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10 Trucos tóxicos de belleza de la época victoriana

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Autor: Cathy Newman Fecha: 2017-04-23

El 4 de julio de 1862, en un momento de magia pura, Charles Lutwidge Dodgson, tímido y melindroso catedrático de Oxford que escribía bajo el seudónimo de Lewis Carroll, conjuró la historia de una jovencita segura de sí que cae por una madriguera de conejo hacia el País de las Maravillas.

Alicia, la heroína de la fantasiosa epopeya, se encoje y crece; conoce a la delirante Liebre de Marzo y la furibunda Reina de Corazones; al Sombrerero Loco; a una Oruga que fuma en narguile; y asiste a una disparatada fiesta de té.

El cuento terminó convertido en el libro " Las aventuras subterráneas de Alicia ", y hace ya 150 años de su publicación.

Con Alicia y su saga, "A través del espejo", Dodgson celebró la absurdidad maniaca con una lógica que gira como carrusel ("Si me dice a qué idioma pertenece eso de 'tu -rurú', ¡le diré lo que quiere decir en francés!"). Los juegos de palabras rayan en lo absurdo (un árbol puede cortar; tiene corte-za). Y las palabras mismas bailan de júbilo (¡Ay, qué día más frajubloso!").

Dodgson amaba a los niños. Pero había uno especial, la pequeña de los ojos cautivadores llamada Alice.

Incluso su seudónimo era un juego de palabras. Transpuso Charles Lutwidge, transformándolo en Ludovic Carolus y de allí emergió Lewis Carroll.

Dodgson amaba a los niños. Pero había uno especial, la pequeña de los ojos cautivadores llamada Alice. Y para complacerla fue que creó el País de las Maravillas, cambiando así el paisaje de la infancia.

Todo empezó en un bote de remos

Dodgson se antoja el improbable creador de un mundo de maravillas. Profesor de matemáticas, autor de un impreso titulado "Tratado elemental de determinantes, con su aplicación en ecuaciones lineales simultáneas y ecuaciones algebraicas", jamás contrajo matrimonio, era profundamente religioso, salió de Gran Bretaña solo una vez -en recorrido por Europa- y pasaba el tiempo visitando catedrales.

No obstante, su imaginación vacilaba en el límite entre el sueño y la conciencia.

¿En dónde empezó el País de las Maravillas? Podríamos decir que en una habitación repleta de libros encuadernados en piel; fresca y oscura, excepto hacia el mediodía, cuando el sol se asoma y todo se vuelve oro.

Es la biblioteca del Colegio Christ Church, en Oxford donde Dodgson, subdirector de biblioteca, se asomaba por la ventana para mirar a las pequeñas hijas del decano, Henry Liddell, jugando en el jardín.

Eran Edith, Lorina y la menor, Alice, de tres años, con flequillo y aquellos ojos soñadores. Frecuentaba a las niñas, las invitaba a tomar el té y les contaba cuentos. Años después, cuando Alice se había casado, el autor le dijo: "He tenido infinidad de amiguitos desde aquellos días; pero para mí, todos han sido algo muy distinto".

En 1928, Alice Liddell subastó el manuscrito por 15,400 libras esterlinas (75,000 dólares). Fue adquirido por un coleccionista estadounidense quien, seis meses después, lo revendió por 150,000 dólares.

Una tarde de verano, luego que el sol apartara las nubes que enfriaban la mañana, Dodgson, con traje de franela blanca y sombrero de paja, acompañado de su amigo y colega, el reverendo Robinson Duckworth, condujo a las niñas hasta Folly Bridge, eligió un bote de remos y navegaron río arriba por el Isis, nombre que recibía ese segmento del Támesis.

Pero, ¿qué relevancia tiene una expedición fluvial para nuestro relato? "Cuéntenos un cuento, señor Dodgson, por favor", imploraron las pequeñas.

Las historias se sucedieron una tras otra. Dodgson envolvió a las niñas con sus palabras. Y la heroína fue la propia Alice.

Más tarde, la niña le suplicó que escribiera los relatos y en su afán de complacerla, accedió. Transcurridos dos años y medio, en la Navidad de 1864, Dodgson le entregó una libreta de piel verde oscuro con el cuento escrito e ilustrado a mano, titulado "Las aventuras subterráneas de Alicia".

A instancias de sus amigos, el catedrático decidió ampliar la narración y en 1865, cambió el título por "Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas", publicándolo con la editorial Macmillan e ilustraciones de sir John Tenniel. Se vendieron 160,000 ejemplares y el ingreso le brindó una vida tan cómoda que pidió a Christ Church que redujeran su salario.

Traducido a más de 50 idiomas (desde árabe hasta zulú) e ilustrado por infinidad de artistas (desde Dalí hasta Disney), "Alicia" ha sido tema de conciertos, dramas y películas.

El viaje de un manuscrito

En 1928, Alice Liddell subastó el manuscrito por 15,400 libras esterlinas (75,000 dólares). Fue adquirido por un coleccionista estadounidense quien, seis meses después, lo revendió por 150,000 dólares. Fue subastado nuevamente en 1946 y esa vez, Luther Evans, bibliotecario del Congreso, ofertó con fondos aportados por bibliófilos estadounidenses, adquiriendo la obra por 50,0000. Alertados de su intenciones, comerciantes de libros mantuvieron baja la puja de manera intencional.

Evans viajó a Inglaterra en 1948 y devolvió el delgado tomo al pueblo británico como un "reconocimiento por haber mantenido a raya a Hitler mientras nos preparábamos para la guerra".

Hoy se encuentra en la colección del Museo Británico, institución que le ha permitido viajar a la Biblioteca Morgan de Nueva York para la exhibición de aniversario "Alice: 150 Years of Wonderland", que permanecerá abierta hasta octubre 11.

Traducido a más de 50 idiomas (desde árabe hasta zulú) e ilustrado por infinidad de artistas (desde Dalí hasta Disney), "Alicia" ha sido tema de conciertos, dramas y películas.

Y también analizado. Se ha dicho que el mundo maravilloso de Dodgson está plagado "eminentemente, de tendencias orales, sádicas y de naturaleza caníbal".

¿Analizar "Alicia"? Pues acabemos de una vez y disequemos las pompas de jabón.

Si pretende hacer reservaciones para la madriguera del conejo o cualquier otro reino en la geografía de la imaginación, es mejor que vaya acompañado de un niño. Ellos siguen el llamado del corazón. Nosotros lo hemos olvidado.

Pero Charles Lutwidge Dodgson jamás olvidó. En cierto sentido, nunca creció. Incluso podríamos decir que maduró a la inversa.

Incluso su seudónimo era un juego de palabras. Transpuso Charles Lutwidge, transformándolo en Ludovic Carolus y de allí emergió Lewis Carroll.

Dodgson amaba a los niños. Pero había uno especial, la pequeña de los ojos cautivadores llamada Alice. Y para complacerla fue que creó el País de las Maravillas, cambiando así el paisaje de la infancia.

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De dónde surgió "Alicia en el País de las Maravillas"

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Autor: Cathy Newman Fecha: 2017-04-23 El 4 de julio de 1862, en un momento de magia pura, Charles Lutwidge Dodgson, tímido y melindroso catedrático de Oxford que escribía bajo el seudónimo de Lewis Carroll, conjuró la historia de una jovencita segura de sí que cae por una madriguera de conejo hacia el País de las Maravillas.

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No cabe duda de que la sociedad victoriana (1837-1901) se movía alrededor de cientos de normas de usos y costumbres en cuanto a la relación con los demás. La gente debía conocer cuál debía ser su comportamiento en cada momento y la no observación de estas estrictas reglas de convivencia era muy mal vista y podía afectar seriamente a la reputación de esa persona. De hecho y a tal efecto, existían libros, revistas y otras publicaciones en las que estas normas se detallaban escrupulosamente para evitar cometer ningún error. De esta manera, un hombre podía ser considerado un "caballero" y una mujer, una "dama". La sociedad de la época vivía pendiente a estos pequeños detalles, prácticamente esclavos de una etiqueta rígida e intransigente.

En este artículo me centraré en la etiqueta contemplada durante la época de luto, momento durante el cual la vestimenta y el comportamiento eran observados de una manera aún más crítica dada su importancia a raíz del ejemplo mostrado por la reina Victoria tras la muerte de su esposo, el príncipe Alberto. En este momento histórico en el que las emociones se contenían, se esperaba que las mujeres de la familia exteriorizaran el pesar de la familia a través de su vestimenta, que debía ser de un negro riguroso.

Durante el velatorio, debían cerrarse las cortinas de la casa y también detener todos los relojes. Todo lo relacionado con el cortejo fúnebre como los adornos de los caballos que tiraban del coche o el ataúd debía ser de color negro, salvo en el caso de los niños, en el que era de color blanco. ¿Y qué pasaba con los que no tenían dinero para un funeral de estas características? Se veían obligados a celebrarlo en domingo para no perder días en el trabajo y por tanto, sueldo, y en el caso de no tener ahorros para el domingo más próximo, el cadáver debía permanecer en la casa hasta el siguiente.

Los períodos de luto variaban según el grado de cercanía al difunto, la edad o el sexo. La viuda solía ser quien seguía un luto más riguroso durante un periodo de al menos dos años y medio. Los menores de 15 años estaban exentos de llevar luto y entre las mujeres, era prácticamente obligatorio a partir de los 17 años, pues las niñas ya eran consideradas adultas. Cualquier adorno estaba prohibido en todo caso excepto el velo de crepé sobre el rostro y no se podían llevar joyas. Por supuesto, las mujeres de luto no podían acudir a ningún evento fuera de su hogar excepto a la iglesia y a visitar a familiares cercanos. Una viuda sólo podía volver a casarse si no tenía ingresos propios ni niños pequeños a su cuidado. A partir de los seis meses, la mujer de luto podía colocar algunas flores y cintas en su atuendo, siempre de color blanco o negro y más adelante, se permitía llevar vestidos de colores de semiluto: gris, violeta, malva o blanco. Una vez acabado el duelo, era costumbre enviar tarjetas a sus amigos y familiares para indicar que ya podía hacer y recibir visitas.

Más información:
Reglas y costumbres del luto en la época victoriana El luto victoriano El luto en la Inglaterra victoriana

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No cabe duda de que la sociedad victoriana (1837-1901) se movía alrededor de cientos de normas de usos y costumbres en cuanto a la relación con los demás. La gente debía conocer cuál debía ser su comportamiento en cada momento y la no observación de estas estrictas reglas de convivencia era muy mal vista y podía...

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Entre los iconos femeninos que abundaban en la época victoriana (llamada así por el reinado de Victoria de Inglaterra en la segunda mitad de s. XIX) podríamos encontrar en la lánguida que pintó Sir. Josh Everett Millais todos los atributos que se deseaban en una mujer: tal y como describe Nina Auerbach en su obra Woman and the Demon: the Life of a Victorian Myth, en la cultura de este periodo el ideal estaba constituido por mujeres "cadavéricas", "en trance, dormidas, como embalsamadas en vida".

Esto parecía contrastar con los ideales de belleza y salud que defendían muchas de las publicaciones que comenzaron a inundar las calles victorianas. Madeleine Marsh explica en su obra Compacts and Cosmetics: Beauty from Victorian Times to the Present Day que era "un deber de la mujer utilizar todos los medios a su alcance para embellecer y preservar su aspecto", y en esta obsesión por alcanzar el ideal de "rosa inglesa", tierna, delicada y con rubores naturales, nosotros repasamos las 10 cosas que debes conocer sobre la belleza de la época:

1. Los cosméticos eran "indecentes": la discreción suponía el dogma de las damas victorianas en cuanto al maquillaje se refiere ya que su uso obvio era considerado de "actrices y mujeres de la calle". Harriet Hubbard Ayer, columnista norteamericana de la época experta en belleza y dueña de la marca de cosméticos Recamier, recomendaba en su libro A complete and authentic teatrise of the laws of health and beauty (1902) no utilizar cosméticos hasta los 30 años, pero a partir de esa edad una mujer debía juzgar si utilizarlos o no. Entre los cosméticos que estaban mejor vistos se encontraba el llamado "rouge" (colorete) y los polvos, siempre y cuando fuesen discretos. Marsh recoge que tampoco había ninguna vergüenza en comprar "mejoradores" de piel y de pelo. En cualquier caso, lo que primaba era conseguir un resultado natural. Los perfumes seguían la misma línea que el maquillaje: debían ser delicados, como la violeta o la lavanda, y evitaban asociarse con olores más fuertes, como el almizcle o el pachuli.

2. La piel, la obsesión de la belleza victoriana: es en esta parte del cuerpo donde se concentra la industria de la belleza del momento. Debía ser brillante, sin ningún tipo de imperfección y sobre todo, lo más blanca posible. Lola Montez, condesa de Landsfeld y autora del libro Arts of beauty (or secrets of a lady's toilet) (1858) coincidía con Harriet Hubbard en que la limpieza diaria era el mejor secreto de belleza para mantener una piel inmaculada. Los baños con agua a diferentes temperaturas (como hacía la gran estrella Sara Bernhardt) y jabones puros eran "mejor que que las caras lociones". Pero en el baño no era suficiente con la esponja, debía frotarse vigorosamente la piel, como con los cepillos "de piel de camello" que recomendaba Hubbard Ayer.

3. Belleza por envenenamiento: En su afán por conseguir una piel perfecta, se utilizaban productos inverosímiles que "destrozaban la salud", como la ingesta de tiza o las dosis de mercurio que tomaban en la corte de Jorge I, según recoge Montez. Para las afecciones cutáneas, Hubbard Ayer recomendaba tomar "baños de azufre" y jabones que contenían azufres. Entre los blanqueadores aconsejados, existía un líquido que contenía mercurio, sustancias tóxicas que actualmente parecen increíbles de utilizar sobre el cuerpo humano. Dentro de las imperfecciones que se querían eliminar, como espinillas o puntos negros, se incluían también las pecas, que se podían quitar "frotando la piel".

4. Las arrugas, ese gran enemigo: los remedios que utilizaban para combatir arrugas iban desde frotar diariamente la piel con servilletas secas, a un tratamiento rejuvenecedor llamado " baños eléctricos " por el que el paciente se sumergía en un bañera con agua y sal y se aplicaba electricidad a través de una esponja y una pila galvánica. La corriente, que podía ser regulada, era una forma de devolver la firmeza a los músculos y como recoge Hubbard Ayer, los efectos eran temporales. Otro sistema era el llamado "sueco", consistente en los masajes que introdujo el sueco Perk Henrik Ling. El remedio casero más "curioso" consistía en vendarse la cara en carne cruda ante de irse a la cama para evitar las arrugas, una costumbre que recoge Lola Montez en su obra.

5. Una ideal que duele (y hiere): los remedios con los que se embellecían otras partes del cuerpo resultaban también muy extremos. Así, las damas victorianas podían exprimirse zumo de naranja sobre el ojo para tenerlos brillantes, usar pomada de mercurio sobre el párpado para los ojos hinchados, o depilarse con preparados cáusticos de arsénico, lima y potasio que a menudo "provocaban úlceras y llagas", explica Montez.

6. El pelo, ese (otro) objeto de deseo: el cabello era la otra obsesión de las damas victorianas. Uno de los tonos de pelo más deseado era el rubio, que se conseguía con peróxido de hidrógeno. Lola Montez escribió que los productos que se utilizaban coloreaban el pelo quemándolo. Concienciados de su cuidado, se recomendaba un cepillado de 10 minutos 4 veces al día y existían productos específicos para evitar la caída del pelo, la descamación del cuero cabelludo... Uno de los más populares fue la grasa de oso, un cosmético que usaban tanto hombres como mujeres para el crecimiento del cabello. El preferido era el oso pardo, y fue tan demandado que consiguieron "diezmar la población rusa de osos", describe Marsh.

7. El paso a una belleza de masas: La industrialización trajo consigo la publicación masiva de anuncios entusiastas que prometían con sus productos alcanzar el ideal de belleza deseado. Por primera vez, la industria no se dirigía a un público elitista, sino que incluía un nuevo tipo de consumidora, la mujer pudiente de clase trabajadora. Tanto las 'drug-store' norteamericanas como las 'pharmacies' inglesas hicieron que la belleza fuera asequible para un mayor número de personas de menor poder económico. Una de las mayores fortunas fue la de la familia Boot, que se dio cuenta que comprando a granel y aumentando el volumen de ventas podía reducir los precios. Cambió el nombre de su empresa a "Boot Cash Chemist" haciendo hincapié en lo accesible por el precio. ¿En qué se tradujo? Pasar de 130 tiendas en el cambio de siglo a 560 en 1914.

8. Escenario para el panorama actual: Los artículos para la piel vinieron de América hacia 1840 y derivaron en productos y compañías que sobreviven a nuestros días, como es el caso de Pond`s, creada en esta época por Theron T. Pond a raíz del éxito conseguido con su Pond's Extract. Un producto novedoso fue el que descubrió el farmacéutico Robert A. Chesebrough, un residuo del petróleo con propiedades curativas que en 1872 patentó como la vaselina. Este producto revolucionó el tocador: las mujeres lo usaban como hidratante, aceite capilar y brillo de labios.

9. Un mercado de "charlatanes": hubo muchos que quisieron sacar beneficio a través de los productos sin prescripción médica, cuya elaboración resultaba un arte casi oscura. Esto fue denunciado por diarios como Toilette of Health, que acorde con Marsh, declaraba: "nos aventuramos a decir que los cosméticos que mantienen su composición en secreto son fraudulentos y están compuestos principalmente de mercurio y plomo". Tal y como explica Thomas Richards en The Commodity Culture of Victorian England: Avertising and Spectacle 1851-1914, al no haber leyes para "regular la verdad de la publicidad, no había manera de pararlos una vez que habían ganado acceso al público masivo a través de la prensa victoriana".

Probablemente el caso más sonado sea el de Madame Rachel, una mujer que a través de su tienda en Bond Street (Londres) y su concepto "Beautiful For Ever" engañó a las damas más ricas de la ciudad: bajo unos nombres exóticos vendía a unos precios desorbitados productos que realmente estaban adulterados. Acabó sus días en prisión por extorsionar a sus clientas, que se veían obligadas a pagar o empeñar sus joyas a cambio de la discreción o el silencio de la estafadora, como describe Daily Mail.

10. Belleza "Do it yourself": ante la amenaza de estos productos perjudiciales, algunas voces expertas como Lola Montez recomendaban a las mujeres ser sus propias fabricantes, "no ya por una cuestión económica, sino de seguridad". Así empezaron a publicarse libros que en realidad eran recetarios donde se explicaba la elaboración de los tratamientos más eficaces como si fuesen una delicia culinaria. Para preparar sus lociones y pomadas, las mujeres solo tenían que acudir a la botica o a su propio jardín. Entre los ingredientes más comunes se incluía el agua de rosas, el aceite de almendras, huevos, ron, brandy blanco, cera blanca, bergamota y otros más especializados como almizcle, ambargris, espermaceti (aceite blanquecino que se extraía del cráneo del cachalote) o tintura de benzoína, un componente que se utilizaba en remedios para la piel.

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10 cosas sorprendentes que no conocías de la belleza victoriana | Belleza, Bienestar | S Moda EL PAÍS

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Entre los iconos femeninos que abundaban en la época victoriana (llamada así por el reinado de Victoria de Inglaterra en la segunda mitad de s. XIX) podríamos encontrar en la lánguida que pintó Sir.

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Viviendo como en la época victoriana | Todos los contenidos | DW | 07.09.2012

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El británico Peter Saunders siempre estuvo fascinado de la vida en la época victoriana y ha necesitado de más de siete años, para transformar su casa de campo en Nottingham, en una casa de estilo victoriano. Aquí vive este joven de 32 años como en una cápsula del tiempo, de mediados del siglo XIX.

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Una recopilación de Daniel Heredia

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Los últimos meses los he pasado leyendo más de una veintena de libros de todo tipo sobre la época victoriana -algunos muy recientes; otros, recuperados- y viendo todas las películas y las series ambientadas en esos más de sesenta años que van del 20 de junio de 1837 (coronación de Victoria de Kent como reina de Inglaterra a los dieciocho años de edad) y el 22 de enero de 1901 (fecha de la muerte de la soberana, a los 82 años).

¿El porqué? Estaba preparando un diorama de dos metros y medio de largo por dos metros y medio de ancho con figuras de Playmobil para Expo Click, una de las exposiciones más importantes de España, que se celebra cada año en Chiclana (Cádiz) desde finales de noviembre a principios de enero. Colecciono todo lo relacionado con la temática victoriana de estos entrañables juguetes, y quería hacer el mejor trabajo posible. Como siempre.

Para llevar a cabo este proyecto he precisado de grandes dosis de ilusión, tiempo y tozudez. Uno de los mejores momentos fue sin duda el de la información previa. Como hubiese hecho para la elaboración de una novela. Porque Todo está en los libros, como cantaba Carmen Machado en la sintonía del programa de Sánchez Dragó, con letra de Jesús Munárriz y música de Luis Eduardo Aute. ¿La recuerdan?

El mundo no se comprende sin los libros. Yo al menos. Ellos son abrigo y salvaguarda, consuelo y esperanza. Nunca te fallan (o pocas veces) como te suelen fallar las personas. Todo lo que he vivido gracias a los libros ha tenido tanta o más intensidad que mis experiencias porque casi siempre resultan mucho más satisfactorios los sueños que la realidad, los deseos que su materialización.
Estos diez libros seleccionados son un elenco entre otros posibles y en ningún caso un repertorio minucioso. La selección no es totalizadora, pero sí suficiente para entender una época estudiada en escuelas, institutos y universidades del mundo entero, y tema de innumerables tesis, artículos, ensayos y biografías. Que la disfruten.
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, de David Lodge, con traducción de Jaime Zulaika. Este autor inglés (Londres, 1935) que firma unas obras de humor muy aceptadas por los lectores, además de ser un prestigioso crítico literario, publicó esta novela en 2004. En España salió dos años después. Lodge se puso serio y trazó en este libro un retrato biográfico del escritor estadounidense Henry James, quien pasó buena parte de su vida en la Inglaterra victoriana. ¡El autor, el autor! es una novela brillante, capaz de golpearnos por su calidad. Disfruten de esta cabalgata de palabras especialmente recomendada para escritores o aspirantes a serlo. (Anagrama, 20 €)

, de Jack London, con traducción de Javier Calvo y prólogo de Iain Sinclair. El autor de Colmillo blanco llegó a Londres en 1902 para escribir un reportaje sobre los barrios bajos, así que pasó varios meses disfrazado de vagabundo con el fin de penetrar en la pobreza, en donde se hacinaban miles de personas en condiciones infrahumanas. Unos barrios cuya magnificencia estaba cimentada en el dolor, la explotación y el embrutecimiento de millones de desheredados. Un ensayo interesantísimo impregnado de principio a fin de una visión amarga de la existencia. (Gatopardo Ediciones, 20,95 €)

, de Daisy Goodwin, con traducción de María del Mar López Gil. Esta novela escrita por la creadora de la reciente serie de televisión Victoria (protagonizada por la actriz Jenna Coleman) recrea la juventud de Victoria de Inglaterra, una mujer que con apenas 18 años se convirtió en reina de la nación más poderosa del planeta, en la que se hace hincapié en las dificultades de una joven que se enfrenta a un mundo de hombres. Si les gustó Downton Abbey o The Crown, disfrutarán con esta serie y con esta novela de personajes repleta de deliciosos detalles, donde no se nos satura con hechos históricos, fechas y datos. (Suma de Letras, 20,90 €)

, de Juan Benet. Este ensayo salió publicado en la colección Ciudades en la Historia en 1989. Es el libro más viejo de esta selección, por lo que tendrán que conseguirlo en librerías de segunda mano. Pero vale la pena el esfuerzo de buscarlo porque se encontrarán con un relato concebido desde una mentalidad narrativa. Especialmente interesante es el capítulo dedicado a los bajos fondos. Juan Benet es un punto de referencia de la novela contemporánea y un exponente de esa modernidad que circula a través de los tiempos. Esta desconocida obra le sobrepasa y nos cautiva. ¿Qué más cabe pedirle a un escritor? (Planeta)

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Diez libros sobre la época victoriana - Zenda

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Los últimos meses los he pasado leyendo más de una veintena de libros de todo tipo sobre la época victoriana -algunos muy recientes; otros, recuperados- y viendo todas las películas y las series ambientadas en esos más de sesenta años que van del 20 de junio de 1837 (coronación de Victoria de Kent como reina de Inglaterra a los dieciocho años de edad) y el 22 de enero de 1901 (fecha de la muerte de la soberana, a los 82 años).

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¡Hola! Hace un tiempo escribí una entrada (por si escribíais una novela) sobre como se vestían (y desvestían) las damas en la época victoriana porque llevaban muchísimas capas de ropa y el proceso era laborioso ( os la dejo aquí)

Ahora, en esta entrada, os voy a explicar como iban vestidos los caballeros. No sé si lo sabéis pero el término dandi o dandy se acuñó en la sociedad inglesa y sobre todo francesa de finales del siglo XVIII y se refería a una persona muy refinada con grandes conocimientos de moda, pero en ciertos ambientes era algo negativo. De hecho en "The Gentlemen's Book of Etiquette" se dan una serie de pautas para evitar el exceso en el vestir. Se basa en la premisa " Deje que el vestido se adapte a la ocasión" que significa que la ropa debe ir acorde al momento, además, remarca que cualquier intento de ser conspicuo, es decir, de sobresalir, es malo. Si se era rico, debía demostrarse con la buena calidad de la ropa, no por el uso y abuso de joyas.

Proclamaban que la simplicidad siempre debía presidir el guardarropa de un caballero victoriano. Eso sí, prestando atención a los detalles más minuciosos desde el cabello a las mangas, pero sin parecer realmente obsesionado con la perfección.

Un ejemplo, debían cambiar su ropa siempre que estuviera sucia (¡Qué detalle!). Para cambiar pañuelos (cravats), calcetines, pañuelos de bolsillo y ropa interior se guiaban por lo siguiente:

En el campo, el lino permanecía limpio más tiempo que en la ciudad.

En lugares húmedos, sucios o polvorientos, los calcetines se ensuciaban antes (imaginaos en ciudades industriales como Manchester). Ahí aconsejaban cambiar más de un pañuelo por día.

Y ahora os voy a explicar qué tipo de vestimenta lucían. Todo dependía de la ocasión, por supuesto. Tenían "moda de noche", "deportiva" (de caza o pesca) y "moda para caminar". Pero vamos por partes.

Primero se ponían la ropa interior consistía en pantalones de lino y camisa, aunque más adelante crearon piezas que cubrían todo el cuerpo, llamados union suits.

Además sujetaban los calcetines con ligas. Para dormir, gastaban camisas y podían usar bata y zapatillas.

Todas las vestimentas, tenían en común que llevaban una camisa que debía ser simple. Os dejo una image de VintageDancer.com ( una página en la que hay información y patrones a la venta por si os queréis hacer ropa de cualquier época)

El cuello de la camisa nunca podía tener color y a veces se colocaban unas bandas rígidas (también en los puños) porque ahorraban tiempo ya que con tener estas piezas limpias y planchadas era suficiente, y así no tenían que tener limpia toda la camisa.

Luego, se ponían chalecos, que diferían según la ocasión, como los pantalones.

A continuación se colocaban los pañuelos o las corbatas.

Las corbatas (o pañuelos para el cuello) eran largas tiras de tela (seda, lino, algodón, etc.) que se envolvían alrededor del cuello, luego se ataban en cualquier nudo diferente, formando una especie de volante plano, y fueron el precursor de la corbata moderna.

Si iba a caminar, el traje sería de tweed, con botas normales, guantes no demasiado oscuros, una bufanda con alfiler en invierno y una pequeña corbata de color en verano, un sombrero y un bastón o paraguas. Siempre tenían en cuenta la armonía de colores.

Para un caballero victoriano, los accesorios o complementos eran muy importantes y nada desdeñables.

Y por supuesto, siempre llevaban guantes, porque era impensable tocar a una mujer con las manos desnudas debido a la doble moral imperante en la época.

Otro accesorio imprescindible eran los tirantes. Al principio estaban hechos de cuero marroquí, pero a partir de 1840, se usaron bordados hechos en dos blandas separadas, con pestañas y ojales. Era de seda.

¿Y qué llevaban los caballeros si iban a pescar , a cazar, o a jugar al cricket?

Para pescar, nada mejor que un abrigo viejo con grandes bolsillos, polainas y botas gruesas.

Para el cricket, lucían pantalones de franela, bastante sencillos,( a menos que su palo hubiera adoptado una franja de colores, lo que definiría el estilo del conjunto); una camisa de franela de color sin tonalidad intensa; el gorro de los mismos colores que el palo de cricket, zapatos con púas y un gran capa.

Para la caza, la ropa debía asegurar la comodidad y la seguridad. Por lo tanto, los cordones y algunos tipos de botas son indispensables. También lo eran las espuelas ; y un sombrero o una gorra redonda fuerte para evitar que el cráneo del caballero se agrietara si se le disparaba en la cabeza (Una gran recomendación, desde luego).

Como podemos intuir, los abrigos eran un complemento esencial para cualquier caballero. Tenían que poseer un chaqué, una levita y un frac, y un abrigo de cola (tail coat) y si hacía mal tiempo usaban capas.

Y no hay que olvidar que un caballero victoriano nunca salía de casa sin su sombrero.

Mención especial merecen los sombreros de copa. El primer sombrero de copa fue fabricado por John Hetherington en 1797; se hicieron muy populares en la década de 1820, fabricados con fieltro hecho de piel de castor y más adelante, de seda.

Lo que Hetherington diseñó fue un sombrero de montar modificado, ampliando el ala y alargando el área superior.

En 1823, Antoine Gibus lo modificó aún más como un gorro plegable de ópera; lo que hizo que viajar con él fuera mucho más fácil y durante la ópera podía hacerse plano y así lo guardaban debajo del asiento.

No fue sino hasta 1850 que el sombrero de copa realmente despegó cuando el Príncipe Alberto comenzó a usarlo en público (de seda lo llevaba él) y se convirtió en la máxima moda y todos los caballeros lo deseaban porque les volvía importantes y elegantes.

NOTA CURIOSA: La piel de castor se usaba para los sombreros y los abrigos y fue tal el furo que en 1900 casi se extinguieron los castores en América.

Y hasta aquí la entrada sobre la vestimenta masculina en la época victoriana. Hay que tener en cuenta que había variaciones según el año, porque la moda siempre ha sido cambiante e influenciable.
Victorian Man tablero
He creado un tablero en Pinterest con imágenes que os pueden interesar.
https://www.facebook.com/bloshka/ https://vintagedancer.com/ https://www.historicalemporium.com/store/mens-coats.php https://vintagedancer.com/victorian/victorian-mens-suits-coats/ http://www.katetattersall.com/the-glossary/
Os también dejo unos enlaces muy interesantes.

Si os ha gustado, compartid y comentad. ¡Gracias!

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(DES)vistiendo a los caballeros en la Época Victoriana

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¡Hola! Hace un tiempo escribí una entrada (por si escribíais una novela) sobre como se vestían (y desvestían) las damas en la época victoriana porque llevaban muchísimas capas de ropa y el proceso era laborioso ( os la dejo aquí) Ahora, en esta entrada, os voy a explicar como iban vestidos los caballeros.

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¡Hola! Menudo título tiene esta entrada, ¿a qué sí?

¿Y por qué la escribo? Muy fácil. Si eres escritora de novela romántica y decides ambientar tu historia en la época Victoriana, puede que llegue algún momento en que necesites saber cómo vestir o desvestir a tus personajes, sobre todo los femeninos, que llevaban capas y capas de ropa.

Primero, ¿qué es la época victoriana?

Es el período de la historia del Reino Unido que supuso el auge de la Revolución Industrial y del Imperio. Aunque esta expresión se usa comúnmente para referirse al extenso reinado de Victoria I (20 de junio de 1837 - 22 de enero de 1901).

Hay que tener en cuenta que esta época se caracterizó por el puritanismo, con una gran represión sexual. Llegaron hasta el punto de que no se podía ver el tobillo de las mujeres y dicen que la reina mandó alargar los manteles que cubrían para ocultar por completo las patas (legs) de las mesas porque los hombres podrían relacionarlas con las piernas de las mujeres y tener pensamientos pecaminosos.
La iglesia también aportó su visión y condenó toda expresión sexual. Incluso dentro del matrimonio, el sexo solo era para procrear. Pero frente a estas normas puritanas tan estrictas y exigentes, había una doble moral donde existía la prostitución, el adulterio y otras conductas consideradas nada apropiadas.

Como enamorarse locamente, por ejemplo. En esta época, la burguesía despreciaba las emociones y los sentimientos. Se vivía por y para la conducta recta y las apariencias, así que las grandes historias de amor o los matrimonios que no fueran de conveniencia, eran algo insólito y mal visto.

¿No creéis que aquí hay grandes ideas para novelas románticas? (Tenéis que leer a Sarah Maclean, que es una escritora actual y trata estos temas.)

Gracias a ella principalmente (Y bueno, a Thomas Hardy), soy tan apasionada de esta época, que ya de por sí hace que mi imaginación vuele porque fueron unos años de muchas luces y sombras, pero también constituyen un gran caldo de cultivo para grandes novelas. Y por eso, he escrito esta entrada.

Ahora, imaginemos que tenemos una protagonista femenina que tiene que vestirse (y en algún momento, desvestirse si la trama o la pasión lo requiere).

En todos estos años, la manera de vestir de las mujeres fue cambiando en el exterior pero con algunas variaciones, la ropa interior se mantuvo. Las mujeres usaban una gran cantidad de capas bajo el vestido: camisa, pantalón, corsé y enaguas, todo con muchos volantes, encajes, bordados, cintas y lazos.

BOTAS O ZAPATOS

MEDIAS O STOCKINGS: Eran de seda y estaban bordados con delicadeza. Se sujetaban con ligas.

PANTALONES O DRAWERS: Eran unos pantaloncitos de lino o de muselina que tenían una apertura central.

CAMISA O CHEMISE: La siguiente prenda de moda victoriana que se ponían era la camisa, una prenda sin forma que llegaba justo debajo de las rodillas. La usaban debajo de la enagua y posteriormente por debajo del corsé.

CORSÉ O CORSET: Se introdujo por primera vez a finales de l840. Fue una prenda usada por todas las mujeres, independientemente de su posición social.

El corsé tomó su forma cuando las mujeres insertaron materiales rígidos como varillas de hierro o huesos de ballena en sus corpiños que se extendían desde el busto hasta la cintura.

Con su cordón en la espalda, tiene un cierre delantero también. El corsé era necesario para lograr el aspecto deseado en la moda victoriana aunque su uso fue polémico y no estuvo exento de problemas médicos.

ENAGUA O PETTICOAT: Se colocaban desde una a varias e incluso se creía que las mujeres que llevaban pocas eran ligeras de cascos. Estas prendas se tensaban usando almidón en un intento de conseguir el gran efecto de falda; estas faldas se volvieron pesadas, voluminosas y generalmente incómodas.

CRINOLINA (MIRIÑAQUE) o CRINOLINE: El miriñaque fue originalmente una tela rígida con una trama de crin cubierta de algodón o de lino. La crinolina no era una estructura completamente rígida, pues se balanceaba con los movimientos de la mujer, y cualquier presión sobre una parte de la falda provocaba un movimiento completo de toda la estructura. Aunque apareció en 1830, su uso se concentró entre los años 1850 y 1970.

También eran peligrosas, porque en una época de chimeneas y velas, si una chispa caía en la ropa, se prendía toda la ropa son que nadie pudiera hacer nada para ayudar a la mujer. De hecho, Oscar Wilde perdió así a sus hermanas.

Y por supuesto, luego se colocaban el VESTIDO, que según la época del año podía ser de seda o de muselina, en las clases más adineradas, o de franela o algodón.

Así que ya tenemos toda la información para algunas escenas clave en nuestra novela romántica o erótica, al menos en lo que respecta a la indumentaria femenina.

Luego, ya veremos en qué posición social colocar a nuestra protagonista, que deberá moverse en una sociedad llena de prejuicios y de costumbres estrictas.(En el siguiente post os hablaré de ello).

Gracias por leer hasta aquí y ya sabéis que estoy en:

Fuentes usadas :
https://lacasavictoriana.com/ http://www.victoriana.com/Victorian-Fashion/

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Cómo se desnudaban en la Época Victoriana (claves para escribir romántica-erótica) ^^

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¡Hola! Menudo título tiene esta entrada, ¿a qué sí? ¿Y por qué la escribo? Muy fácil. Si eres escritora de novela romántica y decides ambientar tu historia en la época Victoriana, puede que llegue algún momento en que necesites saber cómo vestir o desvestir a tus personajes, sobre todo los femeninos, que llevaban capas y...

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Observed from today's perspective, crinolines look utterly uncomfortable and unattractive to the point of absurdity. Why would anyone want to wear something that resembles a gigantic whipped-cream cake around their waist? Yet fashion trends have shown that comfort and attractiveness often have little in common, so it can be said that crinolines were just what any fad is-a way to get all eyes on you even if the cost is being a real (fashion) victim.

One of the fashion trends of the 19th century Victorian Era that stirred lady fashionistas was the so-called "Crinolinemania," a craze that referred to the fashion obsession with the crinoline, a stiffened underskirt made using horsehair and linen or cotton, invented in the early 1840s.

These skirts were the followers of the "panniers" women's underwear worn in the 17th and 18th centuries that enabled extending of the skirt at the side, thus creating a large side-squared dress that properly displayed the garment's decorations.

However, according to some fashion historians, the real predecessor of the crinoline was the 16th-century Spanish "farthingale." These wide, full skirts were much adored by the Spanish ladies even back in the 15th century. The queen consort of Castile, Joana of Portugal, copied their style and introduced it to court, attracting admiring attention, although court rumor had it that the main reason she wore the style was to hide her illegitimate pregnancy. England became acquainted with the crinoline when Catherine of Aragon, first wife of Henry VIII, wore a Spanish farthingale made of linen and cane sticks.

In the first half of the 1800s, skirts became bigger and adopted a round shape. The ladies created an illusion of a large circle at the bottom part of their attire by wearing numerous layers of petticoats. This layered clothing often disabled the ladies' movement and comfort, so when the crinoline was finally invented, they felt a relief. Crinolines weighed less and fit more easily to the body.

The name of the fashion fad first appeared in the 1800s in the magazine Punch, which mocked the crinoline craze and published humorous cartoon illustrations about Crinolinemania. The root of the garment's nickname originates in the French words crin (horsehair) and lin (linen), which describe the materials of which the initial versions of the crinoline were made. The horsehair crinolines supported the weight of the layers of petticoats under the full skirts and provided more convenience.

One of the most widely known models is the cage crinoline which was first patented in 1856 by R.C. Milliet in Paris. His agent brought it to Britain and it became popular overnight. These crinolines were made of spring steel with lightness providing flexibility and enabled women to walk and sit while wearing them.

The ladies felt liberated in comparison to their previous layered petticoats and praised their experience in the Lady's Newspaper in 1863: "So perfect are the wave-like bands that a lady may ascend a steep stair, lean against a table, throw herself into an armchair, pass to her stall at the opera, and occupy a further seat in a carriage, without inconveniencing herself or others, and provoking the rude remarks of observers thus modifying in an important degree, all those peculiarities tending to destroy the modesty of Englishwomen; and lastly, it allows the dress to fall in graceful folds."

These positive reviews stimulated a massive production of crinolines led by the most successful producer, Douglas & Sherwood's Hoop Skirt Factory in New York. The mass-production made crinolines affordable to women who stood at different levels on the social ladder. On daily occasions, most of the women wore small crinoline versions while the large bell-shaped models, some up to six feet in diameter, were worn on special occasions such as balls.

Nevertheless, due to their heaviness and robustness, crinolines had disadvantages that completely outweigh the advantages. Wearing them in the summer meant spending the day in hot, unhygienic conditions. The biggest issue, however, was a fatal one.
Related story from us: The bizarre practice of foot-binding was once a symbol of beauty in China
The enormous size of the crinolines was often too challenging for the women in specific surroundings, and thus there were thousands of reported cases of ladies being severely injured or burned alive when a candle or a spark from the fireplace would accidentally flame by touching the crinoline. Sometimes the hoops would also get caught in machinery or be run over by carriage wheels, causing serious consequences to the wearer.

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Crinolinemania: The dangerous Victorian fashion garment that killed around 3,000 women

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Observed from today's perspective, crinolines look utterly uncomfortable and unattractive to the point of absurdity. Why would anyone want to wear something that resembles a gigantic whipped-cream cake around their waist? Yet fashion trends have shown that comfort and attractiveness often have little in common, so it

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Mujeres y escritoras en la sociedad victoriana

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Mujeres y escritoras en la sociedad victoriana

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¡Hola! Esta entrada viene en relación al lanzamiento de mi nueva novela #Amordehumoyalgodón que es mi primera incursión en la romántica histórica. La acción transcurre en Manchester en 1853, es decir, en plena época victoriana, así que hoy os voy a hablar de la doble moral que había en esos años, ya que es algo muy importante en la trama, porque condiciona las relaciones entre los personajes.

Gran Bretaña tenía una estructura social compuesta de cuatro clases diferenciadas: la Iglesia y aristocracia, la clase media, la clase trabajadora y los clase baja.

La clase más alta era conocida como la aristocracia. El establishment de la sociedad estaba compuesto por la clase alta.

Incluía a la Iglesia y la nobleza y tenían gran poder y riqueza. Eran la " upper class ". Eran privilegiados y no pagaban impuestos.

La clase media la componían los burgueses o " middle class". Eran los propietarios de fábricas, molinos, banqueros, propietarios de tiendas, mercaderes, hombres de negocios, y otros profesionales. Los que habían arriesgado su capital en pos de la nueva forma que iba adquiriendo la economía.

En cuanto a la clase media común y la clase media baja eran pequeños tenderos, médicos, abogados, comerciantes.

La clase baja británica estaba compuesta de dos sectores:

La clase baja incluía a hombres, mujeres y niños que realizaban diversos tipos de actividades, entre ellos trabajo en las fábricas, costura, limpieza de chimeneas, minería, y otros trabajos.

Los "pobres" (aquellos que no trabajaban, o no lo hacían con regularidad, y recibían la caridad pública).

ROLES DE GÉNERO
Durante el período victoriano, los roles de las mujeres y los hombres se definieron más que en cualquier otro momento de la historia.

En siglos anteriores, había sido habitual que las mujeres trabajaran junto a maridos y hermanos en el negocio familiar, que se hicieran cargo de las tiendas, atendiendo a los clientes o llevando las cuentas y al mismo tiempo podían atender sus deberes domésticos.

Pero a medida que avanzaba el siglo diecinueve, los hombres cada vez ocupaban más el puesto exterior (en la fábrica, tienda u oficina) mientras que las esposas, hijas y hermanas se quedaban en casa todo el día para supervisar las tareas domésticas que se llevaron a cabo cada vez más por las empleadas del hogar.

Desde la década de 1830, las mujeres comenzaron a adoptar la crinolina, una enorme falda en forma de campana que hacía que sea prácticamente imposible limpiar una rejilla o barrer las escaleras sin caer. Os dejo aquí un artículo sobre las muertes provocadas por esta pieza de ropa.

Los dos sexos habitaban lo que definían como 'esferas separadas', que se solo unían en el desayuno y otra vez en la cena.

La ideología de las esferas separadas descansaba sobre una definición de las características 'naturales' de las mujeres y los hombres.

