# data[].attributes.headline
La pala di Pesaro, Giovanni Bellini 1471-1483

# data[].attributes.subject
La pala di Pesaro, Giovanni Bellini 1471-1483

# data[].attributes.headline
San Sebastiano, Antonello da Messina 1478

# data[].attributes.subject
San Sebastiano, Antonello da Messina 1478

# data[].attributes.body
È un dipinto ad olio su tavola trasportato su tela. Lo sfondo è occupato dai palazzi (probabilmente veneziani), perfettamente in prospettiva e con alcuni elementi fiamminghi come i due tappeti stesi ai lati del Santo. Quest’opera rappresenta di fatto un’ottima raffigurazione di anatomia umana. Ιl santo è infatti ritratto in piedi leggermente curvo verso destra, ed ha cinque frecce conficcate nel ginocchio destro, nella coscia sinistra, nel suo ventre, nel suo addome e in pieno petto. L’espressione non comunica eccessivo dolore, ma più una pacata mestizia della sopportazione del martirio.

# data[].attributes.headline
Cristo alla colonna, Antonello da Messina 1476-1478

# data[].attributes.subject
Cristo alla colonna, Antonello da Messina 1476-1478

# data[].attributes.body
È evidente la cura dei particolari tipica dell’arte fiamminga, con influenza però del gusto veneziano. Le dimensioni sono alquanto ridotte ed è particolare l’inquadratura così ravvicinata. Il dolore del Cristo è evidente e l’opera stessa emana questo dolore con grande efficacia. Come in molte altre delle sue opere, Antonello si mostra scrupoloso nel rappresentare fedelmente i dettagli: i capelli sudati, la barba, nella quale i peli possono essere distinti singolarmente, la bocca semiaperta, che lascia intravedere i denti e la lingua, le prime strisce di sangue che macchiano il viso, le gocce perfettamente trasparenti.

# data[].attributes.headline
Ritratto d’uomo, Antonello da Messina 1475-76

# data[].attributes.subject
Ritratto d’uomo, Antonello da Messina 1475-76

# data[].attributes.body
L’uomo ritratto è sconosciuto, ma a giudicare dall’abbigliamento sembra essere di medio-alto rango sociale. Porta una giubba in pelle che lascia intravedere la camicia bianca. L’uomo porta un berretto rosso. Il ritratto è fatto a 3/4, mentre lo sfondo è nero. È evidente l’influenza fiamminga, soprattutto di Petrus Christus, che Antonello conobbe direttamente in Italia. L’uso della tecnica ad olio permette un’ottima definizione della luce e passaggi di tono molto morbidi che riescono a rappresentare i differenti materiali.

# data[].attributes.headline
Vergine annunciata, Antonello da Messina 1476-77

# data[].attributes.subject
Vergine annunciata, Antonello da Messina 1476-77

# data[].attributes.body
Olio su tavola. Maria si trova al centro del dipinto e porta un velo blu che le copre il capo e le spalle. Particolare la rappresentazione delle mani, la destra è portata in avanti mentre la sinistra regge il velo. I lineamenti del viso sono giovanili e lo sguardo è rivolto in basso a sinistra. Lo sfondo è nero e quindi non riporta alcun elemento particolare

# data[].attributes.body
Contrario di Tiziano, c'è un controllo totale. La magrezza della tempera ancora veniva usata a Firenze oppure con l’olio, ma senza velature. Quadro costruito ancora con la tecnica di Lippi, il contorno rende la spazialità e lo scorcio prospettico che rende le pieghe. Il disegno è stato un passaggio fondamentale nella creazione di quest’opera. Questo è il trionfo del disegno, il risultato è infatti opposto a quello di Tiziano. Il colore pero c’è eccome, Michelangelo tende ad usare molte tinte quasi fluorescenti, e tutte accostate in modo da produrre quasi uno stridio, un contrasto. Concezione contraria a quella veneziana.
A Michelangelo non interessa il paesaggio, non è neanche un prospettico, nelle sue opere non si trovano mai costruzioni prospettiche importanti. Gli interessa solo la figura. A dare unità a questa composizione piramidale è il corpo di questa donna. Michelangelo vede nella donna una creatura titanica. Di lato si vede San Giovanni. Come nella scultura, Michelangelo non mette molte ombre, fa dei bei contrasti, ma per Michelangelo nulla deve smangiare la figura, deve essere tuta percepibile con gli occhi e con la mente.

# data[].attributes.headline
Pietà vaticana, Michelangelo Buonarroti, 1497-1499, basilica di San Pietro

# data[].attributes.subject
Pietà vaticana, Michelangelo Buonarroti, 1497-1499, basilica di San Pietro

# data[].attributes.headline
Ritratto di Carlo V a cavallo durante la battaglia di Muhlberg, Tiziano 

# data[].attributes.subject
Ritratto di Carlo V a cavallo durante la battaglia di Muhlberg, Tiziano 

# data[].attributes.body
Tiziano amplia il ritratto ancora una volta, dipinge Carlo V a cavallo.

# data[].attributes.headline
Ritratto di Federico Ii Gonzaga, Tiziano, 1529

# data[].attributes.subject
Ritratto di Federico Ii Gonzaga, Tiziano, 1529

# data[].attributes.body
Federico II Gonzaga regalò questo ritratto a Carlo V, infatti ora si trova in Spagna, a Madrid. Tiziano volle rappresentare anche il cane irrequieto di Federico. C’è una sinfonia di blu ed azzurro, ed un altra cosa tipica di Tiziano è inserire questi momenti di vita quotidiana, quasi sdrammatizzanti. nonostante non si veda il volto del cane, si capisce bene l’espressione del viso attraverso i chiaroscuri.

# data[].attributes.headline
Ritratto di Filippo Ii di Spagna, Tiziano

# data[].attributes.subject
Ritratto di Filippo Ii di Spagna, Tiziano

# data[].attributes.body
Tiziano allarga l’inquadratura fino alla rappresentazione della figura intera. Questa caratteristica piacque molto. Tiziano lavorava per la corte di Spagna. Un vantaggio e svantaggio del ritratto a figura intera è che apre anche sull’ambiente.

