliste conserve au genre sa finalité traditionnelle d'efficacité pédagogique et didactique, affirmant :

Je me sers d'animaux pour instruire les hommes.

Cependant, et c'est là une transformation essentielle, il utilise au service de ses fables toutes les ressources de la poésie.

Au départ récit plutôt sec, l'apologue est désormais paré de toutes les subtilités de la langue et de la prosodie françaises. Le but premier de La Fontaine est, en effet, de " plaire toujours " pour mieux instruire.

Le récit et la moralité

La fable traditionnelle comprend deux parties que La Fontaine, dans la " Préface " de son recueil, présente ainsi : " L'apologue est composé de deux parties, dont on peut appeler l'une le corps, l'autre l'âme. Le corps est la fable, l'âme la moralité ".

Mais les combinaisons de ces parties sont très variées dans les Fables. L'ordre le plus fréquent place le récit au début et la morale à la fin. Cependant, la disposition inverse est très largement représentée. Il en est ainsi par exemple dans " Le Loup et l'Agneau ".

Parfois la morale est citée au début et reprise à la fin ; il arrive enfin que celle-ci soit implicite, exprimée d'une manière voilée par l'un des personnages.

Les personnages

On peut les classer selon qu'ils appartiennent au monde animal, humain, végétal ou mythologique.

Le " bestiaire " des est particulièrement riche de " modèles " représentant les travers et les vices des humains. En vertu d'un symbolisme animalier, en partie hérité de la tradition et réactivé par le génie de La Fontaine, ces " héros ", lion, renards, singes, rats, chiens, loups, etc., apparaissent tour à tour comme des bourreaux ou des victimes, reconstituant toute une société en miniature.

Les " humains ", eux, appartiennent à des classes, des métiers et des âges divers : savetier, financier, grand seigneur arrogant, astrologue ou maître d'école. Le personnage du Roi, directement nommé ou masqué par son double, le Lion, apparaît plus de trente fois dans les , révélant ainsi l'intérêt de La Fontaine pour les problèmes politiques de son époque.

Les " végétaux " (chêne, roseau, gland, etc.), les " objets " (cierge, pot de fer ou pot au lait) participent à l'action et, parfois, prennent la parole.

Les " personnages mythologiques " ont aussi une place de choix dans les Fables et rappellent que ce mot désigne également les récits mythiques.

Conception et structure de la fable

La Fontaine définit son œuvre comme :

Une ample comédie à cent actes divers
Et dont la scène est l'univers.

La fable peut donc être considérée comme un mini-drame, à la structure théâtrale fortement marquée: le décor, campé en quelques vers ou en quelques mots, l'intrigue exposée rapidement et progressant suivant des " actes " vers le dénouement, conformément à la psychologie des personnages. À titre d'exemple, la fable " Les Animaux malades de la Peste " est structurée comme une pièce dramatique.

Certaines fables de La Fontaine visent directement la société du XVII e siècle dont on trouve une image presque complète. Le Lion représente le Roi. Il jouit d'une autorité quasi divine et il aime étaler sa puissance dans de pompeuses cérémonies. La cour est présentée comme un pays de parasites ou règnent la servilité et l'hypocrisie. Le courtisan, par excellence, est le Renard qui flatte le Roi et prend toujours son parti.

évoquent aussi la noblesse de province qui exploite sans vergogne les paysans. Les mœurs de la ville sont montrées à travers des personnages et des modes de vie hauts en couleur. La Fontaine est un des écrivains qui ont le plus puisé dans l'actualité et laisse des tableaux de mœurs représentatifs de leur temps.

Par ailleurs cet auteur s'est également illustré dans la fable philosophique. C'est a Ésope et à ses prédécesseurs qu'il a commencé par emprunter les préceptes étroits de la sagesse des peuples. Mais par la suite, n'écoutant que son tempérament, c'est sa propre sagesse qu'il exprime. Elle est toute d'équilibre et de modération dans les désirs. La Fontaine accepte les décrets de la Providence et cherche le bonheur dans la simplicité et le repos.

Certaines fables du Second recueil reflètent des préoccupations philosophiques, sans qu'on puisse pour autant, parler d'un système dogmatique. La Fontaine réfléchit sur la vie et sur les lois qui la régissent et médite surtout sur la mort.

L'art de La Fontaine

La transformation de l'apologue en poème ou en petit drame versifié se fait grâce aux nombreuses innovations que La Fontaine apporte à la langue et à la prosodie.

Le fabuliste utilise dans ses fables toutes les ressources de la langue au double niveau du lexique et du style.

Le lexique
La Fontaine puise dans tous les registres lexicaux : langue populaire, vocabulaire technique et juridique. Il remet également à la mode certains termes archaïques, comme le mot " noise " ou la formule vieillie " J'ai souvenance ".

Enfin, il arrive que le fabuliste crée des néologismes dans un but humoristique : la cité des rats est appelée " Ratopolis " et la race canine est élevée à la dignité de la " gent chienne ".

La richesse lexicale sous-tend des styles très diversifiés, depuis le style réaliste, sans fioritures, en passant par l'éloquence oratoire, le style burlesque... et arrivant parfois au lyrisme. Le fabuliste pratique aussi la parodie du style épique dans une intention satirique.

Certaines fables s'élèvent véritablement à la grandeur épique, comme dans le " Paysan du Danube ", ou à la grâce émouvante du lyrisme, comme dans " Les Deux Amis " ou " Les Deux Pigeons ", La Fontaine fait entendre en sourdine à la fin de cette fable la musique de la nostalgie :

Ne sentirai-je plus de charme qui m'arrête ?
Ai-je passe le temps d'aimer ?

La prosodie

La Fontaine pratique largement une versification libérée des contraintes classiques. Il utilise une variété de mètres, l'alexandrin et l'octosyllabe aussi bien que les vers très courts, les faisant alterner dans la même fable. Cette " liberté " donne aux fables une grande souplesse et permet de souligner les effets de surprise ou les " pointes ". Dans " Les Animaux malades de la Peste ", le Lion escamote l'horreur de son " crime ", en rejetant dans un vers de trois syllabes le nom de sa victime, " Le berger ".

Le jeu des assonances et des allitérations contribue à la fluidité des vers et, par l'harmonie imitative, le fabuliste accorde une " voix " au animaux.

