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programme general de terminale spe du projet à la réalisation d'une oeuvre monumentale

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Emission France culture Daniel Arasse - peut-on se faire historien de son temps?

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Emission France culture Daniel Arasse - peut-on se faire historien de son temps?

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Dans ce dernier épisode de sa série "Histoires de peinture", Daniel Arasse s'interroge sur l'art contemporain ou plus précisément ce qu'il nomme " l'art vivant" ou " l'art actuel".

Un désœuvrement de l'art

Il dit trouver la période très intéressante mais déplore en même temps " la fragilisation du système des Beaux-Arts" qui amène à une " perte de prestige de la peinture".
"Il y a des œuvres qui se proposent toujours à des spectateurs, mais beaucoup d'œuvres sont considérées comme des œuvres d'art sans avoir de spectateurs mais en ayant des co-acteurs ou des co-auteurs ou des co-performeurs."
On assiste en fait à un déclin de la notion d'œuvre d'art au profit du processus de création. Il appelle les historiens d'art lorsqu'ils traitent d'œuvres contemporaines à une sorte de " réserve", de " respect au sens actif du terme" envers les artistes.
"J'ai une très grande admiration personnellement pour les artistes quel que soit le médium qu'ils emploient parce qu'ils prennent des risques. Ils partent de rien et ils font quelque chose, alors que l'historien, ou le critique, il part de quelque chose et il fait autre chose. C'est très intéressant, mais il ne devrait jamais oublier qu'il est en second."
Historien d'art, alibi culturel ?

Daniel Arasse s'est demandé quel pouvait être son rôle d'historien du XVe siècle pour parler d'art contemporain, servirait-il " d'alibi culturel" ? Il ne le pense pas, il s'agirait plutôt de regarder du côté de l'anachronisme, sujet d'une de ses précédentes causeries, et qui consiste à faire parler un historien du passé sur des œuvres modernes pour répondre à cette question : " Dans quelle mesure les concepts classiques sont-ils opératoires encore dans la pratique d'aujourd'hui ?"

L'art contemporain comme enchevêtrement des temps

Daniel Arasse s'interroge donc sur la façon dont l'art contemporain s'inscrit ou non dans des enjeux artistiques anciens, du temps de l'Antiquité. Il prend ainsi l'exemple de la série "The Morgue" du photographe américain Andres Serrano qu'il rattache à la " venustas de la mort" ou encore le travail photographique de Cindy Sherman qui fait écho au narcissisme d'Alberti. Mais c'est surtout l'œuvre de l'artiste plasticien Anselm Kiefer sur la mémoire allemande qui l'a frappé. Il situe son travail à travers l'enseignement des techniques de mémorisation relatées par Frances Yates dans L' Art de la mémoire. Cette pratique courante depuis l'Antiquité et reprise à la Renaissance consistait à considérer la mémoire comme des tiroirs ouvrant sur une succession d'images. Et c'est ainsi qu'" une approche ancienne, classique, peut être fructueuse".
"La contemporanéité, comme le XVe et le XVIe siècle, est travaillée par plusieurs temps, par plusieurs temporalités. Cette temporalité est elle-même anachronique. De même qu'une œuvre du XVe siècle mélange différents temps, des temps du présent et des temps du passé et qu'une œuvre mélange les temps, toujours, dans son temps de production, ce qui est fascinant pour moi dans l'art contemporain [...] ce sont ces œuvres où s'enchevêtrent les temps. Et montrant comment il n'y a pas de temps un, il y a toujours un temps qui est déjà antérieur dans son propre temps."
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Peut-on se faire historien de son temps ? : épisode 25/25 du podcast Histoires de peintures par Daniel Arasse

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Dans ce dernier épisode de sa série "Histoires de peinture", Daniel Arasse s'interroge sur l'art contemporain ou plus précisément ce qu'il nomme " l'art vivant" ou " l'art actuel". Il dit trouver la période très intéressante mais déplore en même temps " la fragilisation du système des Beaux-Arts" qui amène à une " perte de prestige de la peinture".

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ANALYSE DES NUMPHEAS DE CLAUDE MONET et +

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ANALYSE DES NUMPHEAS DE CLAUDE MONET et +

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Analyse de l'oeuvre: More sweetly play the dance de William Kentridge

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Analyse de l'oeuvre: More sweetly play the dance de William Kentridge

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William Kentridge (1955- ), More Sweetly Play the Dance (J ouer la danse plus doucemen t), 2015, dimensions variables, installation vidéo 8 canaux haute définition, 15 min, avec 4 porte-voix, Ottawa, musée des beaux-arts du Canada.
Fiche de l'œuvre :

Entretien avec l'artiste :
Eléments de traduction :
Merci à Christophe HAUSERMANN, IA-IPR Anglais, Académie de Nancy-Metz, pour sa relecture et les éléments de traduction.

Entretien avec William Kentridge

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William Kentridge (1955- ), More Sweetly Play the Dance (J ouer la danse plus doucemen t), 2015, dimensions variables, installation vidéo 8 canaux haute définition, 15 min, avec 4 porte-voix, Ottawa, musée des beaux-arts du Canada.

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REVISION PROGRAMME ARTS PLASTIQUESans anime

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##devoir sur tableNOVEMBRE 2022 mise en scène de l'image2

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##devoir sur tableNOVEMBRE 2021 mise en scène de l'image2

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Digipad des élèves de terminale arts plastiques 2022

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Une application collaborative proposée par La Digitale

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@Frédéric Borel

Le 20 janvier 2022, à l'école d'architecture de Paris Val-de-Seine, Chroniques a rencontré une petite brochette de jeunes diplômé(e)s, de quelques mois ou quelques années, qui formulent la volonté de devenir architectes. De jeunes professionnels heureux : outrecuidance ?
Vous savez certainement de ces jeunes femmes aujourd'hui plus nombreuses que les garçons dans les écoles d'architecture mais qui disparaissent des statistiques de l'Ordre. Où sont-elles ? Si les changements sociétaux sont lents par définition, le fait est qu'elles arrivent et ne se cachent plus puisque, autour de la table, noter quatre jeunes femmes - Estelle, Margaux, Marie, Mélissa - et un homme, Raphaël. Tous aspirent également ou presque à devenir maître d'œuvre, au sens propre. Ils se sont exprimés sur l'enseignement reçu, sur ce que signifie pour eux être architecte en 2022 et pour les années qui viennent, sur leurs difficultés et leurs espoirs.*

Quelques remarques de l'observateur extérieur.

La première est la confusion qui semble régner autour du mot architecte, confusion qui finit par entraîner une perte de repère dans la société. Où commence et où finit l'architecte ? Il est question dans les écoles d'" hybridation " des savoirs mais tout biologiste sait que les hybrides sont le plus souvent des créations stériles. Les écoles doivent-elles être professionnalisantes, comme le souhaite le gouvernement, ou former des professionnels de l'architecture, éventuellement des architectes ? Entre l'académisme des Beaux-arts et l'académisme universitaire, quel espace pour des études d'architecture par définition singulières ?

