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Andrea MANTEGNAI, sola di Carturo (Vénétie), vers 1431 -Mantoue (Lombardie), Tempera sur toile

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Minerve, déesse romaine de la Guerre, chassant les Vices du Jardin de la Vertu- Zélie Guedes 

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Minerve, déesse romaine de la Guerre, chassant les Vices du Jardin de la Vertu- Zélie Guedes 

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j’ai choisi cette œuvre en raison de la beauté des détails et de la scène. On monte ici une déesse antique de la guerre chassant les vices du jardin de la vertu. C’est une scène inspirée de l’Antiquité qui a des traits mythologiques et est une des rares œuvres de cette époque qui ne représente pas la religion chrétienne. la présence des anges, des centaures, de la déesse et des autres dieux sur le nuage en haut à droite accentue l’idée d’une peinture inspirée de l’Antiquité et de la spiritualité très présente à cette époque à travers la diversité des croyances. Les personnages autour a forme humaines semble démunis, apeurés, presque dévisagés par l’arrivée de la déesse ce qui clarifie l’histoire du tableau avec la notion de chasse. Étant une aimante de l’architecture italienne et antique, elle est très bien représentée sur ce tableau. La puissance de la femme dans les textes mythologique est illustré dans ce tableau. J’ai donc choisi ce tableau en raison de sa valeur, de ses détails, et de la beauté des messages.

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Vénus, déesse romaine de l’Amour, et les Trois Grâces offrant des présents à une jeune fille- Alice de Broca

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Vénus, déesse romaine de l’Amour, et les Trois Grâces offrant des présents à une jeune fille- Alice de Broca

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Alessandro Filipepi, dit Botticelli

Vénus, déesse romaine de l’Amour, et les Trois Grâces offrant des présents à une jeune fille

vers 1483-1485

environ 180 × 260 cm

fresque

Musée du Louvre, Paris

J’ai choisi cette œuvre parce que j’aime bien la mythologie, et je trouve que c’est intéressant de voir comment elle est représentée à la Renaissance.

J’aime aussi le fait que ce soit surtout des femmes, et qu’elles soient représentées de manière élégante. Elles sont bien habillées, avec des vêtements qui tombent bien, et je trouve que ça rend l’œuvre belle et harmonieuse.

La lumière et les couleurs m’ont aussi plu, parce que ce n’est pas trop sombre et que ça donne une ambiance calme. C’est une œuvre que je trouve agréable à regarder.

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Fra Angelico, " Le Couronnement de la vierge ", circa 1425, bois(peuplier, panneau d'un seul tenant), 2,09x2,06 m.

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Fra Angelico, Le Couronnement de la vierge - Afdar MASSOUNDI

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Fra Angelico, Le Couronnement de la vierge - Afdar MASSOUNDI

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J'ai choisi ce tableau car on voit un effet de symétrie sur une scène de couronnement qui est très technique. Fra Angelico peint cette ambiance religieuse dans un cadre qui accentue la symétrie de son chef-d’œuvre. Les regards dirigés vers le centre qui nous invite a regardé le couronnement. De plus, on peut voir la domination des couleurs bleues et jaunes qui embellissent le tableau.

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Domenico GHIRLANDAIO Florence,1449-Florence,1494 LA VISITATION  peinture sur bois,1481 comendé par Lorenzo Tornabuoni (1465-1497) pour sa chappelle dans l’Eglise de castello de florence .

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Sur ce tableau ,notre attention est directement attirée sur la femme ageunouillé qui est enfaite Sainte Elisabeth enceinte de Jean-Baptiste .

Marie, la femme se tenant debout devant elle est enceinte de Jesus.

Ce tableau illustre un épisode du nouveau testament ou marie vient donc visiter Elizabeth.

A droite ,se trouve un ange ,et à gacuhe des deux femmes , est une représentation de marie représantant la maternité .

Nous avons également de la profondeur dans ce tableau grâce à l’ouverture .

La technique utilisée n’est autre que la tempéra sur bois ,une technique de peinture ou les pigment sont melangés a du blanc d’oeuf pour le consistance et la precision dans les details .

J’ai choisi cette oeuvre car je trouvais la scène intriguante les couleurs étaient vives me donnant envie d’en savoir plus .