En guise de conclusion

Si on s'est accordé à admirer sans réserve l'art de La Fontaine, en revanche, on lui a reproché de prôner une morale de la " médiocrité ", mise à la portée de l'homme moyen. Cependant, cette sagesse de bon ton nous rappelle que, s'il est vain de chercher à éradiquer le vice, on devrait du moins travailler à acquérir une conscience plus lucide. La " mesure " et l'" équilibre " promettent des plaisirs délicats, éloignés de tout excès.

Le fabuliste enseigne aussi la liberté de l'esprit, le plus grand des bonheurs, " sans qui les autres ne sont rien ", comme il l'affirme lui-même. Credo que l'homme moderne pourrait faire sien.
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Fables choisies

Fables grecques et latines

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La Fontaine ne renie pas ses sources antiques. Au contraire, il les revendique. Mais d'emblée, il précise que son " imitation n'est point un esclavage ". Il puise chez les modèles anciens la matière première de son œuvre mais apporte au récit et à la moralité des modifications qui rendent son original...

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- origines et évolution -
Définition

Du latin " fabula " qui signifie récit, fiction. La fable peut être définie " un petit récit, généralement allégorique, qui contient une leçon morale ". Dans ce sens, elle est synonyme d'apologue, mot issu du grec " apologos " et qui veut dire " récit à intention moralisatrice ".

Origines et évolution

La fable est un genre commun à toutes les cultures et ses origines se perdent dans l'antiquité la plus reculée. Les fables dites indiennes sont popularisées au VII e siècle par leur traduction en arabe, et inspireront Ibn' Al-Muqaffa' dans le livre de Kalila et Dimna. La tradition les porte à des auteurs légendaires dont on connaît Pilpay.

Les Grecs citaient comme le créateur de la fable Ésope (VI e siecle av. J.-C.) mais on en trouve chez Hésiode, dès le VIII e siècle av. J.-C., telle la jolie fable " L'Épervier et le Rossignol ". Les fables ésopiques, rédigées en prose, furent mises en vers par Babrius (III e ou II e siècle av. J.-C.). Chez les Latins, le fabuliste Phèdre est avant tout un moraliste, mais c'est aussi un poète ; le récit est évidemment subordonné à la morale, mais il n'est pas décharné comme dans les fables ésopiques. Il est narratif, dialogué, il a du mouvement et du naturel. Horace n'est pas un spécialiste de la fable, mais quand il en glisse une dans ses épîtres ou dans ses satires, il en fait un chef-d'œuvre.

Le genre fleurit au Moyen Âge. Le fabuliste grec Ésope était si populaire à cette époque qu'on appela Ysopets tous les recueils de fables : par exemple celui de Marie de France (XII e siècle) et les fabliaux, où la moralité importe moins que l'observation.

Le XVII e siècle conserve la tradition des fabulistes Ésope et Phèdre ainsi que celle des des légendes de l'Indien Pilpay. Par ailleurs, sous l'influence janséniste, le classicisme préfère considérer l'apologue dans sa perspective didactique : c'est un récit qui s'ouvre ou se ferme sur une " morale ", c'est-à-dire une leçon de sagesse. L'apologue est donc un moyen de former le jugement moral.

Cette double tradition s'enrichit du goût de l'époque pour l'aspect ludique de la fable. Ainsi, une triple influence préside à la refonte du genre par La Fontaine. C'est lui qui donne à la fable ses lettres de noblesse, élevant le genre à la dignité de la poésie.
Genres littéraires

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Du latin " fabula " qui signifie récit, fiction. La fable peut être définie " un petit récit, généralement allégorique, qui contient une leçon morale ". Dans ce sens, elle est synonyme d'apologue, mot issu du grec " apologos " et qui veut dire " récit à intention moralisatrice ".

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Analyser une autobiographie

Introduction

Le mot " autobiographie " est formé de trois racines grecques : " graphein " (écrire), " bios " (vie), " autos " (soi-même). Une autobiographie est un " récit rétrospectif en prose qu'une personne réelle fait de sa propre existence, lorsqu'elle met l'accent sur sa vie individuelle, en particulier sur l'histoire de sa personnalité ". ( Ph. Lejeune, Le pacte autobiographique, Ed. Seuil, 1975).
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Analyser une autobiographie

Le genre de l'autobiographie présente des caractères spécifiques.

Un mode de narration particulier

Le " je " domine comme dans un récit à la première personne. Mais ici, celui qui signe le livre (l'auteur), celui qui raconte (le narrateur) et celui dont on raconte la vie (le personnage) sont un seul et même être. En conséquence, on s'intéressera particulièrement au rapport que l'auteur établit avec lui-même à travers l'écriture. Comment se désigne-t-il ? Quelle distance prend-il vis-à-vis de lui-même ? Quelle est la part du récit, de l'analyse et du jugement sur soi-même ?

L'importance du temps

Il convient de distinguer le temps des faits (l'époque dont on parle, l'enfance par exemple) et le temps de l'écriture (la période au cours de laquelle l'auteur écrit). Le plus souvent, de nombreuses années les séparent. Le souvenir, les mécanismes de la mémoire sont des thèmes fréquents de l'autobiographie. Parfois, le passé et le présent sont comparés ou bien les époques se mêlent. L'écrivain tire alors parti de cette superposition pour accéder à sa propre vérité par la recomposition de ses " moi " successifs.

Les buts de l'autobiographie

Elle peut être une confidence, un moyen d'introspection, ou l'occasion d'un bilan dans l'évolution de sa personnalité. L'écrivain peut aussi chercher à se justifier, comme Jean-Jacques Rousseau dans les Confessions.

Si l'auteur a l'ambition de retracer les événements historiques auxquels il a été mêlé, l'autobiographie devient " Mémoires " ( Les Mémoires d'Outre-Tombe de Chateaubriand).

Le rôle que l'écrivain assigne à l'autobiographie fait souvent l'objet de déclarations préliminaires : préambule, avant-propos, avertissement.

→ Lumière sur les mémoires. - Les confessions et les confidences. - Les Confessions de Jean-Jacques Rousseau.

