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Colección Wallace, Manchester Square, Londres, Reino Unido

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Nos muestra a una joven en un agradable y exuberante bosque, que se balancea en un columpio empujada por su marido, un hombre de cierta edad, mientras su amante, mucho más joven y apuesto, escondido, mira por debajo de su vestido.

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El columpio (Fragonard) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Los felices azares del columpio (en francés, Les hasards heureux de l'escarpolette), o, simplemente, El columpio ( L'Escarpolette), también conocido en inglés como The Swing, es un cuadro del artista rococó francés Jean Honoré Fragonard, realizado en 1767. Es una pintura al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 81 centímetros de alto por 65 cm.

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National Gallery, Trafalgar Square, Londres, Reino Unido

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Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun (1755-1842)

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Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun (1755-1842)

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Fue la pintora francesa más famosa del siglo XVIII y una de las retratistas más demandadas de su época, sobre todo por ser autora de algunas de las más grandes obras pictóricas de propaganda política del siglo XVIII al servicio de una idealizada María Antonieta.

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Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun ( París; 16 de abril de 1755- Louveciennes; 30 de marzo de 1842) fue la pintora francesa más famosa del siglo XVIII y una de las retratistas más demandadas de su época. Su pintura está presente en un centenar de museos de 20 países.​ Su obra incluye 900 pinturas, entre ellas 700 retratos -muchos autorretratos, 30 retratos de su amiga María Antonieta y 67 retratos realizados durante los seis años de exilio en Rusia-. Durante sus viajes se convirtió en miembro de las Academias de Florencia, Roma, Bolonia, San Petersburgo y Berlín.​ Dejó escritas las memorias sobre su vida.​

Nació en 1755, en París, en el seno de una familia humilde, a pesar de la reputación de su padre Louis, retratista en colores pastel, lo que dio acceso a la familia a la sociedad burguesa artística. Su hermano pequeño, Étienne, tres años menor que ella, también mostró talento como escritor.​ De su padre, Louis Vigée, recibió sus primeras lecciones, aunque se benefició más de los consejos de Gabriel François Doyen, Jean-Baptiste Greuze, Claude Joseph Vernet y otros maestros de la época.

De los 6 a 11 años vivió en un internado y no dejó de pintar.​

A los 12 años perdió a su padre y primer maestro, en una operación médica fallida. Durante su adolescencia pintó ya retratos de manera profesional. Comenzó pintando a su propia familia: a su madre, a su hermano Etienne y a su padrastro, Jacques-François Le Sèvre.​ Su madre, Jeanne Massin, por circunstancias económicas, volvió a casarse con un hombre con el que la pintora no tenía buena relación. Animada por su madre para que continuara con la pintura, a los 15 años Louise tenía su propio estudio.​

Cuando su estudio fue embargado por pintar sin licencia, buscó afiliarse a la Académie de Saint Luc, que sin saberlo exhibió sus cuadros en su Salón. El 25 de octubre de 1774 ingresó en la Real Academia de Pintura y Escultura.

En torno a 1774 conoció a Jean-Baptiste Pierre Lebrun, pintor y comerciante de arte, vecino suyo, con quien se casó en 1776 por recomendación de su madre, explica en sus memorias, y por salir de la casa en la que vivía su padrastro, de quien explica, cada vez tenía peor carácter tras dejar sus actividades.​ Su marido, dice también en sus escritos, resultó ser un mujeriego, adicto a los juegos de azar y las prostitutas, en los que gastaba el dinero que ella ganaba. Pero su propia experiencia profesional y colección de maestros antiguos y grabados ayudaron a Louise a ampliar sus horizontes artísticos y perfeccionar su técnica de pintura.​

Pintó los retratos de muchos de los miembros de la nobleza francesa y conforme avanzaba su carrera, a la edad de 23 años, fue invitada a Versalles para pintar a la reina María Antonieta.​ El primer cuadro lo pintó en 1779.​ La reina quedó tan complacida con el trabajo de Vigée-Lebrun, que recibió el encargo de pintar más retratos de ella, así como de los príncipes y de numerosos nobles.​

A principios de la década de 1780 Le Brun llevó a su esposa a un viaje a los Países Bajos, lo que le permitió profundizar en los maestros flamencos y su comprensión del arte holandés, en especial el uso de Rubens del color y los esmaltes, que iba a tener una influencia permanente en su arte.​ Allí pintó los retratos de algunos nobles y del Príncipe de Nassau.