ZEÏNEB MERRAD 1ERE 3

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Pietro Di Giovanni d’Ambrogio, La vierge et l’enfant entourés d’anges et de saintes et surmontés par Dieu le Père bénissant, Italie, 1400-1450, 0,57m x 0,43 J’ai choisi ce tableau car j’ai beaucoup apprécié les couleurs chaudes du tableau : rouges, oranges et jaunes mais aussi le fond noir qui fait donc ressortir les couleurs principales. J’ai aussi aimer le fait qu’il y est une certaine symétrie avec les anges de part et d’autres du tableau et Dieu entouré d’une lumière qui forme presque un cœur le plaisir beaucoup car c’est fait avec de l’or. Et en fin j’apprécie également leurs tenues grâce aux différents motifs qu’il y a également autour de chacune des têtes. 

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La vierge Marie et Jésus entourés d’anges - Iman

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La vierge Marie et Jésus entourés d’anges - Iman

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Bartolomeo di GIOVANNI, Les Noces de Thétis et Pelée, circa 1490, 150,5x42.5cm, peinture sur bois, Louvre (Paris)

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Bartolomeo di GIOVANNI, Les Noces de Thétis et Pelée - Mila

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Bartolomeo di GIOVANNI, Les Noces de Thétis et Pelée - Mila

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J'ai particulièrement aimé cette peinture pour plusieurs raisons. En effet, la taille et la forme de cette peinture ont attiré mon attention. Les dimensions changent de se que l'on a l'habitude de voir avec souvent des dimensions proportionnel (rectangle, carrée).

De plus, le tableau m'a interpelé par sa vivacité grâce à l'utilisation de ces couleurs vives, bleu, vert, rouge, rose, jaune, grâce également aux nombreuses personnes représentées sur le tableau. Je trouve que ces deux éléments nous incluent dans la scène et nous donne l'impression de faire partie du tableau.

Enfin, j'apprécie le fait que le tableau représente un passage de la mythologie. Zeus et Poséidon se disputaient la main de Thétis quand une prédiction annonça que le fils qu'elle mettrait au monde serait plus puissant que son père. Aucun des dieu ne voulant plus l'épouser,Thétis doit se marier à un mortel :  Pelée qui est un roi thessalien.

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Le Portement de croix - Biagio D’ANTONIO ,1500 - Refiola Agolli

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Le Portement de croix - Biagio D’ANTONIO ,1500 - Refiola Agolli

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Biagio D’ANTONIO, Le Portement de croix, 1500, peinte sur bois, 190.5 cm x 191 cm , Musée de louvre.

J’ai choisi cette oeuvre parce qu’elle représente Jesus  Christ portant la croix avant sa crucifixion.C’est une scène très importante dans la religion chrétienne car elle montre la souffrance et la sacrifice du Christ. J’aime beaucoup comment la peinture montre exactement ce que Christ a du subir.

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Portrait d’un vieillard et d’un jeune garçon 

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Portrait d’un vieillard et d’un jeune garçon 

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Titre : Portrait d’un vieillard et d’un jeune garçon

Peintre : Domenico Ghirlandaio

Date : vers 1490

Dimensions : environ 62 cm de haut × 47,5 cm de large

Lieu : Musée du Louvre

J’ai choisi cette peinture car on peut voir un vieil homme qui a un nez très laid et plein de boutons dessus et un enfant dans ses bras qui même si l’homme a un nez pas beau à voir reste quand même obnubilé par sa personne. Le vieil homme montre aussi de la tendresse à cet enfant ce que je trouve très touchant et émouvant puisque l’enfant n’a pas l’air de remarquer son nez très laid ce qui donne un côté authentique à l’œuvre. Aussi comparé aux autres œuvres où c’est plus incroyable ou spectaculaire ou encore religieux celle-ci est plus tranquille et pose ce que j’aime beaucoup. Pour finir même si l’homme est très vilain l’œuvre reste esthétiquement très belle fait du bien à voir avec les couleurs et les formes très réaliste.