Qu'est-ce que l'autobiographie ?
Analyser un texte

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Analyser une autobiographie : Le mot " autobiographie " est formé de trois racines grecques : " graphein " (écrire), " bios " (vie), " autos " (soi-même). Une autobiographie est un " récit rétrospectif en prose qu'une personne réelle fait de sa propre existence, lorsqu'elle met l'accent sur sa vie individuelle, en particulier sur l'histoire de sa personnalité ".

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Les lettres réelles et les lettres fictives

Il faut distinguer les lettres qu'échangent des correspondants réels (Mme de Sévigné et sa fille) des lettres que l'on peut lire dans un roman et que s'adressent des personnages de fiction ( Lettres persanes de Montesquieu). La correspondance fictive entre dans l'étude générale du roman. Les lettres réelles ont d'abord une fonction informative mais elles peuvent présenter, elles aussi, un intérêt littéraire.

Les lettres d'écrivains, bien qu'elles ne soient pas destinées en principe à être lues par d'autres que par le destinataire, ont souvent été diffusées et sont en général publiées. Elles témoignent de qualités d'écriture et révèlent un aspect méconnu de leur auteur.

Analyser une lettre

Les éléments matériels

La lettre est-elle datée ? Est-elle signée ? Qui en est le destinataire ? Est-il nommé ? Quelle importance est accordée aux formules initiales ? Aux formules finales ? La lettre contient-elle des références biographiques ou historiques ? Répondre à ces questions permet de délimiter le contexte où se situe l'échange.

Les objectifs visés

La communication qui s'établit dans une lettre se réduit rarement à l'utilitaire. C'est pourquoi la lettre fait appel à plusieurs niveaux de lecture. Au-delà de l'information qu'il transmet, et qui n'est parfois qu'un prétexte, l'épistolier livre une part de lui-même. L'étude d'une lettre conduit donc à considérer l'explicite comme l'implicite.

L'écriture épistolaire

Les marques de l'énonciation sont nombreuses dans cette situation de communication particulière où deux interlocuteurs, en l'absence l'un de l'autre, s'adressent cependant l'un à l'autre. De plus, bien qu'elle soit soumise aux règles de clarté de la communication écrite, l'écriture épistolaire peut se rapprocher de l'oral par la liberté de ton, une apparente improvisation, et même le jeu du faux dialogue avec le destinataire. On s'intéressera à ces traits distinctifs pour mesurer l'implication de l'auteur dans son message et pour mieux comprendre les liens qui unissent les correspondants.
Analyser un texte

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Il faut distinguer les lettres qu'échangent des correspondants réels (Mme de Sévigné et sa fille) des lettres que l'on peut lire dans un roman et que s'adressent des personnages de fiction (Lettres persanes de Montesquieu). La correspondance fictive entre dans l'étude générale du roman.

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Le pamphlet

Introduction

Un pamphlet est un écrit satirique qui attaque un adversaire, un parti, une situation ou une idée. C'est un texte agressif, violent, en général bref : une " lettre ouverte ", un article de journal, un poème, un court récit. Mais il existe aussi des pamphlets longs : Les Châtiments de Victor Hugo.

Le pamphlet appartient à la littérature polémique qui combat, riposte et prend parti. Il témoigne d'une écriture qu'on appelle engagée ou militante.

Analyser un pamphlet

Les circonstances

Le pamphlet est toujours lié à une actualité. Il convient donc de le replacer dans son contexte pour identifier exactement l'adversaire ou l'idéologie visés.
" J'accuse! " de a été écrit pendant l'Affaire Dreyfus (1894 - 1906) pour dénoncer l'antisémitisme et la partialité de l'armée et de la justice françaises.

Mais ces cibles sont parfois cachées, soit en raison de la censure, soit pour pousser le lecteur à une attitude active et complice.

Au-delà de l'événement précis et des attaques personnelles, on cherchera aussi à dégager la portée générale de la dénonciation. Les meilleurs pamphlets sont ceux dont l'enjeu dépasse les circonstances qui l'ont fait naître.
Au-delà de ses attaques contre les Jésuites, le combat de contre l'intolérance.

L'objectif du pamphlétaire est simple : détruire, discréditer. Pour cela, il recourt à plusieurs moyens expressifs : l' ironie, qui se marque par le faux étonnement, le décalage entre le sérieux de l'accusation et le comique de la forme ; l' exagération, qui force le trait, choisit toujours l'amplification plutôt que la mesure ; la parodie, qui, pour ridiculiser l'adversaire, imite ses procédés en les déformant ; et, de façon générale, un lexique dévalorisant.
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Pamphlets

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Un pamphlet est un écrit satirique qui attaque un adversaire, un parti, une situation ou une idée. C'est un texte agressif, violent, en général bref : une " lettre ouverte ", un article de journal, un poème, un court récit. Mais il existe aussi des pamphlets longs : Les Châtiments de Victor Hugo.

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La satire

Introduction

L a satire est un genre de composition littéraire, en vers ou en prose, ayant pour objet l'attaque des vices, des passions déréglées, des sottises, des défauts des hommes, de la société, d'une politique ou d'une époque. Le nom de " satire ", longtemps orthographié satyre, peut être rattaché par l'histoire littéraire soit aux anciens drames satiriques des Grecs, soit aux compositions mêlées, farcies, des premiers temps de Rome.

Dans la littérature latine, la satire est une œuvre en prose et en vers (mètres mêlés ou uniformes) attaquant et tournant en ridicule les mœurs de l'époque. Dans la littérature française et au XVIe siècle, la satire est un écrit mêlant vers et prose et s'attaquant aux mœurs publiques. À partir du XVIIe siècle, la satire est devenue une œuvre en vers dans laquelle le poète tourne en dérision les défauts et les vices d'une personne (souvent en la nommant), d'une société, d'une institution.

Dans un sens plus moderne et plus courant, la satire est un écrit, un propos, ou une œuvre par lesquels on raille ou on critique vivement quelqu'un ou quelque chose ( Dictionnaire Larousse). On dira, par exemple : Ce film est une satire des mœurs politiques.

Définition du genre

La satire est un genre, mais il existe un ton ou un esprit " satirique " qui peuvent caractériser des œuvres appartenant à un autre genre : au XVIIe siècle, les Satires de Boileau sont des illustrations exemplaires du genre satirique, mais il y a aussi une dimension satirique dans le théâtre de Molière (Les Précieuses ridicules), dans les œuvres de Scarron ( Le Roman comique) ou de Furetière ( Le Roman bourgeois) ou encore dans des écrits pamphlétaires, comme les mazarinades (satire contre Mazarin).