Las mujeres eran consideradas físicamente más débiles que los hombres, lo que significaba que eran las más adecuadas para el ámbito doméstico.

Para contrarrestar la "corrupción moral" de la esfera pública en la que sus maridos trabajaban todo el día, las mujeres también debían preparar la próxima generación para llevar a cabo esta forma de vida.

(Hay que añadir que el hecho de que las mujeres tuvieran una influencia tan grande en el país fue utilizado como un argumento en contra de darles el voto)
La educación de las mujeres
Las mujeres tenían, por tanto, un nuevo tipo de educación a fin de prepararlas para este papel de 'ángel del hogar'.

En lugar de atraer a un marido a través de sus capacidades internas, las niñas de clase media fueron entrenadas en lo que se conoce como 'logros'.

Estos se pueden aprender, ya sea en el internado o de una institutriz residente.

En Orgullo y prejuicio Caroline Bingley

enumera las habilidades requeridas a cualquier joven:

Una mujer debe tener un conocimiento profundo de la música, canto, dibujo, baile, y las lenguas modernas (...); y además de todo esto, debe poseer un cierto algo en su aire y la forma de caminar, el tono de su voz, su dirección y expresiones ...

Al mismo tiempo, era importante para las chicas bien educadas suavizar su erudición porque no querían ser llamadas 'marisabidillas', el nombre dado a las mujeres que habían dedicado a sí mismas demasiado entusiasmo a las actividades intelectuales.

A estas se las consideraba poco femeninas y desagradables porque trataban de usurpar la superioridad intelectual 'natural' de los hombres.

Algunos médicos informaron que el exceso de estudio en realidad tenía un efecto perjudicial sobre los ovarios, convertían a las mujeres jóvenes y atractivas en ciruelas secas.

Más tarde en el siglo XX, cuando Oxford y Cambridge abrieron sus puertas a las mujeres, muchas familias se negaron a que sus hijas inteligentes asistieran por temor a que no fueran aptas para el matrimonio.
El matrimonio y la sexualidad
Al mismo tiempo, se esperaba que se centrasen en encontrar un marido. Olvidando todo el apetito sexual, por supuesto.

Las mujeres se suponía que deseaban el matrimonio, y luego aspiraban a ser madres en lugar de perseguir la satisfacción sexual o emocional. Un médico, William Acton, pronunció la célebre frase: 'La mayoría de las mujeres (felizmente para ellos) no están muy preocupadas con la sensación sexual de cualquier tipo'.

Generalmente, las niñas se casaban con 20 años, porque solían debutar en sociedad a los 18 más o menos. Por lo general, el novio era cinco años mayor. Esto no sólo reforzaba la jerarquía 'natural' entre los sexos, sino que también tenía sentido financiero sólido. Un joven tenía que ser capaz de demostrar que él tenía suficiente dinero para mantener a su esposa y sus futuros hijos ante el padre de la chica para que le diera su permiso.

Y en principio, ambos debían ser castos. Sin embargo, muchos hombres jóvenes respetables visitaban prostitutas. He aquí la doble moral victoriana.

Todas las grandes ciudades tenían unas zonas rojas donde era fácil encontrar una mujer a la que se podría pagar por sexo. (Por ejemplo Whitechapel en Londres)

Por desgracia, la sífilis y otras enfermedades sexuales eran abundantes, y muchos hombres jóvenes, sin saberlo, transmitían la infección a sus esposas. Para aquellos que desarrollaban una sífilis terciaria, el resultado era una muerte dolorosa y prolongada, por lo general sobre los 40 años.

Frente a la permisividad social de los hombres, las mujeres jóvenes y no tan jóvenes no tenían más remedio que permanecer castas hasta el matrimonio. Ni siquiera se les permitía hablar con los hombres a menos que hubiera una mujer casada presente (papel conocido como carabina).

Por supuesto, las mujeres no podían tener aspiraciones profesionales o personales. Estas frustraciones emocionales podrían conducir a todo tipo de rebeliones encubiertas.

Florence Nightingale deseaba ser capaz de hacer algo útil en el mundo, pero se esperaba que permaneciera con su madre y su hermana. Sufría de arrebatos histéricos y no podía soportar comer con el resto de la familia. Con el paso del tiempo, se convirtió en precursora de la enfermería profesional moderna y creadora del primer modelo conceptual de enfermería. Os dejo este artículo aquí .

Elizabeth Barrett , por su parte, utilizó la enfermedad como una excusa para retirarse a una habitación en la parte superior de la casa de su padre y escribir poesía. Fue una de las poetisas más respetadas de la etapa victoriana. Escribió prolíficamente sobre todo poesía aunque también realizó prosa y traducciones. Hizo campaña por la abolición de la esclavitud y su obra ayudó a influir en la reforma de la legislación sobre trabajo infantil.

En 1847 Charlotte Brontë puso fuertes sentimientos sobre el papel limitado de las mujeres en la boca de su heroína de Jane Eyre :

"S e supone que las mujeres generalmente son muy calmadas, pero las mujeres sienten tanto como los hombres, necesitan ejercicio para sus facultades y un terreno para encaminar sus esfuerzos tanto como sus hermanos; sufren las restricciones rígidas, el estancamiento absoluto con la misma intensidad que las sufrirían los hombres y es estrechez mental que sus compañeros privilegiados afirmen que ellas deberían dedicarse exclusivamente a hacer pasteles y a tejer calcetines, a tocar el piano y a a bordar. Es insensato condenarlas o reírse de ellas si buscan hacer más cosas o aprender más de lo que la costumbre ha señalado que es necesario para su sexo".

Este pasaje fue considerado tan impactante que los comentaristas conservadores como Lady (Elizabeth) Eastlake compararon su tono al cartismo, el movimiento obrero popular que defendía el sufragio universal.

Charlotte sabía que su libro era revolucionario, y por eso lo firmó con el seudónimo de Currer Bell. El impacto de su obra fue grandísimo porque escondía una crítica feroz al sistema del " establishment " victoriano, donde la única profesión de la mujer era la de ser esposa y madre amantísima, mientras que los hombres podían gozar de todos los privilegios. A Charlotte y a sus hermanas, al igual que a todas las mujeres, la época no les perdonaba ser mujeres independientes,porque tenían que supeditarse a los hombres en todos los sentidos.

Podemos decir que la sociedad victoriana tenía dos caras:

1. La exterior: que se vanagloriaba de despreciar el sexo como un acto de placer y pecado, que tenía una disciplina estricta y prejuicios muy conservadores y que condenaba a la mujer al papel de esposa y madre. (Por ejemplo, se dice que se llegaron a alargar los manteles de las mesas para que las patas no recordaran a las piernas de las mujeres. Incluso estaban mal vistas las embarazadas, que no solían salir porque el embarazo demostraba que habían tenido relaciones sexuales y ya no eran "castas" (aunque estuvieran casadas).)

2. La interior: la que transgredía todo comportamiento "adecuado" y se movía dentro de un mundo sexual oculto. (Había cientos de prostitutas, como en el mencionado barrio de Whitechapel, donde Jack el Destripador cometió sus crímenes).

A continuación, os dejo la Sinopsis de mi nueva novela, donde encontraréis plasmado mucho de lo que habéis leído en este post:

La vida de Sophie, hija del conde de Hastings, cambia cuando descubre que tiene un hermano y que su tío, dueño de un molino de algodón en Manchester, ha sido asesinado.

Aprovechando el parecido entre su padre y su tío Byron, éste les deja escrito un plan para que suplanten su identidad y averigüen quién le ha matado.

Para ello, tendrán que relacionarse con los seis molineros más poderosos y descubrir sus intrigas, mientras se ven envueltos en las luchas sindicales del movimiento obrero.

Sophie no sabrá en quien puede confiar, pero su corazón tal vez sí.

Aaron Wright, dueño de una mina de carbón, es un hombre rico, solitario y frío. Es socio del doctor Byron y se ha convertido en el patrono del molino Hastings. Por ahora, solo le han interesado los negocios, dejar atrás su pasado en África y mantener su vida íntegra y puritana.

Pero cuando conozca a una joven aristócrata valiente que no quiere casarse, su corazón se cuestionará las decisiones del futuro.

( A la venta próximamente en Amazon)

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¡Hola! Esta entrada viene en relación al lanzamiento de mi nueva novela #Amordehumoyalgodón que es mi primera incursión en la romántica histórica. La acción transcurre en Manchester en 1853, es decir, en plena época victoriana, así que hoy os voy a hablar de la doble moral que había en esos años, ya que es algo...

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En la década de 1830, el aumento de la alfabetización y la mejora de la tecnología conllevó el auge de las historias baratas,sensacionalistas y muy ilustradas entre la clase trabajadora.

Primero se les llamó "Penny bloods" pero en 1860 se les cambió el nombre a "Penny Dreadful" (penique terrible) y contaba historias de aventuras con piratas y bandoleros, para luego convertirse en novelitas de crímenes y detectives.

Eran publicaciones semanales de 8 a 16 páginas, con una ilustración en blanco y negro en la mitad superior de la portada.

Se volvieron publicaciones muy exitosas y muchas revistas abrazaron este nuevo género. Al principio, los Penny Dreadful se inspiraron en los cuentos góticos del s. XVIII, para plasmar un mundo "de barones asesinos y damas con título, de gitanos y jefes de bandoleros, hombres con máscaras y mujeres con dagas, niños robados, juegos despiadados y princesas extranjeras"

Pero lo más importante de estas publicaciones, lo que atraía a los lectores, eran las ilustraciones, convertidas en una herramienta publicitaria, casi un arte.De hecho, llegó un momento en el que lo que los editores pedían a sus ilustradores era: ¡más sangre, mucha más sangre!

Lo que demuestra una vez más, la importancia de una buena portada para captar la atención de posibles lectores.

Y entonces llegó 1844 y Mysteries of London, escrito por G W M Reynolds, basado en un libro francés. Esta publicación estuvo vigente 12 años y se alargó durante 624 números, convirtiendose en un hito del género.

¿Y por qué triunfó entre el público victoriano?

Por la temática: Ya no había asaltadores de caminos, si no que todo era más real. Las publicaciones hablaban del horrible mundo de los barrios marginales (los famosos slums, de los que hablaré en otro post sobre documentación) que contrastaban con la vida decadente de los ricos. Los barrios bajos urbanos con sus calles oscuras y laberínticas y las áreas de vicio y miseria se convirtieron en los escenarios de las nuevas obras y la gente se sentía más identificada.

Y luego llegaron las historias de asesinatos. El más exitoso de ellos fue la historia de Sweeney Todd, el barbero diábolico de la calle Fleet que apareció en una publicación llamada The People's Periodical, en el número 7, fechado el 21 de noviembre de 1846. El cuento en el que aparece se titula "The String of Pearls: A Romance". ( Aquí y aquí os dejo información sobre el barbero diabólico)

Y por supuesto, abundaron las historias de corte sobrenatural, con criaturas como vampiros.(Prometo otro post sobre los vampiros y su relación con la sexualidad en la época victoriana).

Y esto me sirve para enlazar con la magnífica serie producida por Sam Mendes y emitida por la cadena Showtime. Hablo de Penny Dreadful, protagonizada por una impresionante Eva Green en el papel de Vanessa Ives, una joven medium que trabaja para Sir Malcolm Murray, un explorador de África interpretado por Timothy Dalton. Ambos buscan a Mina, la desaparecida hija de Sir Malcolm y para ello recurren a Ethan Chandler (Josh Hartnett), un pistolero que esconde un pasado secreto. Y por supuesto, también conoceremos al Doctor Victor Frankestein y a Dorian Gray (ese personaje creado por Oscar Wilde en 1891).

Esta serie ya no es solo que tome el mismo nombre que las publicaciones. También transcurre en plena época victoriana y adopta el mismo tono terrorífico y sangriento que las publicaciones sobre las que trata este post, si no que también toma los personajes que se crearon en esos años. (Dorian Gray, Drácula, Van Helsing)

Pero si hay algo que destacar en esta serie, es su calidad. Ya no sólo visual, captando la belleza y el lado más siniestro de Londres en esa época.

Lo que me parece realmente brillante y que destaco como escritora son sus diálogos.

Son complejos, profundos, cargados de significado. Aquí os transcribo un ejemplo, del capítulo 6, de una cena entre Vanessa y Dorian Gray:

-¿Y la religión? -pregunta Vanessa.

-¿Se refiere a Dios?

-Hipotéticamente hablando, digamos que sí.

-Me gusta el ritual de la iglesia, supongo. Especialmente el catolicismo. ¿Y a usted?

-Tengo una historia complicada con el Todopoderoso. Creo, señor Gray, que hay temblores que nos rodean.Como la vibración de una nota musical. Música oculta.Algunos podrían estar más en armonía con ellos que otros.¿Qué hacen aquellas personas? ¿Aquellas que han sido elegidas?

-Soportar ser únicos.

Vanessa se ríe.

-Ser un extraño.Ser marginado por aquellos que los rodean.¿No es una terrible maldición? Ser diferente.

-Ser poderoso.¿Acaso no es un regalo divino?

-Estar solo.

-Estar buscando.

-¿El qué?

-A otro.

-Como usted.

-Que comparta tu rareza.

-Entonces ya no eres único.

-Ni estás solo.

Con este ejemplo podemos ver como un diálogo evoluciona, desde un tema como es la religión hasta la descripción profunda de los personajes y lo que sienten.

Como escritores, hemos de lograr algo así.

Así que recapitulando, desde hace muchos años, los lectores siempre han buscado lo mismo. Buenas historias, portadas impactantes y personajes que trasciendan. Si a eso le sumamos la importancia de la ambientación o la capacidad de verse representado en diálogos o descripciones, el producto resultante será exitoso. Ya sea una novela a un penique, un cuento gótico o una serie, si somos capaces de aunar ciertos elementos, conseguiremos llegar al corazón del lector.

Muchas gracias por leerme.

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¿Leerías horrores a un penique? Apuntes sobre Penny Dreadful

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En la década de 1830, el aumento de la alfabetización y la mejora de la tecnología conllevó el auge de las historias baratas,sensacionalistas y muy ilustradas entre la clase trabajadora. Primero se les llamó "Penny bloods" pero en 1860 se les cambió el nombre a "Penny Dreadful" (penique terrible) y contaba historias de aventuras con piratas y...

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En 1847 se publica 'Wuthering Heights' -Cumbres borrascosas- de Emily Jane Brontë, hermana intermedia entre las otras dos novelistas -Anne y Charlotte-, y perteneciente a una familia inglesa de escritores. Su padre y su hermano también lo eran. La bondad del éxito, no inminente, de esta novela es que está escrita por Ellis Bell, pseudónimo de Emiliy B. Su virtualidad, la separación de la novela victoriana, porque su trabajo carece de precursores y también de escuela posterior de incondicionales. Lo que subyace en Cumbres borrascosas no es algo que pueda precisarse mediante un examen o estudio, sencillamente porque es resultado de la personalidad de su autora que con 29 años ve editada, por fin, su única novela. Al año siguiente Emily muere, acabando con ella la posibilidad de una mujer literata y literaria que también había sido poeta con unos versos tupidos y pulidos, enérgicos y originales, y cuya polifonía peculiar y exclusiva no dejaba de ser indómita, apesadumbrada y eminente. Como era ella, inflexible para sí y compasiva con los demás.

Que esta novela sea creativa no la atribuye solo que sea buena. Su belleza, su poesía, consiste en la unión atípica de lo que es acostumbrado y habitual con lo que nos impresiona porque es brutal y salvaje. Emily carecía de un talante comunicativo y expresivo con los demás, sin embargo le era obligado abrirse y comunicar todo su rico mundo interior mediante la escritura. Nadie, ni sus más allegados, sus hermanas, podían franquear libremente sus proyectos y su corazón. Siempre se ha hecho difícil reabrir algo tan sellado como es la educación cuando esta precisamente ha sido una enorme abominación en las tiernas mentes infantiles. Nuestra autora ingresa a los seis años en el desolladero de Cowan Bridge, una escuela calvinista, modelo de encarnizamiento y cuyo horror dejaba inermes y sin palabras a las demás niñas. Alguien, como Emily, capaz de denunciar y reflejar la vida ordinaria y habitual de una institución escolar, no podía extrañarse de la reacción que tuvo su novela en aquella incipiente sociedad victoriana, pero de lo que sí estaba segura es de su inutilidad para escribir novelas que tratasen de los asuntos apasionantes del momento o de los eventos consuetudinarios que acontecían en la rúa, como pedía Juan de Mairena a un alumno que lo escribiese en lenguaje poético. Su realidad ya se la había marcado la escuela a raíz del fallecimiento de su madre.

Las personificaciones y los símbolos de los caracteres e impulsos primarios y esenciales en la Naturaleza no le venían a ella solamente por haber nacido, como sus hermanas, en Thornton -Bradford-, en el arisco condado de Yorkshire, al norte de Inglaterra. Su personalidad ya había sido señalada y grabada en su escuela de los horrores, con los rezos diarios durante horas seguidas, mientras los dientes castañeteaban con un frío de muerte, y en ayunas, con una metodología basada en los castigos abundantes, en las degradaciones y vilezas, y en los golpes con palos de madera. Un lugar en el que las niñas se hubiesen arrojado a cualquier cubil en busca de alimento. Acababan con ellas de hambre, pues la comida, además de hedionda e inmunda, era tratada con una insalubridad y una ausencia de profilaxis tales que los envenenamientos no eran esporádicos; era habitual que la condición de los escolares pobres o no, pero sin apoyo familiar, no dejaba de ser más torturadora y penosa que la de los niños que no estaban descuidados por la familia. De todo ello daba fe su hermana Charlotte, en Jane Eyre, y diez años antes Dickens en Nicholas Nickleby. Así describe el autor el primer encuentro que tiene Nicholas en un colegio de Yorkshire no para niños indigentes, sino niños ricos abandonados por sus familias. De esta manera ve también los síntomas de lo que era común en la Inglaterra del siglo XIX, los numerosos fallecimientos infantiles. Las novelas victorianas lo recogen:

Rostros pálidos y demacrados, figuras flacas y huesudas, niños con caras de viejos, seres deformes con hierros en los miembros, muchachos achaparrados, y otros cuyas largas y enclenques piernas apenas podían sostener sus cuerpos encorvados, todos se agolparon ante su vista. Los había con ojos legañosos, labio leporino, pies torcidos, y toda clase de deformidad o fealdad que indicaba que los padres habían concebido una aversión antinatural hacia su vástago, o que unas jóvenes vidas habían padecido la crueldad y el abandono desde la más tierna infancia. Había caritas que podían haber sido hermosas, pero a quienes oscurecía la mueca de un sufrimiento adusto y persistente; habían apagado la luz en la mirada de la infancia, su belleza se había marchitado, y sólo quedaba la indefensión...

Nicholas Nickleby, de C. Dickens

Emily parece moverse bien en los páramos del norte y conoce a la perfección las bárbaras y despiadadas galernas que los castigan. La novela cae pesadamente en los lectores victorianos, que se asombran e incluso se conmocionan ante sus escenarios y protagonistas. Se trataba de un período de tiempo en que las relaciones con los del norte aún estaban subordinadas a los carruajes y a las postas, con lo que llevaba consigo de torpeza sobre cómo podían vivir los ingleses de los lugares aislados del país. Era notorio. Nuestra escritora asimismo va a romper con la tradición sentimentalista ante la muerte de los niños de las que hablábamos más arriba. Las muertes en Cumbres no son lentas. Son impetuosas y no gozan de sensiblería.

En cuanto a la construcción de la trama de la novela, Emily Brontë separa dicotomicamente dos mundos representados por los habitantes de dos granjas, la Granja de los Tordos, asentada en la campiña y propiedad de los Linton, y Cumbres borrascosas, la Granja de Earnshaw, llamada de esa manera por su emplazamiento ('cumbres') y por su ubicación climática. A los lectores de la novela no les es difícil hallar en dichos nombres otras metáforas, más allá de sus realidades físicas o geográficas. En la primera, a diferencia de la última, hay pájaros, es decir, es un lugar aparentemente feliz, aunque por otra parte me atrevería a abundar más. 'Tordo' tiene también el significado en castellano de torpe o tonto. Sea como sea la cosa, sospecho que la escritora no utiliza ese nombre como el adjetivo que podemos utilizar nosotros porque no creo que en la lengua inglesa se encuentre esa acepción; sin embargo, el lector hispanohablante no tiene por qué desechar ese significado, toda vez que las lenguas tienen esa virtualidad. Respecto a la siguiente granja, que es el escenario principal de la novela, si seguimos con la relación de los pájaros, en sentido griego también pudiera haberse llamado 'Cumbres del averno', lugar sin pájaros, y todos los sinónimos de averno: abismo, tinieblas, castigo, perdición, etc.

Los niños de la granja primera, Isabella y Edgar, son unos niños malacostumbrados, consentidos, quebradizos y flojos. Un talante que no se corresponde y desentona con el vigor y la fuerza indómitos y brutales de Heathcliff y Catalina. Esta, en un principio amiga leal de Heathcliff, se ve llamada por las condiciones de Edgar que no tiene su compañero: posesiones, corrección, civismo y un porte y presencia interesantes. Catalina, sin embargo, dirá:

Mi amor por Linton es como el follaje del bosque. Me doy cuenta de que mudará con el tiempo, como el invierno muda los árboles. Mi amor por Heathcliff se parece a las rocas eternasque hay por debajo; no son precisamente una fuente de gozo visible, pero son necesarias.

Cumbres borrascosas, de Emily Brontë

Después de una urdimbre muy bien trabajada y de una acción muy ágil, aún quedan ilusión y esperanza en las dos granjas, pero no van a ser ellos quienes las disfruten. Serán sus hijos, genuinos sucesores, los beneficiarios de una tolerancia y un entendimiento natural y familiar. Al lector, sin embargo, siempre le quedará el amor incondicional de Heathcliff por Cathy, como también la personalidad del primero, con una infancia maltratada y cruel de la que pide venganza. Una vida tan siniestra que le ha hecho vivir en la oscuridad, sin importarle los demás:

Heathcliff soportó bastante bien la humillación en los primeros tiempos, porque Catalina le enseñaba lo que aprendía ella y trabajaba y jugaba con él al aire libre. Ambos llevaban camino de volverse tan bárbaros como puedan serlo los salvajes.

Cumbres borrascosas, de Emily Brontë

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'CUMBRES BORRASCOSAS' (WUTHERING HEIGHTS) y la personalidad de EMILY BRONTË | Revista Artes y Cosas

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En 1847 se publica 'Wuthering Heights' -Cumbres borrascosas- de Emily Jane Brontë, hermana intermedia entre las otras dos novelistas -Anne y Charlotte-, y perteneciente a una familia inglesa de escritores. Su padre y su hermano también lo eran. La bondad del éxito, no inminente, de esta novela es que está escrita por Ellis Bell, pseudónimo de Emiliy B.

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Flaming June, Sir Frederic Leighton,1895.

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Flaming June, Sir Frederic Leighton,1895.

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La mujer retratada simboliza las figuras durmientes del arte griego clásico. Una Venus durmiente.La adelfa de la parte superior derecha( planta tóxica) simboliza el frágil vínculo entre el sueño y la muerte.

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The Lady of Shalott, J.W. Waterhouse, 1888

La muerte por amor

Por Cristina Urrutia Aldrete

Las leyendas e historias de amor suelen conmover, su moraleja, aunque suene trillado, es dar el mensaje de que este sentimiento lo puede todo. Sin embargo, hay otras que remiten al enamoramiento como peligroso y causante de muerte.

La historia de Lady of Shalott es conocida dentro del folclor anglosajón y ha sido plasmada por numerosos artistas que encuentran a esta mujer fascinante; la leyenda relata que, por actividades de brujería, Elenafue condenada a vivir en una torre en la isla Shalott prohibiéndole observar de manera directa al reino de Camelot so pena de una maldición, sin embargo ella utilizaba un espejo que estaba dirigido hacia la ventana.

Un día Sir Lancelot, uno de los caballeros más importantes de la mesa redonda y mano derecha del Rey Arturo, se cruzó por la vista de la mujer, esta quedó prendada de él inmediatamente y, sin pensarlo, giró su cabeza hacia la abertura provocando, inmediatamente, que el espejo se rompiera y los telares que se dedicaba a crear salieran disparados por toda la habitación; sabiendo su funesto destino huyó de su prisión y tomó una lancha con el fin de cruzar la pequeña distancia que le separaba de su amado albergando la esperanza de que llegara ante él antes de que la maldición le cobrara la vida… no fue así; para cuando arribó al mítico reino ella yacía muerta.

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Entierro de Padmé (Star Wars, Parte III)

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Entierro de Padmé (Star Wars, Parte III)

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La muerte de Ofelia, de John Everett, "revisitado" en La venganza de los Sith (2005)

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Ophelia, 1851, John Everett

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El estilo Victoriano

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Estilo Victoriano. Artículo de la Enciclopedia.

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Dentro del denominado estilo Victoriano se recogen de modo genérico los sucesivos que se dieron en el Reino Unido durante el largo reinado de Victoria I de Inglaterra, de 1837 a 1901.

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Algunas obras prerrafaelistas

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Este trabajo recopilatorio está dedicado a la pintura prerrafaelita y a los artistas ingleses del siglo XIX que formaron este curioso movimiento -formado principalmente por pintores-, denominado 'Prerrafaelitas' y cuyos miembros cultivaron un estilo propio, fiélmente reconocible y estícamente muy bello y sugerente. La Hermandad Prerrafaelita, fue una corriente que surgió en 1848 con la intención de reformar o ir en contra de la pintura inglesa de ese momento, que se regía por unas líneas muy conservadoras y grises establecidas por la Royal Academy.

¿Qué es el Prerrafaelismo? Es un grupo de artistas ingleses que formaron una asociación en 1848 para recobrar la belleza y la simplicidad del mundo medieval. Reaccionaban a la esterilidad del arte inglés, junto con el materialismo producto de la industrialización de Inglaterra. Identificaron a Rafael (italiano, 1483-1520) con los intereses científicos del arte renacentista, que se sentían habían conducido al desarrollo tecnológico moderno. Apuntaron estudiar la naturaleza, para compadecerse de cuál es el sentido en el arte anterior, e infundir sus trabajos con un simbolismo literario, colores brillantes, y la atención al detalle.

La viuda romana (Dîs Manibus, 1874). Obra de Dante Gabriel Rossetti. Aquí Rossetti toma un tema clásico para pintar uno de los retratos de enigmáticas mujeres que realizó en la década de 1860, mujeres de belleza particual que permitieron acuñar el término de "belleza prerrafaelita".

Los fundadores de la fraternidad eran los pintores Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), William Holman Hunt (1827-1910), John Everett Millais (1829-1896), James Collinson (1825-1881), Frederic George Stephens (1828-1907), escultor Thomas Woolner (1825-1892), y programa de escritura William Michael Rossetti (1829-1919), el hermano del pintor. Por mi parte también añadir a Edward Poynter y John William Waterhouse como miembro destacado del movimiento Prerrafaelita.

Frederic George Stephens (1828 - 1907) fue un crítico de arte, y uno de los dos "no artísticas" miembros de la Hermandad Prerrafaelita. Su retrato a lápiz fue realizado en 1853 por John Everett Millais.

Retrato de William Michael Rossetti. Obra de Ford Madox Brown

William Michael Rossetti (1829-1919). Era escritor y crítico inglés. Nacido en Londres, era hijo del erudito italiano inmigrante Gabriele Rossetti, y el hermano de Maria Francesca Rossetti, Dante Gabriel Rossetti y Christina Georgina Rossetti. Fue uno de los siete miembros fundadores de la Hermandad Prerrafaelita en 1848, y fue el organizador oficioso y bibliógrafo del movimiento. Editó la revista literaria de la hermandad "The Germ", que publicó cuatro ediciones en 1850 y escribió la poesía revisada para él.

Desde el punto de vista histórico, el prerrafaelismo, significa el romanticismo en el desenvolvimiento del arte inglés, en el cual un grupo de artistas, dominados por el sentimiento, buscan asuntos medievales, porque en la atmosfera del misticismo y del éxtasis hallan la satisfacción de sus aspiraciones, traduciendo sus movimeintos anímicos en la expresión de los rostros de sus figuras y en el poético trazado de sus líneas.

Los prerrafelistas quisieron formular una protesta moral e intelectual contra la frivolidad y contra la opresión académica y cultivar el gran arte.

Ya en el primer cuarto de siglo, la escuela inglesa había visto formarse otro grupo, la Hermandad Poética, agrupada en torno a la figura de William Blake, el cual ejerció su influencia sobre Etty, Linnel, Richmond, Palmer y Calvert, grupo en el que se advierte ya el espíritu legendario y el gusto de italianismo que caracterizaron luego a los prerrafaelsitas.

La señorita Gladis M. Holman Hunt (La escuela de la naturaleza, 1894)

El punto de partida del prerrafaelismo es una reacción contra el sentido realista. En inglaterra la reacción realista se caracterizza por una especie de cambio brusco, de aparición súbita y desconcertada, sin preparaciones previas. Además este moviemiewnto realista estaba consagrado a reproducir la imagen de la vida contemporánea, salvo excepciones, a transportar la obra de los poetas tanto antiguos como modernos. Sus modelos fueron pintores anteriores a Rafael, como Giotto o Fra Angélico.

Defensor y mecenas de los prerrafaelistas fue Ruskin, el cual afirmaba que "el prerrafaelismo solo tiene un principio: la verdad más absoluta, la más intransigente en todas sus obras; y la obtiene trabajando del natural y sólo del natural, hasta el pormenor maás insignificante. Todo fondo de paisaje prearrafelista está pintado al aire libre hasta la última pincelada, según un paisaje real. Cada accesorio por ínfimo que sea, está pintado del mismo modo. Y una de las principales razones por la que algunos artistas han atacado a esta escuela es el gran cuidado y el trabajo enorme que tal método reclama de quienes lo adoptan, en comparación al estilo flojo e imperfecto actualmente en uso."

La huida de un hereje (1857). En este cuadro, Millais desarrolló la tradición de presentar anécdotas imaginarias del pasado como un medio para universalizar los sentimientos de los individuos.

Por otra parte la reforma, no se limitaba al arte y apuntaba sobre todo a la poesía. Para Taine, lo que ansían representar por el dibujo, el color y la palabra escrita son "las impresiones de la persona moral, el diálogo silencioso del alma y de la naturaleza, la sorda resonancia de un yo profundo lleno de cuerdas vibrantes de una gran harpa íntima que responde a todos los contactos externos. Para ellos ese yo poderoso es el personaje principal del mundo..." Según A. Chevrillón, para los prearrafaelistas "lo esencial es el halo de ensueño, de sentimiento, de ideas, de imaginación, el misterioso cortejo espiritual en torno al hecho de conciencia primitiva; porque esencial e independientemente del hombre que contempla, corresponde al objeto, y está ligado a su apariencia como el siginificado de una palabra a la forma de las letras que lo componen. Este significado y no esta forma, constituye el ser, la realidad."

Para extender estas ideas los prerrafaelistas fundaron una revista, The Germ, que sólo tuvo cuatro números.

Léhon desde Montparnasse (1853). Obra de Thomas Seddon (1821-1856). Paisajista inglés nacido en Londres. En esta vista de Léhon, una pequeña aldea de Bretaña, Seddon busca la fidelidad a la naturaleza. Pintado al aire libre, se quiere transmitir cada detalle de lo que se está percibiendo.

En un Primer Período, el prerrafaelismo, había querido fundar un arte nacional basado en un estudio minucioso de la naturaleza apoyado en un fondo de leyendas y tradiciones populares. En su siguiente fase desarrolló una preocupación más social. A este movimeinto se debe el impulso que determinó la renovación de la ornamentación y que formó lo que se ha llamado Modern Style. Significaron una gran fuerza en cuanto al contenido del arte.

Serie El Rosal Silvestre (1870-73). Obras de Edward Coley Burne-Jones se la serie inspirada en la fábula de Perrault que en el siglo XIX recogiera Alfred Tennyson en su poema The day dream (El sueño del día), Burne-Jones explora la cualidad ambigua del sueño como frontera con la muerte.

Espero que la recopilación que he conseguido de la pintura prerrafaelita, sea del interés de los aficionados al arte que frecuentan esta sección.

La Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelite Brotherhood) fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. La Hermandad duró como grupo constituido apenas un lustro, pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta entrado el siglo XX. Se utiliza el término prerrafaelismo para caracterizar al movimiento pictórico que representan. Suele vincularse al movimiento realista que simultáneamente se estaba desarrollando en Francia. El término "prerrafaelista" ha de entenderse como derivación de "prerrafaelismo", y no aplicarse al nombre del grupo de artistas original.

Ofelia. 1852, óleo sobre tela, 76 × 112 cm. Tate Gallery. Londres. Obra de John Everett Millais

Los prerrafaelistas rechazaban el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX, centrando sus críticas en Sir Joshua Reynolds, fundador de la Royal Academy of Arts. Desde su punto de vista, la pintura académica imperante no hacía sino perpetuar el manierismo de la pintura italiana posterior a Rafael y Miguel Ángel, con composiciones elegantes pero vacuas y carentes de sinceridad. Por esa razón, ellos propugnaban el regreso al detallismo minucioso y al luminoso colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael -de ahí el nombre del grupo-, a los que consideraban más auténticos.

En español, los integrantes de la hermandad son conocidos indistintamente como "prerrafaelitas" o "prerrafaelistas". El movimiento suele recibir el nombre de "prerrafaelismo".

Perséfone de Dante Gabriel Rossetti (dos versiones). 1874, óleo sobre tela. Tate Britain, London

Comienzos de la Hermandad

La sesión inaugural de la Hermandad tuvo lugar en casa de los padres de John Millais, en Gower Street (Londres), en 1848, y en ella estuvieron presentes John Everett Millais (1829-1886), Dante Gabriel Rossetti (1820-1882) y William Holman Hunt (1827-1910), considerados los fundadores del grupo. Hunt y Millais eran estudiantes en la Royal Academy of Arts. Rossetti era discípulo de Ford Madox Brown (1821-1893), y había conocido a Hunt tras haber quedado impresionado por su cuadro La víspera de Santa Agnes, basado en el poema de Keats. Rossetti, también poeta, estaba interesado en desarrollar los lazos entre la poesía romántica y el arte.

En otoño del mismo año, se añadieron otros cuatro miembros a la Hermandad: William Michael Rossetti, hermano de Dante Gabriel Rossetti, Thomas Woolner, James Collinson y Frederic George Stephens. Ford Madox Brown no llegó a unirse a la Hermandad, pero permaneció siempre muy cercano a ella. Algunos otros pintores y escultores tuvieron también una relación muy estrecha con el grupo, sin llegar a formar parte de él: Charles Alston Collins, Thomas Tupper y Alexander Munro. Todos ellos mantuvieron en secreto la existencia de la Hermandad a los miembros de la Royal Academy.

Medea, de Evelyn De Morgan, 1889, al estilo del Quattrocento

Fuentes e inspiración del prerrafaelismo

Los autores de esta corriente se inspiraron básicamente en el estilo artístico que se dio antes del maestro Rafael, de ahí el nombre que tomaron estos artistas. Es decir, su pintura se focaliza especialmente en evocar el estilo de los antiguos pintores del Renacimiento, especialmente basándose en los autores y temas propios del Quattrocento, el Trecento y asuntos aún más antiguos, medievales principalmente, leyendas arcaicas e incluso, como en el caso del pintor Lawrence Alma-Tadema, pasajes de la época clásica de Grecia y Roma.

Entre los artistas más recientes, les inspiraron también las pinturas románticas de Heinrich Füssli y, sobre todo, de William Blake, cuyas visionarias pinturas e ilustraciones de sus libros de poesía influyeron notablemente en algunos cuadros de Rossetti, por su simbolismo y lo fantasmagórico de los protagonistas de los cuadros.

The Lady of Shalott, de William Holman Hunt y Edward Robert Hughes

Los objetivos de la Hermandad se resumían en cuatro declaraciones:

1. Expresar ideas auténticas y sinceras;
2. Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas;
3. Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria;
4. Y, lo más importante de todo, buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.

Estos principios no tenían un carácter dogmático, ya que los prerrafaelistas creían en la libertad personal de los artistas para escoger sus propias ideas y técnicas pictóricas. Bajo la influencia del Romanticismo, pensaban que la libertad y la responsabilidad eran en el arte conceptos inseparables. Sin embargo, les fascinó particularmente la Edad Media, que entrañaba para ellos una integridad espiritual y creativa que se había perdido en épocas posteriores. Este énfasis en lo medieval suponía en la práctica un alejamiento del realismo, que propugnaba una observación independiente de la naturaleza. En sus primeros momentos, los prerrafaelistas creyeron que medievalismo y realismo eran compatibles, pero en años posteriores el movimiento terminó por escindirse en dos direcciones. La corriente realista fue encabezada por Hunt y Millais, mientras que el medievalismo estaba representado por Rossetti y sus seguidores Edward Burne-Jones y William Morris. La ruptura no fue nunca absoluta, dado que ambas facciones creían en la esencia espiritual del arte, oponiendo así su idealismo al materialismo realista asociado con Courbet y el impresionismo.

The Holy Family de James Collinson, 1878.

En su búsqueda de un colorido brillante, semejante al de la pintura del Quattrocento, Hunt y Millais desarrollaron una técnica pictórica consistente en aplicar por encima del dibujo previamente trazado en el lienzo una fina capa de pigmento blanco, que dejaba visible el dibujo; sobre esta capa húmeda se aplicaba la pintura, con pinceles pequeños y meticulosa lentitud. Esto permitía que el color tuviese en sus cuadros el brillo y luminosidad que buscaban. Este énfasis en la luminosidad del color era una reacción contra el uso excesivo del betún en las obras de artistas ingleses como Joshua Reynolds, David Wilkie o Robert Haydon. El uso del betún dejaba en la pintura zonas oscuras, un efecto que los prerrafaelistas rechazaban.

La seducción de Merlín - The Beguiling of Merlin by Edward Burne Jones. 1874. Oil on canvas, 186 × 111 cm. Lady Lever Art Gallery. Merseyside

Visión de la naturaleza

En la visión de la naturaleza1 de los prerrafaelitas influyeron la democratización de la ciencia y la gran expansión del interés por la historia natural a mediados del siglo XIX.

La visión prerrafaelita era óptica e investigadora. Al otorgar a los detalles naturales el mismo valor que al elemento figurativo principal subvertían la idea académica de una composición organizada jerárquicamente, en la que el fondo quedaba subordinado al foco de interés humano. Cada forma de la naturaleza era tratada con gran exactitud, de forma única y autónoma. Este detallismo en la representación pictórica motivó la comparación con el alcanzado por la fotografía y por el microscopio. Algunos críticos indicaron que una concentración de detalles tan excesiva creaba una sensación de hiperrealismo que iba más allá de las nociones aceptadas de realismo en el arte.

La bella Isolda (1858), conocida incorrectamente como La reina Ginebra, es la única pintura al óleo conservada de William Morris (Tate Gallery). La modelo es Jane Burden.

Los prerrafaelitas pintaban directamente del natural, intentando captar de cerca el detalle. Su objetivo no era la ingenuidad, sino la autenticidad. Para ello la ciencia constituía una guía fiable. Pintar al aire libre en lugar de recurrir a la memoria era fundamental para liberar la mente de esquemas preestablecidos y de verificarlo todo a partir del motivo representado.

Un factor importante en la preferencia por la pintura al aire libre fue el deseo de captar el color tal como aparecía en la naturaleza. Esto les llevó a intentar distinguir entre colores "absolutos" (aquellos que poseen los objetos vistos por separado, sin influencia de ningún otro color) y "aparentes" (aquellos que se regulan entre ellos al ser vistos en conjunto).

En cuanto a los lugares representados en sus obras pictóricas, preferían zonas de la periferia de las ciudades, de fácil acceso en tren, siguiendo una especie de principio de proximidad.

The Last of England. Obra de Ford Madox Brown (1821-1893). Oil on canvas, 75 × 82,5 cm. 1855. Birmingham Museum and Art GalleryLink back to Institution infobox template. Adiós a Inglaterra, es una de las obras más conocidas del pintor.

Los pintores prerrafaelitas rechazaron la estetización del entorno mediante estrategias pictóricas y aunque el parecido de los paisajes prerrafaelitas con los de los pintores flamencos e italianos primitivos es escaso, existen algunos puntos en común: aislamiento de detalles naturales, enfoque homogéneo en toda la imagen (aspecto que ha sido interpretado como un rechazo de las convenciones paisajistas que predominaron después del Renacimiento) y equilibrio entre los elementos figurativos y paisajísticos.
Controversias públicas

El Santo Grial, 1860. Obra de Dante Gabriel Rossetti. Aquí vemos a su mujer y modelo Elizabeth Siddal como la Dama del Grial. Elizabeth Eleanor Siddal Rossetti (25 de julio de 1829 - 11 de febrero de 1862) fue una modelo británica, retratada extensivamente por los artistas de la Hermandad Prerrafaelita, desempeñándose también como poeta y artista. Esposa del pintor, poeta, traductor e ilustrador inglés Dante Gabriel Rossetti, fue su modelo en múltiples ocasiones. Fallece en 1862 por suicidio con láudano.

La pintura prerrafaelista fue mostrada al público por primera vez en 1849. Los cuadros Isabella (1848-1849), de Millais, y Rienzi (1848-1849), de Hunt, se expusieron en la Royal Academy, y La juventud de la Virgen María de Rossetti en la exposición libre de Hyde Park Corner. Como habían acordado, todos los miembros de la hermandad añadieron, tras su firma, las siglas PRB (Pre-Raphaelite Brotherhood). Entre enero y abril de 1850 el grupo publicó una revista literaria, llamada The Germ. William Michael Rossetti era el editor de la revista, que contenía poemas de los hermanos Rossetti, Woolner y Collinson, junto con ensayos de arte y literatura firmados por simpatizantes de la hermandad, como Coventry Patmore. Como su corta vida indica, la revista no tuvo gran éxito.

Helena de Troya (Helen of Troy) by Evelyn de Morgan, 1898

En 1850 la Hermandad Prerrafaelista se convirtió en el centro de una polémica a causa de la exhibición del cuadro de Millais, Cristo en casa de sus padres, considerado blasfemo por varios críticos, entre ellos el famoso novelista Charles Dickens. Se atacó su medievalismo por retrógrado y su detallismo extremo fue tildado de antiestético y ofensivo a la vista. Según Dickens, Millais mostraba a la Sagrada Familia como un grupo de alcohólicos de los barrios bajos, en poses ridículas y absurdamente medievales. Un grupo rival de artistas de la generación anterior, The Clique, hizo a la Hermandad blanco de sus críticas. Sus ideas fueron atacadas públicamente por el presidente de la Academia, Sir Charles Lock Eastlake.

Sin embargo, el grupo encontró un importante valedor en el crítico John Ruskin, quien elogió su dedicación a la observación de la naturaleza y su rechazo de los métodos de composición convencionales. Más adelante, Ruskin continuaría prestando apoyo a los prerrafaelistas, tanto económicamente como a través de sus escritos.

A causa de estas polémicas, James Collinson abandonó la hermandad. Se propuso sustituirlo por Charles Alston Colins o Walter Howell Deverell, pero no se llegó a un acuerdo. Fue entonces cuando el grupo comenzó a deshacerse, aunque su influencia continuaría haciéndose sentir. Los artistas que habían pertenecido al movimiento continuaron con los planteamientos iniciales del, pero dejaron de incorporar a sus obras las iniciales PRB.

