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Bioplastic Cook Book by anastasia pistofidou - Issuu

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Bioplastic Cook Book

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Our second open source book on Bioplastics, this time the bioplastic cook book gives everyone tips and recipes to make their own bioplastics! The book contains a flyer to print for labeling your bioplastic and creating your material archive. Book written by Margaret Dunne during her internship at Fab Textiles June-July 2018

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Our second open source book on Bioplastics, this time the bioplastic cook book gives everyone tips and recipes to make their own bioplastics! The book contains a flyer to print for labeling your bioplastic and creating your material archive.

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Julio Laja Chichicaxtle | Manteles Bordados Otomí Hechos A Mano - IFAM Artist Stories (ifamstories.org)

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Julio Laja Chichicaxtle | Manteles Bordados Otomí Hechos A Mano

At ten years old, Julio Laja Chichicaxtle's grandmother introduced him to Otomí embroidery, an artistic tradition with an ancient history from the Otomí people of Mexico's Central Plateau. The style features brightly colored, often symmetrically arranged patterned elements rendered in densely embroidered thread, typically on a white or off-white background. "When I was little," says Chichicaxtle, who was born and raised in Puebla, "I knew this type of craftsmanship was going to influence my life in the future, because it has always been what I have known." His first project was a mantele, a type of embroidered tablecloth. Over time Chichicaxtle honed his skills, and turned his creative pursuits into a business. When he married, his wife joined him in designing and embroidering textiles. Today, his children are learning the family tradition. "In the future, my family will have knowledge of this work; my daughter is learning to work it," he says.

The family's business, Manteles Bordados Otomí Hechos A Mano, creates textiles embroidered with complex and ornate designs featuring natural elements such as animals, flowers, the moon and sun, as well as geometric symbols and motifs. Sometimes these are actualized in ecstatic, vivid rainbow-hues across a single mantele or blouse, while in other cases, a single color of sunshine yellow or turquoise is the only hue. The base of these works is high-quality 100% cotton, purchased from various regional purveyors. The embroidery thread is also cotton. Chichicaxtle uses a tool called a drum, whose wood or plastic base helps steady the fabric and allows the embroidery needle to pass through more easily.

Chichicaxtle produces a range of both functional and decorative items, including bed coverings, wall décor, and placemats. In producing consistently high-quality textiles which incorporate traditional techniques, Julio Laja Chichicaxtle has ensured that his work and his reputation will endure for years to come.

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Julio Laja Chichicaxtle | Manteles Bordados Otomí Hechos A Mano - IFAM Artist Stories

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Julio Laja Chichicaxtle | Manteles Bordados Otomí Hechos A Mano Mexico/Textiles for Home Mythical flora and fauna come to life At ten years old, Julio Laja Chichicaxtle's grandmother introduced him to Otomí embroidery, an artistic tradition with an ancient history [...]

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Papiers – Claudine Latron (claudinepapiers.com)

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Eskulan | Eskulan, taller de papel hecho a mano. Venta directa.

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Eskulan | Eskulan, taller de papel hecho a mano. Venta directa.

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Desde su fundación en 1980 en el Taller-Molino ESKULAN, se viene elaborando papeles para todo tipo de usos y aplicaciones artísticas. Trabajamos con fibras de altísimo contenido en celulosa como algodón, lino, cáñamo, abacá etc.

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Le processus de fabrication du papier en Nouvelle-Espagne – Archives de la province augustinienne du Michoacán (home.blog)

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Archivo de la Provincia Agustiniana de Michoacán

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Toma ejemplo del papel

que se hace de trapos viejos,

y sube hasta los consejos

y a que escriba el rey con él.

¿Quién hay que aliento no cobre

viendo el papel que ha subido

a escribirle al rey, si ha sido

una camisa de pobre?
Lope de Vega. Lo que ha de ser. Tercer acto

¿Alguna vez te has preguntado cómo fue que el papel llegó a este continente, o si ya había algo semejante a él en estas tierras? En efecto sí, ya existía algo muy similar aquí en el continente americano, y lo que conocemos como papel llegó a este Nuevo Mundo con el arribo de los españoles. En el presente artículo te explicaremos cómo fue su importación, cuál era el material similar que se utilizaba antes de su intervención en nuestra cultura y de qué manera se fabricó el papel en la Nueva España.

¿Qué fue primero: el papiro o el papel?

Antes de entrar de lleno en la materia, es necesario destacar que papel y papiro no son lo mismo, ni uno viene del otro. El papel fue inventado en China entre el siglo I-II d. C. por el cortesano Lun Cai (Chen, 2013: 9), mientras que el papiro fue inventado por los egipcios hace 5000 años ( Ecured, en línea, 2019). Si bien el papel y el papiro comparten en cierto grado el proceso de producción, el primero fue hecho a partir de la mezcla de telas y celulosa, mientras que el segundo siempre ha dependido completamente del recurso vegetal. Otro detalle que los hermana es que ambos fueron considerados un soporte de escritura más barato y fácil de usar, pero no se conocieron mutuamente hasta que las civilizaciones que los crearon comercializaron a lo largo de Europa y Asia hasta bien entrada la Edad Media. 1

Papiro

El papel amate

Aún pervive un papel concebido por los indígenas mesoamericanos y fabricado a partir de las cortezas de diversos árboles, como los jonotes y los ficus, lo que le daba una variedad de colores desde el marrón hasta el amarillo paja ( Eskulan,2013). Este papel era usado como objeto tributario y como ofrenda a los dioses. Desde siempre ha sido conocido como el papel amate, y actualmente se elabora en el pueblo de San Pablito, en la sierra norte de Puebla.

Con la llegada de los españoles, el papel amate perdió su valor tributario y religioso. La mayoría de los códices de este papel fueron destruidos y su lugar fue usurpado rápidamente por el papel europeo, tanto para desaparecer todo vestigio de la cultura y religión anterior como para consolidar el poder del nuevo gobierno. Esto se logró gracias a la imposición del papel sellado como único soporte legal para legitimar las diversas transacciones políticas y comerciales (Guzmán Pérez, 2019). Pese a los intentos de la Corona para desaparecer el papel amate, éste siguió siendo elaborado en varios pueblos indígenas remontados en las sierras, en la región donde se unen los estados de Hidalgo, Puebla y Veracruz (López, 1992).

Papel amate del Códice Boturini.

El papel europeo en la Nueva España

El papel, de origen Chino, se introdujo a España a través de los árabes. Cuando la Corona Española se hizo con los territorios recién descubiertos, el papel europeo conoció el continente americano con el arribo de los grupos de evangelización de las diferentes órdenes. Las importaciones de papel europeo eran insuficientes, así que la orden agustina, establecida en Culhuacán, emprendió la tarea de erigir un batán anexo al monasterio para la fabricación de papel:

" en el monasterio del dicho pueblo ay una fuente que haze un estanque grande y junto al dicho pueblo otra fuente que llaman del Estrella [...] ay en el dicho pueblo un molino y batan en que se haze papel y procede de una fuente donde esta asentado [...] "
Gallego, 1580: 5, 20.

Este fue el primer establecimiento en el que se elaboró papel en todo el continente americano (Lenz, 2001: 79-82). Posteriormente, llegaron tanto las imprentas como otros molinos y batanes que favorecieron la producción y el comercio del papel en territorio novohispano.

El proceso de elaboración del papel

Antes de la industrialización, el proceso de elaboración de papel era bastante laborioso, ya que requería de mucho tiempo y esfuerzo para siquiera reunir los materiales (León, 2001). En primer lugar, se reunía el trapo. Sabemos que en la actualidad esa palabra se refiere a cualquier tela con la que se limpia algo, pero antes el proceso de fabricación del papel incluía telas como el lino, hilazas de algodón, y casi cualquier retazo que ya no sirviera para vestimenta, por eso a la masa de hilachas con materia vegetal se le denominó así. Una vez que se tenía una gran porción de estos sobrantes, se ponía en agua y se batía hasta formar el trapo.

Proceso de elaboración de papel

Una vez formado el trapo, se dividía en porciones que eran pasadas otra vez por agua para que quedara una consistencia clara y del color del papel. Después, esa mezcla era puesta en una red donde se colaba e iba tomando la forma de pliego.

Cuando ya se tenía el pliego consolidado, éste era puesto entre dos sayales, uno grueso y otro delgado, en donde se prensaban tanto para sacar el exceso de agua que pudieran tener como para adelgazar en lo posible el pliego del papel. Luego, se retiraba el sayal grueso y se ponían a secar en un tendedero con el sayal delgado. Finalmente, cuando ya estaba seco el pliego, se retiraba del sayal y eran prensados todos los de esa producción para aplanarlos. Después eran cortados a partir de la medida que conviniera, y enviados a imprentas o para venta al público general, según el negocio que lo precisara, que podía ser desde una casa editorial hasta una tienda de tabaco (León, 2001).
Conclusiones
Desde sus albores con Lun Cai, el papel ha sido una pieza importante para la humanidad, ya sea como soporte de escritura, material tributario, ofrenda religiosa o simplemente como papel para tabaco, debido a los bajos costos de su elaboración y a la facilidad con la que se adquirían sus componentes. Sin embargo, con el proceso de la elaboración del papel explicado, vemos que esos conocimientos no eran propios de cualquier grupo social, sino que eran desempeñados por personas que, en el caso de los indígenas, habían heredado esa labor y cargo importante por generaciones, y en el caso de la época novohispana, era gente avalada por el permiso del rey y cuyo oficio era heredado.

Finalmente, es importante destacar que la presencia del papel en los diversos sitios donde se originó, consolidaba el poder político de la civilización que lo estuviera usando, así que no sólo surgió como un medio para poder transmitir la literatura, la cultura, la historia y las vivencias de un determinado pueblo, sino que ha sido utilizado como una herramienta mediante la cual se puede subyugar o enriquecer a una sociedad.
NOTAS

El papiro fue introducido en Europa durante la época helenística, mientras que el papel fue llevado por los árabes comerciantes alrededor del 1000 d.C.
Bibliografía
S/A, "Papel Amate, el papel de los dioses", Eskulan, http://eskulan.com/2011/12/28/amate-el-papel-de-los-dioses/, 2013, (25/octubre/2019).

S/A, "Papiro", EcuRed, https://www.ecured.cu/Papiro, (25/octubre/2019).

Guzmán Pérez, David Luvin, El papel sellado en la Nueva España, México, Blog APAMI, https://apami.home.blog/2019/09/18/el-papel-sellado-en-nueva-espana/, (25/octubre/2019).

Chen, Chia-Chi, Historia y expansión del papel hecho a mano y estado actual del desarrollo de los molinos papeleros tradicionales en Taiwan, Tesis Doctoral Inédita,Sevilla, Universidad de Sevilla, 2013 https://idus.us.es/xmlui/handle/11441/65770 (13/noviembre/2019).

Lenz, Hans, Historia del papel en México y cosas relacionadas: 1525-1950, México, Miguel Ángel Porrúa, 2° edición, 2001, 7-207 págs.

León, Rafael, Papel hecho en casa, Benalmádena, Ediciones de aquí, 2001, 67 págs.

López, Citlalli, "El papel amate. Sagrado, profano, proscrito.", Ciencias, núm. 28, octubre-diciembre, México, Universidad Nacional Autónoma de México, 1992, pp. 31-36, https://www.revistaciencias.unam.mx/en/177-revistas/revista-ciencias-28/1710-el-papel-amate-sagrado,-profanado,-prescrito-2.html, (25/octubre/2019).

Sánchez Bueno de Bonfil, María Cristina, El papel del papel en la Nueva España, México, Instituto Nacional de Antropología e Historia, 1993, 297 págs.

Gallego, Gonzalo, "Relación de Culhuacán", From the page, Relaciones Geográficas of Mexico and Guatemala, Culhuacán, México (1580), https://fromthepage.lib.utexas.edu/llilasbenson/ relaciones-geograficas-of-mexico-and-guatemala/culhuacan-mexico-1580/display/1829, (13/noviembre/2019).