# data[].attributes.body
In Tiziano è tipica la testa alta, ed è manche qui evidente il contrasto cromatico. Questo è un quadro incompiuto, ma è evidente la potenza della pittura, delle pennellate evidenti e in rilievo, come si faceva con la tempera i tratteggi, lui fa una pirata a corpo per sovrapposizione con la trementina. non c’è una forma lisciata come quella di Raffaello, c’è invece immediatezza della mano. Questa tecnica sarà anche usata dagli impressionisti. Il centro dell’opera è completa, di lato, nella manica per esempio è evidente l’incompletezza. Sotto è evidente la manica abbozzata (non col disegno, ma con il pennello), poi ha intinto il pennello nella parte più chiara, dove nell’abito impatterà la luce.
Ci si affida molto all’intuizione visiva, più che al ragionamento.

# data[].attributes.body
Ritratto molto scuro, prevale il nero. Da uno sfondo nero, emerge una camicia bianca ed un gioiello, che è l’unico elemento veramente colorato, assieme agli occhi. È presente una triangolazione dell’azzurro tra gli occhi e il gioiello. la mano è tutta costruita con il colore, ed il guanto, con tutta questa pelle smangiata. Poi il classico volto molto chiarsocurato. Il colore veneziano significa costruire con mezzi cromatici e non grafici, con grande utilizzo di queste macchie chiaroscurate. la cosa che più colpisce die ritratti di tiziano è l’impatto psicologico, l’immediatezza.

# data[].attributes.body
Il ritratto tizianesco tende ad allontanare l’inquadratura. Qui ancora piramidale, come nella gioconda. Elementi di dinamismo, ad esempio la manica viene avanti. importante contrasto tra luce ed ombra, una parte del volto viene anche quasi smangiata. Anche questa è una grande anticipazione dell’arte di Caravaggio del ‘600. Questa è un opera molto discreta, giocata sui grigi e le terre, infatti il colore veneziano non è la varietà delle tinte. Il colore veneziano è evidente per esempio nella costruzione del volto, non con la linea, ma esce la plasticità del volto. Tiziano infatti lavora spesso per colore a corpo sovrapposto a macchie sfumate, non a velatura. In questo modo dona una grande grinta alle sue opere.

# data[].attributes.body
Il soggetto è più animato, il volto si gira come se si fosse appena voltato. Lorenzo Lotto aveva un senso della realtà fenomenica molto vivo, nonostante ciò lavorò nelle provincie seminando i semi che diedero vita a Caravaggio. Evidente il pastoso colore veneziano, i particolari del bordo del colletto e dell'asola, sono dati dei lumi con il giallo, fanno un effetto magnifico. Oltre a Giorgione e Tiziano, molti altri allievi di Giovanni Bellini, infatti, furono importanti

# data[].attributes.headline
Ritratto di giovane con lucerna, Lorenzo Lotto, 1506

# data[].attributes.subject
Ritratto di giovane con lucerna, Lorenzo Lotto, 1506

# data[].attributes.body
Lotto, pur non essendo inferiore ad altri artisti della maniera moderna, anche ad oggi è ricordato molto meno rispetto ad altri. Non fece successo poiché non volle fare la vita di corte. Un conto era lavorare ai grandi vertici con i committenti più ricchi, Lotto invece non ha queste stesse committenze. Era veneziano, compagno di scuola di Giorgione, ma che alle fine va a perdersi così, questo perché non gli piaceva la vita di corte. Eppure è uno dei più grandi ritrattisti del ‘500.

# data[].attributes.body
Michelangelo non faceva ritratti. Amava infatti rappresentare l’uomo nel suo aspetto universale.

# data[].attributes.body
Raffaello riesce già a dare quel contrato tipico del ‘600. Stancatosi della piramide, convince l’amico ad essere ritratto si spalle. Il ritratto è incompiuto, si nota bene ad esempio nell’anello, appena abbozzato con una pennellata. La luce arriva sui capelli biondi che la ribattono uno per uno. Rendere vivi gli occhi è difficilissimo, Raffaello ci riesce divinamente. Si intinge il pennello nella trementina invece che nell’olio in modo da avere un tratto leggermente in rilievo. Un effetto di questo genere con l’olio è sicuramente più semplice di quanto non sarebbe stato con altre tecniche. La tecnica pittorica, dai tempi di Masaccio in un secolo era avanzata incredibilmente.

# data[].attributes.body
Anche qui risultano pochi colori: marroni, gialli, terre. A parte i ritratti con grande influenza fiamminga, le tinte di Raffaello apparentemente si spengono. Il velo evidenzia equilibrio, ma la manica dell’abito da popolana, esce dando quasi una sorta di rotazione, difficilmente Raffaello è fermo. Nella manica, sono presenti decine di colori. Il nero sordo del velluto che assorbe la luce, i puntalini d’oro di filigrana. Da lontano la perfetta sintesi, da vicino l’analisi più pungente che si possa immaginare. C’è tantissimo colore, eppure da lontano sembra bianco.

# data[].attributes.headline
Ritratto di Tommaso (fedra) Inghirami, Raffaello

# data[].attributes.subject
Ritratto di Tommaso (fedra) Inghirami, Raffaello

# data[].attributes.body
Perfetto rigore, anche qui il triangolo è lievemente scentrato, ma la pagina bianca lo bilancia bene. A richiamare il bianco della pagina sono i bulbi oculari strabici di Inghirami.

# data[].attributes.headline
Ritratto di Baldassarre Castiglione, Raffaello, Louvre

# data[].attributes.subject
Ritratto di Baldassarre Castiglione, Raffaello, Louvre

# data[].attributes.body
A Roma inizia ad usare uno sfondo neutro diverso da quello fiammingo. Nell’atmosfera della maniera moderna c’è aria e luce. Pochi colori usati: il nero, il bianco, il grigio e gli occhi azzurri. Raffaello lascia solo un piccolo accenno del carattere ironico di questo grande letterato. Raffaello faceva ritratti spesso ai suoi amici.

# data[].attributes.body
Michelangelo, scelto il suo stile a 14 anni non lo cambiò mai più, mentre Raffaello si reinventa sempre. In coppia con Maddalena Strozzi, Raffaello fa anche questo ritratto.
Sposta la composizione a piramide leggermente scentrata, ed il braccio di Aniolo è appoggiato su una balaustra invece che su un bracciolo, formando un rombo un po’ irregolare.
La plasticità del volto è risentita anche se l’ombra è ridotta all’osso, ma per il resto la luce tipica di Raffaello è meridiana e soffusa ben diversa da quella tenebra soffice di Leonardo Da Vinci. Mentre Leonardo semplifica dal punto di vista cromatico il chiaroscuro (preferisce la velatura), in Raffaello invece il chiaroscuro è ricchissimo di colori. Essendo fatto con un pennello molto sottile, si ha un risultato di impressionante naturalezza, infatti Raffaello sarà il più naturale della maniera moderna, ha uno stile molto equilibrato, non violento.