Sueño y su hermanastro Muerte. 1874. Obra de John William Waterhouse

Desarrollo posterior e influencia

Entre los artistas británicos que recibieron influencias del movimiento prerrafaelista puede citarse a John Brett, Philip Calderon, Arthur Hughes, Evelyn de Morgan y Frederic Sandys. Ford Madox Brown mantuvo una estrecha relación con el grupo desde sus inicios.

A partir de 1856, Rossetti se convirtió en el principal representante de la tendencia medievalista del movimiento. Su obra influyó en su amigo William Morris, del que fue socio en su empresa (y con cuya mujer tuvo tal vez un idilio). Ford Madox Brown y Edward Burne-Jones fueron también socios de la misma empresa. Gracias a ella, los ideales de la hermandad influyeron en gran número de arquitectos y diseñadores de interior, despertando el interés por el dibujo y la artesanía medievales. Esto condujo al movimiento llamado Arts and Crafts, encabezado por Morris. También Holman Hunt se implicaría en este movimiento de reforma del dibujo mediante la compañía Della Robbia Pottery.

The Queen was in the Parlour by Valentine Cameron Prinsep (1860), Manchester City Art Gallery

Hunt y Millais evitaron después de 1850 la imitación directa del arte medieval, interesados en profundizar en los aspectos realistas y científicos del movimiento prerrafaelista. Sin embargo, Hunt continuó destacando la significación espiritual del arte y, tratando de conciliar religión y ciencia, documentó cuidadosamente sus pinturas de tema bíblico con viajes a Egipto y Palestina. Por el contrario, Millais abandonó los postulados prerrafaelistas después de 1860, volviendo paradójicamente a una pintura más académica, con influencias de Sir Joshua Reynolds, que fue duramente condenada por William Morris y otros artistas.

La influencia del prerrafaelismo rebasó los límites de la pintura inglesa, llegando Dante Gabriel Rossetti a ser considerado un precursor del simbolismo europeo. Sin embargo, los ideales artísticos del siglo XX, contrarios a la fijación prerrafaelista por retratar los objetos con precisión casi fotográfica, hicieron que el interés por su pintura decayera, y sólo a partir de los años 70 se le ha comenzado a prestar atención.
Según algunos críticos, el prerrafaelismo podría considerarse el primer movimiento de vanguardia. Algunos rasgos del grupo (la intención rupturista, su carácter programático, la adopción de un nuevo nombre para su arte o la publicación de una revista, The Germ, como órgano de promoción del movimiento) sí parecen anticipar lo que luego será común en las vanguardias; sin embargo, su cuestionamiento de la tradición es mucho menos radical que el de las vanguardias, y no afecta a lo esencial: la mímesis, o imitación de la naturaleza, sigue siendo para ellos el fundamento del arte.

Miembros de la Hermandad Prerrafaelita

* John Everett Millais (pintor)
* Dante Gabriel Rossetti (pintor, poeta)
* William Holman Hunt (pintor)
* William Michael Rossetti (crítico)
* Thomas Woolner (escultor, poeta)
* James Collinson (pintor)
* Frederic George Stephens (crítico)
* Thomas Seddon (pintor)

Artistas y personalidades relacionados con la Hermandad

* Ford Madox Brown (pintor, diseñador)
* Edward Coley Burne-Jones (pintor, diseñador)
* Arthur Hughes (pintor)
* Jane Morris (modelo)
* William Morris (diseñador, arquitecto)
* Valentine Cameron Prinsep (pintor, escritor)
* Christina Rossetti (poeta)
* Elizabeth Siddal (pintora, poeta y modelo)
* John William Waterhouse (pintor)
* Thomas Cooper Gotch (pintor)
* Evelyn De Morgan (pintora)
* Edward Poynter (pintor)

Hay importantes colecciones de arte prerrafaelista en la Tate Gallery, la Manchester Art Gallery, la Lady Lever Art Gallery en Merseyside, en el Birmingham Museum & Art Gallery y en el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico.

La dama de Shalott (The Lady of Shalott). Obra de John William Waterhouse, 1888. Óleo sobre lienzo, 153 × 200 cm. Tate Britain de Londres.

- [1] Staley, Allen; Newalll, Christopher (2004) Prerrafaelitas: la visión de la naturaleza. Madrid: Fundación "la Caixa". ISBN 84-7664-854-5]
- Daly, Gay (1989). Pre-Raphaelites in love. New York: Ticknor & Fields. ISBN 0-89919-450-8.
- Gaunt, William. Pre-Raphaelite Tragedy. ISBN 0-351-16418-9.
- Hawksley, Lucinda (1999). Essential Pre-Raphaelites. Paragon, United Kingdom. ISBN 1-84084-524-4.
- Staley, Allen; Newalll, Christopher (2004). Prerrafaelitas. La visión de la naturaleza. Madrid: Fundación La Caixa. ISBN 84-7664-854-5.
- Stevens, Bethan (2008). Pre-Raphaelites. London: The British Museum Press. ISBN 978-0-7141-5066-6.

Fuente: es.wikipedia.org

Sol ardiente de junio de Frederic, Leighton (1895). Leighton no estaba vinculado al movimiento prerrafaelita, pero fue una de las figuras claves de la pintura del XIX. Sol ardiente de junio es considerada la obra maestra de Leighton. De naturaleza clásica, se cree que la mujer retratada hace referencia a las figuras durmientes que los griegos pintaban a menudo simbolizando a Venus. En la parte superior del cuadro aparece una adelfa, planta venenosa que representa el frágil vínculo entre el sueño y la muerte.

Hasta ahora nunca se habían visto en España, y en 2009 pudimos ver en el Museo del Prado: El sol ardiente de junio, de Leighton, y El sueño del rey Arturo en Avalon, de Burne Jones, dos de los lienzos más simbólicos de la pintura inglesa del XIX. La muestra, titulada La bella durmiente. Pintura victoriana de Arte de Ponce, "contribuye a paliar temporalmente la escasez de pintura británica en el Prado" y reúne una selección de 17 obras (diez pinturas y siete estudios sobre papel) de la pintura inglesa del siglo XIX procedente del Museo de Arte de Ponce, de Puerto Rico, patrocinada por BBVA.

Además de los lienzos citados, la muestra incluye obra de John Everett Millais (1829-1896), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Thomas Seddon (1821-1856) y William Holman Hunt (1827-1910). Todos ellos proceden de la Hermandad Prerrafaelita, una corriente que surgió en 1848 con la intención de reformar o ir en contra de la pintura inglesa de ese momento, que se regía por unas líneas muy conservadoras y grises establecidas por la Royal Academy.

Simbolismo romántico

Los prerrafaelitas toman su nombre de su admiración por los primitivos italianos anteriores a Rafael, una corriente estética cuya aspiración era cambiar el arte religioso y renovarse con el simbolismo romántico o la inspiración libre de la naturaleza, a la que miraban atentamente para saber expresar sus ideas. El mundo onírico y simbólico de William Blake fue uno de los más reivindicados por estos artistas, quienes se sentían fascinados por la obra de Fra Angelico y Botticelli, y un deseo de inocencia y pureza, como recordó hoy el director del Museo de Arte de Ponce, Agustín Artiaga.

Así, la ensoñación, el sueño, la evocación, las hadas, la luz y la belleza simbólica llenarán las salas del Prado, donde estos días también cohabitarán con la crudeza existencial y la soledad del hombre del siglo XX representada por Bacon. Sol ardiente de junio es la obra más célebre del Museo de Ponce de Puerto Rico, que representa a una joven con un vestido de seda naranja sentada en unas escaleras y acariciada por un sol mediterráneo.

Dormida y evadida de todo, se mira la cara con La bella durmiente, de Edward Coley; El sueño del rey Arturo en Avalon, de Burne Jones; La señorita Gladys, de Holman Hunt; La viuda romana, de Dante Gabriel Rossetti, o La huida de un hereje, de John Everett Millais.

Un museo con olfato

La muestra fue presentada hoy por el director del Museo del Prado, Miguel Zugaza; Agustín Artiaga, director del Museo de Arte Ponce; María Luisa Ferré, presidenta de la junta de síndicos de la Fundación Ferré y nieta del creador del museo, y Javier Auyo, de la Fundación BBVA, que la pasada semana fue galardonada con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes por el Consejo de Ministros.

Las obras pudieron viajar al Museo del Prado en un momento en que se estaban llevando a cabo obras de ampliación de este museo situado en el sur de San Juan de Puerto Rico. El Museo de Arte Ponce fue fundado por 1959 por Luis A. Ferré (1904-2003), un amante del arte y de la belleza y destacado economista y político de ese país, que murió con cien años, como recordó hoy su nieta, quien dijo que compró estas obras cuando nadie apostaba por ellas.

'El sueño del rey Arturo en Avalón' (1898), de Edward Coley Burne-Jones. Museo de Arte Ponce. San Juan de Puerto Rico. 'El sueño del rey Arturo en Avalón' es la última obra que realizó Burne-Jones y que dejó inacabada, aunque estuvo trabajando sobre ella unos veinte años. Resume la fascinación de los prerrafaelitas por la leyenda artúrica. Arturo, mortalmente herido tras la última batalla contra Mordred, ha sido llevado por tres reinas mágicas hasta la isla mágica de Avalón, donde permanecerá en un ensueño hasta que su presencia sea requerida de nuevo en la tierra. Por tanto, Avalón representa por un lado el fin de una época mítica, a partir de la cual llegará la decadencia, un mundo sumido en la confusión y en la tristeza, pero además Avalón representa una esperanza para el futuro. Arturo no está muerto, está esperando el momento para regresar.

Esta obra y las comentadas anteriormente pude verlas en el Museo del Prado en 2009, en una magnífica exposición dedicada a la 'Pintura Victoriana'.

Sir Edward John Poynter retratado por Philip Burne-Jones.

Edward Poynter - Edward John Poynter (20 de marzo de 1836 - 26 de julio de 1919) pintor inglés figurativo adscribible al academicismo aunque relacionable al prerrafaelismo. Hijo de Ambrose Pynter, John Poynter desde su temprana juventud ha frecuentado la Ipswich School y el Brighton College, luego ha continuado sus estudios por gran parte de Europa (desde Londres a Roma), influido por Miguel Ángel al que admiraba, en sus viajes Poynter encontró a James McNeill Whistler. Se casó en 1866 con Agnes MacDonald, seguídamente Poynter fue electo presidente de la academia real (la Royal Academy) en 1896. Recibió el título de Primer baronet en 1902 KB PRA.

At Low Tide, 1914. Obra de Edward Poynter

Orpheus and Eurydice (Orfeo y Eurídice), 1862. Obra de Edward Poynter

Andrómeda. Obra de Edward Poynter, 1869. Óleo sobre lienzo, 49.53 × 33. Colección privada (colección de Pérez Simón).

Diadumene, 1884. Obra de Edward Poynter

Cave of the Storm Nymphs (Gruta de las ninfas de la tempestad), 1903, óleo sobre lienzo, 145.9 x 110.4 cm. Colecciçon privada. Obra de Edward Poynter

The Siren, 1864. Obra de Edward Poynter

Psyche in the Temple of Love, 1882. Obra de Edward Poynter

Pea Blossoms, 1890. Obra de Edward Poynter

Corner of the Marketplace, 1887. Obra de Edward Poynter

Enlaces interesantes

http://www.dlc.fi/~hurmari/preraph.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/Pre-Raphaelite_Brotherhood
http://misteriolondres.blogspot.com...rrafaelita.html
http://www.pre-raphaelitesociety.org/
http://preraphaelitepaintings.blogspot.com.es/
http://preraphaelitesisterhood.com/
Los prerrafaelistas. Una introducción: http://www.victorianweb.org/espanol/pintura/prb/1.html

Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicadoa a la pintura prerrafaelita y a los artistas ingleses del siglo XIX que formaron este curioso movimiento -formado principalmente por pintores-, denominado 'Prerrafaelitas' y cuyos miembros cultivaron un estilo propio, fiélmente reconocible y estícamente muy bello y sugerente. La Hermandad Prerrafaelita, fue una corriente que surgió en 1848 con la intención de reformar o ir en contra de la pintura inglesa de ese momento, que se regía por unas líneas muy conservadoras y grises establecidas por la Royal Academy.

Los fundadores de la fraternidad eran los pintores Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), William Holman Hunt (1827-1910), John Everett Millais (1829-1896), James Collinson (1825-1881), Frederic George Stephens (1828-1907), escultor Thomas Woolner (1825-1892), y programa de escritura Guillermo Michael Rossetti (1829-1919), el hermano del pintor. Por mi parte también añadir a Edward Poynter y John William Waterhouse como miembro destacado del movimiento Prerrafaelita.

Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, artcyclopedia, martamiraalrededor.lacoctelera.net, lostonsite.wordpress.com, pinterest.com, museodelprado.es, pintura.aut.org, es.wahooart.com y otras de Internet.

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Mighty Gorgon y Equipo de Icy Phoenix :: http://www.icyphoenix.com/

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GALERÍA DE ARTE :: PINTURA PRERRAFAELISTA

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Este trabajo recopilatorio está dedicado a la pintura prerrafaelita y a los artistas ingleses del siglo XIX que formaron este curioso movimiento -formado principalmente por pintores-, denominado 'Prerrafaelitas' y cuyos miembros cultivaron un estilo propio, fiélmente reconocible y estícamente muy bello y sugerente.

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La declaración de Seneca Falls es el texto que se acordó tras la primera convención de los derechos de la mujer, que tuvo lugar en esta pequeña ciudad en 1848.
Ahora que algunos pretenden hacernos creer que la igualdad entre hombres y mujeres está lograda, vale la pena recordar una de las resoluciones de la declaración: Que las mujeres de este país deben ser instruidas en las leyes vigentes, que no deben aceptar su degradación, manifestándose satisfechas con su situación o con su ignorancia y afirmando que gozan de todos los derechos a los cuales aspiran.

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En 1848 se celebró en Seneca Falls (Nueva York) la primera convención sobre los derechos de la mujer en Estados Unidos. Organizada por Lucretia Mott y Elizabeth Cady Stanton. El resultado fue la publicación de la "Declaración de Seneca Falls" (o "Declaración de sentimientos", como ellas la llamaron), un documento basado en la Declaración de Independencia de los Estados Unidos en el que denunciaban las restricciones, sobre todo políticas, a las que estaban sometidas las mujeres: no poder votar, ni presentarse a elecciones, ni ocupar cargos públicos, ni afiliarse a organizaciones políticas o asistir a reuniones políticas.

Si ponemos cara a la libertad, quizá entre muchas representaciones, nos venga a la mente el cuadro de Delacroix "La libertad guiando al pueblo" que celebraba la revolución de 1830 como un estallido social de libertad. La mujer que muestra la desnudez de su pecho y camina entre los muertos enarbolando la bandera de la libertad es el reflejo de una serie de convulsiones sociales que agitarían a Europa en los años de 1830 a 1848. Revoluciones sociales imparables en las que se exigía el reconocimiento de la propiedad, la libertad económica y laboral, la libertad de prensa y el sufragio como un derecho del ciudadano y no como se venía entendiendo como una función relacionada con su capacidad, determinada generalmente por la propiedad u otros requisitos.

Los ideales de libertad y de igualdad encontraban su expresión plástica a través de las mujeres como símbolos de la pureza, inocencia y justicia de una petición de derechos para los varones. Pero la imagen estetizada de las mujeres no alcanza a las de carne y hueso, éstas seguían siendo consideradas un todo indiferenciado sometido a la reacción y a la tradición de las costumbres que se instaló en Europa después de la Revolución francesa. Así es como quedó glorificada para la historia, la fecha de 1848 como nacimiento del "Manifiesto Comunista" de Marx y Engels, y enterrada para la historia la fecha de 1848 como nacimiento del primer movimiento feminista organizado en América.

La revolución social de 1848 y su precedente la de 1830, si bien estaban abocadas al fracaso, supusieron las reacciones sociales más firmes al absolutismo del poder. Tanto en 1830 como en 1848 las exigencias y derechos que provocaron los fenómenos revolucionarios marcaron el acontecer político posterior: libertad, derecho a la propiedad, sufragio. Europa, en los años transcurridos entre las dos revoluciones burguesas, fue testigo de la eliminación gradual o total de las barreras legales que privaban a los campesinos o siervos de diversos derechos, incluyendo el derecho a tener propiedades, ejercer ciertas profesiones o disponer de sus personas libremente. Las revoluciones burguesas fueron revoluciones sociales confirmando como evidentes e indiscutibles ciertos derechos, que podríamos resumir en el derecho a la libertad. Este ideal de libertad es el fermento de las vindicaciones feministas, pues el reconocimiento de propiedad para campesinos, siervos y judíos pone de manifiesto la indefensión legal en la que se hallan las mujeres. Las revoluciones sociales confirmaron que el derecho a la propiedad era la principal fórmula para alcanzar la independencia.

En América el derecho de propiedad se tradujo en la reivindicación de libertad para los esclavos. A partir de la década de los treinta se formaron, de manera masiva y organizada, grupos antiesclavistas de ideología liberal. Las mujeres participaron de manera activa en la recogida de firmas y peticiones abolicionistas. En 1837 tuvo lugar en Nueva York el primer Congreso antiesclavista femenino. Las hermanas Grimké realizaron giras de conferencias por diversas ciudades de Nueva Inglaterra. Denunciaban la complicidad de las iglesias en el mantenimiento de la situación de inferioridad de los negros. La reacción fue inmediata: la asociación de pastores congregacionistas publicó una carta pastoral que sostenía que el papel de las mujeres no consistía en tratar asuntos públicos. La participación organizada femenina en estos grupos antiesclavistas y los virulentos ataques que por ella se produjeron, suscitaron la controversia sobre los derechos de las mujeres. Las mujeres más conscientes comprendieron que era necesario luchar globalmente "por un nuevo orden de cosas". En 1838 Sarah Grimké en sus "Cartas sobre la igualdad de los sexos y la situación de la mujer" escribía: " Me regocijo porque estoy convencida de que a los derechos de la mujer, lo mismo que a los derechos de los esclavos, les bastará con ser analizados para ser comprendidos y defendidos, incluso por algunos de los que ahora tratan de asfixiar los irreprimibles deseos de libertad espiritual y mental que se agitan en el corazón de muchas mujeres y que apenas se atreven a descubrir sus sentimientos".

En 1840 Elizabeth Cady se casó con Henry Stanton uno de los más activos y prominentes abolicionistas. Ambos asistieron a la convención mundial antiesclavista celebrada en Londres. Fue allí donde Elizabeth Cady conoció a Lucretia Mott, constatando ambas su frustración por la falta de derechos de las mujeres. Comenzaron así a gestarse las vindicaciones de los derechos de las mujeres. Las mujeres americanas sólo tenían que contrastar con las "Declaraciones de derechos" de las colonias y nuevos estados. La más evidente era la "Declaración de derechos" de Virginia, que recoge la idea lockeana de la igual libertad natural originaria y de la existencia de derechos innatos. Sin embargo, la fuente más clara de inspiración la tenían en la propia Declaración de Independencia (1776), de raíz profundamente ilustrada, que enumera entre los derechos naturales e inalienables la vida, la libertad y la búsqueda de la felicidad. La Declaración, redactada por Jefferson, aseguraba que la función del Gobierno consistía en preservar estos derechos naturales. Jefferson se pronunció contra el derecho de primogenitura, contra la esclavitud y contra todo menoscabo de la libertad religiosa. Los principios de la democracia jeffersoniana son el Gobierno limitado, los derechos del hombre y la igualdad natural. La América de los años previos a 1848 vive sumergida en los principios que guiaron a Jefferson, aunque no los ponga en práctica. Estas mismas ideas de libertad y propiedad inspiraron la declaración de Seneca Falls.

En 1848 alrededor de setenta mujeres significativas y treinta varones, lideradas por Elizabeth Cady Stanton y Lucretia Mott, se reúnen para estudiar las condiciones y derechos sociales, civiles y religiosos de la mujer. Al término de la Asamblea redactan un texto cuyo modelo es la Declaración de Independencia. En la declaración de Seneca Falls, que ellas llamaron " Declaración de sentimientos", encontramos dos grandes apartados teóricos: de un lado, las exigencias para alcanzar la ciudadanía civil y, de otro lado, los principios que deberían modificar las costumbres y la moral. Por su tradición republicana (derechos del hombre e igualdad natural) las mujeres allí reunidas exigen plena ciudadanía; por su tradición protestante (libertad individual) apelan al derecho de la conciencia y la opinión. La vindicación de ciudadanía civil suponía la modificación de las leyes que impedían " la verdadera y sustancial felicidad de la mujer". La ley situaba a las mujeres en una posición inferior a la del hombre, lo que era contrario al gran precepto de la naturaleza " la mujer es igual al hombre". La declaración de Seneca Falls se enfrentaba a las restricciones políticas: no poder votar, ni presentarse a elecciones, ni ocupar cargos públicos, ni afiliarse a organizaciones políticas o asistir a reuniones políticas. Iba también contra las restricciones económicas: la prohibición de tener propiedades, puesto que los bienes eran transferidos al marido; la prohibición de dedicarse al comercio, tener negocios propios o abrir cuentas corrientes. La Declaración se expresaba en contra de la negación de derechos civiles o jurídicos para las mujeres.

El 19 de julio de 1848 en el estado de Nueva York y en la capilla wesleyana de Seneca Falls fue aprobado el documento conocido como " Declaración de Seneca Falls" o " declaración de sentimientos". A partir de este momento los esfuerzos igualitarios y aislados de muchas mujeres y algunos varones comenzaron a canalizarse en movimientos feministas organizados y conscientes, primero en América después en el resto de los países. La declaración consta de doce decisiones, siendo once de ellas aprobadas por unanimidad y la número doce, la que hace referencia al voto, por una pequeña mayoría. A la vista de la total privación de derechos de las mujeres, de su degradación social y religiosa a causa de unas leyes injustas, las mujeres allí reunidas toman una serie de acuerdos. Comentaré en este artículo los más significativos.
"DECIDIMOS: que todas aquellas leyes que sean conflictivas en alguna manera con la verdadera y sustancial felicidad de la mujer, son contrarias al gran precepto de la naturaleza y no tienen validez, pues este precepto tiene primacía sobre cualquier otro."
El código civil napoleónico de 1804 da cuerpo a la idea según la cual la mujer es propiedad del hombre y tiene en la producción de los hijos su tarea principal. El primer periodo del siglo XIX busca sobre todo tomar distancia del importante periodo precedente, la Ilustración. Y así presenta acusados rasgos conservadores. Se aleja de las posiciones contractualistas. Frente a éstas el siglo XIX exaltará las raíces ancestrales, la vuelta al pasado, los rasgos diferenciales. Como pone de manifiesto Amelia Valcárcel el primer periodo del siglo XIX, hasta el 48 se centrará en la idea de " pietas" y tradición. A partir del 48 se exaltará la individualidad anormal. Las condiciones de la naciente sociedad industrial y el rechazo de la legitimación contractualista de lo político hacen que se recurra a explicaciones naturalistas de la vida social y de las diferencias de estatus y poder. Las revoluciones sociales tenderán a reconducir esta situación por los caminos de la libertad, pero no contemplan solucionar la cuestión de los sexos. El argumento se hallará en la naturaleza, pues ésta prueba que la desigualdad es " natural". Mas aún la " natural" naturaleza de las mujeres es esencial y constitutiva. El siglo XIX traduce por Naturaleza lo biológico, lo formado por pares de opuestos que en la mayoría de los casos alcanza realidad en el referente sexual: fuerza-debilidad o varón-mujer, acción-pasividad o varón- mujer, inteligencia-imitación o varón-mujer, razón-irracional o varón-mujer, dominiosumisión o varón-mujer, Estado-familia o varón-mujer y así podríamos seguir hasta el desmayo.

El ideal de naturaleza en el que se inspira, por el contrario, este punto de la declaración es propiamente ilustrado. Es el esfuerzo contractualista por reconocer como derechos naturales y constitutivos de todos los seres humanos la libertad, la propiedad y la felicidad. El espíritu que alienta la redacción de la declaración de Seneca Falls, es el espíritu de Locke. En el año 1680 aparece la obra de Sir Robert Filmer, Patriarca o del poder natural de los reyes. Un alegato a favor de la idea patriarcal del poder. Locke se apresura a refutar a Filmer, como portavoz de la política conservadora, y dedica a ese tema la totalidad del Primer tratado.

El sistema de Filmer -escribe Locke- descansa en dos premisas: " Todo gobierno es monarquía absoluta" y " ningún hombre nace libre". Ninguna de ambas tesis puede, según nuestro filósofo, ser fundamentada ni por la Escritura ni por la razón. Filmer mal interpreta el génesis al entender que Dios creó a Adán y le dio la soberanía sobre Eva y, por deducción, sobre todas las criaturas. Locke refuta tales creencias apresuradas e injustificadas. No hay pruebas ni conexión coherente entre el texto bíblico y las afirmaciones que hacen de Adán el rey de la creación, que le da el poder sobre todas las criaturas y le hace soberano de una descencia aún inexistente. No hay base en las Escrituras para suponer una sanción divina del dominio de Adán sobre la mujer. Todo lo contrario, el Génesis dice que "Dios les bendijo y les dijo: "dominad a todos los seres". Ambos, varones y mujeres, recibieron así el mismo mandato divino. ¿Con qué derecho se puede proclamar la soberanía del hombre sobre la mujer?. Como veremos más adelante Locke anticipa alguna de las ideas que van a ser ampliamente tematizadas por las mujeres que suscriben el texto de la declaración de Seneca Falls.

Esta idea de naturaleza en la que los seres humanos nacen libres e iguales será también punto de partida del pensamiento de Rousseau. Pero el filósofo ginebrino atribuye naturalezas distintas a varones y mujeres cuyo origen se encuentra en estadios diferenciados del Estado de Naturaleza. Emilio es el producto del estado de pura naturaleza, siendo sus principios reguladores de la acción la libertad y la igualdad que representa la subjetividad del modelo político. Sofía es producto del estadio presocial. Es el ámbito de la domesticidad, Sofía aprende las técnicas de regulación de sus deseos. El espacio público, en tanto espacio de la libertad y de la autonomía moral, no puede existir sin el espacio privado, en cuanto lugar de reproducción de lo público y de sujeción de las mujeres mediante el contrato de matrimonio. La primacía del varón va acompañada de la necesidad de que Sofía aprenda a padecer y a soportar la injusticia y los agravios del marido: " Formada para obedecer a un ser tan imperfecto como el hombre, con frecuencia tan lleno de vicios y siempre tan lleno de defectos, debe aprender con anticipación a sufrir incluso la injusticia y a soportar las sinrazones de un marido sin quejarse". El estado de naturaleza masculino se constituirá en soporte del espacio público y el femenino en fundamento del privado. Las diferencias sociales entre varones y mujeres se deben a sus distintas formas de subjetividad que a su vez están ancladas en diferencias sexuales. Emilio ha de recibir una educación para la autonomía moral y Sofía una educación orientada a la dependencia y la sujeción a Emilio. La diferencia entre Emilio y Sofía es la diferencia entre libertad y sujeción.

Es a la también ilustrada Mary Wolstonecraft a quien corresponde la crítica de los planteamientos roussonianos en su libro " Vindicación de los derechos de la mujer" que serviría de guía para el feminismo posterior. Así para la autora inglesa, Sofía no representa a las mujeres, antes bien es un ideal de mujer que habita en el imaginario masculino. Es un artificio producto de una educación que consiste en hacer dependientes a las mujeres y de ahí la mentalidad misógina concluye que esa dependencia es natural. Mary Wolstonecraft toma el propio concepto roussoniano del estado de naturaleza para desmontar las tesís misóginas de Rousseau: si la igualdad es el rasgo fundamental del estado de naturaleza ¿por qué las mujeres deben estar socialmente sometidas al varón?. Si ambos sexos tienen los mismos derechos naturales, ambos sexos deberán tener los mismos derechos sociales.

El siglo XIX lejos de separarse de los planteamientos roussonianos, aunque los critique en sus aspectos constractualistas, redefinirá el sistema patriarcal de Rousseau en cuanto al ideal de familia y el ideal de feminidad. Si con Rousseau la domesticidad y feminidad es el ámbito presocial, en el siglo XIX la domesticidad y feminidad es naturaleza biológica muy lejos de la civilidad e individualidad que consiste en la doma de lo natural y es propio sólo de los varones. Para Hegel, por ejemplo, las mujeres pertenecen a la familia, están fuera de la ciudadanía y de los intereses universales. Tampoco tienen individualidad: son la madre, la hermana, la esposa, la hija. Los varones han de vivir para el Estado; las mujeres, para la familia. Para Shopenhauer, la división entre los sexos es natural. Los sexos son modos de existencia perfectamente diversos y divergentes. El sexo masculino es reflexivo y el femenino es inmediato. Todas las mujeres deben ser seres de harén, y en esto las culturas orientales se han mostrado más sabias que Europa. Las mujeres no deben tener derechos y deben ser educadas en la sumisión. De no hacerlo así, se las hace infelices colectivamente.

Esta es la línea de pensamiento contra la que tienen que luchar las mujeres defensoras de la igualdad de los sexos, pero la ruptura de esta línea discursiva sólo será posible si la vindicación de igualdad encuentra el apoyo de una profunda reforma legal.
"DECIDIMOS: Que todas las leyes que impidan que la mujer ocupe en la sociedad la posición que su conciencia le dicte, o que la sitúen en una posición inferior a la del hombre, son contrarias al gran precepto de la naturaleza y, por lo tanto, no tienen ni fuerza ni autoridad."
Tres son los ejes sobre los que se sustenta este punto, la educación, el matrimonio y el trabajo.

Educación

En la mayoría de los países, la reivindicación pedagógica precede a todas las otras vindicaciones feministas. El feminismo organizado exigió un cambio de legislación que permitiera el acceso de las mujeres a la educación y a una educación superior. Hasta estas firmes peticiones lo que debía ser sujeto de educación para las niñas se movía en los estrechos límites que el pedagogo Rousseau había impuesto. En "El Emilio", Rousseau afirmó que los varones son por naturaleza activos y fuertes, y las mujeres pasivas y débiles. De acuerdo con esto, la crianza de Sofía debía de estar más protegida, con énfasis en el cultivo de la delicadeza y una buena preparación en la costura y tapicería, preferiblemente en un convento, donde puede mantenerse la inocencia. También mantenía que las niñas necesitaban la religión más que los niños. Sin embargo, Sofía no necesita una educación extensa, sino sólo imprescindible para "vivir convenientemente"; cualquier sofisticación intelectual más profunda se le puede proporcionar después del matrimonio, con Emilio como tutor. El matrimonio y la maternidad son el destino de las jóvenes.

A comienzos del siglo XIX muchas familias burguesas seguían los dictados roussonianos y el precepto de Samuel Johnson, es " preferible ver una buena comida sobre la mesa a oír a la esposa hablar en griego", actitud que por ejemplo se vería reforzada en la sociedad inglesa cuando la ley clasificaba a las mujeres con los niños pequeños, los idiotas y los lunáticos no aptos para la educación ya que " topan con incapacidades naturales" y, por tanto, eran incapaces de " mostrar una sana discreción" o bien " se encuentran en tal medida influidas por otros que no pueden tener voluntad propia".

La educación de las mujeres se toma como un barniz que no pase del nivel de instrucción necesario para el cuidado del hogar y de los hijos. De alguna manera el papel civilizador de las mujeres, lo que éstas deben aprender queda contenido en los versos de Tennyson:
"El hombre, en el campo de batalla, y la mujer, en el hogar
el hombre, con la espada, y la mujer, con la aguja;
el hombre, con la cabeza, y la mujer, con corazón;
el hombre, a gobernar, y la mujer, a obedecer;
de no ser así, reina la confusión."
Sin embargo, será el propio papel educador y de crianza de los niños el argumento esgrimido por parte de las feministas para exigir el acceso a grados superiores de la enseñanza. El feminismo organizado entiende que no sólo se inviste a las mujeres de un papel civilizador y a ellas se les asigna la educación de los hijos, sino que comprende también que el acceso a la independencia económica pasa por la adquisición y el reconocimiento de conocimientos profesionales. En la primera mitad del siglo XIX, se enfoca la educación en relación con la función social de la mujer, subrayando su utilidad para el desempeño de la función de ama de casa y madre, siempre y cuando se respete el ideal de subordinación. En la segunda mitad del siglo, la educación superior de las jóvenes y el acceso a la universidad, lo mismo que la formación profesional, se convierten poco a poco en caballo de batalla. Las mujeres no aspiran a que el Estado escuche sus demandas. Por el contrario, fundan instituciones privadas por iniciativa propia y con currícula propios. Todo ocurre como si, en el proyecto de la sociedad burguesa, la omisión de una condición política y económica para la mujer sólo dejara a las feministas un único dominio en el que pudieran tomarse la revancha: el campo de la educación. De esta manera explotan el poder que les es conferido por "naturaleza" y convierten la educación en su primer trabajo profesional.

Según transcurre el siglo XIX, tanto en Inglaterra como en América la manera más adecuada de abaratar el sistema público de instrucción fue contratando a maestras en vez de a maestros, se facilitó así a las mujeres una educación más completa con el fin de confiarles las escuelas.

Matrimonio

La crítica feminista apunta también a la dependencia conyugal. El matrimonio suponía para la mujer una "muerte civil": la mujer casada no estaba autorizada a controlar sus ingresos, ni a elegir su domicilio, ni a administrar los bienes que le pertenecian legalmente, ni a firmar documentos, ni a prestar testimonio. El esposo poseía tanto la persona como los servicios de la mujer y podía arrendarla al patrono que se le antojase y embolsarse las ganancias. En su calidad de cabeza de familia, el marido era "dueño" absoluto de la mujer y de los hijos. El matrimonio suponía una trampa para la mujer. El dominio absoluto del marido tenía como fuente conservar los roles tradicionales de dependencia de las mujeres. En los países de tradición judeocristiana, la interpretación del "Génesis" que concedía la primacía al varón sobre la mujer en cuanto a la creación y la culpabilidad de la mujer en el pecado original sirvió de abono para resaltar el deber de obediencia de las mujeres. Napoleón Bonaparte solía expresar que en el momento de realizarse el matrimonio era necesaria una lectura pública del texto del Génesis porque era importante que en un siglo en el que las mujeres "olvidan el sentimiento de su inferioridad, se les recuerde con franqueza la sumisión que deben al hombre que se convertirá en el árbitro de su destino". Amén del deber de obediencia, las mujeres al entrar en el matrimonio tienen sobre sí también el deber de reproducción, lo que autoriza al marido a hacer uso de violencias, en los límites trazados por la "naturaleza", siempre que no se trate de actos contrarios al fin legítimo del matrimonio. Por tanto, no puede hablarse de violencia carnal cuando el marido fuerza a la propia mujer a tener relaciones sexuales.

Por otra parte, para el derecho, la mujer sin marido carece de interés. Si es menor, depende del padre. Si no se casa será una mujer jurídica y civilmente capaz, pero socialmente marginada. Una mujer solitaria.

El trabajo

Lo que caracterizaba la vida de las mujeres trabajadoras del siglo XIX era la naturaleza inseparable de las funciones familiares y del trabajo. Así los agricultores necesitaban a sus esposas para cultivar la tierra, pero también para cocinar y procrear; los artesanos y pequeños tenderos las necesitaban para la buena marcha de sus negocios, pero también para cocinar y procrear. El trabajo que los varones realizaban era "l a producción" con mayúsculas, el realizado por las mujeres en la medida que combinaba el hogar y la producción externa era una "aportación" al hogar. Las mujeres estaban así fuera de la historia de las relaciones laborales del siglo XIX.

La creciente industrialización del siglo XIX modificó la ocupación tradicional de las mujeres, el tejido a mano, las labores de punto, etc., de tal manera que la mayor parte de la industria doméstica se convirtió en un trabajo mal pagado que las mujeres podían realizar en un desván o en un patio trasero.

La industrialización también significó una abierta separación del hogar y del lugar de trabajo e implicó un modelo de división sexual-económico en el que al varón era a quien le correspondía "ganar el pan", mientras que el trabajo de las mujeres era considerado como suplementario y ello reforzaba la convicción tradicional de que el trabajo femenino era inferior y mal pagado. Se le podía pagar menos puesto que no era a las mujeres a quienes correspondía ganar el sustento familiar. Por otra parte se extendía la imagen de que el buen marido era por definición aquel capaz de ingresar un buen salario. El hecho de que la esposa no tuviera que trabajar era la prueba de que la familia no se hallaba en una situación económica mísera. Todo contribuía, pues, a mantener a las mujeres casadas en situación de dependencia. Situación de dependencia que se extendía a las mujeres solteras, pues su soltería era vista como un momento de espera hasta encontrar marido y sus necesidades eran consideradas en grado cero, nulas.

Sin embargo, avanzado el periodo industrial la economía del capitalismo estimuló la contratación de mujeres trabajadoras al ser una mano de obra más barata y más fácil de intimidar. Tanto en Inglaterra como en América las mujeres tenían que soportar, en todos los ramos, jornadas más largas, tareas más pesadas y condiciones de trabajo más nocivas que el varón, a cambio de una retribución inferior a éste. Las mujeres no sólo tenían que luchar contra su patrón económico que las mantenía en trabajos inhumanos, sino también con los propios sindicatos, formados en su mayor parte por varones que veían a las mujeres como competidoras peor remuneradas. Así las feministas américanas denuncian, la situación de dependencia absoluta de las mujeres, su imposibilidad de acceso a enseñanzas superiores y la precariedad en el trabajo, pero se dan cuenta que esta situación responde a un orden moral y de costumbres que necesariamente hay que invertir.
"DECIDIMOS: Que puesto que el hombre pretende ser superior intelectualmente y admite que la mujer lo es moralmente, es preeminente deber suyo animarla a que hable y predique en todas las reuniones religiosas."
Mary Wolstonecraft afirmaba que era una farsa llamar virtuoso a un ser cuyas virtudes no resultaban del ejercicio de su propia razón. De ahí que dedujera que la supuesta virtud de las mujeres no era más que un disfraz impuesto por la mentalidad misógina para mantenerlas subyugadas. De idéntica manera, las firmantes de la declaración de Seneca Falls van en contra de esta idea de moralidad que, en último extremo, tiene como misión alejar a las mujeres de los espacios públicos. El autor que describió con mayor lujo de detalles en qué consiste la moralidad de las mujeres americanas fue Tocqueville. Este autor veía en la democracia el gobierno del futuro. Consideraba que la influencia de la democracia haría menos ruda la costumbre, la dulcificaría. Tocqueville dedica dos tomos a explicar la democracia en América, y es sintomático que las mujeres sólo aparezcan expresamente anunciadas en un breve capítulo que se titula "influencia de la democracia sobre las costumbres". Las costumbres las representan las mujeres. Para Tocqueville la igualdad de condiciones si bien no origina la corrupción de las costumbres la puede dejar surgir: " No es la igualdad de condiciones la que hace a los hombres inmorales e irreligiosos. Pero cuando los hombres son inmorales e irreligiosos a la par que iguales, los efectos de la inmoralidad y de la irreligión salen fácilmente a la luz, porque los hombres tienen poca acción unos sobre otros y no existe clase alguna que pueda encargarse de mantener el orden en la sociedad". Por lo tanto si los hombres igualados pueden ser vencidos por la inmoralidad alguien debe conservar la fuente de la moralidad, esto es, las mujeres.

En la sociedad libre e igualitaria es la mujer la que sostiene la moralidad. La manera en que lo argumenta es de sobra conocida: no se puede hacer del hombre y la mujer seres semejantes. La igualdad consiste no en obligar " a hacer las mismas cosas a seres diferentes, sino en conseguir que cada uno de ellos desempeñe su tarea lo mejor posible". La tarea femenina no consiste en conducir los asuntos extramatrimoniales, ni dirigir negocios, ni entrar en la esfera política. Su tarea es mantener el buen orden de las costumbres y la moral, velar por la familia, no poner en cuestión que el jefe natural del matrimonio es el hombre. Según Tocqueville, la independencia en la que han sido educadas las mujeres americanas las lleva a aceptar el sacrificio sin quejas: " Puede decirse que es el uso de la independencia lo que le ha dado fuerzas para sufrir sin resistencias ni quejas el sacrificio cuando llega la hora de imponerselo. Por otra parte, la americana no cae nunca en los lazos del matrimonio como en una trampa tendida a su ingenuidad y a su ignorancia. Se le ha hecho saber de antemano lo que se espera de ella, y se somete al yugo voluntaria y libremente. Soporta valerosamente su nueva condición, porque es ella misma quien la elige". Su sacrificio voluntario asegura el orden y el bien para la familia. La única tacha que ve Tocqueville es que la fuerza de voluntad de las mujeres, el hecho de que ellas representen la conservación de las costumbres y la moral hace que pierdan su encanto femenino. La democratización hace que las mujeres sean más frías y honestas, en lugar de esposas tiernas y amables. Pero este carácter de la " nueva mujer" es la única garantía para que no reine la inmoralidad. Concluye Tocqueville que la fuerza y prosperidad del pueblo americano es atribuible a la superioridad de las mujeres.

Y es esta superioridad moral de las mujeres lo que las conduce a su sujeción al varón. A la lista de firmes exponentes de esta teoría, cuyo máximo paladín fue Rousseau, debemos unir, para el caso de las europeas, a la Iglesia católica. Para la Iglesia Católica, la ley natural consiste en la participación de la criatura racional en el orden divino del universo. Esta ley natural no viene expresada en derechos, como lo entiende la concepción iusnaturalista ilustrada, sino en deberes. Lo que las mujeres son y cuáles son sus deberes es fundamental para asegurar este orden divino. En 1854 el Papa Pio IX declara que la Madre de Dios es la única criatura que ha sido preservada del pecado original. La Bula, Ineffabilis Deus, proclamaba que era un dogma la Inmaculada Concepción de la Virgen Maria. La Virgen era, así, el ser creado más perfecto después de Jesucristo. " Durante su vida estuvo completamente libre de concupiscencia, del "estímulo del pecado", y por lo tanto descargada de todo deseo pecaminoso. Superó a los ángeles en pureza, aunque no en inteligencia. Dios la había elegido como su amada hija desde el principio del tiempo y la había predestinado como madre de su hijo unigénito".

De ahí el modelo a imitar de todas las mujeres es seguir una vida intachable dedicada a la maternidad. Esta " madre nueva" tiene como misión en la tierra fortalecer en sus hijos y en los hombres las virtudes sociales e individuales. El mundo es un " valle de lágrimas", en especial para las mujeres, pero en ese sacrificio, sumisión y abnegación las mujeres encuentran su santidad. La mujer ha de "ser otro, para otro, a través de otro" así es como contribuye al orden divino. Las mujeres son sagradas y el sagrado deber de las mujeres debe acallar sus derechos. Frente a esta visión del mundo Stanton afirmaría " El desarrollo de uno mismo es un deber más sagrado que el autosacrifico". Por lo tanto uno de los mitos a los que se han de enfrentrar las feministas del siglo XIX es el mito de la mujer sagrada y los dos aspectos simbólicos a los que da origen: la mujer ángel, la mujer demonio. La influencia de las mujeres ha de permanecer en el terreno de lo ignoto.