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El proceso de elaboración del papel en la Nueva España

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Por: Kristha Garza Pimentel Toma ejemplo del papelque se hace de trapos viejos,y sube hasta los consejosy a que escriba el rey con él.¿Quién hay que aliento no cobreviendo el papel que ha subidoa escribirle al rey, si ha sidouna camisa de pobre?Lope de Vega. Lo que ha de ser.

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Pueblo Nuevo, État de Guanajuato, Mexique

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Pueblo Nuevo, État de Guanajuato, Mexique

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Pueblo Nuevo, État de Guanajuato, Mexique

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Somos los principales productores de papel amate de México, con diseños innovadores que van de lo rustico a lo minimalista, con una extensión de producción que abarca todo el interior de la Republica y parte de el Extranjero.

Contactanos a los telefonos:

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Somos los principales productores de papel amate de México, con diseños innovadores que van de lo rustico a lo minimalista, con una extensión de producción que abarca todo el interior de la Republica y parte de el Extranjero. Contactanos a los telefonos:

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SÉMAPHORE - pointcontemporain

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Yann Bagot, Pointe du Grouin #06, 2019. Encre de chine sur papier, 56 x 76 cm

EN DIRECT / Exposition Sémaphore avec les travaux de Yann Bagot, Antinea Jimena, Didier Legaré-Gravel, project space de la maison artéfact Paris

par Pauline Lisowski

Exposition Sémaphore : l'expérience d'un site pour observer et ressentir la mer

Yann Bagot peint à l'encre de Chine, porté par l'expérience du paysage, Antinea Jimena est plasticienne et pratique la performance, Didier Legaré Gravel utilise la gravure et la vidéo comme médiums, tous trois ont fait surgir leurs sensations éprouvées dans le terrain escarpé du sémaphore de la Pointe du Grouin en Bretagne. Cette résidence fait suite aux voyages des artistes depuis une dizaine d'années. Ils ont profité de ce lieu singulier offrant une vue surprenante et inspirante sur la mer, horizon à perte de vue.

Suite à leur expérience artistique dans ce site, ils ont composé une exposition qui propose aux visiteurs une expérience intime de leurs oeuvres d'art. Dans l'espace d'Artéfact, celles-ci s'immiscent parmi d'autres et invitent à un voyage à travers leurs travaux. Ce lieu dédié à la culture du thé et aux différents arts permet la découverte au fur et à mesure d'une approche des éléments constituant le paysage vers des oeuvres qui transmettent les sensations éprouvées par le corps. Les odeurs et la dégustation du thé entrent en relation avec les perceptions ainsi que l'écoute des sons de la nature. Les vidéos restituent la dimension corporelle présente dans leur démarche artistique et l'atmosphère qui règne dans le territoire breton qu'ils ont parcouru. Du rez-de-chaussée à la mezzanine où Kaleigh Johnson présente de manière délicate et harmonieuse un ensemble de pièces de petits formats et des éditions, leurs créations renvoient à un environnement perçu, du proche au lointain.

De quelles manières un site naturel peut-il influer sur la création d'un artiste ? Comment réagir à un contexte en perpétuel changement ? Que produit l'expérience de la nature sur le corps et de quelles façons transmettre les sensations et les courants perçus en ce lieu ? Les oeuvres de ces artistes enregistrent les dessins et traces qui naissent des remous de la mer. Engagés physiquement au contact des éléments naturels et attentifs aux dessins que ceux-ci produisent en continu, ils ont bravé les phénomènes physiques qui influençaient leur perception du paysage et les obligeaient à faire corps avec celui-ci. Les trois artistes s'unissent par leur travail sensible au coeur de l'environnement, marqué également par une recherche de rythmes et d'émotions, transmises dans leur dessins et gravures.

Yann Bagot trouve dans les lieux où il est amené à dessiner une énergie, des relations aux éléments naturels qui se révèlent dans ses oeuvres. Réalisées en plein air en observant le paysage et ses mouvements, ses peintures à l'encre de Chine sur papier témoignent de l'effet de l'eau au contact de l'encre, technique élaborée dans l'instant qui traduit les variations que subissent les milieux naturels où il s'installe pour dessiner.

Les Phases réalisées à l'encre de Chine sur aluminium, de format circulaire, font écho à la vision circulaire des longues vues de vigie. Dans le sémaphore, lieu à l'écart du monde, reculé, la mer s'impose par son immensité, ses changements au fil de la journée et les sons qu'elle transmet. Les artistes se sont engagés physiquement dans ce site dont le panorama fascine autant qu'il inspire la méditation et l'attention envers les êtres vivants. Les traces, textures, lignes et écoulements traversent leurs oeuvres ici réunies. Ce poste de surveillance et habitat insolite éloigné des flux humains convoque le temps long, l'attente et invite à se remémorer des récits de voyageurs, des traditions et gestes.

Les éditions Promontoires et Où le regard s'arrête accompagnent leurs oeuvres et constituent une trace de l'expérience de la résidence comme un récit dessiné du travail pictural en plein air.

Antinea Jimena laisse exprimer son corps au contact de la nature. Son approche semblable à celle de l'improvisation l'amène à prendre connaissance du lieu et à se laisser guider par ses explorations corporelles. Elle a ressenti l'environnement, les rochers à partir des instructions transmises par la danseuse Majo Pérez Castro, depuis le Mexique, dans la continuité d'une démarche engagée depuis dix ans. Cette expérience l'a incité à parcourir et ressentir l'environnement par les mouvements de son corps. Elle se connecte aux éléments naturels et libère un geste qui témoigne de rythmes, de pas, de mouvements présents dans les éléments marins. La peinture sur papier amate Mar dévoile les phénomènes observés, la mer à perte de vue.

Dans les oeuvres Sédiments, Fil d'écume et Hippocampe, Antinea Jimena fait référence à une pratique ancienne qui se transmet, le crochet. Ses oeuvres furent réalisées à partir de fils confiés par la grand-mère de Yann et d'autres par sa propre grand-mère. Ses pièces délicates rendent hommage à un savoir-faire qui nécessite de la patience et renvoient à un ouvrage qu'on réalise en attendant un être cher. Elles rappellent également les fils utilisés par les pêcheurs. Ses travaux en crochet pris dans les sédiments trouvent dans l'espace d'artéfact une forme qui s'accentue avec l'ombre et la lumière, suggérant un animal marin.

Les dessins de l'édition Mar adentro, mar afuera d'Antinea Jimena convoquent les différents phénomènes captés par son corps. Chaque signe, point, ligne composent un espace qui révèle une dimension invisible du paysage. Telle une écriture automatique, sa pratique du dessin s'élabore dans une recherche d'intériorité, de prise de conscience de ce qui émerge en elle.

Suite à une collaboration de longue date, Didier Legaré-Gravel a composé une oeuvre vidéo à partir des dessins à l'encre de Yann Bagot et de vues de la mer. Comme observés depuis le sémaphore, les plans dévoilent au fur et à mesure les variations d'intensité des remous de l'eau et la lumière changeante. Cette vidéo propose un voyage à travers l'univers marin qui se métamorphose en monde lunaire. Les couleurs se modifient au fil des images et rendent les variations du paysage en perpétuel changement. De la mer et ses vagues aux dessins réalisés avec l'action de la fluidité de l'encre, ce film captive notre regard invité à se laisser porter par les flux de vagues et de tracés à l'encre qui s'entremêlent. Mémoire d'une contemplation d'un paysage d'une grande puissance visuelle et sonore, cette oeuvre réunit plusieurs sensations perçues et interprétations d'un même lieu. La bande son composée avec le guitariste Pierre Durand est partie prenante de ce ballet marin où se joue la transformation des formes et du temps. L'artiste a passé de longues journées à arpenter le terrain pour saisir les bouillonnements de la mer en contrebas. Pour lui, le paysage est à vivre, à ressentir, à subir, d'où son approche de la vidéo qui lui permet d'allier expérience visuelle et sonore.

Didier Legaré Gravel présente également des gravures sur papier minéral dont le volume suggère un terrain lointain, une planète. Entre dessin et sculpture, ses oeuvres évoquent la topographie d'un site, d'un rocher et captent la lumière.

La vie dans ce lieu où l'homme peut ressentir la force des éléments naturels a marqué la mémoire des trois artistes. Leurs oeuvres révèlent l'infinité de mouvements contemplés et éprouvés. Elles nous invitent à être d'autant plus humbles et respectueux des milieux fragiles où prendre soin des végétaux, roches et autres êtres qui y habitent. Cette exposition est une ode, un hommage à un paysage auquel les artistes se sont attachés.
Pauline Lisowski

Dessinant à l'air libre lors de résidences au coeur d'espaces naturels (littoraux, montagnes, forêts...), ses recherches portent sur la représentation du paysage à l'encre de Chine sur papier. Il expose ses créations lors d'expositions personnelles ou collectives en France, en Europe et en Asie.

ANTINEA JIMENA
Son travail se situe entre le végétal et l'humain, l'enracinement et le déracine- ment, la fragilité et le vécu de la matérialité. Par le dessin, la peinture et la performance, elle représente paysages et corps, guidée par la singularité, l'irrégularité et la vulnérabilité des matières vivantes.

DIDIER LEGARÉ-GRAVEL
Dessinateur et vidéaste, le temps est au cœur de sa pratique. Ses œuvres puissant leur inspiration la nature et ses forces démesurées, sa Terribilità, sont exposées en France et en Europe. Il enseigne également le dessin et le film dans des associations et écoles d'art, à des publics adultes et enfants.

Tempestaires - photogrammes tirages
Tirage Piezo Pro Charbon sur Kozo 8 exemplaires numérotés, signés, encadrés 30 x 40 cm, 2020

ASSOCIATION LA SOURCE
Créée en 1991 à l'initiative du peintre Gérard Garouste, La Source est une association d'intérêt général à vocation sociale et éducative par l'expression artistique. Elle organise des ateliers de création artistique au près de publics en difficulté, et accueille des artistes en résidence.
https://www.associationlasource.fr

Artéfact Paris
Fondée en 2014 par Kaleigh Johnson et Fadel Imendjerioune, la maison artéfact se compose d'une boutique/salon de thé et d'un espace d'exposition située dans le coeur du Marais à Paris.
https://artefact-marais.com

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Yann Bagot, Pointe du Grouin #06, 2019. Encre de chine sur papier, 56 x 76 cm par Pauline Lisowski Exposition Sémaphore : l'expérience d'un site pour observer et ressentir la mer Yann Bagot peint à l'encre de Chine, porté par l'expérience du paysage, Antinea Jimena est plasticienne et pratique la performance, Didier Legaré Gravel utilise la gravure et la vidéo comme médiums, tous trois ont fait surgir leurs sensations éprouvées dans le terrain escarpé du sémaphore de la Pointe du Grouin en Bretagne.

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Artisanat d'Art du Mexique (taanah.blogspot.com)

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Le papier mûrier - Le blog de Manel (over-blog.com)

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En Ousbékistan il y a des mûriers partout, le long des routes en particilier . On dit que sur cet arbre tout est utile : Les feuilles sont ramassées pour nourrir les vers à soie . Le bois pour les sculptures. Les branches pour la fabrication du papier...

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Papier d’Amate | Eskulan

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Amate. Dans certaines civilisations anciennes, le papier a eu une grande importance dans les cérémonies religieuses et dans le domaine spirituel. Ce fut le cas de la Chine, du Népal, du Japon et d’autres pays. Au Mexique, les Mayas et les Aztèques ont également utilisé le papier dans ce même but. Le…

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Métier (visitpuebla.mx)

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The so-called chiquihuistes are baskets used for the harvest as well as to keep tamales or tortillas warm. This craft requires a lot of patience and skill; since the harvest of vegetable fiber (zanicax) is done in the forest. Subsequently, the zanicax must be dried, cleaned; and the wands must be cut in different sizes depending on the craft.