Mathieu

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La Vierge Marie et l’Enfant Jesus, Selma Saadaoui

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La Vierge Marie et l’Enfant Jesus, Selma Saadaoui

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Peintre anonyme, La Vierge et l’Enfant Jesus, vers 1470, peinture sur bois, Musée du Louvre, Paris.

J’ai choisi ce tableau parce qu’il est proche du réalisme : les personnages paraissent plus naturels et les formes sont mieux travaillées. Les couleurs sont nombreuses, vives et assez chaudes, ce qui rend le tableau plus vivant , plus beau et facile à comprendre par rapport à des œuvres plus anciennes.

Le tableau est centré sur la Vierge Marie, placée au milieu, avec l’Enfant Jésus debout sur ses genoux. L’arrière-plan est construit avec des colonnes et une arche, ce qui crée une sorte de symétrie. Il y a deux femmes au second plan qui cassent un peu cette symétrie et donnent de la profondeur à l’espace. Les couleurs sont vives et assez chaudes, surtout le bleu et le rouge des vêtements de la Vierge. Elles permettent de mieux voir les formes et les volumes. L’atmosphère est calme et douce, en lien avec la religion. Les personnages sont représentés simplement mais avec des détailles et Marie semble protéger l’Enfant Jésus. L’iconographie montre une scène religieuse classique de la Vierge et de l’Enfant, très fréquente à la Renaissance.

Cette peinture montre le début du réalisme.

( je n’arrive pas à trouver mon œuvre sur le site du Louvre)

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Sandro Botticelli, Un jeune homme présenté par Vénus aux Sept Arts libéraux (aussi appelé Lorenzo Tornabuoni présenté par la Grammaire à la Prudence et aux autres Arts libéraux), 1484, tempera sur panneau de bois, environ 234 x 123 cm, Musée du Louvre, Paris

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Un jeune homme présenté par Vénus aux Sept Arts libéraux-Inaya

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Un jeune homme présenté par Vénus aux Sept Arts libéraux-Inaya

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Mon oeuvre se nomme "Un jeune homme présenté par Vénus aux sept arts libéraux" également connus sous le nom de "Lorenzo Tornabuoni présenté par Grammaire à Prudence et aux autres arts libéraux" réalisée par Sandro Botticelli en 1484, j'ai choisi cette oeuvre parce qu’elle m’a marquée grâce à ses couleurs mais surtout à ses dimensions impressionnantes qui laissent une trace durable. De plus, elle semble raconter une histoire, quelque chose de profond transmis grâce aux sept arts libéraux qui m’a touchée tout au long de la sortie. Certaines parties de la fresque ne sont pas présentes car elle ont été mal conservées avec le temps, elle m’intriguent fortement puisque par conséquent certaines parties de l’histoire sont comme manquantes mais marquent également l’ancienneté de cette fresque.

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Paolo Ucello, La Contre-Attaque de Micheletto Attendolo da Cotignola, circa 1430, tempera sur panneau de bois, 182 x 317 cm

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La Contre-Attaque de Micheletto Attendolo da Cotignola- Mariam Yehia

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La Contre-Attaque de Micheletto Attendolo da Cotignola- Mariam Yehia

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J’ai choisi La Contre-Attaque de Micheletto Attendolo da Cotignola de Paolo Uccello parce que cette scène de bataille est tout le contraire d’une bataille habituelle. En effet une bataille est censé être violente et on devrait retrouve des armes et du sang partout. Mais la au contraire tout paraît très organisé. Les soldats et les chevaux semblent calme et les lances sont chacune en l’air presque aligne ce qui est trop organise pour une bataille.

Les personnages ont l’air d’être assez calme de part leur expressions fermées. Ils ne montrent presque aucune émotion, comme s’ils n’avaient pas peur et qu’ils avait déjà l’air d’avoir gagne cette bataille. Cepandant l’un d’eux qui a l’air de dirige les rangs détourne le regard de la bataille et affiche une expression un peu trouble. De plus la peinture respecte les points qu’on pourrait retrouver sur beaucoup d’œuvre appartenant au quatrocento.

https://collections.louvre.fr/recherche?q=La+Contre-Attaque+de+Micheletto+Attendolo+da+Cotignola