Según avanzaba el siglo XIX los discursos científicos también avalarían la hipótesis de una mayor moralidad de las mujeres, pero menor inteligencia. Lo que las condenaba a espacios distintos al de la creatividad o actividad pública. La teoría de la evolución, por ejemplo, poco favorecedora a una teoría igualitaria por primar la lucha por la supervivencia y la selección natural, dio lógicamente, en su interpretación de la selección con relación al sexo, en una teoría que fundamentaba de manera biológica y científica las profundas diferencias y desigualdades entre hombres y mujeres. De la teoría de Darwin aplicada al sexo resultaba un nuevo hombre inteligente y dominante, muy del gusto burgués, que hacia más respetable el concepto de " individuo" que el de " ciudadano":
"La mujer parece diferir del hombre en su condición mental, principalmente en su mayor ternura y menor egoísmo... La mujer siguiendo sus instintos maternales, despliega estas cualidades con sus hijos en un grado eminente; por consiguiente, es verosímil que pueda extenderlos a sus semejantes. El hombre es el rival de otros hombres: gusta de la competencia y se inclina a la ambición, la que con sobrada facilidad se convierte en egoísmo. Estas últimas cualidades parecen constituir la mísera herencia natural. Está generalmente admitido que en la mujer las facultades de intuición, de rápida percepción y quizá también de imitación, son mucho más vivas que en el hombre; mas algunas de estas facultades, al menos, son propias y características de las razas inferiores, y por tanto corresponden a un estado de cultura pasado.
La principal distinción en las facultades intelectuales de los dos sexos se manifiesta en que el hombre llega en todo lo que acomete a punto más alto que la mujer, así se trate de cosas en que se requiera pensamiento profundo, o razón, imaginación o simplemente el uso de los sentidos y de las manos".

Darwin desplegó sus recursos evolucionistas para amañar la imagen de una mujer a la vez inferior y moralmente mejor, siguiendo las líneas trazadas por Rousseau, pero en toda su argumentación se evidencia la autosatisfacción del burgués que pide disculpas por el comportamiento del varón, por su egoísmo y desmedida ambición, pero que resultan ser los valores necesarios para la evolución de la especie, para el progreso de la civilización.

Gracias a la rivalidad entre los hombres, donde se aseguraba el éxito de los más aptos y capaces, el europeo blanco, en una época de imperialismo, " pudo sentirse superior a las razas retrasadas; el hombre de negocios de la clase media pudo sentirse más capaz que los obreros a quiénes explotaba". Y así fue tomando cuerpo el concepto de individuo en relación con el poder. El individuo que emerge de la lucha por la supervivencia es aquel que tiene poder y gracias a su poder domina. Es lógico pensar que esta teoría fue muy del gusto de las clases privilegiadas, pero también de las menos privilegiadas. Los varones privilegiados dominarán la esfera pública, dominarán la política y dominarán a sus mujeres que serán las más hermosas y sanas. Los varones menos privilegiados por lo menos dominaran a sus mujeres y tendrán a su vez su pequeña cota de poder. La otra mitad de la humanidad, las mujeres, no son individuos pues no tienen poder. El naturalismo biológico es el gran argumento para legitimar cualquier desigualdad. Como Mill puso de manifiesto se sustituyó la deificación de la razón por la del instinto. La formulación era muy sencilla: Instinto igual a fuerza, fuerza igual a poder. Y es contra esta imagen de fuerza y de egoísmo varonil contra la que las feministas américanas acuerdan el siguiente punto.
"DECIDIMOS: Que la misma proporción de virtud, delicadeza y refinamiento en el comportamiento que se exige a la mujer en la sociedad, sea exigida al hombre, y las mismas infracciones sean juzgadas con igual severidad, tanto en el hombre como en la mujer."
Los " buenos sentimientos" del varón burgués honesto quedan reflejados del modo siguiente "no mostrarse brusco, ni envidioso, ni colérico, ni susceptible (...) defectos incompatibles con su bondad natural", de esta manera refleja la literatura lo que era imagen humana y así lo hace Tolstoi en su novela Ana Karenina. Ahora bien, estos buenos sentimientos, para que sean operativos dentro de la dinámica social, han de pasar inevitablemente por las instituciones y las costumbres. El camino obligado por lo que podemos llamar las fuentes de la legitimidad dotará a aquéllos de una concepción sobrehumana, la buena conciencia. O sea, una suerte de seguridad de que los sentimientos de los que se hacen portadores los varones son de conveniencia social. El rasgo del burgués honesto es su duplicidad, una bien tejida máscara social: los varones hacen gala de una voluntad dominadora e hipócrita que, con su apelación constante a los buenos sentimientos, silencian la miseria social de una sociedad convulsionada por una rápida industrialización, amén de retener e impedir los discursos igualitarios. Se puede decir que bajo la bondad natural del " varón honesto" se esconde el prejuicio desalmado hacia las clases inferiores, que tras la máscara de afabilidad surge la carnal brutalidad del trato a la esposa: lo mismo que canallla y tirano en el hogar se nos presenta en público como un hipócrita hombre de honor. Hay un espacio en donde el varón podía mostrar la falta de armonía entre lo que proclamaba como bueno y lo que quería como máquina deseante, sin verse expuesto a la reprobación social: ese espacio es el hogar. De esta manera el varón concibe la casa familiar y a la propia esposa como el reposo del guerrero. Sus correrías son justificadas, o bien por atribuciones físicas, como su imperdurable juventud frente a la temprana vejez de la esposa, o bien por la espiritualidad de llevar " en sí los restos de un poeta" y como tal verse en el " deber" de cumplimentar a la belleza manifiesta.

" El tiempo todo lo resuelve" es el salmo que se le escapa al burgués honesto cuando es pillado en su lozana madurez o reconvenido por sus desmesurados sentimientos estéticos. Es el salmo que arreglará la crisis iniciada en su hogar, pues la conveniencia social no pondrá en entredicho al esteta maduro, sino que intentará acallar las quejas de la esposa.

En este sentido es interesante el papel que otorga la novelística del siglo XIX al burgués honesto que ocupa su tiempo en semejantes lides, siempre se presenta al personaje como secundario, como si fuera -como de hecho era- un lugar común que no fuera a despertar el mayor interés de los lectores. Es de nuevo este discurso, el novelado, el que resulta ser el más fiel reflejo de la época. El hecho de que los protagonistas de las grandes novelas del siglo pasado fueran mujeres no representa ningún síntoma de intentar el quebradizo camino de la igualdad, antes bien los personajes femeninos son más ricos en el sentido de que hacen gala de unas pasiones inconvenientes para el sexo que representan. Detrás de este protagonismo había el interés morboso y moralizante del cómo iba a acabar aquella historia. Oigamos sino a Enma Bovary: " Un hombre, al menos, es libre; puede recorrer las pasiones y los países, atravesar obstáculos, gustar los placeres más lejanos. Pero a una mujer esto le está continuamente vedado. Fuerte y flexible a la vez, tiene en contra de sí las molicies de la carne con las dependencias de la ley. Su voluntad, como el velo de su sombrero sujeto a un cordón, palpita a todos los vientos; siempre hay algún deseo que arrastra, pero alguna conveniencia social que retiene".

Se podría interpretar optimistamente este pasaje si no fuera porque a la protagonista y a todas las demás: Anna Karennina, Ana Ozores, Gervaise, Nana, etc. sólo les espera como final de sus pasiones la muerte más ignominiosa y la vergüenza social más absoluta. " El tiempo todo lo resuelve" es un lema que para ellas no sirve, sólo les queda el arsénico, los raíles de un tren, un sapo viscoso, un nicho en las escaleras de una casa desvencijada, o la belleza picada de viruela. No hay un a conjura de la sociedad que guarde sus pasiones en el silencio, hay solamente la ley moral del " varón honesto" que castiga los buenos sentimientos incumplidos. En último extremo un ángel de aceradas cuerdas que comenzaba a ser enjuiciado por el movimiento de emancipación de las mujeres.
"DECIDIMOS: Que la acusación de falta de delicadeza y de decoro con que tanta frecuencia se inculpa a la mujer cuando dirige la palabra en público, proviene, y con muy mala intención, de los que con su asistencia fomentan su aparición en los escenarios, en los conciertos y en los circos."
A lo largo del siglo XIX para la moral burguesa, las mujeres que tomaban la palabra en público solían ser las cortesanas, las viudas de vida alegre, las maduras ricas que flirteaban con los jovencitos, pero según avanza el siglo la inconstancia femenina también quedó probada por los experimentos pseudocientíficos. De alguna manera la ciencia mostró que la aparición pública de las mujeres en los escenarios y sus alocuciones procedían de la inspiración histérica, muy contrarios a los discursos varoniles anclados en la racionalidad. Durante el siglo XIX tres corrientes pretendidamente científicas avalarían esta hipótesis, el mesmerismo o creencia en que puede manipularse un fluido que impregna el universo y curar así ciertas enfermedades, la frenología o creencia en que las protuberancias del cráneo corresponden a partes muy desarrolladas del cerebro, que expresan a su vez el desarrollo de sendas facultades mentales, y el espiritismo o creencia en que hay otro plano de existencia aparte de los fenómenos materiales que puede conocerse mediante determinadas experiencias y prácticas ocultistas. Estas tres creencias están relacionadas históricamente. En combinaciones diversas, aparecen en la psicología popular del siglo XIX en toda clase de técnicas para ayudarse a sí mismo y tienen como protagonistas especiales a las mujeres. Se suponía que dada la naturaleza de las mujeres era más fácil que éstas entraran en trance que los varones y que fueran más dóciles a la imposición de manos propia del mesmerismo. Así lo recoge Henry James en su novela Las Bostonianas: El padre de la Joven protagonista es quien pose los conocimientos y es a él a quien compete traspasarselos a su hija mediante la imposición de manos. Por boca de la joven hablará la inspiración y por lo tanto el ridículo cuando de lo que se quiere hablar es de cosas serias como la vindicación de derechos de las mujeres. Fueron comunes en el siglo XIX estas reuniones que tenían por protagonistas a las mujeres. De la misma manera el ocultismo jugaba con la idea de la mayor credulidad de la conciencia femenina lo que convertía a las mujeres en seres más propicios para el reconocimiento de una presencia espiritual. La frenología se convirtió en Estados Unidos en una de esas disciplinas que con bases científicas se tradujo en una incesante actividad circense, donde públicamente se hacia referencia a las cualidades de los que se dejaban someter al examen. Conseguir que el objeto de experimentación frenológica fuera una mujer en vez de un varón era la mejor garantía para asegurar el regocijo del público, pues siempre generaba más morbo las posibles cualidades ocultas de una mujer que las de un varón.
"DECIDIMOS: Que la mujer se ha mantenido satisfecha durante demasiado tiempo dentro de unos límites determinados que unas costumbres corrompidas y una tergiversada interpretación de las Sagradas Escrituras han señalado para ella, y que ya es hora de que se mueva en el medio más amplio que el Creador le ha asignado."
Este punto de la declaración culminaría en 1895 con la publicación por parte de Elizabeth Cady Stanton de La Biblia de la mujer en la cual participaron con comentarios e interpretaciones muchas de las mujeres firmantes de la declaración de 1848. Las autoras de La Biblia de la mujer dan por buena la figura moral de Jesús como hombre, en la misma clave de interpretación que la expuesta por Renan o Tolstoi. Jesús se convierte en inspiración, esperanza y salvación y la senda que él ha abierto bien puede ser seguida por otros. Sin embargo, el don moral no es ajeno a la situación social y así todas las intérpretes de la Biblia coinciden en afirmar que los tipos femeninos que aparecen, sobre todo, en el Viejo Testamento no son ningún ejemplo de heroicidad: la mayoría de las mujeres bíblicas son mujeres anónimas - " madres de...", " hijas de..."-. Las esposas de los patriarcas suelen ser mentirosas y una, además, cleptómana, lo que demuestra que las virtudes cardinales raramente se encuentran en las clases oprimidas. En la Biblia no se habla de las mujeres en calidad de seres humanos, sino de bienes. De nada sirve la revolución moral de Jesús si no alcanza a las mujeres; mientras se enseñe el sometimiento sólo hallaremos caos en el mundo de la moral. Tanto en el Nuevo como en el Viejo Testamento, afirman las sufragistas, no se aprecia ninguna estima por el sexo femenino. De hecho, en el Nuevo Testamento la situación de inferioridad de las mujeres está expuesta más claramente por los apóstoles que por los profetas y los patriarcas. Se debe poner en cuestión, por lo tanto, el precepto de obediencia a unos mandatos religiosos estrictamente masculinos que colocan al sexo femenino en desventaja en todas las situaciones de la vida.

Las autoras de La Biblia de la mujer, en consonancia con la psicología pragmatista americana de W. James, abogan por un tipo de creencia que conduzca a la acción. El objetivo de la creencia religiosa ha de ser el de ensalzar la voluntad y la responsabilidad de los individuos y no su negación. El Pragmatismo, o la idea de que las creencias siempre se manifiestan en alguna conducta más o menos exitosa, es una de las claves para interpretar la Biblia. Creencia y acción aplicadas a pasajes o parábolas de la Biblia cambian la interpretación tradicional y estereotipada por una imagen más viva y comprometida con la realidad. Es el caso de la parábola de " las diez vírgenes" en Mateo XXV. Canónicamente se ha asimilado esta parábola al juicio final, donde las vírgenes necias son los pecadores y las vírgenes sabias, los santos. Esta interpretación, según Elizabeth Cady, resulta bastante forzada porque en realidad hace referencia a cómo deben vivir las mujeres sus creencias. Las vírgenes sabias son aquellas mujeres que no desprecian sus talentos, capacidades y facultades, sino que los cultivan con éxito pisándole los talones al varón en todos los terrenos del pensamiento. Las vírgenes necias son las mujeres sin vida propia, que descuidan sus talentos y capacidades para ponerse al servicio de otro, quedándose, pues, en la soledad de la ignorancia. Sin embargo, el gran cortejo hacia el templo del conocimiento iniciado por las vírgenes sabías debía de enfrentarse con la maldición bíblica a Eva por haber pretendido ésta, precisamente, el conocimiento.
"Hacia tu marido irá tu deseo, y él te dominará"
El Génesis se ha convertido para la interpretación masculina y misógina en la sustancia de la Biblia entera. En este libro quedan descritas para la tradición y la costumbre de toda la historia del cristianismo la naturaleza del varón y la mujer. Los varones han sobado con delectación y expuesto con voz tronante ciertos versículos del Libro para mostrar la posición de subordinación de todo el universo femenino, desde las hembras de las especies animales hasta las hembras de la especie humana. En vez de basarse en las verdades bíblicas, los varones han hojeado las páginas de los textos sacros para buscar ejemplos en los que apoyar el error y los abusos existentes en la sociedad. El Génesis, si bien mito de creación, fue tomado literalmente como expresión de la Ley natural que rige el universo. El valor permanente de Dios y su creación se halla muy por encima de los derechos naturales de los individuos. El reconocimiento de la individualidad no puede poner en quiebra este orden del mundo. En el siglo XIX se llegó a una gloriosa síntesis: el reconocimiento de derechos para los varones es una consecuencia más del orden de la creación; por el contrario, cualquier reconocimiento de derechos para las mujeres atentan contra el orden excelso de la creación.

A lo largo del siglo pasado, la maldición bíblica que comenzó a pesar sobre Eva al ser expulsada del Paraíso fue amplificada en los púlpitos, (denominados " la torre del cobarde"), en la versión propia del " romanticismo religioso": el drama, el heroísmo, el sacrificio, la sangre derramada... El drama de la especie humana es que la curiosidad de una mujer desbarata la existencia " edénica"; la dimensión heroica se encuentra en que, pese a la fatiga por la expulsión del Paraíso, Adán fue capaz de poblar la tierra y buscar el sustento; el sacrificio es el tributo a pagar por la curiosidad, las mujeres parirán con dolor y quedarán sometidas al esposo; la sangre derramada es la del inocente descendiente Abel, pero, en definitiva, un rayo de esperanza para las virtudes ya que pueden brotar incluso en la unión desigual entre un héroe y una pecadora. El " romanticismo religioso" recurre al poder del verbo y los sermones se transforman en géneros literarios con maestría suficiente para convencer y entusiasmar. Así pues, frente a tales visiones celestiales y condenaciones infernales, cabe oponer los argumentos positivistas, los propios de la razón y de la ciencia. También cabe oponer a los pasajes bíblicos de subordinación aquellos otros en los que se hace explícita la idea de igualdad entre los sexos: " Creó, pues, Dios al ser humano a imagen suya. A imagen de Dios le creó, macho y hembra los creó". Sin ninguna restricción los creó iguales para dominar la tierra, pero no para que uno de los dos sexos dominara sobre el otro. Por esta razón, la Trinidad, contrariamente a la creencia general, se compone de Padre, Madre e Hijo Celestiales: "El primer paso en la elevación de la mujer a su verdadera posición como un factor igual en el progreso humano es el cultivo del sentimiento religioso en torno a su dignidad e igualdad, el reconocimiento por parte de la nueva generación de una Madre Celestial ideal a la que deberían dirigirse sus oraciones del mismo modo que al Padre". Como dos son las versiones de la creación y ambas no pueden ser verdaderas, necesariamente hay que elegir la mejor, aquella que no suponga vejación alguna para las mujeres. Así las intérpretes de la Biblia optan, ante los dos relatos de la creación descritos en el Génesis, por la versión Elohística, según la cual Dios creó a la especie humana el quinto día. Desechan, por el contrario, la versión Yahveística, según la cual Dios creó el tercer día al varón y el sexto a la mujer. Consideran que la interpretación dada a este mito ha justificado a lo largo de la historia del cristianismo la pretendida subordinación de las mujeres a los varones:"(...) la segunda historia fue manipulada por algún judío en un intento de dar "autoridad celestial" a la exigencia de que la mujer obedeciera al hombre con el que se casa".

Al hacerse fuerte la segunda versión se responsabiliza de la "caída del hombre" a la mujer. Se culpa a Eva de los males de la especie humana. A Lillie Devereux Blake le resulta asombroso que los hombres pretendieran alguna vez que el dogma de la inferioridad de la mujer se halle expuesto en la tentación y expulsión del Paraíso, ya que la conducta de Eva es superior a la de Adán. Afirma la comentarista que el mandato le fue impuesto a Adán y no a Eva. Ésta sin temor a la muerte y con objeto de alcanzar la sabiduría tomó del fruto prohibido. La actitud de Adán, por el contrario, fue de extrema cobardía ya que no interpone ninguna objeción, come del fruto y posteriormente se dedica a gimotear. Eva, para Elizabeth Cady, representa el coraje, la dignidad y la noble 14 ambición. No se deja tentar por lo que pretendidamente gusta a las mujeres (joyas, vestidos, lujos.), sino por la promesa del conocimiento.
"DECIDIMOS: Que es deber de las mujeres de este país asegurarse el sagrado derecho al voto."
Las feministas, así pues, orientaron sus vindicaciones hacia la legislación secular que ordenaba la fusión del hombre y la mujer en " un sólo ser" que, por supuesto, era el del varón. Muy poco después, en 1860, una ley en el Estado de Nueva York daba a las mujeres el derecho a cobrar sus propias rentas, heredar las propiedades del marido y entablar acciones judiciales. Sin embargo, y a las alturas de los sesenta, aún no se puede hablar de un feminismo organizado en América. Este se consolidaría a partir de otra constatación dolorosa: la experiencia de la guerra y las esperanzas que suscitó. Las feministas apoyaron de modo activo la Unión. Pero su recompensa fue que en 1866, el partido Republicano, con el cual se habían identificado, al presentar la Catorce Enmienda a la Constitución negaba explícitamente el voto a las mujeres e insistía en conceder el derecho al voto a los esclavos varones liberados. Ni los republicanos accedieron a las demandas de las sufragistas, ni el movimiento antiesclavista las quiso apoyar en sus vindicaciones, ya que temía poner en peligro la enmienda.

Stanton y Susan B. Anthony llegaron al convencimiento de que la lucha por los derechos de la mujer dependía de las mujeres solas y de su capacidad para asociarse. El objetivo era conseguir el mismo rango de importancia política que las asociaciones masculinas tenían en los Estados Unidos. Como Tocqueville había puesto de manifiesto, " los partidarios de una misma opinión pueden reunirse en colegios electorales y nombrar mandatarios que les representen en una asamblea central". Una asociación que contara con suficientes partidarios comprometidos y que consiguiera focos de acción en puntos importantes del país tenía el poder no de hacer una ley, pero sí el de atacar la existente y formular de antemano la que debía existir. El Objetivo de Stanton y Anthony era lograr tal capacidad de interferencia.

En 1868 ellas y sus seguidoras fundaron la " Asociación Nacional pro sufragio de la mujer" (National Woman Suffrage Association NWSA). Para conseguir sus vindicaciones se centraron en la petición de voto: sólo la participación de las mujeres en la vida política podía asegurar una total igualdad con el varón. Estaban abiertas a todo problema social y laboral que pudiese afectar a la vida de las mujeres y en este sentido eran totalmente receptivas a los problemas de las mujeres obreras. Susan Anthony tenía como objetivo prioritario el cambio de mentalidad de las mujeres y atajar los abusos en la explotación económica de las mujeres. Estaba segura de que por medio del voto se podría controlar las condiciones de las mujeres en todos los aspectos de la vida: " Con frecuencia se dice que " es el capital, no el voto, lo que regula el trabajo". De acuerdo con que el capital controla el trabajo de la mujer, pero no hay nadie que admita, ni por un momento, que el capital domina absolutamente el trabajo y los salarios de los hombres libres y emancipados de esta república. Y es a fin de elevar a millones de obreras a una posición con igual poder sobre su situación laboral que la que tienen los hombres, por lo que se las debería emancipar". Los planteamientos de Stanton y Anthony, anticlericales, individualistas e interclasistas resultaron excesivos para otras feministas. Lucy Stone lideró una escisión en el año 1869.

Nacía la " Asociación Americana pro sufragio de la mujer" (American woman Suffrage Association AWSA), el ala bostoniana, la más conservadora del movimiento. Elizabeth Stanton y Susan Anthony crearon un estilo peculiar de hacer campañas, consistente en marchas y reuniones masivas, difusión de folletos y la presentación casi anual de una enmienda constitucional a favor del sufragio femenino en el Congreso de 1878 a 1896.

La asociación liderada por Stone centró sus energías en las campañas del referéndum sobre el sufragio femenino Estado por Estado, pero casi todas estas campañas estatales salieron mal paradas. Las dificultades con las que se encontraron las dos alas del movimiento facilitaron su unión en 1890, creándose la " Asociación Nacional Norteamericana pro Sufragio de la Mujer". Al finalizar el siglo, tras el largo aprendizaje político y sin apenas éxitos, las mujeres se encontraban bastante preparadas para una creciente radicalización de sus posiciones. El voto les llegaría a las mujeres americanas en 1920. De las mujeres participantes en la reunión de Seneca Falls, tan sólo una, Charlotte Woodward entonces de diecinueve años, llegó a presenciar en 1920, las primeras elecciones presidenciales en que tomaron parte las mujeres.

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En 1848 se celebró en Seneca Falls (Nueva York) la primera convención sobre los derechos de la mujer en Estados Unidos. Organizada por Lucretia Mott y Elizabeth Cady Stanton.

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La maestra era una mujer con una imagen muy alejada de la de las serias institutrices. Para poder ejercer de profesora tenía que ser soltera. En el momento en que contraía matrimonio tenía que dejar su trabajo como maestra.

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Cuando pensamos en las escuelas victorianas una de las primeras imágenes que nos vienen a la cabeza es la de un internado con niños y niñas vestidos con sobrios uniformes, severos profesores y estrictas normas de comportamiento.

Pero las pequeñas escuelas de los barrios más humildes y, sobre todo, de las zonas rurales, distaban mucho de esa imagen.
Las escuelas
Este tipo de escuelas eran lo que se denominaba one room school, formadas por cuatro paredes y un tejado, con los materiales más básicos para impartir las clases.

Estas escuelas albergaban en una misma habitación a alumnos de todas las edades y de diferentes niveles de aprendizaje. Niños y niñas compartían el espacio, sin haber separación por sexos, entre otras cosas, porque el espacio único no lo permitía. La única separación consistía en la creación de pequeños grupos de niños según su nivel escolar.

Algunas escuelas con mayor número de alumnos tenían dos puertas de entrada y salida: una para las niñas y otra para los niños, aunque en el interior todos estuvieran en la misma clase.

Habitualmente los maestros utilizaban una campanilla colocada en la puerta para indicar la hora de entrada a la clase.
Los maestros
La persona que impartía las clases era una persona dedicada a sus alumnos, y, que a pesar del bajo salario que recibía, se preocupaba más allá de lo que implicaba su trabajo de maestro, ya que se ocupaba de la higiene, de la salud, de la alimentación y muchas veces intercedía en problemas familiares de los que los niños eran víctimas indirectas o directas, como problemas de alcoholismo de los progenitores o de maltrato infantil.

La mayoría de los maestros eran hombres y no recibían el nombre de teacher sino de schoolmaster.

La maestra era una mujer con una imagen muy alejada de la de las serias institutrices. Para poder ejercer de profesora tenía que ser soltera. En el momento en que contraía matrimonio tenía que dejar su trabajo como maestra.

Cuando la escuela no estaba financiada por alguna institución política o un benefactor privado, que corría con los gastos del material y del sueldo del maestro, eran las instituciones religiosas o de caridad las que sufragaban los gastos.

Habitualmente, en las zonas rurales, eran las propias familias las que aportaban una pequeña cantidad para pagar el salario del maestro, además de proporcionarle un lugar donde vivir. Aquellas familias que no podían aportar dinero en metálico, pagaban con productos de su huerto, de su granja o con servicios propios de su oficio.
Las asignaturas
Las asignaturas que se impartían en estas humildes escuelas, eran muy diferentes de las escuelas o internados privados. En estas escuelas no había clases de música o de protocolo, sino que que se enseñaban lo que se conocía como las Three Rs: Reading, Riting and Rithmetic, o lo que es lo mismo Reading (lectura), wRiting y aRithmetic - lectura, escritura y aritmética.

Los estudiantes aprendían poemas, rimas, canciones y oraciones por el método de memorización, que era un método habitual de aprendizaje. Después tenían que recitarlos en voz alta en clase, para acostumbrarse a pronunciar correctamente y a hablar en público.

En algunas escuelas, si los niños dominaban las materias básicas, se enseñaba historia, geografía y gramática.

Además se dedicaba una especial atención a la caligrafía y al uso de la pluma y la tinta: tener una letra firme, inteligible y con bellas curvas se consideraba una cualidad muy apreciada en los estudiantes.

A aquellos alumnos que destacaban en sus asignaturas se les premiaba con una medalla o distinción, premios que trataban de estimular el estudio.

Aquellos estudiantes que no cumplían con sus tareas o cuyo comportamiento no era lo suficientemente bueno, recibían castigos más o menos ejemplares que iban desde las aburridas copias, a los castigos "cara a la pared" o la humillación de llevar puesto un gorro que ponía "burro".

Los castigos corporales, desgraciadamente, no eran inusuales y estaban socialmente aceptados. Habitualmente consistían en darle al niño unos azotes en el trastero o en las manos con una vara de madera.
El material de estudio
Para la escritura se utilizaban quills, plumas, habitualmente de ganso, que previamente afilaban. La tarea de afilado le correspondía a los profesores o a los estudiantes mayores para evitar que los más pequeños se hicieran daño al afilarlas.

Las plumas se mojaban en la tinta que contenían los tinteros, generalmente pequeños botes de cristal, que se cerraban herméticamente después de su uso para evitar que la tinta se secase. Ante la dificultad de escribir con tinta sobre los papeles, ya que quedaban humedecidos, se utilizaban blotting papers o papeles secantes que se colocaban encima del papel escrito, al término de la tarea, para absorber el exceso de tinta.

Posteriormente los estudiantes comenzaron a utilizar lápices similares a los que utilizamos en la actualidad.

Para escribir se utilizaban cuadernillos de papel blanco, a los que los niños le dibujaban líneas paralelas para no torcerse en la escritura. También se utilizaban pizarrines.

Los libros básicos para el aprendizaje solían ser la Biblia, de donde se aprendían las oraciones y las historias que posteriormente se recitaban - además se utilizaba como libro de lectura - y el llamado primer, que contenía los números, el alfabeto, y rimas.

Los primer tenían diferentes niveles y cada niño utilizaba el más adecuado para su aprendizaje y progreso.
El tiempo de recreo
Los recreos eran los momentos de descanso de la jornada y era el momento más esperado por los estudiantes, ya que era el tiempo de juegos al aire libre.

Los juegos de pelota eran uno de los favoritos. Como no existían las pelotas de caucho, cuero o plástico como en la actualidad, en las zonas urbanas se hacían pelotas con ropa vieja enrollada y en las zonas rurales se empleaban las bladders, unas pelotas hechas con las vejigas de los animales de las granjas, previamente lavadas y secadas.

Las canicas, las peonzas y el escondite eran, asímismo, juegos muy populares.

Las niñas preferían juegos que implicaban canciones como la comba, el corro o el hopscotch, o rayuela.

El rolling hoop, o aro. los knucklebones o tabas y otros juguetes caseros hechos de madera o latón también triunfaban entre los más pequeños.
La hora de la merienda
Muchos estudiantes llevaban refrigerios a la escuela para comer en los descansos. Este era humilde pero sabroso y consistía en pan casero, piezas de fruta o porciones de bizcocho o tartas para los más afortunados. Los niños llevaban su comida en pequeñas cestas de mimbre.

En muchas escuelas los niños recibían mantequilla o mermelada para acompañar el pan. También se les proporcionaba un vaso de leche y, a veces, un chocolate caliente. Incluso existían pequeños hornillos en el colegio para calentar las bebidas. Estos alimentos que repartía el colegio entre sus alumnos eran muy importantes para muchos pequeños, ya que no todos podían llevar una pequeña merienda y su estado de desnutrición era claramente visible, siendo estas pequeñas porciones de leche y pan casi la base de su alimentación diaria.
El mobiliario
El mobiliario era sobrio y funcional, hecho íntegramente de madera y estaba formado por mesas con bancos de una o dos plazas, o con taburetes de tres patas, donde se sentaban los niños.

El maestro se sentaba en una mesa grande de madera con silla colocada de cara a los niños. Además había diferentes estanterías para los libros y cuadernos y percheros para colgar la ropa de abrigo y los sombreros - prácticamente todos los niños y niñas, tanto en la ciudad como en el rural, llevaban la cabeza cubierta con sombreros, gorros o gorras.

La pared de la clase estaba presidida por una pizarra. En la clase había además una chimenea o una estufa de leña para calentar la habitación durante los meses de invierno.

Si el colegio era afortunado con alguna donación podía exhibir mapas en sus paredes.

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Cuando pensamos en las escuelas victorianas una de las primeras imágenes que nos vienen a la cabeza es la de un internado con niños y niñas vestidos con sobrios uniformes, severos profesores y estrictas normas de comportamiento. Pero las pequeñas escuelas de los barrios más humildes y, sobre todo, de las zonas rurales, distaban mucho de esa imagen.

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Gráfico sobre la influencia del escritor inglés.

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Jack el Destripador es considerado como el primer asesino en serie de la historia - archivo

josé Luis Espinosa
@joseluespi
Actualizado:
Jack el Destripador probablemente sea el asesino en serie más famoso de la historia. La brutalidad con la que mutiló a sus víctimas y el hecho de que nunca se le capturara han impregnado al personaje de un misterio y una admiración a lo largo de la historia que se prolonga hasta nuestros días.

Tal día como hoy de 1888 apareció en el londinense barrio de Whitechapel la primera de las cinco víctimas atribuídas a Jack el Destripador. Es necesario señalar que durante el periodo de actividad de Jack, se produjeron en Whitechapel hasta un total de 11 asesinatos que compartían ciertos patrones: las víctimas eran prostitutas, los cadáveres aparecían mutilados y el ensañamiento era tal, que los investigadores de la época se plantearon que todos hubieran sido cometidos por la misma persona.

¿Quién fue Jack el Destripador?

A Jack el Destripador se le considera responsable de la muerte de cinco mujeres en 1888 conocidas cómo las "víctimas canónicas": Mary Ann Nichols (31 de agosto), Annie Chapman (8 de septiembre), Elizabeth Stride y Catherine Eddowes (30 de septiembre), y Mary Jane Kelly (9 de noviembre). Los cadáveres de todas ellas, excepto el de Stride, aparecieron con la garganta rajada de izquierda a derecha, el abdomen abierto en canal, los órganos sexuales mutilados y les habían sido extraídos el útero, el estómago o los intestinos. Todas ellas sufrieron también la desfiguración del rostro.

Existe la creencia de que en el caso de Stride, alguien interrumpió a Jack el Destripador, que se vio obligado a dejar incompleta su obra, motivo por el cual, apenas una hora después, asesinaría a unas manzanas de distancia a Catherine Eddowes. El doble asesinato del 30 de septiembre fue el que realmente elevó al estrellato a Jack el Destripador.

El 16 de octubre de 1888 George Alkin Lusk, presidente del llamado "Comité de Vigilancia de Whitechapel", recibió en su domicilio un peculiar paquete. En su interior encontró medio riñón humano conservado en formol, y una misiva titulada "From Hell" (Desde el infierno), en la que Jack el Destripador espetaba: "Le envío la mitad del riñón que saqué de una mujer. La otra mitad la freí y me la comí, estaba muy buena. Puedo mandarle el cuchillo ensangrentado con que lo saqué sólo si espera un poco. Firmado. Atrápame si puedes".

Durante el periodo en que se cometieron los terribles crímenes, tanto Scotland Yard como los rotativos londinenses recibieron multitud de cartas anónimas atribuyéndose la autoría de los asesinatos y diciendo ser Jack el Destripador. En una de ellas, entregada el 27 de septiembre de 1888 a la Agencia Central de Noticias de Londres y dirigida al jefe de la policía londinense, el supuesto homicida acuñó el pseudónimo con el que entraría a formar parte de los anales de la historia más sórdida de la capital inglesa: "Mi cuchillo es tan bonito y afilado que quisiera ponerme a trabajar ahora mismo si tengo la ocasión. Buena suerte. Sinceramente suyo. Jack el Destripador".

Dado el carácter excesivamente morboso que los medios de la época dieron a los crímenes, la cantidad de cartas recibidas asegurando ser Jack el Destripador, y que nunca se tuvieron las pruebas suficientes para demostrar y atribuir la autoría de los asesinatos a una sola persona; a continuación se ofrecen algunas de las teorías mas llamativas sobre la figura de Jack el Destripador: el asesino en serie más famoso de la historia.

El verdadero Jack sería Gull el Destripador

Esta primera teoría sería una conspiración de la realeza británica para ocultar los coqueteos del príncipe Alberto Víctor con la plebe del East End londinense. Así el nieto de la Reina Victoría se habría casado en secreto y engendrado una heredera al trono con una dependienta de Whitechapel: Annie Elizabeth Crook. Una vez que la Corona conoció la cuestión no tuvo más remedio que encerrar en un psiquiátrico a Annie Elizabeth, y entregar la niña a una amiga de la joven. Esta amiga no sería otra que la quinta víctima de Jack el Destripador, Mary Jane Kelly, que se marcharía a Irlanda a cuidar de la pequeña.

Años después Mary Jane regresaría a Londres, donde empezaría a ejercer la prostitución en las calles de Whitechapel. Según esta teoría, la falta de dinero y la desesperada situación que vivía, habrían llevado a Mary Jane a tratar de chantajear a la Corona. Así, la monarquía habría enviado a su médico, el Dr. William Gull, a silenciar a todas las personas que conocieran la historia de la heredera plebeya, motivo por el cual Mary Jane y sus cuatro amigas más cercanas, las otras prostitutas víctimas de Jack el Destripador, habrían sido cruelmente asesinadas.

El curandero misógino

Esta otra teoría atribuye la autoría de los crímenes de Whitechapel a un falso médico procedente de EE.UU. y de ascendencia irlandesa: Francis Tumblety. Según los datos de la época a Tumblety se le sitúa en Londres a partir de junio de 1888. Se tiene constancia de que se hospedaba en el hostal del número 22 de Batty Street, situado en el East End londinense.

Las pruebas contra Tumblety se sustentan en su d enostada misoginia, una patología que dado el ensañamiento contra las mujeres asesinadas por Jack el Destripador debía tener el autor de los mismos; en los conocimientos médicos necesarios para realizar la extirpación de los órganos; en su repentina desaparición de Londres después del asesinato de la última víctima; y en una carta fechada en 1913, y firmada por él, que apareció en los archivos de la División Especial de Scotland Yard.

Dicha carta fue estudiada por una grafóloga y comparada con la misiva "From Hell", y se encontraron bastantes pruebas para atribuir la autoría de ambas a la misma persona. La longitud especialmente prolongada de las "Y" que llegaban hasta dos líneas por debajo de la escritura, y el empleo de términos del dialecto irlandés en ambas cartas son evidentes. De todas maneras nunca se pudo demostrar con pruebas fehacientes que Jack el Destripador fuera Tumblety.

Un invento de la prensa

La última de las teorías sobre quién fue Jack el Destripador es que nunca existió y fue una invención de la prensa de la época, y una "oportunidad" de intentar conseguir notoriedad de varios asesinos, que vieron en la imitación del "modus operandi" del primer crimen de Whitechapel la coyuntura perfecta para alcanzar la fama.

Además, el gran número de cartas recibidas se piensa que pudo ser una artimañana de los periodistas para alentar el morbo entre la población de Whitechapel y vender más ejemplares. De hecho, hasta que se determinó que sólo habían sido obra de Jack el Destripador las cinco "víctimas canónicas", cada asesinato de una prostituta en Londres era vendido en los medios como una nueva aparición en escena de éste.

Hasta la fecha, y a pesar de las muchas investigaciones y expertos que han tratado de aportar una solución a los crímenes de Whitechapel, no se ha podido demostrar si realmente existió Jack el Destripador.

Es verdad que las coincidencias en las vejaciones que sufrieron las víctimas sugieren que pudieron ser obra de la misma persona, pero también es verdad que en la época aparecieron hasta seis cadáveres más con mutilaciones similares que no se atribuyen a la figura de Jack el Destripador; y sobre todo, que de cinco víctimas seguras, una de ellas no presentará todos los rasgos de la "obra de Jack el Destripador", hace pensar que en lugar de estar ante el caso del asesino en serie más famoso, esta sea una de las mentiras más grandes de la historia.

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¿Es Jack el Destripador una de las grandes mentiras de la historia?

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El 31 de agosto de 1888 apareció el cadaver de la primera de las cinco víctimas que se le atribuyen al criminal más famoso de la historia.

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Un vídeo reportaje sobre el más famoso asesino

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Un vídeo reportaje sobre el más famoso asesino

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buscando la verdad sobre jack el destripador

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Buscando la verdad sobre Jack el destripador HD

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Novelas de crímenes y misterio, el género policíaco

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Novelas de crímenes y misterio, el género policíaco

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Por Juan Mari Barasorda

En la era victoriana los escritores de novelas de detectives se interesaron por la literatura sobrenatural y las logias mágicas y esotéricas. Otro día nos tocará analizar este tema apasionante pero hoy hablaremos de su interés en el mundo del crimen, no solo como estudiosos, sino ocupando a veces el papel de investigadores y a veces el de sospechosos.

Patricia Cornwell no fue la primera en intentar descubrir la identidad del Destripador, aunque sí la primera en dejar una elevada suma de dinero en su investigación para defender la culpabilidad de Walter Sickert, uno de los modernos sospechosos de ser el Destripador. Un famoso escritor de novelas policiacas había investigado el caso de Jack the Ripper. Se trata ni más ni menos que de Arthur Conan Doyle.

El escritor era ya una celebridad en Inglaterra cuando, bien porque los misterios le subyugaban más allá de la creación literaria, bien como entrenamiento para seguir escribiendo nuevas historias, comenzó a investigar por su cuenta los casos que ocupaban portada en los tabloides de la época. Así, investigó el caso de George Edalji (a petición del propio Edalji, lo que convertía a Conan Doyle en un detective privado), el caso de Oscar Slater, el caso de Sacco y Vanzetti, o el del robo de las joyas de la corona irlandesa. Además colaboró con Scotland Yard en la investigación de los asesinatos de Jack el Destripador -Conan Doyle se decantó por la teoría de que el culpable se disfrazaba de mujer: Jill la Destripadora-, o la desaparición de Agatha Christie ocurrida el 3 de diciembre de 1926. En los papeles del caso del Destripador está documentado que Scotland Yard solicitó la colaboración del profesor de Conan Doyle y excepcional forense Joseph Bell -su inspiración para crear a Sherlock Holmes-, ayuda para resolver los asesinatos. Al parecer Bell contó con la ayuda de un amigo -¿Henry Litlejohn?, ¿Arthur Conan Doyle? -, y ambos señalaron al mismo culpable... y los crímenes finalizaron. Conan Doyle el investigador, el detective, el criminólogo, el lado más apasionante del escritor.

Peter Costello nos ha descrito, con la amenidad de una buena novela policial, esta faceta del escritor en "Conan Doyle, detective: los crímenes reales que investigó el creador de Sherlock Holmes". No menos espléndida es la novela "Arthur & George" de Julian Barnes, escritor también de novelas policiacas con el seudónimo de Dan Kavanagh y capaz de crear una encantadora novela de misterio a partir del caso de George Edjali investigado por Doyle.

Con Julian Barnes, Doyle se convierte en un detective que se vale del racionalismo científico-policial, en el detective de la novela-enigma, lo mismo que Gores convirtió a Hammett en el detective modelo de la novela negra. Y otro buen escritor, Thomas Toughill, es el autor de "Oscar Slater: el caso inmortal de sir Arthur Conan Doyle" y el responsable del documental de la BBC: "Conan Doyle, un caso para la defensa".

En realidad, Conan Doyle fue un investigador basado en el razonamiento científico en algunos de sus casos y muy poco ortodoxo con los cánones de la novela policial en otros. Cuando colaboró con Scotland Yard en la búsqueda de la dama del crimen, Conan Doyle se puso en manos de un vidente, Horace Leaf, gracias al cual se apuntó un tanto al afirmar que madame Christie seguía viva y que aparecería en pocos días. Un investigador ayudado por el espiritismo. Extraña conjunción que, sin embargo, se corresponde milimétricamente con la realidad, pues la relación de Conan Doyle con el espiritismo fue muy estrecha y está magistralmente detallada por Daniel Stashower en una apasionante biografia: "Teller of Tales: The life of Arthur Conan Doyle", que le ha valido un premio Edgar.

Doyle se había afiliado a la Sociedad para la investigación psíquica en 1893 y desde 1916 impartía conferencias sobre espiritismo. Llegó a ser un defensor crédulo e irracional de las hadas de Cottingley, una historia relatada con profusión en artículos, novelas y hasta películas que descalabró su prestigio y que el propio Conan Doyle se encargó de contar en "El misterio de las hadas". No mucho más tarde conoció a Harry Houdini, el mago, el rey de las fugas. Se hicieron amigos para acabar enfrentados: Houdini pretendiendo desbaratar los trucos de falsos médiums y espiritistas mientras Conan Doyle se tornaba en irredento defensor de aquellos -Daniel Stashower se ha basado en aquella relación para crear unas novelas deliciosas con las aventuras de Sherlock Holmes y Harry Houdini-. A pesar de su rendición ante el espiritismo, el prestigio de Conan Doyle en una sociedad victoriana apasionada por la criminología le llevó a ser tan reputado escritor como admirado investigador.