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Amate Taanah t'aime - Le blog de pluiemexicaine (over-blog.com)

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Le Papel Amate , Amatl, papier sacré, millénaire en Amérique centrale, travaillé à la fois dans la tradition et dans une optique contemporaine, est exposé par Viry Gutiérrez à Lyon.

Des formats carrés, (image du monde) ou des tryptiques de papier aux thématiques cosmogoniques, longs chemins ivoire et ocre ont séduit Jane Lessa la présidente de la Maison de l'Amérique Latine, 2 rue Lainerie, dans le quartier St Paul du Vieux Lyon. A deux pas de la Place au Change. " Parce c'était différent de l'artisanat mexicain très coloré, toujours montré ".
Les couleurs proviennent du type d'arbre dont est extraite l'écorce : ficus rouge pour la couleur café, xalamatl pour le blanc, mûrier pour la couleur crème.

Les espagnols avaient immédiatement noté la présence de ce papier inconnu d'eux. Et sur lequel étaient rédigés les codex. Par la suite ils ont imposé leur propre papier, mais la voix de l'Amate ne s'est jamais tue. Et dans la zone montagneuse entre Puebla et Veracruz, au village de San Pablito Pahuatlan il est demeuré l'activité majeure. On s'y rend aussi pour rencontrer les shamans qui savent prélever l'écorce sans blesser l'arbre et dans le plus grand respect de la Terre Mère.

Guillermo jeune graveur du Musée de la Gravure de Puebla m'avait mise en garde : " Il ne faut pas acheter du papier Amate à la Lumix, parce qu'ils ne respectent pas les rites d'extraction et utilisent des acides polluants pour le fabriquer. Il faut aller à San Pablito Pahuatlan, c'est pas loin. Je vous ferais rencontrer les hommes qui savent ".Malheureusement mon retour fixé les jours suivants je n'ai pu honorer cette invitation. Merci donc à Viry de faire voyager l'Amate.

Les amoureux de techniques artisanales en apprécieront ici la variété. Ciselage, découpage, cannage, tordage, tressage, gaufrage, une incroyable subtilité de gestes différents. Cette diversité liée à la combinaison des teintes produit de multiples effets de matière contrastés et complémentaires propres à réjouir l'œil et l'imagination. On peut y reconnaître des motifs répétitifs très anciens rappelant à Viry ceux des pyramides, de la grecque à la volute. Une musique visuelle.

Gérardo Trejo Le jeune artisan otomi qui dirige un atelier communautaire à San Pablito de Pahuatlan a convaincu Viry Gutiérrez par la modernité de ses créations et la sobriété de ses encadrements. Cette jeune femme mexicaine, jadis architecte à Puerto Vallarta, mariée à un français et venue vivre A Lyon a décidé de promouvoir une culture très sophistiquée. Elle a créé Taanah (la maison) petite entreprise qui promeut aussi de très belles céramiques Paquime, des bijoux d'ambre chiapaneca ou de pierres nahuatls. Dans chaque genres, c'est la beauté des réalisations qui prévaut. Ces échanges entre créateurs mexicains de haut niveau et Viry Guttiérrez sont une garantie d'origine propre à satisfaire les acheteurs exigeants. Pas de made in china dans cet artisanat d'art.

Les thèmes traités dans l'Amate évoque le rapport à la Terre Sacrée. Hommes arbres qui me rappellent une très jolie nouvelle de Patrick Grainville, transformations de nymphes en laurier chez les grecs, en bouleau dans la Taiga Sibérienne. Animisme et croyance d'un retour à la terre après la mort, force des vivants puisée dans la nature. Nature qui nourrit soigne et digère. Des thèmes plus que jamais d'actualité. Et comme dans tout le Mexique aussi la lune y embrasse le soleil.

De l'arbre au papier l'écorce a subi de nombreuses préparations. Séchage puis lavage à l'eau et à la cendre -jadis on faisait sa lessive dans les campagnes françaises- rinçage. Aplatissage de la bouillie qui en résulte à l'aide d'une pierre volcanique sur des plaques de grand format et séchage au soleil. Tout cela précède le travail artistique.
Les nombreuses tâches supposent une organisation collective du travail. Impliquant toute la famille ou communauté.

Le Papel Amate, un pléonasme puisque Amate se traduit par papier, garde toutefois quelque chose d'un peu mythique, surtout pour les amateurs d'écriture. En tout cas dans les œuvres exposées là, me semble se dessiner une force, une synergie, pas seulement due aux formes. Il y a plus. Un regard partant du centre et irradiant vers les confins, puis des coins ramenant au centre. Quelque chose comme un échange entre le spectateur et l'œuvre, entre l'humain et le cosmos. Et qui vous tient devant, à votre juste place.

Site de Taanah

Blog de Taanah

Exposition Papel Amate Maison de l'Amérique latine 2 rue lainerie 69005 Lyon

Video sur la fabrication traditionnelle du papel Amate

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Amate Taanah t'aime - Le blog de pluiemexicaine

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Le Papel Amate , Amatl, papier sacré, millénaire en Amérique centrale, travaillé à la fois dans la tradition et dans une optique contemporaine, est exposé par Viry Gutiérrez à Lyon. Des formats carrés, (image du monde) ou des tryptiques de papier aux...

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El Arte del Papel Amate en San Pablito Pahuatlán, Pue. - México Cultural (mexicocultural.mx)

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El Arte del Papel Amate en San Pablito
Pahuatlán, Pue.

Visitaremos el Pueblo Mágico de Pahuatlán en el norte del Estado de Puebla, además de la comunidad otomí de San Pablito, donde podrás elaborar tu propio papel amate guiado por artesanos expertos del lugar. Conocerás acerca de su valor desde el punto de vista artesanal, además de su interesante significado ritual que aún conserva entre las poblaciones indígenas de la región. No te pierdas la oportunidad de crear tu propio papel con cortezas de jonote, utilizando como herramienta una roca volcánica careada, justo como se elabora desde la época prehispánica.

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El Arte del Papel Amate en San Pablito Pahuatlán, Pue. - México Cultural

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Saltar al contenido El Arte del Papel Amate en San Pablito Pahuatlán, Pue. Visitaremos el Pueblo Mágico de Pahuatlán en el norte del Estado de Puebla, además de la comunidad otomí de San Pablito, donde podrás elaborar tu propio papel amate guiado por artesanos expertos del lugar.

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A San Pablito, Centro, Pahuatlán, Puebla, Mexique

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A San Pablito, Centro, Pahuatlán, Puebla, Mexique

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A San Pablito, Centro, Pahuatlán, Puebla, Mexique

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Taanah Archives - PandorArt

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Les ancêtres du papier - Papier artisanal (papier-artisanal.com)

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Les ancêtres du papier - Papier artisanal

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Le tapa, écorce battue du Pacifique Cette écorce battue provient de différents arbres de la famille des Moracées, dont font partie le murier à papier, l’arbre à pain et le ficus. Le tapa est donc constitué de liber (l’écorce interne) … Lire la suite­­

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Le musée Pasifika de Bali fête ses 15 ans, rencontre avec Philippe Augier | lepetitjournal.com

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A l'occasion des 15 ans du Musée Pasifika de Bali, nous sommes allés à la rencontre de Philippe Augier, son fondateur.
" Avec ma partenaire, peintre amateur, nous avons commencé à nous intéresser à l'art en Indonésie au début des années 2000, faisant de nombreuses rencontres avec des peintres indonésiens et internationaux installés en Indonésie. " Arie Smit sera le premier peintre dans lequel ils investissent. C'est ainsi que tout a commencé, au gré de ces échanges.

Philippe Augier arrive en Indonésie en 1983 pour un grand groupe international, et après être devenu le leader sur son marché, il se tourne vers l'entreprenariat avec des activités sur Jakarta et Bali. En 2000, il crée le premier hôtel écosensible d'Ubud, puis le Musée Pasifika en 2006. Conseiller du commerce extérieur depuis une vingtaine d'années, il est également vice-président de l'association des musées de Bali jusqu'en 2018 et président de la Chambre de Commerce Franco-Indonésienne depuis 2014.

La naissance du musée

Lorsque Philippe Augier se sépare de ses activités professionnelles, une question se pose : " que faire ? Un autre hôtel ? Se relancer dans un autre secteur d'activité ? Tournant à 180 degrés : pourquoi pas un musée ? "

Nous sommes en 2004.

Après avoir exploré plusieurs pistes sur le plan de la thématique, il revient invariablement à Bali, plaçant l'ile au centre de la région Asie-Pacifique. " Pour la première fois, un musée va se consacrer entièrement à cette région et sortir des frontières de Bali ".

Une rencontre avec Michoutouchkine et Pilioko, deux artistes du Pacifique, le confortera dans son projet. Ils lui apportent leur aide ainsi qu'une partie de la collection d'art Premier sur l'Océanie.

" La mission du musée est de replacer Bali et l'Indonésie au centre de l'Asie Pacifique, de faire le lien entre les Arts Premiers et les Beaux-Arts, entre les iles de Tahiti et Bali ".

La construction de Pasifika sera confiée à l'architecte balinais Popo Danes, déjà concepteur du Natura, en 2005 et elle durera moins d'un an, pour réaliser un bâtiment de 8000 m2 sur 12 500 m2 de terrain dans le complexe touristique de Nusa Dua.

Une triple vocation pour " PASIFIKA" :

Culturelle. Elle permet au visiteur d'élargir son champ de vision et de déborder du cadre strictement balinais et indonésien.

Touristique. Faire de Pasifika une attraction touristique de qualité et de classe internationale.

Éducative. Pasifika convie élèves et étudiants afin de leur faire connaitre la richesse de l'Indonésie et de Bali. Pas moins de 50.000 enfants de plus de 700 écoles ont visité le musée, entre 2009 et 2020.

Une scénographie pour mettre en avant la collection

En couvrant une zone aussi large qu'est l'Asie-Pacifique, le visiteur risque de s'y perdre, mais à aucun moment cela ne peut être le cas.

Le musée se présente en trois parties :

Une première aile couvre l'Indonésie. Artistes indonésiens et étrangers ayant représenté l'Indonésie se côtoient sur 5 salles.

Un pavillon central permet d'accueillir des expositions temporaires.

Une deuxième aile couvre l'Asie-Pacifique avec l'Indochine, l'Asie du Sud-Est, les arts premiers d'Océanie, la Polynésie et les grandes œuvres sur la Chine, le Japon et l'Inde.

Une salle complète est dédiée aux arts premiers d'Océanie. Quelques 400 sculptures et tapas (tissus obtenus à partir d'écorce) ont été arrangés de manière aléatoire par les artistes Michoutouchkine et Pilioco. Le visiteur, surpris par le côté anarchique de la présentation, déambule entre ces œuvres.

Humblement, Philippe Augier est fier de nous confier : " sur la partie Océanie, le musée possède le même nombre de pièces en quantité, peut-être pas en qualité, que le musée du Quai Branly, ouvert lui aussi en 2006 ".

Le visiteur peut admirer dans la dernière salle deux papiers peints panoramiques, tous deux commandés par Napoléon 1er. L'un, complet, de l'Hindustan, datant de 1807, édité par la Manufacture Zuber. Le second intitulé " les sauvages de la mer du Pacifique " produit par la Manufacture Dufour en 1806. Napoléon sera le premier à conceptualiser le voyage dans le Pacifique d'après les 3 grands explorateurs : Bougainville, James Cook et Le Comte de La Pérouse.

" Pasifika possède plusieurs livres originaux de cette période dont l'atlas du voyage du Comte de La Pérouse, les voyages du Capitaine Cook en 7 volumes ainsi que sa cartographie. "

Une passion pour deux artistes

S'il y a deux artistes qui touchent particulièrement Philippe Augier, ce sont le mexicain Miguel Covarrubias et le belge Adrien-Jean Le Mayeur.