# data[].attributes.body
Qui è evidente la descrizione fiamminga, anche nella rappresentazione delle mani sembra tornare Van der Weiden. Con l’arrivo a Firenze e la visione della gioconda, Raffaello conosce il paesaggio e se ne innamora.

# data[].attributes.headline
Ritratto di Maddalena Strozzi, Raffaello Santi, 1506 Palazzo Pitti

# data[].attributes.subject
Ritratto di Maddalena Strozzi, Raffaello Santi, 1506 Palazzo Pitti

# data[].attributes.body
Raffaello amava immaginare la spalla di una donna come qualcosa di arcuato. Questo vezzo particolare sarà ripresa da Jean-Auguste-Dominique Ingres. Raffaello viene contattato dalla famiglia dei Doni, banchieri molto ricchi e di grande gusto artistico. Qui Raffaello usa una composizione piramidale, con mani conserte, braccia poggiate sul bracciolo e la figura immersa nel paesaggio. La luce di Raffaello è distesa e soffusa, non c’era alcuna ombra importante. La forma di Leonardo è imprecisa, mentre quella di Raffaello è più distinta. La tecnica di Raffaello compete con il particolarismo fiammingo, mentre Leonardo no. Punta molto sul colore, usa colori vivaci. Il paesaggio è terso, con questi frassini che si alzano. Raffaello usa la formula della Gioconda, ma rivisitandone molto ta tecnica. Il gioliello che porta maddalena è tipico delle spose composto da rubino, smeraldo e zaffiro, tenute assieme dall’unicorno, simbolo della fedeltà coniugale e di castità.
Raffaello aveva la cultura fiamminga nel DNA, nato ad Urbino, da ritrattista ha la qualità di un fiammingo nel disegnare. E di italiano ha il senso della sintesi e dell’armonia
È simile alla gioconda per la struttura piramidale.
L’olio usato nel dipinto, essendo grosso di spessore, col tempo perde di elasticità, su un supporto come la tavola di legno che si dilatano e restringono in continuazione, si formano queste piccole crepe.

# data[].attributes.body
Qui è evidente la pessima conservazione che portava la tecnica di Leonardo. Privi di coesione con l’intonaco, i colori dopo non molto tempo cadevano portando un risultato irrimediabilmente compromesso. Gli oggetti sul tavolo però mantengono il loro brillio meraviglioso.

# data[].attributes.body
Leonardo faticava a staccarsi dalle sue opere, non era un uomo efficiente. La sua tecnica era basata sulla velatura ad olio, per questo faticava con gli affreschi. Sono visibili alcuni elementi innovativi legati all’arte fiamminga. La Gioconda propone un’inquadratura più lontana di quella fiamminga, si pensa che questa signora posò sotto una loggia per Leonardo Da Vinci. Oltre al volto, le mani costituivano un diversivo, ed acquistava molta più importanza anche l’abito che non era più limitato alla scollatura. Questo nuovo impianto piacque molto per la sua armonia, abbiamo una composizione molto ordinata in cui gli elementi su dispongono secondo un andamento piramidale. La figura è sempre di 3/4 e non è presente la finestra, ma la figura è immersa nel paesaggio. Questo tipo di ritratto resterà per tutto il ‘500. Una componente dell’arte di Leonardo è quella del colore, la Gioconda è vestita di viola con maniche gialle. Leonardo ha spesso una tavolozza molto ridotta in cui prevalgono toni neutri e prevalentemente caldi, l’olio deve comunque avere ingiallito il colore nel tempo, che in origine risultava più freddo. I ritratti del ‘500 italiani partivano da questo schema presentato da Leonardo apportandogli, naturalmente, alcune modifiche.

# data[].attributes.headline
Battaglia di Anghiari, Leonardo e Pieter Paul Rubens 1504

# data[].attributes.subject
Battaglia di Anghiari, Leonardo e Pieter Paul Rubens 1504

# data[].attributes.body
Quest’ opera fu compiuta, al contrario della battaglia di Cascina di Michelangelo. Leonardo Da Vinci inventò delle tecniche murali che gli permettessero un simile effetto di morbidezza come con l’olio. Non riusciva però, con le sue tecniche, a fare avvenire le reazioni chimiche che davano lunga vita all’opera. Leonardo però non volle a avere limitazioni, e quindi utilizzava tecniche che potessero risultare simili all’olio. Anche qui Leonardo utilizzò una tecnica innovativa, che si rivelò fallimentare, poiché dopo non molto tempo il colore colò dalla parete. Abbiamo però gli studi e i disegni preparativi, dell’affresco non resta nulla.

# data[].attributes.body
Michelangelo eseguì solo il cartone, ovvero l’ultimo disegno preparatorio, con le dimensioni definitive. Commissionato da Pier Soderini, non fu mai completato. Quest’opera fu molto influente sugli altri artisti fiorentini che esaminavano il cartone

# data[].attributes.body
Era un ragazzo dai lunghi capelli, si fece questo autoritratto allo specchio a soli 16 anni.

# data[].attributes.headline
Ritratto di Michelangelo, Daniele da Volterra

# data[].attributes.subject
Ritratto di Michelangelo, Daniele da Volterra

# data[].attributes.body
Michelangelo frequentava questo giardino dove i Medici tenevano una scuola di scultura. L’aspettò di Michelangelo era evidentemente alquanto aggressivo.

# data[].attributes.headline
Adorazione dei magi, disegno preparatorio.

# data[].attributes.subject
Adorazione dei magi, disegno preparatorio.

# data[].attributes.body
Nel disegno preparatorio, si vede bene come la prospettiva fosse anche per Leonardo centrale. L’impostazione matematica, anche se non così evidente all’occhio esiste e si avverte. nella maniera moderna ci si scrolla solo apparentemente della visione prospettica dello spazio del ‘400

# data[].attributes.body
Il primo affresco di Raffaello. La preparazione di questi artisti erano inossidabili, complete e perfette, pronte ed affrontare qualsiasi tipo di contenuto. Il tema della simmetria con la zona centrale di protagonisti accerchiati da i padri della chiesa ed i personaggi del nuovo e vecchio testamento e dai grandi dottori della chiesa che discutono. Era molto curata l’armonia nella maniera moderna, nel caso della Disputa del Sacramento si vuole fare un contrasto fra mondo celeste che ha una staticità statica ed il mondo terreno che è più tormentato. Quindi ordine ed armonia, ma con naturalezza.