Le principal dégât de la loi LMD (Licence-Master-Doctorat, en lieu du D.P.L.G.) appliquée depuis 2005 dans les écoles d'architecture est peut-être que le mot architecte lui-même, et à travers lui ce qu'il représente, est désormais ambigu. Il y a une génération à peine, chacun interrogé dans la rue savait peu ou prou que l'architecte est celui qui conçoit et construit un bâtiment, ainsi d'ailleurs que l'indique toujours le Larousse.

Aujourd'hui les mêmes, interrogés dans la rue, ne sont plus sûrs de rien tant les " architectes " se multiplient hors de tout contrôle sémantique, en particulier d'ailleurs au sein des écoles d'architecture. De fait, il y a aujourd'hui toutes sortes d'architectes, ceux qui conçoivent et construisent bien sûr, en passe de devenir minoritaires cependant face aux nombreux architectes de ces nouveaux métiers de l'architecture qui sortent des facultés. Il y a l'architecte-chercheur, l'architecte-enseignant, l'architecte-journaliste, l'architecte-historien, l'architecte-sociologue, l'architecte de service, voire l'architecte d'intérieur, et j'en passe.

Les autres professions libérales n'ont pas ce problème. Demander dans la rue au premier quidam quel est le rôle du médecin, il sait ! Le médecin est pourtant celui qui a fait son internat, pas celui qui a fait des études de médecine et est devenu dentiste. Idem pour les avocats, qui ne le deviennent qu'après avoir passé le barreau. Imagine-t-on un médecin d'intérieur ? Ou un assistant juridique indiquer 'avocat' sur sa carte de visite ? Or plus un mot devient ambigu dans son usage, plus sa force et sa signification mêmes se diluent dans les approximations.

Ce qui pose la question : une école d'architecture, pour faire quel(les)s architectes ? Si c'est pour former des architectes au sens propre, avant même leur nom propre, il est urgent de se demander si l'évolution universitaire de la loi LMD dans les écoles ne signifie pas un dévoiement de ressources, ce d'autant que les étudiants en architecture sont les plus mal soutenus par l'État, plus mal soutenus signifiant que l'étudiant en architecture est celui pour lequel l'État dépense le moins ! Alors, celles et ceux qui veulent devenir architecte au sens propre, malgré tous les malheurs qu'on leur promet dans ce métier, ne devraient-ils pas, dans une école d'architecture, disposer des outils spécifiques et adéquats à leur formation ? L'art d'édifier peut-il s'apprendre seulement dans les livres savants ?

Si à l'inverse, dans une démarche universitaire poussée jusqu'au bout de sa logique, les écoles d'architecture ne finissent par former que des chercheurs et des enseignants, qui formera les architectes, ceux qui construisent ? Noter d'ailleurs que cet effet pervers de la loi LMD ne fait qu'entériner la disparition progressive - dont témoigne l'ambiguïté du mot - d'une profession désormais offerte aux entreprises et aux chercheurs, les entreprises étant d'ailleurs les premières à créer des labos de recherche et les dernières à confier l'exécution de leur chantier à des architectes.

Ce schéma, esquissé à gros traits, n'est pas, pas encore, complètement noir mais le moment est peut-être venu pour les architectes praticiens d'exercer un droit d'inventaire sur cette loi LMD censée former les prochaines générations. Ainsi qu'en est-il de cette obligation désormais de passer un doctorat pour pouvoir enseigner dans une école d'architecture ? Quel architecte, au sens propre, a le temps de s'en préoccuper ? Au début de sa carrière, il doit faire ses armes, il doit ensuite créer et pérenniser son agence, plus tard encore gérer une entreprise, etc. Et il faudrait que, à défaut de doctorat, le fil de son expérience l'empêche d'enseigner ?

L'ambiguïté est toujours source de perversion. Ce sont bien entendu ceux qui utilisent à leur profit le titre d'architecte sans la responsabilité de construire qui sont le plus attachés à cette nouvelle définition qui les glorifie à peu de frais.

Il y a pourtant une différence fondamentale, quasi une question de genre, entre l'architecte et le chercheur ou la chercheuse en architecture : le premier doit avec un budget donné répondre de ses actes devant un maître d'ouvrage, devant des entreprises pas commodes et de futurs usagers pointilleux et il doit pour le tout engager sa responsabilité en son nom propre. Le chercheur qui fait sa thèse n'a pas d'autre responsabilité que vis-à-vis de lui-même et les conséquences, si cette thèse en rejoint plein d'autres qui prennent la poussière, seront au pire sans conséquence. Idem pour ses recherches ultérieures qui seront lues, ou pas.

L'ambiguïté se déploie toujours finalement au détriment de tous. De fait, chercheur en architecture n'a pas du tout le même sens qu'architecte chercheur. D'autant qu'il est permis de penser que chaque projet, quelle qu'en soit l'échelle, est pour un architecte une sorte de recherche en soi.

Pour citer l'un d'eux, " un théoricien formidable de la danse qui n'a jamais dansé serait-il capable d'enseigner à des étudiants à bien danser ? ". Bonne question, sans réponse unique. En effet, chacun conviendra que des études d'architecture, quelle qu'en soit la destination finale, représentent un cursus dont chaque étudiant sortira plus enrichi qu'un simple PFE ne peut le laisser paraître. L'agilité d'esprit, une forme d'humanisme, une capacité à faire la synthèse de diverses problématiques sont notamment des qualités inestimables qui appartiennent à ceux qui poursuivent ces études.

Mais, à l'issue d'un parcours sans surprise en cinq ans, les voilà 'architectes d'État'. Et c'est le début de l'ambiguïté puisqu'en l'occurrence, cet architecte-là n'a pas le droit de construire. Il le pourra éventuellement à l'issue de sa HMONP, six mois en CDD chez des profs amis. Six ans dans une agence et il ou elle sera peut-être architecte avec un premier concours gagné et une cotisation à l'Ordre qui veille. D'ailleurs, même l'Ordre se voit contraint de faire la distinction entre les architectes dès sa page d'accueil !

Pour autant, combien sont-ils/elles parmi chaque promotion que l'on retrouve plus tard à faire des projets ? Très peu, semble-t-il au regard des milliers d'impétrants qui se précipitent chaque année dans les ENSA.

Certes, tous ceux ayant fait des études d'architecture se doivent d'irriguer la société tout entière au service des maîtres d'ouvrage, des bailleurs, des élus, des écoles, des assemblées locales et de quiconque en exprime le désir. La société française a un grand besoin de culture architecturale, mais faire une carrière de haut-fonctionnaire au ministère de la Culture n'est pas être architecte, ce serait sinon confondre Ann-José Arlot, qui a mis en œuvre la réforme LMD dans les écoles d'architecture, avec Zaha Hadid.

Nous pourrions également nous interroger sur l'efficacité de ces jeunes maîtres de conférences intronisés enseignants-chercheurs à peine sortis de l'école. Un rôle d'enseignant qui peut d'ailleurs se révéler un piège et un véritable tue-l'amour des ambitions de jeunesse, le confort de l'école l'emportant bientôt sur la brutalité de la compétition pour l'accès à la commande. Il est vrai qu'un excellent architecte peut tout aussi bien se révéler un piètre éducateur.