Miguel Covarrubias, initiateur de la Balimania à New York dans les années 40 par la réalisation de 6 grandes fresques, à l'occasion de la première exposition sur le Pacifique à San Francisco et de ces nombreuses œuvres publiées dans les magazines. " Ses peintures sont le reflet de la culture indigène et coloniale du Pacifique, à l'image de ses aquarelles illustrant le livre Typee, d'Herman Melville ". Il a aussi publié le premier livre sur la culture Balinaise " Island of Bali " en 1937, qui fait toujours référence et qui est illustré par ses peintures sur Bali.

Pasifika possède 4 de ses aquarelles du livre Typee, ainsi qu'une très belle collection de ses pièces balinaises, dont l'emblématique Rice Granary en deux versions.

Adrien-Jean Le Mayeur, autre référence artistique sur Bali en Asie du Sud-est. " Au même titre que Gauguin avait imaginé le paradis terrestre à Tahiti, Le Mayeur le réalise à Bali ". Peintre emblématique de la mise en valeur de Bali, de la référence à Gauguin et à Tahiti, et donc de la conceptualisation du Pacifique.

Deux pièces indonésiennes emblématiques du musée

L'une, commandée en 1952 par le roi du Karangasem, à l'occasion d'une cérémonie de meligia (cérémonie d'accompagnement de l'âme du défunt au ciel). Il s'agit d'un tableau monumental de 6m x 4m de l'artiste I Gusti Kobot et illustrant l'histoire du Ramayana. Le tableau sera sauvé par deux fois. La première, après avoir servi de bâche durant 3 ans pour la voiture du docteur Djelantik (petit fils du roi), lors de son séjour en Hollande. Une fois restauré sous le patronage du Président Sukarno, le tableau est coupé en deux afin de pouvoir rentrer dans la maison du docteur Djelantik à Denpasar, une moitié dans le séjour, l'autre dans la salle à manger. Confié par la famille, après son décès, le tableau sera restauré par le musée, sauvé pour la deuxième fois.

La chasse au tigre, 1845, peint par Raden Saleh, l'un des plus grands peintres javanais. Ami et suiveur de Horace Vernet et de Eugène Delacroix. Le tableau est présenté en parallèle de 2 estampes de tigres faites par Delacroix et une toile du Douanier Rousseau sur laquelle deux tigres attaquent un cheval blanc. Le tableau s'inscrit dans la thématique des peintres orientalistes dont se sont inspirés Raden Saleh et Le Douanier Rousseau.

Visiter Pasifika, célébrer son anniversaire, passer d'une salle à l'autre, comme si on partait en voyage. Une belle visite à ne pas manquer lors de votre prochain séjour à Bali.
Détails adresses et contacts : Museum PASIFIKA Nusa Dua Complex, block P, Bali Téléphone : 0361 774935 Contact : info@museum-pasifika.com Ouvert tous les jours de 10h à 18h

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Bali, le musée Pasifika fête ses 15 ans, rencontre avec son fondateur Philippe Augier

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A l'occasion des 15 ans du Musée Pasifika de Bali, nous sommes allés à la rencontre de Philippe Augier, son fondateur. " Avec ma partenaire, peintre amateur, nous avons commencé à nous intéresser à l'art en Indonésie au début des années 2000, faisant de nombreuses rencontres avec des peintres indonésiens et internationaux installés en Indonésie.

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Des cultures derrière les objets : l’exposition « Une mer d’îles – chefs d’œuvre d’Océanie » au musée Volkenkunde – CASOAR │ Arts et Anthropologie de l'Océanie

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CASOAR │ Arts et Anthropologie de l'Océanie

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Le jeudi 20 février avait lieu le vernissage de l'exposition Une mer d'îles - chefs d'œuvre d'Océanie au musée Volkenkunde, à Leiden, aux Pays-Bas. CASOAR répondait présent à l'évènement. On doit vous dire qu'on était assez impatients de découvrir ce qui se cachait derrière un titre qui faisait potentiellement référence à l'auteur et anthropologue fidjien Epeli Hau'ofa, à travers la notion de " mer d'îles ". D'autant plus que d'autre part, le titre annonçait également la présence des " chefs-d'œuvre " de l'art de cette région du monde, s'adressant par-là à un public hypothétiquement connaisseur. Cet axe du " chef d'œuvre ", c'était déjà celui pris par les expositions Océanie et Oceania, respectivement au musée du quai Branly-Jacques Chirac à Paris et à la Royal Académie de Londres, auxquelles CASOAR avait dédié deux articles que vous pouvez retrouver ici et ici. D'après le titre de l'exposition, il semblerait que le musée néerlandais se soit lancé le pari d'exposer ces pièces majeures, tout en donnant une voix aux populations concernées. Nous n'avons pas été déçus.

"We are the sea, we are the ocean": cette citation d'Epeli Hau'ofa sert d'accroche pour introduire l'une des salles. D'ailleurs, chaque cartel de salle est introduit par les mots d'un artiste, écrivain, activiste du Pacifique. Une exposition qui se veut donc inclusive et opte pour l'approche de l'intérieur et l'autodétermination pour chaque thématique. Le public est guidé à travers l'exposition par les populations concernées : on nous donne ainsi à entendre les voix du Pacifique, passées et contemporaines. Une place de choix est en effet dédiée à l'art contemporain. L'œuvre du maori Georges Nuku, Bottled Ocean, investit l'espace d'exposition sur presque deux étages. Cette installation a été réalisée en collaboration avec un groupe de volontaires et notamment la participation de l'ambassade néo-zélandaise. Nuku, lors de son discours pour l'inauguration de l'exposition, remerciait tous les participants, ainsi que les maoris ayant contribué à ce projet. Il insistait sur le fait que " nous sommes interdépendants, nous avons besoin les uns des autres ", et voyait dans son œuvre un moyen de lier les gens entre eux, mais aussi de les faire grandir. Pendant l'installation, " nous nous sommes vus les uns et les autres, nous nous sommes vus nous-mêmes à travers les bouteilles ". Il se réjouissait de la participation de 190 personnes lors des 17 jours de montage de son œuvre.

Cependant, George Nuku n'est pas le seul à représenter les voix du Pacifique contemporain. L'artiste Yuki Kihara est présente à travers l'œuvre Siva in Motion. Cette vidéo aux significations multiples reprend une ancienne forme de danse samoane, mais réfère également aux expériences chronophotographiques de Eadweard Muybridge au 19ème siècle, ou encore au tsunami de 2009 qui emportait de nombreuses vies à Samoa et Tonga. Les travaux plastiques, la vidéo, mais également la poésie sont au cœur du parcours muséographique : Kathy Jetñil-Kijiner, poétesse et activiste du changement climatique originaire des îles Marshall en Micronésie, s'adresse au reste du monde dans son poème Tell them, " Dis-leur ". " Montre leur où [les îles Marshall] c'est sur une carte/ dis-leur que nous sommes un peuple fier/ [...] dis leur que nous descendons des meilleurs navigateurs du monde ". Par ce poème, l'auteure proclame la richesse de sa culture, mais avertit également sur les dangers du réchauffement climatique et de la montée des eaux : " et après tout ça/ parle-leur de l'eau/ comment nous l'avons vue monter/ inonder nos cimetières... ". Ce sont des problématiques qui touchent inégalement les différentes parties du monde, mais qui représentent une menace réelle et actuelle pour les populations de ces îles basses.

La poétesse Emelihter Kihleng, originaire de Pohnpei en Micronésie, a fortement retenu notre attention lors de sa participation à l'ouverture de l'exposition. À travers la lecture de quelques-uns de ses poèmes, elle abordait la question du statut des objets océaniens dans les collections occidentales. Elle évoquait ainsi un masque provenant de Papouasie Nouvelle-Guinée, qu'elle avait eu l'occasion de découvrir en travaillant au sein d'une collection. Ce masque, elle l'avait d'abord trouvé repoussant, mais il l'avait fait réfléchir sur sa perception des objets, à la lumière des catégories de beauté que les colonisateurs avaient construites concernant le Pacifique. Catégories " auxquelles nous devons nous efforcer de résister, afin de ne pas devenir notre propre colonisateur " conseille-t-elle à la fin de son poème aux populations du Pacifique stigmatisées par les colons. Les insulaires du Pacifique sont également représentés lors de l'ouverture de l'exposition par des danseurs et musiciens polynésiens. Cette question d'une exposition des sociétés d'Océanie, réalisée autant que possible en collaboration avec les peuples concernés s'illustre également dans la définition des termes vernaculaires : la notion polynésienne de mana est expliquée par Aaron Sala, originaire d'Hawaii. Le cartel associé introduit la notion au travers d'une référence populaire : le mot mana se retrouve dans nombre de jeux vidéo pour parler de la force vitale ou de pouvoirs magiques. Ce n'est donc pas le musée qui propose une définition, mais bien les personnes concernées qui définissent leurs propres concepts.

Avec son œuvre Bottled Ocean, Georges Nuku, revient sur la question environnementale et la pollution due aux déchets plastiques. La thématique environnementale, et les conséquences de la surproduction et surconsommation sur les îles du Pacifique sont l'un des fils rouges de l'exposition. Le documentaire Last Generation propose de suivre le parcours de Izerman, Julia et Wilmer, originaires de Majuro dans les îles Marshall et qui constituent très certainement la dernière génération à vivre sur l'archipel avant le désastre de la montée des eaux. Ce n'est pas uniquement de la disparition du territoire dont il est question mais également de la disparition des cultures et de l'importance de leur préservation. Lorsqu'est cité Alson Kelen, originaire des îles Marshall, c'est en tant que " potentiellement le dernier apprenti de l'art ancien du pilotage de vague au monde ". Présenter Kelen en ces termes, c'est ouvrir les yeux sur la réalité de la disparition des traditions, étape nécessaire à la prise de conscience et à l'action. C'est d'ailleurs la raison pour laquelle l'artiste et photographe Esther Kokmeijer a documenté en 2018 le combat des Marshallais contre la montée des eaux à travers la réactivation d'anciennes traditions. Comme le souligne l'exposition, " Le savoir et la culture qui étaient sur le point d'être perdus ont été ramenés à la vie ".

Ce sont également des problématiques plus anciennes et leur impact sur la société contemporaine qui sont adressées au fil de l'exposition. Celles-ci sont exposées le long de la galerie principale et sont habilement introduites par un large projection interactive représentant une carte de l'Océanie. En touchant certaines parties de cette carte, le visiteur est informé par une très courte animation des thématiques abordées. C'est le cas du partage du territoire par les puissances coloniales, de l'exploitation intensive des ressources, des essais nucléaires dans le Pacifique, de la montée des eaux...La colonisation du Pacifique est abordée notamment à travers un diagramme listant toutes les puissances coloniales et leurs " possessions ", ainsi que les conséquences de cette histoire sur la situation politique actuelle des différents pays. Une salle de l'exposition est également dédiée à la rencontre entre Européens et insulaires ainsi qu'à l'impact et aux influences de ces rencontres dans l'iconographie ou l'esthétique de la production matérielle océanienne. Deux statues Asmat montrent la perméabilité de la sculpture à la représentation du colon ainsi que de la pratique occidentale de la sculpture en pied. La salle aborde également la question des échanges inter-insulaires, déconstruisant cette vision monolithique d'échanges seulement pratiqués entre Blancs et Océaniens. Devenue maintenant un incontournable dans l'exposition de l'art contemporain océanien, l'œuvre In Pursuit of Venus [infected] de Lisa Reihana est également exposée. Présentée notamment lors de la biennale de Venise en 2017, cette installation semble aujourd'hui constituer un must-have dans la présentation du Pacifique au sein des musées occidentaux. Si vous souhaitez en savoir plus sur cette œuvre, nous vous invitons à consulter notre article dédié à l'exposition de la Royal Academy ici. Cette installation vidéo superpose une histoire plus nuancée au regard exotique et utopique du Pacifique construit par les expéditions européennes telles que celle de James Cook à la fin du 18ème siècle, et met notamment en scène les côtés les plus sombres de la rencontre entre Européens et insulaires.