De façon générale, le ton caractéristique de la satire joue un rôle dans les écrits polémiques, qu'il s'agisse des polémiques à proprement parler ou des pamphlets.

La satire, comme genre, se distingue néanmoins de ce genre apparenté qu'est l'écrit polémique en ce qu'elle accorde moins de place à la dimension proprement argumentative, qui est tout à fait représentative du texte polémique. Ce dernier est un écrit persuasif, qui peut user de traits satiriques pour mieux disqualifier la thèse, l'institution ou le personnage qu'il incrimine, mais c'est la dimension de dénonciation et de discussion qui y prédominent.

Par rapport au pamphlet, la satire se caractérise par un ton plus léger et une violence verbale moindre. La littérature pamphlétaire, en tant que littérature d'humeur et littérature de circonstance, liée à un moment ou à une conjoncture spécifiques, se définit par sa propension à dresser un tableau apocalyptique ou outré de ce qu'elle dénonce. Le pamphlet use, le cas échéant, d'une argumentation ad hominem qui peut aller jusqu'à l'injure pure et simple : les écrits de Léon Bloy contre Zola ( Mercure de France, 1894), ou contre Jules Vallès et Paul Bourget dans Propos d'un entrepreneur de démolition (1884) sont exemplaires à cet égard.

La satire, elle, se caractérise par la prédominance de l'élément narratif ou anecdotique, souvent absent du pamphlet et du texte polémique. Elle est descriptive. La peinture satirique des mœurs brosse un tableau outré des vices qu'elle stigmatise. La satire est par excellence une œuvre d'inspiration moraliste. Elle implique de plus que l'énonciateur soit absent du monde représenté, qui est un univers grotesque : il y est clairement énoncé que ni l'énonciateur ni le lecteur n'ont à voir avec ce monde-là ; l'univers représenté dans la satire est carnavalesque, et il est dépeint de l'extérieur. C'est cette mise à distance qui autorise le rire.

Objet et divisions de la satire

Tout ce qui révolte la conscience, heurte le bon sens, blesse le goût, est du domaine de la satire. On distingue, suivant les objets auxquels elle s'attache, la satire morale ou religieuse, la satire politique, la satire littéraire. Tantôt elle flétrit les mauvaises mœurs, combat la superstition, dénonce le fanatisme on l'hypocrisie ; tantôt elle s'attaque aux abus du pouvoir, aux calculs égoïstes de l'ambition, aux fureurs aveugles des partis ; tantôt enfin elle s'enferme dans la critique des ouvrages de l'esprit et poursuit de ses railleries l'impuissance vaniteuse de la médiocrité ou les aberrations du talent.

Envisagée dans ses procédés et ses formes de langage, la satire est générale ou personnelle :

générale, elle considère l'homme en lui-même et fait le procès à la nature imparfaite et faillible d'où découlent nos passions, nos erreurs et nos travers, à la société qui les développe, au temps qui les favorise ;

personnelle, elle prend à partie les individus dans lesquels les vices de l'humanité ou les travers du jour se manifestent avec le plus d'éclat ; elle les signale, par leur nom ou par des traits particuliers, à l'indignation ou au rire des contemporains.

Ajoutons que, générale ou personnelle, la satire peut être directe ou détournée :

directe, elle met sous nos yeux l'humanité, la société, l'individu, dans la réalité même des faits qui appellent ses censures ;

détournée, elle nous fait entrevoir le monde humain sous le voile transparent de l'allégorie, et ne dirige contre les particuliers que les traits légers de l'allusion.

La satire morale et la satire politique seront à volonté générales ou personnelles, suivant le tempérament de l'écrivain, selon que domine en lui le philosophe ou l'homme d'action ; mais la satire littéraire ne peut guère être autre chose que personnelle : on ne fait pas la critique d'un mauvais ouvrage sans en désigner l'auteur. Attaquer le Jonas ou la Pucelle, c'était nommer Coras et Chapelain, et Voltaire a tort de reprocher à Boileau d'avoir " fait rire aux dépens de dix ou douze gens de lettres ", fût-il vrai qu'il eût " fait mourir de chagrin deux hommes qui ne l'avaient jamais offensé ".

En matière morale ou politique, la satire personnelle s'appelle aujourd'hui diffamation. Livrer aux lecteurs le nom ou le signalement de l'intrigant, du faux dévot, de l'homme public ou privé corrupteur ou corrompu, c'est s'exposer aux rigueurs de la loi ; mais le poète diffamateur sera absous, s'il est honnête, par la conscience publique, et s'il a vraiment le talent de la satire, par les suffrages de la postérité.

Il n'y a pas de genre satirique à proprement parler dans la Grèce antique, mais il y a une composante satirique, notamment dans les comédies d'Aristophane.

C'est à la littérature latine qu'il revient d'avoir constitué la satire en genre. Les premiers textes satiriques en vers sont dus à Caius Lucilius, mais ce sont Horace et Juvénal qui ont illustré le genre et qui en ont durablement fixé un certain nombre de traits canoniques.

Les Satires d'Horace reprennent les thèmes de Lucilius et sa critique des mœurs romaines, tandis que les seize Satires en vers de son contemporain Juvénal sont une dénonciation plus violente de la corruption qui régnait dans la société romaine. À la même époque (Ier-IIe siècle), Martial donnait de cinglants recueils d' épigrammes, mêlant raillerie et invective. C'est d'ailleurs à Martial que l'on doit l'évolution de l'épigramme - originairement court poème commémoratif - vers la satire (au XVIe siècle, les épigrammes de Marot seront également des pièces satiriques, même si la dimension commémorative y subsiste).

L'œuvre fameuse de Pétrone, Le Satiricon (v. 60), sans être une satire à proprement parler puisqu'il s'agit d'un roman en prose et en vers, est un texte d'un réalisme cru et d'une étonnante liberté de ton et de style, qui décrit les tribulations de deux jeunes gens, Ascylte et Encolpe, et de leur esclave Giton dans la Rome décadente du Ier siècle.