# data[].attributes.body
Fu affidato a Raffaello da Giulio II, celeberrima rappresentazione di Platone ed Aristotele circondati da sapienti. Raffaello era molto raccomandato, per questo Michelangelo non gradiva la sua presenza, era infatti eroso dall’insicurezza. La scuola di Atene idealmente riunisce tutti i grandi pensatori. Sono presenti le caratteristiche della maniera moderna, tema e stile solenni, adatti alla scena, che raffigura di fatto il rapporto fra uomo e conoscenza e fede. E’ presente anche Raffaello che si auto ritrae. Giulio II voleva dire che la grande Atene dei filosofi riviveva nella corte papale. Un’altra caratteristica della maniera moderna oltre a questo controbilanciare ordine e naturalezza, è la chiarezza dell’impianto spaziale. In questo Raffaello è diverso da Leonardo. Leonardo cerca infatti di liberarsi dalle architetture e dare una impostazione sempre prospettica, ma più destrutturata, più legata alla visione ottica più che al calcolo matematico delle linee. Come dice Vasari lo stile del ‘400 era troppo rigido. Nel caso di Raffaello però, come nel caso della scuola di Atene, forse anche per i soggetti rappresentati, vuole che la geometria sia perfetta. Il pavimento marmoreo dell aula scandisce perfettamente la distanza fino a precipitare nel paesaggio. La prospettiva era infatti irrinunciabile ed in questo caso anche molto adatta al soggetto. Quindi non è sempre vero che la maniera moderna sia insofferente nei confronti della rigida disposizione prospettica dello spazio. Evidenti sono le contrapposizioni tra la figura di Aristotele e quella di Platone. Il gesto di indicare il mondo delle idee sarà spesso ripreso nella maniera moderna.
Personaggi:
Forse Aristotele è il volto di Leonardo Da Vinci. Il filosofo chinato (Talete) è Donato Bramante ed accanto al filosofo che sarebbe Epicuro, nel disegno non ci sarebbe e nessuno, ma nella versione definitiva, Raffaello aggiunge quarta figura corrucciata con gli stivali calati, era Michelangelo Buonarroti (che sarebbe Eraclito).

# data[].attributes.headline
David, Andrea del Verrocchio, museo del bargello, Firenze 

# data[].attributes.subject
David, Andrea del Verrocchio, museo del bargello, Firenze 

# data[].attributes.body
Fu creato dal maestro di Leonardo Da Vinci, leggenda narra che fosse Leonardo stesso il David

# data[].attributes.headline
pala di Castelfranco, Giorgione 1503-1504

# data[].attributes.subject
pala di Castelfranco, Giorgione 1503-1504

# data[].attributes.body
Adatta agli altari delle chiese ed erano quindi committenze pubbliche, non private
La Madonna in trono al centro, circondata da angeli e santi (in questo caso San Francesco e San Liberale). Prende il nome di sacra conversazione e può comprendere anche la raffigurazione del committente.

# data[].attributes.body
Sono presenti anche elementi fiamminghi: il contrasto tra la parete oscura e la finestra aperta, dall’oscurità della parete emergono il volto della Madonna e del bambino. Con lo sfumato leonardesco si va da una quasi totale oscurità in modo quasi impercettibile in cui non si riesce a distinguere neanche un tratto di pennello. Leonardo riusciva a sbalzare la figura dalla tenebra con un effetto molto morbido che immerge la figura in un pulviscolo quasi impercettibile. Per Firenze questa era una proposta artistica completamente nuova e tutta personale.

# data[].attributes.headline
Adorazione dei Magi, San Donato agli Scopeti Leonardo 

# data[].attributes.subject
Adorazione dei Magi, San Donato agli Scopeti Leonardo 

# data[].attributes.body
Non venne mai terminata a causa della partenza per Milano. Le composizioni della maniera moderna sono spesso simmetriche, al centro si trova la madonna, contornata da due ali simmetriche di santi. Anche lo sfondo è simmetrico, con le rovine e i cavalli che lasciano spazio alla venuta di Cristo. La composizione è ordinata e sintetica, ma non monotona. Leonardo pone “moto e fiato” alle proprie opere, come direbbe Vasari. C’è sempre un controbilanciare elementi che riportano al movimento ed alla naturalezza ed elementi che riportano alla perfezione. I personaggi si cercano, si parlano e si guardano, attitudine molto diversa da quella solipsistica del ‘400. A cominciare dalla mano che la Madonna mette sulle gambe del bimbo e il sorriso che gli rivolge. Un altro elemento tipico della maniera moderna sono i lineamenti dei personaggi spesso orientati alla perfezione ed alla idealizzazione. Anche il senso dell’atmosfera è presente spesso in Leonardo, le figure sono circondate da un’aria quasi palpabile: l’aria non è vuoto, ovatta i lineamenti. Le figure sono circondate da questa sorta di grande roccia, come dice Leonardo, la figura non deve andare dalla luce all’ombra, ma dall’ombra alla luce. Infatti in molte figure leonardesche è difficile definire il bordo, sono figure plastiche che emergono con il proprio volume. Leonardo è sensitivo, bada alla resa ottica e materiale della luce e dell’atmosfera. In Leonardo la luce è forte e l’ombra è forte. Il passaggio da questi due estremi è talmente impercettibile e graduale (lo sfumato leonardesco) che non si riesce neanche a vedere la pennellata tanto è minuta, spalmata con l’olio e velata. Nell’arte del ‘400 Fiorentina ancora si avvertiva il tratto della tempera o dell’olio, la velatura è ridotta al limite. Leonardo invece procede di velature e sovrapposizioni ad olio.

# data[].attributes.body
Allievo a Firenze di Andrea del Verrocchio, che gli fornisce un ottima preparazione, si trasferisce a Milano. Alla caduta di Milano e degli Sforza, torna a Firenze.