Carte interactive. © Photographie : Margaux Chataigner

Le travail de Lisa Reihana nous permet de comprendre à travers différentes scénettes jouées par des acteurs Européens et Océaniens, la diversité mais également la brutalité de l'arrivée des explorateurs puis des puissances coloniales sur le territoire. Elle met en lumière des questions sur lesquelles le grand public n'a pas toujours l'occasion de se pencher et donne des clefs de compréhension de l'histoire coloniale. C'est également cette volonté d'accessibilité à des thématiques complexes mais primordiales afin de comprendre la contemporanéité du Pacifique que nous avons grandement apprécié au cours de notre visite. Plusieurs des thèmes abordés sont introduits au public à travers des références puisées dans la culture populaire. Pour parler de la notion complexe de mana, on se tourne vers le jeu vidéo. Dans l'explication de la place du tatouage en Océanie, on propose une vidéo de la chaîne VICE dans laquelle la danseuse, artiste et " marqueuse de peau " Julia Mage'au Gray, originaire de Papouasie Nouvelle-Guinée rencontre les dernières femmes tatouées de manière traditionnelle. Ainsi, elle explore son propre héritage et le réactive. Cette exposition tente de s'assurer de la compréhension par tous, en utilisant des repères considérés comme issus du quotidien. Évoquée plus haut, la carte didactique utilise l'image animée pour attirer l'attention du public sur des thématiques parfois complexes. La question des tests nucléaires effectués par les puissances de la Guerre Froide entre 1946 et 1996 est quant à elle introduite à travers l'incontournable maillot de bain deux-pièces conçu par Louis Réard : le bikini. Ce n'est pas seulement au passé que l'exposition parle de ces tests, mais également à travers toutes les conséquences que ceux-ci ont toujours sur les habitants des îles. Une carte accompagne ce propos, listant les essais effectués par la France, la Grande-Bretagne et les Etats-Unis. Les cartes, sous des formes variées, sont de manière générale très présentes dans l'exposition, ce qui nous a paru être primordial pour aborder une géographie aussi complexe que celle du Pacifique. L'accessibilité dans l'exposition s'exprime dans l'explication claire et concise de thématiques complexes mais aussi dans la compréhension matérielle du Pacifique. La présence d'un morceau de tapa à l'extérieur de la vitrine dédiée à ce matériau, permet au public d'appréhender la technique de l'écorce battue.

Les objets en eux-mêmes, les " chefs-d'œuvre ", sont bien évidemment présents. Cependant, ils peuplent l'exposition en nombre fort plus restreint que dans les expositions Océanie et Oceania. Ils fonctionnent en lien avec les citations présentes dans chaque salle, permettent d'aborder la question de l'océan, la notion de prestige, ou encore la nature du rapport aux ancêtres. Notons l'usage du proverbe maori " Kia whakatōmuri te haere whakamua " qui signifie : " Je marche en arrière en direction du futur avec mes yeux fixés sur mon passé ". Ce n'est pas seulement le rapport aux ancêtres qui est décrit, mais également la notion même de temporalité propre à la culture maorie qui est mise en avant. L'exposition ne semble pas construite autour des objets : ils sont ici des témoins des cultures qu'ils représentent. Comme nombre d'expositions sur le Pacifique, les pirogues sont les objets offerts à la vision du public en premier lieu. Cependant, le Volkenkunde propose une muséographie innovante et visuellement efficace : les pirogues sont disposées sur une matière grise reflétant la lumière, créant ainsi une image déformée similaire à l'effet visuel donné par les vagues.

Remarquable dans sa muséographie, l'exposition l'est également dans sa volonté d'inclusion des populations du Pacifique. Que ce soit au travers de citations, de poèmes, de vidéos, ou encore d'installations, les habitants de cette " mer d'îles " sont au cœur de ce projet. Projet qui ne se limite pas à cette manifestation, mais se poursuit à travers une politique muséale largement fondée sur l'échange : le musée a déjà depuis quelques années engagé un partenariat avec la Nouvelle-Zélande, autour du projet Waka Maori. Il invite par ailleurs régulièrement des artistes en résidence. C'est le cas de l'artiste Yuki Kihara, actuellement en résidence afin de préparer la future exposition Going Native au Tropenmuseum en 2020 que nous avons hâte de découvrir, et vous ?
Margaux Chataigner et Enzo Hamel
Pour une description plus complète de son œuvre par l'artiste, nous vous conseillons de consulter cette vidéo sur le site de la Royal Academy : https://www.royalacademy.org.uk/article/oceania-video-yuki-kihara-siva-in-motion

" You tell them/ they're from the Marshall Islands/show them where it is on a map/ tell them we are proud people [...] tell them we are descendants/ of the finest navigators in the world". And "and after all this/ tell them about the water/ how we have seen it rising/ flooding across our cemeteries..." Pour consulter le poème en entier, vous pouvez vous rendre sur le site de l'artiste : https://jkijiner.wordpress.com/2011/04/13/tell-them/

Pour une autre approche de cette problématique, (re)découvrez cet article sur Takuu : https://casoar.org/2017/11/17/latoll-de-takuu-une-singularite-noyee/

Julia Mage'au Gray n'utilise pas le terme de " tatouage ", ou " tatouer ", car pour elle il s'agit de la version anglaise européanisée d'un terme samoan. " Le marquage est délibéré, c'est plus qu'une personne qui simplement entre dans un magasin de tatouage et demande ce qu'elle souhaite ". Vous pouvez consulter la vidéo ici : https://www.youtube.com/watch?v=ToMrpxcvCqw

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Des cultures derrière les objets : l'exposition " Une mer d'îles - chefs d'œuvre d'Océanie " au musée Volkenkunde

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Le jeudi 20 février avait lieu le vernissage de l'exposition Une mer d'îles - chefs d'œuvre d'Océanie au musée Volkenkunde, à Leiden, aux Pays-Bas. CASOAR répondait présent à l'évènement. On doit vous dire qu'on était assez impatients de découvrir ce qui se cachait derrière un titre qui faisait potentiellement référence à l'auteur et anthropologue fidjien Epeli Hau'ofa, à travers la notion de " mer d'îles ".

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Tapa, étoffes cosmiques de l’Océanie dirigé par Laurent Guillaut et al. (openedition.org)

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1Ce catalogue d'exposition réalisé à Cahors, comme ceux de Chartres en 2000 et 2004, est un exemple parfait d'édition d'envergure mondiale réalisée à partir d'une initiative locale. Foin des hégémonies des rédactions scientifiques fixées dans les seules capitales, je ne connais pas d'ouvrage en langue française aussi bien documenté sur les tapas océaniens que celui-ci, réalisé à l'occasion de l'exposition homonyme organisée au musée de Cahors Henri-Martin en 2009. En le lisant, on n'ignore plus rien ni de la matière première, ni des techniques de fabrication, ni des fonctions assignées, ni des variantes culturelles, d'une extrémité à l'autre du domaine géographique qui lui est attaché. La clé du succès est probablement l'intelligence du commissaire de l'exposition, Laurent Guillaut, à avoir su recourir aux spécialistes du domaine exposé, quand bien même l'idée d'organiser une telle exposition dérivait d'une décision provinciale. Tout y est traité à la perfection, à la fois les textes et leurs illustrations, toutes en couleur, ce qui montre qu'en matière de reproductions artistiques, il est impossible d'échapper à cette exigence minimale. Mieux vaut ne rien éditer qu'éditer en noir et blanc un objet en couleur.

2Les spécialistes du domaine sont en l'occurrence Hélène Guiot et Fanny Wonu Veys, auxquelles ont été jointes les contributions tout aussi excellentes de Marie-Claire Bataille-Benguigui et Claude Stéfani. Hélène Guiot, en collaboration avec une association chargée de sa sauvegarde, réalise un inventaire de la plus importante collection de tapas polynésiens existant en Europe (plus de deux cents au musée océanien de La Neylière, près de Saint-Symphorien sur Coise). L'autre spécialiste, Wonu Veys, actuellement conservatrice des collections océaniennes au Museum voor Volkenkunde de Leiden aux Pays-Bas, a produit une remarquable thèse sur le tapa tongien et fidjien. On échappe du coup à l'écueil principal qui guette un tel type de production, à savoir une consommation esthétisante de l'œuvre privée de son contexte. Certes les critiques d'art peuvent offrir des clés de lecture intéressante de telles œuvres " d'art premier ", mais des expert(e)s ayant séjourné durablement dans les îles productrices des œuvres ont forcément un point de vue mieux documenté que ceux qui n'y ont effectué que des séjours de courte durée, voire aucun séjour du tout.

3Les chapitres de ce livre sont à la fois illustrés comme un catalogue, et documentés comme un véritable ouvrage d'analyse. On a donc en un seul ouvrage les avantages de deux genres habituellement distincts. L'effet est on ne peut plus bénéfique, joignant l'utile à l'agréable. L'agréable, c'est en l'occurrence la qualité des reproductions en couleur qui console le lecteur de n'avoir pu voir l'exposition et lui en restitue l'essentiel. L'utile ce sont les textes d'analyse qui accompagnent l'illustration, mais qui ne tombent pas dans le pédantisme, ou le discours abscons. Qu'on le veuille ou non, le meilleur commentaire possible sur des œuvres enracinées dans des terroirs qui les continuent à les produire à l'heure actuelle, viendra toujours de gens ayant fréquenté les producteurs vivants de ces œuvres, et le commentaire sera encore meilleur si ces personnes sont des professionnelles du terrain et de la matière en débat.

4Les six articles thématiques qui précèdent la présentation des objets du catalogue sont signés de Marie-Claire Bataille-Benguigui, Hélène Guiot, Fanny Wonu Veys et Claude Stéfani. " Le " sens " des fibres en Océanie, écorce battue et autres végétaux " (pp. 7-16) de Marie-Claire Bataille-Benguigui est une entrée en matière à la fois dans la pratique et dans les représentations liées à la production du tapa en Océanie. Rappelant que le textile à base d'écorce battue est attesté dans toutes les zones tropicales du globe, l'auteur s'attache à démontrer sa spécificité océanienne. Elle commence par évoquer les mythes fondateurs associés à sa pratique, avant d'en recenser les usages les plus prestigieux.

5La question de la matière première est aussi explicitée dans un bref article d'Hélène Guiot sur le cas concret de l'île Wallis ('Uvea). L'auteur nous détaille l'ensemble des matériaux utilisés dans la confection du tapa. Ceux-ci vont de l'écorce, plus exactement du liber qui en constitue la seconde couche, jusqu'à la colle, aux teintures et vernis employés, sans oublier les instruments mis à contribution dans cet art consommé de la transformation d'une ressource végétale.

6Hélène Guiot revient dans un autre article consacré cette fois aux motifs wallisiens, et en particulier, à la forme " terre-mer " inaugurée au milieu de la décennie 1950 dans le contexte d'un développement de la production diligentée par les religieuses de la Congrégation des Sœurs Missionnaires de la Société de Marie. Elle nous fait découvrir les multiples aspects de ce décor du vingtième siècle qui n'a pas remplacé les autres formes de production, mais s'y est accolé. L'accumulation des formes semble en effet aller dans le sens de la " thésaurisation " justement relevée dans l'article de Marie-Claire Bataille-Benguigui.

7La double contribution de Fanny Wonu Veys, qui met à profit son expérience du musée de Leiden, reprend quelques-uns des thèmes développés dans sa remarquable thèse de doctorat. Dans la première " Le tapa : un emballage ordinaire sacré " (pp. 20-33), elle nous sensibilise au fait que la technique d'emballage se décline en de multiples fonctions, parfois antithétiques, qui vont de la protection à l'accueil du divin et de l'étranger, en passant par le voile et le dévoilement.