Pendant la période médiévale, la satire est représentée par le genre de la sotie (ou sottie), farce allégorique et bouffonne (notons que la sotie est une forme littéraire datée, appartenant en propre au Moyen Âge). Les soties mettent en scène un peuple imaginaire et grotesque, celui des sots, miroir carnavalesque de la société médiévale. Quant aux fabliaux, ce sont de petits récits en vers octosyllabes, qui visent à ridiculiser les femmes, leurs amants et les maris jaloux ; leur dimension satirique est bouffonne et lourdement appuyée.

Au XIVe siècle, les Contes de Cantorbéry, de Chaucer et le le Décaméron, de Boccace sont des contes à la fois grivois et satiriques.

La satire du XVIe au XVIIIe siècle

À la Renaissance, nombre de textes célèbres intègrent à un titre quelconque des éléments satiriques, sans se réduire au genre de la satire ; tel est le cas dans l'œuvre de Rabelais ( Gargantua, Pantagruel, Le Tiers Livre, Le Quart Livre), dans celle d'Érasme ( Éloge de la folie), dans le Don Quichotte, de Cervantès, dans La Nef des fous (1494), de Sebastian Brandt, et dans certains aspects des comédies de Shakespeare.

Au XVIIe siècle, les comédies les plus en vogue comportent une dimension satirique, qu'il s'agisse de celles de Molière (le Médecin malgré lui, les Précieuses ridicules, L'École des femmes, Les Femmes savantes, L'Avare) ou de celles de Ben Jonson ( Volpone ou le Renard, Épicène ou la Femme silencieuse, L'Alchimiste, La Foire de la Saint-Barthélemy).

Mais à l'âge classique, ce sont les Satires de Boileau (1660), inspirées de celles d'Horace et de Juvénal, qui illustrent le genre proprement dit. Ces Satires sont dirigées contre des auteurs contemporains, Quinault, Pradon, Mlle de Scudéry, et elles ridiculisent la poésie épique de l'académicien Chapelain. Boileau affirme plaisamment que la postérité ne retiendra le nom d'un autre académicien, Charles Cotin (auteur de poèmes précieux dont Molière aurait fait le modèle de Trissotin dans Les Femmes savantes) que parce qu'il aura été sa victime. La dimension épigrammatique des Satires, brillantes et pleines de verve, s'accompagne d'un propos moral.

Dans Les Caractères de La Bruyère, la satire inventorie les ridicules et les travers de la cour, perçue comme une région dont les habitants ont une apparence, des rites et des mœurs étranges. Les personnages que décrit La Bruyère sont classés par types, de façon à former une galerie de portraits de courtisans, de coquettes, de femmes galantes, d'écrivains envieux et d'inutiles oisifs, miroirs des ridicules de la vie de cour et de la vanité de la condition humaine. L'œuvre était initialement conçue comme une suite aux Caractères de Théophraste. Le XVIIIe siècle a été un âge d'or de la satire. Liée à l'esprit des Lumières, en tant que celui-ci se définissait d'abord comme un esprit d'examen, un esprit critique, la satire devient non plus seulement le moyen d'une critique des mœurs, mais aussi celui d'une critique philosophique et politique qui trouve ses racines dans les œuvres des moralistes du XVIIe siècle. Les textes de Montesquieu (Lettres persanes, 1721) ou de Voltaire ( Romans et contes, 1748) reprennent sur des modes divers les thèmes de la critique des mœurs européennes.

En Angleterre, les plus brillantes réussites du genre datent de cette époque, avec les satires de Pope ( Dunciade, 1728-1743) ou celles de Joseph Addison. Fielding, Smollett, Swift, ont également écrit des romans satiriques : La Vie de Jonathan Wild le Grand (1743), de Fielding, par exemple, était dirigée contre Horace Walpole, tandis que Le Voyage de Humphry Clinker (1771), de Smollett, et Les Voyages de Gulliver, de Swift, sont des satires qui dépassent largement les ambitions propres au genre. Les Aventures de Joseph Andrews, de Fielding (1742), parodient quant à elles le moralisme et le sentimentalisme d'un fameux roman de Samuel Richardson, Paméla ou la Vertu récompensée, datant de 1740 (un premier texte de Fielding, paru anonymement, Justification de la vie de Mrs Shamela Andrews, raillait déjà l'œuvre de Richardson).

La satire aux XIXe et XXe siècles

Au XIXe siècle, après son apogée, la satire revit dans certaines œuvres polémiques, comme Les Châtiments, de Victor Hugo. Les textes pamphlétaires de Barbey d'Aurevilly, de Zola, de Léon Bloy puisent à l'occasion dans des thèmes propres à la satire, mais leur violence verbale, leur goût pour les dénonciations belliqueuses et l'invective les éloignent de la dénonciation plaisante des ridicules et des tableaux carnavalesques spécifiques à la verve satirique.

En Angleterre, la dimension satirique n'est pas absente des textes de certains romantiques, comme Blake, alors qu'elle n'existe guère dans les œuvres des romantiques français si ce n'est, ponctuellement, chez Musset et Hugo. À la suite de Fielding, Jane Austen écrit une parodie de roman gothique, Northanger Abbey (1818).

Les romans de Dickens, comme ceux de Thackeray, comportent des traits satiriques, sans que la gravité du propos social soit altérée par la légèreté des descriptions. Plus tard, les pièces de George Bernard Shaw, L'argent n'a pas d'odeur (1892), La Profession de Mme Warren (1893), Le Héros et le Soldat (1894) et Pygmalion (1912), ou celles d'Oscar Wilde, plus humoristiques et plus désabusées ( De l'importance d'être constant, 1895), renouvelleront les thèmes de la satire sociale caractéristiques de la comédie de mœurs (dont l'apogée avait coïncidé, au XVIIIe siècle, avec les pièces de Sheridan, comme L'École de la médisance, 1777, ou Le Critique ou la Tragédie en répétition, 1779).

Au XXe siècle, la satire en tant que genre a vécu, et c'est la permanence de l'esprit satirique dans des œuvres appartenant à des genres divers qu'il faut désormais évoquer. André Gide, par exemple, a donné le sous-titre de sottie à l'un de ses romans, Les Caves du Vatican, et il y a indéniablement des traits satiriques dans Les Faux-Monnayeurs, sans que l'on puisse considérer qu'on a affaire là à une renaissance de la satire, laquelle demeure, en tant que genre, une forme datée.