El 31 de mayo de 1783 fue aceptada como miembro de la Academia Real de Pintura y Escultura como pintora de alegorías históricas. Adélaïde Labille-Guiard, su principal rival,​ fue aceptada el mismo día. Los hombres a cargo se opusieron a su admisión argumentando que su esposo era un tratante de arte, pero una orden del rey fijó la decisión una vez que María Antonieta presionó a su marido en favor de la pintora. La admisión de dos mujeres en un mismo día suscitó comparaciones entre ambas en vez de comparaciones entre miembros femeninos y masculinos.

Tras la detención de la familia real durante la revolución francesa en octubre de 1789 Vigée Lebrun identificada como monárquica, huyó de Francia con su hija Brunette, de 9 años, iniciando doce años de exilio viajando primero a Italia y después a Austria y Rusia.​ Su experiencia en tratar con clientes de la aristocracia le resultó útil. En Roma sus pinturas fueron aclamadas por la crítica y fue recibida en la Academia di San Luca. En Rusia pintó a numerosos miembros de la familia de Catalina la Grande. Durante su estancia Vigée Lebrun fue nombrada miembro de la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo.

En 1793 su marido fue obligado por las autoridades de la revolución a divorciarse y ella asumió su propia manutención y la de su hija con su propio trabajo.​

Finalmente regresó a Francia durante el reinado del emperador Napoleón I. Solicitada por la élite de Europa, viajó a Inglaterra a principios del siglo XIX y pintó los retratos de varios notables británicos incluyendo a Lord Byron. En 1807 viajó a Suiza y fue nombrada miembro honoraria de la Societé pour l'Avancement des Beaux-Arts de Ginebra.​

A instancias de una amiga, la condesa Dolgoruki, Vigée Lebrun publicó sus memorias en 1835 y 1837, en donde muestra una interesante perspectiva de la formación de los artistas del final de la época dominada por las academias reales.

Todavía siendo muy activa a partir de sus 50 años, compró una casa en Louveciennes, Île-de-France. Vivió en ella hasta que el ejército prusiano la tomó durante la guerra de 1814. Vivió en París hasta su muerte el 30 de marzo de 1842. Nunca volvió a casarse. Su cuerpo fue llevado de vuelta a Louveciennes donde fue enterrada en un cementerio cerca de su antiguo hogar.

En su lápida se lee el epitafio "Ici, enfin, je repose..." ("Aquí, al fin, descanso...").

Vigée Lebrun es considerada la más importante artista femenina del siglo XVIII. Dejó tras de sí 660 retratos y 200 paisajes.

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Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun ( París; 16 de abril de 1755- Louveciennes; 30 de marzo de 1842) fue la pintora francesa más famosa del siglo XVIII y una de las retratistas más demandadas de su época.

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Juramento de los Horacios - J. L. David (1784)

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Juramento de los Horacios - J. L. David (1784)

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Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Rue de la Régence, Bruselas, Bélgica

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Goya pinto este cuadro unos años antes de que comenzara el movimiento del Romanticismo.

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Gallo Nero, Sierichstraße, Hamburgo, Hamburg-Nord, Alemania

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Los artistas Alemanés

muestran interés por lo irracional, lo oscuro, lo fantasmagórico; y buscan representar la naturaleza desde

ópticas individuales –desde lo sublime, lo inabarcable, lo lejano, el espacio infinito, lo descomunal–. Sus

principales representantes son Caspar David Friedrich y Karl Friedrich Schinkel

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Son determinantes los temas de Historia y el trasfondo de los cambios políticos de principios

del siglo XIX. Pintura desmesurada, con mucha importancia del color. El pleno romanticismo se refleja

en las obras de Théodore Géricault (1791-1824) y Eugène Delacroix (1798-1863), quienes participan de

todas las características señaladas para el movimiento.

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National Gallery, Trafalgar Square, London, Reino Unido

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En sus obras se refleja el “yo” interno de los artistas,

sus sentimientos y emociones que comunican al espectador. Estilo muy libre. Desarrollo de la poética

de lo pintoresco: lo único, lo singular, lo inigualable que emana de la naturaleza.

