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Para esta obra Rashid Johnson usa un brebaje de cera mezclado con un jabón negro de África Occidental que se utiliza a menudo para el tratamiento de la piel sensible. En esta obra monocromática negra podemos ver líneas irregulares que marcan el plano, como si de caminos se tratase. La obra podría representar la piel negra y las marcas que ha dejado la historia en ella. Respecto a la línea y a la textura que esta genera, podríamos decir que expresan fuerza y sentimientos fuertes. El color negro de la obra en contraste con la pared blanca del museo refuerzan esta sensación pesadez, a demás de verse como un elemento pesado. Lo más interesante de esta obra, junto con las anteriores analizadas, es como en el arte moderno y contemporáneo la conceptualización previa de la obra, el contexto en el que fueron creadas y el sentir particular del artista deben entenderse como un todo.

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Cosmic Slop "Bitter", Rashid Johnson (2015)

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Cosmic Slop "Bitter", Rashid Johnson (2015)

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En esta obra podemos ver como Damián Ortega usa como módulo una tortilla de maíz con cuatro ranuras en forma de cruz para construir estructuras geométricas. Ortega invita con esta obra a reflexionar sobre los materiales autóctonos y como con lo que tenemos en América latina se puede construir la fuerza.  Una de las cosas que mas me llamo la atención en esta obra fue que, al componerse de tortillas que deben hacerse a mano, es fuerte el componente artesanal, dándose la estructura geométrica a partir de formas irregulares redondas en las que cada una es diferente a la otra, significando esto que la estructura, según como se construya, no será igual dos veces. Otro elemento formal interesante de la obra es el color de tono cada tortilla, pudiendo ser diferente según el tiempo de cocción, brindándole una riqueza tonal a la obra.

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Tortillas Construction Module, Damián Ortega (1998)

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Tortillas Construction Module, Damián Ortega (1998)

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Medidas variables. Tortillas de maíz.

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En Chapter XV vemos tres marcos rectangulares de forma vertical. El primero se compone de 29 fotografías de los miembros de una familia china; el segundo se compone de un texto en el que vincula las vidas de estas 29 personas como familia, presentando como sus dinámicas son afectadas por el Consejo de Estado en 2009; en el ultimo marco vemos dos elementos, una fotografía de una ciudad de China y una publicidad retratando uno de los edificios de la fotografía. En esta obra Taryn Simon juega con la fotografía, el texto y el diseño gráfico. Llama la atención el gran espacio en blanco que hay entre los elementos y el marco, así como también la composición, en la que vemos que usa la proporción aurea para organizar los elementos de su obra. Respecto a Chapter V, Taryn Simon crea esta obra como respuesta a la censura a la que fue sometida Chapter XV en una exposición, pintando sobre la pared y justo al lado rectángulos completamente negros mate, en el que se puede reconocer perfectamente la misma forma de su obra censurada. Es muy interesante la fuerza y pesadez visual que expresa esta obra únicamente a través de rectángulos de color negro, a demás de lo balanceada que está por el uso de la proporción aurea. Chapter V seguramente no sería tan interesante sin su hermana al lado.

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213 x 301 cm. Pintura mate sobre pared

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213 x 301 cm. 31 fotos en dos paneles y panel con texto

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Mi recorrido virtual en el Guggenheim Museum me dejó un fuerte deseo de querer visitarlo presencialmente. Al pasar la puerta del museo nos encontramos con una entrada poco amplia en comparación con los espacios del museo y con un techo bajo, que al pasar, nos permite ver el amplio lobby del piso #1. Esta transición que vemos al pasar de la entrada al lobby invita a mirar hacia arriba, vista que nos permite contemplar el movimiento y lo formalmente dinámico que es, expresando bien lo que podría esperarse de un museo de arte moderno y contemporáneo, siendo desde la arquitectura una obra de arte en sí, con sus líneas y formas dinámicas. El color blanco predominante de sus paredes y sus nulas decoraciones invitan también a prestar atención a las obras que contiene. Arquitectónicamente me impresionó el concepto de espiral que permite una forma de ver las obras y de recorrer el museo circularmente. Definitivamente debe ser toda una experiencia vivir el museo presencialmente.