El Club de los Crímenes -The Crime's Club, o, más exactamente "Our Society Crime Club" -, también fue conocido como Our Society. El 5 diciembre de 1903 sir Henry Irving (el primer actor en alcanzar dicho título), había invitado a cinco amigos a una cena en la que se habló de asesinatos y asesinos. Los seis pusieron en marcha un club, un club elitista en el que ingresaron médicos, jueces, y escritores, apasionados todos ellos por la criminología. Arthur Conan Doyle ingresó en 1904, al igual que otros escritores conocidos como A. W. Mason -"Las cuatro plumas"-, el divertido P. J. Wodehouse (que fue profesor de narrativa de Raymond Chandler), o E. W. Hornung (cuñado de Doyle y creador de Raffles, el más famoso ladrón de guante blanco), o Max Pemberton. El Club tenía un máximo de 75 miembros y sus veladas y tertulias tenían por objeto descifrar crímenes, robos y asesinatos como el caso del famoso asesino H. H. Crippen -Doctor Crippen-. La actividad de Our Society ha continuado hasta nuestros días. Jonathan Goodman, secretario a partir de 1993, resolvió el asesinato de Julia Wallace (1931) sesenta años después de producirse, y llegando a escribir una novela con la solución junto a Michael Gilbert, y ha sido calificado por Julian Simmons como "el primer investigador inglés de crímenes del pasado".

A. C. Doyle fue en el Londres victoriano el más famoso miembro del Crime's Club. Y su reputación como criminólogo e investigador creció a la vez que su reconocimiento como escritor. Un alto cargo de Scotland Yard llegó a afirmar:

"Si se hubiera dedicado sólo a investigar crímenes en vez de escribir, sir Arthur Conan Doyle habría llegado a ser un extraordinario detective".

Las visitas de Arthur Conan Doyle a Whitechapel en el transcurso de la investigación de los asesinatos del Destripador, además de su pasado como cirujano, le ha llevado a convertirse en uno más del elenco de sospechosos de ser el afamado Jack. Poco consistente acusación pero no es la única, pues Scotland Yard llegó a investigar la posible autoría de sir Arthur Conan Doyle de un asesinato.

Un tal Rodger Garrick-Steele, tras laboriosas investigaciones ayudado por el expolicía Paul Spiring, acusó a Conan Doyle de asesinar a Bertram Fletcher Robinson, abogado, periodista, escritor y amigo personal de Conan Doyle. Éste sería, según esta tesis, amante de la mujer de su amigo. ¿El móvil? Sir Arthur habría plagiado y publicado con su nombre la novela "El sabueso de Baskerville", que habría sido escrita por su amigo Bertram Fletcher Robinson, experto en las leyendas del pantano de Dartmoor. ¿La acusación? Doyle habría convencido a la mujer de su amigo, y su amante a la vez, de envenenarle con láudano valiéndose de sus conocimientos en medicina ¿Pistas? Cuando Conan Doyle publicó la primera edición de esta obra en 1901 se podía leer un reconocimiento a Robinson: "Mi querido Robinson: fue su narración de una leyenda de la parte oeste del país lo que, por primera vez, hizo que la historia de este relato comenzase a surgir en mi cabeza. Por eso, y por toda la ayuda que me ha prestado durante la evolución de la novela, le doy las gracias. A. Conan Doyle". Posteriormente esa dedicatoria fue eliminada por Doyle. Doyle explicó públicamente su teoría sobre la muerte de Fletcher Robinson vinculándola a una visita -desaconsejada por Doyle-, del finado al Museo Británico para contemplar una momia traída desde Egipto. En realidad Robinson murió por muerte natural. Este es el caso contra Conan Doyle. ¿Sospechoso? Tal vez. ¿Condenado? Imposible. No hay caso.

Cuando el 28 de julio de 1841 Mary Cecilia Rogers apareció asesinada en el río Hudson después de llevar tres días desaparecida, Edgar Allan Poe se había convertido ya en el creador del género policial. Con su relato "Los asesinatos de la calle Morgue", había convertido a Auguste C. Dupin en el primer detective de ficción y Poe decidió que el suceso era merecedor de una nueva narración, convirtiéndose además el propio autor -según la información de la que disponemos hoy día-, en un detective aficionado en pos del asesino de Mary Rogers.

El caso de Mary Rogers, merecedor por sí solo de un articulo, conmocionó Nueva York. La "bella cigarrera" era una empleada de la tienda de tabaco más famosa de Manhattan, frecuentada por muchísimos varones que además de gastar en su vicio deseaban -enamorados quizá-, contemplar a Mary Rogers y su belleza. Uno de estos hombres era aquel joven escritor alcohólico. Poe investigó a todos los sospechosos. El jefe, el novio, el amante, la abortista... Y con su investigación escribió un relato: "El misterio de Marie Roget", el segundo protagonizado por Auguste Dupin y, en definitiva, del género policial que el propio Poe había inaugurado. Un relato que sitúa la historia en París y el cadáver de la estanquera en las aguas del Sena, pero que, por lo demás, contiene una detallada descripción del crimen de Nueva York y de los sospechosos de aquel asesinato, formulando incluso la identidad -sin nombre- del asesino. Sin embargo el relato tuvo un doble efecto: consolidó la carrera de escritor de Poe y, a la vez y como consecuencia de los detalles del caso que incluyó en el relato ("no he omitido nada del caso...", "reveló a un amigo...", "salvo lo que deliberadamente he querido ocultar..."), lo convirtió en sospechoso para muchos.

¿Hasta dónde llegaron las sospechas de la propia policía de Nueva York? No lo podemos saber. Poe se atrevió incluso a modificar el final del relato con una nueva solución que coincidía con la pista seguida por la policía. El novio, uno de los sospechosos, aparece muerto en los mismos matorrales en que los testigos oyeron gritos en la noche en que murió Mary Rogers, el sitio que se considera el lugar donde la joven fue asesinada. Tiene una nota en el pecho que puede hacer pensar en suicidio, pero la policía manifiesta que no cree que sea el culpable. Más sospechas, pero el caso fue archivado. Sin culpable.

El fantástico libro de Daniel Stashower "Edgar Allan Poe y el misterio de la bella cigarrera" nos

regala una detallada descripción de aquel caso de asesinato y de los posibles sospechosos, sin colocar nunca a Poe entre ellos. Es un relato que nos guía por un misterio y que nos hace seguir el caso desde la perspectiva que pudo tener Poe. Irving Wallace, en su primer y magnífico libro "Argumentos fabulosos" (el mismo en el que describe la biografía de Joseph Bell, el profesor en que se basó A. C. Doyle para crear el personaje de Sherlock Holmes), sitúa por primera vez a Poe entre los sospechosos, y este es el mismo enfoque de otra novela sobre el tema, "The Blackest Bird". Su autor, Joel Rose, se adentra en aquella investigación policial creando un policía sexagenario, Jacob Hays, quien con la ayuda de su hija investiga varios crímenes en aquel Nueva York gobernado por las bandas y donde todos son sospechosos, incluyendo a un alcohólico escritor, que conocía a la cigarrera y que, oculto bajo una capa negra, había sido visto junto a la escena del crimen. Una novela también excelente a cuya preparación dedicó Joel Rose diecisiete años y en la que la personalidad oscura y magnifica a la vez de Poe subyuga al investigador tanto como al propio lector.

Investigadores y sospechosos, pero a la postre dos grandes escritores victorianos que sentaron la base de la novela de detectives. El lector siempre quedará a merced de su imaginación desbordante que permitió la creación de un género. De eso sí que les podemos declarar los máximos responsables.

Y se lo agradecemos.

***

Juan Mari Barasorda (Bilbao, 1960). Lector aficionado a la novela policial y especialista en literatura victoriana. Ha sido Vicegerente de RRHH en la Universidad del País Vasco y Director de RRHH de la Ertzaintza (policía autonómica). Forma parte del equipo redactor de la revista digital de novela negra y policial y es coordinador de los Encuentros literarios sobre género negro

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Escritores victorianos: detectives y sospechosos. De A.C. Doyle a E.A. Poe

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Por Juan Mari Barasorda En la era victoriana los escritores de novelas de detectives se interesaron por la literatura sobrenatural y las logias mágicas y esotéricas. Otro día nos tocará analizar este tema apasionante pero hoy hablaremos de su interés en el mundo del crimen, no solo como estudiosos, sino ocupando a veces el papel de investigadores y a veces el de sospechosos.

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La reina Victoria de Inglaterra fue monarca durante 64 años. archivo.

beatriz gonzález

Hasta el pasado mes de septiembre, cuando su tataranieta Isabel II superó los 63 años y siete meses que ella se mantuvo en el trono, el reinado de Victoria de Inglaterra era el más largo de todos los habidos en 1.000 años de monarquía británica. Los historiadores destacan el papel que la reina, que dio nombre a la época victoriana, desempeñó en esas seis décadas, a lo largo de las que se vivió la mayor expansión del imperio. Usó la corona para influir políticamente en lo que creía que era bueno para su país, y trazó estrategias para lograrlo. Pero eso no le impidió atender una agitada vida privada en la que hizo lo que quiso, sin importarle en absoluto la opinión de los demás.

A pesar de que su matrimonio se había concertado para conciliar intereses, la joven Victoria, que entonces tenía solo 20 años, se enamoró perdidamente de su marido, con quien tuvo nueve hijos. Tras dos décadas juntos, la muerte del príncipe Alberto la sumió en una depresión de la que dicen que no hubiera salido sin ayuda de uno de sus criados, John Brown. Junto a él se cree que vivió un segundo gran amor, pero cuando este también murió se apoyó en otra persona de su servicio, Abdul Karim, un sirviente indio que enseguida se convirtió en su más íntimo confidente, a pesar de la oposición de sus nueve hijos.

Sin embargo, antes de que todo eso ocurriera, nadie presagiaba que Victoria desarrollaría esa fuerte personalidad gracias a la que acabó saltándose los convencionalismos sociales. Fue recién cumplidos los 18 años, en cuanto tuvo la corona en su poder, cuando se hizo evidente que nadie dictaría su destino. Hija de la princesa Victoria de Sajonia-Coburgo-Saalfeld y del príncipe Eduardo, duque de Kent, ocupaba la cuarta posición en la línea sucesoria al trono cuando vino al mundo en mayo de 1819.

Ocho meses después, el padre de Victoria murió y seis días más tarde, lo hizo su abuelo. Después la corona pasaría a un hermano de su padre, Guillermo IV. Fue entonces cuando se hizo evidente que Victoria estaba llamada a ocupar el trono porque ninguno de sus tíos paternos había tenido descendencia. Contaba diez años cuando le enseñaron un árbol genealógico que terminaba en ella. Al darse cuenta de que si sus tíos no tenían hijos algún día le cederían la corona, dijo: "Seré una buena reina". Desde entonces, toda la corte se esmeró en la preparación de la futura monarca.

Prisionera en su palacio

Sin embargo, ese prometedor futuro impidió una infancia y adolescencia felices. Según contaba ella misma, era una prisionera encerrada en palacio. Dormía en la habitación de su madre, quien no le permitía tener una alcoba propia y la sometía a una brutal vigilancia.

Tanto que cuando llegó a la mayoría de edad, la futura reina Victoria aún no había dado un paso ni dentro ni fuera de palacio sin la compañía de su institutriz, sus educadores o su madre. Tampoco había podido hablar jamás a solas con otra persona adulta. Ni siquiera tuvo ocasión de tratar con gente que no fuera de su familia o del servicio, aparte de educadores y consejeros. Una de las escasa excepciones fue el príncipe Alberto de Sajonia-Coburgo-Saalfeld, a quien conoció en su adolescencia.

Y en realidad no era una excepción a la regla ya que, aunque no se presentaron hasta los 16 años, eran primos. La madre de Victoria y su tío, el rey de Bélgica, veían en el príncipe Alberto un buen pretendiente. Por eso ambos comenzaron una operación para que aquel príncipe culto, inteligente y de buena planta acabara llevando al altar a la futura reina.

El príncipe Alberto memorizó sus gustos musicales y literarios para impresionarla

Dicen que Alberto memorizó todos los gustos musicales y literarios de Victoria para impresionarla. Pero cuando se dio cuenta de que su prima era consciente de que trataba de agradarla por interés, decidió ser él mismo. En ese momento empezó a despertar la curiosidad de la princesa. Y aunque él había empezado a cortejarla por orden de sus consejeros, para su propia sorpresa no tardó en quedar fascinado por Victoria. Solo dos años después de conocer al príncipe Alberto, Victoria asumiría la corona del gran imperio británico, el mismo que llegó a abarcar una población de 458 millones de personas y una quinta parte de las tierras emergidas en el mundo. Y entonces, la joven Victoria tomó las riendas de su vida.

Cuentan que cuando le informaron de que ya era reina quiso saber si podría hacer lo que quisiera, a lo que los miembros del consejo contestaron que sí, y se encerró durante una hora en su habitación.

Un matrimonio acordado

Cuando salió, ordenó que desalojasen de sus aposentos la cama y todas las pertenencias de su madre, la duquesa de Kent. Cuando intentó hablar, s u hija la mandó callar diciéndole que ahora ella era la soberana y nadie, ni siquiera su madre, podría volver a darle órdenes. Después, hizo todo lo posible porque el oficial irlandés John Conroy, consejero de su madre, desapareciera de los asuntos relacionados con palacio. Era su venganza contra ambos, que años antes, cuando aún era una niña, quisieron que firmara un documento que otorgaría la regencia a su madre, a lo que la entonces princesa Victoria se negó.

"Con este libro que mamá me ha dado podría escribir el diario de mi viaje a Gales", comenzó a relatar Victoria cuando tenía 12 años. Fue el primero de los 141 diarios que escribió hasta su muerte. De ellos se conservan todavía varios, y por eso hoy se conocen algunos de los pensamientos más íntimos de la reina.

Por ejemplo, lo que pasaba por su cabeza tras la coronación. "Soy muy joven, y quizás en muchas cosas me falte experiencia, aunque no en todas; pero estoy segura de que no hay demasiadas personas con la buena voluntad y el firme deseo de hacer las cosas bien que yo tengo", contaba.

Algunas de sus primeras decisiones le pusieron al pueblo en contra

Sin embargo, las cosas no empezaron bien para la nueva reina. Algunas de sus primeras decisiones consiguieron poner en contra al pueblo, que no entendía su forma de actuar. En especial cuando quiso llevar la contraria al Parlamento desaprobando al primer ministro elegido. Lord Melbourne, líder de los liberales, se había convertido en el consejero de la reina desde que esta retiró su confianza a su madre y al oficial John Conroy. Por eso, cuando tras varias votaciones en la Cámara de los Comunes Lord Melbourne no consiguió alcanzar la mayoría y decidió dimitir como primer ministro, la reina no lo aceptó. Su actitud llevó a una crisis que finalmente se resolvió con la vuelta de Lord Melbourne.

La impopularidad que cosechó por ese episodio le hizo sentirse vulnerable, y a su vez eso reanimó la correspondencia que mantenía desde hacía tiempo con el príncipe Alberto, quien le aconsejaba que no dependiera tanto de una sola persona, fuera Lord Melbourne u otro consejero.

Dos décadas de felicidad

Aunque ella temía el matrimonio porque pensaba que le haría perder libertad, poco a poco fue menos reticente y finalmente la idea de dejar de sentirse sola pesó más que sus deseos de independencia. El 10 de febrero de 1840 la pareja se casaba, convirtiéndose en uno de los primeros enlaces de la monarquía británica en el que los cónyuges estaban enamorados el uno del otro. El príncipe consorte no defraudó: se convirtió en un buen marido, fiel compañero y perfecto consejero en asuntos políticos.

Para ella, los 20 años de matrimonio que vivió junto al príncipe Alberto fueron los mejores de su vida, según sus palabras. Cuando una fiebre tifoidea acabó con la vida de su marido a los 42 años, la reina quedó desolada. A partir de aquel día y hasta su muerte vistió de luto, llevando siempre consigo una fotografía del príncipe. Cada mañana ordenaba al servicio disponer la ropa limpia de Alberto sobre la cama para sentirlo cerca.

Victoria estuvo dos décadas casada con su marido y conseideraba que sus hijos le restaban tiempo para estar con él.

De su feliz unión nacieron nueve hijos. Sin embargo, la reina no disfrutó especialmente de su rol de madre. "No hallo ninguna compensación en la compañía de mis hijos", decía. "Es más, pocas veces me encuentro a gusto con ellos. Me pregunto por qué ha tenido que dejarme Alberto y ellos continúan a mi lado".

Según sus biógrafos, el amor por su marido era tal que le parecía que sus hijos le quitaban tiempo para él. Tampoco le gustaba estar embarazada porque le hacía sentirse "como un conejo o una cobaya". Según los testimonios de quienes la rodeaban entonces, nunca fue una madre cariñosa. Dejó claro a sus hijos que además de su madre era su soberana, y por tanto le debían obediencia por encima de cualquier otra cosa.

Con quien tuvo más tiranteces fue con su primogénito, el futuro rey Eduardo VII, a quien no consideraba muy inteligente. El príncipe Alberto murió unas semanas después de visitarlo en Cambridge, donde enfermó tras un largo paseo bajo la lluvia. La reina siempre pensó que, de no haber ido a verlo, su marido aún viviría, y por eso hubo una época en la que decía no soportar estar cerca de su hijo mayor. Entre sus preferidos estaban el príncipe Arturo, que era quien más se parecía a su fallecido padre, y la princesa Beatriz, con quien, sin embargo, estuvo seis meses sin hablar cuando le anunció que estaba comprometida con un príncipe alemán, a pesar de que su madre quería que permaneciera soltera para que siempre estuviera a su lado.

Madre controladora

Su necesidad de control la llevó a crear toda una red de informantes que la mantenían al tanto de lo que hacían sus vástagos. A pesar de las discusiones y peleas constantes, sus hijos sabían que no podían luchar contra la fuerte personalidad de su madre. Aunque en ocasiones les había hecho sufrir, entendían que ella pensara que su rol consistía en ser severa para que en el futuro pudieran desenvolverse por sí mismos, y lo cierto es que ninguno llegó a romper relaciones con su madre.

Una de las preocupaciones de la soberana era mantener vínculos con la mayoría de los países aliados, y lo logró gracias a su descendencia, que uniría la corona británica con gran parte de la realeza europea (entre esos enlaces se encontraba el de Beatriz, quien se casó con el príncipe Enrique de Battenberg y fueron padres de la reina Victoria Eugenia de España). Por eso acabó ganándose el apodo de 'la abuela de Europa'.

Cuando perdió a su marido, la reina Victoria tenía solo 42 años. En ese momento el mundo se hundió para ella y recurrió a la única persona en quien confiaba tanto como su marido, el sirviente escocés John Brown. Una década antes, cuando la soberana compró el castillo de Balmoral, su marido había contratado a John Brown, que entonces tenía 21 años, seis menos que la reina, para que trabajara en las cuadras. El buen humor y la simpatía de Brown, que hablaba a los monarcas con respeto pero de forma cercana, hizo que el príncipe Alberto lo retirara del trabajo en las cuadras para ponerlo al servicio de la reina.

Según una investigación que concluyó hace ya 35 años y que llevó a cabo el doctor Michael MacDonald, conservador del museo escocés de Perthsire, la reina no solo habría mantenido relaciones íntimas con su criado John Brown sino que además llegó a casarse con él en secreto. Se basaba en el testimonio de un clérigo en su lecho de muerte, quien supuestamente les habría casado. Cuando se hizo pública su investigación, un portavoz de palacio se apresuró a negar tal afirmación.

Se concede credibilidad al rumore de que vivió una etrecha relación con su criado

Pero sí se concede credibilidad al rumor de que la reina y su criado vivieron una estrecha relación. Prueba de ello es que pidió ser enterrada con un mechón de pelo y una fotografía de John Brown, al que sobrevivió. Seis años antes de morir Brown el Parlamento había coronado a la reina emperatriz de la India. Desde entonces, la monarca tenía un gran interés por conocer la cultura y formas de vida de la población india.

Sus polémicas amistades

En 1887, con motivo de su medio centenario como reina, quiso emplear a sirvientes de la colonia y pidió que seleccionaran a dos trabajadores. Uno de los elegidos fue Abdul Karim, quien viajó desde Agra. Enseguida llamó la atención de la soberana, que escribió sobre él: "El otro (refiriéndose a Karim), mucho más joven, es más alto, delgado y tiene un semblante muy fino". Entonces, Karim tenía 24 años. La reina, 68. La diferencia de edad no fue obstáculo para que entre ambos surgiera una relación muy especial.

Karim viajaba con ella por Europa, siendo presentado a reyes y ministros. Cuando no estaban juntos y se escribían cartas las firmaba como "tu adorada madre".

Por su parte, Karim siempre dijo que lo que sentía por Victoria era un inmenso amor filial. De hecho, nunca se confirmó que su relación fuera romántica, pero lo cierto es que el primogénito de la reina y su sucesor en el trono, Eduardo VII, viajó a India tras el fallecimiento de su madre para exigir que se quemara toda la correspondencia que Karim pudiera tener en su poder.

Su sirviente fue su último confidente y quien estuvo a su lado los últimos 14 años de su vida. Sin embargo, no pasó junto a ella los últimos meses. A finales de 1900 la soberana se trasladó a la isla de Wight, a la casa que el príncipe Alberto había diseñado, Osborne House, para pasar la Navidad tal y como hacía desde que él murió.

En el nuevo año empezó a sentirse débil y confusa, y unos días después murió. Ocurrió el 22 de enero de 1901. Se encontraba acompañada por su hijo y su nieto mayor, el emperador alemán Guillermo II. Tal como había pedido, tuvo un funeral militar. A pesar de su edad, el fallecimiento de la reina causó una enorme conmoción: la mayoría de sus súbditos no recordaban un día en el que Victoria no hubiese sido reina.

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Victoria de Inglaterra, la reina rebelde

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beatriz gonzález Hasta el pasado mes de septiembre, cuando su tataranieta Isabel II superó los 63 años y siete meses que ella se mantuvo en el trono, el reinado de Victoria de Inglaterra era el más largo de todos los habidos en 1.000 años de monarquía británica.

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La verdad es que soy una persona bastante curiosa, me gusta leer historias y anécdotas de diferentes temas y especialmente sobre bodas y eventos.

Os quiero presentar esta nueva sección denominada "Sabías que..." en la que el último viernes de cada mes daremos respuesta a diferentes cuestiones curiosas acerca del mundo de las bodas. ¿Por qué las novias llevan algo azul? ¿Por qué 13 arras? ¿Qué significado tiene el ramo de novia? ¿Por qué las alianzas se llevan en el dedo anular? Iremos resolviendo todas estas preguntas y muchas más.

Y para inaugurar esta nueva sección hoy descubriremos... ¿por qué las novias se casan con un vestido de color blanco?

Cuando pensamos en un vestido de novia nos lo podemos imaginar largo o corto, con la espalda al aire o palabra de honor, con velo o sin velo... pero siempre pensamos en un vestido blanco.

Esta idea, tan arraigada hoy en día, no esta presente cuando hablamos de los orígenes del vestido de novia. Vamos a hacer un pequeño resumen de su evolución:

En tiempos de Roma las novias se casaban son la misma túnica blanc a que usaban a diario, aunque para darle un toque diferente usaban un velo de color púrpura adornada con una corona de flores.

En la Edad Media y el Renacimiento el vestido era un símbolo de la riqueza y el poder de la familia de la novia, por lo tanto era habitual el uso de telas en colores púrpura, rojos o azules, ya que ese tipo de tintes requerían un tejido y mantenimiento especial que conllevaba un coste muy elevado. También se bordaban con piedras preciosas, perlas o diamantes, y cuanto más adornado y trabajado estuviese el vestido más rica y poderosa era la familia.

Las bodas de caná de Gérard David (1511)

El Matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck (1434)

Las clases menos pudientes hacían sus vestidos de novia en lino o lana y la diferencia de estatus entre una novia y otra recaía en la cantidad de tela del vestido, cuanta más tela mayor estatus.

El color azul fue el color preferido de las novias durante mucho tiempo ya que se asocia a la Virgen y representa la fidelidad y el amor eterno. Hay que tener en cuenta que evitando el verde (que se asociaba a las hadas) y los colores tierra (marrones y beiges que se asociaban a la pobreza) las novias han usado casi todos los colores a lo largo de la historia.

Alrededor del año 1700 las clases altas se fueron decantando por los colores pastel en sus vestidos de novia mientras que la monarquía y la nobleza comenzaron a utilizar los colores metalizados, bordando en oro y plata sus vestidos como símbolo de poder.

Boda de María de Médicis y Enrique IV de Francia, de Jacopo Chimenti (1600)

Vestido de la princesa Charlotte, Inglaterrra (1816)

Las clases más bajas comenzaron a utilizar el negro y los colores grises para casarse ya que era mucho más fácil reconvertirlos después en el vestido del domingo.

Y por fin llegamos al momento en que se popularizó el vestido de novia "moderno", un vestido de novia blanco, con velo, flores, encajes... ¿Y quién fue la responsable de este cambio? La respuesta es la reina Victoria.

En el año 1840 se celebró en Inglaterra la boda entre la reina Victoria con su primo el príncipe Alberto de Sajonia-Coburgo-Saalfeld. ¿Y por qué decidió casarse de blanco cuando el resto de las novias de la época lo hacían en colores metalizados?

Boda de la Victoria y Alberto de Robert Hayter (1840)

Esta es la explicación:

Victoria acudía a su boda como reina consorte y no como princesa, y el enlace con el príncipe Alberto al convertiría inmediatamente en la reina de un imperio, por lo tanto no necesitaba demostrar su riqueza ni poder, solamente quería demostrar que era digna de ser la futura reina.

La joven reina Victoria de Franz Xaver Winterhalter (1842)

¿Cómo consiguió demostrar que era digna de dicho status? En aquella época la industria textil inglesa estaba siendo seriamente afectada por el desarrollo de la Revolución Industrial, ya que se desarrollo una máquina que elaboraba encajes de una forma industrial y esto afectó a muchas pequeñas localidades y fábricas inglesas que ganaban el dinero con el encaje hecho a mano.

La reina Victoria quiso estimular la industria artesanal y eligió un vestido bordado con encaje de Honiton, y para realzar dicha pieza eligió el color blanco para que el trabajo de los artesanos pudiese lucir en todo su esplendor. En este caso el blanco no era un símbolo de pureza sino de patriotismo.
En encaje Honiton
La boda de la reina Victoria fue extensamente difundida por todo occidente, no solamente el día de su boda, sino que se hizo retratar en varias ocasiones con el vestido, y rápidamente se convirtió en un referente estético, primero para las novias de clase alta (ya que el blanco y el encaje seguían siendo un color y un tejido caro) y posteriormente, con el ascenso de la burguesía se extendió a las clases medias.

Y este es un breve resumen de cómo se ha popularizado el color blanco para el vestido de novia.

¿Conocías la historia de Victoria y Alberto? ¿Y tú que color tienes pensado para tu vestido de novia?

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Fotografía de portada: Corbin Gurkin Photography

Vía: Style me pretty

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¿Por qué las novias se casan de blanco? - Lluvia de arroz

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La verdad es que soy una persona bastante curiosa, me gusta leer historias y anécdotas de diferentes temas y especialmente sobre bodas y eventos. Os quiero presentar esta nueva sección denominada "Sabías que..." en la que el último viernes de cada mes daremos respuesta a diferentes cuestiones curiosas acerca del mundo de las bodas.

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El 10 de Febrero de 1840 contraían matrimonio la Reina Victoria de Inglaterra y Alberto de Sajonia-Coburbo-Saafeld en una ceremonia celebrada por amor, historia que duraría hasta la muerte de Alberto de Sajonia.

Se celebró en un día lluvioso pero eso no impediría que los súbditos de la Reina fuesen a seguir la boda en directo, una boda en la que el vestido de la Reina marcaría época, rompería una tradición arraigada y marcaría una tendencia que duraría hasta hoy.

Sus antecesoras se casaban con trajes ricamente bordados con hilos de oro y plata o como las novias del Renacimiento que llevaban la dote cosida al vestido, mostrando así el poder y las riquezas de sus familias. Aunque ella no fue la primera novia en casarse de blanco sí fue la primera de la realeza en hacerlo, causando gran impacto en la sociedad que no dudaría en imitarla. Ese fenómeno duraría hasta hoy debido a que la clase media empezaba a tener poder adquisitivo y no dudaba en imitar a las clases altas.

Victoria se casó a los 21 años siendo ya Reina y eligió llevar un sencillo vestido para la época realizado en satén de seda natural de la prestigiosa zona de Spitafields y con encaje de Honinton, diseñado bajo las premisas de la Reina por Willian Dyce, haciendo de ese vestido un símbolo de patriotismo e identidad inglesa.

A finales de 1687 vivian 13.000 protestantes franceses instalados como refugiados en el norte de Londres, allí comenzaron una de las actividades más lujosas y lucrativas de la época. Instalaron telares de seda y comenzaron a fabricar lo que sería el objeto de deseo de las europeas y las norteamericanas. Durante los S. XVII y XVIII la zona creció y empezaron a llegar tejedores irlandeses debido al declive del lino, con expectativas de encontrar trabajo. El comercio francés y la llegada de los telares industriales a finales del siglo XVIII hicieron que la producción entrara en una gran decadencia, es por ello que la Reina Victoria eligió las sedas y encajes para reflotar el comercio y evitar que desapareciese esta industria manual.

El encaje de Honiton dibuja motivos naturales y florales tejidos sobre una finísima red, usado básicamente por su delicadeza para velos. Se dice que esta técnica fue introducida por inmigrantes flamencos durante la época isabelina.

La Reina encargó una gran pieza en la que trabajaron 200 personas desde los meses de Marzo a Noviembre sin parar, con unas medias de 3`5 metros de largo por 70cm de ancho.

Los vestidos de novia era una manera de enseñar a la sociedad las riquezas de las familias, y no era un símbolo de pureza sino de su poder adquisitivo ya que era muy difícil blanquear los tejidos debido a las técnicas de la época.

Como adorno en la cabeza decidió llevar una corona de flores y mirto (símbolo de amor y felicidad) en vez de sus maravillosas tiaras, además llevó un broche de zafiro y diamantes regalo del novio y un collar de diamantes y pendientes de Turquía.

Posó para varios cuadros debido al cariño que le tenía a su vestido, el volante lo usó en varias ocasiones y el vestido lo lució su hija Beatriz el día de su boda.

Fue tal su adoración por él que decidió ser enterrada con su velo de novia.

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El significado del vestido de novia de la Reina Victoria

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El 10 de Febrero de 1840 contraían matrimonio la Reina Victoria de Inglaterra y Alberto de Sajonia-Coburbo-Saafeld en una ceremonia celebrada por amor, historia que duraría hasta la muerte de Alberto de Sajonia. Se celebró en un día lluvioso pero eso no impediría que los súbditos de la Rein

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Inglaterra no anda falta de reinas emblemáticas entre Leonor de Aquitania (que consiguió ser reina consorte en Francia y luego en Inglaterra), Isabel I, Ana (primera soberana de Gran Bretaña), Victoria e Isabel II.

Pero la personalidad de Victoria consiguió marcar época, tanto que conocemos su reinado como época victoriana, que se extiende durante su largo reinado, de 1837 a 1901 (64 años). Entre otras cosas, durante esos años (1877 concretamente) se convirtió nada menos que en Emperatriz de India. ¿Y qué hace ella aquí?

Con tantos años en la mochila como reina, algún enemigo tenía que tener la buena mujer. Y no eran pocos, y sobre todo, era variados. Por ejemplo, un barman en paro o un enano jorobado. ¡Pero vayamos paso a paso!

Comenzaremos por el caso más serio, el de John Francis, un tipo que fue responsable un intento de asesinato contra la reina Victoria no una, sino dos veces.

El 29 de mayo de 1842, un hombre salió al paso del carro de la reina, que volvía desde la iglesia e iba al palacio de Buckingham. La reina iba con su marido, el príncipe Alberto, y John Francis los vio, corrió hacia ellos y disparó. Falló el tiro. Si bien no consiguió matar a la reina, sí consiguió huir y no ser capturado.

Sin embargo, al día siguiente, el carro de la reina (esta vez cerrado y rodando por una ruta vigilada por policías) volvió a cruzarse con este señor, que consiguió acercase aún más. Esta vez pasó algo extraño. La policía se lanzó sobre él y descubrió que la pistola no estaba cargada. El pobre hombre, retorciéndose, comentó algo así:

Que le jodan a la reina; ¿por qué ella es tal gasto para la nación? [Recogido en el Ilustrated London News, 1847, Vol. 1, 67].

El agresor, que era ebanista, fue sentenciado a muerte, pena que le fue conmutada por lo que se conoce como "a galeras", siendo enviado a... adivinen... Exacto: la penitenciaría más famosa de Reino Unido: Australia. O casi. Fue enviado a unas 800 millas de Australia, la colonia penal de Norfolk. Por si acaso.

La popularidad de la reina se vio incrementada, como cada vez que la intentaban asesinar. Hay que ver las cosas que hay que hacer para caer bien al populacho, ¿eh?

Cinco semanas después, un enano jorobado armado con un arma mal cargada intentó matar a la reina. De nuevo viajaba en un coche abierto. Fracasó y escapó (se conoce que la policía londinense no era muy efectiva), con lo que se inició por todo Londres una búsqueda de enano jorobados. Lo cual debió de ser cuando menos extraño. Una vez capturado, sus huesos fueron a parar a la cárcel.

Dos años antes un camarero, que creía firmemente que Reino Unido no podía estar gobernado por una mujer, le disparó varias veces a ella y al príncipe Alberto. Ella estaba preñada de cuatro meses. Parece que los disparos erraron el tiro, y el hombrea acabó en prisión. Cuando salió, en 1867, dejó el país.

Incluso antes de ese incidente, un hombre intentó matarla cuando tomó el trono, declarando que él era el verdadero heredero, hijo de Jorge IV. No le permitieron entrar en el palacio cuando alegó que iba a tomar su lugar "legítimo", así que cargó en carruaje contra el palacio, armado con un arma.

Por no hablar de los numerosos irlandeses que probaban suerte (lo hacían mal, porque no salían airosos) en el intento de borrar a la monarca del mapa.

El último caso era aún más curioso. En 1882, un hombre que odiaba a la reina y al número cuatro, que además creía en la existencia de unos seres azules con poderes sobrenaturales, atentó contra la reina. Su caso hizo que se modificasen las leyes en Reino Unido, contemplando la declaración de culpabilidad pero con excepciones en la pena si el procesado era demente.

REFERENCIAS:

Helen Rappaport, Queen Victoria: a biographical companion. ABC-Clío, 2003.

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Inglaterra no anda falta de reinas emblemáticas entre Leonor de Aquitania (que consiguió ser reina consorte en Francia y luego en Inglaterra), Isabel I, Ana (primera soberana de Gran Bretaña), Victoria e Isabel II. Pero la personalidad de Victoria consiguió marcar época, tanto que conocemos su reinado como época victoriana, que se extiende durante su largo reinado, de 1837 a 1901 (64 años).

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Cuando la reina Victoria ordenó que las mujeres parieran sin dolor

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Historia La historia es de ellas

Los médicos y los religiosos defendieron el dolor en el parto -por la maldición bíblica-, pero sólo hasta que la soberana se quedó embarazada por octava vez, a los 33 años.

A finales de la década de 1840, una noticia increíble cruzó el Atlántico a velocidad de vértigo: en Estados Unidos se habían realizado operaciones sin dolor, algo totalmente inimaginable en un momento en el que cualquier mínima intervención suponía unos sufrimientos horrorosos en el paciente. El causante de este prodigio no era otro que el éter, conocido también como "gas de la risa", que hasta entonces apenas había tenido otra aplicación que su uso en las barracas de feria.

Sin embargo, en Europa hubo quien tuvo dudas de si efectivamente el éter era lo más seguro. Uno de ellos fue el médico de Edimburgo James Young Simpson, quien se encontraba especialmente obsesionado por aliviar el tremendo dolor que acompañaba a las mujeres al dar a luz, y que hacía de muchos partos espectáculos terribles. Simpson no acababa de estar convencido con el éter, y probó en él y en su familia distintas sustancias hasta que llegó a la conclusión de que el cloroformo, en dosis adecuadas, era lo mejor.

El estamento médico se revolvió contra Simpson, y todas las instituciones oficiales declararon que aquella idea era una aberración, y que el dolor era algo innato en el parto que no debía ser eliminado

Pero el estamento médico se revolvió contra Simpson, y todas las instituciones oficiales declararon que aquella idea era una aberración, y que el dolor era algo innato en el parto que no debía ser eliminado, porque tal cosa sería antinatural. Un rechazo al que se sumaron las autoridades religiosas, que no dejaban de citar el Génesis y el castigo divino hacia la mujer de "parirás a tus hijos con dolor". Al parecer, Simpson replicaba a ello, con poco éxito, que también según el Génesis Dios habría dormido a Adán antes de extraerle una costilla.

La oposición sin fundamento al cloroformo llevó a que durante años las mujeres continuaran dando a luz entre gritos. Eso no impidió que algunos médicos, incluido el respetado John Snow, que había logrado atajar el cólera en Londres, supieran de los descubrimientos de Simpson y se alinearan con él. Hasta que llegó la reina y todo cambió.

La anestesia de la reina

Victoria se enfrentaba a su octavo embarazo, y todo hacía presagiar que el parto sería tan difícil como los anteriores: la reina sufría enormemente al dar a luz, y el hecho de que tuviera ya 33 años, una edad avanzada por entonces para volver a ser madre, no ayudaba a mejorar los augurios.

Tanto ella como su marido, el príncipe Alberto, tuvieron noticias de los prodigios que se comentaban por lo bajo del cloroformo, y Alberto llamó a Snow para hacerle un exhaustivo examen sobre todos los detalles de la nueva técnica. El hecho provocó la inmediata reacción en contra de todo el cuerpo médico de palacio, pero la decisión del matrimonio real fue inmutable y, cuando llegó el momento, Snow fue llamado a anestesiar a la reina el 7 de abril de 1853.

Según los testimonios de la época, Snow sufrió un profundo shock cuando vio a su soberana en "un estado idéntico al de la más sencilla de las mujeres". El parto fue asistido por tres médicos, todos hombres, entre ellos el galeno de cámara, James Clark, que contemplaba aquello como si fuera un ritual demoníaco.

La técnica de Snow consistía en aplicar con un pañuelo un número limitado de gotas a la parturienta cada vez que se produjeran las contracciones, lo justo para evitar la narcotización total. Snow, famoso por su misantropía y su carácter huraño, parecía especialmente lívido y tenso pero, después de 53 agónicos minutos, la reina dio a luz sin complicaciones a su octavo hijo, el príncipe Leopoldo.

Una maldición divina menos

La noticia corrió como la pólvora. Repentinamente, desaparecieron los prejuicios contra el cloroformo, y la anestesia en los partos se puso de moda. El propio Snow fue ennoblecido con el título de "sir" (lo que no había logrado el que hubiese salvado a miles de vidas al controlar el recurrente cólera londinense), y ya a ninguna autoridad religiosa se le ocurrió volver a esgrimir el Génesis, ni a ningún médico hablar de que parir con dolor fuese lo natural.

La reina Victoria aún daría a luz en 1857 a su novena y última hija, la princesa Beatriz, también con la asistencia como anestesista de Snow, quien fallecería un año después. La casualidad hizo que justo estos dos hijos, cuyo alumbramiento había sido asistido por la anestesia, nacieran hemofílicos, una dolencia que se transmite de forma genética y en la que no tiene nada que ver el cloroformo.

El total secretismo que en aquel momento acompañaba cualquier detalle íntimo sobre la familia real salvó a la naciente anestesia en el parto de lo que hubiera supuesto que erróneamente se hubieran vinculado ambos hechos. Gracias al ejemplo de la reina Victoria, a partir de ese momento el mundo contó con una maldición divina menos.

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Victoria, la reina que ordenó que las mujeres parieran sin dolor

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A finales de la década de 1840, una noticia increíble cruzó el Atlántico a velocidad de vértigo: en Estados Unidos se habían realizado operaciones sin dolor, algo totalmente inimaginable en un momento en el que cualquier mínima intervención suponía unos sufrimientos horrorosos en el paciente.

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La grandeza británica alcanza su cúspide con Victoria I de Inglaterra (1819-1901), quién subió al trono en 1837 y gobernó el Imperio Británico, devolviéndole la estabilidad a la corona. Su reinado es considerado uno de los más prósperos de su época, por lo cual llegó a convertirse en símbolo de un período que tomara su nombre: "la era victoriana".

La moda victoriana comprende las diversas tendencias en la cultura británica que surgió y creció en la provincia, en la época victoriana y el reinado de Victoria.

Surgieron muchos y variados métodos de producción y distribución de prendas de vestir en el transcurso del largo reinado de Victoria.

En 1837, se fabricaron telas en las ciudades del norte de Inglaterra, Escocia e Irlanda. Por lo general la ropa era hecha a medida por costureras, modistas, sastres, sombrereros, etc. y muchos otros comerciantes especializados, que servían en pequeñas tiendas a una clientela local. Las familias que no podían permitirse el lujo de encargarla a las modistas, hacían su propia ropa, o compraban ropa usada y la modificaban.

En 1907, la ropa se elaboraba cada vez más en las fábricas y se vendía en grandes tiendas. Coser en casa era todavía significativo, pero fue disminuyendo poco a poco.

La nueva maquinaria y los nuevos materiales cambiaron la ropa de muchas maneras.

La introducción de la máquina de coser a mediados de siglo simplificó la confección de ropa en el hogar y en las boutiques. Ha permitido un ahorro de tiempo y ha ayudado en la creación de prendas que de modo manual hubiera sido excesivamente lento.

Los nuevos materiales de las lejanas colonias británicas dieron lugar a nuevos tipos de prendas de vestir (como las botas de goma que se caracterizaban por su impermeabilidad).

Las tinturas comenzaron a estar disponibles en los últimos años de la década de 1850, y pronto la moda las adoptó. Reemplazaron a los tintes vegetales y animales. Azules brillantes, púrpuras vívidos y otras tonalidades impactantes se utilizaron en telas de seda que captaban los colores vibrantes de una buena manera. Las tinturas brillantes no eran muy utilizadas en algodón, lino y muselina, ya que muchas veces las hacía parecer atrevidas y estridentes.

Los vestidos diseñados para las jóvenes adineradas y elegantes de finales de la época Victoriana estaban hechos con telas muy delicadas. Vestidos de gaza hechos con tul y sedas, eran profundamente adornados, hechos para ser usados un par de veces antes de ser reemplazados. Los vestidos delicados y adornados eran usados por mujeres jóvenes y solteras. Las mujeres casadas se vestían de una manera más práctica en satén y terciopelo pesado, aunque estos vestidos no llevaban menos decoración.

La ropa de hombre era vista como formal y rígida. Era colorida que en el siglo anterior. Los hombres de finales de la época victoriana usaban chalecos, sin importar si se vestían para un encuentro matutino o para una fiesta nocturna. El chaleco era una parte importante de sus atuendos, y los hombres poseían muchos de ellos para usar con un par de trajes oscuros. Los chalecos de seda eran inmensamente populares, ya que la seda era un material relativamente nuevo, pero lana y algodón también eran populares.