8Dans la deuxième intitulée " Techniques de fabrication et de décoration " (pp. 34-41), elle prolonge sur le plan des pratiques ce que Hélène Guiot avait présenté sur le plan des matériaux. Elle nous fait saisir dans le détail les distinctions à établir entre les techniques d'immersion, d'enfumage, d'impression, de pochoir, de décoration à main levée, de matrices et de décor en filigrane. Son contexte de référence est emprunté aux Tonga et aux Fidji.

9Le dernier article préparatoire au catalogue est de Claude Stéfani (pp. 50-54) qui s'intéresse à un tiputa, " manteau du roi de Bora-Bora " appartenant à la collection de l'ancienne École de médecine navale de Rochefort, pour en établir la véritable identification, et en affiner l'expertise à la lumière d'autres pièces provenant des îles de la Société.

10Le catalogue proprement dit affiche 63 objets et il est signé de Laurent Guillaut, conservateur en chef du patrimoine au musée de Cahors Henri-Martin et commissaire de l'exposition, et de Fanny Wonu Veys qui a apporté son expertise à la documentation et à la présentation des objets exposés. Les objets sont bien entendu représentatifs de la diversité des lieux, des cultures, des matériaux et des décors produits. Ils proviennent des collections des musées du Quai Branly de Paris et de La Neylière. Ils proviennent de l'ensemble des archipels océaniens s'étalant d'ouest en est du Pacifique (le sens de circulation étant censé représenter le sens de la création historique et du flux des populations, échelle à la fois spatiale et temporelle) : Nouvelle-Guinée, Nouvelle-Bretagne, Santa Cruz, Vanuatu, Nouvelle-Calédonie, Fidji, Tonga, Samoa, Wallis, Futuna, îles Marquises, îles de la Société, Hawaii et Nouvelle-Zélande, bref un panorama on ne peut plus représentatif du domaine.

11L'ensemble de l'ouvrage est servi par une iconographie impeccable, mais on retiendra autant la qualité des textes que celle des reproductions en couleur. Toutes ces raisons plaident au large recours à ce titre pour toutes les personnes désireuses d'en connaître sérieusement sur les tapas océaniens. S'il y avait une réserve à formuler, ce serait celle, somme toute mineure, du titre : " étoffes cosmiques " qui tendrait à donner un sens exagérément astronomique à cette production, alors qu'il suffit de les considérer comme des " biens de prestige " dont l'usage se manifeste au cours des moments les plus solennels de la vie sociale. Il ne nous viendrait pas à l'idée de traiter les tissus de la vie monarchique ou impériale française comme des " textiles cosmiques ", quels que soient les éléments de décoration qui y apparaissent. L'emphase du titre mise à part, le livre doit désormais être classé dans la catégorie des ouvrages de référence sur la question du tapa en Océanie.

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Tapa, étoffes cosmiques de l'Océanie dirigé par Laurent Guillaut et...

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Ce catalogue d'exposition réalisé à Cahors, comme ceux de Chartres en 2000 et 2004, est un exemple parfait d'édition d'envergure mondiale réalisée à partir d'une initiative locale. Foin des hégémonies des rédactions scientifiques fixées dans les seules capitales, je ne connais pas d'ouvrage en langue française aussi bien documenté sur les tapas océaniens que celui-ci, réalisé à l'occasion de l'exposition homonyme organisée au musée de Cahors Henri-Martin en 2009.

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Tissu tapas (stringfixer.com)

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Le tapa (ou simplement tapa ) est un tissu d'écorce fabriqué dans les îles de l' océan Pacifique , principalement aux Tonga , aux Samoa et aux Fidji , mais aussi loin que Niue , les îles Cook , Futuna , les îles Salomon , Java , la Nouvelle-Zélande , le Vanuatu , la Papouasie Nouvelle-Guinée et Hawaï (où on l'appelle ). En Polynésie française, il a quasiment disparu, à l'exception de quelques villages des Marquises .

Général

Le tissu est connu sous un certain nombre de noms locaux bien que le terme tapa soit international et compris dans toutes les îles qui utilisent le tissu. Le mot tapa vient de Tahiti et des îles Cook , où le capitaine Cook fut le premier Européen à le collecter et à le présenter au reste du monde. [1] [2] Aux Tonga, le tapa est connu sous le nom de ngatu , et ici il est d'une grande importance sociale pour les insulaires, étant souvent offert en cadeau. Aux Samoa, le même tissu s'appelle siapo , et à Niue c'est hiapo . À Hawai'i, il est connu sous le nom de kapa . À Rotuma, une île polynésienne du groupe des Fidji, elle s'appelle 'uha et dans d'autres îles Fidji , elle s'appelle masi . Dans les îles Pitcairn, il s'appelait ahu et en Nouvelle-Zélande , aute . [3] Il est également connu sous le nom de tapia.

Tous ces mots donnent un indice sur l'origine. Masi pourrait signifier (l'écorce de) la figue tinctoriale ( Ficus tinctoria ) , endémique d'Océanie, et probablement celle utilisée à l'origine pour faire le tapa. Quelque part dans l'histoire, au cours des voyages de migration, le hiapo ou siapo a été introduit d' Asie du Sud - Est , le mûrier à papier ( Broussonetia papyrifera ). L'écorce de cet arbre est bien meilleure à utiliser, et fait oublier l'usage de la figue tinctoriale. Seul son nom est resté aux Fidji. Tapa a enfin le sens de bordure ou de bande. Il semble probable qu'avant que le processus de collage ne devienne courant pour fabriquer de grandes feuilles (voir ci-dessous), seules des bandes étroites étaient produites.

Le tapa peut être décoré par frottement, estampage, pochoir, fumage (Fidji : "masi Kuvui") ou teinture. Les motifs de tapa tongien, samoan et fidjien forment généralement une grille de carrés, dont chacun contient des motifs géométriques avec des motifs répétés tels que des poissons et des plantes, par exemple quatre feuilles stylisées formant une croix diagonale. Les teintures traditionnelles sont généralement noires et brun rouille, bien que d'autres couleurs soient connues.

Autrefois, le tissu était principalement utilisé pour les vêtements, mais maintenant le coton et d'autres textiles l'ont remplacé. Le problème majeur avec les vêtements en tapa est que le tissu perd de sa résistance lorsqu'il est mouillé et se désagrège. Cependant, c'était mieux que les jupes en herbe, qui sont généralement soit plus lourdes et plus dures, soit facilement éclatées, mais sur les atolls coralliens bas où le mûrier ne pousse pas, les gens n'avaient pas le choix. Sa fabrication est également exigeante en main-d'œuvre. Le tissu Tapa était fabriqué à la fois par les hommes et les femmes dans les temps anciens. Un exemple est celui des hommes hawaïens, qui fabriquaient également leurs propres armes.

De nos jours, le tapa est souvent porté lors d'occasions formelles telles que les mariages. Une autre utilisation est comme couverture la nuit ou pour diviser la pièce. Il est très prisé pour sa valeur décorative et se trouve souvent accroché aux murs comme décoration. Aux Tonga, une famille est considérée comme pauvre, peu importe l'argent dont elle dispose, si elle n'a pas de tapa en stock à la maison pour faire un don lors d'événements de la vie comme les mariages, les funérailles, etc. Si le tapa leur a été offert par un chef ou même la famille royale, il a plus de valeur. Il a été utilisé dans les masques de cérémonie en Papouasie-Nouvelle-Guinée et aux îles Cook (masques mangiens). Il était utilisé pour emballer des objets sacrés, par exemple, les " bâtons de Dieu " aux Îles Cook.

En Nouvelle-Zélande, les premiers colons maoris ont vraisemblablement créé des vêtements à partir des arbres Broussonetia papyrifera qui ont été amenés sur les îles pour être cultivés, mais aucune preuve archéologique de cela n'existe. [3] Le climat néo-zélandais n'était pas adapté à la culture de grandes quantités de tapa, c'est pourquoi les premiers Maoris ont plutôt adopté l'utilisation du harakeke ( Phormium tenax , ou lin néo-zélandais). [4] Dans les années 1770, l'utilisation principale du tissu tapa était de créer un tissu blanc et doux utilisé pour les filets ou les piercings d'oreilles par les hommes de haut rang, mais les textiles en tissu d'écorce ont disparu au début du XIXe siècle, coïncidant avec la disparition de l'arbre de Nouvelle-Zélande. [3]

Fabrication

Ce qui suit décrit la fabrication du tissu Tapa aux Tonga, où il fait toujours partie de la vie quotidienne. [5] Il peut y avoir de petites ou de grandes différences pour d'autres emplacements.

A Tonga, hiapo est le nom donné au mûrier à papier. Il n'est généralement pas cultivé dans des plantations entières, mais des portions d'igname ou d'un autre potager lui sont souvent réservées. [6] Ils sont coupés et ramenés à la maison où la première tâche est d'arracher l'écorce des arbres. Les bandes mesurent environ la largeur de la main et la longueur d'une personne. Le bois qui reste est nommé mokofute . L'écorce se compose de deux couches; l'écorce externe est grattée ou séparée de l'écorce interne. Ce travail s'appelle haʻalo . L'écorce externe est jetée; l'écorce interne, nommée tutu ou loututu , est un reste. Il est séché au soleil avant d'être trempé.

Après cela, l'écorce est battue sur une enclume de tutua en bois à l'aide de maillets en bois appelés ike . Lors du battage, l'écorce s'amincit et s'étale sur une largeur d'environ 25 cm. Cette phase du travail est appelée tutu (ou tutua ). Les maillets sont plats d'un côté et ont des rainures grossières et fines des autres côtés. On utilise d'abord les côtés grossiers et, vers la fin du travail, le côté plat ( tā-tuʻa ).

Les battements continus "thonk" du maillet de tapa sont un son normal dans les villages tongans. [5] Si plusieurs femmes travaillent ensemble, elles peuvent en faire un concert. Dans ce cas, il pourrait y en avoir un qui tukipotu , bat le bout du tutua pour donner le rythme.

Lorsque les bandes sont suffisamment minces, plusieurs sont prises et battues ensemble en une grande feuille. Un peu d'amidon du kumala ou du manioké peut être frotté sur des endroits qui ne veulent pas coller. Cette partie du travail s'appelle ' opo'opo , la colle s'appelle tou et la feuille de tapa qui en résulte s'appelle feta'aki . Il se compose alors de deux couches de bandes perpendiculaires, la supérieure appelée lauʻolunga et la inférieure laulalo .

Un couteau ou une coquille tranchante, nommé mutu , est utilisé pour couper les bords, et les morceaux tombés au cours de ce processus sont appelés papanaki . Lorsque le fetaʻaki blanc est brun fumé, on l'appelle sala .

Souvent, les femmes de tout un village travaillent ensemble sur une immense feuille de tapa. Un don est fait à l'église ou à son chef lors d'une occasion importante. De telles nappes mesurent environ 3 m de large et 15 ou 30 m, voire parfois 60 m de long. Les pièces de 15 mètres sont appelées launima (ce qui signifie cinq feuilles, car la feuille est de cinq carrés), et les pièces de 30 m sont appelées lautefuhi .