Dans la littérature contemporaine, la satire a partie liée avec un mouvement général de dénégation qui se développe en une fable noire (Orwell, 1984 ; Zinoviev, l'Avenir radieux). L'identification du monde romanesque à un univers où les pouvoirs de l'homme sont diminués ou dégradés par rapport aux données des grands genres héroïques généralise la perspective satirique et en fait une détermination constante de la création du XXe siècle.

Figure du vengeur ou observateur distancié, la satire incarne l'ombre portée du désir d'amour, de justice et d'authenticité. En ce sens, la satire n'est que l'envers de l'utopie.

Au cours du XIXe siècle, la presse satirique se développe en Europe. En Afrique, elle n'apparaît qu'à la fin du XXe siècle.

La presse satirique est un type de presse écrite qui utilise la satire - critique moqueuse - comme moyen d'information et d'expression. Apparue en France lors de la Révolution française (1789), elle prend son essor en Europe au XIXe siècle. En Afrique, elle apparaît à la fin du XXe siècle et se développe rapidement au cours de la décennie 1990.

Faire rire le lecteur en donnant une image volontairement déformée de la réalité, tel est l'un des buts de la presse satirique, but commun à la caricature, utilisée à l'origine dans la presse satirique avant qu'elle ne s'étende à la presse généraliste. Mais si le " fondement de sa démarche [la presse satirique] est de mettre à nu, de façon comique, un défaut, un vice, un mensonge observé dans la société ", comme le définit Souleymane Bah dans une thèse soutenue en 2004, la presse satirique n'a pas pour seul but de divertir : il s'agit in fine de dénoncer les travers et les fautes morales observés au sein de la société, notamment chez les puissants.
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La satire est un genre de composition littéraire, en vers ou en prose, ayant pour objet l'attaque des vices, des passions déréglées, des sottises, des défauts des hommes, de la société, d'une politique ou d'une époque.

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Introduction

On appelle " essai " un ouvrage qui développe une réflexion, qui expose des opinions, un point de vue personnel sur un sujet quel qu'il soit : société, culture, littérature, science...

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Le contexte de la réflexion

Le thème d'un essai s'inscrit dans l'histoire de la pensée ou bien dans l'actualité d'un débat. On tentera de dégager ce contexte en se reportant à l'étude de l'arrière-plan, historique et idéologique et en discernant dans le texte les références explicites ou implicites.

Les thèses en présence

Le point de vue d'un essayiste s'exprime souvent par opposition à une opinion contraire. On doit donc savoir distinguer la thèse défendue et les thèses que l'essai réfute. On ne confondra pas celui qui donne son opinion et celui ou ceux dont il cite les propos. Pour cela, on sera particulièrement attentif aux marques de l'énonciation.

Les moyens mis en œuvre

L'essai n'obéissant pas à des règles strictes, il possède une grande liberté de forme. Il peut être fondé en totalité ou en partie sur une argumentation. Il est proche du portrait et de l'écrit intime dans le cas très particulier, des Essais de . Il utilise la narration ainsi que la description pour dresser un constat, illustrer un phénomène, dépeindre une situation. Ou encore il se sert du dialogue pour débattre d'une question : un entretien avec un philosophe ou un savant.
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Introduction On appelle " essai " un ouvrage qui développe une réflexion, qui expose des opinions, un point de vue personnel sur un sujet quel qu'il soit : société, culture, littérature, science... Analyser un essai Le contexte de la réflexion Le thème d'un essai s'inscrit dans l'histoire de la pensée ou bien dans l'actualité d'un débat.

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Le genre pastoral ou la pastorale

Qu'est-ce que le genre pastoral ?

Le genre pastoral ou la pastorale est un genre de littérature qui peint la vie et les mœurs champêtres. Ce genre romanesque, dramatique et poétique est illustré par des œuvres aristocratiques qui mettent en scène les amours de bergers de fantaisie dans une nature idyllique. La pastorale trouve son origine dans l'Antiquité, avec des auteurs tels que Virgile ( Les Bucoliques), mais elle connaît une vogue importante surtout à partir de la Renaissance.

Le genre pastoral, qui s'exprime en prose comme en vers, peut admettre toutes les formes du roman ( Les Amours de Daphnis et de Chloé de Longus, L'Estelle de Florian, Paul et Virginie de Bernardin de Saint-Pierre, Hermann et Dorothée de Goethe, La Mare au Diable de George Sand), celles du drame ( L'Amant du Tasse, Le Pastor fido de Guarini), de l'opéra ( Mélicerte de Molière) et même de l'épopée ( Athis de Segrais). Le pastoral affectionne surtout celle de l'églogue et de l'idylle ( Idylles de Théocrite, Églogues ou Bucolique de Virgile). Le style de ces sortes de poèmes doit être simple, doux et naïf. Racan (dans ses Bergeries) et Segrais (dans ses Idylles) sont regardés comme les plus parfaits modèles que nous ayons, dans notre langue, de la poésie pastorale, dite. Les idylles de Mme Deshoulières sont de la plus grande faiblesse. André Chénier a seul su donné aux siennes un parfum d'antiquité qui en rend la lecture encore agréable.

On trouve à toutes les époques et dans les littératures des descriptions des beautés de la nature et de la simplicité de la vie des champs. Le Gita-Govinda de l'hindouisme, Le Livre de Ruth et Le Cantique des Cantiques de l'Écriture sont, en ce genre, de sublimes pastorales. Les Mu'allaqāt des Arabes, L'Odyssée d'Homère, etc. offrent également un exemple de ce genre.

Considérée comme genre distinct de littérature, la pastorale est née en Sicile (en Italie) au IIIe siècle avant Jésus-Christ. C'est de là que sont sorties Les Idylles de Théocrite et celles de Bion et de Moschus. Chez les Romains, ce genre est cultivé d'abord par Virgile et, après lui, mais avec un talent bien inférieur, par Calpurnia Némésien et Ausone. Longus le fait revivre en Grèce composant, au Ve siècle, son roman pastoral de Daphnis et Chloé. Le drame pastoral naît en Italie : La Favolà di Orfeo de Politien, La Fable d'Orphée en français, (1483) en est le premier exemple. Castiglione, Tansillo, Beccari, Bonarelli, le Tasse, Guarini, etc. se distinguent en ce genre. Shakespeare, dans quelques-unes de ses pièces, par exemple dans son Comme il vous plaira ( As you like), et Molière, dans Mélicerte, y sont essayés. Parmi les poètes latins modernes, Pontanus, le Mantouan, Sannazar, Vida, Rapin, etc. reprennent, mais avec peu de succès, la forme de l'églogue latine.