La ropa interior fue muy importante en los atuendos de finales de la época victoriana, en especial para mujeres. Muchas capas de enaguas hechas de algodón, franela o lana eran puestas debajo de cada vestido usado por las mujeres. Las enaguas se usaban para hacer que las faldas pareciesen más anchas, creando el estilo "campana" que fue popular durante la primera parte de finales de la época victoriana. Hasta la invención de marcos livianos en 1856, las mujeres usaban hasta 14 libras (6,3 kg) de tela debajo de sus vestidos. Bragas adornadas con muselina y enaguas suaves de muselina aparecieron una vez que los marcos se volvieron más populares. En el período final de la Época Victoriana, las faldas anchas se empujaron hacia atrás y todo ese material extra se usó para crear polizones amplios.

Las niñas de la Era Victoriana vestían en varias capas de ropa. Tipicamente, usaban una camisa suelta, con medias, calzoncillos o bragas, tirantes y dos o más enaguas. Sobre estas piezas, usaban un vestido de mangas cortas, y lo cubrían con una capa o manto, según DickensVictorianVillage.com. Las niñas de familias adineradas tendían a usar enaguas y vestidos que eran reproducciones en miniatura de los vestidos de mujer, con muchos detalles decorativos. Sin embargo, las faldas eran, por lo general, cortas. Las faldas y blusas se pusieron de moda en la década de 1890.

Tradicionalmente, los niños usaban vestidos hasta los cinco años para que fuera más fácil cambiarles los pañales. Los vestidos para niños por lo general tenían botones de metal en lugar de botones recubiertos en tela. Los niños más grandes usaban bragas, camisas, chaquetas y gorras. Los niños provenientes de la clase alta podían usar trajes Fauntleroy, que consistían de una chaquetade terciopelo, pantalones y un cuello de encaje. A fines del Siglo XIX, se pusieron de moda los trajes de marinero para niños y niñas luego de que la Reina Victoria vistió a su hijo mayor en uno.

Las madres vestían a sus bebes en largas enaguas de franela o algodón, capuchas de encaje y, a veces, una capa. Las familias más prósperas compraban atuendos infantiles más elaborados, decorados con encaje y bordados. Era costumbre que los bebes vistieran prendas blancas. Se puso muy de moda pasear a los bebes en cochecitos, según el Museo Victoria & Albert.

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Indumentaria y tejidos de la época victoriana

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La grandeza británica alcanza su cúspide con Victoria I de Inglaterra (1819-1901), quién subió al trono en 1837 y gobernó el Imperio Británico, devolviéndole la estabilidad a la corona. Su reinado es considerado uno de los más prósperos de su época, por lo cual llegó a convertirse en símbolo de un período que tomara su nombre: "la era victoriana".

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En este artículo que aún está en elaboración, esperando a introducir otras entradas, paso a comentar algunos de los cómics de temática o estilo steampunk, como son "Amura", "Arrowsmith", "The Buzz Chronicles", "Gotham: Luz de gas", "Ironwolf: Las llamas de la revolución", "The League of Extraordinary Gentlemen", "Steampunk" y "Victorian Undead", entre otros. La lista está limitada, por lo que al autor de este artículo se refiere, a aquellos cómics que obran en su poder y ha sido capaz de leer, aunque es consciente de que existen muchos otros, y algunos de ellos de gran calidad, que se quedan sin comentar. En todo caso, espero que este escrito sirva, como mínimo, como una pequeña guía de referencia para la gente que quiera adentrarse un poco más en este fascinante universo, si no lo han hecho aún.

Quién me conoce, ya sabe que soy un fanático de los cómics de todo tipo, sean de superhéroes, de terror, de fantasía épica, de humor, o lo que se tercie. Si quién me conoce, sabe algo más de mí, también conocerá mi gusto por el steampunk.

Así, pues, hoy he elegido escribir un poco sobre la combinación de ambos géneros, y sobre algunos de los cómics que tocan esta temática que he tenido el placer de leerme alguna vez. Por lo tanto, no hablaré de todos los que existen, sino sólo de aquellos que han pasado por mis manos.

Sin duda todo el mundo sabe lo que son los cómics, pero puede que alguien se pregunte "¿Qué es el steampunk?".

A grandes rasgos, podríamos decir que el steampunk es una variante de la ciencia-ficción y la fantasía que, generalmente, se encuentra englobada dentro de una época muy concreta de nuestra historia -la Revolución Industrial o la Era Victoriana-, aunque con algunas pequeñas (o grandes) variantes dentro de las mismas.

Así pues, podemos encontrarnos mundos steampunk en que, aunque a grandes rasgos la estética sea similar a los marcos históricos que hemos comentado, las fechas en que nos encontramos no sean exactamente las mismas, pudiéndose hallar un universo steampunk dentro del mismo siglo XIX, como en cualquiera de los siglos que le siguen, ya sea, incluso, en un presente alternativo al que vivimos, o en un futuro lejano o post-apocalíptico.

Del mismo modo, más allá de una supuesta Tierra paralela, puede que nos hallemos en otros mundos, perdidos en algún otro lugar del espacio o del multiverso. Mundos más fantásticos y complejos, donde los humanos pueden convivir con otras razas extraterrestres, o mundos de corte fantástico medieval, donde, junto a magos, dragones, goblins, encontramos enormes autómatas que funcionan mediante extraños engranajes, y barcos voladores o máquinas de vapor.

En todos estos mundos, los inventos más imposibles y futuristas funcionan, pero generalmente a base de carbón, la tecnología de vapor, extraños engranajes, cadenas, cuerdas y poleas, y otras energías, como pueden ser la electricidad, el magnetismo u otras misteriosas fuerzas energéticas.

Autómatas, naves voladoras semejantes a barcos, vehículos que ruedan o caminan, cañones, armaduras, pistolas de rayos, e incluso cohetes y ordenadores, pueden convivir junto a la iluminación de gas y carruajes tirados de caballos, en mundos donde las ciudades a menudo estás sumergidas en cielos contaminados por el constante humo de carbón, o bien hay un cielo mucho más limpio y despejado que en nuestro mundo.

Y como guinda del pastel, en algunos de estos mundos de carácter steampunk, más allá de la ciencia y de algunos elementos extraídos de la literatura fantástica de aquella época cercana a la ciencia-ficción, también se mezclan otros elementos nacidos de las novelas y relatos de folletín de carácter gótico, romántico, detectivesco o del mismo folklore mágico de aquella época.

Así pues, echad carbón a vuestras calderas, bajad a las palancas, empezad a darle a los pedales, y despegad hacia el mundo ilustrado del steampunk y los cómics.

"Amura" es una obra de una calidad indudable. Puede que esta miniserie de 6 números, en blanco y negro, pasara desapercibida en su momento por mucha gente, y fue una apuesta arriesgada que hizo Ediciones Glénat, S. L., sin duda. Pero no deja de ser una obra coral maravillosa que vale la pena leer. Una crítica a la absurdidad de la guerra, incluso cuando se cumplen normas civilizadas. Posteriormente, apareció un tomo unitario que, por tan solo 395 pts (2,5 €), recogía la obra completa retapada. Éste es el cómic que tengo en mi poder.

El universo de Amura, una joven aristócrata metida en el negocio de la guerra, tiene todos los elementos de un universo steampunk con estilo propio. La acción transcurre en, y sobre, la Isla de la Desolación, una enorme isla de 200.000 km², totalmente desértica, que ha sido totalmente dividida en segmentos cuadriculados de 2 km de lado para conformar un amplio tablero sobre el que discurre la guerra, mientras en el resto del mundo hay paz, evitándose de este modo las bajas civiles.

Sobre la faz de la isla, donde apenas existen unos pocos animales y plantas, entre los restos de las numerosas batallas aéreas, viven los Abandonados (supervivientes de las grandes batallas aéreas que no han sido rescatados jamás), algunas patrullas de tierra que cabalgan unas extrañas máquinas conocidas como caballos de vapor, y enormes limpiadores (máquinas semejantes a enormes locomotoras) que recorren los surcos que dividen las cuadrículas de la isla, apartando los escombros.

Sobre esta isla sobrevuelan grandes helionaves de guerra, en una lucha sin fin que sigue rigurosos protocolos, así como pequeñas naves voladoras. No está permitido el uso de armas de fuego de pequeño calibre en la lucha cuerpo a cuerpo, pero sí el uso de los grandes cañones en los enfrentamientos entre naves voladoras. Aquí, los humanos se codean con los faunos y alguna otra especie, con vestimentas dignas de cualquier universo steampunk.

Título: "Amura" (Título original: "Amura" #1-6).

Autores: Sergio García (guión y dibujo).

Editado en España por: Ediciones Glénat S. L.

Precio: 395 pts (2,5 €). Los números unitarios valían 195 pts (alrededor de 1,20 €) cada uno.

Corre el año 1915. Un mundo muy parecido al nuestro, pero a la vez muy diferente. La geografía física del mundo es la misma, los países, no (por poner un ejemplo, la península ibérica está dividida en distintas naciones: Lusitania, Granada, Castilla, Navarra y Aragón). La gran revolución industrial ha sido sustituida por la gran revolución mágica. Junto a trenes, coches, buques, fusiles y cañones, pueden verse extrañas criaturas: enanos, trolls, dragones, hadas, ángeles, demonios... Una gran guerra se ha desatado en Europa, y Fletcher Arrowsmith, un joven de los Estados Unidos de Columbia decide unirse al Cuerpo Aéreo Transatlántico, con base en Acadia. A partir de aquí, un mundo maravilloso, a la vez que aterrador, se nos va mostrando a través de los ojos del protagonista.

Título: "Arrowsmith" #1 (Título original: "Arrowsmith" #1).

Autores: Kurt Busiek (guión), Carlos Pacheco (dibujo), Jesús Merino (entintado), Alex Sinclair (color).

Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.

Curioso volumen de tapa dura publicado por Norma Editorial que recoge diversos relatos cortos de Mike Mignola, en los que aparecen todo tipo de máquinas de corte steampunk, fantasmas, demonios, entidades alienígenas, robots, magos, muertos vivientes, ciudades perdidas, nabos y judías mágicas, entre muchas otras cosas extrañas y curiosas. El volumen contiene diversas historias: "El asombroso Cabeza de Tornillo", "Abu Gung y las judías mágicas", "El mago y la serpiente", "La bruja y su alma", "Prisionero de Marte" y "En la Capilla de los Objetos Extraños". Todo ello, además, complementado con algunas notas y bocetos.

Título: "El asombroso cabeza de Tornillo y otros objetos extraños" (Título original: "The Amazing Screw-On Head and Other Curious Objects").
Autores: Mike Mignola (guión, dibujo y color).
Editado en España por: Norma Editorial.
Núm. de páginas: 104
Precio: 16,00 €

¡Vampiros, zombis y steampunk! Europa, 1ª Guerra Mundial. Durante un asalto noctuno contra las trincheras enemigas, las tropas de Lord Baltimore perecen bajo el fuego y él es herido de gravedad en una pierna. Tras despertar de su inconsciencia, descubre que los muertos y los heridos son alimento de unos extraños murciélagos gigantes y, a duras penas, él escapa con vida de este percance. Tras ser hallado vivo, su pierna le es amputada, para, poco después, recibir la visita de un misterioso visitante, iniciándose así la guerra de Baltimore contra los vampiros. Sin embargo, con la aparición de éstos, también ha aparecido una misteriosa plaga que asola la tierra devolviendo a los muertos a la vida.

Título: "Baltimore - Los barcos de la plaga" (Título original: "Baltimore: The Plague Ships #1-5").
Autores: Mike Mignola y Christopher Golden (guión), Ben Stenbeck (dibujo), Dave Stewart (color).
Editado en España por: Norma Editorial.
Núm. de páginas: 144
Precio: 15,00 €

El año 1999, Planeta DeAgostini, bajo el sello de World Comics, empezó a publicar "Battle Chasers", una colección que constó de un total de 9 números en formato comic-book, dividido en dos colecciones: la primera, "Battle Chasers", constó de cinco números, y la segunda, "Battle Chasers - El retorno", que se publicó en el 2002, constó de cuatro números. El motivo de esta separación fue porque la colección, creada dentro del sello Cliffhanger, de la editorial WildStorm Productions, en Estados Unidos, sufrió algunos baches a causa de su salida irregular, debido a la lentitud de Joe Madureira a la hora de realizar la serie.

"Gotham: Luz de gas" fue el tomo en formato prestigio que dio inició la línea editorial de "Otros mundos" ("Elseworlds") dentro de la editorial DC Comics. Aunque es el único tomo publicado que carece del logo oficial de "Otros mundos" ("Elseworlds"), se considera que es la primera historia dentro de dicha línea, que se dedica a explorar a diferentes héroes del Universo DC en distintas líneas temporales y realidades alternativas.

"Gotham: Luz de gas" está comprendida por dos tomos de formato prestigio -"Gotham: Luz de gas" y "Amo del futuro"-, que narran las peripecias de un Batman en un mundo alternativo que se mueve dentro de lo que llamaríamos Era Victoriana, aunque dentro de su enclave habitual, la ciudad de Gotham.

El primer tomo, "Gotham: Luz de gas", nos adentra en una extraordinaria aventura que enfrenta a Batman contra el criminal más famoso del siglo XIX: Jack el Destripador. Es el año 1889, y en una Gotham City más siniestra y sucia que nunca, obra de los lápices de Mike Mignola, entre la noche y la niebla, da inicio una nueva leyenda. El segundo tomo, "Batman - Amo del futuro", por el contrario, nos enfrenta a Batman a un personaje que se parece sospechosamente a Robur el Conquistador, el personaje creado por Julio Verne,

Título: "Gotham: Luz de gas" (Título original: "Gotham by Gaslight"). También conocido como "Batman: Luz de gas".
Autores: Brian Augustyn (guión), Mike Mignola (dibujo), P. Craig Russell (entintado), David Hornung (color). Con una introducción de Robert Bloch.
Editado en España por: Ediciones Zinco.
Núm. de páginas: 48
Precio: 500 pts (3 €)

Título: "Batman: Amo del futuro" (Título original: "Batman: Master of the Future").
Autores: Brian Augustyn (guión), Eduardo Barreto (dibujo), Steve Oliff (color).
Editado en España por: Ediciones Zinco. Posteriormente otras editoriales han hecho otras ediciones.
Núm. de páginas: 64
Precio: 750 pts (4,5 €)

GUARDIANES DEL MASER, LOS

"Los Guardianes del Maser", de Massimiliano Frezzato, es una obra de ciencia-ficción que está a medio camino del género post-apocalíptico, la fantasía y la ciencia-ficción, en la que abundan diversos elementos cercanos al steampunk. Artefactos voladores pilotados por enanos, insectos buscadores de metal, gigantescas criaturas marinas, robots poetas, aventureros solitarios, islas desoladas y civilizaciones perdidas forman parte de este extraño y cautivador mundo que, en nuestro país, fue editado por Norma Editorial, primero en álbumes independientes (los dos que recojo en este artículo), y más tarde en tres volúmenes que recogen la obra entera, cada uno de los cuales consta de dos álbumes de la saga (que originalmente estaba conformada por seis). Bellamente ilustrado, el cómic, aparte de la historia, tiene algunos complementos que nos muestran más detalladamente a los personajes principales y secundarios, las criaturas de tan peculiar mundo, y algunos de los artefactos mecánicos de la saga, sean naves o robots, y otras muchas peculiares características de este universo único.

Título: "Los Guardianes del Maser 1: La 2ª luna" (Título original: "Les Gardiens du Maser 1: La 2ème Lune").
Autores: Massimiliano Frezzato (guión, dibujo y color).
Editado en España por: Norma editorial.
Núm. de páginas: 48
Precio: 1.100 pts (6,61 €)

Título: "Los Guardianes del Maser 2: La isla de los enanos" (Título original: "Les Gardiens du Maser 2: L´Île des Nains").
Autores: Massimiliano Frezzato (guión, dibujo y color).
Editado en España por: Norma Editorial.
Núm. de páginas: 64
Precio: 1.500 pts (9,02 €)

En el año 1993, Ediciones Zinco sorprendió a mucha gente editando un tomo de tapa dura que narraba las andanzas de Brian Ironwolf, un viejo personaje de DC Comics creado por Howard Chaykin que había caído en el olvido, sacándole todo su jugo en un universo propio donde la ciencia-ficción al más puro estilo space-opera y la estética steampunk estaban muy bien entrelazadas.

En un universo en el que enormes naves de madera vuelan en el vacío del espacio, y en el que extrañas razas semejantes a vampiros o animales humanoides forman parte de la política humana, las espadas y las armas de rayos se mezclan en una estética gótica y victoriana, con una naturalidad pasmosa en el que abundan las conspiraciones políticas y la aventura. Es en este lugar donde transcurre la vida de Ironwolf, un noble paria que está dispuesto a enfrentarse a la corrupción y codicia de su propio hermano, así como de la misma emperatriz de estos sorprendentes mundos donde transcurre la historia. Sin duda, un cómic que vale la pena leer, y que tenía todos los ingredientes necesarios para haberse convertido en una saga.

Años más tarde, aprovechando la calidad de esta novela gráfica, el libro fue reeditado de nuevo por Norma Editorial.

Título: "Ironwolf: Las llamas de la revolución" (Título original: "Ironwolf: Fires of the Revolution").
Autores: Howard Chaykin y John Francis Moore (guión), Mike Mignola (dibujo), P. Craig Russell (entintado), Richmond Lewis (color).
Editado en España por: Ediciones Zinco.
Núm. de páginas: 102
Precio: 1.975 pts (11,87 €)

Bajo el sello de World Comics, el año 2000, Planeta DeAgostini publicó, de la mano de Alan Moore y Kevin O´Neill, la primera mini-serie del que quizás sea uno de los cómics steampunk más representativos editados hasta el momento: "The League of Extraordinary Gentlemen". En dicha colección, formada por un conjunto de mini-series y pequeños volúmenes, se narra las peripecias de un grupo de héroes, que aglutina a algunos de los personajes más representativos de la literatura de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, como Allan Quatermain, Mina Murray, el Dr. Jekyll y Mr. Hyde, el Hombre Invisible o el Capitán Nemo, entre muchos otros. La serie está llena de detalles y pequeños guiños, que pueden abarcar desde una simple viñeta a toda una historia, que nos muestran parte de ese universo steampunk propio que se nutre, sobretodo, de la literatura, pero también de cuentos infantiles, películas y obras de arte. Además, cada número va acompañado de unas pocas páginas de suplemento que sirven como una pequeña guía donde se narran o describen algunos detalles referidos al mundo o a los personajes de la saga, llenando algunos huecos y vacíos que hay a lo largo de la historia.

Hasta el momento se han publicado dos mini-series de 6 números cada una, y un par de volúmenes que forman parte de una nueva saga que se extiende más allá de lo que denominariamos steampunk, que de momento aún está inconclusa. Planeta deAgostini reeditó las dos primeras mini-series en volumenes unitarios de tapa dura, mucho más fácil de conseguir que la colección de grapa, mucho más antigua.

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #1, Vol. 1 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #1, Vol. 1).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 275 pts (1,65 €)

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #2, Vol. 1 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #2, Vol. 1).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 275 pts (1,65 €)

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #3, Vol. 1 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #3, Vol. 1).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 275 pts (1,65 €)

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #4, Vol. 1 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #4, Vol. 1).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 275 pts (1,65 €)

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #5, Vol. 1 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #5, Vol. 1).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 275 pts (1,65 €)

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #6, Vol. 1 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #6, Vol. 1).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 275 pts (1,65 €)

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #1, Vol. 2 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #1, Vol. 2).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 1,95 €

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #2, Vol. 2 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #2, Vol. 2).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 1,95 €

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #3, Vol. 2 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #3, Vol. 2).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 1,95 €

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #4, Vol. 2 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #4, Vol. 2).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 1,95 €

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #5, Vol. 2 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #5, Vol. 2).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 1,95 €

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen" #6, Vol. 2 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen" #6, Vol. 2).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 1,95 €

Título: "The League of Extraordinary Gentlemen - Century: 1910" #1, Vol. 3 (Título original: "The League of Extraordinary Gentlemen - Century: 1910" #1, Vol. 3).
Autores: Alan Moore (guión), Kevin O´Neill (dibujo), Benedict Dimagmaliw (color).
Editado en España por: Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 80
Precio: 4,95 €

En el año 1992, Ediciones Zinco publicó "Murallas de Espuma - Los ojos cerrados", un álbum de corte ecológico de lo que parecía ser el primer volumen de una saga que en su país de origen, Francia, sólo constó de dos volúmenes.

En dicho cómic, se nos muestra el universo de Lamantine, un mundo hecho de grandes maquinarias de madera, de pasarelas y ciudades tendidas sobre el mar (o sobre las pocas rocas que emergen de éste), de trolecables sobrevolando la ciudad. Pero también un universo agonizante, consumido por un mal incurable que corroe el cuerpo de unos y el espíritu de otros. Como su padre, Lamantine está contaminada. Y sin embargo se niega a ver sacrificar animales marinos para las investigaciones científicas que podrían salvarla. Porque, a través de las alucinaciones que la persiguen, Lamantine sabe que existe, entre ella y el mar, un nexo que determina su destino.

Título: "Murallas de espuma - Los ojos cerrados" (Título original: "Les Remparts d'Écume - Les Yeux clos").
Autores: Joël Mouclier (guión), Turf (dibujo).
Editado en España por: Ediciones Zinco.
Núm. de páginas: 48
Precio: 850 pts ( 5,11 €)

El año 2001, Planeta DeAgostini empezó a editar "Steampunk", una mini-serie norteamericana formada por un especial y 12 números, que se sitúa en un universo steampunk paralelo, creado por Joe Kelly y Chris Bachalo. Dicho universo está situado en Londres, en el año 1838, pero en un mundo muy distinto al que conocemos, en el que multitud de criaturas bio-mecánicas se mezclan con extraños seres mutantes y engendros monstruosos. En este lugar, Cole Blaquesmith, un hombre con un poderoso brazo mecánico alimentado por un corazón incandescente, despierta para combatir al malvado Dr. Mortimer Absenta, ha medida que van apareciendo multitud de personajes, a cada cual más extraño.

Título: "Steampunk" #1 (Título original: "Steampunk: Catechism").
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo), Richard Friend (entintado), BAD@$$ (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 250 pts (1,50 €)

Título: "Steampunk" #2 (Título original: "Steampunk" #1).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), BAD@$$ (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 250 pts (1,50 €)

Título: "Steampunk" #3 (Título original: "Steampunk" #2).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), BAD@$$ (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 250 pts (1,50 €)

Título: "Steampunk" #4 (Título original: "Steampunk" #3).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), BAD@$$ (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 250 pts (1,50 €)

Título: "Steampunk" #5 (Título original: "Steampunk" #4).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), BAD@$$ (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 250 pts (1,50 €)

Título: "Steampunk" #6 (Título original: "Steampunk" #5).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), BAD@$$ y James Rochelle (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 295 pts (1,77 €)

Título: "Steampunk" #7 (Título original: "Steampunk" #6).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), Matt Holligsworth y James Rochelle (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 250 pts (1,50 €)

Título: "Steampunk" #8 (Título original: "Steampunk" #7).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), James Rochelle (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 250 pts (1,50 €)

Título: "Steampunk" #9 (Título original: "Steampunk" #8).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), James Rochelle (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 250 pts (1,50 €)

Título: "Steampunk" #10 (Título original: "Steampunk" #9).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), James Rochelle (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 250 pts (1,50 €)

Título: "Steampunk" #11 (Título original: "Steampunk" #10).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), Studio F (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 1,50 €

Título: "Steampunk" #12 (Título original: "Steampunk" #11).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), Studio F (color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 28
Precio: 1,50 €

Título: "Steampunk" #13 (Título original: "Steampunk" #12).
Autores: Joe Kelly (guión), Chris Bachalo (dibujo) , Richard Friend (entintado), BAD@$$(color).
Editado en España por: World Comics - Planeta DeAgostini.
Núm. de páginas: 36
Precio: 1,95 €

Precio: 16 €

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¡CÓMICS A TODO VAPOR! - Breve recopilación de algunos cómics de temática steampunk.

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En este artículo que aún está en elaboración, esperando a introducir otras entradas, paso a comentar algunos de los cómics de temática o estilo steampunk, como son "Amura", "Arrowsmith", "The Buzz Chronicles", "Gotham: Luz de gas", "Ironwolf: Las llamas de la revolución", "The League of Extraordinary Gentlemen", "Steampunk" y "Victorian Undead", entre otros.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Estética Steampunk, la evolución del mundo victoriano

Por Félix Maocho
3/7/2017
.

Steampunk nace de la fusión de dos palabras inglesas "steam", (vapor), y la terminación "punk", que se asocia prácticas contraculturales, generalmente como crítica a la sociedad consumista actual, que incluyen comportamiento, lenguaje, vestimenta y temáticas que los distinguen, y la búsqueda de otro esquema social.

En este caso la búsqueda parte de retroceder la sociedad actual a la época victoriana, dominada por el "vapor" y evolucionarala de otra forma, diferente a la que realmente la sociedad ha tenido desde entonces.

El Steampunk fue, en sus inicios, un subgénero literario de ciencia ficción especulativa, cultivada por escritores ciberpunk.

En estos escritos se refleja un mundo distópico en el que se combinan una tecnología muy avanzada y un bajo nivel de vida, provocado precisamente porque un desarrollo tecnológico que se nos va de las manos y traen en consecuencia un futuro con distorsiones aberrantes al paradigma social o cultural que pre4endíamos. Películas como Mad Max son un ejemplo claro de lo que expresamos.

De esta primera concepción se desprendió un movimiento artístico y sociocultural que ya no es sólo literario. El Steampunk muestra un mundo distópico donde no se ha desarrollado la tecnología digital y el espacio que esa tecnología deja libre se ha conquistado por una tecnología que es continuación del maquinismo de la época victoriana. ¿Como hubiera sido el mundo si no se hubiera descubierto el transistor?
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Pues indudablemente el ordenador hubiera sido descubierto como un aparato analógico heredero de la máquina de escribir Underwood y de la calculadora de Burrogs

De hecho eso pasó antes de aparecer el transistor se construían máquinas analógicas para el calculo diferencial

incluso durante la Segunda Guerra mundial se construyeron ordenadores analógicos con Meccano para satisfacer las necesidades de cómputo de los diseñadores de proyectiles.

La temática Steampunk muestran tecnologías anacrónicas mezcladas con invenciones futuristas de los futurólogos de finales del XIX principios de siglo XX, vistas d con una perspectiva victoriana de toda la cultura no solo la tecnología, sino otros ámbitos como la moda, la arquitectura, e incluso las costumbres.

Por ello el Steampunk se inspira en visiones futuristas pasadas como puedan ser la obra de H. G. Wells y Julio Verne

Este grabado de un monorail atravesanedo el Canal de la Mancha ilustraba la novela "Guerra en el aire" de H G Wells de 1908 y a continuacion mostramos la imagen del famoso Nautilus de Julio Verne.

Si a esto añadimos las elucubraciones de futurólogos como Albert Robida (1848 - 1926) que pintaba cosas como estas, ya tenemos sentadas las raíces de la estética Steampunk

Vestuario

En le vestuario, el estilo Steampunk bebe de diversos estilos "punck" preexistentes, como las
las prendas góticas, el estilo lolita o el japones kodona, combinando todo ello con los estilos modernos y la influencia victoriana y eduardiana, mientras que se trata de dibujar el personaje al que se ha decido encarnar. A diferencia de lo ciberpunck, generalmente no se busca ser oscuro y aterrador, sino al contrario bello y elegante.

Los accesorios modernos, como teléfonos móviles, tabletas, PCs o reproductores de música, ... debidamente modificados para darlos apariencia acorde con la estética general, se integran con el vestuario.

En la moda femenina encontramos una abundante y generosa imaginación, predomina las prendas inspiradas en el estilo victoriano y eduardiano, por lo que abundan los miriñaques, guardainfantes y polisones junto con los corsees.

Gem Von Tildod es un modista muy integrado en esta tendencia, habiendo presentado colecciones en el estilo Steampunk, dónde a la ropa se unen los detalles y accesorios.

Otros grandes diseñadores como Alexander McQueen, Nicolas Ghesquière de Balenciaga, e incluso Ralph Lauren, han diseñado modelos Steampunk.

En la moda masculina el vestuario se compone de trajes con chaleco, levitas, guardapolvos, sombreros de copa y polainas pero también abundan prendas inspirados en uniformes militares tanto actuales, de los de astronauta y comandos como los históricos, de huseras, marinos, o alabarderos.

Al igual que las señoras, es corriente que los hombres busquen un personaje como aristócratas, cazadores, piratas aéreos, científicos locos, al que desean emular, ... por lo que el vestuario se suele acompañar con complementos como paraguas y bastones o accesorios y aparatos acordes con la temática y el personaje, relojes de bolsillo, gafas de aviador, miembros mecánicos o pistolas de rayos.

En vestuario masculino Prada algunas veces se ha aproximado a la estética Steampunk aunque hay que reconocer que con una contenida sobriedad.

Periódicamente se realizan concentraciones Steampunk donde los seguidores aprovechan para mostrar sus creaciones les dejo una direccional que habla de la III FERIA STEAMPUNK DE BARCELONA

Si están interesados en compara ropa de esta temática Fanplusfriend es un modista chino especializado en ropa gótica que toca mucho la estética Steampunk

Les dejo muestras de su producción.

Pero si eres manitas, o conoces a alguien que pueda hacer ropa a medida, en la red encuentras modelos Steampunk mucho mas conseguidos.

Incluso la publicidad ha bebido en esta estética

También Lady Gaga se ha mostrado en algunas ocasiones con vestuario de esta misma tendencia

Artefactos

Los "aparatos" es un apartado muy querido del artista Steampunk, ya hemos hablado que con el vestuario siempre hay complementos de esta estética. Son algo retrofuturistas, o sea, que partiendo de algo antiguo conocido se "actualiza" para "ofrecer" prestaciones "modernas". Pongo algunos ejemplos

También aquí la industria real tiene ejemplos claros de esta estética en lo único que nos queda realmente Steampunk, que son los relojes de cuerda y los vehículos

Relojes

en esta dirección encontraran objetos a modo de esculturas hechas a partir de relojes de cuerda clásico como esta que les enseño

Vehículos

La industria ofrece a los enamorados de la mecánica sorprendentes vehiculos que bienpueden ser la evolucion del maquinismo victoriano como este vehiculo "embarazado"

o esta "cigarra"motorizada

Pero son los vehículos, "tuneados" o expresamente construidos para este fin, son los que guardan mejor el espíritu Steampunk

El grupo de artistas integrados bajo el nombre de Kinetic Steam Works, trabajan en varios vehículos propulsados por vapor.

Y no podemos dejar de mencionar uno de los vesiculoso Steampunk más famosos el utilizado en la película de Disney Chitty Chitty Bang Bang

y no podemos dejar de mostrar en este apartado otro coche famoso el coche de Batman

Artefactos

Pero es en los "chismes" y "artefactos", donde más encontramos el estilo Steampunk, El creciente movimiento Do It Yourself, (hazlo tu mismo) a llevado a entusiastas y artistas a modificar los objetos cotidianos para darlos una apariencia victoriana, confiriéndoles el aspecto mecánico que caracteriza lo Steampunk, Teléfonos móviles, ordenadores personales e incluso guitarras eléctricas, ... cambian de aspecto y se muestran en Internet por aficionados que comparten sus trabajos.

Su obra consiste en modificar los objetos a base de "tunearlos" con materiales como el cobre, el hierro, la madera y el cuero, intengrando el uso moderno dentron de una manufactura de corte victoriana. Cualquier objeto se puede modificar a la estética Steampunk. escultura, fotografía, pintura, vehículos, muebles, utensilios de cocina, ...

Tim Wetherell crea objetos en hierro que contienen multitud de engranajes, relojes, ...

Art Donovan es otro artista que se deja arrastrar por la estética Steampunk creando todo tipo de artefactos

Otros artistas muy conocidos son Bruce Rosenbaum, Christopher Conte y Joey Marsocci, conocido como el D octor Grymm dentro de este mundo.

Hay quien dedica su esfuerzo a crear objetos complejos para hacer cosas sencillas como Rob Higgs

o esta máquina diseñada por el músico sueco Wintergaten

o este otro artefacto musical, construido entre el Conservatorio de Música de Requena y la Escuela de Ingeniería de la Universidad de Cheste (Valencia), con componentes obtenidos en las fábricas de Lois y de Equipos de Riego Lafror, de Utiel. Llevó 5 .029 horas el montaje, alineación, calibración y decoración antes de poder grabar este video. Hoy día está en funcionamiento en el Museo del Vino de Requena.

Arquitectura

El coste de realizar una vivienda Steampunk supera a lo que las personas normales desean dedicar a sus hobbys, por ello no encontramos construidas viviendas Steampunk y menos aun las ciudades soñadas por los amantes de esta estética.

En Internet tan solo he encontrado unas construcciones dentro de esta tendencia construidas por el fundador del grupo Kinetic Steam Works, que posteriormente junto con otras personas formaron el Five Ton Crane Arts Group que se iniciaron creando un "Casa del Árbol" Steampunk en Oakland, y que ha sido mostrada en números festivales para finalmente instalarse permanentemente en Milton, Delawere.

y esta extraña construcción con forma de bota

Otro modelo que he encontrado no se bien si encasillarlo en este espacio e o en el de vehículos pues se trata de la " Casa Locomotora "

Fuera de esto, no encuentro viviendas realmente realizadas en este estilo, o al menos las que he encontrado, que las hay. más bien me han parecido proyectos superrealistas de objetos virtuales que autenticas construcciones. Lo que si encontramos son algunos objetos monumentales, que podemos considerar inmuebles, pero que no son realmente casas como el "Nautilus Submarine Art Car"

o el " Elefante Mecánico de Nantes"

No se bien, si debería poner aquí, o en la sección anterior la siguiente "vivienda" llamada "Casa Locomotora"

Lo que si hay a centenares son " detalles arquitectónicos Steampunk", pero también en este caso es difícil saber diferenciar lo que es un producto actual, de lo que es un producto típico de la era modernista, la "Casa Batlle" de Gaudí puede pasar perfectamente como una obra de anteayer en estilo Steampunk.

y nada tendría de raro porque el Steampunk enlaza a la perfección con los años 20. Por ello no me atrevo a poner aquí mucho de lo que encuentro salvo ejemplos muy documentados, como por ejemplo es esta cafetería de Sudáfrica.

También en Ucrania y por otros motivos, la confluencia del neoarte bizantino y la falta de medios modernos para construir han dado algo que podemos definir como una catedral Steampunk

En Argentina Carlos Paez Vilaró crea en adobe unas estrañas construcciones

Como este complejo turístico

O esta iglesia de Tigre (Argentina)

Pero sólo son excepciones a la regla, sólo veremos en cantidad edificios Steampunk pintados.

Curiosamente el conocido juego de ordenador Minecraft, puede ser adornado con un estilo Steampunk. Existe un pack de texturas que de a Minecraft una estética Steampunk, mecanismos, metal y todo eso lo encuentras en Glimmars Steampunk, con este bkit puedes construir impresionantes estructuras de acero y hay muchos cubos animados, mostrando mecanismos y engranajes ,aparte de unos monstruos con nuevo aspecto.

En el cine encontramos también ejemplos como Charlie y la fábrica de chocolate pero de otras manifestaciones de arte hablaré en otros post.

Como digo, todas las ramas del arte tienen su manifestación Steampunk, aquí solo he pretendido traér unas cuantas. Queda explorar la madre de todas ellas, la literatura, junto con sus derivadas como el comic, el teatro y por supuesto el cine, tanto de actores o de dibujos animados, pero también queda la música, la ldanza, la poesía,...

Quizá algún día nvuelva a tratar algunas de ellas.

Félix Maocho

# data[].attributes.attachment_link.title
Estética Steampunk, la evolución del mundo victoriano

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Por Félix Maocho 3/7/2017 . Steampunk nace de la fusión de dos palabras inglesas "steam", (vapor), y la terminación "punk", que se asocia prácticas contraculturales, generalmente como crítica a la sociedad consumista actual, que incluyen comportamiento, lenguaje, vestimenta y temáticas que los distinguen, y la búsqueda de otro esquema social.

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Por si te sientes artista

# data[].attributes.attachment_link.title
Dibujos para colorear - Steampunk - Páginas para imprimir y colorear gratis

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Dibujos para colorear: Steampunk. Páginas para imprimir y colorear gratis de una gran variedad de temas, que puedes imprimir y colorear.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El Steampunk cada vez tiene más adeptos

Steampunk es una corriente retrofuturista que se radica en el siglo XIX y en la que predominan todo tipo de artilugios mecánicos basados en el carbón (en la máquina de vapor). Dicho así quizás suene extraño, pero si se tiene en cuenta que Julio Verne es un escritor fetiche para los amantes de esta tendencia, todo queda mucho más claro.

Y es que el steampunk viaja a un siglo XIX de ciencia ficción, pero no actual, sino de la época, muy al estilo de Verne o de H.G. Wells. Y como en ese periodo el imperio inglés era el más avanzado del mundo, la época victoriana y su estética es la auténtica protagonista e inspiradora.

Origen del steampunk

Como ocurre en otros muchos casos, el origen del steampunk se encuentra en la literatura, concretamente en la que especulaba con la ciencia ficción, tal y como se ha señalado anteriormente. Pero claro, se trata de una tendencia con tantas posibilidades visuales que trascendió y se hizo mucho más gráfica, llegando al arte, al cine, al cómic, a la moda e incluso a la arquitectura.

Elementos característicos del steampunk

Pero cuando se habla de esta tendencia, ¿qué aspectos son los más representativos?

Se sitúa en plena época victoriana, cuando la Revolución Industrial se encuentra en su máximo apogeo y se está dando el paso a la Edad Contemporánea.

La mecánica, la industrialización, el vapor y la tecnología basada en el carbón son protagonistas tanto estética como argumentalmente (cuando se trata de una novela, un relato...).

Existen numerosos elementos ucrónicos, es decir, imposibles para ese momento cronológico. De ahí que se trate de una ciencia ficción antigua.

Los steampunkers suelen hacerse sus propios ropajes y diseñan objetos con estética antigua, incluso a algunos modernos le dan ese toque.

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Steampunk: Origen y elementos característicos del Steampunk

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Steampunk es una corriente retrofuturista que se radica en el siglo XIX y en la que predominan todo tipo de artilugios mecánicos basados en el carbón (en la máquina de vapor). Dicho así quizás suene extraño, pero si se tiene en cuenta que Julio Verne es un escritor fetiche para los amantes de esta tendencia, todo queda mucho más claro.

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Interesante salvo por el desafortunado uso de la @

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Ya sabéis que no nos gusta reseñar los libros en nuestro maleducado club de lectura sino hacernos preguntas y reflexiones acerca de lo leído, así que, lamentablemente, si todavía no has leído Jane Eyre tal vez sea hora de que lo hagas antes de continuar con nuestro rompecabezas brontiano.

La pregunta fundamental es: ¿Qué tiene Jane Eyre para que me haya hecho llorar dos veces? ¡Dos, ni más ni menos!, lo cual es un mérito fabuloso contra mis propios prejuicios, pues he de reconocer que miro con aprehensión antes de la lectura toda novela escrita en el siglo XIX, a razón de gustos personales (repito: gustos personales), pues Pérez Galdós me resulta soporífero, Pardo Bazán inconstante (pero aún la mejor, dentro del grupo), y el insigne Clarín francamente insoportable. Si a eso le sumamos la decepción que constituyó para mí la primera lectura de Jane Austen, de la que tanto aguardaba, en concreto de su Sentido y sensibilidad, seguramente por resultarme ajena a mis propios sentido y sensibilidad, fueron tejiendo en mi intricado sentido literario una cierta desconfianza a la etiqueta "decimonónico" sólo salvada gracias a mi estima por la literatura romántica que cultivaron escritoras y escritores coetáneos de los ya mencionados. Mas he aquí que la bendita literatura rasga de frente tales prejuicios personales y me lanza a las páginas de Jane Eyre, merced al buen juicio de nuestr@s maleducad@s seguidor@s, y me encuentro con una obra despierta, de pulso firme y adictiva, que acaba por involucrarme y ceñirme en el destino de la protagonista desde el primer capítulo.

Bien podéis juzgarlo por vosotr@s mism@s, si no lo habéis hecho ya, pero acaso estéis esperando conocer hacia dónde enfocamos las claves que pueden llevaros a profundizar algo más en el caudaloso lecho de este sustancioso libro. No lo demoremos más, pues. Aquí tenéis nuestro decálogo de claves para reflexionar alrededor de Jane Eyre:

1. Elementos biográficos: en Jane Eyre están presentes casi sin maquillaje muchas de las experiencias vitales de su autora, Charlotte Brontë.

Hija de un párroco: Charlotte Brontë imagina a Jane Eyre huérfana de un padre párroco de la Iglesia de Inglaterra, siendo ella misma hija de un párroco metodista. No puede desarrollar la personalidad del párroco en el padre desaparecido de Jane, pero aparecerá en escena un firme soldado de la fe, John Rivers, que servirá a Charlotte para describir con holgura cómo podría ser la personalidad de un reverendo, ¿tal vez la de su propio padre?

Huérfana y al cuidado de una tía: Jane Eyre era huérfana de padre y madre; Charlotte Brontë y sus hermanos, sólo de madre, y hasta ahí la diferencia porque ambas acabaron bajo la custodia de sendas tías, aunque lo cierto es que no podemos definir que más tenían en común la ficticia señora Reed con Elizabeth Branwell, porque lo que es seguro es que el personaje de Jane Eyre no fue feliz con su tía; pero, ¿lo fueron Charlotte Brontë y sus hermanas y hermano?

Vida en el internado: Lowood es un estricto internado ficticio donde Jane Eyre pasó ocho años de vida, el primero de los cuales se dio una epidemia de tifus o tuberculosis por las condiciones de insalubridad que segó la vida de muchas alumnas. Por su parte, Charlotte estudió con sus hermanas en el también estricto internado Cowan Bridge, donde las mayores, Elizabeth y Mary, mueren a causa de una epidemia de tuberculosis.

Experiencia como institutriz: Charlotte Brontë, al igual que su creación. Jane Eyre, y que sus hermanas, hubo de ejercer el cargo de maestra e instituctriz para poder ganarse la vida. Desde esa posición, pudo sentir en carne propia las hirientes imprecaciones hacia su ocupación que escucha Jane Eyre al verse rodeada de las damas y caballeros que el señor Rochester invita a casa.

" - Querida: ¡no me hables de institutrices! Sólo oír esa palabra me pone nerviosa. He sido mártir de su incapacidad y de sus caprichos. ¡Gracias a Dios que ya no tengo que tratar con ellas!"

Familias de hermanos: aunque Jane Eyre es huérfana, la autora hace que conozca dos modelos de familias de hermanos contrapuestas: los hermanos Reed, que no se entienden entre ellos, contra los hermanos Rivers, que constantemente se muestran solícitos los unos con los otros. Curiosamente, estos grupos de hermanos están formados por dos mujeres y un hombre, el mismo número y género de hermanos, tras la muerte en la niñez de Elizabeth y Mary, con los que Charlotte conviviría: Emily, Anne y Branwell.

Ambiente social constreñido: la época victoriana, con sus rígidas normas, estamentos sociales e incluso hipocresía moral y religiosa se halla presente en muchos detalles del libro. ¡Imposible reparar en uno concreto!