Toujours est-il que, dernier effet pervers, du fait de l'autonomie des universités qui contrôlent désormais leur propre recrutement, le fragile mais nécessaire équilibre entre praticiens et théoriciens-chercheurs au sein des ENSA risque d'être rompu, s'il ne l'est pas déjà ici ou là. Dans un futur proche, des écoles pleines d'architectes-chercheurs unis par l'universalisme académique à courir le colloque et la publication versus des écoles où les praticiens résisteront encore ? Pour combien de temps puisque, de surcroît, ces derniers dans les écoles se regardent souvent en chiens de faïence ?

Qu'il y ait de multiples passerelles entre les uns et les autres tombe pourtant sous le sens, à condition bien sûr que les responsabilités et le domaine de compétence de chacun soient bien compris par tous.

La réponse à ces différentes problématiques, complexes et d'importance, est politique mais il est permis de penser que l'une des façons d'avancer, avant les révolutions de palais qui se profilent au sein des ENSA, serait de redonner un sens aux mots. Qu'est-ce qu'un ou une architecte ? Si chacun dans la rue le savait à nouveau, avec certitude sans avoir à y penser plus, l'architecture y gagnerait sans doute.
Christophe Leray
* Retrouver les interventions ...
- d'Estelle : " J'ai fait mes études en me disant que j'allais être architecte "
- de Raphaël : " Le champ disciplinaire de l'architecte passe par la fabrique du projet "
- de Margaux : " En Autriche les études durent de 8 à 10 ans : on travaille en même temps qu'on apprend "
- de Marie et Melissa : " Au-delà de l'agilité à concevoir le projet, j'ai acquis de l'assurance "
- de Dimitri : " Enseignant, chercheur, praticien : j'ai envie d'être les trois ! "

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Quelle école d'architecture pour quels architectes ?

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Le 20 janvier 2022, à l'école d'architecture de Paris Val-de-Seine, Chroniques a rencontré une petite brochette de jeunes diplômé(e)s, de quelques mois ou quelques années, qui formulent la volonté de devenir architectes. De jeunes professionnels heureux : outrecuidance ?

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N'hésitez pas à demander des conseils pour vous aiguiller dans vos démarches. // © nd3000 / iStock

Coaching
La réalisation du dossier artistique est une étape cruciale si vous voulez accéder à certaines formations artistiques, notamment des écoles d'art et de design ou des DNMADE. Pas d'inquiétude, vous avez tout ce qu'il faut entre les mains pour le préparer à condition de mêler organisation et sincérité.

Le dossier artistique (et non le book, présenté en fin de formation) est souvent très redouté par les élèves. Difficile de comprendre ce que l'on peut ou non présenter, ce qu'il faut mettre en valeur, sur quel support, ce qui est rédhibitoire...

Pourtant, il y a plusieurs règles simples à appliquer. La première, et non des moindres, est de bien se renseigner sur le dossier demandé par la formation visée : le document pour intégrer les Beaux-Arts ne sera pas nécessairement identique à celui requis pour un DNMADE (et les conditions peuvent évoluer d'une année sur l'autre).

" Le dossier artistique doit témoigner d'un engagement artistique du candidat. Ça peut être ses envies, ses compétences acquises, ses intuitions. Pour nous, la finalité c'est d'être sûr que le candidat ne se trompe pas dans son parcours et comme on s'engage pour trois ans, nous aussi, il faut qu'on soit sûr", explique Géraldine Hervé-Dannhauer, enseignante en arts appliqués à l'école Estienne à Paris (75).

Laisser parler la sincérité et votre créativité

Selon l' Atelier de Sèvres, qui demande un dossier artistique pour postuler à sa prépa art, celui-ci est "peu réglementé" : "Il doit contenir des travaux artistiques personnels récents sélectionnés avec soin dans le but de donner quelques informations, [...] faire état du savoir-faire, des connaissances artistiques du candidat, mais également de ses affinités, de sa capacité à mener un projet de A à Z, et de son aptitude à présenter de façon adéquate les œuvres qui le composent."

Pour l'enseignante de l' école Estienne, il y a deux dimensions. D'abord, mettre en avant son univers créatif comme la littérature, le cinéma, la peinture... "Cela peut aussi être lié à un engagement personnel ou à la pratique d'un sport, l'important c'est que ce soit sincère. Fuyez Pinterest et ses images mâchées et redigérées. Même les plus jeunes ont un univers, il suffit de le découvrir."

Le deuxième aspect du dossier doit permettre de cerner votre création personnelle : "Il n'y a pas de limite, cela peut être de la maquette, des volumes, du dessin, de la photo, de la vidéo... tous les moyens d'expression sont acceptés. Il n'y a pas de minimum et au contraire, il en faut pour que l'on puisse s'assurer que le candidat pourra suivre un enseignement rigoureux." Attention cependant à ne pas en rajouter à la dernière minute pour combler à la va-vite.

Demander des conseils pour réussir votre dossier artistique

Une certaine attention est aussi portée à la cohérence de vos choix et à votre capacité à les expliquer. Orthographe et syntaxe sont essentielles. Enfin, " n'hésitez pas à demander des conseils autour de vous. À votre famille mais aussi à vos professeurs de philo, de langue, etc. peu importe. S'ils vous connaissent bien, ils pourront vous aider à faire émerger votre univers", complète encore Géraldine Hervé-Dannhauer.

L'une des meilleures façons d'adapter votre dossier est aussi de vous rendre aux portes ouvertes de la formation visée pour demander conseils à vos futurs enseignants ainsi qu'aux étudiants eux-mêmes.

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Études d'art : les conseils clés pour réussir son dossier artistique

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La réalisation du dossier artistique est une étape cruciale si vous voulez accéder à certaines formations artistiques, notamment des écoles d'art et de design ou des DNMADE. Pas d'inquiétude, vous avez tout ce qu'il faut entre les mains pour le préparer à condition de mêler organisation et sincérité.

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Soyez curieux, c'est indispensable pour développer votre culture. // © escapejaja

Boîte à outils
Devenir un "artiste" ne s'improvise pas. Avant de se pencher sur vos compétences techniques, les formations en art seront surtout attentives à vos qualités humaines et à votre ouverture d'esprit.

Futurs architectes, danseurs ou designers... tous ces étudiants ont bien plus de similitudes que vous ne le pensez ! Même si ces cursus artistiques sont parfois très différents les uns des autres, les qualités et appétences dont vous aurez besoin pour réussir vos études d'art sont assez semblables.

1. Un mot d'ordre en études d'art : la curiosité !

S'il n'y en qu'un à retenir, c'est bien le mot curiosité. " Il faut pouvoir nourrir son univers personnel", plaide Thomas Huot-Marchand, directeur de l'ANRT (Atelier national de recherche typographique) à l' ENSAD de Nancy.

Ainsi, en entretien, parler des musées visités avec votre classe aura moins d'impact qu'une exposition que vous avez vous-même décidé d'aller voir. Cette curiosité et vos différents engagements personnels peuvent d'ailleurs ne pas être en lien direct avec vos études. Au contraire, cette ouverture d'esprit est un atout pour développer votre imagination et votre culture personnelle, autres qualités nécessaires pour réussir.

2. Avoir l'esprit "créatif"

Votre intérêt pour la "création" fait bien évidemment partie des appétences à ne pas négliger. Sur Parcoursup, votre goût pour l'invention, la fabrication, la conception, la réalisation ou encore l'expérimentation est particulièrement apprécié.