Le roman pastoral, renouvelé au commencement du XVIe siècle par Sannazar ( L'Arcadie), produit bientôt en Espagne La Diane de Montemayor et La Galatée de Cervantès, en même temps que Boscan et Villega y naturalisent l'idylle.

De son côté, le Portugal donne naissance à une foule de poètes bucoliques, dont les principaux sont Saa de Miranda, António Ferreira, Francisco Rodrigues Lobo, Diego Bernardez.

En Angleterre, au contraire, on ne compte qu'un petit nombre de poètes qui se soient exercés dans cette forme de la pastorale : Spenser ( Le Calendrier), Milton ( Lycidas), Philippe Sidney ( L'Arcadie), etc.

Chez les Allemands, la pastorale prend un ton moral et philosophique, surtout chez Gessner, Voss, Kleist et Goethe. Elle a le même caractère dans le roman de Paul et Virginie et dans les compositions plus modernes de Charles Reynaud et de George Sand. On a remarqué avec justesse que le genre pastoral a brillé surtout au déclin des littératures et dans les époques de civilisation raffinée.

En France, le roman pastoral est très prisé au XVIIe siècle. Genre aristocratique, il se rattache à plus d'un titre au roman sentimental, à l'égard duquel il présente néanmoins des différences notables. Le prototype du roman pastoral est L'Astrée (1607-1628) d' Honoré d'Urfé.

Cet ouvrage, le plus célèbre de tous les romans pastoraux du XVIIe siècle, connaît son temps un immense succès et constitue le modèle indépassable du genre. Le cadre de ce roman est le Forez, la région dans laquelle d'Urfé avait été élevé. L'intrigue, située très loin dans le temps, au Ve siècle, est centrée sur les amours d'Astrée et de Céladon, de Diane et de Sylvandre, et celles de l'inconstant Hylas. Tous ces personnages sont des " bergers ", ou plutôt des seigneurs dont les ancêtres ont choisi de se retirer dans la vallée du Lignon, loin du bruit du monde. La condition de berger philosophe correspond à un idéal de retraite paisible et bucolique, symboliquement consacrée aux conversations philosophiques et aux entretiens amoureux. Les personnages, dont la beauté et les sentiments n'ont rien à envier à leur noblesse, vivent dans une pauvreté symbolique, sans comparaison avec la misère populaire. La société aristocratique se reconnaît dans ce livre, qui est aussi pour elle un bréviaire de la conduite amoureuse. Les romans pastoraux qui suivent L'Astrée s'en inspirent, voire le plagient au point de figer définitivement le genre et de le faire paraître ennuyeux et stéréotypé.

La pastorale dramatique s'épanouit également dans les premières décennies du XVIIe siècle, avec des œuvres comme Les Bergeries (1625) de Racan.

Le goût du XVIIIe siècle pour une nature idéale, civilisée et douce, remet la pastorale à l'honneur après une brève éclipse. Le genre se charge alors d'un discours philosophique nouveau ( Idylles de Gessner).

Le genre pastoral en musique

En musique, une pastorale est, d'une façon générale, un morceau d'un caractère champêtre. Ce mot s'emploie souvent adjectivement : symphonie pastorale, prélude pastoral, etc. On peut aussi dire " pastoral " dans le sens d'opéra champêtre.

On appelle " pastorale ", dans le pays basque, une sorte de représentation dramatique en plein air, dont la partie musicale est composée principalement de chants populaires.

🎵 La Symphonie pastorale de Beethoven

La Symphonie pastorale tient une place très originale dans l'ensemble de l'œuvre de Beethoven : il est peu de compositions du maître, en effet, qui soient aussi sereines et aussi dénuées de tension dramatique. Annoncée pour sa création sous le titre " Souvenir de la vie à la campagne ", la mention " Symphonie pastorale, ou souvenir de la vie champêtre " date de 1809. Son sujet, la nature, jouait pour le compositeur un rôle déterminant et ce dernier a souvent insisté sur le fait qu'il s'agit plus, ici, d'" expression du sentiment que de peinture ".

* Bergerie (n.f.) : au pluriel, plus rarement au singulier, pièce de poésie, de chant, de théâtre, récit ayant pour thème les amours des bergers. Par extension, au singulier, souvent péjoratif, genre littéraire propre à ce type d'œuvres, style (mièvre et fade) habituel dans la poésie pastorale.

* Bucolique (n.f.) : souvent au pluriel, poème chantant l'amour de la campagne et peignant sous un jour idyllique la vie agreste des bouviers et des bergers.

* Églogue (n.f. ) : poème pastoral écrit dans un style simple et naïf où, à travers les dialogues des bergers, l'auteur relate les événements généralement heureux de la vie champêtre, chante la nature, les occupations et les amours rustiques.

* Idylle (n.f.) : petit poème du genre bucolique ou pastoral, proche de l'églogue, qui a pour sujet les amours des bergers.

* Pastorale (dramatique) : œuvre théâtrale à nombreux épisodes, parfois avec chœurs de musique.

* Pastorale (en musique) : œuvre dramatique et lyrique à décor champêtre dont les héros sont des bergers et des bergères.

* Pastorale (en peinture) : tableau à sujet champêtre.

Source : Le TLFi.
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45 textes littéraires annotés

avec exercices

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Le pastoral est un genre de littérature qui peint la vie et les mœurs champêtres. Ce genre romanesque, dramatique et poétique est illustré par des œuvres aristocratiques qui mettent en scène les amours de bergers de fantaisie dans une nature idyllique.