2. Personajes femeninos solos ante el mundo: además de la protagonista, transitan por las páginas de la novela niñas y mujeres que han sido arrancadas de su espacio vital para verse, con mayor o menor fortuna, en otro nuevo. Tal es el caso, por ejemplo, de las niñas Helen Burns (de estrafalaria personalidad), Adèle (huérfana que acoge Mr. Rochester, sin que llegue a aclarársenos por completo si era o no su hija natural; lástima de test de ADN), o Bertha Mason (absolutamente desquiciada y desequilibrada, recluida entre las paredes de una mansión).

etaliteratura: A propósito de Bertha Mason: no nos referimos aquí a los versos y citas bíblicas que asoman a las páginas de Jane Eyre, sino a las reacciones que en otras autoras suscitó su lectura. En este caso, hablamos de la magnífica Jean Rhys, que recrea la vida de Bertha Mason, "la loca del ático", para explicarnos cómo alcanzó tan alto grado de desequilibrio psíquico. Y lo cierto es que no deja a Mr. Rochester en muy buen lugar... Ya lo comentamos en Ancho mar de los sargazos, de la escritora caribeña de padre galés Lecturas en femenino.

4. La crisis de los tres días: personalmente, me conmueve el completo hundimiento moral y físico de Jane Eyre, así como la mano que se le tiende cuando todo parece perdido. En sólo tres días, pasa de estar a punto de casarse con un hombre de buena fortuna al que ama a verse apartada del mundo y desamparada, rechazada, desaliñada y prácticamente muerta de hambre y sed: sólo encuentra refugio en la Naturaleza; los seres humanos la repelen; la desesperación la hace resignarse a la muerte, y en ese instante sólo los Rivers, y concretamente John, serán capaces de levantarla venciendo la aversión hacia su estado, abrirle las puertas de su casa y ayudarle a reponer su salud, deteriorada por esa crisis salvaje.

"- Después de todo, bien puedo morir -dije-. Creo en Dios y aguardaré resignada que se cumpla su voluntad. No sólo había pensado aquellas palabras, sino que mis labios las habían pronunciado en alta voz.- Todos hemos de morir -murmuró una voz muy próxima a mí-, pero no todos están condenados a perecer prematuramente de necesidad, como podría haberle sucedido a usted al pie de esta puerta."

Curiosamente, en un capítulo de la serie televisiva Bones su protagonista sufre también una crisis en la que su mundo se pone patas arriba durante tres días, y hemos descubierto al respecto que existen experimentos científicos del siglo XX que concluyen que un mundo bruscamente puesto al revés, como le sucedió al de Jane, puede ser recompuesto en 3 días. ¡Y eso ya lo imaginara Charlotte Brontë en 1847!

5. Elementos románticos: Poder sobrenatural del amor: la llamada imperiosa y desesperada del amado es escuchada y respondida por la amada a través de los cielos y la distancia, puede entenderse como una prueba del romanticismo que impregna la obra.

6. Elementos góticos: Los desmayos de Jane: la misma Jane afirma que sólo se desmayó en dos ocasiones, y en ambas de puro terror ante situaciones de ambiente gótico, un estilo que deja también su huella en la obra: encerrada de niña en la habitación roja donde murió su tío, Mr. Reed, en la que cree percibir fenómenos paranormales, y tras la pesadilla que deja paso, al despertar, a la incursión nocturna y endiablada de Bertha Mason en su dormitorio. También, poco antes de su primer y casual encuentro com el señor Rochester, se desata la imaginación de Jane, alimentada de relatos de tinte gótico, al recordar leyendas sobre caballos que presagian la muerte.

7. Personajes ambiguos: Grace Poole: el nombre más odiado y más temido que resultó ser una simple cabeza de turco, una cortina de humo que escondía a la verdadera moradora del ático, hecho que traerá de cabeza a Jane ya que no acierta a comprender que tras tantas maldades como se le achacan la misteriosa Grace Poole siga cobrando un sueldo del bolsillo del señor Rochester.

8. Personajes contrapuestos: ya mencioné como contrapuestos los hermanos Reed contra los hermanos Rivers, pero además de ellos llaman la atención otras parejas de "opuestos":

Jane Eyre vs otras mujeres, así en general. Concretando, podemos citar a Jane oponiéndola a Blanche Ingram, con su hierática belleza, o a Rosamunde Oliver, con su carácter no apto a sacrificios misioneros, y, por supuesto, contra Bertha Mason, bruta y enloquecida.

Mrs. Reed vs. Miss Temple: es fácil contraponer la ceguera insensible de Mr. Reed, que juzga malvada a Jane Eyre y dulces angelitos a sus traviesos hijos, frente a la sensatez amable de Miss Temple, profesora en Lowood.

Hermanos Reed vs. hermanos Rivers: ya comentamos sus diferencias en "Elementos biográficos".

Mr. Rochester vs Mr. John Rivers: uno, poco agraciado físicamente más el más bello de los mortales para Jane Eyre, de carácter contradictorio, hombre de cabeza dura y corazón blando; el otro, digno de compararse al mismo Apolo en figura, mas fiel soldado de Dios que dedica su corazón a construir el reino y no tiene espacio en él para amores mundanos.

9. La lectura como refugio: como lectoras, no podemos dejar de fijarnos en todo lo que tenga que ver con la lectura. De hecho, en este caso, es esencial para la Jane Eyre niña, que se evade de los malos tratos que sufre en casa de los Reed, especialmente por parte de su primo John, aunque no sólo de niña sino a lo largo de toda la historia podemos encontrar aquí y allá la huella de la importancia que para Jane adquiere la lectura, lo que sin duda es paralelo también a la biografía de su propia autora. ¿Deberíamos haber incluido este punto entre sus elementos biográfico?

10. Identificación con los personajes: ¿Puedes identificarte con los personajes? ¿Emocionarte? : Si. Al menos, sí, en mi caso, ya que me tocó la fibra maleducada, como ya mencioné, en dos ocasiones. ¿Cuáles? Eso me lo voy a guardar para mí...
Concluido nuestro breve análisis y listo para vuestra propia reflexión, os recomendamos que, si no lo habéis hecho todavía, os descarguéis nuestra guía de escritoras victorianas, una buena forma de completar estas pulsaciones maleducadas sobre esta obra maestra de Charlotte Brontë.

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Ya sabéis que no nos gusta reseñar los libros en nuestro maleducado club de lectura sino hacernos preguntas y reflexiones acerca de lo leído, así que, lamentablemente, si todavía no has leído Jane Eyre tal vez sea hora de que lo hagas antes de continuar con nuestro rompecabezas brontiano.

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Recopilación de citas de autores de la época

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Recopilación de citas de autores de la época

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época victoriana prosperidad industrialización extensión del derecho al voto movimientos laboristas burguesía guerra mundial imperio colonial periodo primera economía moral valores social características literatura autores

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La época victoriana es un periodo en la historia de Gran Bretaña en el cual se convirtió en la primera potencia mundial por la prosperidad de su economía industrialización extensión del derecho al voto movimientos laboristas burguesía guerra mundial imperio colonial periodo primera economía moral valores social características literatura autores

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Una vistosa guía para acercarnos a las figuras de las mujeres escritoras más iportantes

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Una sencilla presentación en prezi sobre las escritoras inglesas más relevantes.

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ESCRITORAS VICTORIANAS Jane Austen Es una de las escritoras inglesas más importantes y que mejor ha plasmado en sus obras la época en la que vivió (1775-1817). Se decantó por escribir basándose en su propia experiencia y examinando los valores morales de hombres y mujeres en su día a día.

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Breve vídeo sobre Londres en la época victoriana

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Niños relatan su rutina y condiciones de trabajo. (En inglés

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Imaginary Diary of a Victorian Child Worker

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Un tributo a la infancia y juventud de la reina Victoria del Reino Unido. Película: The Young Victoria (2009) dirigida por Jean-Marc Vallée

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No recomendable para miedosos.

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El Arte de Fotografiar a los MUERTOS ESTAS IMÁGENES PERTENECEN A LA INGLATERRA VICTORIANA... FOTOGRAFIAR A NUESTROS SERES LUEGO DE HABER MUERTO, PARECERÍA BASTANTE MORBOSO HOY EN DÍA... SIN EMBARGO, EN ESA ÉPOCA, ERA UNA FORMA DE HONRAR A LOS YA FALLECIDOS Y TAL VEZ ASÍ, MITIGAR LA PENA CAUSADA POR EL DUELO....

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Vídeo con curiosidades sobre el vestuario

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Vídeo con curiosidades sobre el vestuario

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10 cosas que no sabías sobre la indumentaria victoriana

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La época victoriana está llena de anécdotas y curiosidades que sirven para comprender un poco como vivían en esa época y su peculiar forma de pensar. Apóyame en Patreon: https://www.patreon.com/user?u=8506142

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La mayoría de nosotros conocemos la Era Victoriana a través de las novelas y películas. Sabemos de la rigidez de sus normas sociales, de la pobreza de sus clases más desfavorecidas y conocemos a la reina de Inglaterra que le dio nombre: Victoria. Esta soberana gobernó entre 1837-1901. Durante esa época hubieron avances en muchos campos. Conoce 15 logros de la Era Victoriana que te asombrarán.

15 logros de la Era Victoriana que te asombrarán

1. Durante la época victoriana, la Gran Bretaña se convirtió en un imperio. Pasó a ser el país más poderoso y rico del mundo.

2. La población de la Gran Bretaña pasó de 16 a 37 millones de personas de los cuales, al inicio de esta etapa, sólo vivían en pueblos y ciudades el 20%, al morir la reina, eran el 75%.

3. En el año 1837 se inventó el telégrafo que en su momento fue tan importante como para nosotros pueda serlo Internet.

4. Durante la era Victoriana, Alexander Graham Bell inventó el teléfono y la primera llamada se efectuó en 1876.

5. También durante esa etapa de la historia se inventó la bombilla y la luz eléctrica empezó a iluminar las casas y las calles de pueblos y ciudades.

6. Otro gran invento fue el frigorífico. Empezó su andadura en 1900 y gracias a él se pudieron mantener los alimentos frescos.

7. Acabando ya la Era Victoriana llegaron a las carreteras los automóviles impulsados por gasolina.

8. La medicina también experimentó un gran avance. Los médicos victorianos introdujeron métodos para que la cirugía fuera más fácil y, especialmente, menos dolorosa.

9. Se iniciaron las estancias a orillas del mar como períodos de descanso para escapar de las ciudades. También empezaron a abrirse las agencias de viajes.

10. Muchos deportes se inventaron y popularizaron en esta época.

11. En la última etapa de la vida de la reina Victoria se comercializaron y popularizaron por primera vez los helados.

12. Se publicó en 1859 "El origen de las especies" de Charles Darwin, lo que fue un terremoto social en el que la iglesia se sintió especialmente atacada.

13. A partir de la segunda mitad del siglo XIX la mayoría de las ciudades de Gran Bretaña contaban con una fuerza policial.

14. En ayuda de estas fuerzas policiales acudieron nuevos sistemas facilitados por la ciencia para atrapar a los criminales. Empezaron a utilizarse las huellas dactilares y también las muestras de sangre.

15. Muchas de las tradiciones navideñas nos han llegado de esa etapa de la historia.

La reina Victoria gobernó durante 60 años en los que realmente se contabilizaron numerosos avances técnicos y científicos, sin embargo fue una época especialmente dura para los niños y las mujeres de las clases socialmente más pobres que se vieron obligados a trabajar en condiciones realmente duras.

Si te ha interesado este artículo sobre los logros de la Era Victoriana, quizá quieras saber como ligaban esa época leyendo el post: ¿Cómo ligaban en la época victoriana?

Imagen: Cliff

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15 logros de la Era Victoriana que te asombrarán - Supercurioso

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Desde recolector de sanguijuelas a despertador humano

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Desde recolector de sanguijuelas a despertador humano

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El siglo XIX en Inglaterra fue muy prolífico en descubrimientos, en modas e incluso en los peinados; hasta las profesiones de la Era Victoriana fueron extravagantes, tanto, que te presentamos estas 5, a ver qué te parecen.

5 extrañas profesiones de la Era Victoriana que no sabías que existieron

1. Barrendero de travesías

A ver, suena bastante extraño, pues no se trataba nada más de barrer las calles. Aparentemente, los aristócratas ingleses no soportaban la suciedad de las calles que se les adhería a sus ropas, y para resolver ese problema se creó este puesto de trabajo, que consistía en que una persona, generalmente niños o ancianos, barriera un determinado cruce de calles.

Cada vez que un aristócrata o rico se acercaba, el barrendero debía limpiar la travesía de modo que ningún vestido se ensuciara. Fue un trabajo bastante común entre personas inválidas, pues no requería de ninguna preparación, y el esfuerzo físico era casi nulo. Este barrendero limpiaría el camino por donde los ricos pasaran hasta que éstos llegaran a su "territorio", y entonces recibiría una módica suma -verdaderamente módica, casi mísera-, y a continuación sería sustituido por otro barrendero del vecindario.

Claro que con el tiempo se formaron bandas para resguardar las calles de otros barrenderos rivales; a veces la policía protegía a barrenderos de cruces particularmente lucrativos, para mantener el nivel de ciertas calles.

No a todos los ricos les gustaba la existencia de ese trabajo, pero dada la suciedad de las vías londinenses, esta profesión no desapareció sino a finales del siglo XIX.

2. Recolector de sanguijuelas

Podría parecer una de las profesiones de la Era Victoriana menos glamorosa, y en efecto así era. Durante el siglo XIX, las sanguijuelas eran ampliamente utilizadas por todos los médicos para tratar casi cualquier enfermedad, por lo que se necesitaba una gran cantidad de ellas.

Para ello, el recolector (o recolectora, porque por lo general era una mujer) debía introducirse durante horas en estanques llenos de estos animales, hasta tener las piernas y brazos cubiertos por completo. Muy frecuentemente presentaban heridas por meses y sufrían de pérdida de sangre, y por eso optaban por usar caballos viejos para lo mismo.

Más de 42 millones de Hirudo medicinalis fueron exportadas de Inglaterra a Francia, y a mediados del siglo casi desaparecieron.

3. El come-pecados

Existía en Gran Bretaña una creencia, entre la gente común, de que cuando alguien moría otra persona debía comer sobre el pecho del cadáver para absorber los pecados que hubiese cometido en vida.

Hasta mediados del siglo se pensaba que el come-pecados facilitaba el acceso al cielo al fallecido, y podría evitar que el alma de quien muriera repentinamente quedara vagando por los campos.

Naturalmente, los candidatos para este trabajo eran los mendigos, que no rechazarían un plato de comida caliente, aunque fuera sobre el pecho de un cadáver. Por lo general, cada barrio tenía su propio come-pecados, pero progresivamente fueron estigmatizados, pues también se creía que mientras más hacían su trabajo mayor mal acumulaban dentro de sí. Si bien esta costumbre, que entraría dentro de las profesiones de la Era Victoriana, conceptualmente era una tarea religiosa, no estaba avalada por ninguna iglesia, y al respecto la iglesia anglicana se hizo la vista gorda, y prefirió que esta tradición muriese lentamente y de forma natural.

4. Desenrollador de momias

No es un secreto que la egiptomanía surgió en el siglo XIX en Inglaterra, gracias a las numerosas expediciones hechas por ingleses a Egipto, y gracias a los pocos escrúpulos mostrados hacia culturas distintas.

Se creó una curiosa moda, la de los grandes eventos para desenrollar momias. Para eso, compraban momias antiguas egipcias mientras miles veían cómo eran despojadas lenta y sistemáticamente de sus mortajas.

Thomas Pettigrew fue uno de los que se hizo famoso con este tipo de profesiones de la Era Victoriana; compró y exhibió innumerables momias, y en los shows, mientras desenvolvía las momias, daba conferencias sobre la cultura egipcia. Y si alguien estaba interesado en oler 4.000 años de muerte, pasaba muestras de la venda entre el público.

Los arqueólogos modernos han descubierto que muchas de aquellas momias eran falsificaciones.

5. Despertadores o tocadores de aldaba

En una época en donde aún no existían los despertadores a nivel masivo, la clase trabajadora dependía de los tocadores de aldaba para levantarse temprano y llegar a tiempo al trabajo.

Estos tocadores de aldaba recorrían la ciudad despertando a la gente, y dado que muchos obreros vivían en edificios altos, se valían de largos postes con punta de metal para golpear las ventanas de los dormitorios. Al lado de las ventanas, los clientes colocaban losas de pizarra donde escribían la hora en la que querían ser despertados.

Los tocadores de aldaba no se retiraban hasta que la persona ya estaba despierta, y una que otra vez ocurría que el cliente no estaba en su casa sino en un burdel, y así toda la calle se enteraba. Incluso algunas fábricas llegaron a contratar a estos despertadores personales para asegurar que los obreros llegasen a tiempo, pero una vez que los relojes de alarma se impusieron, la profesión dejó de tener sentido.

Como vemos, el auge de las tecnologías, en cualquier época, ha supuesto la apertura de nuevos campos de trabajo, desde que el ser humano comenzó a fabricar herramientas en el Neolítico hasta el día de hoy, en que internet facilita el trabajo en casa.

Por eso, te recomendamos estos trabajos del futuro que aún no existen, y carreras universitarias supercuriosas.

Imágenes: Rafael Edwards, Sarah, Tom Blackwell, Torbein Rønning, Rafel Miro, Richard Sennett

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5 extrañas profesiones de la era victoriana que no sabías que existieron

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¡Hola Supercurioso! Antes de leer el artículo nos gustaría que conocieras una nueva forma de descubrir nuestro curioso mundo, ¡a través de Youtube! Tenemos un canal del que nos encantaría que formaras parte. ¡Puedes suscribirte y conocerlo aquí -> YouTube Supercurioso!

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La época victoriana abarca desde el año 1837 y el 1901, etapa en la que la Reina Victoria gobernó Gran Bretaña y todo su territorio. El que fuese una mujer la que tuviera el poder máximo, en un inicio no supuso que las mujeres adquirieran ciertos derechos que les pertenecían; aunque es verdad que durante esta etapa comenzaron a iniciarse movimientos sociales que acabaron con la consecución de los derechos para las mujeres igualándose a los hombres.

Derechos de la mujer en la época victoriana

Las mujeres que no requerían trabajar para mantener a la familia, se quedaban en casa haciendo las labores domésticas. Por otro lado, los votos matrimoniales les exigían amar, obedecer y ser fiel a su marido, el hombre de la familia. Cuando las mujeres se casaban perdían sus derechos sobre propiedades, salarios o rendimientos de la tierra. El esposo obtenía todo el poder después del matrimonio controlando toda la anatomía de su mujer, debiendo esta entregarse en función de cómo dictaba su marido, además de no poder poner negativa ante un maltrato físico.

Divorciarse era casi imposible ya que este proceso era muy mal visto socialmente y las causas para pedirlo estaban muy restringidas, teniendo que aguantar un control total, crueldad, violencia sexual, además de las limitaciones económicas.

En lo referente a la educación superior, era muy difícil acceder ya que solamente se permitía acceder a las mujeres que quisieran dedicarse a la enseñanza en la Universidad de Queen. Con el tiempo se abrieron centros educativos para las mujeres en muchas regiones de Gran Bretaña. Casi finalizando la era victoriana, muchas mujeres pudieron empezar a trabajar como vendedoras, cajeras, mecanógrafas o cajeras. En la medicina llegaron a ser obstetras o enfermeras.

Las mujeres de clase trabajadora empezaron a desarrollar sus labores en las minas, los niños también, hasta que se promulgó la Ley de Minas de 1848. También trabajaron en el campo como agricultoras hasta que dejaron el campo y comenzaron a entrar en la industria. En el supuesto de embarazo, la mujer trabajaba hasta que iba a dar a luz y volvían al trabajo en cuanto pudieran estar disponibles. Hasta el año 1891 no se promulgó una ley que obligaba a las mujeres con recién nacidos a que disfrutaran de 4 semanas de descanso en el trabajo. Esto apenas se cumplía porque durante esas "vacaciones" no había remuneración y por el dinero, volvían inmediatamente al trabajo. Para impedir que las mujeres se quedaran embarazadas sin estar casadas, se dictó una ley que las obligaba a mantener al hijo nacido de esa relación.

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Época Victoriana ¿cuáles eran los derechos de la mujer?

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La época victoriana abarca desde el año 1837 y el 1901, etapa en la que la Reina Victoria gobernó Gran Bretaña y todo su territorio.

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Alfred López

A pesar de tener una antigüedad de más de 4.000 años y proceder de China, el té es sin lugar a dudas la bebida más popular en el Reino Unido y el hecho de tomarlo a las cinco de la tarde se ha convertido en una de las costumbres más típicas que tienen los británicos.

Pocas referencias históricas hay respecto al momento preciso en el que se comenzó a poner de moda este ritual, pero la mayor parte de historiadores y fuentes apuntan hacia la persona de Lady Anna María Stanhope, duquesa de Bedford, como la persona que lo puso en práctica con sus amistades de la alta sociedad en plena era victoriana.

Todo parece indicar que un día de la década de 1840, la duquesa despertó de una cabezada que había dado tras el almuerzo y sintió que tenía una sensación de vacío en el estómago. Como su antojo coincidía con una visita a la mansión de Woburn Abbey donde residía, decidió pedir a sus sirvientes que preparasen unas tazas de té acompañadas de pastitas y sándwiches.

La idea le agradó y vio como esa sensación de hambre a media tarde desaparecía, por lo que decidió poner en marcha esta costumbre como rutina habitual. Entre las invitadas que acudieron asiduamente a tomar el té de las cinco en la mansión de Lady Anna se encontraba la mismísima reina Victoria, muy amante de este tipo de costumbres.

Algunos datos indican que al principio el ritual se realizaba a las cuatro de la tarde, pero al llegar el verano y debido al calor de esa hora del día, se decidió retrasarlo sesenta minutos, quedando finalmente establecido como el té de las cinco.

Curiosidad que forma parte del libro "Ya está el listo que todo lo sabe" (Una curiosidad para cada día del año) de Alfred López
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Fuentes de las imágenes: cameronfreeman / French Disko via photopin cc

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Era Victoriana | Ya está el listo que todo lo sabe

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Alfred López A pesar de tener una antigüedad de más de 4.000 años y proceder de China, el té es sin lugar a dudas la bebida más popular en el Reino Unido y el hecho de tomarlo a las cinco de la tarde se ha convertido en una de las costumbres más típicas que tienen los británicos.

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SABÍAS QUÉ…? Algunos de los objetos más comunes que acostumbramos a ver en nuestras playas durante el verano tienen su origen en la Época Victoriana. Ellos inventaron los cubos y las palas pa…

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El lacrimatorio era una pequeña vasija de terracota, alabastro o cristal, normalmente de forma alargada, que se utilizaba para depositar las lágrimas de los dolientes ante el fallecimiento de un ser querido. Esta costumbre ya se practicaba entre los Griegos y Romanos, y solía dejarse el frasco en la tumba del difunto como símbolo de respeto.

Esta costumbre se retomó durante la época victoriana, en el siglo XIX. Los frascos tenían tapones que permitían que las lágrimas se vaporasen, simbolizando así el final del período del luto. Ésta representaba una alternativa a los tradicionales períodos de luto (que duraban varios años en función del fallecido y del grado de parentesco).

Se cuenta también que en las ceremonias funerarias se ofrecía un lacrimatorio a los invitados para que depositaran en él sus lágrimas, aunque ello se reservaba para los más allegados. También fueron especialmente populares durante la Guerra Civil Americana, pues las esposas los enseñaban luego a sus maridos para mostrarlos lo mucho que los habían llorado en su ausencia.

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El lacrimatorio era una pequeña vasija de terracota, alabastro o cristal, normalmente de forma alargada, que se utilizaba para depositar las lágrimas de los dolientes ante el fallecimiento de un ser querido. Esta costumbre ya se practicaba entre los Griegos y Romanos, y solía dejarse el frasco en la tumba del difunto como símbolo de respeto.

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Frisuren, die grosse Mengen des Haars verlangen, waren im Laufe der 1880er Jahre weiterhin modisch, die Hauptmasse wurde in einem großen Knoten auf der Spitze oder zum Rücken des Kopfs angeordnet und mit großen dekorativen Haarnadeln oder dekorativen Kämmen festgehalten. Die allgemeine Wirkung in dieser Zeit war eine der leichten Volumen mit weichen Wellen an den Seiten des Kopfs.

Die letzte „Frisur-Neuheit" erfunden von Herrn J. Lichtenfeld, französischen Friseur an der Oxford Straße bestand aus einer Reihe von Kämmen mit grossen Schnee-Locken. Die Locken, alle aus langem Haar gemacht, wirkten natürlich, leicht und sehr füllig.

Zur gleichen Zeit erfand Marcel Grateau eine spezielle Technik, um dem Haar eine natürlich aussehende Welle zu geben. Entdeckt fast zufällig wurde diese Welle „ Ondulation" oder das „Moire" genannt, später nahm es den Namen seines Schöpfers an. Am Ende 1884 hatte Marcel viele berühmte Kunden und seine Erfindung war der Anfang eines neuen Zeitalters im Haarschneiden.

Zur Mitte des Jahrzehnts wurde der Haar-Knoten äusserst modisch (Abb.297 und Abb. 298). Es wurde in einer Vielfalt von Stilen und Positionen eingeordnet, aber am meisten in ein rundes „Brötchen" oben auf dem Kopf gedreht. Gelegentlich wurde es vorwärts gelegt und mit den Fransen oder losen Wellen vermischt,weil dies dem Still der Hüte und Häubchen passend schien.

Für den Abend wurden Verzierungen, solche wie federartigen Aigretten, Zierband-Bögen und wohldurchdachte Kämme und Nadeln aus Bernsteins geschmückt mit Juwelen so wie aus Stahl oder Email gefertigt.

Die Einfärbung des Haars war weiterhin populär, obwohl Frauen gegen seine Gefahren ständig gewarnt wurden

Literatur: Georgine De Courtais Women's Hats, Headdresses and Hairstyles: Dover Pictorial Archives

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Frisuren, die grosse Mengen des Haars verlangen, waren im Laufe der 1880er Jahre weiterhin modisch, die Hauptmasse wurde in einem großen Knoten auf der Spitze oder zum Rücken des Kopfs angeordnet und mit großen dekorativen Haarnadeln oder dekorativen Kämmen festgehalten. Die allgemeine Wirkung in dieser Zeit war eine der leichten Volumen mit weichen Wellen an...

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dead-men-talking:

Corset damage to a ribcage. 19th century London. Hunterian Collection, Royal College of Surgeons, London via The Chirurgeon's Apprentice.

Yes, plain old cloth and string CAN do this to bone. Corsets also had whale bone in them. Living bone is pliable and adaptable. It's always rebuilding itself. When the right amount of force is placed on it for a long enough time, it will stay that way, particularly if the individual is young.

Cool, huh?

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dead-men-talking: Corset damage to a ribcage. 19th century London. Hunterian Collection, Royal College of Surgeons, London via The Chirurgeon's Apprentice. Yes, plain old cloth and string CAN do this to bone. Corsets also had whale bone in them. Living bone is pliable and adaptable. It's always rebuilding itself.

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Con la mejora de las deplorables condiciones en las que vivían en las ciudades las familias trabajadoras, los sistemas sanitarios y los avances médicos comenzaron a evolucionar provocando cambios revolucionarios en todos campos de la medicina.

Muchos de esos cambios fueron el inicio de la medicina moderna. Los médicos, "physicians", tuvieron que enfrentarse, por la puesta en práctica de las nuevas técnicas, a un sinfín de controversias, muchas de ellas promovidas por la iglesia, que veían en ellas una manera de contrariar la voluntad de Dios y lo que ellos consideraban "la ley natural".

Uno de los pioneros en estos cambios fue el ginecólogo James Simpson.

James Young Simpson fue un doctor escocés que aplicó, por primera vez, el cloroformo como anestesia para los partos especialmente difíciles y dolorosos. De hecho, el descubrimiento del cloroformo como anestésico y sustitutivo del éter fue puramente casual. Se cuenta que Simpson se reunía con otros médicos para probar ellos mismos nuevas sustancias que pudieran tener utilidad en el campo de la medicina. Una noche la sustancia de prueba fue el cloroformo y Simpson observó como sus amigos quedaban inconscientes y no se recuperaban de esa inconsciencia hasta algún tiempo después.

Viendo que esta sustancia era más eficaz como "adormidera" o anestésico que el éter decidió promover su uso en la cirugía y utilizarlo en aquellos partos especialmente dolorosos. Además corrigió el método de administración, ya que él demostró que la administración por medio de una toalla o una esponja empapada en cloroformo, era más efectiva que por inhalación

Aunque el doctor Simpson tuvo seguidores, fueron muchos los doctores que no se fiaban de la nueva sustancia y siguieron usando el éter. Uno de los mayores obstáculos con los que encontró Simpson fue con la religión, que consideraba que el parto y nacimiento implicaban dolor y atenuar ese dolor iba en contra de la voluntad de Dios.

Afortunadamente, poco a poco, las ideas de Simpson fueron encontrando más seguidores que detractores y hoy es considerado como uno de los padres de la anestesia moderna.

William Bowman, médico, anatomista y oftalmólogo británico, fue uno de los investigadores médicos que más han contribuido al avance de la medicina. Sus estudios de los órganos humanos a través del microscopio trajeron descubrimientos revolucionarios a la ciencia médica y quirúrgica. Su primera investigación importante fue el estudio del músculo estriado, aunque uno de sus mayores descubrimientos fue la Cápsula de Bowman, unidad renal donde se realiza el filtrado de las sustancias de excreción. Este hallazgo supuso un gran avance en el tratamiento de las enfermedades renales.

Pero su afán por el estudio de la anatomía por medio del microscopio le llevó a lograr otros avances en el campo de la ciencia: los descubrimientos de la Glándula de Bowman, glándulas olfativas, o, más relacionado con su especialidad oftalmológica, la Membrana de Bowman, una de las cinco capas de la córnea.

William Bowman fue nombrado Caballero del Imperio Británico por la Reina Victoria, por sus contribuciones al desarrollo de la medicina.

Benjamin Brodie fue un cirujano británico cuyas investigaciones se centraron en los estudios de los huesos y las articulaciones, sus dolencias y los posibles tratamientos, todos ellos encaminados al logro del descenso en el número de amputaciones de los miembros, tan común en la época.

La gran repercusión de sus estudios le reportaron el nombramiento de Presidente del Colegio Médico Británico, cargo que aprovechó para difundir la necesidad de trabajar en la investigación médica por encima de otras cuestiones ajenas a la ciencia. Fue nombrado baronet por la Reina Victoria, ya que trató como médico a miembros de la familia real.

William Budd fue un doctor de la época victoriana especializado en epidemiología. Tomando como base los trabajos sobre las epidemias y su difusión de su colega contemporáneo John Snow, Budd estudió como la leche y el agua eran los principales difusores del contagio de enfermedades tan graves como el cólera y el tifus, que causaban auténticas epidemias y miles de muertes al año.

El trabajo de William Budd no sólo supuso un gran avance en la medicina sino que sirvió como revulsivo para que las autoridades se preocuparan más de las condiciones higiénicas de las ciudades en general y del sistema de aguas en particular, como principal difusor de los contagios. En la primera ciudad en la que se llevó a cabo este saneamiento de aguas fue en Bristol.

Joseph Lister, cirujano inglés aprendió los métodos de su oficio y la investigación científica de la mano de su padre Joseph Jackson, uno de los primeros investigadores que usaron el microscopio como principal instrumento de estudio médico.

Una de las principales preocupaciones de Lister como médico cirujano, era el alto porcentaje de muertos a causa de las infecciones producidas por las heridas y por los cortes producidos después de una intervención quirúrgica.

En su trabajo como cirujano en la Royal Glasgow Infirmary desarrolló un método de asepsia y antisepsia mediante el sometimiento del instrumental quirúrgico al calor, como método de desinfección. Después de estudiar las conclusiones de Louis Pasteur sobre los microorganismos bacterianos, llegó a la conclusión de que la mayor parte de las infecciones contraídas en las heridas eran de origen bacteriano, por lo que una perfecta higiene y desinfección tanto del instrumental como de las manos del médico eran fundamentales.

Para erradicar las infecciones probó con increíble éxito el uso del fenol como antiséptico, no sólo para desinfectar los instrumentos de operación, sino para lavar las manos de los cirujanos y para aplicarlo a las heridas abiertas como bactericida. Después del uso habitual de este método en los hospitales, las muertes por infección de heridas disminuyeron en un número muy considerable. Lister fue también el inventor del pulverizador de gas carbólico como método antiséptico.

Los métodos del doctor Lister se aplicaron en las curas e intervenciones médicas a los soldados de la guerra franco prusiana demostrando su utilidad y con ello acallando las críticas que el provocaron sus teorías sobre la antisepsia.

Además el doctor Lister introdujo el catgut como hilo de sutura; este material "confeccionado" con hilos de membrana del intestino del gato demostró ser muy eficaz como hilo para coser las heridas y evitar infecciones, ya que al ser proteico era reabsorbido por el organismo. Lo probó por primera vez en una intervención que le realizó a su hermana y posteriormente se reveló como uno de los mayores avances de la medicina.

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Con la mejora de las deplorables condiciones en las que vivían en las ciudades las familias trabajadoras, los sistemas sanitarios y los avances médicos comenzaron a evolucionar provocando cambios revolucionarios en todos campos de la medicina. Muchos de esos cambios fueron el inicio de la medicina moderna.

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Durante la segunda mitad del s.XIX y principios del XX se puso de moda la ingesta de alcaloides sedantes para el tratamiento casi de cualquier dolencia. No importaba que en realidad sólo valiera como tratamiento paliativo, lo cierto es que la gente se sentía mucho mejor y era lo importante. Teniendo en cuenta que la farmacología moderna estaba en pañales y las curas definitivas a penas existían, el mejor método que podía existir era el colocón.

El empleo médico del opio se remonta al Antiguo Egipto, donde muchos jeroglíficos hablan del extracto de las adormideras y lo recomiendan como analgésico y calmante. Uno de sus empleos reconocidos era evitar que los bebés gritasen fuerte. El opio tebaico aparece mencionado ya por Homero en La Odisea, como algo que "hace olvidar cualquier pena".

Los griegos la cultivaban y utilizaban con fines lúdicos y medicinales: como analgésico, en forma de infusiones o con el opio en bruto para el dolor de muelas, como anti-diarreico, fiebres y para hacer dormir a los niños. Hipócrates es el que le da su nombre actual a la droga, que traduce "opós mekonos": extracto de adormidera. Se recomendaba como tratamiento para la histeria femenina, lo que se consideraba "sofocación uterina".

En la antigua Roma la demanda de opio excedía la oferta, por ello es que se llegaba a adulterar. Los romanos acuñaron monedas con la figura de la adormidera. En su libro Materia médica, que es el tratado farmacológico más influyente de la Antigüedad, se describe el opio como algo que "quita totalmente el dolor, mitiga la tos, refrena los flujos estomacales y se destina a quienes no concilian el sueño".

El desarrollo más significativo en la historia del uso del opio, ocurrió cuando en 1803, el químico alemán F.W. Sertümer logra aislar el alcaloide principal del opio, denominándolo morfina, en relación con Morfeo, en la mitología griega, Morfeo es el dios de los sueños. El medicamento fue comercializado por primera vez por Sertürner en 1817 como un analgésico, y también como tratamiento para la adicción al opio y alcohol. Más tarde se descubrió que la morfina era más adictiva que el alcohol o el opio.

A partir de este descubrimiento, rápidamente sucedieron otros como la codeína en 1832 o la papaverina en 1848. Comienza entonces a difundirse en el mundo médico el uso de los alcaloides puros en reemplazo de los preparados del opio.

En 1883, Heinrich Dreser aisló un opiáceo nuevo gracias a la acetilación del clorhidrato de morfina, con lo cual obtuvo diacetilmorfina, que se empezó a comercializar en 1898 por el laboratorio Bayer con el nombre de "heroína". Se cree que el nombre de "heroína" se deriva de la palabra "heroica".

La heroína se utilizó principalmente para tratar la tuberculosis, tan extendida por aquel entonces, por su capacidad para suprimir el reflejo de la tos, y como sustituto de la morfina pensando que era menos adictiva. Esto se vio facilitado por el hecho de que se creía que la heroína producía menos euforia y desviaciones mínimas en el comportamiento y la inteligencia. A principios del s.XX, la heroína fue vendida como un sustituto de la morfina y de los medicamentos para la tos de los niños. Más tarde se descubrió que la heroína se convertía en morfina al ser absorbida por el hígado. En poco tiempo se demostró que la adicción a la heroína era mucho peor que la de la morfina.

Desde 1920 a 1930 la heroína fue utilizada en algunos países para la terapia de reemplazo en pacientes con adicción a la morfina y la cocaína. Además, en las farmacias alemanas se podía adquirir heroína hasta 1971.

Otro de los alcaloides utilizados para tratar la dependencia a la morfina fue la cocaína. Se obtiene de la hoja de coca, planta que crece en Sudamérica, de la cual existen 200 variedades de las cuales sólo 4 producen dicho alcaloide. La cocaína es un estimulante que funciona mediante la modulación de la dopamina, un neurotransmisor que se encuentra en ciertas zonas y neuronas del cerebro. A principios del s.XX, la cocaína se convirtió en el ingrediente principal en la mayoría de los tónicos y elíxires que se crearon para tratar numerosas enfermedades.

Su historia en Europa se remonta hasta 1750 cuando se introdujeron los primeros arbustos de coca desde Sudamérica. En 1859 se alcanzó por primera vez el aislamiento del alcaloide por Albert Niemann. Hacia 1884 se empezó a usar como anestésico en clínicas en Alemania. Aproximadamente al mismo tiempo Sigmund Freud escribió sobre sus efectos en su obra Über Coca (sobre la coca).

"El efecto psicológico de la Cocainum mur en dosis de 0,05 a 0,10 gramos consiste en la excitación y la euforia retenida, la que no se diferencia mucho de la euforia de las personas sanas. Falta totalmente el sentimiento de alteración que acompaña a la excitación por alcohol, también falta el efecto característico inmediato del alcohol de ansiedad. Se tiene la sensación de incremento del autocontrol, se siente gran vigor y de capacidad de trabajo. Pero si se trabaja se extraña la excelente y elegante excitación e incremento de las fuerzas intelectuales por alcohol, té o café. Se es simplemente normal y se tiene pronto el esfuerzo de creer que se está bajo el efecto de algo."

En 1895, Freud era usuario habitual de cocaína. Durante su adicción, en 1900, publica su obra La interpretación de los sueños.

Durante un tiempo la cocaína fue un símbolo de la medicina moderna y era el ingrediente fundamental de cualquier brebaje que saliera a la venta. La coca y su alcaloide se utilizaban de diversas formas, entre otras, una de sus recetas más populares consistía en mezclarla con vino. Vin Mariani era una bebida que contenía vino y extractos de hoja de coca. Fue creada en 1863 por Angelo Mariani quien la promovía atribuyéndole una gran cantidad de propiedades terapéuticas. La bebida gozó de gran popularidad entre artistas e intelectuales europeos de la época. Algunos afirman que los papas Pío X y León XIII fueron especialmente entusiastas del tónico. La mezcla de alcohol etílico y cocaína que contenía la bebida producía un efecto estimulador del sistema nervioso central similar al de la cocaína sola, pero que se veía potenciado por la generación en el hígado de un tercer compuesto llamado etilencoca, producto de la reacción entre un metabolito de la cocaína y el etanol.

Pero si esta mezcla de vino y coca nos parece algo descabellado, más lo parece la receta original de una famosísima bebida, la Coca-Cola. El farmacéutico John S. Pemberton, en 1886, desarrolló una bebida refrescante para intentar dejar su adicción a la morfina. Consiguió dejar la morfina pero cayó en la adicción de esta bebida hecha de extractos de la hoja de coca. La primera receta del refresco Coca-Cola contenía extractos de hojas de coca. La Coca-Cola llegó a contener 9 miligramos de cocaína por vaso, pero en 1903 se eliminó cuando se descubrió el potencial adictivo de la sustancia, sustituyendo esta por cafeína buscando el mismo efecto. La empresa Coca-Cola no menciona en su historia el empleo de estos extractos. Aún hoy en día Coca-Cola contiene extractos no-alcaloides de hojas de coca.

El láudano es una preparación compuesta por vino blanco, azafrán, clavo, canela y otras sustancias además de opio; usada con fines medicinales en una gran variedad de drogas patentadas durante el siglo XIX. Se usaba comúnmente para reducir cualquier tipo de dolor, desde el dolor provocado por la salida de los dientes en los niños a los típicos dolores producidos por el cáncer y otras enfermedades terminales; para adormecer, para la ansiedad, para el tratamiento de la diarrea y para eliminar la tos en todo tipo de procesos, desde una simple gripe a una tuberculosis.

Su principio más activo es la morfina, pero también incluye cantidades menores de codeína y de narcotina, aunque existía una versión de láudano sin este alcaloide, la narcotina. Paradójicamente, la narcotina no tiene propiedades narcóticas, y sólo provoca molestias estomacales y vómitos.

Al láudano y al opio se les consideraba el medicamento más importante de todos los que existían en la farmacopea de aquella época. Algunos de sus usos no han sido superados por ningún otro fármaco moderno, y sigue estando disponible en varios países, entre ellos España, mediante su elaboración como fórmula magistral, concretamente el láudano de Sydenham. En España se vendía en las boticas al precio de 30 céntimos por gramo, en el año 1925.

Puede que nos escandalicemos con los medicamentos que utilizaban nuestros abuelos, pero ¿ellos sabían lo que estaban tomando? El mayor problema de estos "remedios" era la adicción. Hoy en día también consumimos sustancias adictivas como la cafeína, nicotina y otras drogas que, tal vez, ni siquiera sabemos que estamos consumiendo. Así que cambio la pregunta ¿de verdad era tan nocivas estas sustancias en comparación con las de hoy en día? Lo sabremos dentro de 100 años.

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Durante la segunda mitad del s.XIX y principios del XX se puso de moda la ingesta de alcaloides sedantes para el tratamiento casi de cualquier dolencia. No importaba que en realidad sólo valiera como tratamiento paliativo, lo cierto es que la gente se sentía mucho mejor y era lo importante.

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El láudano y otros "medicamentos" contra las enfermedades de la época

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El láudano (del latín ladanu) es una tintura alcohólica de opio preparada por primera vez por el alquimista Paracelso. Para ser más exactos, es un preparado compuesto por vino blanco, azafrán, clavo, canela y otras sustancias además de opio.

Se usaba comúnmente para reducir cualquier tipo de dolor, desde el dolor provocado por la salida de los dientes en los niños a los típicos dolores producidos por el cáncer y otras enfermedades terminales; para adormecer, para la ansiedad, para el tratamiento de la diarrea (prescripción que aún sigue teniendo en algunos casos) y para eliminar la tos en todo tipo de procesos, desde una simple gripe a una tuberculosis. Su principio más activo es la morfina, aunque también incluye cantidades menores de codeína y de narcotina, aunque existía una versión de láudano sin este alcaloide, la narcotina, que paradójicamente no tiene propiedades narcóticas, y sólo provoca molestias estomacales y vómitos.

El láudano se venía empleando desde el siglo XVI, y algunos autores modernos han sugerido que el uso extendido de éste supuso un grave problema de salud durante el siglo XIX. Sin embargo, el empleo de opiáceos debe ser contextualizado en perspectiva apropiada con otros problemas de salud de la época. Conviene recordar, en este sentido, que la mortalidad producida por el cólera, la malaria y la disentería era altísima, y sin duda el opio contribuyó a combatir esas enfermedades. De hecho, otros autores han asegurado que el fácil acceso y disponibilidad de los opiáceos salvó más vidas que quitó. Al láudano y al opio se les consideraba el medicamento más importante de todos los que existían en la farmacopea. Algunos de sus usos no han sido superados por ningún otro fármaco moderno, y sigue estando disponible en varios países.