À vous de mettre en valeur vos créations artistiques, même celles restées au stade du brouillon. L'important est de montrer votre potentiel et votre capacité à tenter de nouvelles choses (supports, techniques...) pour développer votre personnalité artistique.

3. Autonomie et rigueur, deux indispensables en études d'art

Cela ne signifie pas pour autant que les formations attendent une technique irréprochable de la part de leurs futurs étudiants. "On ne juge pas un savoir faire mais plutôt un 'savoir-être', des qualités humaines", complète le responsable à l'ENSAD. Être capable de travailler en équipe notamment mais aussi être assez autonome, organisé et rigoureux dans son travail. Car en dehors des cours, les formations laissent la part belle au développement de projets artistiques.

4. Travailler sa culture générale

Vos compétences littéraires (français, histoire, philo...) seront aussi évaluées par les formations. Savoir s'exprimer à l'écrit et à l'oral, avoir l'esprit de synthèse et d'analyse mais aussi aimer lire, écrire, regarder des films... sont des atouts. Les études artistiques nécessitent aussi un bon niveau dans au moins une langue étrangère. En somme, avoir une culture générale solide.

5. Des compétences numériques et scientifiques en plus

Dans certaines formations, vos compétences numériques, technologiques et scientifiques seront tout autant indispensables. Notamment pour un BTS audiovisuel mais aussi dans certains DNMADE.

La majorité des étudiants en art sont, de toute manière, de plus en plus amenés à travailler sur des logiciels ou à manier de nouvelles technologies.

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Les cinq qualités indispensables pour réussir en études d'art

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Boîte à outils Devenir un "artiste" ne s'improvise pas. Avant de se pencher sur vos compétences techniques, les formations en art seront surtout attentives à vos qualités humaines et à votre ouverture d'esprit. Futurs architectes, danseurs ou designers... tous ces étudiants ont bien plus de similitudes que vous ne le pensez !

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Les BTS artistiques se préparent en deux ans dans différents types d’établissements, et permettent une insertion professionnelle rapide ou, pour certains, la poursuite d’études. L’Étudiant vous en dit plus sur les BTS artistiques : matières enseignées, conditions d’accès, débouchés métiers, éventuel…

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Programme de spécialité du cycle terminal

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Programme de spécialité du cycle terminal

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EN COMMUNICATION VERBALE

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Grille des habiletés en communication orale

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COMMENT REGARDER UNE OEUVRE (3)

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COMMENT REGARDER UNE OEUVRE (2)

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Premières spé

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term spé : pour le 9 04 2021

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term spé pour le 9 / 04 / 21

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VAN GOGH - GAUGUIN

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Orientalisme, japonisme ....

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03Art abstrait GESTE TRACES SIGNES ESPACES

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AUX LIMITES DE L'ABSTRAIT

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Présentation des arts plastiques au lycée de Valognes

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Présentation des arts plastiques au lycée de Valognes

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questionnaire recherche question grand oral

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NANCY

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Académie de Nnancy

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ELEMENTS D'INFORMATION SUR LE GRAND ORAL

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ELEMENTS D'INFORMATION SUR LE GRAND ORAL

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Académie de Versailles

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RECHERCHES EN LIEN AVEC LES PROGRAMMES DU CYCLE TERMINAL

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RECHERCHES EN LIEN AVEC LES PROGRAMMES DU CYCLE TERMINAL

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Carnet de bord G.O. Thématiques des programmes et enjeux possibles

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MUSIQUE SON IMMATERIEL

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Gmail is email that's intuitive, efficient, and useful. 15 GB of storage, less spam, and mobile access.

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Alors que la fermeture des lieux culturels et notamment du Grand Palais a été prolongée, et que leur réouverture semble toujours lointaine, l'exposition événement " Noir et Blanc, une esthétique de la photographie " est annulée, et sera disponible en ligne seulement.
En association avec la Bibliothèque nationale de France, le Grand Palais préparait pour 2021 une exposition unique sur la photographie en noir et blanc. Mais à cause de l'épidémie de Covid-19 en France et de la fermeture des lieux culturels, elle ne verra finalement pas le jour au Grand Palais, mais sur son site web. Une photographie en noir et blanc dégage souvent une émotion particulière, vraiment unique à cette pratique artistique. Si les premières photographies prises étaient en noir et blanc par défaut, avec l'évolution de la photographie, l'absence de couleurs est devenu un choix. " Noir et blanc, une esthétique de la photographie ", c'est l'exposition qui rassemble les plus beaux clichés en noir et blanc, pour célébrer cette pratique et en apprendre plus sur celle-ci.

Mais pour découvrir cette magnifique exposition, il faudra se rendre sur le site du Grand Palais, et apprécier virtuellement les 300 clichés sélectionnés. Sinon, jusqu'au 28 février, vous pouvez aussi vous balader dans le métro parisien pour admirer les 38 prints grand format affichés dans 13 stations du réseau. En plus de l'exposition virtuelle, qui sera disponible dans le courant du mois de février, des conférences et autres événements en ligne seront organisés.

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L'exposition photo événement " Noir et Blanc " du Grand Palais se tiendra 100% en ligne !

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Alors que la fermeture des lieux culturels et notamment du Grand Palais a été prolongée, et que leur réouverture semble toujours lointaine, l'exposition événement " Noir et Blanc, une esthétique de la photographie " est annulée, et sera disponible en ligne seulement. En association avec la Bibliothèque nationale de France, le Grand Palais préparait pour 2021 une [...]

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150 ans d'histoire de la photographie en noir et blanc, de Nadar à Valérie Belin en passant par Ansel Adams, Willy Ronis, Robert Doisneau, Diane Arbus, Mario Giacomelli, Ralph Gibson, Daido Moriyama... L'exposition au Grand Palais s'annonçait énorme : 300 tirages de 200 photographes d'une trentaine de nationalités, issus des collections de la Bibliothèque nationale de France (BnF). Prévue pour avril 2020, elle avait été repoussé à novembre. C'est officiel : la Réunion des musées nationaux l'a annoncé jeudi 28 janvier, elle n'ouvrira pas ses portes.

Pour s'en consoler (un peu), on peut découvrir quelques contenus en ligne (d'autres sont annoncés pour les semaines qui viennent), des grandes images sur les quais du métro et surtout le catalogue (Éditions Rmn-Grand Palais en coédition avec la Bibliothèque nationale de France) de l'exposition à la mise en page sobre et efficace.

Des images qui se répondent

Le plus souvent, deux images se répondent de façon magistrale sur les doubles pages. Les volutes d'un Coquillage d'Edward Weston (1927) font écho à celles de Deux callas d'Imogen Cunningham (1925). Deux silhouettes contrastées se tournent le dos, un enfant flou de Laurence Leblanc ( Chéa, Cambodge, 2000), en face d'un long mannequin dans une robe Balenciaga par Cecil Beaton (1967). La fine ligne blanche qui borde une chaussure à talon par Helmut Newton ( Chaussure Monte Carlo, 1983) répond au col blanc d'un prêtre qui se détache de son habit noir par Ralph Gibson ( Quart de cercle ou Clergyman, 1975).