# data[].attributes.headline
La maniera moderna negli scritti di Giorgio Vasari.

# data[].attributes.subject
La maniera moderna negli scritti di Giorgio Vasari.

# data[].attributes.body
Fase del rinascimento che segue la prima fase del ‘400. Distinzione proposta subito da Giorgio Vasari che osservando lo stile degli artisti del ‘500, li trova molto differenti rispetto a quelli del ‘400, osserva molte innovazioni. Questa seconda fase del rinascimento ha un naufragio politico e militare come sfondo. Grande differenza con la certezza politica, economica e sociale delle coorti italiane del ‘400. Nonostante questa situazione, ciò non sarà evidente negli artisti del ‘500. Nelle opere della maniera moderna, uomini, donne e bambini sono rappresentati nella loro migliore forma, il mondo rappresentato è armonioso, la realtà viene idealizzata (sia l’uomo che la natura).
La maniera moderna ha due grandi epicentri: due città molto diverse fra loro, ma estremamente feconde, Firenze e Venezia. Lo stesso Vasari evidenzia che gli iniziatori della maniera moderna sono Leonardo Da Vinci e Giorgione da Castelfranco Veneto. La città di Firenze, libera dai Medici. Le pretese dei fiorentini erano enormi. C’era un forte clima competitivo.
Con la prima invasione dell’Italia da parete dell’esercito francese, cadde Milano, e proprio da Milano tornò a Firenze Leonardo Da Vinci. Tutto l’ambiente dei committenti fibrilla al suo arrivo, tutti lo vogliono. Rivale di Leonardo era invece Michelangelo Buonarroti, ed un altro, giunto da Urbino, molto giovane e mosso da una grande ammirazione per Leonardo e Michelangelo è Raffaello Sanzio.

# data[].attributes.headline
Madonna con bambino tra le sante Caterina e Maria maddalena, Giovanni Bellini

# data[].attributes.subject
Madonna con bambino tra le sante Caterina e Maria maddalena, Giovanni Bellini

# data[].attributes.body
Veneziana, alla luce di Botticelli (platonismo) si contrappone questa luce più vera. Anche il chiaroscuro ha velature e una consistenza molto più morbida. Vuole comunicare realtà sensitiva che si oppone alla costruzione intellettuale e astratta data dalla versione fiorentina. In Botticelli i capelli si distinguono, qui sono una massa che si comporta praticamente. Con il rinascimento ormai diffuso in tutta Italia si sviluppano queste visioni diverse. Il linguaggio di Masaccio portava ad esiti molto diversi

# data[].attributes.body
Contorno sottile ma nitido, molto elegante. Il liberalismo fiorentino tipico. Luce astratta, viene spartita dall’ombra, ma l’insieme della figura rimane evidente, leggibile.

# data[].attributes.body
Alla fine del secolo, gli artisti hanno capito il linguaggio rinascimentale e applicano la prospettiva giocando con la luce in maniera completamente personale.

# data[].attributes.headline
Giovanni Bellini, Trittico dei Frari 1488

# data[].attributes.subject
Giovanni Bellini, Trittico dei Frari 1488

# data[].attributes.body
Alla lesena di legno fa particolare riscontro quella dipinta, come fa Mantegna nella pala di San Zeno. Usa sempre il catino absidale di mosaico e la volta a botte. Ai lati emerge anche un paesaggio appena visibile. la luce è pulviscolare, molto densa. Le ombre sono molto rigorose. Bellini infatti utilizza una prospettiva matematica. Si trova nella Sagrestia della Basilica di Nostra Signora Gloriosa dei Frari a Venezia.

# data[].attributes.headline
Giovanni Bellini, pala di San Giobbe, Gallerie dell’Accademia, Venezia 1487

# data[].attributes.subject
Giovanni Bellini, pala di San Giobbe, Gallerie dell’Accademia, Venezia 1487

# data[].attributes.body
È una pala monumentale, unica centinata. Aumenta la visione unitaria dell’opera, questo per migliorare la resa della prospettiva. I polittici rendevano più difficile la resa della luce masacciesca. Esempio di sacra conversazione, Madonna e bambino con angeli e santi tutti rappresentati nello stesso spazio. Ambientazione in questa aula absidata con volta a botte cassettonata in stile di Piero della Francesca. La luce si abbassa, si fa più calda e riflessa dall’oro del mosaico si fa più densa. La luce di Giovanni bellini è quella che spesso c’è dentro ad una chiesa: soffusa e spenta con bagliori. Mentre il mondo fiorentino era di ispirazione neoplatonica, l’ispirazione neo aristotelica di Venezia generava stili molto differenti.
Il trono marmoreo è piuttosto ricco e decorato, in stile mantegnesco. Le espressioni sono comunque molto contenute.
Bellini riesce a unire molti stili e caratteristiche.
Bellini è uno dei primi a proporre l’effetto in controluce.
Tutti i santi sono ben definiti, si sente l’influenza fiamminga di rappresentare i santi con facce molto reali. L’abside di marmo variegato appare e scompare sullo sfondo.
Emergono le figure grazie alla morbidezza del suo chiaroscuro.

# data[].attributes.body
Iniziamo da Firenze dopo la morte di Masaccio, si presentano diverse versioni del nuovo linguaggio rinascimentale: Beato Angelico, Domenico veneziano e Filippo Lippi. Poi tra le corti abbiamo visto quella di Urbino da Federico di Montefeltro (Piero della Francesca), poi nel nord Padova e Mantova (Mantegna) e poi Venezia dove si incontrano Antonello da Messina e Giovanni Bellini che fondò a Venezia una scuola pittorica molto feconda.

# data[].attributes.headline
Andrea Mantegna Camera degli Sposi, particolare 1460 - 64

# data[].attributes.subject
Andrea Mantegna Camera degli Sposi, particolare 1460 - 64

# data[].attributes.headline
Andrea Mantegna Camera degli Sposi, particolare 1460 - 64

# data[].attributes.subject
Andrea Mantegna Camera degli Sposi, particolare 1460 - 64

# data[].attributes.body
In cima all volta è come se si aprisse il soffitto con una balaustra. Dalla Balaustra si affacciano delle signore, tanti puttini e tanti amorini. Prospettiva di sottinsù, il punto di fuga non è nell’orizzonte, ma è nel cielo le linee infatti convergono tutte verso l’alto. Questa prospettiva sarà ben ripresa nell’arte barocca del ‘600. La balaustra in prospettiva ancora una volta invita il nostro occhio a vedere ciò che non c’è.