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New York, Estados Unidos

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En esta pintura del desconocido Mariano Silva Vandeira podemos ver a Eva en primer plano y ocupando casi todo el espacio. La paleta de colores es de ocres poco saturados, siendo lo mas llamativo la piel de la mujer. Vemos que tiene el cabello muy largo e incluso parece estarse peinando; Tiene bello en las axilas, detalle particular. Formalmente sus caderas son bastante anchas y quizás hable de una Eva autóctona.  También me llamó la atención que por sus pies, en el fondo ocre, hay lo que parece la sombra o el rastro de una serpiente compuesto por líneas tímidas. La mirada de la mujer también es curiosa, pues no parece muy expresiva. Sin duda una pintura que me deja más preguntas que respuestas.

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Eva en el Paraíso -Mariano Silva Vandeira

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Eva en el Paraíso -Mariano Silva Vandeira

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36 cm x 60.5 cm. Oleo sobre lienzo. Fecha desconocida

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Uno de los aspectos que más me gustó del museo fueron estás salas en las que tratan de mostrar muchos de los objetos de la época y como estos habitaban el espacio. Ignoro por completo si todos los objetos pertenecían a la casa de Frida y Diego o si han sido traídos para darle más vida a los espacios y si los colores eran así cuando ellos vivían ahí. El color amarillo saturado del piso, en contraste con el azul de las paredes bajas resaltan mucho los objetos de barro y las artesanías, dándole una noción de vida a las habitaciones. Me pareció muy interesante también el hecho de haber pintado algunos de los muebles del color del piso, quizás para dar la noción de más espacio.  Por supuesto, estos colores tan llamativos seguramente quieren hacer alusión a los colores de sus vestidos y reforzar la noción de su identidad

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Vemos claramente la opinión ideológica de Frida quizás respecto a lo que estaba pasando por esos años con la Revolución Cubana o por haber leído el Manifiesto del Partido Comunista, que podría ser el libro que sostiene su mano izquierda.  La composición está dividida por la mitad, estando Frida en el centro de ella. A la izquierda está lo que parece ser el planeta tierra destruyéndose pero saliendo una paloma blanca de él y la tierra al parecer fértil, con algunos ríos de agua. A la derecha vemos la cara de Marx pero mirando hacia la izquierda mientras sale un brazo de su cabeza que está ahorcando lo que podría ser un águila con la cabeza del Tío Sam y de la tierra brotando lava, junto con una piedra. El cielo también está más oscuro en la parte derecha de la pintura. Respecto a la paleta tenemos unos colores cálidos y poco saturados. La pintura claramente está haciendo alusión a la idea utópica del comunismo como la cura de los males, lo que representan las manos que rodean su cuerpo que la están curando, pues vemos que sus muletas están como cayendo al suelo. Su ideología política también podemos evidenciarla en uno de sus corsés, en el cual pintó el símbolo comunista

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El marxismo dará salud a los enfermos - Frida Kahlo (1954)

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El marxismo dará salud a los enfermos - Frida Kahlo (1954)

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México. 60 cm x 76 cm. Oleo sobre masonita

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Desde la curaduría hicieron un trabajo excelente dándole unidad a los objetos expuestos en conjunto con la estructura y la pared de cerámica que hay detrás. Los objetos expuestos ya hablan un montón de darle estructura, sostenibilidad y estabilidad al cuerpo; la estructura hecha en un material fuerte como lo es el hierro, las uniones en "x" que forma triángulos (la forma geométrica más estable), la forma rectangular horizontal y soportada por barras verticales, a demás de la cuadrícula del fondo de cerámica refuerzan el mensaje de estabilidad y estructura. Por último, un detalle de mucho valor que no se puede dejar pasar por alto fue la forma como envolvieron una de las barras de hierro laterales de la estructura con una venda, como si de una pieza del cuerpo se tratase, o más bien, como tratando de esconder lo que da estructura, de la misma forma como lo hacía Frida con sus vestidos al tratar de evitar la atención hacia las partes del cuerpo que requerían de esos objetos que le daban estructura a su cuerpo. La forma tensionada con la que está amarrada también podría estar hablando de las cuerda que aseguran los corsés al cuerpo de Frida

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Fotografía panorámica de la exposición "Las apariencias engañan: Los vestidos de Frida Kahlo"

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Fotografía panorámica de la exposición "Las apariencias engañan: Los vestidos de Frida Kahlo"