Les textes remettent en perspective le noir et blanc dans l'histoire de la photographie : on réalise qu'au commencement, au milieu du XIXe siècle, il n'y avait pas de noir et blanc, plutôt du monochrome. C'est seulement dans les années 1880, avec les tirages au platine et au gélatino-bromure d'argent que les vrais noirs apparaissent. Selon différents procédés chimiques, les premières photographies se présentaient dans ce qu'on a appelé "sépia", des teintes du roux au brun, ou dans le bleu du cyanotype, Une série de six tirages différents d'une photographie des enfants d'Emile Zola prise par l'écrivain le montre très bien.

Dessin, ombre et lumière, matière

Quand le noir s'impose, le noir et blanc n'est pas encore une esthétique en soi puisque, alors, la photographie est synonyme de noir et blanc. C'est avec la commercialisation de films couleur au milieu des années 1930 qu'il devient un mode d'expression à part entière. Il ne disparaît pas et devient un genre photographique, plus artistique alors que la couleur a un usage plus commercial.

Le catalogue souligne les qualités graphiques du noir et blanc, qui le rapprochent de la gravure (réunie d'ailleurs à la BnF dans le même département). Il met en lumière le jeu sur les contrastes qui "traduit le dessin du monde et le monde en dessin". Le jeu infini, aussi, entre l'ombre et la lumière, "matière première pourtant impalpable, évanescente, insaisissable, soumise aux aléas du ciel ou aux caprices de la virtuosité". Harry Callaghan saisit ainsi Eleanor, corps nu minuscule et éclairé dans une obscurité immense, Brassaï l'atmosphère poétique des nuits parisiennes. Le texte souligne aussi les effets de matière que permet toute la gamme des gris, et qu'on ne peut apprécier pleinement sur le catalogue, même si les reproductions sont superbes.

Noir et blanc en ligne

Le Grand Palais propose aussi quelques contenus sur internet , et annonce pour courant février une visite virtuelle interactive et des visites-conférences en ligne. Le site du Grand Palais offre déjà un court film qui faisait partie du parcours d'exposition, Les artistes du noir et blanc d'hier et d'aujourd'hui, est proposé en ligne : dans un document de l'Ina, Man Ray explique comment il fait ses "rayographes", Edouard Boubat commente des photos prises au jardin du Luxembourg où des enfants jouent dans la neige, et l'image "extraordinaire" où "tout semble à sa place" (elle est reproduite dans le catalogue). William Klein commente une de ses planches contact d'où est extrait un tirage de l'exposition.

Valérie Belin évoque "la dimension abstraite" du noir et blanc qui "opère un décalage avec la réalité qui s'offre à la vue en couleur", et l'apport du numérique à son travail. Israel Ariño, au contraire, dit qu'il aime le côté physique du tirage argentique, proche du travail de l'artisan. Il parle du travail à la chambre qui donne un "aspect presque réel" à l'image, en donnant l'exempled'une chouette fascinante de matière.

Pour finir, Isabelle Meneu, tireuse de photographies argentiques noir et blanc, montre avec plusieurs tirages à quel point son travail peut "participer à la création d'un univers ou d'une atmosphère qui correspond à chaque photographe" et expliquecomment elle travaille avec celui-ci pour obtenir l'image qu'il a dans la tête. Boris Gayrard, tireur numérique, explique, lui, qu'il n'a pas changé sa façon de faire quand il est passé au numérique et montre son travail sur une photographie de William Klein.

Pour les enfants et dans le métro

Toujours sur le site, un diaporama raconte aux enfants les débuts de la photographie. Un jeu, de difficulté variable, permet de resituer un détail dans une image de Gustave Le Gray, Alfred Stieglitz ou Imogen Cunningham, et d'autres proposent de colorier une image en noir et blanc, ou de reconstituer un puzzle d'une photographie.

Enfin, la RATP s'est associée à la RMN en montrant 38 photographies parmi les 300 qui devaient être exposées au Grand Palais, de Willy Ronis à Jane Evelyn Atwood, de Flor Garduño à Henri Cartier-Bresson. Elles sont collées en grand format et tirage affiche sur les quais de 13 stations du métro et du RER* (jusqu'en février).
"Noir et blanc, une esthétique de la photographie, collection de la Bibliothèque nationale de France", textes de Sylvie Aubenas, Héloïse Conesa, Flora Triebel, Dominique Versavel, Kim Timby, Michel Frizot (éditions de la Réunion des musées nationaux - Grand Palais, en coédition avec la BnF, 264 pages, 250 illustrations, 45 €) *Hôtel de Ville, Châtelet, Châtelet-les-Halles, Luxembourg, Saint-Denis Porte de Paris, Gare de Lyon, La Chapelle, Saint-Michel, Madeleine, Pyramides, Jaurès, Bir-Hakeim, Nanterre-Université

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"Noir et blanc" au Grand Palais : l'exposition n'ouvrira pas ses portes, on se console (un peu) avec le catalogue

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C'est officiel, la grande exposition "Noir et blanc" consacrée à la photographie monochrome au Grand Palais, plusieurs fois repoussée, n'ouvrira pas ses portes. On peut en avoir un aperçu grâce au très beau catalogue et à quelques contenus en ligne.

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REGARD D'ARTISTE SUR L'EXPO: NOIR ET BLANC AU GRAND PALAIS

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REGARD D'ARTISTE SUR L'EXPO: NOIR ET BLANC AU GRAND PALAIS

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Le Grand Palais fermera ses portes le 12 mars prochain pour au moins quatre ans et sera remplacé par un " Grand Palais Éphémère " sur le Champ-de-Mars. Ceci condamne l'exposition de photographies " Noir & Blanc " qui n'aura pas pu ouvrir ses portes.

Deux fois repoussée, l'exposition " Noir & Blanc, une esthétique de la photographie " n'aura finalement pas lieu. Du fait de la crise sanitaire et de la fermeture prochaine du Grand Palais pour quatre ans de travaux, elle se déroulera uniquement en ligne, courant février. Le musée, construit en 1900, mènera des travaux de restauration dans ses Galeries et sa Nef à partir de mars et sera, en attendant, remplacé par un site éphémère sur le plateau Joffre du Champ-de-Mars, face à la tour Eiffel. Le chantier de ce " Grand Palais Éphémère " devrait être terminé d'ici début mars, au moment de la fermeture de son homologue permanent.

" Noir et blanc ": l'exposition malchanceuse

Initialement prévue pour avril 2020, l'exposition " Noir & Blanc, une esthétique de la photographie " aura connu deux changements de dates successifs qui ont finalement abouti à son annulation pure et simple. Prise en étau entre la fermeture des musées, effective depuis mars 2020, et la propre fermeture du Grand Palais pour travaux, elle a malgré tout tenté d'exister. Après avoir été exposées dans le métro parisien, les photographies de l'exposition ont été dévoilées dans une vidéo, montrant Woodkid déambuler dans les allées vides du Palais. Elles seront finalement mises en ligne de façon interactive, dans le courant du mois de février, dans une exposition virtuelle sur le site du Grand Palais. Un moindre mal pour cette exposition XXL aux ambitions frustrées.