# data[].attributes.headline
Andrea Mantegna Camera degli Sposi, particolare 1460 - 64

# data[].attributes.subject
Andrea Mantegna Camera degli Sposi, particolare 1460 - 64

# data[].attributes.body
Le persone che raffigura sono tutte vere. Il gobbo marchese Ludovico Gonzaga. Il messaggero gli porta l’annuncio in lettera che il figlio è stato eletto cardinale. È quindi descritto un momento di vita quotidiana.

# data[].attributes.headline
Andrea Mantegna Camera degli Sposi, 1460-64

# data[].attributes.subject
Andrea Mantegna Camera degli Sposi, 1460-64

# data[].attributes.body
Del grande patrimonio artistico che era nel palazzo dei Gonzaga, si è salvata solo questa camera degli sposi affrescata da Andrea Mantegna. Era una grande sala di rappresentanza dove i Gonzaga ricevevano personaggi molto importanti del ‘400 e del ‘500. È tutta affrescata, anche le parti che sembrano di architettura sono dipinte. Al contrario della cappella degli Scrovegni, qui non ci sono riquadri, ma le scene sono raffigurate sotto gli archi con un motivo di ghirlande. Anche il soffitto finge stucchi e marmi. Si chiama camera degli sposi poiché i protagonisti sono i Gonzaga. Erano marchesi e non duchi e volevano dare un idea di se che fosse di persone alla buona. (È un tromplen, inganno dell’occhio). Scopre che la prospettiva può essere anche molto ingannevole per il nostro occhio.

# data[].attributes.body
È di fatto una città nella città, ben diverso dal palazzo di Urbino, Mantova è completamente pianeggiante, circondata a triangolo dal fiume Mincio. Il palazzo si sviluppa dall’originale palazzo del comune.

# data[].attributes.headline
Una delle tavole della predella di San Zeno, Louvre 1459

# data[].attributes.subject
Una delle tavole della predella di San Zeno, Louvre 1459

# data[].attributes.body
Uso della luce particolarmente drammatico, la luce arriva da in altro a destra ed è abbastanza soffusa poiché le ombre sono poco marcate. Il ladrone pentito è molto illuminato, l’altro è invece in penombra. Il sangue cade sulla croce e colpisce il cranio di Adamo. Anche le croci sono evidentemente messe in prospettiva, lo spazio è misurato in maniera efficacissima. Il paesaggio è particolare, con qualcosa di metafisico ed astratto, le rocce dolomitiche e la città arroccata, Gerusalemme, in luce. La collina lontana si sfuma creando un effetto sensitivo della lontananza. Nella plasticità del nudo di Gesù si riconosce Donatello e le sue accezioni espressioniste.

# data[].attributes.body
È un pittore pienamente moderno poiché accetta pienamente sia la costruzione prospettica che quella luminosa che veniva da Firenze da Donatello e Masaccio. Da Donatello erediterà anche una espressività molto accentuata, quindi figure potenti, espressive, delle volte anche con i lineamenti deformati. Aveva anche la tendenza di ambientare le scene in strutture architettoniche grandiose ed arricchirle con ghirlande di tendenza squarcionesca. Anche il colore di Mantegna è molto particolare, espressivo e molto saturo con lineamenti spesso anche violenti.

# data[].attributes.headline
Marco Zoppo Madonna col Bambino 1453 - 55

# data[].attributes.subject
Marco Zoppo Madonna col Bambino 1453 - 55

# data[].attributes.body
Particolari il davanzale, il drappo, la firma dell’artista fatta in questa specie di cartiglio attaccato con dei piccoli chiodini

# data[].attributes.body
La sua arte è caratterizzata da una grande plasticità. Emotivo ed aggressivo nei tratti e nelle espressioni. Si distaccava dai mezzi toni di Masaccio con tratti e colori decisi, vivaci e spesso anche aggressivi. Particolari vivi e umani, anch’essi molto distanti dal livello più elegante e distaccato dei fiorentini.

# data[].attributes.headline
Andrea Mantegna Pala di San Zeno (particolare con gli angeli che cantano) a Verona 1456 - 59

# data[].attributes.subject
Andrea Mantegna Pala di San Zeno (particolare con gli angeli che cantano) a Verona 1456 - 59

# data[].attributes.headline
Marco Zoppo, Madonna col Bambino 1453 - 55

# data[].attributes.subject
Marco Zoppo, Madonna col Bambino 1453 - 55

# data[].attributes.headline
Marco Crivelli, Madonna col Bambino 1473

# data[].attributes.subject
Marco Crivelli, Madonna col Bambino 1473

# data[].attributes.body
La ghirlanda Squarcionesca si trasforma in qualcosa di ancora più particolare. Crivelli conserva molti elementi fiamminghi tra cui il panno che scende con i segni del ferro da stiro, oppure la mosca in basso a sinistra.

# data[].attributes.headline
Francesco Squarcione Madonna col Bambino 1455

# data[].attributes.subject
Francesco Squarcione Madonna col Bambino 1455

# data[].attributes.body
La bottega di Squarcione era molto frequentata, lo stesso Mantegna ebbe una storia a dir poco travagliata dal maestro da cui riuscì a staccarsi formando una propria bottega. Squarcione metteva assieme in maniera assai maldestra vari elementi, ma i suoi insegnamenti erano molto seguiti ed ascoltati. Aveva una passione per le ghirlande proveniente dall’antichità, probabilmente nata dallo studio delle opere della sua ricca collezione. Queste ghirlande saranno poi riprese da molti altri come Crivelli o Zoppo o lo stesso Mantegna fino alla Madonna della Vittoria.

# data[].attributes.headline
Andrea Mantegna Storie di San Giacomo e Assunta

# data[].attributes.subject
Andrea Mantegna Storie di San Giacomo e Assunta

# data[].attributes.body
Particolari dagli affreschi della Cappella Ovetari della Chiesa degli Eremitani a Padova dal 1448

# data[].attributes.headline
Donatello Miracolo del Bambino appena nato e Santa Giustina 

# data[].attributes.subject
Donatello Miracolo del Bambino appena nato e Santa Giustina 

# data[].attributes.body
(particolari) dall'altare maggiore della chiesa del Santo a Padova 1446, purtroppo bombardata e molto danneggiata. Restano alcune citazioni rinascimentali: Mantegna si ispira senza dubbio a Donatello. Le influenze fiamminghe non sono molto forti, ma possiamo vedere ad esempio la presenza del tappeto sotto la finestra che ne è sicuramente un rimando importante.