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Francesco MARMITTA ; La vierge et l'Enfant entourés de saint Benoit et saint Quentin et deux anges ; vers 1500-1505 ; huile sur bois (peuplier) ; Hauteur : 2,2 m ; Largeur : 1,38 m

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La Vierge et l'Enfant entourés de saint Benoit et saint Quentin et deux anges - Keona

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La Vierge et l'Enfant entourés de saint Benoit et saint Quentin et deux anges - Keona

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J'ai choisi cette œuvre puisque c'est la seule qui retenait mon attention quand j'en cherchais une dans la limite de siècle imposer. Quand je me suis approchée de celle-ci mon attention a été porté sur la tenue de saint Quentin qui contraste avec celle de saint Benoit, Marie et les anges, ainsi que sa chevelure, leur visages aussi calme et serein. Puis je remarqua la différence de tenue et d'équipement de saint Benoit et saint Quentin à gauche saint Benoit ressemble à n'importe qu'elle autre saint avec une tenue qui rappel celle des prêtres, tandis que saint Quentin lui, est habillé en chevalier avec son armure décoré au niveau des genoux et de la taille, ainsi que la chevelure de saint Quentin qui contraste avec la calvitie de saint Benoit et Marie surélevée dans une triangulation entre les trois, j'apprécie tout ces petits détailles que l'artiste à voulut transparaitre dans sa peinture.

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Artiste: Domenico Ghirlandaio

Titre: La Visitation

Date:1491

Technique: peinture sur bois (peuplier)

Lieu de conservation: Musée du Louvre, Paris

J’ai choisi La Visitation car je trouve le tableau magnifique, les couleurs vives m’on interpellé comme le jaune et le rose . Je l’ai choisi aussi car on peut voir  la technique des drapés et que l’on peut voir  les expressions des femmes dans celui-ci.

Ana

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Lorenzo DI CREDI, l’Anonciation, 1480-1486, huile sur bois, Musée du Louvre

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J’ai choisis cette œuvre pour ces couleurs bien prononcé, plutôt rare pour l’époque, ainsi le visage de la vierge marie et de l’ange y sont représentés de façon réaliste. Le décor et les différents plans apportent une belle perceptive et j’ai trouvé cela intéressant d’en parler. Enfin le modèle/ support où est la peinture est intéressante car cela change des toiles simples, ici le peinture est directement en contact avec le bois.

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 La Vierge à l'Enfant entourés de deux anges, sainte Rose et sainte Catherine - Eloïse

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 La Vierge à l'Enfant entourés de deux anges, sainte Rose et sainte Catherine - Eloïse

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Titre : La Vierge à l'Enfant entourés de deux anges, sainte Rose et sainte Catherine

Peintre : Pérugin, dit Il Perugino

Date : entre 1475-1500

Dimensions : 148x148 cm

Technique : Huile sur bois de peuplier

J'ai choisi ce tableau car j'ai trouvé les couleurs très vives et les personnages très réalistes. Le tableau représente une scène chrétienne dans lequel la Vierge Marie porte l'Enfant Jésus dans ses bras et est entourée de saintes. Elle est mise en valeur car elle se trouve au centre du tableau, assise sur une estrade. Ce thème est très représenté au XVe siècle dans le Quattrocento.

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Artiste : attribuée à Léonard de Vinci ou à un peintre de son entourage

Titre : Portrait de femme, dit à tort La Belle Ferronnière

Date : vers 1490–1497 (fin du XVe siècle)

Technique : huile sur panneau en bois (noyer)

Dimensions : 63 × 45 cm

Lieu de conservation: Musée du Louvre, Paris

J’ai choisi La Belle Ferronnière parce qu’elle montre un aspect différent de la peinture du XVe siècle. À cette époque, beaucoup d’œuvres représentent des sujets religieux, alors que ce tableau est un portrait profane, centré sur une personne réelle. Cela permet de voir comment les artistes de la Renaissance commencent à s’intéresser plus à la personne et au modèle.

J’aime la précision des détails de sa robe, de ses bijoux, et le fond très sombre, qui rendent le visage vivant et presque réaliste. Le regard de la femme crée un mystère et donne envie de savoir sont histoire. Enfin, comme l’identité du modèle reste inconnue cela rend l’œuvre encore plus intrigante car on veut savoir qui elle est.