Le " Grand Palais Éphémère ", un site multifonctions

Dessinée par Wilmotte et Associés, cette halle provisoire sur le Champ-de-Mars remplacera le Grand Palais qui fermera ses portes le 12 mars prochain. Elle ouvrira dans la première quinzaine de mars et sera composée de matériaux durables, destinés à être réutilisés quand elle sera démontée en 2024. Ce " Grand Palais Éphémère " accueillera un nombre réduit de manifestations, principalement l'été. Parmi elles, la grande vente aux enchères de Bonhams, le Saut Hermès, La Biennale Paris ou encore les défilés Chanel. Quelques 8000 m² de surface seront ponctuellement ajoutés pour recevoir la Fiac et la foire Paris Photo. Il accueillera enfin les Jeux Olympiques de Paris de 2024 : les compétitions de judo et de lutte auront lieu dans la halle, peu avant son démontage programmé.

Le Grand Palais, quant à lui, va connaître des rénovations de sa Nef et de ses Galeries, ainsi que la création d'une entrée commune avec le Palais de la Découverte qui y est hébergé. Si un projet de restauration plus ambitieux a été abandonné fin 2020, le budget de l'opération est resté inchangé : 466 millions d'euros. Son but est de remettre le bâtiment aux normes, à la fois sanitaires et de sécurité, mais aussi de rapprocher les savoirs culturels et scientifiques des deux institutions qui y coexistent en repensant les espaces d'exposition.

Premiers éléments de programmation

À l'occasion de la fermeture du Grand Palais, la création chorégraphique de Boris Charmatz, La Ronde, enregistrée dans la grande Nef en janvier dernier, sera rediffusée sur France 5 le 12 mars à 20h50. Sa création s'inspire d'une autre oeuvre éponyme, La Ronde, d'Arthur Schnitzler, une pièce de théâtre allemande écrite en 1897. Chris Dercon, directeur de la Rmn-Grand Palais, voit dans cette manifestation " Un événement artistique tourné vers l'avenir et vers un Grand Palais encore plus ouvert à tous, plus accessible, ancré dans les mouvements et les réflexions qui traversent notre société, et qui offre au visiteur la possibilité d'être un acteur et un citoyen de son temps ".

La Réunion des musées nationaux-Grand Palais, qui gère également le musée du Luxembourg, y tiendra une exposition consacrée aux femmes peintres, entre 1780 et 1830, entre mars et juillet. À l'occasion du bicentenaire de la mort de Napoléon, la Rmn-Grand Palais produira également une exposition dans la Grande Halle de la Villette dédiée à la vie de l'empereur, du 14 avril au 19 septembre 2021. Enfin, la première exposition dans le Grand Palais Ephémère se déroulera autour de cinq œuvres en réalité augmentée avec la participation du magazine Fisheye. D'autres expositions hors-les-murs auront lieu partout en France, notamment à Marseille, Lille, Biot et Les Eyzies-de-Tayac.

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Le Grand Palais contraint de sacrifier sa dernière exposition avant l'ouverture de son site éphémère | Connaissance des Arts

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Le Grand Palais fermera ses portes le 12 mars prochain pour au moins quatre ans et sera remplacé par un " Grand Palais Éphémère " sur le Champ-de-Mars. Ceci condamne l'exposition de photographies " Noir & Blanc " qui n'aura pas pu ouvrir ses portes.

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The screens of the connectible devices we use are the only way we can have access to this parallel man-made universe, the Internet. Our lives have changed, from the simplest task to the way we perceive the world around us. Those devices guide us trough the real world, they answer our questions, they advice us and keep us company day and night. We look at them, touch them and talk to them in almost an intimate way.

Acknowledging these facts made me look at these devices from a different perspective. In this series I create family portraits of devices, reversing the subject/object relation. In this casual scenery of our everyday life, our comfort zones this multitude of glowing immersive gates, like an opposite of black holes, promise limitless possibilities. Information, entertainment, human connection and much more, are available anywhere and anytime, breaking the physical bond with the reality that surrounds us.

Never before had communication been so easy. Social networks and countless applications are created to serve our constant need for human connection but is there any chance that we have achieved the opposite?

Having for the first time in history such an easy and direct access to a huge and constantly increasing volume of information has made us wiser or are we just creating a detailed and multidimensional mirror of ourselves where we constantly seek our reflection as a confirmation of our existence? Or do these ''extensions of our hands'' have actually replaced our best friends, our family or even our lovers?
Maria Mavropoulou
Website www.mariamavropoulou.com

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email info@mariamavropoulou.com

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Maria Mavropoulou - The Eye of Photography Magazine

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The screens of the connectible devices we use are the only way we can have access to this parallel man-made universe, the Internet. Our lives have changed, from the simplest task to the way we perceive the world around us.

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se dévoile en ligne

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Le Grand Palais retrace l'histoire de la photographie en noir et blanc avec l'exposition Noir et Blanc : une esthétique de la photographie. Présentée en collaboration avec la Bibliothèque nationale de France, celle-ci rassemble plus de 300 tirages photographiques datant du XIXe siècle à nos jours.

Cette rétrospective du noir et blanc met en lumière les plus grands photographes, et ouvrira dès que le gouvernement permettra la réouverture des musées, sous réserve d'une confirmation du Grand Palais qui doit fermer courant 2021 pour travaux.

L'exposition promeut des artistes qui ont testé les limites de leur art, en créant de nouvelles techniques et en faisant du noir et blanc le sujet même de leurs clichés. Au Grand Palais, Man Ray, Ralph Gibson, Valérie Belin côtoient Robert Doisneau, Diane Arbus ou Daido Moriyama.

Ce sont 200 photographes de 30 pays différents, sur trois siècles différents, qui sont exposés dans la galerie Sud-Est du Grand Palais. Les clichés ont été exceptionnellement sortis des réserves de la BnF pour l'occasion. C'est l'occasion pour les amateurs de photographie de découvrir ces œuvres, qui représentent la " belle photographie " que la BnF veut préserver et mettre en valeur.

L'exposition explore les usages du noir et blanc : si la photo en couleur n'existait pas aux débuts de la photographie, de nombreux artistes continuent de faire le choix de photographier en noir et blanc, malgré les avancées technologiques. Cela donne des clichés uniques, pour lesquels les photographes tentent de nouveaux formats esthétiques, de nouvelles formes : on retrouve des jeux d'ombres et de lumières, des effets plastiques. L'exposition Noir et Blanc : une esthétique de la photographie sublime cet art et fait ressortir bien plus que 50 nuances de gris.

En attendant son inauguration, reportée à cause de la situation sanitaire, l'exposition se dévoile sur les murs du métro, et en ligne. Découvrez des films, des lives avec des personnalités, un filtre Instagram, des activités pour les enfants et de nombreuses autres surprises autour de cette exposition.

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Noir et Blanc, l'exposition au Grand Palais prévue en 2021 se dévoile en ligne

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Le Grand Palais s'allie à la Bibliothèque nationale de France pour proposer "Noir et Blanc : une esthétique de la photographie", une exposition à découvrir dans la galerie Sud-Est du Grand Palais. L'exposition ouvrira ses portes dès que le gouvernement donnera son feu vert pour l'ouverture des musées, sous réserve de confirmation du Grand Palais.