Ratzel (1896) [7] a décrit la fabrication du tapa comme suit :

"Une coupe circulaire est faite avec une coquille dans l'écorce au-dessus de la racine de l'arbre; l'arbre est cassé, et en quelques jours, lorsque la tige est à moitié sèche, l'écorce et le liber en sont séparés. Le liber est ensuite nettoyée et macérée dans l'eau, après quoi elle est battue avec la massue nervurée sur un bloc de bois. Ce battage anime un village des Tonga comme le battage le fait en Europe. En une demi-heure, la pièce aura changé de forme d'une bande presque à un carré. Les bords sont coupés avec des coquilles, et un grand nombre de pièces sont dessinées séparément sur un tampon en bois semi-cylindrique, sur lequel le motif, travaillé en fibre de coco, est étiré et enduit d'un fluide à la fois adhésif et la coloration. Sur chacun une deuxième et troisième couche est placé; et la pièce, trois couches d'épaisseur,se colore plus fortement dans les parties mises en relief par les inégalités du lit. D'autres lui sont annexés à la fois sur le côté et à l'extrémité, jusqu'à ce que des pièces d'un mètre de large et de 20 à 25 mètres de long soient produites. - Friedrich Ratzel , (1896) [7]

Peinture

Le fetaʻaki est presque toujours peint. Il devient alors ngatu , le mot tongan désignant le produit final. La peinture est réalisée sur toute la longueur, mais uniquement sur les 2,5 mètres centraux dans le sens de la largeur. Des deux côtés, il y a une bordure non peinte d'environ 20 cm de large, qui s'appelle le tapa (à Tonga). Pour le peindre, les feuilles sont posées sur un énorme tambour en bois recouvert de pochoirs ou kupesi ( upeti aux Samoa). Ces pochoirs sont fabriqués à partir de nervures médianes avant de noix de coco (ou tout autre bâtonnet de quelques millimètres d'épaisseur) et réalisés dans le motif qui sera utilisé. Il y a une poignée de kupesi standard des dessins, comme la " route des pins " (la route du palais au cimetière royal), ou le " bouclier des Tonga ", ou le " lion " (le roi), ou la " colombe " (le roi comme souverain), et des figures plus abstraites comme le 'Manulua' (deux oiseaux).

La feuille de tapa est mis sur le tambour et les femmes se frotter avec la force d' un dabber avec un peu de peinture brune (fabriqués à partir de l' koka arbre ( Bischofia javanica )) sur la feuille. Ce travail s'appelle tataʻi . Là où ils frottent sur une nervure du kupési, plus de peinture collera à cette position tandis que très peu collera ailleurs. De cette façon, le motif de base est mis sur la feuille. Une fois qu'une pièce est terminée, ils soulèvent la feuille et passent à la bande suivante et ainsi de suite. Ce n'est que lorsque toute la feuille aura été prétraitée, qu'elle sera étalée sur le sol et [ préciser ] avec un pinceau (en Pandanusdes graines). Les femmes accentueront les marques peu visibles avec de la peinture plus généreuse, cette fois à base de tongo , la mangrove ( Rhizophora mangle ) . Les peintures koka et tongo sont toujours brunes, mais cette dernière est beaucoup plus foncée. Le noir n'est pas utilisé aux Tonga, bien qu'il soit caractéristique des Fidji.

Il est d'usage que pendant le processus de peinture, des lignes soient tracées sur le ngatu le long de la largeur tous les 45 cm ou plus. Les kupesi sont également faits à la taille qu'ils s'adapteront aux divisions ainsi faites. Une telle division est connue sous le nom de langanga et elles sont numérotées (sur le tapa vierge ) de un à autant que nécessaire pour toute la longueur. Lorsqu'un plus petit morceau de ngatu est nécessaire, la feuille est coupée le long d'une division de langanga . Un morceau de 4 à 6 langanga s'appelle folaʻosi . Une 8-pièce est fātuua , tandis qu'un 10 langanga morceau de ngatu est connu comme toka hongofulu. Moins courants sont les doubles fātuua , nommés fātufā ou encore le double de celui-ci, les fātuvalu .

Ce sont les ngatu traditionnels , comme en témoigne le vocabulaire étendu utilisé (il existe encore beaucoup d'autres termes). De nos jours, pour le tourisme, d'autres tailles et modèles peuvent également être fabriqués.

Galerie

Siapo mamanu (tapa tapa), années 1890, Samoa (Te Papa, Wellington)

Kapa (tapa tapa), avant 1890, Hawaï (The Peabody Museum of Archaeology and Ethnology, Massachusetts)

Masi (tapa), années 1800, Fidji (Neiman Marcus Art Collection, Honolulu)

Voir également

Écorce

Écorce de dentelle

Lave-lave

I-sala , foulards fidjiens en tissu d'écorce

Les références

Sources

Pule, J et Thomas, N "Hiapo", passé et présent dans Niuean Barkcloth" Dunedin, University of Otago Press, 2005.

Arkinstall, Patricia Lorraine, " A study of bark cloth from Hawaii, Samoa, Tonga and Fiji, An exploration of the regional development of distinctifs styles of bark cloth and its relation to other cultural factors", Ithaca, NY, 1966.

Brigham, William Tufts, " Ka hana kapa, fabrication de tissu d'écorce à Hawaï ", Honolulu, Bishop Museum Press, 1911.

SI. Hélu ; Essais critiques : Perspectives culturelles des mers du Sud ; 1999

Kaeppler, Adrienne Lois , " Les tissus d'Hawaï (tissu d'écorce) ", Leigh-on-Sea, F. Lewis, 1975.

Leonard, Anne et Terrell, John, "Patterns of Paradise: The styles and signification of bark cloth around the world", Field Museum of Natural History, Chicago USA, 1980.

Neich, Roger et Pendergrast, Mick, "Pacific Tapa", University of Hawai'i Press, Honolulu, 1997.

Winter, Joan G., "Talking Tapa: Pasifika Bark Cloth in Queensland", Keeaira Press, Southport QLD, 2009.

Aldridge, Richard et Hamson, Michael, "Art of the Massim & Collingwood Bay", Michael Hamson, Palos Verdes, Californie, 2009.

Meyer, Anthony JP, "Les Tapa funéraires des Nakanai de Nouvelle-Bretagne", Série : Océanie-Océanie n°11, Galerie Meyer, Paris 1992

Kooijman, Simon, "Tissu d'écorce ornementé en Indonésie", série : Mededelingen van het Rijksmuseum voor Volkenkunde, Leiden, n° 16. Leiden, EJ Brill, 1963.

Meurant, Georges et Thompson, Robert Farris, "Mbuti Design: Paintings by Pygmy Women of the Ituri Forest", Thames & Hudson, 1996.

Wright, Margot, "Barkcloth: Aspects of Preparation, Use, Deterioration, Conservation and Display (Conservators of Ethnographic Artefacts)", Archetype Books, 2001.

Richards, Rhys, "Pas tout à fait éteint : tissu d'écorce mélanésien ('Tapa') des îles Salomon occidentales", Paremata Press, 2005.

Goldman, Irving, "The Cubeo: Indians of the Northwest Amazon", University of Illinois Press, 1979.

Arbeit, Wendy, "Tapa in Tonga", University of Hawaii Press, Honolulu, 1995.

Liens externes

Tissu d'écorce − Hier et aujourd'hui , Musée virtuel de Quilters' Muse

Tissu d'écorce - Tapa - Tapis , L'histoire de l'humanité - Ratzel

[1] , page Web des jardins de Kew

Fabrication de masi fidjien

Tapa in Tonga , Ministère néo-zélandais des Affaires des îles du Pacifique

Tapa dans la collection du Musée de Nouvelle-Zélande Te Papa Tongarewa

Tapa Cloth comme support artistique

Échantillons de tapa de la province d'Oro −- Papouasie-Nouvelle-Guinée

TAPA Unwrapping Polynesian Barkcloth , Eskenazi Museum of Art, Indiana University

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Le tapa (ou simplement tapa ) est un tissu d'écorce fabriqué dans les îles de l' océan Pacifique , principalement aux Tonga , aux Samoa et aux Fidji , mais aussi loin que Niue , les îles Cook , Futuna , les îles Salomon , Java , la Nouvelle-Zélande , le Vanuatu , la Papouasie Nouvelle-Guinée et Hawaï (où on l'appelle kapa ).

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Tapa et écorces peintes de Papouasie-Nouvelle-Guinée | BOGOTA Store

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Tapa et écorces peintes de Papouasie-Nouvelle-Guinée | BOGOTA Store

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Le tapa/Tapa Cloth est un fragment de jupe de danse en tapa collecté dans la région de Popondetta en Papouasie Nouvelle Guinée.

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textiles en bois - buro Belén (burobelen.com)

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It is one of the aims of the Wooden Textiles project to use and promote Tapa - not only as a visual, haptic and attractive material but also as a sustainable and clean alternative to con- ventional textiles. On the isles of the Pacific, the fragile and delicate Tapa is predominantly used for ceremonial attire.

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Atelier bogolan au brukina Faso (ithemba.fr)

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Ce coussin est réalisé à la main à Ouagadougou au Burkina Faso selon la technique dites du bogolan. Le bogolan est un artisanat traditionnel de teinture végétale sur du coton, reconnaissable par ses teintes aux...

Envie d'ajouter une touche ethnique chic à votre intérieur ? Ce coussin graphique couleur ocre est tout ce qu'il vous faut. En effet, pour une déco aux tons naturels, à la fois ethnique et contemporaine, vous pouvez...

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Papouasie-Nouvelle-Guinée | Quilt of Belonging

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Les Papouans-Néo-Guinéens sont réputés pour leurs sculptures élaborées produites dans différentes régions selon les habiletés et les croyances traditionnelles. La sculpture tridimensionnelle au centre du carré est typique des objets créés dans le district du lac Murik. La toile de fond, sur laquelle…

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Le tapa | une tradition artisanale et artistique exposée au sein de La Villa (brasserie-lavilla.com)

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Le tapa est utilisé pour la création de couverture et de vêtements de cérémonie.

L'étoffe est portée par les groupes de danse à l'occasion de rites, de représentations et les spectacles de nombreuses sociétés d'Océanie.

Enfin, on l'utilise comme décorations et comme monnaie d'échange.

En effet, le tapa est fabriqué pour être offert au cours des cérémonies de mariage.

Sa double dimension sacrée et esthétique fait qu'il est considéré comme un intermédiaire entre les hommes et leurs Dieux et ancêtres.

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Le tapa | une tradition artisanale et artistique exposée au sein de La Villa

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Le tapa est utilisé pour la création de couverture et de vêtements de cérémonie. L'étoffe est portée par les groupes de danse à l'occasion de rites, de représentations et les spectacles de nombreuses sociétés d'Océanie. Enfin, on l'utilise comme décorations et comme monnaie d'échange.

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Aboriginal Signature - ESTRANGIN FINE ART - News Art Today

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Aboriginal Signature - ESTRANGIN FINE ART

La galerie Aboriginal Signature est honorée de présenter la première exposition en Belgique, des femmes Ömies de Papouasie Nouvelle Guinée. Artistes célébrées internationalement, elles viennent de la région de l'Oro, un territoire éloigné qui rassemble de petits villages coiffés par le volcan sacré Huvaimo (1680 m). Leur culture préservée est parvenue jusqu'à nous grâce à leurs étoffes d'écorce, ornées des motifs traditionnels et des symboles des tatouages utilisés lors des cérémonies.

Dans l'exposition " Sacred Mountain Illuminated ", 34 œuvres exceptionnelles en étoffes d'écorce ou tapa, ont été réalisées par 24 artistes femmes Ömies sur ces 5 dernières années. Toutes artistes de premier plan, elles sont également duvahe (chefs), ou seniors au sein de la communauté. Nées entre 1919 et 1987. de mère en fille, ces femmes portent haut la mémoire de leur peuple, et révèlent à travers les tapas, toute la résonance spirituelle de leur montagne sacrée. Leurs signes y expriment avec subtilité et fluidité les tatouages corporels et les mythes liés aux lieux de création. Dans une complexe intimité avec leurs lieux traditionnels, elles y célèbrent leur identité et la transmission des connaissances.