# data[].attributes.body
Panneggio di Andrea Mantegna è molto particolare: ondeggiato e accidentato, in alcune zone anche aderente al corpo

# data[].attributes.body
Era un importante centro culturale grazie all’università storica che aveva fato della lettura di Aristotele uno dei suoi fondamenti. L’estrema differenza tra il linguaggio fiorentino (astratto e quasi remoto) e quello veneziano (più vicino all’esperienza sensibile) fu dovuta alla differenza tra Aristotele e Platone di immanenza e trascendenza.

# data[].attributes.headline
Particolare degli uomini illustri, Dante 

# data[].attributes.subject
Particolare degli uomini illustri, Dante 

# data[].attributes.body
Erano raffigurati gli uomini illustri da Pedro Berruguete e Giusto di Gand.

# data[].attributes.body
Lo studiolo era una piccola stanza in cui i mecenati si fermavano a studiare, a meditare. Erano spesso contornati da armadi che contenevano libri e collezioni. Tutte le ante sono decorate a tarsie e di legno, presentano complesse strutture prospettiche. È purtroppo l’unico ambiente del palazzo ducale rimasto arredato.

# data[].attributes.headline
Raffaello Santi Ritratti di Elisabetta Gonzaga e Guidubaldo da Montefeltro 1506

# data[].attributes.subject
Raffaello Santi Ritratti di Elisabetta Gonzaga e Guidubaldo da Montefeltro 1506

# data[].attributes.body
È purtroppo incompiuto, ma ha la medesima impostazione fiamminga di quello della moglie Elisabetta. Da un lato la parete scura, dall’altra l’orizzonte si apre infinitamente. Gli italiani assorbirono il paesaggio fiammingo ma gli danno una tonalità quasi poetica.

# data[].attributes.headline
Raffaello Santi Ritratti di Elisabetta Gonzaga e Guidubaldo da Montefeltro 1506

# data[].attributes.subject
Raffaello Santi Ritratti di Elisabetta Gonzaga e Guidubaldo da Montefeltro 1506

# data[].attributes.body
Lo sfondo è unico, non fiammingo. Il tramonto è curatissimo e le nuvole hanno una resa splendida. Eleonora era solita portare questo gioiello a forma di scorpione. La cura dei particolari è evidente.

# data[].attributes.body
L’ambiente di Urbino conosce tantissime influenze artistiche diverse, ed è rimasta traccia di ognuna. Alla corte di Urbino la città ed il mondo erano visti attraverso chiarezza e luce matematica.

# data[].attributes.headline
Francesco Laurana Busto di Battista Sforza, 1474

# data[].attributes.subject
Francesco Laurana Busto di Battista Sforza, 1474

# data[].attributes.body
Battista Sforza, la duchessa di Urbino sembra quasi idealizzata, l’abito sarebbe dovuto essere dipinto. Francesco Laurana aveva una forma molto sensibile ed attenta anche ai chiaroscuri della morfologia del corpo. Viene comunque mantenuta la frontalità gotica.

# data[].attributes.headline
Federico con il figlio Guidobaldo, Pedro Berruguete 1475

# data[].attributes.subject
Federico con il figlio Guidobaldo, Pedro Berruguete 1475

# data[].attributes.body
Federico veste un manto di ermellino, ma sempre in armatura. Federico faceva soldi con le condotte militari, faceva di fatto il mercenario e lui tentava di metterla sul solenne vestendo e facendosi rappresentare con l’armatura indossata. Guidobaldo sulla sinistra si sposerà con Elisabetta Gonzaga.

# data[].attributes.headline
Ritratto di Battista Sforza, Piero della Francesca 1472

# data[].attributes.subject
Ritratto di Battista Sforza, Piero della Francesca 1472

# data[].attributes.body
Elementi fiamminghi tipici, le perle precisissime, il gioiello sulla testa. Precisione e passione del particolare quasi perfetta. Viene comunque utilizzata la prospettiva di profilo e non a 3/4.

# data[].attributes.headline
Ritratto del Duca di Montefeltro, Piero della Francesca 1472

# data[].attributes.subject
Ritratto del Duca di Montefeltro, Piero della Francesca 1472

# data[].attributes.body
Era gobbo, con la faccia giallognola e senza un occhio. Si pensa sia per questo che Piero della Francesca usa il ritratto gotico di Profilo e non quello tipico dell arte fiamminga a 3/4.
È senza dubbio fiamminga per il paesaggio e per la resa dei particolari. Piero della Francesca apprese questa arte dal maestro Veneziano.

# data[].attributes.body
Ordine rinascimentale, bicromia rispettata con cotto (rosato) inframezzato con pietra d’Istria.

# data[].attributes.body
I Montefeltro volevano dare di se l’immagine di homines novi, amanti delle arti più avanzate. Luciano Laurana e Martini viene assoldato dai Montefeltro per ammodernare il loro castello. Per stare al passo con Firenze. Dalla pianta è evidente quanto fosse complesso il castello. Si adatta alla collina, nelle parti più scoscese arriva a quattro piani di altezza. Mentre i fiorentini mai avrebbero ostentato tanto lusso e tanto potere, ad Urbino non si facevano troppi problemi. È particolare la presenza di un giardino pensile interno e del torricino con la scala a chiocciola che permetteva di salire fino all’ultimo piano a cavallo. C’era una parte privata dove vivevano i duchi ed una parte più moderna semi pubblica. Oggi ospita la Galleria Nazionale delle Marche, una pinacoteca.

# data[].attributes.body
Città fiorente, ma non ricca come Firenze.
I duchi di Montefeltro costruiscono un simil castello feudale.
Avevano grossi proventi dalle terre, ma non solo.

# data[].attributes.headline
Hugo van der Goes Adorazione dei pastori 1477

# data[].attributes.subject
Hugo van der Goes Adorazione dei pastori 1477

# data[].attributes.body
Particolare, nonostante la ricchezza di artisti a Firenze, alcuni riprendevano l’arte fiamminga. Ugo van der Goes ebbe un grande successo.