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POUR VOYAGER DANS LE TEMPS

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L'architecte et designer Emmanuelle Moureaux, basée à Tokyo, est connue pour ses installations multi-sensorielles utilisant des couleurs vives comme éléments. Pour son dernier projet, dans le cadre de la série de " 100 Colors ", elle a mis au point une grande création artistique aux couleurs de l'arc-en-ciel.
Crédit : Emmanuelle Moureaux

Exposée récemment au Musée d'art et de design de la préfecture de Toyama, au Japon, cette gigantesque structure intitulée " Color of Time " comprend 120 000 découpages de papier en forme de chiffres qui remplissent toute la pièce et semblent flotter dans un espace tridimensionnel sous forme de grille et composée de plus d'une centaine de niveaux.

Les visiteurs peuvent se promener à travers les rangées de numéros en papier coloré du sol au plafond, qui vont de 0 à 9. Chaque rangée de chiffres indique une heure de la journée, du lever du soleil à 6h30 au coucher du soleil à 19h49. Au fur et à mesure que le spectateur avance, les découpes changent progressivement de couleur, passant de teintes vivres à des nuances plus sombres, et finalement au noir, symbolisant le passage du temps du jour à la nuit.

Crédit : Emmanuelle Moureaux

Un rapport particulier au temps

" À travers le tunnel, le ciel est teinté d'un beau dégradé qui passe de couleurs pâles à des couleurs profondes, s'écoulant de temps en temps. L'exposition sensorielle fait ressentir les changements subtils de l'atmosphère à travers tout le corps en parcourant le flux coloré du temps " confie un porte-parole du Musée d'art et de design de la préfecture de Toyama. Si l'installation impressionnante n'est plus observable dans ce lieu culturel très réputé au Japon, cependant, Emmanuelle Moureaux prévoit de la faire voyager dans différentes villes du monde pour que chacun puisse la voir de ses propres yeux.

Crédit : Emmanuelle Moureaux

Crédit : Emmanuelle Moureaux

Crédit : Emmanuelle Moureaux

Crédit : Emmanuelle Moureaux

Crédit : Emmanuelle Moureaux

Crédit : Emmanuelle Moureaux

Crédit : Emmanuelle Moureaux

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Cette immense installation artistique immersive et colorée va vous faire voyager dans le temps

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L'architecte et designer Emmanuelle Moureaux, basée à Tokyo, est connue pour ses installations multi-sensorielles utilisant des couleurs vives comme éléments. Pour son dernier projet, dans le cadre de la série de " 100 Colors ", elle a mis au point une grande création artistique aux couleurs de l'arc-en-ciel.

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Oeuvre monumentale - Chicago

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La première installation publique de l'artiste islandais dans la ville de l'Illinois surnommée Windy City symbolise la beauté de la région mais aussi la fluctuation du climat et notre impact sur l'environnement.

© Darris Lee Harris

L'artiste de renommée internationale Olafur Eliasson est bien connu pour ses installations réfléchissantes, lumineuses et à grande échelle qui incitent le spectateur à reconsidérer la perception visuelle et la présence physique. Il a dévoilé le 12 janvier dernier sa première œuvre d'art publique dans le centre-ville de Chicago. Commandé par la société d'investissement et de gestion immobilière EQ Office en collaboration avec les curateurs de CNL Projects , Atmospheric wave wall - le mur d'ondes atmosphériques - occupe une place de choix sur le Jackson Boulevard au niveau du gratte-ciel Willis Tower.

Cette installation à grande échelle compte près de 2 000 tuiles en acier incurvé enduites de poudre de peinture. Tout en nuances de bleus et de verts complémentaires, ces tuiles sont disposées en motifs hexagonaux. Tel un prisme déployé aux multiples facettes, l'œuvre se modifie en fonction des changements de réflexion du soleil, des saisons de l'année, de l'heure du jour et de l'endroit où sont postés les passants. Rétroéclairée à travers les fissures du panneau géant, l'œuvre est également visible la nuit tombée.

Pour Atmospheric wave wall, Olafur Eliasson s'est inspiré de la rivière Chicago ainsi que du lac Michigan à proximité. Son œuvre se trouve à un kilomètre à pied de la sculpture Cloud Gate d'Anish Kapoor - surnommée Bean - et du Art Institute of Chicago. Olafur Eliasson a détaillé ses motivations dans un communiqué : " Inspiré par le climat imprévisible que j'ai constaté à la surface du lac Michigan, Atmospheric wave wall se modifie selon votre position et l'heure du jour et de l'année. Ce que nous voyons dépend de notre point de vue : le comprendre est une étape importante pour réaliser que nous sommes capables de changer la réalité. "

© Darris Lee Harris

Détail de l'œuvre Atmospheric wave wall, avec la Willis Tower en arrière-plan.

Hommage à la beauté naturelle des rivières voisines, cette œuvre témoigne aussi de l'intérêt d'Olafur Eliasson pour la cause climatique. En 2019, l'artiste a été nommé Ambassadeur de bonne volonté des Nations unies pour les Objectifs de développement durable.

Atmospheric wave wall s'intègre dans le projet de rénovation à hauteur de 500 millions de dollars de la Willis Tower, sous l'égide de la société d'investissement immobilier EQ Office. Conçue et achevée dans les années 1970 par le cabinet d'architectes Skidmore, Owings & Merrill, la Willis Tower était autrefois considérée comme le plus haut gratte-ciel du monde. Un des objectifs de sa rénovation, qui devrait être achevée cet été, est de faire progresser les technologies de durabilité et d'énergie renouvelable. EQ Office cherche ainsi à lui faire attribuer une certification LEED, qui atteste qu'un bâtiment a été conçu et construit par le biais de stratégies visant à atteindre une performance élevée dans des domaines clés de la santé des humains et de l'environnement. Une autre raison qui explique la raison d'être de l'œuvre d'Olafur Eliasson, symbole et espoir d'un avenir meilleur et plus lumineux.

Article initialement paru dans AD US.

Traduction et adaptation française Chantal Bloom

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Olafur Eliasson dévoile une installation monumentale à Chicago

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La première installation publique de l'artiste islandais dans la ville de l'Illinois surnommée Windy City symbolise la beauté de la région mais aussi la fluctuation du climat et notre impact sur l'environnement.

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Aurelien Bellanger ( France Culture)

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C'est un métier qui pèse encore, dans nos sociétés où la notion de métier s'estompe, un poids particulier.
Pourtant le peintre, depuis longtemps, n'est plus l'unique fabriquant d'images.

La fonction anthropologique du peintre

Quand Brueghel peint sa tour de Babel, il n'en existe aucune : la forme qu'il invente, ce coquillage mental, devient instantanément décisif. Mais cela fait longtemps que les peintres sont privés de ce geste inaugural. Sans doute ont-ils tenté d'en inventer d'autres : Rembrandt a peint une carcasse, Monet la fumée d'un train, Lucian Freud un évier ou la vue dépareillé d'une arrière cour - sorte de réponse aux villes idéales de la Renaissance.
Le choix du sujet, cependant, a connu, au vingtième siècle, un long déclin : le marchand d'images est devenu surtout marchand de boue, des désespérantes traces de pneu de Soulages aux objets chus dans les sérigraphies du pop art : la boue des images, plutôt que les images encore.
Le peintre, insensiblement, était devenu un critique, plutôt qu'un fabricant d'image. Et on s'est mis, dans les sièges sociaux des banques comme aux murs des cabinets de psychanalystes, à accrocher des tableaux aux murs seulement pour montrer qu'on n'était plus dupe de la tyrannie des images.
Alors le peintre idéal, à défaut d'être abstrait, devait au minimum peindre assez mal : plus on voyait la boue, moins on voyait l'image, meilleur il était. Idéalement la boue devait même un peu rejaillir sur lui : dans un monde de plus en plus aseptisé, un monde qui ressemblait de plus en plus à une image, le peintre devait demeurer une figure archaïque : de l'ogre Picasso à l'ours Bacon, dont l'atelier-tanière, reconstituée par des archéologues, a fini par être exposé à côté de ses toiles, le peintre avait fini par essentiellement se représenter lui-même.