Renseignements pratiques :

Du 21 au 22 octobre 2016, exposition " Sacred Mountain Illuminated ". A voir sur NewsArtToday.tv
Aboriginal Signature * Estrangin Fine Art http://www.aboriginalsignature.com
101 rue Jules Besme, 1081 Bruxelles, Belgique
manager@aboriginalsignature.com

GSM : 32 (0) 475 55 08 54

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Aboriginal Signature - ESTRANGIN FINE ART - News Art Today

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La galerie Aboriginal Signature est honorée de présenter la première exposition en Belgique, des femmes Ömies de Papouasie Nouvelle Guinée. Artistes célébrées internationalement, elles viennent de la région de l'Oro, un territoire éloigné qui rassemble de petits villages coiffés par le volcan sacré Huvaimo (1680 m).

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Australian Aboriginal Art Exhibitions - Short St Gallery

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Australian Aboriginal Art Exhibitions - Short St Gallery

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Our exhibition schedule traverses the diverse styles of the numerous cultures that make up Australia, Each year we showcase the best Australian artists whose work is often informed from a rich Indigenous history, from artists still actively living traditional Aboriginal law and culture.

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Etoffes d'écorce - Ömie artists - barkclothes - tapa - papua new guinea — Art Aborigène d'Australie - Aboriginal Signature Estrangin gallery

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Art Aborigène d'Australie - Aboriginal Signature Estrangin gallery

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La galerie Aboriginal Signature est honorée de présenter la première exposition en Belgique, des femmes Ömies de Papouasie Nouvelle Guinée. Artistes célébrées internationalement, elles viennent de la région de l'Oro, un territoire éloigné qui rassemble de petits villages coiffés par le volcan sacré Huvaimo (1680 m). Leur culture préservée est parvenue jusqu'à nous grâce à leurs étoffes d'écorce, ornées des motifs traditionnels et des symboles des tatouages utilisés lors des cérémonies.

Dans l'exposition "Sacred Mountain Illuminated", 34 œuvres exceptionnelles en étoffes d'écorce ou tapa, ont été réalisées par 24 artistes femmes Ömies sur ces 5 dernières années. Toutes artistes de premier plan, elles sont également duvahe (chefs), ou seniors au sein de la communauté. Nées entre 1919 et 1987. de mère en fille, ces femmes portent haut la mémoire de leur peuple, et révèlent à travers les tapas, toute la résonance spirituelle de leur montagne sacrée. Leurs signes y expriment avec subtilité et fluidité les tatouages corporels et les mythes liés aux lieux de création. Dans une complexe intimité avec leurs lieux traditionnels, elles y célèbrent leur identité et la transmission des connaissances.

Vernissage le mardi 20 septembre à partir de 20h.
Exposition ensuite du 21 septembre au 22 octobre 2016, du mercredi au samedi de 14h30 à 19h. A d'autres moments sur simple RDV.
101 rue Jules Besme, 1081 Bruxelles.

Rôle des missionaires dans la préservation involontaire de la culture ömie

Dés le début des années 1900, les missionnaires vont tenter de convertir les Ömies à la religion chrétienne tout en interdisant leurs anciennes pratiques. Ces tentatives seront plus ou moins fructueuses en raison de l'éloignement des villages. Dans certaines communautés les pratiques des étoffes d'écorces peintes disparaitront, avec des évènements tristes où tous les barkclothes seront brûlés par les missionnaires, mais dans d'autres villages elles pourront persister grâce à l'éloignement.

L'interdiction additionnelle par les missionnaires des tatouages sur les peaux des hommes Ömies, conduisit ceux-ci à les appliquer sur les barkclothes là où cela était encore possible, afin de garder la mémoire et de préserver néanmoins leurs rites. Le rôle des missionnaires fut ainsi paradoxal avec un rôle ambigüe entre interdiction et préservation involontaire par endroit.

Différentes étoffes des Ömies présentées à Bruxelles reprennent ces tatouages traditionnels, soulignés avec les pigments naturels sur ces tapas.

L'Eruption volcanique comme terreau fertile d'un mouvement artistique

En 1951 l'éruption du Mont Huvaimo, leur montagne sacrée, va décimer une partie de la population voisine des Orokaivan (3000 morts). Les panaches de fumée ont détruit la grande majorité des villages Ömies, mais la plupart du peuple Ömie a échappé à la catastrophe en se réfugiant dans la vallée de Gora, où de nombreux artistes vivent aujourd'hui.

L'éruption de l'Huvaimo a été particulièrement important pour la préservation de la culture et de l'art Ömie, car le volcan est l'endroit où les esprits des Ancêtres résident encore aujourd'hui. L'éruption a été perçue par les Chefs Warrimou et Nogi du village de Sidonejo, comme une manifestation explicite que les Ancêtres étaient en colère contre l'incursion des missionnaires dans la culture Ömie. Cela a conduit à une période de préservation de la culture et à une dynamique d'expression en peinture sur les tapa, transférant ainsi les tatouages rituels d'initiation des hommes sur les étoffes d'écorce.

SURVIVANCE de la culture ancestrale Ömie

Les Ömies de Papouasie Nouvelle Guinée ont toujours peints sur les étoffes d'écorce. Cependant en raison du climat et des incursions des missionnaires, de très rares exemplaires des tapas des années 1950 sont parvenus jusqu'à nous. Ils figurent dans les collections publiques du Musée de Nouvelle Zélande ou celui de l'University of Anthropology Museum, University of Queensland, à Brisbane en Australie.
Identifiés sous le terme générique de tapa de Papouasie Nouvelle Guinée au départ, ces premières œuvres ont été récemment attribués aux Ömies, grâce à l'aide des artistes et des communautés.

Pour les artistes Ömies ont a souvent parlé d'un esprit Papunya, par la révélation comparable de leurs signes ancestraux préservés jusqu'à nous, par l'entremise chez les Aborigènes de toiles peintes avec de l'acrylique, et ici par des représentations en pigments naturels apposées sur le support traditionnel des étoffes d'écorce.

Comme à Papunya tout cela s'est joué à un fil. L'immersion d'une autre culture aurait pu faire totalement disparaître ces anciennes civilisations. L'interruption de certaines pratiques comme les tatouages, l'invitation à transposer sur d'autres supports les signes ancestraux, vont conduire à la perpétuation du savoir grâce à une dynamique artistique extrêmement importante pour les communautés actuelles, chaque œuvre étant comme un livre ouvert partagé avec les générations à venir.

Une Culture honorée au niveau international

La réalisation des œuvres est accompagnée par des chants harmonieux des temps les plus anciens et célèbrent en écho la puissance magique de fécondité des femmes.

Leurs histoires anciennes et chants sacrés sont transmis de génération en génération comme une part intégrante de la création des étoffes d'écorce Ömies. Leur art contemporain devient un vecteur de mémoire précieux et honore leur culture à travers la finesse des signes partagés sur des matériaux organiques.

Depuis leur première exposition en 2006 à Sydney, les artistes femmes Ömies sont célébrés au niveau international par de nombreuses institutions comme la National Gallery of Victoria qui organisait en 2009 : "Wisdom of the Mountain: Art of the Omie", ou sont entrées dans les collections prestigieuses du British Museum, du Museum of Archaeology and Anthropology (University of Cambridge), la National Gallery of Australia (Canberra), le Museum Fünf Kontinente (Munich), le Fowler Museum at UCLA (Los Angeles) et dans figurent dans quelques collections privées.

Peintures des artistes Ömie de Papouasie Nouvelle Guinée, présentées dans l'exposition :
Pour disposer d'une vue complète des œuvres, nous vous invitons à cliquer sur les photos ci-dessous.

En savoir plus sur les artistes Ömies :
- Wisdom of the Mountain
- Creation story
- Volcano song

L'exposition "The Sacred Mountain Illuminated" est organisée en partenariat avec les Ömie artistes de Papua New Guinea.

Les Ömie Artists ont été également sponsorisés par Pacific Islands Forum Secretariat et le Pacific Islands Trade & Invest, pour cette exposition.

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Etoffes d'écorce - Ömie artists - barkclothes - tapa - papua new guinea - Art Aborigène d'Australie - Aboriginal Signature Estrangin gallery

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La galerie Aboriginal Signature est honorée de présenter la première exposition en Belgique, des femmes Ömies de Papouasie Nouvelle Guinée. Artistes célébrées internationalement, elles viennent de la région de l'Oro, un territoire éloigné qui rassemble de petits villages coiffés par le volcan sacré Huvaimo (1680 m).

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Le tissu d'écorce de Ficus – Acaali

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Chaque pays a de par son histoire, sa culture, développé au fil des siècles un savoir-faire remarquable : la soie en Chine, le batik en Indonésie, la dentelle en France.

L'Ouganda, en Afrique de l'Est, a su préserver un artisanat d'exception, le tissu d'écorce d'arbre.

Propre au peuple Baganda, il est le tissu des Rois. Il est fabriqué selon l'un des savoir-faire les plus anciens au monde. Remontant à la préhistoire, ce savoir-faire est inscrit au Patrimoine Immatériel de l'Humanité.

Lentement mis de côté depuis des décennies au profit d'autres textiles, l e tissu d'écorce périclite et pourtant cette filière pourrait avoir un impact social et environnemental important.

En le modernisant et en l'introduisant dans la décoration d'intérieur, nous souhaitons participer à la préservation d'un savoir-faire ancestral, soutenir une communauté d'artisans et revitaliser un écosystème.

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Chaque pays a de par son histoire, sa culture, développé au fil des siècles un savoir-faire remarquable : la soie en Chine, le batik en Indonésie, la dentelle en France. L'Ouganda, en Afrique de l'Est, a su préserver un artisanat d'exception, le tissu d'écorce d'arbre.

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Service de l’artisanat (hiroa.pf)

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Accueil - Service de l'artisanat traditionnel

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Amérique latine: immense mosaïque de cultures; The UNESCO Courier: a window open on the world; Vol.:XXX, 8/9; 1977 - 074814freo.pdf

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musée du quai Branly - Jacques Chirac - Production - musée du quai Branly - Jacques Chirac - Etudier, présenter et préserver le Tapa

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Matériau emblématique du monde océanien, présent également en Afrique en Asie et en Amérique latine, le tapa entre assez tôt dans les collections des musées grâce aux découvreurs européens des XVIIIe et XIXe siècles.

Aujourd'hui, étudier, conserver et exposer ces pièces historiques, ou d'autres plus contemporaines, soulève de nombreuses questions au sein des équipes des conservateurs comme des restaurateurs.

C'est dans cette double perspective, scientifique et technique, que seront abordées ces journées qui devraient permettre de présenter une synthèse des recherches en cours, des cas pratiques et de susciter des échanges concrets autour des différentes méthodes de conditionnement, de restauration et de présentation des tapa.

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Matériau emblématique du monde océanien, présent également en Afrique en Asie et en Amérique latine, le tapa entre assez tôt dans les collections des musées grâce aux découvreurs européens des XVIIIe et XIXe siècles. Aujourd'hui, étudier, conserver et exposer ces pièces historiques, ou d'autres plus contemporaines, soulève de nombreuses questions au sein des équipes des conservateurs comme des restaurateurs.

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Les îles Marquises - Service de l'artisanat traditionnel

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Les îles Marquises - Service de l'artisanat traditionnel

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Le service de l'artisanat traditionnel est une administration de proximité qui a pour missions la professionnalisation et la promotion du secteur de l'artisanat traditionnel, l'amélioration de la production artisanale de qualité, la définition d'orientations stratégiques pluriannuelles qui vont permettre le développement d'une dynamique par l'exploitation durable des ressources et des savoir-faire.

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TAPA. DE L'ÉCORCE À L'ÉTOFFE, ART MILLÉNAIRE D'OCÉANIE (extrait) by Somogy éditions d'Art - Issuu

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TAPA. DE L'ÉCORCE À L'ÉTOFFE, ART MILLÉNAIRE D'OCÉANIE (extrait)

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FROM TREE BARK TO CLOTH: AN ANCIENT ART OF OCEANIE. From Southeast Asia to Eastern Polynesia