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María Antonieta con una rosa - Marie Louise (1783)

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María Antonieta con una rosa - Marie Louise (1783)

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En 1779 pudo realizar del natural el retrato de la reina María Antonieta, convirtiéndose pronto en

su pintora favorita y en la retratista de la sociedad aristocrática del París prerrevolucionario.

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National Gallery, Trafalgar Square, Londres, Reino Unido

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Lluvia, vapor y velocidad

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Su estilo se define por la línea firme de los

japoneses y el color como expresión de los sentimientos y la emoción. Aparece la perspectiva en

movimiento a través de los volúmenes. Sería el conocimiento de la obra de los impresionistas el que

provocó que su paleta se hiciese más clara, colorista y ligera, y que decidiese pintar al aire libre.

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Museo van Gogh, Plaza de los Museos, Ámsterdam, Países Bajos

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Nacido en Holanda e hijo de un pastor calvinista, se forma en París con la vanguardia impresionista bajo el

apoyo incondicional –emocional y financiero– de su hermano Theo, marchante de arte y con quien

mantuvo una intensa correspondencia por la que conocemos muchos detalles de su vida. Se interesó inicialmente por los temas de contenido social, en cuadros sombríos de tonos oscuros

y grises

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Museum of Modern Art, West 53rd Street, Nueva York, EE. UU.

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Museo van Gogh, Plaza de los Museos, Ámsterdam, Países Bajos

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National Gallery, Trafalgar Square, Londres, Reino Unido

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Es una de las obras artísticas mas caras de la historia.

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Después de una infancia en Perú, regresó con sus padres a Francia. En 1887 entró en la marina dando

la vuelta al mundo y más tarde trabajó en la bolsa. A los treinta y cinco años tomó la decisión más

importante de su vida: dedicarse por entero a la pintura sacrificando así su estabilidad económica y la

relación con su familia –abandono de su mujer e hijos–. Comenzó así una vida de viajes y bohemia que

fructificó en una producción artística singular y determinante de las vanguardias del siglo XX.

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Museo Albright-Knox, Elmwood Avenue, Búfalo, Nueva York, EE. UU.

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Kunstmuseum Basel, Sankt Alban-Graben, Basilea, Suiza

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Gracias a sus cuñados consigue acceder a la Real Fábrica de Tapices, donde realiza

diversos cartones –pinturas que servían de modelos para tejer los tapices que decoraban las

habitaciones reales => pintoresquismo costumbrista rococó

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MoMA, West 53rd Street, Nueva York, EE. UU.

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Con este cuadro se puede decir que comienza el cubismo. Sin duda, una de las obras más

trascendentales del siglo XX. La finalidad de este movimiento es la representación de todas las

dimensiones en el plano, aportando así una nueva “cuarta dimensión”, es decir, la suma de

todas las perspectivas. Un arte intelectual, donde desaparece la realidad natural y el punto de

vista único.

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British Museum, Great Russell Street, Londres, Reino Unido

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Así estaban ubicados los cuadros en la casa de Goya antes de morir

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El dos de mayo de 1808 o La carga de los mamelucos

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El dos de mayo de 1808 o La carga de los mamelucos

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Se puede afirmar que con Manet comienza la pintura moderna al ser uno de los precursores del Impresionismo por su pincelada rápida y limpia que descompone en pequeños toques de color.

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No menos escandaloso resultó la mirada fija de la mujer desnuda hacia el

público –al igual que hiciera en su Olympia– sin participar en la aparente conversación de los

jóvenes, mostrando así el distanciamiento de los impresionistas respecto a modelos

establecidos o a la narración.

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Barnes Foundation, Benjamin Franklin Parkway, Filadelfia, Pensilvania, EE. UU.

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Considerado junto a Picasso el mayor artista del siglo XX por su revolucionaria utilización del color, su

vigor expresivo y el rechazo a copiar la realidad, la naturaleza. Encabezó la vanguardia fauvista ejerciendo

un indiscutido liderazgo sobre los demás.