Fue Paracelso, médico y alquimista del siglo XVI, el primero en asimilar las prácticas hechiceriles del medievo y utilizar el agua de láudano, de su invención, a base de opio para curar. Prescribió ampliamente el opio como un analgésico a lo largo de sus viajes por toda Europa. Usando su visión comercial, cambió el nombre de la droga por uno que era más atractivo, y lo llamó láudano.

Desde los tiempos de este autor, la mayoría de tratados farmacéuticos de la época incluyen entre sus preparados el láudano, utilizado de muy diversas maneras, pero siempre conteniendo opio. Así, por ejemplo, en un libro denominado "Palestra Pharmaceutica Chimico-Galenica", de D. Félix Palacios en 1706, se describen, para el tratamiento de diversos dolores, preparados, siempre a base de extracto de opio: laudanum opiatum minus, laudano opiato cidoniano, laudano opiato, urinarium, etc. Los llamados polvos de Dover (que contienen hasta un 95% de opio) y la tintura de opio (5 g de extracto de opio diluidos en 95 g de alcohol) fueron bastante populares hasta 1660.

En el siglo XVII, el doctor Sydenham, conocido como el Hipócrates inglés, puso en circulación el láudano de su nombre, del cual llegó a recetar personalmente, según dijo, unos ocho mil litros. El láudano que llevaba su nombre se consideró como un medicamento imprescindible para todo buen médico. Se confeccionaba diluyendo opio en vino de Málaga, con azafrán, polvo de canela y clavo. Tal fue su uso y su popularidad que a las fórmulas preparadas, a pesar de que no contuvieran opio se las denominaba genéricamente, y así aparece en los libros de la época, opiatas.

Láudano de Sydenham
Ingredientes:
Opio de Esmirna: 200 g
Azafrán cortado: 100 g
Canela de Ceilán: 15 g
Clavos de especia: 15 g
Vino de Málaga: 1600 g
Preparación:
Córtese el opio en pedazos pequeños y póngase con otras sustancias en un matraz; macérese por espacio de 15 días, agitando con frecuencia. Cuélese, exprímase fuertemente y fíltrese. Cada gramo de este láudano (33 gotas) contiene 12,5 cg de opio.

Cualquier libro de medicina de la época recoge entre sus fórmulas magistrales diversos preparados a base de opio y así, por ejemplo en un compendio de terapéutica general, materia médica y arte de recetar del Dr. José Alonso y Rodríguez, en el año 1873 (11) se describe detalladamente como se formula el vino de opio o laúdano de Sidenham. 25 gramos de opio, 29 gr. de azafrán, 4 gr. de canela, 4 gr. de clavo de especia y 518 cc. de vino blanco superior: "Redúzcase a polvo grueso las sustancias sólidas; póngase en maceración con el vino por espacio de un mes en una vasija de vidrio tapada, agitándola alguna vez; pásese el líquido por un lienzo con expresión del residuo; échese en un frasco de vidrio; sustráigase por decantación y consérvese en frascos de tapón esmerilado".

En Francia la terapia con opiáceos tuvo su principal representante en el abate Rousseau, un misionero y diplomático favorito de Colbert. El láudano de su nombre contenía un 20% de opio, y alcohol al 60%, con levadura de cerveza. Con opiófagos tan ilustres como Richelieu, Colbert y el propio Luis XIV, "no es extraño que recibiese un doctorado honorífico por la Sorbona como premio a su invento, según parece debido a específicas recomendaciones del Rey Sol" (Antonio Escohotado en Historia general de las drogas).

Láudano de Rousseau
Ingredientes:
Opio de Esmirna: 200 g
Miel: 600 g
Levadura de cerveza fresca: 40 g
Agua caliente: 3000 g
Alcohol de 60º: 200 g
Preparación:
Córtese el opio y disuélvase en agua caliente; añádase la miel, después la levadura de cerveza. Introdúzcase todo en un matraz y expóngase a una temperatura constante de 25 a 30 ºC hasta que la fermentación esté completamente terminada. Fíltrese el líquido y evapórese al baño maría hasta que se reduzca a 600 g y déjese enfriar. Añádale el alcohol y, pasadas 24 h, vuélvase a filtrar. 1 g o 33 gotas de láudano de Rousseau corresponden a 25 centígramos (cg) de opio.

Los poetas y novelistas, incluyendo a Elizabeth Barret Browning y Charles Dickens (y sin olvidar a Arthur Connan Doyle, el creador del mítico Sherlock Holmes) tomaban láudano para curarse de su bloqueo como escritores. Algunos, como Mary Todd Lincoln (la esposa de Abraham Lincoln) lo mezclaban con alcanfor con la finalidad de cometer suicidio. Por fortuna, el farmacéutico sospechó las intenciones de la insigne dama y le dio pastillas de azúcar en lugar de láudano. Como se ha señalado anteriormente, el XIX fue el siglo del laúdano y se hicieron múltiples fórmulas y preparados de este elixir como por ejemplo:

Láudano líquido de Londres

Líquido preparado con opio tebaico, azafrán, aceite de nuez moscada, castóreo y vino.

El elixir paregórico
Era otra mezcla de opio y alcohol. El alcohol alcanforado de 46º empleado por la Stickney & Poor Spice Co., sita en Boston (Massachussetts, EEUU), da una idea por sí solo del poder de esta bebida opiada. Cada onza de elixir PAREGÓRICO contenía 117 mg de opio, equivalentes a casi 12 mg de morfina. Las dosis para bebés (5-8 gotas), niños (25 gotas) y adultos (una cucharadita) venían especificadas en la etiqueta del reverso de la botella (1906).

El Mrs. Winslow's

Jarabe calmante para la dentición de los niños, era una ayuda indispensable para las madres y quienes trabajaban en el cuidado de niños. Contenía 65 mg de morfina por onza y seguramente sosegó durante décadas a bebés y niños inquietos. Probablemente también ayudó a relajarse a más de una madre, después de una jornada agotadora.
El vapor old treatment No. 6,

Era fabricado por la National Vaporizer Co., establecida en Kalamazoo (Michigan, EEUU), a finales del siglo XIX y principios del XX. Era una solución muy volátil, que contenía alcohol de 45º y 3 grs de opio, entre otros ingredientes. Se recomendaba para el asma y se ingería vaporizado, inhalándose de un cazo que se ponía a calentar sobre una pequeña lámpara de keroseno.

Láudano balsámico
Medicamento compuesto de extracto de opio, sulfuro de potasa, extracto de azafrán y de regaliz, ácido benzoico y bálsamo del Perú.

Láudano líquido tartarizado
Líquido compuesto con tintura de sal de tártaro, opio, azafrán, canela, clavos de especia, macías, nuez moscada y áloes.

Más tarde, hubieron láudanos más modernos, como el que fabricaba W. K. Harrison, en Leeds (Inglaterra), pero ninguno alcanzó la fama y reputación que tuvieron los comercializados por Sydenham y Rousseau. En 1925 el primero de ellos se vendía en boticas a 30 céntimos el gramo y el segundo, un poco más caro, a 40 céntimos el gramo. El láudano fue una medicina de "existencia mínima obligatoria" en todas las farmacias españolas hasta el año 1977.

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El láudano (del latín ladanu) es una tintura alcohólica de opio preparada por primera vez por el alquimista Paracelso. Para ser más exactos, es un preparado compuesto por vino blanco, azafrán, clavo, canela y otras sustancias además de opio.

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"Solo hay una cosa que una botella puede contener que te haga olvidar las preocupaciones y la fatiga", rezaba un anuncio publicado en 1907 en el periódico The Atlanta Constitution. La frase no acaba con ninguna mención a una bebida espirituosa de esas que, efectivamente, hacen olvidar las penas a más de uno.

La publicidad corresponde a otro líquido de color más bien oscuro que medio planeta ha tomado alguna vez (inocentemente) para calmar su sed, incluidos musculosos trabajadores de la construcción y osos polares. Si estás pensando en ese brebaje carbonatado al que también se acusa de corroer los dientes, has acertado.

De esta manera se promocionaba Coca-Cola en 1907, como un sirope casi milagroso. El anuncio también incluía un certificado: el departamento de química del South Carolina College había realizado todas las pruebas pertinentes para asegurar que el líquido no contenía ni un microgramo de cocaína. El efecto tonificante estaba causado, según este escrupuloso análisis, solo por cafeína. Menos mal.

Si alguien viera hoy semejante declaración en la etiqueta pensaría que le están tomando el pelo, pero las botellas anteriores a 1904 contenían el químico derivado de las hojas de coca. Desde su lanzamiento en 1886, cada envase guardaba unos nueve miligramos de cocaína que la convertían en una " bebida intelectual". Seguramente, los que probaron el remedio por aquel entonces se olvidaron de las preocupaciones más rápido que los consumidores posteriores, aunque su salud acabara resentida y su 'intelectualidad', perjudicada.

Coca-Cola no era la única que incluía este particular ingrediente en su composición. Si la marca estadounidense anunciaba un "tónico para el cerebro", las pastillas de clorato y cocaína de Gibson suponían la cura casi instantánea de "las irritaciones de la boca, garganta y bronquios". El clorato potásico tiene acción antiséptica. El papel de la cocaína en el alivio de los síntomas está menos claro.

La tendencia, no obstante, estaba extendida entre los fabricantes de medicinas. Otro ejemplo de 'drogopastillas' para la garganta son las de Allenburys. Elaboradas en Reino Unido, existían dos modalidades diferentes: una para los más clásicos, con hidrocloruro de cocaína y diamorfina (podía tomarse hasta un comprimido cada dos horas).

La versión sofisticada era apta solo para los más atrevidos: contenía mentol, eucalipto y cocaína. Con esta última había que tener un poco más de cuidado e ingerir solo una cada cuatro o seis horas, por si a alguien se le subía el mentol a la cabeza.

A Bayer, esa misma que hoy fabrica inofensivas aspirinas, le dio por otra droga: la heroína. En 1898, después de comercializar las primeras, lanzó al mercado un segundo producto, el jarabe de heroína, como un supuesto sustituto de la morfina que carecía de sus molestos efectos sedantes. En España se prescribía como analgésico y antitusivo para niños hasta que, en 1913, la empresa detuvo su venta. Habían descubierto que la sustancia resultaba aún más adictiva que el químico al que prometía suplir.

Mientras los chavales más mayores tomaban heroína y bebían un líquido espumoso con cocaína, los pequeños le daban a la morfina. Cuando lloraban porque les salían los dientes, nada mejor que unas gotitas del 'sirope de la señora Winslow' (alias "el amigo de las madres") para que sus progenitoras pudieran dormir plácidamente toda la noche.

La fórmula, que tenía unos 65 miligramos de sulfato de morfina por cada 30 mililitros, debe su nombre a la señora que la desarrolló, Charlotte N. Winslow. Fue comercializada en 1849 por su hijastro y permaneció en el mercado hasta que la Asociación Médica de Estados Unidos dijo no a esta droga. Madres e hijos tuvieron dulces sueños (y seguro que algunas pesadillas) durante más de 60 años.

Afortunadamente, las sustancias estupefacientes han dejado de aparecer entre los ingredientes de jarabes, siropes y tónicos. Sentimos la decepción: tu refresco favorito hace tiempo que dejó de ser un icono de intelectualidad por la vía narcótica. Es por tu salud.

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Cuando las farmacéuticas vendían droga: anuncios 'vintage' de medicinas que hoy son ilegales

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"Solo hay una cosa que una botella puede contener que te haga olvidar las preocupaciones y la fatiga", rezaba un anuncio publicado en 1907 en el periódico The Atlanta Constitution. La frase no acaba con ninguna mención a una bebida espirituosa de esas que, efectivamente, hacen olvidar las penas a más de uno.

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Significados ocultos y simbología de Alicia en el pais de las maravillas

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Significados ocultos y simbología de Alicia en el pais de las maravillas

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Consumo de drogas, Intoxicación y enfermedades mentales. La verdad tras el cuento.

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Hoy en día se sigue debatiendo si Lewis Carroll plasmó en su obra más famosa síntomas de enfermedades mentales y consumo de alucinógenos

¿Aparecen síntomas de psicopatías y de consumo de drogas en "Alicia en el país de las maravillas" (1865) y "Alicia a través del espejo" (1871), las obras más famosas de Lewis Carroll?

En los años 60 floreció el movimiento hippie en Estados Unidos y desde entonces, se cuestionaron los posibles efectos psicotrópicos que aborda la obra de Carroll. La película producida por Walt Disney, bajo la dirección artística de Mary Blair, se asoció durante unos años a "la cultura de la droga". La cinta, que se proyectaba en las universidades, fue retirada de las facultades porque a la empresa más famosa de dibujos animados no le gustaba que su creación se asociase con los jóvenes hippies.

Charles Lutwidge Dodgson, más conocido por su seudónimo artístico Lewis Carroll, fue un inglés polifacético del siglo XIX; escritor, fotógrafo, matemático, lógico y diácono anglicano. Su salud también fue variada: tartamudo, sordo del oído derecho, tenía artritis y migraña crónica. De pequeño sufrió un trauma infantil porque era zurdo, lo que le obligó a contrarrestar su tendencia natural a utilizar el lado izquierdo. Además se dice, aunque no está demostrado, que en su infancia sufrió abusos sexuales.

Es probable que, para combatir los fuertes dolores de cabeza que sufría Carroll, tomase láudano, un medicamento común de la época compuesto por vino blanco, opio y azafrán. Si se ingería en grandes dosis, producía efectos psicotrópicos. Por las referencias que aparecen en la obra sobre posibles sustancias psicodélicas, se cree que Carroll escribió "Alicia" bajo este brebaje. Y que con su obra intentó describir, a través de sus personajes, los efectos de las drogas alucinógenas.

Desde el primer capítulo se contemplan cambios y transformaciones en el tamaño de Alicia, bien por ingerir dulces, bebidas, o por un trozo de seta que le hace crecer unas cuantas pulgadas. "Un lado te hará crecer y otro menguar", le dijo la oruga a Alicia. Es decir, que el sombreret e le haría aumentar y el talo disminuir. Estas propiedades se describen en ciertos hongos que al comerlos ocasionan alucinaciones relacionadas con el tamaño y las distancias. Por ejemplo con la Amanita Muscaria que produce macropsia o micropsia, un trastorno neurológico, también llamado síndrome de Alicia en el país de las maravillas, que altera la visión de las proporciones de las cosas. Esta enfermedad está relacionada con la migraña pero también con las drogas psicoactivas como el LSD o los hongos.

La Oruga, tumbada en una seta, fuma de su misteriosa narguille (pipa oriental), bosteza, habla a Alicia con voz lánguida y soñolienta. Este insecto puede representar al fumador de opio, ya que, en la época de la sociedad victoriana inglesa, esta sustancia era legal. Uno de los efectos visuales más sorprendentes que la película de Disney ilustró fueron los anillos multicolores que exhalaba la oruga en forma de letras y objetos.

A Carroll le encantaban las niñas, tenía muchas amigas. Se aficionó a conocerlas en los vagones de ferrocarril y en las playas públicas. Llevaba incluso una provisión de imperdibles para sujetarles las faldas, cuando querían andar con los pies metidos en el agua. Consideraba que el cuerpo de las niñas era lo más bello, por eso, pintaba o fotografiaba a muchas de sus amigas desnudas, con el permiso de la madre. "Si tuviese que dibujar o fotografiar a la niña más preciosa del mundo", escribió, "y notase en ella una pudorosa resistencia a quedarse desnuda, consideraría solemne deber para con Dios renunciar por completo a semejante petición".

Para que estos retratos desnudos no crearan complicaciones más tarde a las niñas, dipuso que, a su muerte, fueran destruidos o devueltos a las jóvenes o a sus padres. Al parecer, no ha sobrevivido ninguno.

Cuando Carroll conoció a Alicia Liddell, la niña en la que se inspiró para crear su obra, sintió algo distinto. "He tenido docenas de amiguitas desde tus tiempos", le escribió el inglés "pero han sido algo completamente distinto".

Se ha discutido mucho sobre si Carroll estaba enamorado de Alicia Liddell o no. Aunque no hay ninguna prueba que demuestre que quería casarse con ella o hacerle el amor, su actitud era la de un enamorado. Lo que se sabe es que la señora Liddell notó algo fuera de lo normal, tomó medidas para desalentar el interés de Carroll, y más tarde quemó todas sus primeras cartas a Alicia, cuenta Martin Gardner en la introducción de "Alicia Anotada".

Carroll era tartamudo y cuando pronunciaba su apellido decía "Do-Do-Dodgson". El Dodo, este ave extinta que aparece en "Alicia en el país de las maravillas", es la caricatura del propio autor. Se dice que las otras aves que están con el dodo son las hermanas de Alice Liddell: el loro es Lorina Charlotte, la hermana mayor; el aguilucho la pequeña Edith; y el pato el reverendo Robinson Duckworth. Carroll, en la obra, les representa en la expedición que hacen para secarse de la humedad del mar en el que se habían sumergido por las lágrimas de Alicia. El autor se inspiró en un viaje que hicieron los cinco, en el que recorrieron ocho kilómetros de río, desde el Puente Folly, cerca de Oxford hasta Godstow.

El Conejo Blanco es el segundo personaje que aparece en el primer capítulo de "Alicia en el país de las maravillas". Se caracteriza porque lleva un reloj de bolsillo en la mano, siempre lleva prisa, y va vestido con chaqueta y chaleco. La rapidez de este pequeño mamífero se ha convertido en una metáfora popular, "seguir al Conejo Blanco", que significa seguir algo o alguien ciegamente, y cuya persecución desenlaza en aventuras.

El Conejo Blanco es el título de una canción, "White Rabbit" , del grupo Jefferson Airplane, banda pionera a finales de los 60 del movimiento rock psicodélico influenciado por el LSD. Este tema, con similitudes en los acordes del comienzo del Bolero de Ravel, fue inspirado por esta droga conocida por sus efectos psicológicos, como las alucinaciones, la sinestesia (varias sensaciones de diferentes sentidos en una misma percepción) o la distorsión del tiempo. La canción incluye varios personajes de la historia de Carroll como el conejo blanco, la oruga que fuma, la Reina de Corazones, y los cambios de tamaño por los dulces o las setas.

A mediados del siglo XIX los fabricantes de sombreros estaban todos desquiciados porque en su trabajo utilizaban mercurio, uno de los elementos más tóxicos. Los sombreros se hacían con dos materiales, o con piel de castor, para la gama alta, o de conejo, para los más baratos. Éstos precisaban de un proceso químico para convertirlos en sombrero. Primero se trataban con nitrato de mercurio para alisar el material y darles un tono mate, y después se sumergían en ácido hirviendo para endurecerlos. Los trabajadores estaban en talleres mal acondicionados, sin ventilación, respiraban constantemente vapores tóxicos . De hecho, existe la expresión inglesa, "loco como un sombrerero", que resume este síndrome.

Los síntomas por intoxicación con metales pesados son irritabilidad, hiperactividad, labilidad emocional, timidez y pérdida de memoria. Sin embargo, el Sombrerero Loco de Carroll no presentaba ninguno de ellos; era divertido y estaba obsesionado con el paso del tiempo.

Carroll, para crear a este personaje, se inspiró en Teophilus Carter, un vecino suyo de Oxford que vendía muebles al que llamaban "Sombrerero loco" porque era proclive a las ideas excéntricas y siempre llevaba un sombrero de copa.

Dodgson representó a Humpty Dumpty -conocido personaje de una canción infantil inglesa que aparece en "Alicia a través del espejo"- , en forma de huevo. Este personaje discute con Alicia sobre el significado lógico de las palabras del "Jabberwocky", un poema absurdo, escrito por el autor británico, considerado como la mejor poesía sin sentido. Esta es la primer estrofa:

Era la parrillhora y los flexiosos tovos

en el cesplejos giroscopiaban, vibrhoradaban.

Frivoserables estaban los borogovos

y los verchinos telehogariados relinchiflaban.

Pero a los neurólogos de la revista "Neurol Neurosurg" lo que les llamó la atención de Humpty Dumpty fue su incapacidad de reconocer caras conocidas, un trastorno cerebral en la percepción del rostro denominado prosopagnosia.

-Si nos volviéramos a ver no te reconocería -replicó Humpty Dumpty en tono malhumorado, dándole a estrechar un dedo-; eres exactamente igual que los demás.

-Hay que fijarse en la cara, por lo general -comentó Alicia en tono pensativo.

-De eso es precisamente de lo que me quejo -dijo Humpty Dumpty-. Tienes la cara exactamente igual que todos los demás: los dos ojos ahí...-señalando su lugar en el aire, con el pulgar-, la nariz en medio, y la boca debajo. Siempre igual. En cambio, si tuvieses los ojos al mismo lado de la nariz, por ejemplo, o la boca en la parte de arriba, eso sí que me serviría de ayuda.

"Pero la vida es observada racionalmente y sin ilusión, parece un disparate contada por un matemático idiota", expresó Martin Gardner en "Alicia Anotada". Lo mejor será que nos dejemos llevar por la lectura sin pararnos a pensar el significado lógico de cada capítulo.

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Drogas y psicopatías en "El País de las Maravillas"

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Hoy en día se sigue debatiendo si Lewis Carroll plasmó en su obra más famosa síntomas de enfermedades mentales y consumo de alucinógenos ¿Aparecen síntomas de psicopatías y de consumo de drogas en "Alicia en el país de las maravillas" (1865) y "Alicia a través del espejo" (1871), las obras más famosas de Lewis Carroll?

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12 curiosidades sobre la época victoriana

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12 curiosidades sobre la época victoriana

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12 CURIOSIDADES DE LA ÉPOCA VICTORIANA

La Época Victoriana fue el boom de la revolución industrial en el Reino Unido. Comprende el reinado de la monarca que más tiempo ha estado en el trono de este país: La Reina Victoria, desde 1837 a 1901.

¡¡Toda una era increiblemente intensa en la que Reino Unido pasó de ser esencialmente rural a ser el país más industrializado y más avanzado del momento!! ¿Quieres saber más?

1. publica Charles Darwin El origen de las especies en 1859, que produjo grandes dudas religiosas y filosóficas.

2. . No tenían derecho al sufragio, pero ganaron el Derechos de la mujer derecho a la propiedad después del matrimonio, el derecho al divorcio y el derecho a pelear por la custodia de sus hijos si se separaban.

3. Fue una sociedad extremadamente "puritana", haciendo que la "doble moral" fuese algo muy normal: Se inventó el primer preservativo de látex, aún cuando se suponía que las relaciones sexuales debían mantenerse con fines reproductivos. Y la prostitución estaba a la orden del día,naciendo en esta época el asesino más famoso de todos los tiempos, Jack el Destripador, que mutiló y asesinó a varias prostitutas en Londres.

4. La revolución industrial hizo que el trabajo infantil fuese legal para trabajos como la minería o la industria textil, con numerosas muertes por hacer trabajar a los niños debajo de máquinas en marcha, si la producción descendía, incluso eran azotados.

5. En la botica real se distribuía libremente el opio a los cortesanos, la mismísima reina Victoria lo consumía en goma de mascar con cocaína. El opio era libremente consumido como "droga social".

6. En el Palacio de Cristal en Londres tuvo lugar la primera Exposición Universal en 1851 (la Gran Exposición), tuvo un gran éxito y proyección internacional.

7. Entretenimientos y curiosidades victorianas:

Los victorianos tenían un gran espíritu aventurero, seguían con gran interés las aventuras de Livingstone y Stanley por tierras africanas.

En 1840 aproximadamente nació el té a las 5 de la tarde, la duquesa de Bedford, se sintió con el estómago vacío después de despertarse de la siesta. Entonces pidió que le sirvieran unas tazas de té acompañadas de pastitas y sándwiches. Al ver que la sensación de hambre desaparecía, decidió hacerlo habitualmente.

Peleas de animales, hipnosis, comunicación con los muertos, la invocación de fantasmas y espíritus.

Esta nueva sociedad inglesa tan abocada al trabajo, a la moral y a las buenas costumbres aparentemente, inventa el juego: juegos de casino y de salón.

Los deportes de campo, como el fútbol, el rugby, el cricket y el tenis ya se conocían, pero es sin duda en esta época la que los pone de moda en todo el mundo.

Fue entonces, en 1841, cuando Thomas Cook creó la compañía de viajes que lleva su nombre. Siendo uno de los pioneros en el negocio del turismo tal y como lo conocemos hoy.

8. Comer queso y cebolla era de mala educación. Si eras mujer no podías por ley comer chocolate en el metro.

9. Algunos de los objetos más comunes de la playa se inventaron: los cubos y las palas para jugar en la arena, las tumbonas y hasta el primer helado de cucurucho.

10. Decir pierna o pantalones o sonarse las narices en público eran faltas de educación . Además no podías tocar al género contrario, a no ser que fuese de tu familia.

11. Cuando las mujeres tenían el se les consideraba enfermas y se les obligaba a permanecer en cama.

12. Se pensaba que los lactantes absorbían el carácter moral de quién le daba de mamar. Si la madre no podía amamantar a su hijo, elegían cuidadosamente a la nodriza, ya que los padres creían que si la nodriza era tonta o una borracha, sus hijos lo serían también.

Reina Victoria tomando el sol

En resumen, una época inolvidable que nos dejó: literatura, personajes, costumbres y que marcó profundamente la sociedad en que vivimos. Una era fascinante que merece la pena revivir y conocer.

Si quieres vivir una experiencia inolvidable paseando por las calles victorianas de la época de Jack el Destripador, reserva nuestro tour aquí.

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La Época Victoriana fue el boom de la revolución industrial en el Reino Unido. Comprende el reinado de la monarca que más tiempo ha estado en el trono de este país: La Reina Victoria, desde 1837 a 1901.

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La época victoriana en Sobrehistoria.com

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La época victoriana en Sobrehistoria.com

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Información de varios aspectos de la vida en la época victoriana con material audiovisual.

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Llamamos Era Victoriana, o Época Victoriana, al periodo de prácticamente un siglo en el que el Gran Bretaña pasó de ser un país dedicado a la agricultura a un país totalmente industrializado. Es la era de la Revolución Industrial, el ferrocarril, las revoluciones sociales, etc. Todo un siglo dedicado a una reina, en un país que evolucionaba a distintos ritmos. A continuación conoceremos:

La Era Victoriana | Situación

El Imperio Británico vivió la época de máximo esplendor a mediados del siglo XIX. Cuando la Reina Victoria I subió al trono, Inglaterra mantenía una economía agraria y rural; cuando la reina murió, dejó un país evolucionado, con ferrocarril, industria y una nueva clase social que, a partir de ese momento, tendría un papel muy importante.

En la Era Victoriana Gran Bretaña se convierte en la primera potencia mundial, su economía prospera y con ellas sus ansias imperialistas, culminadas cuando la Reina Victoria es proclamada Emperatriz de la India, como última colonia anexada al Imperio. Gran Bretaña contaba con una gran flota y se había hecho dueña del comercio marítimo y preparada para la gran revolución industrial.
Victoria I reinó durante un largo período de tiempo, iniciando su reinado cuando sólo contaba con 18 años tras la muerte de su tío paterno, el Rey Guillermo IV, el 20 de junio de 1837. No abandonó el trono hasta su muerte, a los 63 años de edad, en el año 1901.

La reina Victoria siempre intentó proteger los intereses cosmopolitas de la época y quiso estrechar relaciones internacionales entre las distintas casas monárquicas europeas, casando a sus hijos con herederos y herederas de las distintas casas monárquicas de la vieja Europa. Una reina con grandes influencias germánicas y también casada con un germano, el Príncipe Alberto. Su primera hija, Victoria se convertiría más tarde en la esposa de Federico III, Kaiser de la Alemania Imperial.

Durante gran parte del siglo XIX, la libra esterlina británica fue la moneda corriente dentro de los mercados mundiales, la flota británica la autoridad máxima en ultramar, las humeantes fábricas y las incontables vías del ferrocarril fueron el ejemplo a seguir para todas las demás potencias que imitaron la Revolución Industrial británica.

El cambio en el modo de producción (antes con campesinos y artesanos como actores, ahora con obreros en las fábricas), pronto revolucionó la sociedad y la economía de todo el mundo, llevándolo a la Era Industrial. Mientras el desarrollo del ferrocarril y otras industrias catalizaban el nuevo tipo de producción capitalista, la reina Victoria gobernó su reino audazmente, influenciando al mundo entero.

La Era Victoriana | La Política

Es un periodo de consolidación económica, las colonias y su sistema colonial proporcionará las materias primas necesarias para el éxito de la revolución industrial.

Un siglo en el que Gran Bretaña necesitaba estabilidad y la conseguía mediante distintos conflictos y guerras como la de Crimea, guerras que se incrementaron con la llegada de las nuevas políticas de carácter imperialistas que pusieron en pie de guerra a las distintas colonias y que terminaría desembocando en las Guerras de los Bóer.

Los partidos que componían la Cámara de los Comunes eran los Whig y los Tory, es en esta época cuando los Whig, cambian convirtiéndose en los Liberales.

Algunas de las reformas importantes que llevaron a cabo los primeros ministros durante esta Era fueron:

Impuesto a aquellos que tuvieran las rentas altas (más de 150 libras anuales) y se estableció las bases para que pudiera crearse una política liberal de comercio.

Derecho de sufragio universal tanto a la pequeña burguesía como a los obreros. Igualdad de derechos entre patrones y obreros.

Voto secreto en el año 1872. En el año 1884 el derecho al sufragio llegó a los propietarios rurales y al campo.

Comienzan a fundarse distintas sociedades de intelectuales, algunos como la Sociedad Fabiana cuyo objetivo era promover el movimiento socialista, persona importantes como Friedrich Hayek, George Bernard Shaw y H.G. Wells, fueron socios activos de esta sociedad. Movimientos que tuvieron su máxima representación cuando en 1887, miles de personas del ámbito socialista, desempleados y obreros mal pagados se manifestaron en contra del Gobierno en Trafalgar Square, saldándose con cientos de heridos y dos muertos, este domingo de noviembre pasaría a la historia como el Domingo Sangriento.

La Era Victoriana | Economía

La creación de nuevas fábricas supuso también un empujón en la industria siderúrgica, las explotaciones coloniales comenzaban a ser mas rentables que nunca. La revolución de los transportes con la aparición del ferrocarril y del barco a vapor, hacen necesaria la creación de una industria más pesada, una industria creada para el hierro, el acero y el carbón.

Otro nuevo comercio comienza a dar sus frutos, el comercio del carbón, necesario para la nueva industria del vapor. Gran Bretaña se convertirá en el principal exportador.

La Era Victoriana | La Sociedad

Hegemonía del Imperio Británico a nivel internacional y la creciente popularidad de la monarquía como un símbolo de unidad nacional. Los estamentos estaban claramente diferenciados:

La Nobleza

Alta burguesía

Clase Media

Obreros/trabajadores

Frente a una alta sociedad que nunca había desaparecido, llena de nobles y de grandes propiedades, aparece la alta burguesía, una clase que originariamente eran comerciantes y que con la revolución industrial, se habían convertido en los nuevos ricos, que nunca podrían optar a clases sociales más altas pero que eran los que realmente manejaban la economía.

Por último la clase de los obreros y trabajadores, siempre a merced de la disponibilidad de un jornal para poder vivir, es la clase más baja, los parias de la sociedad. Tendrán un papel importante dentro de las revoluciones sociales de la época, gracias a la posterior aparición de los sindicatos, que lucharía para mejorar las condiciones de estas clases más desfavorecidas.

La Era Victoriana | La Mujer

La Era Victoriana - La Mujer en el Trabajo

Pocos trabajos había para las mujeres, ya que se les consideraba que estaban hechas para cuidar de la casa, de la familia y que debían estar cuidándose personalmente, siempre, para estar ideales consigo mismas y sus maridos. Pero entre la clase media baja, las mujeres debían encontrar un trabajo, porque el salario de su marido era más bien bajo.

El trabajo para los que se las solicitaba era en su mayoría como sirvienta y tenía que estar bajo el techo de sus jefes, además de cobrar muy poco. Si no eran sirvientas, eran enfermeras, trabajaban el algodón o comerciantes, trabajos que sólo se les encargaba a ellas. Con el paso del tiempo, las mujeres comenzaron a aspirar otros trabajos y se convirtieron en maestras y cuando apareció en 1876 el teléfono, se crearon puestos en una centralita, para las llamadas, que llevaban ellas.

Por desgracia, las mujeres con menos formación o analfabetas, tenían que dedicarse la prostitución, que se exponían a problemas, porque se negaban a las reformas de la era.

La Era Victoriana - La Mujer Casada

Era el objetivo principal por el que se les educaba. Desde pequeñas se les enseñaba a ser calladas, inocentes y delicadas, casi indefensas, para que el hombre se sintiese grande y protector. Pero aun así, tenían que mostrar gran inteligencia y gracia, para que también el marido, pudiese presumir de ellas. En cuanto al patrimonio. Todo lo que fuera de ella, acababa siendo de él, en el momento en que se casaran, pero gracias a la ley de propiedad de 1887, se le garantizó la ley propiedad, de manera que en el caso de divorcio (que eran muy pocos), ella seguiría teniendo derecho sobre sus hijos y sobre sus posesiones.

La Era Victoriana - Literatura

Llega el realismo. Se buscaba la perfección estilística a través de lo concreto y el orden de la obra, lejos de la motivación romántica donde la emoción y el sentir primaban.

La novela vivió una época de gran esplendor y las mujeres novelistas florecieron a grandes pasos,donde destacaremos a Jane Austen.

Otros autores importantísimos de la literatura victoriana son: Oscar Wilde, Samuel Butler, George Meredith, Walter Pater, Robert Louis Stevenson, Arthur Conan Doyle ​, William Wilkie Collins, Bram Stoker.

Vídeo de la Era Victoriana

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Llamamos Era Victoriana, o Época Victoriana, al periodo de prácticamente un siglo en el que el Gran Bretaña pasó de ser un país dedicado a la agricultura En Sobrehistoria vamos a informarte todo lo que necesitas saber todo acerca de la época de la Era Victoriana

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Ada Lovelace imaginó en el siglo XIX lo que estamos viviendo en el XXI.

Se la considera una modelo ejemplar de una mujer en el mundo de la tecnología.

En un artículo publicado en 1843, habló de un mundo en el que máquinas programables serían esenciales para el progreso de la ciencia e, incluso, podrían servir para crear arte y música.

Pero las opiniones difieren en torno a si Ada Lovelace fue la primera visionaria tecnológica o, como algunos críticos creen ahora, si su contribución a la ciencia de sistemas computarizados está sobrevaluada.
Lea: Cuando el software se escribía con lápiz y papel
Mucha de la correspondencia de Ada Lovelace se encuentra archivada en la Biblioteca Bodleian de Oxford y el contenido revela la imagen de una mujer apasionada, ambiciosa pero también imperfecta.

Es cierto que, a veces, Ada manifestaba un sentido exagerado de su propio destino. Muchas de sus cartas son largas, personalmente obsesivas y un poco extravagantes. Queda claro que atravesó varios episodios maníacos.

Pasión por las matemáticas

A pesar de, o quizás debido a, sus constantes batallas contra su estado mental y físico, Ada desarrolló un interés inicial por las matemáticas.

Después, concentró su atención en las máquinas del pionero de la computación Charles Babbage, a quien siguió con gran pasión y dedicación.
De muchas maneras, Ada Lovelace, mujer de la época victoriana del Siglo XIX, anticipó nuestra era digital.
Fue un extraordinario salto de la imaginación. Quizás no muy sorprendente, teniendo en cuenta que era la hija abandonada del poeta romántico Lord Byron.

La madre soltera de Ada, Lady Byron, la sometió a un estricto régimen de estudios morales y matemáticos desde temprana edad, con la esperanza de que contrarrestaran cualquier peligrosa tendencia "poética" que pudo haber heredado de su afamado y polémico padre.

"Más matemáticas" era la receta que usualmente se le formulaba cuando atravesaba períodos de inestabilidad mental.

Aun así, Ada ahondó en su pasión por las matemáticas.

A los 26 años, casada y con tres hijos pequeños, se inscribió en un curso de matemáticas por correspondencia.

Las cartas que intercambió con su distinguido tutor revelan que estaba trabajando a un nivel de estudiante de primer año de universidad destacada.

Se puede decir que Ada Lovelace era una buena, mas no brillante, matemática.

El hombre que cambió su vida

A los 17 años, había conocido a Charles Babbage y una de sus innovadoras máquinas calculadoras, la Máquina Diferencial, durante una fiesta en el salón del ingeniero en Londres.

Babbage cambió la vida de Ada, aunque no de la manera en la que la mayoría de las jóvenes debutantes del Siglo XIX se hubieran imaginado.

Años más tarde, Ada le hizo una propuesta atrevida a Babbage. Se ofreció a trabajar como su asistente.

Fue una movida agresiva, especialmente dadas las rígidas convenciones que dominaban el mundo victoriano de la época. Pero la respuesta fue positiva.

Babbage se encontraba trabajando en el diseño de una nueva máquina, que llamó la Máquina Analítica.

Contrario a la Máquina Diferencial, que solo podía sumar, la Máquina Analítica funcionaba más como una computadora moderna y podía ser programada para desempeñar casi cualquier secuencia de pasos lógicos.

La única descripción publicada de la Máquina Analítica estaba en un artículo en francés, escrita por el ingeniero italiano Luigi Menabrea.

Ada tradujo el artículo para publicación en una revista británica y Babbage la exhortó a que añadiera una serie de notas que describieran mejor la función completa de la máquina.

Trabajó arduamente en las notas, que terminaron siendo el doble de largas que el artículo original.

Babbage, un destacado matemático e inventor, quedó impresionado.
Las notas de Ada sobre la máquina de Babbage incluyen declaraciones visionarias sobre los potenciales y las limitaciones del aparato. Lea: Cómo se creó la primera computadora electrónica del mundo
"La Máquina Analítica no pretende originar nada en absoluto. Puede realizar cualquier cosa que le ordenemos hacer... Pero probablemente ejerza una influencia indirecta y recíproca sobre la ciencia misma".

Las notas también incluyen tablas que indican la secuencia de operaciones que la máquina tendría que hacer para encontrar la solución de un problema algebraico, como la de una secuencia conocida como los números de Bernouilli.

Programadora y visionaria

Es por esto que algunos autores contemporáneos han llamado a Ada "la primera programadora del mundo" aunque, estrictamente hablando, esas tablas no son programas de computación.

Sin embargo, ella parece haber entendido el significado de las máquinas de Babbage mejor que él.
Algunos críticos alegan que la reputación de Ada se debe al genio de Babbage y no al de ella.
Ciertamente los dos fueron cercanos colaboradores. Una serie de tensas cartas se cruzaron entre los dos en el ajetreo de publicar las notas.

En una ocasión, Ada acusó a Babbage de dejar extraviada una de las notas en la impresora.

Pero no hay razón para dudar que Ada Lovelace fuera la propia autora las notas.
Tal vez su mayor talento está en la manera en que combinó su conocimiento matemático con una vívida y "poética" imaginación.
No fue la precursora de los codificadores y hackers de hoy en día, pero sí la pionera de los visionarios que se imaginan cómo la siguiente generación tecnológica cambiará el mundo.

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Ada Lovelace: la mujer de la época victoriana que se imaginó nuestra era digital

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Ada Lovelace imaginó en el siglo XIX lo que estamos viviendo en el XXI. Se la considera una modelo ejemplar de una mujer en el mundo de la tecnología. En un artículo publicado en 1843, habló de un mundo en el que máquinas programables serían esenciales para el progreso de la ciencia e, incluso, podrían servir para crear arte y música.

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Charles Babagge y los comienzos de la informática

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Charles Babagge y los comienzos de la informática

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Me pierde la estética y la mecánica victoriana, esos ingenios que se mueven gracias a levas, poleas, ruedas dentadas, palancas, fulcros, cadenas, cinturones de cuero, tornos, engranajes, relés, correas, bielas, pistones, remaches de acero, válvulas, reguladores, hélices y miles de piezas móviles. Y mucho, mucho vapor. Si habéis visto Steamboy o La liga de los hombres extraordinarios, sabréis a qué me refiero.

Así que hoy echar un vistazo sobre una máquina que no logró construirse en su época, ideada por Charles Babbage, el considerado el padre de la informática moderna. Estamos hablando de un ingenio de nada menos que de 1822.

El invento de marras fue la máquina diferencial, diseñado para tabular funciones polinómicas, que son imprescindibles para el desarrollo de las tablas trigonométricas esenciales para navegar. No se pudo construir, entre otras cosas, porque pesaba 15 toneladas y tenía más de 25.000 piezas mecánicas. Babbage comenzó la construcción de su máquina, pero ésta nunca fue terminada. Dos cosas fueron mal. Una era que la fricción y engranajes internos disponibles no eran lo bastante buenos para que los modelos fueran terminados, siendo también las vibraciones un problema constante. La otra fue que Babbage cambiaba incesantemente el diseño de la máquina.

El gobierno británico financió inicialmente el proyecto, pero retiró el financiamiento cuando Babbage repetidamente solicitó más dinero mientras que no hacía ningún progreso aparente en la construcción de la máquina. Con todo, de haberse construido en su época, hubiese sido la calculadora mecánica más avanzada del mundo, tanto por su rapidez como su fiabilidad.

En el centenario de su muerte, sin embargo, el London Science Museum la construyó siguiendo los planos de Babbage. La máquina consiguió dar resultados exactos con 33 dígitos en cuestión de segundos. Resulta sin duda emocionante comprobar que el diseño de alguien podría haber revolucionado el mundo de haberse podido plasmar en su época. Resulta emocionante comprobar cómo una persona puede adelantarse tanto a su época. Y, sobre todo, resulta emocionante transportar del pasado una tecnología que pudo haber existido pero no lo hizo, algo así como plasmar un universo alternativo, a lo Wild Wild West.

La reconstrucción de la Máquina Diferencial No.2 ha estado operativa desde 1991.

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Tecnología victoriana: la máquina diferencial de Babagge construida en la actualidad

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Me pierde la estética y la mecánica victoriana, esos ingenios que se mueven gracias a levas, poleas, ruedas dentadas, palancas, fulcros, cadenas, cinturones de cuero, tornos, engranajes, relés, correas, bielas, pistones, remaches de acero, válvulas, reguladores, hélices y miles de piezas móviles. Y mucho, mucho vapor.

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Un blog sobre todo tipo de información sobre la época

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¡Bienvenido febrero! El cuadro que ilustra nuestro mes de febrero es una preciosidad titulada A Summer Beauty, perteneciente a la escuela pictórica inglesa del siglo XIX y cuyo autor es anónimo. Podéis descargarlo en la... Más

Este año os iremos ofreciendo un calendario mensual, ilustrado con los mejores cuadros de la época victoriana. Podéis descargarlo en la opción "guardar foto" del botón derecho del ratón, después de "pinchar" en la imagen.... Más

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¡Bienvenido febrero! El cuadro que ilustra nuestro mes de febrero es una preciosidad titulada A Summer Beauty, perteneciente a la escuela pictórica inglesa del siglo XIX y cuyo autor es anónimo. Podéis descargarlo en la... Más Este año os iremos ofreciendo un calendario mensual, ilustrado con los mejores cuadros de la época victoriana.

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