Il y a deux théories, sur l'autoportrait : ce serait à la fois le démonstrateur portatif de ses capacités techniques, et l'indice, comme chez Rembrandt ou Van Gogh, d'une crise existentielle.
Les deux théories, aujourd'hui, sont également valables : on vit l'âge d'or du peintre en tant qu'autoportrait, car les peintres dont nous voulons sont essentiellement des caricatures de peintres, et en même temps, leurs capacités techniques, affaiblies par un siècle qui vit le triomphe général de la technique partout, sauf en peinture, sont au plus bas : la crise existentielle couve.

Un Suisse dans les bidonvilles

Le métier de peintre serait-il condamné ? Heureusement non, car il existe une autre histoire de la peinture au vingtième siècle, moins triomphale, mais moins destructrice aussi.
J'en eu la confirmation en allant voir, rue des Beaux-Arts, la très belle exposition consacrée à un peintre suisse oublié, Jürg Kreienbülh. Presque un peintre de genre qui a eu le malheur, ou le génie, de peindre pendant la seconde partie du vingtième siècle. Et qui, non seulement, était techniquement redoutable, mais possédait aussi un génie du sujet.
Ses tableaux les plus marquants racontent ainsi l'édification de la Défense vue des bidonvilles environnants. Ses intérieurs, beaux comme des intérieurs hollandais, sont ceux des travailleurs algériens de la zone.
Sa France, c'est celle du Paquebot éponyme échoué devant les raffineries du Havre, ses nymphéas ce sont des galettes d'hydrocarbures en suspension, ses natures mortes ce sont des boîtes empilées de Cassoulet William Saurin et de Génie sans frotter.
Et quand on l'aperçoit, soudain, dans le reflet d'une télé, on se dit que c'est ça, un peintre.

Un peintre, c'est peut-être une figure de l'immobilité dans un monde qui change. Ce n'est plus les choses qui posent pour lui, c'est lui qui tente, parce que sa technique toute simplement l'exige, de poser devant elles. Et qu'on mette un bidonville devant une usine ou des tours devant un cimetière, c'est lui qui tient, dans sa main de plus en plus assurée, moins son pinceau que le seul balancier du temps - la mesure de la permanence et de l'impermanence des choses.

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C'est un métier qui pèse encore, dans nos sociétés où la notion de métier s'estompe, un poids particulier. Pourtant le peintre, depuis longtemps, n'est plus l'unique fabriquant d'images. Quand Brueghel peint sa tour de Babel, il n'en existe aucune : la forme qu'il invente, ce coquillage mental, devient instantanément décisif.

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La Dentelière, Vermeer

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NUMERO INE

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Parcoursup N°3 - Vérification des données élèves-1

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20 JANVIER

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les etapes du processus de l'oeuvre monumentale

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WILLIAM KENTRIDGE

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BARABARA KRUGER

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CALQUES DE CARMONTELLE

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L'AUBETTE Strasbourg

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MONET - Orangerie Paris

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Huang Young Ping

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SI - SCIENCES

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HLP

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La parole comme oeuvre - SPE LANGUES

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PARCOURS TRANSVERSAUX

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programme cycle terminal

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PARCOURS TRANSVERSAUX

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ART CONTEMPORAIN 1

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AVANT GARDES

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LA QUESTION UD REGARD

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Nouvelle écoute de cette émission diffusée le 06/09/2020
Quel sujet curieux que ce livre de Nathalie Delbard, Le strabisme du tableau : essai sur les regards divergents du portrait, de l'incidence-éditeur. Il nous conduit à observer des œuvres qui, du XVe siècle à nos jours, retiennent notre attention par la nature particulière du regard que nous adressent ces personnages portraiturés.

Nous ne remarquons pas en observant leur visage au début de notre contemplation ce détail mais nous trouble et qui fait de celui qui est dépeint nous regarde et ne nous regarde pas dans un même mouvement.

Alors ce serait une démarche déjà inhabituelle de la part de l'auteur que de rechercher dans l'histoire de l'art des modèles qui seraient affublés d'un strabisme. Mais lisant le livre, on comprend rapidement que s'il s'agit parfois d'un léger défaut de celui qui est représenté, c'est le plus souvent un stratagème du peintre qui le conduit a artificiellement produire cette divergence du regard pour appuyer une signification. Alors ce n'est plus le modèle qui louche ou qui diverge, mais le tableau lui-même qui, comme par contagion, se déstabilise intentionnellement pour être doté d'une efficacité nouvelle qui cette fois atteint le regardeur contraint de chercher sa distance, sa place devant l'œuvre qu'il regarde. Nathalie Delbard que nous rencontrons aujourd'hui à propos de son livre s'appuie sur des œuvres comme autant de cas et de la renaissance italienne ou flamande, à Goya ou Manet jusqu'à l'art d'aujourd'hui, je pense à l'artiste Jean-Luc Moulène par exemple.

Elle nous guide avec des idées excitantes car peu relevées. On voit naitre le portrait de trois quart et l'effet contourné que celui-ci a sur le regard du modèle selon qu'un ou deux yeux apparaissent, regard en coin ou regard rêveur ou regard perdu ou scrutateur, on a l'impression que par ce détail, par cette particularité du corps ou de son mouvement un peu de l'esprit de la personne représentée et des contradictions de son âme nous sont suggérés. Ce qui me touche dans ce livre que vous avez rédigé, Nathalie Delbard, est qu'il n'affirme pas une élucidation symbolique, mais plutôt une sensation réfléchie sur la pensivité du regard et vous reprenez pour exprimer l'état d'esprit de votre recherche, une phrase de Barthes qui décrit bien je crois votre méthode : " il s'agit d'observer le produit d'une poussée, non d'une intention ".

Lectures des textes par Nathalie Kanoui

Musiques diffusées :

Johann Johannsson, "...eins og venjulegt fólk"

John Zorn, "Ner Tamid"

Ital Tek, "The Circle is complete"

Chanson :

Anne Sylvestre, "Le deuxième oeil"

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Nouvelle écoute de cette émission diffusée le 06/09/2020 Quel sujet curieux que ce livre de Nathalie Delbard, Le strabisme du tableau : essai sur les regards divergents du portrait, de l'incidence-éditeur. Il nous conduit à observer des œuvres qui, du XVe siècle à nos jours, retiennent notre attention par la nature particulière du regard que nous adressent ces personnages portraiturés.

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Les spécialités en fonction des choix de formation et de métiers