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Museo Hermitage, Plaza del Palacio, San Petersburgo, Rusia

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Museo Marmottan Monet, Rue Louis Boilly, París, Francia

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Impresionista “puro”. En su juventud conoce la pintura al aire libre y junto a Renoir hace excursiones para

pintar al natural, dedicándose al paisaje donde quiere captar los efectos fugaces y cambiantes de luz. Su obra

de 1874, Impresión, sol naciente, sin habérselo propuesto dio nombre al movimiento tras el comentario

despectivo del crítico Louis Leroy.

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Simplificación de la naturaleza en líneas perpendiculares y diagonales, planteando una nueva

construcción del espacio y de los volúmenes, construcción geométrica que resta importancia a la luz.

No cree, a diferencia de los impresionistas, que la pintura deba basarse exclusivamente en la mirada.

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Degas fue, junto a Renoir, el pintor del grupo más independiente. Era de familia acomodada, lo que le

permitió viajar por Italia en sus años de formación. Por la admiración que le causaron los pintores del

Renacimiento, trató de conciliar las exigencias de la estética clásica con el color.

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Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado, Madrid

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Pierre Auguste Renoir - Baile en el Moulin de la Galette

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Pierre Auguste Renoir - Baile en el Moulin de la Galette

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Renoir, de origen humilde, comenzó su formación y carrera artística como pintor de flores sobre porcelana

en un taller y quizás eso influyera en la calidad decorativa de su obra. Integrado en el movimiento

impresionista, fue uno de los pintores que evolucionó desde una paleta vibrante y luminosa hacia formas

más pastosas y desechas. Gran paisajista –destaca su capacidad para captar lo sólido, lo terrestre– con el

tiempo se centrará en la figura humana –especialmente la femenina–.

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Es una de las mujeres que se pueden resaltar de esta época, estando a la altura de los demás autores. Utilizando una técnica tan perfecta como los demás

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Es otra de las mujeres impresionistas que estuvieron a la altura de los demás autores, y como la anterior, se dedicaban a pintar escenas caseras de la vida cotidiana.

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Museo Reina Sofía, Calle de Santa Isabel, Madrid

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Pintor y grabador noruego, es considerado el precedente más claro del expresionismo. De espíritu pesimista

y depresivo, Munch haría de la angustia, la soledad y la incomunicación del ser humano los ejes

vertebradores, también obsesivos, de su pintura.

Uso expresivo del color, que llena las obras deformando las figuras.

Convulsión de las líneas, fragmentadas y ondulantes, formas disgregadas.

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Artista de origen ruso es, sin duda, uno de los más importantes teóricos del arte del siglo XX como

refrendan los numerosos tratados que escribió.

La abstracción no es un movimiento único, pudiéndose llegar a ella a través de dos vías:

a) la

nominada como abstracción lírica que, a partir de las experiencias de fauvistas y expresionistas, exaltan la

fuerza del color; y b) la abstracción geométrica que parte y se apoya en la estructuración cubista.

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Pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl, fue el fundador del neoplasticismo junto con Theo van

Doesburg; siendo el artista más representativo del movimiento. Evolucionó desde el naturalismo y el

simbolismo hasta la abstracción, creando un nuevo lenguaje que partía del cubismo, por lo que su definición

del neoplasticismo se basaba en formas rigurosamente ortogonales, depurando la pintura de toda referencia

figurativa y curvilínea de manera casi matemática.

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Galeria degli Uffizi, Piazzale degli Uffizi, Florencia, Italia

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Giorgio de Chirico - Comoposición Metafísica.

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Giorgio de Chirico - Comoposición Metafísica.

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Salvador Dalí - La persistencia de la memoria

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Salvador Dalí - La persistencia de la memoria

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Con el MÉTODO

PARANOICO-CRÍTICO, sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación, imágenes irreales

en paisajes desnudos, construyendo un universo simbólico muy personal, poblado de impactantes imágenes

surrealistas en el que el sexo y la paranoia se dan la mano.

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Crea un mundo propio que, lleno de poesía, se abre paso a la abstracción,

surrealismo abstracto: imágenes simples, con pocos trazos; rechazo de la perspectiva, el modelado, el

claroscuro, acabado minucioso; utilización de colores puros –brillantes y vivos– y tintas planas; signos

abstractos, extraídos de lo irracional; dominio de las formas orgánicas;