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Mi experiencia recorriendo los jardines internos del museo fue interesante pues, de alguna forma, habla directamente de lo que hay aquí.  En contraste con el Rijks Museum por ejemplo, vemos un museo completamente diferente. Aquí no hablamos de una estilo barroco lleno de ostentosidad en los detalles o de experiencias catedráticas del gótico, sino de una arquitectura más colonial y más autóctona; lo anterior se ve reflejado sobre todo en el verde de los jardines contrastados con ese azul de las paredes. Me llamó mucho la atención como los jardines reflejan un pasado histórico, con arboles altos y viejos y plantas y arbustos no perfectamente cuidados, en comparación, por ejemplo, con un jardín barroco. Las paredes no perfectamente lisas, las puertas y ventanas de madera con esos barrotes de hierro resaltadas por el rojo y el verde en contraste con el azul comunican lo llamativa que era la artista desde su identidad ideológica y política

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CDMX, México

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Este imponente gabinete me llamo la atención por su simetría bilateral tan marcada, su diseño geométrico simple pero fuerte  y por esas puertas tan bien trabajadas en diferentes tipos de madera. El patrón geométrico conseguido por Gimson es de admirar por la reivindicación de las artesanías como respuesta a la industrialización. Las manijas plateadas muy llamativas y los dos platones de la parte inferior, en contraste con esas formas rectangulares y cuadradas crean un objeto armónico y simple pero poderoso

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101 cm x 139 cm x 45 cm.
Ébano de Macassar, con incrustaciones de palmeras, naranjos y ébano; interior en ciprés, sicomoro y bálsamo

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Cuando me topé durante mi recorrido virtual del Nivel 2 con la segunda versión del Dr. Gachet pintada por Van Gogh, me llamó la atención que, de la sala en la que estaba, era el único cuadro con marco diferente. Inmediatamente me pareció una genialidad de la curaduría escoger un marco tan consecuente con la melancolía que quiso evocar Van Gogh. La posición del Dr, Gachet, en conjunto con su expresión y el contraste de colores fríos con el oscuro y grueso del marco, en lo personal, comunican de manera muy eficaz. No me imagino esta misma obra con un marco dorado y lleno de detalles ostentosos como los de esta misma sala. Respecto a la profunda melancolía que evoca, "la expresión desoladora de nuestro tiempo" escribió Van Gogh en una de sus cartas para su hermano Theo.

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Dr Paul Gachet - Vincent van Gogh (1890)

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Dr Paul Gachet - Vincent van Gogh (1890)

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57 cm x 68 cm. Oleo sobre lienzo

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En esta sala del nivel 5 me pareció increíble como desde la curaduría se puede hacer un énfasis tan pertinente. Primero, es de mencionar el color de las paredes que hacen resaltar todas las pinturas con sus tonalidades, de la misma forma como lo hacen los marcos dorados llenos de detalle. En esta sala podemos ver un evidente peso visual equilibrado por la escultura del lado izquierdo, justo en frente de la pintura de Monet. En un principio me pregunté por qué podrían una escultura justo en frente, pero al ver el color plateado del marco me di cuenta que era para equilibrar el espacio visual, haciendo énfasis al mismo tiempo en esta hermosa pintura impresionista que es resaltada por ese sencillo marco plateado.

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200 cm x 200 cm. Oleo sobre lienzo

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Mirando en la colección del museo me topé con esta pintura que me llamó inmediatamente la atención por la gran expresión de su pincelada. Es evidente la fuerza y el gran movimiento que evoca, al igual que la imponente violencia que reflejan esas formas difíciles de identificar. En todo el centro de la pintura podemos ver unos caballos y personas siendo atacados por unos leones como si de una danza se tratase, aspecto que refuerza, en mi opinión, la paleta y el uso de colores cálidos. El poeta maldito Charles Baudelaire dijo:
"Nunca se han canalizado colores más bellos e intensos a través de los ojos hacia el alma".

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The Lion Hunt - Eugène Delacroix (1854) 

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The Lion Hunt - Eugène Delacroix (1854) 

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115 cm x 86 cm. Óleo sobre lienzo

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Mi experiencia con el recorrido              - 25 de Abril, 2021

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Mi experiencia con el recorrido              - 25 de Abril, 2021

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Respecto a mi experiencia con el recorrido virtual, debo decir que me sentí muy frustrado por lo limitada que fue. Por otro lado y siendo más positivo, el nivel 0 que pertenece a la parte más histórica del museo como antigua estación de tren, me voló la cabeza. La arquitectura y esos tonos de modernización industrial que dan las vigas de hierro en contraste con  lo que parece ser mármol me pareció hermoso, como que guarda muy bien el espíritu del lugar anterior. De igual manera, el techo en forma de pasaje y su hermoso patrón repetitivo, junto con sus lamparas que cuelgan y el imponente reloj dorado me hicieron sentir como si hubiese viajado atrás en el tiempo. En este nivel también sentí una leve sensación de caos por como estaban dispuestas las esculturas, teniendo en cuenta el espacio alargado pero un poco estrecho, factor común que noté en los pasillos de los niveles 2 y 5.