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Le genre dramatique

Introduction

Le théâtre occidental est en grande partie issu du théâtre antique et plus particulièrement du théâtre grec qui est né de la liturgie, en particulier des fêtes données en l'honneur de Dionysos : un poème lyrique, le dithyrambe, a donné naissance au théâtre lorsque le chef du chœur, le coryphée, s'est mis à dialoguer avec ses compagnons. Le mot théâtre vient du grec " theatron ", qui désigne le spectacle lui-même, mais aussi l'édifice où l'on représente une œuvre dramatique. Le mot dramatique vient de " drama ", signifiant action.

Le texte de théâtre

Le texte d'une pièce de théâtre comporte deux parties distinctes : le discours que les acteurs doivent prononcer et les didascalies, c'est-à-dire l'ensemble des indications concernant les décors, l'époque, les costumes, les objets, les gestes et les intonations du personnage, les éclairages, l'illustration sonore.

Le discours théâtral se présente le plus souvent sous forme d' un dialogue où les personnages (et les acteurs qui les incarnent) échangent des répliques. Le ton, les gestes, les silences prennent souvent une importance aussi essentielle que les paroles.

Une tirade est une longue réplique destinée à informer, émouvoir ou convaincre. La tirade qu'un personnage, seul en scène, s'adresse à lui-même (ou adresse au public) est un monologue. Le monologue permet au personnage de faire le point sur sa situation. Il sert aussi à exprimer son trouble.

Les apartés sont des répliques que le personnage dit à part soi et que seul le public est censé entendre.

L'action et les situations

L'action désigne l'ensemble des événements ou le conflit que les personnages tentent de résoudre.
L'intrigue est l'ensemble des péripéties ou des combinaisons imaginées par les personnages, qui vont permettre d'aboutir au dénouement.
Le nœud dramatique est la manifestation d'un conflit entre les forces qui participent (ou s'opposent) à l'action principale.
La situation est l'état des relations entre les personnages à un moment donné de l'action.
La dramatisation correspond à une tension des situations. Elle se manifeste dans les coups de théâtre, dans les silences, les gestes, les interruptions, les apartés.
Un quiproquo est une situation qui résulte d'une méprise.

Le temps de la représentation (la durée réelle du spectacle) doit être distingué du temps de l'histoire vécue par les personnages. Cette histoire commence, en effet, avant le début de la pièce et elle peut être évoquée par des récits dans l'exposition.
Par ailleurs, la durée de la représentation est généralement moins longue que celle de l'histoire représentée.

L'espace scénique

L'espace scénique, son décor, les déplacements des personnages qui le traversent, la communication qui s'établit avec la salle de spectacle sont des éléments essentiels au théâtre. Le lieu où se déroule l'action est donc déterminant : il peut être ouvert ou fermé, simple ou combinant plusieurs espaces, visibles ou invisibles.

Les costumes et les objets ont aussi une valeur symbolique, car ils renseignent sur le statut social des personnages ou participent à leurs relations.

Et pour finir, il faut se rendre compte qu'il y a plusieurs formes théâtrales comme la comédie qui offre le spectacle de la vie ordinaire, son dénouement est généralement heureux. La tragédie qui met en scène des personnages nobles prouvant leur héroïsme dans un combat difficile contre la fatalité. Le drame joue sur l'opposition du sérieux et du comique, du sublime et du grotesque, de la destinée individuelle et de l'histoire.

Enfin, le théâtre contemporain qui a renouvelé les formes traditionnelles du théâtre en bouleversant les frontières entre les genres.

→ L'action, le temps et l'espace forment ce qu'on appelle les .

🚀 Pour aller plus loin... 🚀
Pour tout savoir sur la poésie, consultez →Les genres littéraires : Le théâtre
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Lectures d'auteurs : 45 textes littéraires annotés avec exercices

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Qu'est-ce que le genre dramatique ? Le texte de théâtre - L'action et les situations - L'espace scénique. - Le mot " théâtre " vient du grec " theatron ", qui désigne le spectacle lui-même, mais aussi l'édifice où l'on représente une œuvre dramatique. Le mot " dramatique " vient de " drama ", signifiant action.

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Le genre romanesque

Qu'est-ce qu'un roman ?

Un roman est une œuvre narrative en prose. C'est un récit d'imagination : il est différent en cela des biographies, des récits documentaires...

Par rapport à d'autres fictions narratives, le roman se distingue par sa longueur (on peut ainsi l'opposer à la nouvelle) et par sa vraisemblance (il se différencie sur ce point du conte).

Le genre romanesque est caractérisé par sa diversité, sa capacité à aborder tous les sujets. Il comprend les romans d'amour, policiers, historiques, autobiographiques, d'aventures, d'analyses, réalistes...

Les questions liées au genre romanesque

Depuis le XVIII e siècle, où le roman devient un genre connu, il a fait l'objet de plusieurs débats.

La question de la morale

Au XVIII e siècle encore, le roman était jugé futile, immoral, invraisemblable. Étant de lecture " facile ", libre dans ses inventions, il passait pour provoquer une évasion dangereuse et donner de mauvaises idées. Dans leurs préfaces, les écrivains ont été amenés à légitimer leur œuvre romanesque en garantissant sa vérité, son sérieux et l'enseignement moral qu'on pouvait en retirer.

Le problème du réalisme

Au XIX e siècle encore, Balzac a pour ambition d'étudier la société de son temps avec l'exactitude d'un savant. Le Naturalisme de Zola va plus loin en faisant du roman le lieu d'expérimentation du déterminisme social. Mais les rapports du roman avec le réel sont ambigus. Réalité et fiction peuvent-elles se concilier ? Les ambitions réalistes ne se heurtent-elles pas aux choix du romancier et aux exigences de l'œuvre d'art ?

La contestation

Après la deuxième guerre mondiale, plusieurs écrivains mettent en question le roman " traditionnel ". Le Nouveau roman bouleverse l'intrigue et la chronologie, fait disparaître le personnage, innove dans le domaine de la narration. Depuis lors, on assiste à un renouvellement des thèmes et des formes romanesques. Aujourd'hui le roman est multiple.

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Pour tout savoir sur la poésie, consultez →Les genres littéraires : Le roman.
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Un roman est une œuvre narrative en prose. C'est un récit d'imagination : il est différent en cela des biographies, des récits documentaires... Par rapport à d'autres fictions narratives, le roman se distingue par sa longueur et par sa vraisemblance. Le genre romanesque est caractérisé par sa diversité, sa capacité à aborder tous les sujets.