# data[].attributes.headline
Michelozzo Michelozzi Palazzo Medici a Firenze 1452 

# data[].attributes.subject
Michelozzo Michelozzi Palazzo Medici a Firenze 1452 

# data[].attributes.headline
Andrea del Verrocchio Busto di Giuliano de Medici 1478 

# data[].attributes.subject
Andrea del Verrocchio Busto di Giuliano de Medici 1478 

# data[].attributes.headline
Orsino Benintendi Maschera funebre in gesso di Lorenzo de Medici 1492

# data[].attributes.subject
Orsino Benintendi Maschera funebre in gesso di Lorenzo de Medici 1492

# data[].attributes.headline
Benozzo Gozzoli Adorazione dei Magi Cappella dei Magi 1459

# data[].attributes.subject
Benozzo Gozzoli Adorazione dei Magi Cappella dei Magi 1459

# data[].attributes.body
Decide di dedicarsi all’architettura. Non è un architetto della capacità di Filippo Brunelleschi, ma la sua versione dell’architettura rinascimentale è stata molto più fortunata di quella di Brunelleschi. Riesce anche a mischiare qualcosa con il gotico. Lavora per la famiglia Rucellai.

# data[].attributes.headline
Leon Battista Alberti, Facciata di Santa Maria Novella, Firenze 1456

# data[].attributes.subject
Leon Battista Alberti, Facciata di Santa Maria Novella, Firenze 1456

# data[].attributes.body
Tipica bicromia: marmo bianco di Carrara e marmo nero di Prato. Facciata molto equilibrata, molto armoniosa, non vuole dare l’idea gotica di sbilanciamento. Usa il frontone come nel tempio greco per coprire le travi del tetto (Brunelleschi lo usava solo per le finestrelle). Integra anche il rosone. Ripropone l’arco a tutto sesto inserito tra le semi colonne tipico del Colosseo.
Si inventa la doppia voluta sulla destra e sulla sinistra per raccordare i due ordini, questo sarà molto copiato fino al ‘600.

# data[].attributes.headline
Leon Battista Alberti, Facciata di Palazzo Rucellai a Firenze 1465

# data[].attributes.subject
Leon Battista Alberti, Facciata di Palazzo Rucellai a Firenze 1465

# data[].attributes.body
Scansione tipica dei palazzi fiorentini (pian terreno, piano nobile e piano privato) e lui aggiunge la divisione nei tre ordini come nel Colosseo. Dal basso dorico, ionico e corinzio. La decorazione gotica della facciata (bugnato) consiste nel fingere che ci siano delle pietre squadrate a comporre la facciata. Integra queste decorazioni con elementi come il cornicione ripresi dal Colosseo.

# data[].attributes.body
Predella del polittico di Santa Lucia dei Magnoli a Firenze 1445 - 1447. Utilizza ombre e prospettiva molto bene. Memore delle caratteristiche gotiche, ma aggiornato alle novità fiamminghe.
Caratterizzata da largo spazio, finezza ed eleganza tipica del gotico internazionale (Madonna di profilo), figure piccole e ampio spazio al contesto architettonico. Le colonne sono sproporzionate e ridotte ad un fusto ed un capitello molto sproporzionati. Domina un colore chiaro e pastellato.

# data[].attributes.body
Opere come questa non erano destinate alle chiese, ma erano piccole opere destinate ad un ambiente privato, infatti erano di committenza privata. Era tipica la cornice rotonda fiorentina.

# data[].attributes.body
Affresco dal convento di San Marco a Firenze, 1440-1453

# data[].attributes.body
Fa sempre parte di un polittico, anche la cornice è rinascimentale, con lesene laterali. Il gotico già intorno alla metà del secolo iniziava a cedere, gli elementi di Brunelleschi salgono. Questa perfetta prospettiva si può fare molto meglio infatti su una pagina quadrata.

# data[].attributes.body
Adotta lo stile di Masaccio, ma con un linearismo quasi di inclinazione gotica (come nei panneggi), ma anche una grande raffinatezza ed un’ottima plasticità. Il suo chiaroscuro ha tratti più morbidi di quello di Masaccio. Filippo Lippi ebbe un grandissimo successo, il suo seguace infatti fu Sandro Botticelli e anche Michelangelo. Filippo Lippi è un personaggio molto importante, Masaccio era troppo estremista. Anche influenze fiamminghe, finestre aperte, particolari dell’abito della Madonna, il paesaggio ben particolareggiato. Sono influenze molto garbate, ma lui aveva capito che iniziava a piacere l’arte fiamminga. Con la pittura ad olio riesce anche a rappresentare la trasparenza nell’orecchio.

# data[].attributes.body
Il risultato è estremamente naturale e reale, si distinguono i capelli e le sopracciglia. Dalla finestra si apre un paesaggio sconfinato, estremamente particolareggiato, si vede persino il riflesso sul lago e i due cigni. Da una parte la prospettiva è bloccata, dall’altra (la finestra) al contrario è molto aperta.

# data[].attributes.headline
Libro d’ore di Torino, nascita di San Giovanni Battista 1425

# data[].attributes.subject
Libro d’ore di Torino, nascita di San Giovanni Battista 1425

# data[].attributes.body
Chiarissimo esempio di paesaggio fiammingo in basso. Tutto illuminato, effetto di profondità attraverso la nebbiolina azzurra.

# data[].attributes.body
Il Duca aveva voluto tutti i mesi dell’anno con la posizione zodiacale e sotto i lavori che si facevano nella stagione, questo è il mese di giugno. Esempio di origine del paesaggio fiammingo, miniature straordinarie. Ricchissimo di particolari: la barca che sale il torrente, l’uomo che sale le scale. Anche qui però la prospettiva non viene rispettata. Espressività meravigliosa, ma priva di coerenza ottica.

# data[].attributes.headline
Ritratto di Monaco, Petrus Christus 1446

# data[].attributes.subject
Ritratto di Monaco, Petrus Christus 1446

# data[].attributes.body
C’è anche una mosca, sopra la banda rossastra dove viene riportato il nome dell’artista. È un elemento simbolico, animali ed oggetti (come le pantofole nel ritratto degli Arnolfini). Questi elementi possono servire come presenze inquietanti, diaboliche nella simbologia del post ‘400. In questo caso il monaco sottraendosi alle tentazioni ha combattuto il demonio.

# data[].attributes.headline
Ritratto di monaco, Petrus Christus 1446

# data[].attributes.subject
Ritratto di monaco, Petrus Christus 1446

# data[].attributes.body
Il primato fiorentino è presto messo in discussione dalle altre città italiane, resta comunque un centro artistico importantissimo. Firenze aveva radici profondamente democratiche e per i fiorentini era insopportabile avere un signore.

# data[].attributes.headline
Ludovico Sforza, Giovanni Ambrogio de Predis 1496

# data[].attributes.subject
Ludovico Sforza, Giovanni Ambrogio de Predis 1496