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Paris, Francia

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Mondrian dress,   Yves Saint Laurent, (1965)

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Mondrian dress,   Yves Saint Laurent, (1965)

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El couturier francés Yves Saint Laurent ganó éxito internacional con vestidos inspirados en las pinturas de Piet Mondrian. Este es el modelo más elemental de las seis variantes presentadas por Yves Saint Laurent en 1965.

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Totalmente diferente     21 de Abril, 2021 

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Totalmente diferente     21 de Abril, 2021 

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Con el tercer piso del museo me llevé toda una sorpresa. No me esperaba encontrar formas de representación de arte tan diferentes. Me parece increíble el contraste de de pasar de obras barrocas llenas de detalles y completamente figurativas a pasar a pinturas, objetos y esculturas tan diferentes como las de este piso. Arquitectónicamente también es como pasar a un museo completamente diferente. Soy muy fan.

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Sentirse diminuto     21 de Abril, 2021 

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Sentirse diminuto     21 de Abril, 2021 

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Como mencione en la entrada de "El recorrido", el sentirse muy pequeño en varias partes del Museo tiene que ver con el estilo gótico que tiene. Los altos vitrales, característicos del gótico, iluminan el camino y la especie de lobby que hay antes de entrar en el pasillo principal. Las altas puertas con forma de arco y el contraste diminuto en comparación con el detalle de los arcos da cuenta de la complejísima obra arquitectónica que es. Las columnas cuadradas o las hermosas  representaciones de los vitrales merecen tanta atención como las obras que habitan sus espacios.

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Mirando la colección de obras del museo me topé con está silla. Lo primero que me atrapó fue el hermoso bordado que tiene en el frente del espaldar por los dos hipogrifos. Los colores amarillos, rojos y rosados del ramo de flores resaltan de la silla y sus colores menos saturados pero elegantes y con excesiva clase. Me encanta poder imaginarme el tipo de persona que se podía dar el lujo de sentarse en ella.
También me llamaron mucho la atención los tallados de la madera y la perfección del detalle.

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Armstoel Kops-ameublement Abraham van der Hart, Anónimo         c. 1793 - c. 1795 

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Armstoel Kops-ameublement Abraham van der Hart, Anónimo         c. 1793 - c. 1795 

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Netherlands
97cm x 66cm x 65cm
Madera

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Lo que más me llamó la atención de este hermoso poster es el uso de la tipografía y lo conectada que está formalmente con elementos del posters como el movimiento que crean las líneas del cabello  de las mujeres  y las arrugas de sus largos vestidos. El cuadrado al lado izquierdo del escudo lleno de aceitunas generando tención, sobre todo por su color, es un detalle curioso. También me pareció interesante lo saturado que está el poster al prácticamente no tiene espacios vacíos. Interesante contraste el diseño contemporáneo.

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Poster for Delft Salad Oil, Jan Toorop, (1894) 

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Poster for Delft Salad Oil, Jan Toorop, (1894) 

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Netherlands
95 cm x 62,5 cm
Papel

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De todo mi recorrido, el pasillo que conduce hacia The Night Watch (1642) de Rembrant es mi favorito. Se me hace increíble como todas las líneas de perspectiva conducen exactamente hacia las esquinas del marco del cuadro. Me gustó mucho también como los curadores dispusieron cada sala de este pasillo con cuadros a la misma altura y en la misma línea horizontal, escogiendo cuadros más grandes a medida que se avanza en el pasillo, resaltando el énfasis en el cuadro de Rembrant. De la misma forma, la simetría y el equilibrio del peso visual es algo definitivamente a resaltar. Por último, las salas espaciosas, lo altos techos y la gran distancia entre el cuadro central y tú desde la primera vista al entrar en el pasillo,  general una sensación de pequeñez típica de la experiencia mística de las catedrales góticas.

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Ámsterdam, Países Bajos